Duster: « Duster »

Les légendes du slowcore de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies. Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, on a, à bien des égards, l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé l’Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premières sorties ont été réalisées par le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. À la fin de leur séjour à Built to Spill, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs réunions, tandis qu’Albertini prenait en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait « enregistrer un peu » sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement d’époque. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie inégalable de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité silencieuses. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans effort sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster : le chant est bas dans le mixage, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. On en vient, en fait, à penser que jamais Duster n’a été aussi flou.

Cet élément atteint son paroxysme pendant les feedbacks arrosés de « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », l’un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Parmi les autres points forts de l’album, citons le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater », que le groupe a sorti à Halloween.

Ne vous y trompez pas, il y a une progressio marquée de ces 12 pistes qui vont au-delà du flou. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques tours en leur temps à part.

Parton a récemment décrit le groupecomme pratiquant de la « musique expérimentale dépressive », ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que celle de « slowcore ». Duster a retouvé son public en 2019, cedernier l’a retrouvé aussi et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup d’atouts dans les mains.

***1/2

Algiers: « There Is No Year »

Sur les marches d’une église éclairée par des néons, on peut distinguer la silhouette de quatre figures évangéliques ; le dernier bastion de l’espoir, la vision du passé du futur encadrée par un ciel brûlé, des braises de feu, entourée par les débris des rêves brisés de l’humanité. Non, ce n’est pas le synopsis du dernier blockbuster hollywoodien mais le sentiment général qui frémit tout au long du troisième album d’Alger There Is No Year. C’est un album qui craque sous la pression d’un lourd fardeau, l’idée que, dans un avenir pas si sombre et lointain, l’apocalypse arrive et qu’on ne peut presque rien y faire. Bien que la dernière offre du quatuor soit antérieure aux récents troubles de ces dernières années, on peut dire sans risque de se tromper que l’Apocalypse est à nos portes

Avec un son à la croisée du punk, de l’électro et du gospel, s’il devait y avoir un groupe pour la bande originale d’Armageddon, ce devrait être Algiers. There Is No Year vous plonge en effet directement dans le feu de l’action, avec le morceau éponyme du disque qui saute dans la mêlée grâce à une volée urgente de synthés crépitants et de boîtes à rythmes croustillantes. Le frontman Franklin James Fisher prend le flambeau du prêcheur fou, tandis que sa voix riche et mélancolique aboie qu’il est bientôt minuit et que l’univers est bâti sur un château de cartes comme pour dépeindre l’infrastructure en ruine d’un gouvernement désemparé, sous la pression de ses actions ratées. Sans un moment pour respirer, « Dispossessio » augmente l’intensité, le drone électronique et les guitares se contorsionnent comme des poutres de fer que l’on tord sous une contrainte extrême. Un refrain de piano bondissant entoure un chœur de voix qui chantent à plusieurs reprises que la fuite est impossible. Cependant, le ton est donné plus tôt par Fisher qui annonce la chanson avec le coup de poing a capella « faites le tour/ fuyez votre Amérique/ pendant qu’elle brûle dans les rues/je serai ici au sommet de la montagne/en criant ce que je vois ». Au moment où le troisième morceau « Hour of the Furnace » tombe dans le champ de vision, tout espoir a disparu alors qu’on aimerait pouvoir dire que tout ira bien mais qu’on raisonne comme un homme vaincu. Une pulsation au ralenti signale le malheur qui s’est abattu sur nous, tandis que la chanson diffuse l’image de la race humaine dansant sur les étincelles d’un monde brisé.

Le problème, c’est qu’avec un trio d’ouverture aussi intense, There Is No Year lutte pour maintenir l’élan ; c’est comme si Algiers était devenue une métaphore complète en documentant la fin du monde dans les premiers instants du disque, pour que le reste de l’album raconte l’histoire de ce qui se passe ensuite. Il suffit de dire qu’il y a une accalmie dans l’énergie, comme on peut s’y attendre si on est entouré de métal tordu et de la notion d’humanité en train d’être anéantie. Malheureusement, cela transforme certaines parties du disque en un champ de ruines non maâtrisable ; le titre « Unoccupied » donne à la partie centrale de l’album un peu de peps et le jazz-électro détonnant de « Chaka » apporte une touche de science-fiction à un récit toujours pertinent. Alors que There Is No Year semble ainsi se diriger vers sa dernière demeure, « Void », qui se rapproche le plus de la tourmente, surgit en se balançant ou obliquant, comme s’il n’allait pas se coucher sans combat. Canalisant le déchaînement punk de leurs précédents travaux, l’intensité est ramenée à 11, alimentée par une batterie déchainée, des guitares bâillantes et le bourdonnement omniprésent des réactions. On entend Fisher crier vaillamment qu’il faut trouver une échappatoire avec une détermination à toute épreuve.

