S’il y a une chose que Fitz & the Tantrums savent faire, c’est créer des hymnes pop-soul accrocheurs qui ressemblent à des publicités pour eux-mêmes. C’est cette énergie positive qu’ils apportent à leur cinquième album, Let Yourself Free. Depuis More Than Just a Dream, sorti en 2013, le groupe de Los Angeles (dirigé par le chanteur Michael Fitzpatrick) s’est éloigné de l’ambiance Motown excentrique et enregistrée à la maison de ses débuts. La transformation a atteint son apogée avec « Handclap » en 2016 un titre incontournable qui fonctionnait à la fois comme une déclaration de la capacité du groupe à écrire un hit et comme une menace un peu ironique. Avec Let Yourself Free, ils conservent tout ce savoir-faire pop grand public tout en réussissant à ramener les choses à leurs humbles débuts R&B. Annoncé plusieurs mois auparavant par le single estival « Sway », l’album est le meilleur mélange stylistique du groupe entre leur style néo-soul des débuts et la dance-pop lisse qu’ils ont adoptée.
Parmi les premiers, « Silver Platter » et « Steppin’ on Me » sont les plus proches de l’ambiance intime et moite des fêtes universitaires des années 60 des débuts du groupe. Ce sont des morceaux mélodiques, dignes de se pâmer, où les voix chaudes des chanteurs Fitzpatrick et Noelle Scaggs sont noyées dans une réverbération élastique et des accents de guitare R&B spectraux. On retrouve également les intimités du New Jack Swing des années 90 sur « Is It Love », où Fitzpatrick s’encadre d’une mer croonante de ses propres chœurs multipistes, comme une version clone de Boyz II Men. La funky « Moneymaker », le piano « Heaven » et le romantisme synthétisé de la dance-pop des années 80 « Big Love » sont plus en accord avec le talent du groupe pour écrire des chansons pop accrocheuses, dignes d’une bande sonore. Fitz & the Tantrums savent exactement ce qu’ils font, et Let Yourself Free est un album pop confiant, sans excuses, qui a toujours une âme.
Le projet Fenella de Jane Weaver a été présenté avec une bande-son alternative au film d’animation culte Fehérlófia. Leur deuxième album, The Metallic Index, est sans doute plus cinématographique, même s’il n’est pas lié à un film particulier. Essentiellement instrumental, l’album s’appuie sur des pulsations de synthétiseurs cosmiques et des textures balayées, avec la voix sans paroles de Weaver. Après s’être ouvert sur un titre censé évoquer un voyage en train, le disque passe d’arpèges bouillonnants et chargés (« Instituts Métapsychique ») à des guitares atmosphériques à la dérive (« A Young Girl of Medium Height »).
« Telekinetoscopes » cassera un peu l’ambiance, avec des séquences de glitches flous qui clignotent et résonnent. « The Metallic Index » est un interlude plus léger mené par des rythmes sautillants, mais « Lilacs Illuminate in Indigo » marque une descente vertigineuse dans l’ombre. « Stellar in Spectra » est un voyage inquiétant avec des boîtes à rythmes grondantes et des synthétiseurs spatiaux, qui débouche sur un sentiment d’extase. « Are They with You (The Final Chord) » est la seule chanson lyrique de l’album, et c’est un joyau psychofolk émouvant, qui ressemble un peu à une version acoustique de Broadcast. Même si The Metallic Index semble plus clairsemé et moins développé que le premier album de Fenella, qui était plus long et un peu plus dynamique, il n’en reste pas moins un effort captivant qui mérite d’être exploré.
Bien qu’il ne soit pas étranger à la musique délicate et émouvante de l’Americana, sur Love Songs For Losers, le cinquième album de The Lone Bellow et le deuxième en deux ans, le groupe retrace une fois de plus les cicatrices de la solitude et de la douleur, mais propose également une réflexion sur l’amour et la joie, ce qui en fait l’un des albums les plus éclectiques à ce jour, tant sur le plan musical que thématique.
