Soula Asylum: « Hurry Up And Wait »

Soul Asylum a vu le jour au début des années 80 dans les Twin Cities de Minneapolis/St. Paul, dans les mêmes clubs que Husker Du, The Replacements, The Suburbs, qui ont tous signé des contrats avec de grandes maisons de disques. Dirigés par le chanteur David Pirner et le guitariste Dan Murphy, sous le nom très approprié de Loud Fast Rules, ils avaient changé de patronyme pour devenir Soul Asylum au moment où ils ont enregistré leurs débuts sur le label indépendant Twin/Tone, avec Bob Mould de Husker à la production. Soul Asylum a sorti Grave Dancers Union album qui a donné naissance à trois hits très réussis, « Somebody to Shove », « Black Gold » et « Runaway Train », avant de vendre 3 millions d’exemplaires, et cette dernière chanson a remporté le Grammy de la Meilleure chanson rock cette année-là. Let Your Dim Light Shine contient un autre « single » fort, « Misery », mais alors que le groupe continue à sortir des albums, il plafonnera en terme d’apogée commerciale et créative au milieu des années 90, aux côtés des groupes grunge de Seattle qui se vendent bien.

En 2002, Pirner a sorti un album solo. Le premier bassiste de Soul Asylum, Karl Mueller, est décédé d’un cancer en 2005 et Tommy Stinson des Replacements l’a rejoint jusqu’en 2012. En 2016, Murphy s’est retiré de la musique, laissant à Pirner le dernier membre original restant. Il est actuellement épaulé par le batteur Michael Bland, qui a joué dans le groupe de Prince pendant des années, ainsi que par l’ancien Mat’s Paul Westerberg, le bassiste Winston Roye et le nouveau membre guitariste Ryan Smith, du groupe local de Twin Cities, les Melismatics. Il s’agit donc du 12e album de Soul Asylum, ledernier avec Pirner ,seul membre original restant.

Hurry Up and Wait s’ouvre sur les accords acérés de guitar rock classique avec « The Beginningz, suggérant d’emblée qu’il ne faut pas s’inquiéter de l’absence de Dan Murphy, car Smith est clairement bien adapté au rôle de feuilleton musical de l’auteur-compositeur-interprète Pirner. Alors que Pirner a dépassé les premiers cris et hurlements qui accompagnaient le territoire dans les clubs punk, il a développé une voix naturellement pleine d’âme, et un réel talent pour écrire une solide mélodie de chanson pop, avec peut-être plus de potentiel commercial que la plupart des œuvres plus pop de Westerberg et de Mould. Il y a même un bref passage à la trompette, faisant écho à la mélodie de Pirner, un rapide clin d’œil à l’autre endroit où Pirner a vécu et possède également un studio d’enregistrement, la Nouvelle-Orléans.

« If I Told You », trouve Pirner en pleine forme en train de chanter une ballade rock, à laquelle Smith ajoute un joli solo de guitare. C’est l’une des nombreuses chansons qui évoquent le divorce quelque peu récent de Pirner, mais c’est le genre de morceau qui monterait en flèche dans les hit-parades si la radio rock moderne était encore une chose qui compte. « Got It Pretty Good » est le prochain morceau, une marche rock amusante avec un crochet chanté naturel et de grosses guitares. En tant qu’auteur-compositeur chevronné, Pirner fait ressortir de nombreux accroches mélodiques superbes et intelligentes, et le groupe se montre à la hauteur de l’occasion tout au long du morceau, mêlant les rockers aux ballades des auteurs-compositeurs dans un mélange assez convaincant de sons solides. La voix usée de Pirner a toujours cette qualité qui attire l’auditeur, et lorsqu’il est sollicité, il peut toujours crier et hurler.

