Alright: « I’m Doing This To Myself »

Alright sont originaires de Caroline du Nord et ils écument la scène musicale à depuis un certain temps déjà. La chanteuse et guitariste Sarah Blumenthal et le bassiste Josh Robbins ont préparé leur premier LP avec plusieurs rafales courtes mais mesurées d’indie-punk flou. De ces brefs moments, mentionnons leur premier sept pouces et le EP On the Outs en 2018 ce qui, depuis, a permis au groupe de naviguer dansune certaine confusionavant de se décider à prendre quelques risques calculés.

Ce premier LP se veut signe de confiance en soi avec une mise en scène louble de la colère qui se justifie, selon eux, pour le bien de l’art. Il n’est donc guère étonnant que le produit fini s‘intitule I‘m Doing This to Myself.

Produit par Kyle Pulley (Kississippi, Thin Lips) et maîtrisé par Will Killingsworth, l’album s’appuie sur de s solides fondations. Ainsi « Lapse » et « Wild Dune » » sont deux morceaux de guitare pop épineux qui admettent que l’amour que nous cherchons peut s’avérer vain mais surtout qu’ils ont occasions de peocédéer à des changements radicaux, remarque qui permet de s’éloigner des clichés habituels.

Le malaise qui accompagne cles changements soudains s’accompagne d’une bande-son qui est ce qu’elle est, comme la section rythmique trépidante sur « Tiptoe » ou l’explosion nucléaire de « No Good », mais qui nous divertit par l’idée que les pensées intrusives sont des choses à considérer et emrasser.

Lorsque l’action s’arrête pour de brefs changements dans le livret, le flou se lèvera sur « Dewdrops » pour faire place à un couplet d’appel et de réponse, par exemple sur un « Steady », plus proche, où le désir de stabilité du groupe atteint un sommet créatif et cathartique.

Si les choix que nous faisons définissent souvent l’après-coup, tout le monde veut simplement trouver un équilibre entre ce qui est fait et ce qui est à venir. C’est quelque chose que Alright  a pratiqué sur lui-même et il l’a fait sans ménager sa peine. Effort à souligner même si celui-ci est quelque peu laborieux.

**1/2

Grant-Lee Phillips: « Lightning, Show Us Your Stuff »

Depuis plus d’un quart de siècle, Grant-Lee Phillips fait du « sweet alt-country », d’abord devant Grant Lee Buffalo, puis seul.  Pour 2018 et Widdershins il s’est tourné vers la politique et sort ici peut-être son album le plus abouti depuis Fuzzy en 1993. Ici il revient à la vie personnelle pour ce Lightning, Show Us Your Stuff, où il montre les éléas de son âme.

Toujours dans le mode troubadour traditionnel avec son personnage de musicien de rue nommé dans la ville fictive de Stars Hollow sur la série Gilmore Girls. Lightning  se met en vedette avec un sourire ironique propre à l’artiste de longue date comme sur « Ain’t Done Yet ».  Bien que certains morceaux plus lents et plus sobres se rejoignent un peu, il y a un certain nombre d’éléments marquants sur le disque. « Sometimes You Wake Up In Charleston » est une prise de vue touchante sur le beau et le tragique sis dans le coeur du Sud, suivie du grand revival « Gather Up », qui évoque les temps sombres tout comme  « Straight to the Ground » qui est est un baiser fort et triste vers le passé et tout ce qui s’y trouve.

Bien qu’on ne puisse pas attraper le musicien intime sur la route parce que c’est le monde dans lequel nous vivons en ce moment, Phillips fait régulièrement des performances en ligne avec Sunday StageIt un site qui permet de renouveler sur le net les expériences de la scène. C’est aussi, pour Phillips, le monde dans lequel nous vivons en ce moment et ça n’est pas le moyen le plus saugrenu pour mettre à jour sa musicalité.

***

Mary Hopkin: « Another Road »

Mary Hopkin a été l’une des premières artistes à signer avec les Beatles sur leur label Apple et, en 1968, elle a connu un succès monstre avec « Those Were The Days » et elle a eu beaucoup d’autres hits ; à cet égard, chacune de ses sorties est un petit événement à célébrer ne serait-ce que parce que ses albums sont rares.