« Honey », l’un des premiers singles de l’album, possède toutes les caractéristiques de The Lone Bellow, des voix obsédantes mais douces, des harmonies délicates et des paroles profondément informées. Mais dès la chanson suivante, « Gold », le groupe s’attaque à la dépendance aux opioïdes et aux communautés mourantes à la première personne – en s’appuyant à nouveau fortement sur les synthétiseurs, mais dans une ambiance totalement différente. Ailleurs, « I’m In Love » est ancrée par des guitares électriques et un refrain triomphant, tandis que « Dreaming » est une ballade douce et langoureuse au piano, mais les deux chansons sont tout aussi impressionnantes. « Caught Me Thinking « , un titre d’inspiration R&B agrémenté de cuivres, est l’une des chansons les plus ambitieuses du groupe à ce jour et elle est parfaitement réussie.
Alors que Zach Williams est le chanteur principal sur la plupart des morceaux, Kanene Donehey Pipkin prend le micro sur le rêveur « Cost Of Living ». Williams reprend le chant principal sur « Unicorn », une lettre d’amour très publique à sa femme qui a réussi à se remettre d’une paralysie : « Je me disais que je pourrais te dire ce que je ressens, t’asseoir et te briser avec des mots qui sont jolis, je pourrais te dire ‘je t’aime’ mais c’est tellement ennuyeux, je pense que Dieu a fait une licorne » (I was kind of thinking I could tell you my feelings, sit you down and wreck you with some words that are pretty, I could say ‘I love you’ but it’s such a bore, I think God made a unicor ).
L’album a été enregistré dans la maison hantée de feu Roy Orbison – ce qui n’est pas vraiment pertinent pour cette critique mais un fait cool, néanmoins. Bien que Love Songs For Losers comporte de nombreuses marques familières du groupe, l’album montre le trio sous son aspect le plus expérimental, diversifié dans ses sujets et ses sons – tout en sonnant toujours comme un album de Lone Bellow.
Que vous l’aimiez ou non, Peripheral Vision est tout ce qui compte vraiment pour Turnover. Peu importe ce que vous pensez de l’album NOTSHOEGAZEHOWDAREYOU sorti en 2015, son existence même est destinée à financer leurs chapeaux à godets et leurs champignons dans un avenir proche. Bien sûr, les setlists de Turnover peuvent saupoudrer quelques morceaux des machins musicaux qu’ils ont sortis après Periph, mais il est difficile d’imaginer qu’un public préfère ces trucs à des titres comme » Cutting My Fingers Off « , » Take My Head » ou » Humming « .
Ceci étant dit, Good Nature a été assez impressionnant en étant à la fois facile à écouter et légèrement irritant, en grande partie grâce à un son de guitare qui s’appuie trop sur le thème de la nature en ressemblant à un putain de moustique. De même, Altogether a compensé de manière experte l’ajout d’éléments intéressants (lire : des synthés) aux chansons de Turnover par une écriture totalement ennuyeuse, rendant l’ensemble du disque oubliable et finalement jetable. Trois ans plus tard, c’est l’heure de Myself In The Way ! Où se situera cet album dans la discographie de Turnover ?
La façon la plus simple de répondre à cette question est peut-être d’utiliser l’un de nos images préférés, celle d’un lémurien pixellisé assis sur une branche accompagnée d’une voix disant « idk man, sometimes I don’t want to move it move it ». En fait, Myself In The Way est un autre lot de morceaux ennuyeux que le groupe a concocté parce que les bonnes gens de Run For Cover Records ont besoin d’être nourris eux aussi. Il est rempli de synthés qui n’apportent pas grand-chose (sérieusement, imaginez à quel point « Wait Too Long » aurait été légèrement meilleursans cet d’autotune qui aurait été plus utile lors de la session Audiotreeen 2015 . Alors que la présence de Brendan Yates sur Myself In The Way est amusante pour une confusion Turnover/Turnstile supplémentaire, la décision de faire contribuer le chanteur de Very Hype à une outro ennuyeuse pour une chanson ennuyeuse est courageuse.