Quatre albums ont vu le jour depuis le doublé de Grave Dancers Union et Let Your Dim Light Shine, mais il n’est pas difficile d’imaginer que Hurry Up and Wait a le même facteur qui distingue ces deux œuvres. Il est certain que « Social Butterfly » et « If I Told You » sont des « singles » frappants, tandis que « Dead Letter » et « Here We Go » suggèrent cette période où Bon Joni faisait des albums solo avec une vibe acoustique, tandis que Pirner & Co. apportent le rock & roll à des morceaux comme « Landmines », « Freezer Burn » et « Hopped Up Feelin’ ». Le disque de 13 titres se termine par « Silly Things », qui ressemble à un solo de rock dance de la fin des années 80, assez accrocheur pour ne pas se sentir du tout idiot. Il ne fait aucun doute que Soul Asylum a renoué avec ce qui a toujours rendu le groupe si attrayant, et tout cela s’est réuni dans ce qui pourrait bien être un album de retour, ou du moins le serait si nous faisions et étions encore intéressés par ce genre de choses.

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Sondre Lerche: « Patience »

L’auteur-compositeur-interprète norvégien Sondre Lerche cherche à exploiter le côté spacieux de son son approche sonique pour son dernier opus, Patience. Troisième d’une trilogie d’albums qui remonte à Please en 2014, son dernier disque explore ses influences plus calmes : ambiance, minimalisme et écriture de chansons tranquilles et réfléchies.

Lerche brouille les lignes de style entre la musique alt-pop, le jazz et la musique d’orchestre classique. L’album est à la fois vaste et spacieux, laissant la place à la base de l’écriture des chansons pour briller. Le morceau de titre d’ouverture se construit à partir d’une simple boucle de backbeat, avec de légères poussées de synthétiseur, jusqu’à ce que le rythme s’arrête pour que Lerche chante une voix apaisante et superposée : « Patience/ I’m coming. » Le morceau de cinq minutes comprend même un vers pseudo-parlé en sourdine.

« I Love You Because It’s True » est une ballade tranquille aux accents de cinéma classique. Les cordes qui fusionnent avec le piano créent un son de retour qui soulève la piste. Le rythme s’accélère considérablement sur « You Are Not Who I Thought I Was », une ballade enjouée et enjouée qui intègre à la fois un élément orchestral et une superposition de sons digne des Beatles. Le complexe « Are We Alone Now » met en scène Lerche qui creuse dans son registre grave et tranquille. Après un peu moins de 5 minutes, la mélodie se termine par un solo de saxophone apaisant, qui creuse à nouveau les influences du classique et du jazz.

« That’s All There Is » est une chanson pop de rêve qui met l’accent sur le synthé et le byplay rythmique. La chanson repousse encore une fois la voix de Lerche dans le mélange avec l’instrumentation. L’effet est que les mots s’ajoutent à la toile musicale plutôt que de s’asseoir dessus. Le ton passe à un classique plus brutal sur « Put The Camera Down », une chanson qui repose presque entièrement sur les cordes de l’orchestre. Le chant de l’artiste est spatial, superposé et s’élève vers l’avant. « Put the camera down/ You don’t need to second guesss/ Every fickle itch » (Posez l’appareil photo / Vous n’avez pas besoin de faire une seconde proposition / Toute inconstance démange) chante Lerche.

« Why Would I Let You Go » arrive à peine six minutes plus tard et entraîne les auditeurs dans un voyage, en commençant par le premier couplet, où la guitare acoustique est à peine présente. Au fur et à mesure que la chanson se construit, elle se construit à nouveau de manière symphonique, la section des cordes supportant le poids des guitares, de la batterie ou de la basse. Le morceau est un triomphe, avec une montée et une descente des aigus luxuriants et expansifs vers les graves silencieux et précis.

Pendant un instant fugace, « I Can’t See Myself Without You » rappelle  « Freedom » de George Michael avec son riff de piano d’ouverture, mais la chanson évolue rapidement dans une autre direction. Elle se construit autour de la guitare acoustique et des rythmes de basse errante qui alimentent le mid-tempo mais qui sont lyriques.