There Is No Year est à l’image de son sujet : chaotique, troublé, intense et conflictuel, provocateur et pourtant brisé. Une prophétie qui se réalise d’elle-même, enveloppée dans un vacarme futur-rétro gospel-électro punk – la bande-son de la fin du monde de la fin d’un monde dans lequel il n’y a nulle année

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Octo Octa: « Resonant Body »

Bouldry-Morrison célèbre la douce lueur des espaces de fête, lieux où les corps racisés, queer, trans, féminins et aux capacités différentes sont libres d’être ce qu’ils sont.

Pour les corps non conformes, la piste de danse peut être un espace sûr. Sous la douce lueur des lumières du disco, avec une musique de toutes les couleurs, les corps racisés, queer, trans, féminins et aux capacités différentes sont libres d’être. Tout le monde peut être qui il veut sur la piste de danse.

Resonant Body, le cinquième album complet du DJ et producteur Octo Octa (Maya Bouldry-Morrison), basé dans le New Hampshire, célèbre ces espaces sacrés. Sur huit morceaux, Bouldry-Morrison réimagine la culture rave des années 90 dans une perspective sexospécifique, où PLUR (Peace, Love, Unity, Respect) commence par le respect de soi-même.

Bouldry-Morrison est transgenre. Et si l »Where Are We Going ? » en 2017 s’est senti triomphant grâce à un optimisme prudent, elle était peut-être une question que Bouldry-Morrison s’est posée et aussi une interrogation des communautés LGBTQ+, surtout avec la montée de la visibilité trans et non-binaire.

Après une année de tournée bien remplie suite à la sortie d’un nouveau disque, Bouldry-Morrison était prête à répondre à cette question dans Resonant Body. Enregistré dans sa cabane dans les bois du New Hampshire, l’album a un lien fort avec la nature et s’inspire des thèmes de la survie, de la guérison et de la spiritualité. Même la pochette, créée par Brooke, partenaire de longue date de Bouldry-Morrison, est la peinture vibrante d’une forêt.

L’album s’ouvre en mode survie avec « Imminent Spirit Arrival », qui commence par un bourdonnement grave et pulsé qui se transforme en un break-beat classique des années 90.

Toutes les huit mesures, une voix dira « Come on »  et « go », convoquant les auditeurs sur la piste de danse. « Move Your Bod »y, qui suit, fait monter le tempo avec une batterie implacable et la phrase de titre est répétée à l’infini, même après qu’une ligne de basse doublée ait fait les trois quarts du chemin.

Cependant, tous les morceaux ne ressemblent pas à des tubes de club. « Deep Connections » a une qualité douce et éthérée créée par des arpèges de synthèse et des samples de « My Body Is Powerful » apaisant les sons de la nature – cris d’oiseaux et hurlements lointains – sur une gamme pentatonique.

Une question est posée sur cet album : « Can You See Me ? ». Elle est probablement une référence à l’identité de Bouldry-Morrison, d’autant plus que les DJ des clubs sont en grande majorité des hommes cis. Mais ici, la question est d’une rhétorique retentissante, comme si Bouldry-Morrison plantait un pieu dans le sol annonçant qu’elle est là pour rester. Une voix chaude chantant combien elle sait ce que l’on ressent est un message pour les autres transsexuels, leur disant qu’ils ne sont pas seuls et que lorsque des corps marginalisés arrivent sur la piste de danse, on les voit, on les protège et ils importent.

***1/2

 

 

Riit: « ataataga »

Sur le premier album de Riit, l’engouement et l’amour, le pardon et la sens de la convivialité se rejoignent avec une concentration assurée.  Originaire de Panniqtuq, au Nunavut, l’auteur-compositeur-interprète a enregistré ataataga à Iqaluit et à Toronto. Tous les titres, sauf un, sont chantés en inuktitut. 