De temps en temps, l’engagement de Myself In The Way dans l’ennui mène à une musique agréable. « Bored of God/Orlando » est adéquatement rêveur et incorpore ses synthés dans la chanson plutôt que de les plaquer par-dessus. Ailleurs, ‘Ain’t Love Heavy’ réussit à être un morceau vibrant et dansant, en grande partie grâce à un featuring de Bre Morell qui vous permet d’oublier qu’il s’agit d’une chanson d’un groupe qui avait l’habitude de faire de la musique qui semblait s’intéresser à, euh, quelque chose. Ne vous méprenez pas, on est heureux que Turnover n’ait plus à se soucier de quelque chose. Tant mieux pour eux. C’est juste que on se moque de leurs trucs qui ne se soucient pas de se soucier… Parfois, on na pas envie « de bouger, de bouger ».
La reproduction est tout, et pour First Aid Kit,cette nouvelle sortie, Palomino,n’est que la dernière étape du processus. Lorsque vos parents sont fans de Patti Smith, du Velvet Underground et des Pixies, vous savez que vous avez la musique dans le sang, même si vos propres goûts vont plutôt vers Devendra Banhart et CocoRosie. Pour Johanna et Klara Söderberg, la chance a fait partie de l’équation, tout comme le travail acharné dès le plus jeune âge. Par chance, leur frère a fréquenté le même jardin d’enfants que la fille de Karin Dreijer de The Knife et Fever Ray. Très vite, les deux jeunes femmes ont été signées sur le label de The Knife et leur premier EP est sorti en 2008. Produit par le père des Söderberg, Drunken Trees est une collection de chansons enregistrées sur leur page MySpace.
Leur chance a continué à tourner avec l’attention de Robin Pecknold de Fleet Foxes, Conor Oberst qui les a rencontrés après un concert des Monsters of Folk à Stockholm, Mike Mogis (qui a proposé de produire leur prochain album) après les avoir vus dans une pré-fête d’Austin City Limits en octobre 2010. Après un concert à Nashville, Jack White les a emmenés dans son studio Third Man où ils ont enregistré « Universal Soldier » de Buffy St. Marie et « It Hurts Me Too » de Mel London et Tampa Red. En 2011, ils avaient ému Patti Smith aux larmes avec leur version de « Dancing Barefoot » lors du gala du Polar Music Prize à Stockholm que Smith a remporté. En 2012, elles avaient enregistré leur deuxième album, The Lion’s Roar, produit par Mogis, ainsi que le tendre single, « Emmylou ». Pas mal pour deux femmes qui n’avaient que 19 et 22 ans.
Sur Palomino, les Söderbergs jouent un jeu délicat, essayant de rester fidèles à leurs racines « country » suédoises tout en s’aventurant dans des directions beaucoup plus rock que tout ce qui a été fait auparavant. Ils ont bien appris leurs leçons, enregistrant en Suède et s’appuyant sur Daniel Bengtson pour apporter les touches de production dont ils avaient besoin. Bien que toutes les influences mentionnées ne se retrouvent pas sur Palomino, c’est un mélange intriguant d’ancien et de nouveau, de Fleetwood Mac, Carole King, Tom Petty, T. Rex et Elton John à des créateurs plus modernes comme Angel Olsen, Whitney et Big Thief.
La batterie qui ouvre la voie sur « Out of my Head » montre qu’il ne s’agit pas du simple petit groupe de country de la dernière décennie. Comme ils l’ont fait tout au long de leur carrière, ils marchent à leur propre rythme et, après cinq années passées loin des feux de la rampe, ils sont prêts à se déchaîner. Pourtant, il y a des questions à résoudre en cours de route. « Back in time, oh I go wanderin’/ Through the rooms of my mind/ Every door that I’ve been closedin’/ All the people that I have let down » (Retourner dans le temps, oh je vais errer / A travers les pièces de mon esprit / Toutes les portes que j’ai fermées / Toutes les personnes que j’ai laissé tomber). Elles se demandent si elles ne manquent pas de temps, ce qui est intéressant pour deux chanteuses encore si jeunes.