Le rythme est plus lent pour « Don’t Waste Your Time », influencé par le R&B à mi-temps, avant que « Why Did I Write The Book Of Love » n’infuse des vibrations de jazz, de classique et de crooner old-school, le tout sous le parapluie du son moderne. Le morceau de clôture de l’album, « My Love is Hard to Explain », couvre un terrain considérable en moins de quatre minutes. C’est l’un des morceaux les plus spacieux et les plus atmosphériques de l’album, tout en mélangeant discrètement les cuivres, les cordes et les percussions pour clôturer cet album magistral.

***1/2

The Ashenden Papers: « Asphodel Meadows »

Jason Dezember est capable d’enrichir un impressionnant CV musical de 30 ans avec des sommités de la musique indie-pop comme Plastic Shoelaces, The Bright Ideas, Smog et Nar. Son dernier projet, The Ashenden Papers, se situe à l’épaule de ces « géants cool », avec une facilité déconcertante.

Au fil des deux albums de ce projet sporadique (le dernier étant le superbe album éponyme de 2011), on a toujours l’impression que Dezember a l’intention de découvrir simultanément la chanson indie-pop jangly parfaite et d’inventer un petit quelque chose de hors-normes pour brouiller les pistes. C’est presque comme si la beauté seule ne pouvait jamais être assez cool.

Fondamentalement, il a raison. C’est cette fraction qui fait que l’esthétique de The Ashenden Papers dépasse la norme. C’est ce que l’on voit le mieux dans Sea On Sound où l’encre qui tache parfaitement les eaux pop est l’invasion de guitares qui tintent comme dans The Umbrella Puzzles. De même, la véritable particularité de Companion to the Year est le « Felt tribute » le plus excentrique jamais réalisé, qui comprend des rythmes de batterie programmés et des pépins au point de distraire délibérément.

Même le sens de la sophistication pop douce que l’on entend dans le single Melodie Robin se perd derrière une accentuation de la voix de style The Bats et le genre de cuivres étonnants que Belle et Sebastian introduisaient parfois dans leur mix de la fin des années 90.

Bien sûr, tout ce qui contient Dezember dans le mix ne suivra jamais le même modèle d’album et, avec son sens de l’obturation typique, la sortie présente à l’auditeur un titre épique de 10 minutes qui surprend à la fois parce qu’il est libre et parce qu’il a simplement permis qu’il le soit. Un morceau vraiment époustouflant, à l’ambiance jangle et à la combustion lente.

Deux albums sur 9 ans pour ce projet n’est vraiment pas suffisant vu l’immense qualité des deux. Espérons qu’il ne faudra pas attendre encore 9 ans avant la prochaine sortie.

***1/2

2nd Grade: « Hit to Hit »

« Fun, fun, fun », chantaient les Beach Boys en 1964 sur l’un des nombreux tubes qui ont documenté le style de vie insouciant et festif des adolescents vivant le mythe californien. Avance rapide de 55 ans, et bien qu’il ait été écrit dans une cour arrière de la côte Est à Philadelphie, Hit to Hit, de 2nd Grade, suggère que la philosophie de Peter Gill n’est pas très différente.

En 2018, Gill a sorti Wish You Were Here Tour, un disque solo enregistré dans son garage, et son premier sous le nom de 2nd Grade. Mais Hit to Hit est la première sortie d’un groupe – et la nature collaborative ne s’infiltre pas seulement à travers, mais plutôt saute des haut-parleurs. Les quelques singles qui ponctuent l’album sont des bombes sonores qui constituent une préparation idéale pour l’ensemble de la collection. Avec l’énergie hybride de The Replacements et de Weezer, Velodrome est peut-être le plus accrocheur du lot, tandis que Dennis Hopper dans Easy Rider passe d’une leçon de maternelle à un rappel des acteurs du road movie de 1969 – avec le genre de mélodie insouciante de comptine qui tourbillonne de hit en hit, et le rend si totalement addictif.