Sept ans se sont écoulés depuis son dernier opus, Painting By Numbers en 2013, ce qui fait que ses mélodies, sa voix, sa musicalité, ses harmonieset ses parole ont manqué à beaucoup dans paysage musical.

Entretemps, elle a chanté sur le récent album de Ralph McTell, Hill Of Beans, ainsi qu’ avec sa fille, Jessica Lee Morgan, sur son dernier album, Forthright. Another Road a été, pour ces raisons, mais il pourrait bien êtreun des ses meilleurs.

Ce disque est, en quelque sorte, une affaire de famille. Hopkin a écrit, produit et enregistré l’album dans son home studio, mais elle a bénéficié de l’aide de sa fille, Jessica Lee Morgan, qui est une artiste talentueuse à part entière, et du partenaire de Morgan, Christian Thomas. Ils avaient aidé Hopkin à apprendre à enregistrer elle-même, mais l’ont aidée à distance en lui fournissant une basse, une guitare, un saxophone, un piano et, à l’occasion, des voix. Thomas a également mixé l’ensemble de l’album, sur lequel Hopkin avait un contrôle total.

L’album a ses racines dans la musique folklorique, mais ce n’est pas entièrement le folk qui le vend à découvert. Hopkin crée de la musique comme aucun autre artiste. Elle écrit des mélodies qui visent à vous arracher le cœur et son utilisation des chœurs améliore chaque chanson. On peut voir, ou plutôt entendre, pourquoi des artistes comme Kate Bush la citent comme une influence. Hopkin apporte de la beauté à ce monde, même lorsqu’elle fait de la politique et qu’elle chante l’horrible état des choses aux États-Unis. Elle ne juge pas, elle ne prêche pas, mais elle réfléchit.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, « Another Road », dont la première ligne, « Construisons une autre route, découpons la campagne Nous avons les solutions à tous nos problèmes, Gagner beaucoup d’argent en même temps » (Let’s build another road, carve up the countryside. We got the solutions to all our problems, Make lots of money at the same time) est une déclaration audacieuse pour ouvrir l’album. Hopkin a de l’espoir, mais elle est aussi très consciente du monde et elle n’hésite pas à être honnête.

Another Road est plein de chansons personnelles, d’histoires et de déclarations politiques. 10 chapitres et 10 aperçus du monde de Hopkin. Tout cela sur des chansons magnifiques, mélodiques et parfaitement enregistrées. Et n’oublions pas cette voix. Hopkin a une sonorité phénoménale dans le cheminement qu’elle opère vers une nouvelle route.

***1/2

Marsicans: « Ursa Major »

Depuis le temps qu’il existe, il est certainement surprenant que le quatuor de Leeds Marsicans s’apprête à sortir son premier album. Il est, en effet, en mouvement depuis près d’une décennie déjà, l’incarnation actuelle du groupe ayant fait ses débuts avec le EP Chivalry en 2014 – puis, comme aujourd’hui, James Newbigging (chant principal/guitare), Oli Jameson (guitare/chant principal), Rob Brander (basse/clés/chant) et Matthew McHale (batterie/chant). En attendant, ils ont sorti un album qui vaut plus que des « singles » et deux EPs (l’autre étant Absence en 2016) avant même que la question de ce premier long play ne soit soulevée – et absolument rien de tout cela n’a été retenu.

Le fait qu’Ursa Major soit composé d’un matériel entièrement nouveau témoigne de leur confiance en soi. Le fait de ne pas inclure d’anciens morceaux favoris des fans peut en surprendre plus d’un, mais ce disque représente leur prochaine étape, et il est présenté comme tel : un nouveau départ pour un groupe qui tire un trait sur son passé. Leur son indie-pop, audacieux et changeant, est présent et pris en compte, mais leur premier album indique qu’il a connu une croissance significative. L’urgence et l’effervescence sont les traits dominants du groupe, comme en témoignent « Summery in Angus » et le puissant avant-dernier morceau « Leave Me Outside ». Ils ont pris de la vitesse, et il n’est pas difficile d’entendre pourquoi sur leur premier album – son titre est un clin d’œil à la fois à leur surnom (le nom de l’ours brun de Mars) et au fait qu’il s’agit de leur première grande déclaration en tant que groupe. Une écoute audacieuse et variée, qui ouvre la porte – après une brève introduction – avec le déferlement de « Juliet », qui combine des paroles qui parlent d’anxiété et de réflexion excessive avec une jubilation musicale.