La plupart des images qui accompagnent le lancement de l’album montrent Riit avec des cheveux blancs comme de la craie, recollés comme de la glace, et cette esthétique froide s’infiltre dans le son électro-pop froid et synthétique de l’album. 

Sa polyvalence enchante d’emblée, passant des ballades sombres au chant comme une ingénue de l’alt-pop. Mais le talent de Riit ne se limite pas à la flexibilité des genres. Le titre d’ouverture, « ataataga », et sa version acoustique fugace qui clôt l’album, révèlent la profondeur de l’émotion que Riit apporte – tantôt en quête, tantôt pleine d’espoir. Chaque chanson apportant quelque chose de différent. 

Le producteur Graham Walsh (de Holy Fuck) a su tirer parti de la capacité de Riit à changer de son, passant de morceaux de danse entraînants comme #uvangattauq et qujana à des chansons mélancoliques comme « inuusivut » et « uqausissaka ». Chanteuse de gorge talentueuse, Riit tisse des liens entre les styles vocaux, produisant des couches dynamiques de son et de texture dans des chansons comme « ataataga » et « qujana » – une reprise de Susa Aningmiuq, une autre artiste de Panniqtuq. La râpe grisonnante de Josh Q rejoindra Riit sur une reprise de l  « inuusivut » de Northern Haze, tandis que Zaki Ibrahim est invité sur le morceau « #uvangattauq, » inspiré de #MeToo, un duo de voleurs d’album dans un ensemble de chansons déjà captivantes et délivrées par la nouvelle voix d’une artiste qui sait exactement ce qu’elle veut dire et comment elle le veut dire.

***1/2

Kiwi Jr.: « Football Money »

Kiwi Jr. fait partie intégrante de la scène musicale indépendante de Toronto. Avec Brian Murphy, qui fait le double service à la basse avec Alvvays et à la guitare avec Kiwi Jr ils partagent ainsi un penchant pour les guitares qui cliquettent, mais c’est là que s’arrêtent toutes les comparaisons.

Le premier album du groupe, Football Money, est rempli de rock universitaire des années 80 et de rock indépendant des années 90. Il ne fait aucun doute qu’il incitera les paresseux à adopter ce combo comme si il leur appartenait. Cela tient en grande partie à la voix acerbe de Jeremy Gaudet, que l’on peut confondre avec celle de Stephen Malkmus, mais même dans sa forme la plus blasée, cette cadence ajoute une formidable juxtaposition aux mélodies acérées et aux structures de chansons astucieuses d’un Kiwi Jr. dont, l’album, malgré ses 27 minutes, excède largement le temps d’accueil qu’on pourrait lui accorder

La vie métropolitaine a certainement déteint sur son leader. C’est un parolier observateur qui arpente son environnement avec l’esprit le plus sec, en particulier la difficulté de s’adapter à l’âge adulte à Toronto. Kiwi Jr. Souhaite sur son opus nous aider à nous orienter d’une manière assez doucement caustique comme ils le suggèrent sur « Swimming Pool » où ils nous incitent à relativiser en nous expliquant que, si jamais ça tourne mal, il ne reste qu’à rêver simplement de vse détendre avec Brian Jones au bord d’une piscine piscine.

Qu’il s’agisse du point de vue de la vie dans les grandes villes ou de la façon dont il nous rappelle la musique d’antan, Football Money s’avère être un opus vraiment délicieux.

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Halsey: « Manic »

Halsey, comme beaucoup de pop stars, a un personnage bien précis. Son personnage a évolué avec chacun de ses albums conceptuels, de la princesse dystopienne aux cheveux bleus qui a fait ses débuts avec Badlands en 2015, à la fée blonde bisexuelle Roméo/Juliet trouvée sur son Hopeless Fountain Kingdown de 2017. Grâce à sa relation très médiatisée avec le célèbre rappeur G-Eazy, également connu sur Internet, elle a joué le rôle de la petite amie rock star au look de cuir et a pris la décision de lancer elle-même son nouveau personnage : Ashley Nicolette Frangipane.