Ayant développé un don pour créer de grands arrangements, comme les cuivres qui conduisent « Angel » dans des espaces où ils ne sont jamais allés auparavant. Il n’est pas surprenant qu’ils aient eu à faire face à leur succès d’une manière qui suggère qu’ils ne méritent peut-être pas vraiment tout ce qu’ils ont accompli. « “I’ve been afraid all of my life/ Crippled with anxiety, shame and doubt/ And sometimes sometimes I’d like to shout/ At the top of my lungs and just let it out » (J’ai eu peur toute ma vie/ Paralysée par l’anxiété, la honte et le doute/ Et parfois, j’aimerais crier/ A pleins poumons et tout laisser sortir). Quand elles chantent comment la peur les a retenus, on commence à réaliser que les luttes font partie de la vie. Mais First Aid Kit arrive à gérer ses angoisses en écoutant des cuivres qui créent quelque chose d’un peu plus majestueux que ce que la personne habituelle pourrait entendre.
L’un des thèmes qui traverse Palomino est le sentiment d’être prêt à courir, impatient de voir ce qui se trouve juste derrière l’horizon. « A Feeling That Never Came » met en lumière ce sentiment tandis que les Söderbergs combinent un peu de T. Rex avec les cuivres de Memphis. Ils ne chantent pas en souhaitant ce qui était, mais plutôt en regardant ce qui vient après. Ils chantent : « On s’est fait virer du bar et on est partis vers l’ouest/ Je t’aimais, mais j’ai mis tout ça de côté/ Je suis restée au coin de la rue, solennelle sous la pluie/ J’attendais quelque chose, un sentiment qui n’est jamais venu » (Got kicked out of the bar and we headed west/ I loved you, I did, but I’ve put that all to rest/ Stood at the corner, solemn in the rain/ Waiting for something, a feeling that never came). Alors, elles passent à ce qui vient ensuite. Au fil du temps, First Aid Kit pourra se souvenir de ce moment et savoir qu’elles ont fait un choix judicieux.
Dakini, le premier album de Lisa Hammer (Requiem In White, Mors Syphilitica), est sorti en 2009. Il a été décrit comme « une musique pour le rituel, l’introspection et « l’éveil des sens », « un manifeste complet de recherche intérieure dans lequel on retrouve de nombreuses influences de différents genres musicaux », et qu’il a été « conçu pour transporter l’auditeur loin du monde manifeste et dans un espace plus profond ».
Réédité ici sur un vinyle coloré limité, en version étendue avec trois morceaux supplémentaires, il offre une occasion idéale aux fans actuels de se remettre en question et de se réadapter, et aux nouveaux venus de se familiariser avec l’album.
Il se trouve que je fais partie de ce dernier camp, et j’aborde donc l’album avec des oreilles fraîches, et seulement le fait qu’il est présenté comme étant pour les fans de Dead Can Dance et qu’il promet » des voix sans précédent, parfois angéliques et parfois maudites comme si elles venaient d’une autre période oubliée par le temps « .
On pourrait se demander si, si la version originale était un « manifeste complet », l’inclusion de morceaux supplémentaires n’est pas un gage de réussite. Surtout si l’on considère que « les ragas indiens correspondent aux heures de la journée, l’album représente donc un condensé de 24 heures, ce qui est parfait pour un rituel ou tout voyage émotionnel et spirituel ». Dans ce contexte, la question se pose de savoir comment assimiler le matériel supplémentaire de la manière la plus discrète possible, avec le moins d’impact possible sur le flux qui fait partie intégrante du concept original.