Ce genre de contraste se retrouve tout au long du disque – c’est une juxtaposition courante mais néanmoins efficace ; même dans sa forme la plus exaltante, il y a un sentiment de malaise. « Newbigging », avec ses paroles, est mis en avant sur « Dr Jekyll », qui dirige la consommation d’alcool vers une personnalité différente et exagérée, tandis que « These Days » aborde la mauvaise santé mentale et les mécanismes d’adaptation, capturant sans effort l’humeur sociétale dominante avec son refrain « Je ne veux pas sortir la plupart du temps, ces jours-ci » ( I don’t wanna go outside most of the time, these days). « Can I Stay Here Forever (pt. II) », quant à lui, traite de la division politique et personnelle, balayée par la section rythmique de Brander et McHale avant de s’animer pour son refrain, lui-même dépassé par la brève coda instrumentale qui clôt la chanson avec faste.

Le groupe sait pertinemment quand il faut mettre un frein à son exubérance et montrer son côté plus doux. « Evie » contient l’un des textes les plus touchants de l’album, suivi d’un contrôle émotionnel sous la forme de « Someone Else’s Touch » (dont la mélodie, que les auditeurs aux oreilles aiguisées remarqueront, est préfigurée dans la brève introduction susmentionnée) – la pièce maîtresse du disque qui brise le cœur et qui résonnera certainement en live une fois que le groupe sera en mesure d’emmener ce nouveau set de chansons sur la route.

Mélangeant un lyrisme introspectif à la puissance et à la grandeur dont il a longtemps été capables, Ursa Major tient la promesse du groupe après une période de gestation qui semblait insupportable. Le fait de prendre leur temps en route vers leur premier album a permis au quatuor de se maîtriser et de maîtriser leur son, tout en se posant des questions sur la voie à suivre : une réintroduction de grande envergure qui agit comme une douce remise à zéro, embrassant l’immédiateté tout en affichant une certaine dentition. Leurs griffes sont sorties, et The Marsicans sont sur le point d’avoir un impact majeur.

****

Dream Nails: « Dream Nails »

De fantômes aux tâches insipides des emplois de bureau, en passant par les sentiments sucrés plus positifs et teintés de rose, sur l’aplatissement que subissent les filles, le premier disque de Dream Nails est rempli de chansons punk féministes qui sont en grande partie incisives et débordent de charisme et de charme.

Comme pour tous les bons disques punk, la plupart des morceaux ne dépassent pas les trois minutes, et ce n’est pas nécessaire. Les messages d’autonomisation et l’honnêteté cathartique sont délivrés dans de brefs éclats intelligents d’énergie zélée et de passion ardente, avec une compréhension universelle de leur propre valeur : Janey, la chanteuse, hurle « Work is not your life » sur l’abrasif « Corporate Realness », puis adopte une attitude plus tolérante à l’égard du pop-punk sucré « DIY» : « Je peux rentrer chez moi à pied, je peux me faire jouir » ( can walk myself home, I can make myself cum).

Le punk de garage rudimentaire a des accents pop, avec des lignes de basse qui s’entremêlent et des rainures. Il y a beaucoup de plaisir, avec des crochets à gauche, à droite et au centre, le tout avec un soupçon de confrontation pour faire bonne mesure. Il y a aussi des sketches qui parsèment l’ensemble, ajoutant une autre dimension à un album déjà incroyablement étoffé – un clin d’œil à leur amour des années 90 et aux albums de hip-hop avec lesquels ils ont grandi. Une chose à noter, c’est que ce groupe n’est pas agressif, mais seulement déterminé.

L’album se termine avec « Kiss My Fist » un morceau qui traite de l’hypocrisie des hommes qui sont violents envers les femmes homosexuelles, tout en les fétichisant. Dream Nails brille de façon poignante et provocante sur l’album ; en tant que déclaration de mission émotionnelle de solidarité et de force, il résume ce dont parle l’ensemble du disque.