Manic est son album le plus personnel à ce jour. Le titre d’ouverture, « Ashley », nous présente la personne qui se cache derrière les personnages. Immédiatement, elle vous fait savoir que cette version ne peut être ni épinglée ni simplifiée. « Ashley » »utilise le pitching vocal pour créer une distorsion et un chaos avant de vous introduire dans une mentalité dichotomique de dégoût et de plaisir de son temps de gloire. Ces points de vue contradictoires se retrouvent dans l’album qui, comme le titre pourrait le laisser entendre, reflète son expérience de bipolaire. « Ashley » se termine par un extrait de l’album Eternal Sunshine of the Spotless Mind pour contrecarrer l’idee qi’elle n’est rien de plus qu’un concept. Ainsi, elle rend hommage à Clémentine avec un rendu à la fois déprimé et pince-sans-rire des sautes d’humeur et de la spontanéité qui font sa réputation.

Les émotions puissantes qui caractérisent cet épisode manique guident ses actions et agissent comme lun précipice pour tubes radiophoniques « Graveyard » et le premier « single » « Without Me » par exemple. « Graveyard » raconte son dévouement à un amant toxique qu’elle était prête à suivre jusqu’au bout du monde et « Without Me » fait office de suite, montrant que, même si elle a continué à essayer de les sortir de la tombe qu’ils avaient eux-mêmes creusée, elle a finalement dû se choisir elle-même. « You Should Be Sad » traite directement de sa relation avec G-Eazy, se déroulant comme le genre de lettre que l’on écrit avec rage et que l’on glisse dans un livre pour l’oublier.

Manic présente, à ce titre, plusieurs interludes d’Alanis Morissette, Dominic Fike et SUGA (de BTS). Ils ne se distinguent pas par eux-mêmes, mais contribuent à structurer et à scinder un album assez intense. La force réside ici dans les chansons enfouies dans la seconde moitié, où elle laisse s’effriter son anti-persona. « Finally // Beautiful Strange » » est, à cet égard, un confessionnal acoustique et dépouillé qui explore l’ouverture après une relation toxique. Elle se fond pour cette personne, mais a encore des problèmes avant de dissimuler ses sentiments sousdes sarcasmes. « 929 » clôt l’album par une réflexion sur sa vingtaine et sa célébrité. Elle rebondit sur la responsabilité morale qui découle de sa base de fans adolescents, de ses amants sans nom et de son père absent, en paroles rapides. « Qui suis-je, j’ai presque 25 ans » » réfléchit-elle avec le genre d’énergie frénétique et d’anxiété qui caractérise une crise de quart de vie.

Le titre phare de l’album sera le déchirant confessionnel « More » » Dans un discours émouvant prononcé lors du Blossom Ball de 2018, Halsey a parlé de son combat contre une fausse couche et l’endométriose. Elle a également fait savoir à quel point la maternité est importante pour elle et combien elle la souhaite, surtout à la lumière de ces expériences effrayantes. C’est l’un de ces rares morceaux qui vient du fait de permettre une vulnérabilité totale. C’est obsédant, déchirant et d’une beauté à couper le souffle. Qui va bien plus loin que la pop stricto-sensu

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Husky Loops: « I Can’t Even Speak English »

Si on devait résumer ce premier album de Husky Loops, I Cant Even Speak English, on pourrait suggérer d’écouter le premier titre « A Message From Lily To A Friend ». Ici, la protagoniste de la chanson, Lily, décrit l’album avec les phrases comme celle-ci : « lus vous l’écoutez, plus il y a de pétards qui sortent »ou cette autre : » »chaque chanson a une construction ». Elle n’a pas tort.

Tout comme le reste de ces titres, cet album comprend quinze morceaux extrêmement originaux et révolutionnaires qui purraient mettre à jour le livre des règles du rock. L’album est conçu pour être inclusif et fédérer tout le monde, ce qui est mis en évidence par l’idée géniale d’avoir une pochette personnalisable. Chaque album (qu’il soit physique ou numérique) acheté sera accompagné d’un stylo, permettant aux fans d’interpréter ce que le titre signifie pour eux. Cela brise complètement le mur entre les musiciens et les fans, car cela leur permet de contribuer au produit fini de Husky Loops, en créant une nouvelle touche personnelle à la musique.

La bonne nouvelle chez Husky Loops est qu’on y a la garantie que chaque nouvelle chanson sonnera différemment de la précédente. Pour eux, il n’y a pas de formule pour écrire un titre rock, chose qui est évidente dans I Can’t Even Speak English. Combinant synthés et effets lourds avec de vrais instruments, le groupe privilégie une fusion de moderne et de classique.

Malgré le niveau de bruit élevé de certaines chansons, chacune d’entre elles a évidemment été pensée à la seconde près. « Good as Gold » a une section centrale déplacée où tous les instruments s’arrêtent et où ce qui semble être un enregistrement joue. C’est efficace parce que c’est complètement anormal et surprenant pour nos oreilles taillées sur mesure.