L’ouverture de l’album avec un nouveau morceau de sept minutes, « Alte Clamat Epicurus », fonctionne bien ; c’est une incantation vocale évocatrice sur un fond de bourdonnement clairsemé. Elle ressemble – à vue de nez, et avec un peu d’imagination – à un lever de soleil, à un réveil. Hammer sonne à la fois comme un monde à part et incroyablement terrestre, ce qui n’est pas une mince affaire – mais je trouve que c’est quelque chose de particulier à la musique, en particulier aux vocalisations, qui puisent dans les échos de l’ancienne spiritualité. Tout en exaltant les cieux, on a l’impression qu’il existe une connexion plus profonde avec le sol, les rochers, les arbres, les éléments. Cela ouvre parfaitement la voie à « In Taberna Quando Sumus » ; simple, rythmique, répétitif. Au fur et à mesure que l’album progresse, on s’accorde sur le sens d’un arc, d’un cycle, et Hammer entraîne l’auditeur dans un voyage intérieur. Certains arrangements musicaux sont si minimaux qu’ils sont à peine présents, le son du vent et des réverbérations caverneuses, tandis que d’autres sont centrés sur des percussions hypnotiques et des vocalisations chorales sans paroles, comme sur le puissant « Samsara » et le lilting, éthéré « Vajra ».
Ce flux est quelque peu perturbé par un mixage dance de » Chant Nr 5 « , déposé comme quatorzième morceau à la fin de la troisième face. Dans le sens où il sert de conclusion à la face qui s’ouvre sur la version originale, cela a un certain sens, mais quand même… c’est incongru, balayant l’encens à la dérive avec un rythme effréné et un son d’orgue chevrotant. C’est peut-être pour cette raison que j’hésite toujours à utiliser le terme « musique du monde » : il s’agit d’une vision occidentalo-centrée du globe, où le « monde » est vaste et où l’Occident n’en occupe qu’une infime partie, tant sur le plan géographique que culturel. En Occident, l’Occident est le monde et perçoit sa domination culturelle comme telle. C’est une perspective très faussée.
Alors que Dakini incorpore des éléments de ce qui serait communément décrit comme de la musique « mondiale », c’est vraiment de la musique « mondiale » dans le sens où elle embrasse vraiment la musique du monde dans toute son ampleur, avec le chant délicat de « Lullaby » qui doit peut-être plus aux traditions occidentales et qui montre que pour Hammer, toutes les sources sont égales, et cela donne une expérience d’écoute riche et émouvante.
La quatrième face se termine, et clôt l’album, avec le troisième et dernier morceau bonus, » Hurdy Gurdy Gavotte « . Et là, tout est parfaitement assumé.
Sous le nom de Trappist Afterland, Adam G Cole s’est taillé un catalogue intransigeant et souvent excitant de folk spirituel acide qui tisse des signatures temporelles orientales, des drones éthérés et des voyages audio méditatifs, qui ont abouti à Seaside Ghost Tales en 2020. Le double album culmine dans une série de chansons qui semblent en désaccord avec ses performances live, et avec le plus grand des respects, on a l’impression que Cole a exorcisé toutes les possibilités sonores de son domaine trappiste avant de s’en débarrasser dans un acte de transcendance audio.
Les pistes dépouillées de l’Afterlander sont un antidote parfait à l’édition ultérieure du Trappist Afterland, se limitant à des instruments à cordes soigneusement sélectionnés et supprimant les nombreux instruments de percussion. Cela permet aux compositions d’Adam Cole d’avoir de l’espace pour respirer et, en effet, avec beaucoup de chansons revisitées, une chance d’apprécier leur brillance sans le bagage sonore supplémentaire qui a fait que ses sorties précédentes s’insèrent bien dans le paramètre folk acide.
The Tracks of the Afterlander montre également la subtilité du jeu de Cole et la façon dont il a trouvé sa voix en tant qu’instrument, avec des murmures et des chuchotements agréables qui s’intègrent parfaitement à son travail instrumental sûr. Une autre observation qui devient évidente est la façon dont Cole s’est concentré sur l’écriture de fils concis, avec la moitié des pistes qui font moins de 3 minutes. S’agit-il d’un exemple de Cole se lançant dans la pop baroque acoustique ?
Cela ne va en aucun cas polariser l’auditeur, car les morceaux les plus longs (notamment « Clay Sparrows » et « Man of Sorrow ») conservent leur brillance médiative et fonctionnent encore mieux comme des exercices de voix et de guitare avec seulement le plus subtil des soutiens, fourni par Anthony Cornish, collaborateur de longue date.