Dream Nails est plus qu’une force avec laquelle il faut compter, c’est une entité, et ce qu’ils représentent et la musique qu’ils font est plus grand que la somme de leurs parties. Aujourd’hui, armées d’une production qui préserve l’intégrité de leur punk bricolé avec un éclat plus audacieux, elles sont prêtes à assumer, changer et perturber le grand public et le monde entier.

***1/2

Fenne Lily: « Breach »

Lanération Z entr maintenant dans la vingtaine ; c’est’ene période où l’on s’attend à ce que l’on soit enfin adulte, ce qui implique de quitter la maison de ses parents en ayant décidé exactement ce que l’on veut faire de sa vie et de ses activités futures. Comme Fenne Lily le sait, le saut dans la vingtaine n’est pas aussi important que prévu.

Dans Breach, elle a entrepris un voyage, celui de trouver enfin du réconfort en elle-même et de rester seule. C’est ce qu’explore directement « Berlin », une chanson écrite après une expérience formatrice dans la ville, où elle a passé un mois seule. Guidée par les harmonies vocales de Lucy Dacus et Ali Chant, la chanson est une étreinte chaleureuse qui rappelle le succès de ne pas avoir peur d’être seule en sa propre compagnie tout en soulignant l’aliénation de l’expérience.

Dans ce voyage pour trouver du réconfort en elle-même, Fenne regarde le positif tout en acceptant les différentes mises en garde. Chacun a son propre chemin vers la guérison, le titre « Alapathie », mélange d’apathie et d’allopathie, montrant ainsi un certain scepticisme quant à savoir si les drogues guérissent la cause première des problèmes. Il y a le fait d’oublier ses ex et de brûler les ponts, mais d’accepter le peu de positif qu’on peut en tirer : « Je te vois toujours comme une sorte de réconfort qui me permet de croire qu’un jour je serai comprise » (I still see you as some kind of reassurance that someday I’ll be understood).

Pour diverses raisons, la Génération Z souffre de problèmes de santé mentale plus importants que les générations précédentes. Tout au long de Breach, il y a de nombreuses références à sa santé mentale, « se concentrer sur un sentiment d’étranger, sans peur et sans attrait » (focus on a foreign feeling, unafraid and unappealing). On nous donne un aperçu d’un parcours très personnel et il est parfaitement retracé par l’acoustique, les introductions capricieuses de la guitare électrique et les cascades de touches du piano qui semblent en quelque sorte vous rappeler une époque où vous êtes tombé. Il est à la fois réconfortant et enveloppant, une couche supplémentaire dans le froid, mais il a la capacité de vous faire chavirer et de vous arracher le souffle. Il envisage la libération de la solitude mais aussi les tendances claustrophobes de la solitude, se repliant sur soi-même, vous écrasant comme si vous étiez un petit paquet fragile et croustillant.

L’écriture de Fenne Lily est illuminée par des moments de sarcasme, d’esprit dissocié et de confessions d’une honnêteté rafraîchissante. « Je n’ai pas peur de mourir, encore moins d’être en vie. Savoir cela et plus encore, je sais que je ne suis pas seule » (I’m not afraid to die, more so to be alive. Knowing this and more I know I’m not alone) est peut-être le meilleur résumé. Breach est l’acceptation des cicatrices, des leçons qui en découlent et l’effort pour s’échapper d’une prison psychiatrique que beaucoup de gens peuvent avoir vécu, même fugitivement.

***1/2

Suburban Living: « How To Be Human »

Ce groupe de Philadelphie présente ici son premier album depuis plusieurs années et l’attente en valait la peine. Wesley Bunch et qsn équipe ont créé un disque totalement immersif et captivant où il s’agit de rêve et d’ atmosphère mais aussi parfois chaotique, et surréaliste dans sa façon de décrire le voyage effectué au long de son écoute. Le meilleur atout de Suburban Living en tant que groupe est sa polyvalence. Chaque sortie introduit des éléments musicaux différents qui permettent de garder le projet frais et intéressant. Les premières sorties avaient une atmosphère sombre, presque gothique, alors que la précédente était plutôt du domaine de la pop de rêve. Avec How To Be Human, le groupe a plus d’éléments shoegaze mais reste cohérent avec l’obtention d’un son qui reste une esthétique reconnaissable du combo.