« Temporary Volcano » affiche une voix automatique peu claire pour contribuer au thème électronique de la chanson qui crée un style moderne. Ce thème est lié à l’idée contenue dans les paroles qui mettent l’accent sur la cupidité de la société (« Je reçois de l’argent et je le dépense ») et sur la façon dont l’argent est si facilement gaspillé..

« Enemy Is Yourself » est un autre morceau innovant qui parle de luttes plus modernes – apprendre à s’accepter soi-même. Une fois de plus, nous entendons une autre voix générée par ordinateur qui répète le titre tout au long du morceau pour tenter de nous faire comprendre qui est le véritable ennemi. Combattre une guerre qui n’est même pas la nôtre est l’une des lignes qui décrit comment nous sommes prompts à nous impliquer et à blâmer les autres, sans pour autant trouver nos propres défauts.

En contraste avec ces chansons au rythme rapide, on nous montre qu’il n’est pas non plus hors de question de ralentir le rythme. « The Reasonable Thing » est la chanson la plus dépouillée, complétée par le tempo le plus lent, mais le groupe parvient à la rendre divertissante. On peut entendre une guitare brumeuse dans ce morceau créant un effet hypnotique, sous la colère d’une ligne de basse aiguisée et du chant du chanteur principal .

« J oy(Outro) » est la dernière chanson de l’album, et à ce stade, vous vous demandez peut-être ce que ce groupe pourrait faire de plus nouveau dans le monde de la musique. La réponse : écrire une chanson sur le champ. Le morceau commence avec Forni qui dit que « personne n’écrit jamais une chanson qui parle de ce qu’ils font en ce moment ». Le résultat est charmant, avec deux des trois membres du groupe qui s’échangent des idées. « Je suis assis au piano et je vais jouer un autre accord » avant de terminer par « je ne sais plus quoi dire ».

Husky Loops s’attaque ainsi de front aux luttes modernes tout en combattant les limites du rock et le statut de ce qu’est la création. Vivement l’album numéro 2qui confirmera que le combo parle bien d’autres langages.

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Twin Atlantic: « Power »

Bien qu’il soit sur certains radars depuis plus d’une décennie et qu’il ait été fortement médiatisé par des sources telles que Kerrang, Twin Atlantic n’a jamais atteint les mêmes sommets d’euphorie que ses contemporains comme Biffy Clyro. Avec un succès commercial constant, mais tout aussi facilement oublié des programmes radio, le groupe a toujours été très proche de devenir une tête d’affiche de festival.

Leur cinquième album, Power, pourrait marquer une pause à l’anonymat bien méritéepour ce dombo. Enregistré uniquement dans leur studio de Glasgow, le trio nous a offert un album court et percutant, et dans a facilité à nous accrochert est si évidente qu’elle en déevient indécente.

S’éloignant de leur son classique, Power tire son inspiration synth-pop de LCD Soundsystem et de Depeche Mode. Le morceau d’ouverture « Oh ! Euphoria ! » révèle cette chanson, en nous donnainstantanément, une introduction élégante et sexy avant de se lancer dans « Barcelona », un titre qu’on n’aurait aucuen honte à écouter en boucle.

En capturant le son classique de « Barcelona », le frontman Sam Mctrusty montre sa capacité à tisser avec style des paroles intelligentes autour d’un refrain anthemique. D’autres moments marquants sont les lignes de base du Black Rebel Motorcycle Club qui grondent sur le « single » « Novocaine » et « I Feel It Too », le pur plaisir du synthétiseur qui émane d’Ultraviolet Truth et « Messiah » est un chef-d’œuvre à construction lente qui s’insinuera en vous.

C’est un album à écoutes multiples, et il s’améliore à chaque fois. Il se peut que l’on ne capte pas Power dès la première écoute ; plusieurs autre s’imposeront pour que l’on puisse gouter ce son synth-rock un peu crade comme il convient de l’être.

***1/2

Andy Shauf: « The Neon Skyline »

Andy Shauf n’est pas étranger à un album concept. En 2016, il a sorti son disque révolutionnaire, The Party, qui a été inspiré par différents participants à une fête. Le musicien canadien s’est imposé comme un artiste ayant un don concret pour créer des personnages immersifs et enrichis par son lyrisme.