Avec 24 chansons en seulement 41 minutes, les chansons partent aussi vite qu’elles arrivent – la philosophie de Gill étant que le monde moderne présente un million de choses qui rivalisent pour attirer l’attention des gens. Mais malgré sa brièveté, elle ne donne en aucun cas l’impression que les chansons sont jetées, et elles regorgent d’idées passionnantes et inventives. « Boys in Heat » est mélodiquement génial, « W2 » est rempli de guitares à pointes et de guitares slapdash, et les structures économiques de « Sucking the Thumb » et de la sensation lo-fi, « Pavement », des débuts du Jazz Chorus, qui arrivent toutes deux à moins d’une minute, sont assurément intrigantes.

Bien sûr, le disque n’a pas été écrit pour être publié pendant une pandémie mondiale, et les projets de Gill de tourner l’album avec tant de musiciens dans le monde entier ont été réduits. Mais Hit to Hit est fait pour être joué fort, et c’est certainement la dose de « fun, fun, fun » que nous réclamons tous en ce moment.

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Westerman: « Your Hero Is Not Dead »

L’auteur-compositeur-interprète londonien Will Westerman qui se produit sous son nom de famille ouvre et clôture son premier album par le titre de celui-ci, assurant à l’auditeur que votre héros n’est pas mort, tout en restant ambigu sur ce que cela signifie réellement et pourquoi cela pourrait être important. La musique de Westerman porte dans son ADN des traces de Neil Young, Nick Drake et Tear for Fears, mais sa folk-pop légère comme une plume réside entièrement dans son point de vue unique.

De nombreuses chansons de Your Hero Is Not Dead ont déjà été publiées sous forme de singles, certaines remontant jusqu’en 2018, et Westerman les combine avec de nouveaux morceaux pour créer un album complet cohérent et gracieux. La musique de Westerman est si délicate et légère qu’il semble que ces chansons puissent s’envoler au gré de la brise de l’après-midi ou s’éparpiller comme des particules de lumière. Pourtant, ces chansons sont étonnamment accrocheuses, en partie grâce à la production électronique rebondissante et tourbillonnante de Bullion et à la compréhension aiguë de la mélodie par Westerman.

Une certaine espièglerie se dégage des floraisons électroniques de Bullion, surtout si on les combine avec l’esprit subtil de Westerman. Vers la fin de « Easy Money », une ode à la richesse matérielle, Westerman déclare clairement « Maintenant, je peux avoir ce que je veux / Alors je…le veux » (Now I can have my fill / So I…will,), une simple déclaration qui incite l’auditeur à ne pas le prendre trop au sérieux. La subtilité et la sobriété sont les principes directeurs de cet album, mais cela n’empêche pas Westerman de traverser un éventail d’émotions, de pensées et de sujets.

Le lent « Blue Comanche » est une méditation sur le changement climatique et l’anxiété concernant l’avenir de la vie humaine sur Terre. Il parle de cyborgs, d’arbres, de glands, de maïs bleu au coucher du soleil, et exhorte le titulaire du Comanche faire demi-tour, comme si l’inversion du temps était la seule façon de sauver le monde de l’effondrement total, un sentiment qui trouve un écho dans la chanson titre (« You want to turn the Earth backwards » ». La chanson « Think I’ll Stay », qui est pleine d’entrain et de poésie, résonne étrangement : « Je contrôle le contrôlable / Ne te console pas en trompant la mort / Mais je le ferai / J’ai hâte de te rencontrer, mon ami. » I control the controllable / Don’t take comfort in cheating death / But I will / Look forward to meeting you, my friend) Après un examen approfondi, ces paroles offrent un récit réfléchi des hauts et des bas de la vie avec la douleur chronique.

Parfois, les paroles de Westerman semblent impénétrables, obscurcies sous une poésie de tulle : « …des souvenirs dans des vagues de timbres et dans ton sang » (memories in waves of stamps and in your blood) , mais chaque ligne est livrée avec une sincérité sincère qui récompense une réflexion approfondie. L’album se distingue par « Confirmation », une contemplation chatoyante sur le travail créatif. Les paroles sont désarmantes d’autodérision (« Good job, pinhead / So happy you were born ») et de sagesse (« Don’t you wonder why confirmation’s easier / When you don’t think so much about it »), ce qui a valu à Westerman d’être comparé au musicien d’avant-garde Arthur Russell.