Le premier morceau, « Falling Water », commence par un synthé construit à la manière des guitares shoegazes qui seront utilisées durant le disque. Elles sont fortes et belles, ce qui ajoute de la profondeur au morceau, sous le chant délavé de Wesley. « Main Street » est plus proche d’un style new wave/dreampop avec une belle ambiance de synthétiseur pour appuyer le morceau. Ce morceau est agrémenté de guitares douces et scintillantes, ainsi que d’une ligne de basse groovy. « Glow » est très optimiste, et , à dautres tites, c’est un morceau qui se démarque de l’album en combinant des synthés à la sonorité douce et des guitares shoegaze. Elles sont abrasives, délavées, et s’étalent sur la piste pour la couvrir d’une ambiance onirique et atmosphérique. Le chant de Wesley se marie très bien avec les guitares, même si elles sont plus douces, elles s’intègrent parfaitement. C’est à peu près à la moitié du morceau que les guitares commencent à devenir folles. Elles s’étalent sur l’instrumentation et donnent une énergie de type My Bloody Valentine.

« Indigo Kids » pèsera plus lourd dans l’atmosphère en raison de ses lignes de synthé profondes. Le moment le plus marquant de ce morceau est le solo de saxophone à la fin. Il donne l’impression d’être un morceau de vaporwave, mais c’est quelque chose qui lui est propre. Une addiction géniale à la chanson « Dirt » ralentira les choses en utilisnt un climat plus détendue at une structure de synthé similaire à celle d’« Indigo Kids » en ce sens qu’il est décontracté, mais façonné de manière à ajouter une couche de profondeur au morceau. 

« 16 Hours » commence de manière sombre et lourde. La batterie d’ouverture et les motifs de synthé sont intenses, captivants et cinématiques et « No Rose » affichera la ligne de basse la plus percutante de tout le disque. Elle est lourde et grasse, ce qui laisse le morceau respirer et s’étendre pour permettre au groupe de faire son travail. Une fois que la base devient la toile de fond, les guitares commencent à faire ce son incroyablement réverbéré qui va progresser pour noyer le morceau.  « Video Love (T’s Corner) » et » »Once You Go » montre que Suburban Living ajoute ces synthés de façon importante au mixage et ils se combinent tous les deux pour clôturer l’album. 

La façon dont l’instrumentation fonctionne sur ces morceaux est incroyablement agréable à l’oreille. Des combinaisons fascinantes de guitares et de synthés sont utilisées sur ces morceaux qui emmènent l’auditeur dans une autre dimension.

L’ajout d’un synthétiseur beaucoup plus important est l’un des meilleurs aspects de ce disque, car il permet d’ajouter une atmosphère supplémentaire au son global du disque. Sans cela, ce disque aurait facilement pu être perdu dans le genre « dreampop ». Au lieu de cela, Suburban Living prend des risques et se lance des défis en tant que musicien et cela a porté ses fruits. N’importe quel auditeur peut reconnaître les patchs de synthétiseur, et le travail des autres musiciens est un travail complexe et d’un niveau supérieur. Le dernier cri doit encore aller au solo de saxophone sur « Indigo Kids » et aux sonorités sauvages de la guitare sur « Glow », des morceaux qui se démarquent nettement. Suburban Living est un groupe passionnant de Philadelphie qu’il ne faut pas négliger. Ils continuent à placer la barre très haut, tant sur le plan sonore que lyrique, pour donner leur meilleur disque et leur meilleur travail à ce jour !

***1/2

Phony Knock: « Yourself Out »

Knock Yourself Out est une bande son pour la fatigue. Sonorisée, elle convient smirablement pour vous endormir, en dégageant une aura frémissante. Elle est également faible, comme la mâchoire de tigre en ce sens.  Elle s’inspire de la dureté du shoegaze et de la nature étalée du slowcore, certains morceaux penchant fortement vers l’un plus que vers l’autre. « Waffle House » et « Turnstile Effect » sont les plus brumeux et les plus apaisants. « Relax », l’un des titres les plus forts du projet, a une sonorité captivante, et « Peach » se termine par une série de riffs puissants.  Le chant est tempéré, s’enfonçant souvent dans les instrumentaux et s’égalisant presque avec eux à plusieurs reprises. 