Pour le cinquième album du Torontois, The Neon Skyline, on le suit lors d’une soirée entre amis dans un bar de sa ville. Au cours de la narration de l’album, Shauf découvre que son ex-petite amie est de retour en ville et (à sa grande surprise) elle finit par se montrer. À première vue, cela peut sembler une affaire relativement banale. Cependant, l’album qui en résulte est en fait une exploration inattendue, poignante et charmante sur tout, des relations et des cycles destructeurs à la réincarnation et à la capacité d’aller de l’avant.

Dans la continuité de son travail, Andy Shauf a écrit, produit et interprété tous les titres de The Neon Skyline. S’écartant du son centré sur le piano de son prédécesseur, la composition met la guitare au premier plan. Deux aspects clés rehaussent l’esthétique folk-rock globale de l’album. La présence de la clarinette de Shauf sur des morceaux comme « Thirteen Hours » et « Where Are You Judy » introduit une chaleur et une profondeur jazzy qui me rappelle le Closing Time de Tom Waits. Le second ajout est l’utilisation de la pédale de réverbération à ressort de Shauf pour sa guitare, qui crée une dimension psychédélique tout à fait bienvenue dans le jeu, en particulier sur le morceau de clôture « Changer ».

Mais ce qui fait de cet album un dique au-dessus du lot, c’est la richesse des paroles, qui prennent ces moments fugaces de conversation dans la vie et créent de belles réflexions sur la condition humaine. Un sentiment de voyage s’installe dès le début du morceau d’ouverture, car Shauf encourage son ami Charlie (et l’auditeur) à le rejoindre au bar local, où il « lavera ses péchés ». Lorsque Charlie finit par le rejoindre, Shauf propose une réflexion après coup à laquelle tout le monde peut s’identifier, en chantant : « Je perds [juste] du temps… parfois, il n’y a pas de meilleur sentiment que celui-là ».

La relation de Shauf avec son ex-petite amie Judy est disséquée tout au long du dossier, ainsi que les processus que nous vivons tous lorsque nous retrouvons un ancien amant. Dans « Fire Truck », après avoir protesté contre son ex, Shauf affirme que parfois on peut avoir l’impression qu’on n’aurait jamais dû parler l’impression que je ne devrais plus jamais parler. Il s’agit d’une articulation sur le type de pincement d’orteils que toute personne ayant déjà eu une conversation avec un ex sous l’effet de l’alcool est susceptible de comprendre.

Ce sont ces réflexions récurrentes qui soulignent la poignance accessible de l’album. Sur « The Living Roo » », après avoir écouté son amie Claire parler de sa propre répétition d’une mauvaise habitude parentale qui lui a été transmise par son père, Shauf et Charlie réfléchissent qu’ils ont l’impression d’être accidentellement entrés dans le salon d’un étranger. En tant qu’auditeur, c’est souvent ce que l’on ressent en s’aventurant dans l’album.

Shauf a une capacité brillante à créer un récit sain, riche de personnages colorés et complexes. The Neon Skyline vous fait passer pour un groupe d’étrangers lors d’une soirée à Toronto. Le résultat en est une charmante observation des moments les plus subtils de la vie de l’humanité.

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Daniel Lopatin: « Uncut Gems »

Une bonne bande originale de film devrait donner envie d’aller voir le long métrage au service duquel elle se met. Le thriller des frères Sadie mettant en vedette Adam Sandler dans le rôle d’un joaillier criblé de dettes de jeu bénéficie du savant travail du compositeur avant-gardiste Daniel Lopatin, alias OneohtrixPointNever.

Beaucoup moins aride que lorsqu’il travaille sous son pseudonyme, Lopatin installe une ambiance définie par les timbres des synthétiseurs vintage avec lesquels il travaille — sur « The Ballad of Howie Bling » en ouverture, et plus tard avec « Back to Roslyn » et son solo de saxophone, ça sonne comme Vangelis sous hallucinogène. À l’opposé, sur « The Fountai »n et surtout « School Pla »y, Lopatin exprime le genre d’anxiété que maîtrisait John Carpenter lorsqu’il composait les bandes originales de ses classiques des années 1980. L’utilisation judicieuse d’une chorale, en ouverture, sur « Windows » puis « Mohegan Suite », appuyée par les synthés, insuffle urgence et gravité à l’ensemble.

***1/2