Your Hero Is Not Dead est un premier album d’une contemplation impressionnante, rempli de musique calme qui a un impact émotionnel surprenant. Westerman est sensible à la façon dont les subtilités s’épanouissent – percussions de bois, ligne de synthé tranquille, voix éthérée en couches – peuvent élever et ajouter des couches à une chanson. Sa marque unique de folk-pop douce et tranquille est parfaitement représentée ici, et laisse l’auditeur avec un mystère irrésistible à ruminer : « Votre héros n’est pas mort, il dort, c’est tout. »

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Muzz: « Muzz »

En cette année de changement radical au sein de l’industrie de la musique, l’un des plus récents groupes de 2020, Muzz, s’est tranquillement formé et a sorti un premier album éponyme. Paul Banks d’Interpol ouvre la voie, avec le trio complété par le multi-instrumentiste et producteur Josh Kaufman (de Bonny Light Horseman) et Matt Barrick (batteur de The Walkmen, entre autres). Ensemble, ils ont créé un projet collectif passionné, dont la réalisation a duré plusieurs années. Pour un « supergroupe » autoproclamé, Muzz n’est pas du tout tape-à-l’œil ; c’est plutôt une expression créative familière mais rafraîchissante inspirée du rock classique des années 70 avec un soupçon d’Americana. 

Le disque s’ouvre sur « Bad Feeling », plantant le décor avec un tempo détendu et un son qui ressemble à un soupir, avant d’entrer dans un outro jazzy et chatoyant rempli de cornes. Cette sensation de décontraction se poursuit tout au long des morceaux suivants (et surtout tout l’album). « Evergreen » montre le souci du détail de sa production – elle est électronique et mélancolique – tandis que « Red Western Sky » accélère le rythme avec des couches instrumentales intéressantes composées de cuivres et d’orgue de façon presque festive. Les morceaux psychédéliques comme « Patchouli » et « Summer Love » ont un côté obsédant et peuvent être appréciés pour leur composition, même s’ils n’osent que rarement quitter leur bulle de notes familières : ils risquent de s’effacer au profit d’une musique de fond. 

Le groupe visant une ambiance « cosmique », leur album scintille certainement et semble éthéré par endroits – surtout avec l’orgue, les percussions légères et des paroles telles que « I watch you dream, it’s heavenly ». Cependant, Muzz peut être à la limite de la douceur. Son rythme s’anime sur des morceaux comme « Knuckleduster » et « How Many Days », avec une impressionnante étendue de guitare électrique et de batterie jazz-beat. L’album fait preuve d’une certaine polyvalence, mais dans l’ensemble, il y a une volonté collective de s’en tenir à la réflexion et à la réflexion. En y regardant de plus près, les paroles, auxquelles les trois membres ont contribué, révèlent une réflexion personnelle, poétique et cryptique.

Le terme « muzz a été utilisé par Kaufman pour décrire la texture du son dans les enregistrements plus anciens ; en effet, Muzz donne une impression presque vintage dans cet album épuré et sophistiqué. Loin du post-punk d’Interpol et bien que plus proche du travail de Kaufman sur des groupes comme The War on Drugs, nous avons ici un chant graveleux aux côtés de délicates glissades de guitare qui appartiennent fièrement à un tout nouveau groupe. Ce n’est peut-être pas pour tout le monde, et il faudra peut-être écouter attentivement le flair instrumental en couches, mais en fin de compte, c’est une nouvelle production sans compromis créée par trois artistes très compétents qui collaborent et s’amusent avec la musique qui les passionne vraiment.

***1/2

Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la conformité. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième album de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau de la dream-pop sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, je reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent l’admiration.

Contrairement à Modern Meta Physic, Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être retracée. 

Dans une période de turbulences énormes et de gel de la culture, le Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommes surpris, nous réfléchissons.