Mais sur le plan thématique, c’est aussi le résultat d’un sentiment de dépassement. L’exemple le plus marquant est le morceau « I’m Not Going To Your Show », qui est un message vocal du cousin de Neil Berthier, David, le frontman du Phony, l’informant qu’il va manquer le prochain concert du groupe. « J’ai une journée de dix heures le vendredi », explique-t-il, « et je dois apprendre à faire quelque chose en un jour que la plupart des gens apprennent à faire en trois jours ». (I have a ten-hour day on Friday …   « and I have to learn how to do something in one day that most people learn how to do in like, three.)

La messagerie vocale elle-même est relativement simple ; elle provient d’un homme exaspéré et accablé par lle « FOMO » (fear of missing out/ peur de louper quelque chose) qui aimerait avoir plus de temps et d’énergie. Mais quant à la décision de Berthier de l’inclure, il y a plus de place pour l’interprétation. On peut au moins en déduire que c’était délibéré, et que le stress et le désarroi de David se retrouvent dans l’écriture de l’album. Il y a des rumeurs sur le fait de subir une crise d’angoisse et de réaliser que l’on est peut-être au bord du gouffre. « Two Thousand », qui se lit plus comme un collage de paroles que comme une chanson cohérente, tourne au nihilisme et s’ouvre sur « Je crois que certains diraient que le monde est maudit pour se vider de son sang » (I believe that some would say the world is cursed to bleed away). Puis sur « Peac » », Berthier est hanté par les souvenirs idylliques d’une flamme romantique passée, mais aussi conscient de la nécessité de la laisser culminer afin de permettre à quelque chose de mieux de s’épanouir : « quand cela s’effacera dans le noir / vous ressentirez quelque chose de nouveau » (when this fades to black / you’ll feel something new).

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Barrington: « Bonanza Plan »

Bonanza Plan est le premier album de Barringtone, un groupe londonien de quatre musiciens qui est délicieusement difficile à classer par genre. Les neuf titres ont, en effet, une lignée qui remonte aux sonorités discordantes de Wire, peut-être, mais ils ajoutent une bonne dose d’inventivité glamour de la Roxy Music de l’ère Eno, tout en gardant une sensibilité pop tordue qui suggère une profonde compréhension du défunt Prince.

« Foxes and Brimstone » est une composition joyeuse, anguleuse et tendue, presque en trois parties, qui passe de rythmes propulsifs à des effets de guitare chatoyants, en passant par des effets de bourdon, le tout soutenu par des harmonies délirantes. Au départ, « Gold Medal Vision » affiche une structure presque conventionnelle, construite autour d’un rythme motorisé, d’un riff de guitare cliquetant, avant de jouer avec les timings et de créer un arrangement tordu mais engageant, dépourvu de chant, avant de s’essouffler dans un chant d’oiseau, avant d’aboutir au titre quelque peu Hi-NRG de « Dreamboyz » qui conserve le funk de l’ADHD censé capter l’attention, mais le place dans une ambiance plus chaude, imprégnée de pop.

Le titre « Into The Woods », comme il se doit, comprend des enregistrements dans les bois, une mise en place ludique d’un rock prog Can(ish) structuré autour d’un clavier profondément déformé et d’autres morceaux de guitare au fur et à mesure de son ascension, toujours vers l’avant avant avant de se fondre dans l’ambiance et les sons des bois pour aboutir à « The New New » – vous connaissez tellement bien les changements de rythme et de direction des groupes qu’il faut garder un œil sur l’écran du CD pour savoir qu’ils vous ont emmené sur un autre morceau !