Cette régression naturelle donne naissance à un album qui plaira aux fans actuels tout en attirant l’attention d’un nouveau public grâce à un son accessible qui conserve les nuances qui ont fait des précédents albums de Trappist Afterland des expériences uniques. The Tracks of the Afterlander ressemble à la quintessence d’un moment de Janus, regardant à la fois vers l’avant et vers l’arrière, et évaluant la bifurcation naturelle de la route qui aboutit à deux voies musicales à explorer davantage en toute confiance. Un album accompli.
La Grande-Bretagne a toujours eu une histoire saine en ce qui concerne le rock indé, et on peut même dire que c’est le pays qui a inventé cette classification. Depuis quelques années environ, il semble que ce vaste domaine ait reçu une impulsion créative. Des groupes surgissent de différentes villes et produisent certains de leurs meilleurs morceaux, tout en remettant l’accent sur la sphère musicale.
Les Londoniens de Sports Team sont l’un des nombreux groupes qui font partie de ce renouveau naissant et leur nouvel album Gulp ! signale leur arrivée de manière éclatante. L’album, qui est sorti le 23 septembre sur Island et Bright Antenna Records, combine des paroles accrocheuses, des rythmes énergiques et une vigueur débridée pour créer des morceaux contagieux.
La caractéristique immédiate qui me saute aux yeux à l’écoute est le chant d’Alex Rice. Il a cette façon unique de crooner qui se situe entre la soul de la Motown et l’élégance de la pop orchestrale des années 50. Son registre contribue au dynamisme des chansons, tout comme les guitares de Rob Knaggs et Henry Young. Oli Dewdney à la basse et Al Greenwood à la batterie forment la base des arrangements, tandis que Ben Mack au clavier et aux percussions apporte la touche finale. Ensemble, ces musiciens créent des hymnes délirants et rauques qui résonnent de vibrations optimistes et libératrices.
« The Game » donnera le coup d’envoi de l’album avec des guitares foudroyantes, des paroles accrocheuses et des harmonies joyeuses. Si cela ne fait pas danser les gens, je ne sais pas ce qui le fera. Avec un ton plus sombre, « Cool It Kid » illustre la façon dont la voix de Rice peut porter une chanson, tandis que le reste du groupe se joint à elle à divers moments. Un autre morceau qui fera bouger le corps est « Fingers (Taken Off) », surtout lorsque les guitares entrent en jeu après que la batterie et la basse aient mené l’introduction. D’autres points forts de Gulp ! qui méritent une certaine attention sont « The Drop », « Unstuck » et « Kool Aid ».
Cet album est composé de musique qui peut faire en sorte que l’auditeur se sente vivant. Quiconque se branche et appuie sur play aura envie de couper un tapis ou au moins de bouger un peu la tête et de taper du pied. N’est-ce pas là que la musique est la meilleure, lorsqu’elle vous fait ressentir quelque chose de positif ? C’est ce que fait Sports Team et sa musique mérite d’être acclamée et louée. C’est pourquoi leur nouvel album est super bon et les gens devraient l’écouter.
Absurdement prolifique et jamais à court de sujets à chanter, Luke Haines pourrait probablement écrire un opéra dans le temps que la plupart d’entre nous mettent à faire une liste de courses. Ancien leader des Auteurs et de Black Box Recorder, Haines a poursuivi une carrière solo qui lui a permis de mettre sa verve en avant et, avec l’aide de son ami Peter Buck, il nous a offert une nouvelle série d’envolées surréalistes sur All the Kids Are Super Bummed Out. Haines semble invariablement plus intéressé par l’ambiance et les jeux de mots délicats que par une ligne narrative claire, mais sur cet ensemble de chansons (17 titres en 68 minutes), il est obsédé par la collision entre la politique de la confrontation armée et les excès de la culture jeune de la génération précédente. « The Commies Are Coming », « The British Army on LSD » et « 45 Revolutions » offrent tous un niveau divertissant de paranoïa poétique enveloppée d’une part égale d’esprit surréaliste et d’une concentration cynique aiguisée. Avec cette dernière série de salves d’une longueur de deux albums, c’est une bonne chose que Haines ait Peter Buck à bord pour l’aider à écrire et produire la musique.