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Happy Accidents: « Sprawling »

Happy Accidents – Phoebe Cross et Rich Mandell – font un retour bienvenu avec leur troisième album Sprawling. Autoproduit, les récentes sorties de « Secrets » et du morceau-titre laissaient présager que le duo s’aventurerait sur de nouveaux territoires, au-delà de l’indie-pop accrocheuse qui les a si bien servis dans le passé

Phoebe chante « Swallowed you whole » à plusieurs reprises sur un piano plus silencieux et rêveur au début de l’album Whole. Il s’agit d’une intro à combustion lente avec de nombreuses couches texturées pour envelopper vos oreilles et elle est rapidement suivie par le style Delta Sleep de « Secrets ». Dans « Grow »le tandem se dirige vers un son plus lâche et parlent de se libérer des liens qui vous lient dans un effort pour grandir en tant que personne : « Dis-moi quand tu vas bien. Quand tu es d’humeur à rire. Peut-on s’il te plaît être qui on veut être ? » (Tell me when you’re OK. When you’re in the mood to laugh. Can we please be who we want to be?)

Le titre de la chanson a, en son coeur, un côté DIY car Rich offre un aperçu expressif de son état d’esprit : « If I Do » se situe dans le même genre d’espace mélodique que Peaness, sa précédente collègue de label, tandis que Phoebe prend la tête du chant et parle de passer à quelque chose de nouveau : « Toi, je sais que tu ne veux pas que je le fasse. Je sais que tu ne le veux pas, mais que se passerait-il si je le faisais ? »; « Et si je soupirais alors que l’exaltation s’ensuivrait habituellement ? » (You, I know you don’t want me to. I know you don’t want me to, but what if I do?; What if I sighed when elation would usually ensue?)

« Sparkling » est saupoudré de sonorités scintillantes et expérimentales, tandis que le groupe parle de ses amis, de ses soucis et de l’effrayante perspective du changement. Le premier commence avec des accroches de guitare plus bruyants et bégayants, à la Tellison, et Rich révèle « I felt today I might not get much done », tandis que le second est un morceau de sadpop avec Cross qui se mobilise contre le passé : «  I don’t want to see our face. I see it every time I close my eyes. »

« Back in My Life » se tourne vers la surf pop avec des guitares puissantes et des paroles conscientes de soi sur la perte de quelque chose qui aurait pu être spécial (« The years have slowly burned our trust away ») avant que l’album ne s’achève avec le psychédélisme flottant, doux et perspicace de « Comet » Sprawling montre le son d’un combo plus sobre et plus réfléchi, un accident dont on aimerait bien être victime.

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Holy Hive: « Float Back To You »

Le premier album de Holy Hive sur Big Crown Records fait découvrir au grand public la « folk soul » qu’ils se décrivent eux-mêmes, avec un jeu propre, un style R&B rétro lent et un chant impeccable. Float Back To You porte bien son nom, car la musique dérive sur un rythme et une ambiance très détendus.   

Le groupe a été formé par le batteur Homer Steinweiss (Sharon Jones and the Dap-Kings, Amy Winehouse) et l’auteur-compositeur-interprète Paul Spring (Steinweiss a produit les albums de Spring). Ils ont recruté Joe Harrison à la basse pour compléter le noyau du groupe. Il ne s’agit cependant pas d’une affaire de trio, car les invités arrivent pour débusquer le son avec succès. 

Le premier morceau, « Broom », présente instantanément le plan de Float Back To You, car la voix de fausset de Spring est une lumière vive qui entoure le groove downbeat facile à jouer avant que les cuivres ne viennent colorer le morceau. Les percussions et la caisse claire de Steinweiss ouvrent la voie aux originaux « Hypnosis » et « Blue Light » tandis que le piano entre dans le mixage sur la soul rétro de « Cynthia’s Celebration », tandis que le groupe s’enfonce dans son son serein.