« Emily Smallhands’… ‘where did you get that name’ » est particulièrement accrocheur, mais une fois de plus, les rythmes se frayent un chemin sur un terrain accidenté, rivalisant avec la voix acidulée, et certains Parliament se heurtent à la guitare de Zappa. Le morceau se tord comme une hydre démente qui claque dans toutes sortes de directions déconcertantes, l’entrée imparfaite sur « Feverhead » qui sonne comme si quelqu’un avait entaillé une ligne de synthétiseur Goldfrapp vrombissante ; peut-être le morceau le plus accessible de l’album et certainement celui qui a un oeil aiguisé sur le marché de la pop grand public.

Les sonneries de Barrington sont si nombreuses sur cet album, qu’in un trait se traduit souvent en un désordre turgescent ; toutefois, Bonanza Plan en est loin – c’est un travail de surprises, les rythmes bizarres, l’utilisation subtile de la voix, sa brillance, sa brise, mais en aucun cas il n’est à écarter.

Sa sonnerie claire occupe un paysage excentrique qui donnerait sa pleine mesure en concert avec toutes les interrogations que la situation suscite.

***1/2

Derek Rogers: « Immersions »

Immersions voit le musicien électronique Derek Rogers fléchir et approfondir son approche « ambient ». En utilisant des procédés numériques, Rogers sculpte une série de magnifiques paysages sonores ; une telle musique surgit d’un endroit profond. Tachetée de bourdon, d’ambiance et d’improvisation libre, Immersions est une musique d’une grande clarté et d’un grand raffinement. Des enregistrements de terrain sont insérés dans le mixage électronique, avec des animaux sauvages et de l’eau qui clapote parfois sur la musique. Ces sons naturels sont tout aussi pertinents que la couche électronique et la couche ambiante artificielle, qui fleurit et entoure l’enregistrement sur le terrain. C’est une évolution intéressante, car le son organique devient un aimable compagnon du processus électronique, et les deux sons ne sont jamais en contradiction l’un avec l’autre. C’est une musique attentionnée et respectueuse de son environnement, et elle se déroule de manière sensible. Au fur et à mesure qu’elle progresse, le rythme s’accélère et les notes sont tachetées par la saleté et la crasse de la distorsion, qui colle et tache la musique. Elle atteint un crescendo et jaillit, de sorte que la musique d’ambiance d’Immersions prend un élan notable.

L’ouverture, « Remake the Crawl », fait découvrir aux auditeurs son fragile écosystème. Le paysage sonore de longue durée est le fondement de l’album, et le reste du disque s’appuie sur lui. Au début, la musique chaude et chatoyante est un lever de soleil silencieux, qui brille constamment jusqu’à ce qu’il augmente de volume (et de façon imprévisible). Après son voyage de 20 minutes, la piste se dissout et se fragmente, et se pose avec un atterrissage cahoteux alors qu’elle entre en contact brutal avec le tarmac de sa piste, abandonnant son espace dans l’air. D’autres textures percutantes font irruption sur un piano silencieux et réservé sur « Cirrus », et la piste semble sur le point de se briser dès le début, crépitant et s’effilochant aux coutures avant de se déchirer de manière irréparable. Seuls le piano et un bourdon rayonnant peuvent empêcher le morceau de s’éteindre complètement.

Au fur et à mesure qu’Immersions se développe, il explore un terrain expérimental et n’est pas timide ou n’a pas peur de secouer les choses, mais il revient toujours à son environnement d’origine, comme la note de base d’une tonalité. Rogers est capable de transmettre un large éventail d’émotions, qui résonnent toutes à travers sa musique instrumentale sans paroles, et avec une puissance égale à celle d’une chanson. L’instrumentation devient sa voix, son mode d’expression. Ses vastes panoramas peuvent être aussi bien ouverts qu’introspectifs, certaines sections se déplaçant lentement entre deux notes, les fréquences bouclant et revenant toujours. Le morceau de clôture « Every Reaction Is Based On The One Cast Before It » est un gigantesque effort de 26 minutes. D’un développement impressionnant, affichant à la fois retenue et mouvement progressif, le morceau oscille lentement entre deux fréquences et des bourdonnements accrus. C’est joli à regarder, mais c’est plus profond qu’une simple apparence, et on peut en dire autant de l’album dans son ensemble. Immersions fait ce qu’il promet de faire, amenant son talent musical vers de nouveaux sommets.

***1/2