Comme sur la précédente collaboration entre Haines et Buck, Beat Poetry for Survivalists en 2020, l’ancien guitariste de R.E.M. a mis de côté son jangle caractéristique pour adopter un ton plus sombre qui convient mieux au fatalisme enthousiaste de la voix de Haines ; ses mélodies et ses arrangements s’accordent parfaitement aux paroles, et son utilisation créative d’un synthétiseur Moog démodé s’accorde parfaitement avec la nostalgie inversée des chansons. (Comme à son habitude, Buck a également fait appel à quelques amis talentueux pour l’aider dans ces sessions, notamment Scott McCaughey du Minus 5, Linda Pitmon du Baseball Project et Lenny Kaye, guitariste de longue date du Patti Smith Group). All The Kids Are Super Bummed Out fait l’erreur de concentrer les morceaux les plus excitants dans la première moitié de l’album, ce qui rend le dernier acte plus difficile qu’il ne devrait l’être, les angoisses verbales de Haines commençant à l’emporter sur son esprit. Mais aucun fan des précédents travaux de Haines ne risque d’être déçu par All the Kids Are Super Bummed Out, et il a la chance d’avoir trouvé en Peter Buck un collaborateur dont la musique est aussi forte, idiosyncrasique et pleine d’esprit que les textes qu’elle soutient.
Une simple écoute d’un interlude musical du dernier album de Martha pourrait bien vous transporter dans une salle de répétition en Pennsylvanie, où des groupes comme The Wonder Years et The Menzingers échangent des accroches pop punk et perfectionnent les refrains à bras levé. Ce n’est pas surprenant si l’on considère que, sur ce qui est maintenant leur quatrième album, Martha a renforcé son son et a adopté un nouveau poids dans ses riffs de guitare, ce qui est évident sur le premier extrait « Every Day The Hope Gets Harder ».
Cependant, malgré les influences américaines emo et pop punk qui rongent leur son, dès que l’un des membres du groupe ouvre la bouche pour chanter, il se place immédiatement dans le nord-est de l’Angleterre. Il y a quelque chose d’authentiquement britannique dans leurs inflexions qui devient d’autant plus évident avec le fond plus croustillant. C’est une juxtaposition qui fonctionne bien avec les thèmes de Please Don’t Take Me Back. L’espoir brutal du rêve américain mêlé à un côté britannique concret correspond parfaitement au voyage du groupe de l’espoir au désespoir et vice-versa.
Sur la chanson titre de l’album, il y a un rejet audacieux de la nostalgie. Alors que les histrions de la guitare cèdent la place au refrain vaincu de « The old days were bad », nous avons droit à un rappel rafraîchissant que nous ne pouvons pas toujours voir nos vies à ce jour à travers des lunettes teintées de rose. Il vaut mieux laisser certaines parties de notre passé derrière nous, et ,sur Please Don’t Take Me Back, Martha a toujours au moins un œil optimiste sur l’avenir.
Les quatre musiciens sont passés maîtres dans l’art d’émettre des sons rapides qui laissent une impression durable. Après tout, à quoi bon utiliser 100 mots quand cinq suffisent. Comme un expresso avant d’aller se coucher, leurs riffs rapides et leurs répliques étonnamment pertinentes qui vous passent par la tête pénètrent vos sens. La prémisse derrière le punk déchiqueté de « Baby, Does Your Heart Sink » ne pourrait pas être plus simple, mais dans les mains de ces vétérans du DIY, elle sonne comme un chef-d’œuvre post-moderne.
Dans un style typiquement britannique et stoïque, le groupe ne se laisse pas trop emporter, comme le montre clairement le dernier morceau de l’album, » You Can’t Have a Good Time All of the Time « , qui les voit répandre une couche de shoegaze sur leur pop indé. Et même si c’est vrai, passer 35 minutes en compagnie de ce disque me semble être un sacré bon moment pour que ces vétérans du DIY nous offrent des sensations fortes.
Publié par rockdecibels 
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