Le combo bénéficie de l’aide d’invités talentueux. Mary Lattimore commence « Oh I Miss Her So » avec des cordes de harpe et le solo de trompette de Dave Guy (The Roots) clôt le meilleur effort du disque. Le morceau est un gagnant époustouflant qui pourrait durer encore plus longtemps car les sons sont parfaitement assortis, tandis que d’autres efforts comme le morceau titre et « Didn’t You Say » utilisent tous deux des cors de manière remarquable, ce qui constitue un argument pour en intégrer un à plein temps dans le groupe. 

Le groupe rappelle les Black Pumas d’Austin, mais ils remontent aux temps anciens pour y puiser différentes influences. Ils ont ainsi intégré le « Fragment 31 » du poète grec Sappho dans une chanson aux doux sons soul intitulée « Embers To Ash » et une légère tournure de danse avec des beats programmés autour de l’air folklorique irlandais « Red Is The Rose ». L’influence folklorique ressort directement dans une reprise un peu plus moderne de « Be Thou By My Side » de Honeybus. 

Float Back To You peut vous faite tomber de sommeil à cause du style du groupe, mais Holy Hive termine ses débuts avec le groove détendu de « You Will Always Be By Side Forever » et le falsetto rêveur de Springs pendant « Sophia’s Part ». Cette collection tranquille de mélodies langoureuses prouve que Holy Hive est sur quelque chose avec leur son folk/soul sinueux et retenu.

***1/2

The Howl & The Hum: « Human Contact »

Alors que nous sommes souvent désireux de battre en brèche les directives établies par les standards de la musique pop, le monde de l’indie a administré ses propres tropes, des tropes qui peuvent facilement devenir des pièges pour les groupes prometteurs. The Howl & The Hum de York n’évite peut-être pas volontairement ces pièges à ses débuts, mais même lorsqu’ils répondent aux attentes, ils font bien de mettre en avant une certaine individualité.

Human Contact est un premier album timide, lyrique et conflictuel, qui cherche à montrer sa personnalité et sa vigueur, mais qui est en réalité timide. The Howl & The Hum sont un exutoire rock romantique, amoureux des années 80, et plus encore de l’allégeance des années 2000 aux synthés, thématiquement dépouillés, mais émotionnellement disponibles.

Ils sont fiers de leur poésie ; « Love You Like a Gun « brille par sa métaphore – « tu m’aimes comme un serpent à sonnette aime la musique de la queue qui fait du bruit»,( you love me like a rattlesnake loves the music of the rattling tail) tout en berçant la simplicité de la romance, voir le tourbillon de pop informatique « Got You on My Side », toujours équipé de références à Jekyll & Hyde.

Ces chansons sont livrées avec un sourire tendre, bien que The Howl & The Hum n’hésitent pas à se lever et à bouger. « Until I Found a Rose » met en avant la batterie comme l’arme de prédilection du groupe, constamment en mouvement au milieu de textes d’amour criant sur les toits.

C’est un Noel Gallagher dansant, un Killers intime, ils font venir les Heartlands en Angleterre, notamment avec Hall of Fame, qui est abordé avec une fente téméraire, un romantique dont le cœur est suspendu à une manche, sur un corps empêché de tomber en morceaux par des trombones. L’embuscade du groupe est suivie d’une autre embuscade au synthétiseur, qui brille comme si les empreintes digitales de Brandon Flowers étaient présentes sur le morceau.

Le manque d’idées avant-gardistes est évident, mais si l’appartenance à la même classe que des modernistes comme Circa Waves et Catfish and the Bottlemen est le modus operandi du groupe, les épaules sont assurément frottées. Ils savent ce qu’ils font à cet égard ; ils associent les tripes d’un rocker à la couleur disco (« A Hotel Song »), ils embrassent la Britpop (« Human Contact »), commandent l’empathie par la douceur (« Sweet Fading Silver »), et sont peu susceptibles de snober un crochet de guitare percutant (Smoke).

Les Howl & The Hum font plus de choses sans s’éloigner trop du confort que certains ne le font en se délectant de l’expérimentation. Ils sont rarement frivoles, ne recherchent qu’une poignée de sensations fortes, mais parviennent à obtenir une touche indie pop, faite de timidité, emmenée dans la disco alternative.

***1/2