Babeheaven: « Home For Now »

24 novembre 2020

Plus de quatre ans après avoir présenté un premier projet musical plein d’âme et flirtant entre trip-hop et dream-pop sous la forme du « single »  « Friday Sky », Babeheaven nous présente enfin un « debut album »,Home For Now,foncièrement honnête et personnel.

Après avoir vu leur tournée américaine reportée au début de l’année en raison de la pandémie de coronavirus, le duo de l’ouest de Londres, composé de Nancy Andersen au chant et de Jamie Travis aux instruments et à la production, s’est recentré et s’est retrouvé à consacrer son énergie à l’enregistrement et au perfectionnement de son premier album très attendu. Après nous avoir taquinés avec des « singles » tels que « Craziest Things » et « Cassette Beat » pendant l’été et l’automne, le duo a continué à nous présenter une palette musicale à la fois variée et cohérente dont le but avoué était de nous tenir en haleine

Bien qu’il ait été terminé à un moment où beaucoup d’entre nous étaient plus ou moins confinés chez eux dans un avenir prévisible, Home For Now n’est pas, selon les propres termes de Nancy Andersen, « un album entier sur le fait que nous sommes restés coincés à l’intérieur pendant quatre mois ». Ayant été conçu pour quatre ans plutôt que pour quatre mois, l’album est très vivant et peut être décrit comme un patchwork des relations, bonnes ou mauvaises, qui sont entrées, ont accompagné, sont sorties et ont façonné la vie de Nancy Andersen et de Jamie Travis.

Les cordes d’introduction du morceau d’ouverture « November » peignent des couches qui capturent l’auditeur dans un paysage sonore chaleureux et accueillant. Le morceau, initialement sorti en 2019 sur le EP Circles du duo, semblera familier aux fans, mais accueillera aussi avec gentillesse toute personne qui pourrait se mettre en travers de son chemin. Poursuivant le voyage musical avec « Human Nature », une chanson sur les luttes personnelles de Nancy Andersen avec la comparaison Instagram, vient l’introduction de la combinaison caractéristique du groupe de battements de batterie doux mais proéminents, de guitares mélodiques et de voix brumeuses. Combiné à des thèmes lyriques francs et réfléchis du début à la fin de l’album, Home For Now est un équilibre parfait, tant au niveau des paroles que de la sonorité, entre le personnel et la relation.

L’album se poursuit d’une manière qui donne l’impression de flotter à travers des couches de coton pelucheux, il vous fait avancer et reculer doucement et vous berce parfois d’un côté à l’autre. Les 14 titres qui composent l’album s’assemblent et se fondent les uns dans les autres, avec des éléments contrastants d’une clarté pure qui brillent parfois, comme les harmonies vocales du titre « How Deep (Love) » ou la production optimiste Massive Attack sur « Jalisco ».

En ces temps de turbulence et d’incertitude, le premier album de Babeheaven, Home For Now, offre un sentiment de calme et de chaleur bien nécessaire. Le groupe a déclaré qu’il « voulait vraiment que l’auditeur puisse ressentir le monde qui l’entoure, même s’il n’était que dans son salon », et en écoutant le disque au travers de haut-parleurs, on ne peut que souligner que la missions est accomple.

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Scaphoid: « Absent Passages »

24 novembre 2020

Absent Passages de Scaphoidest un album intéressant et impressionnant – d’autant plus que c’est un projet solo arrangé pour un groupe complet avec son créateur Matt Hobart y jouant chaque note. 

De ce fait, la plupart des observations auxquelles on peut se risquer sont de nature critique ou technique. Bin qu’il soit manifestement un travail d’amour, l’album me semble plus être une vitrine : un morceau d’artisanat, plutôt qu’une œuvre d’art. Les compositions n’ont pas l’air d’être un jaillissement d’émotion ou d’expression ; elles sont comme une lettre d’amour à l’artisanat de la chanson et à l’exposition instrumentale. L’album sonne comme des compositions créées par un ordinateur qui a analysé tout le « metal prog », puis a généré de la musique originale de façon algorithmique. 

En fin de compte, cela ne nous atteint pas sur le plan émotionnel – ce qui, bien sûr, est une chose personnelle. Onpeut,à cet égard, ressentir le même manque de connexion avec Bach, Mozart et tant de jazz, qui touchent évidemment les autres profondément mais en laissent d’autres froid.

L’absence de voix dans l’arrangement de Scaphoïde en est en grande partie responsable. Certains groupes instrumentaux sont remarquables, en particulier Russian Circles, mais les chansons d’Absent Passages tombent souvent dans ce qui ressemble à un couplet sans voix. Dans ces moments-là, il va manque une caccroche ou une ligne mélodique pour faire avancer la musique et jon ne peut que continuer à vouloir combler de telles lacunes. 

Comme il s’agit d’un album autoproduit qui fait écho au meilleur du prog metal, cet album évoque Probot [le projet solo de Dave Grohl qui réunit la crème des chanteurs de metal] – il nous semble même être une démo qui attend les apparitions des chanteurs d’Opeth, Demons and Wizards, Oceansize et Tool.

D’un point de vue technique, il y a beaucoup à admirer dans ce caractère des sons qui offre un mélange bien équilibré et séparé. Cependant, on dirait que les guitares ont été branchées directement sur l’ordinateur et que la batterie a été jouée sur une batterie électronique, ainsi que sur une piste à cliquer… on croirait même que cet album a été fait à la fois sur et pour casque. Cela laisse le son plat et défaillant, bien qu’une piste en particulier, « Coldness of Clarity », possède une plus grande chaleur en raison du piano et de la guitare acoustique qui sous-tendent la piste. 

Absent Passages ne respire pas et il y manque le son des grands haut-parleurs qui déplacent beaucoup d’air et des tambours qui sont frappés et écrasés… tout cela semble distant, sobre, détaché et clinique ; cela ne sonne pas du tout fort ou physique ou en colère, ce que le métal devrait vraiment, vraiment faire. 

On a pu dire de Van Halen qu’il n’a pas utilisé ses compétences pour déchiqueter sans réfléchir – il a écrit d’énormes chansons pop, et a fait tomber une nouvelle génération amoureuse de la guitare électrique – cela résume vraiment tout ce dont est dépourvu Scaphoid – pas tellement la pop, mais tout ce qui est viscéral at permet à une chanson de nous saisir et nous obliger en nous excitant.

Je ne veux pasIl ne faut, toutefoias, pas sous-estimercet opus ; il est,techniquement, excellent, admirable et stimulant de ce point de vue – mais, hormis cela, il ne va pas plus loin.

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Sam Smith: « Love Goes »

23 novembre 2020

Sam Smith a toujours cherché à être un grand chanteur. L’artiste anglais n’est pas quelqu’un à mettre au pied du mur – citant Gaga et Whitney comme influences clés, leurs performances sont animées d’un certain type de mélodrame que l’on trouve rarement dans la musique pop moderne. Mais leur travail a parfois été critiqué pour son manque d’urbanité, son déficit d’originalité, son côté trop grège, en fait, et c’est cette dichotomie – entre l’extraordinaire et l’impitoyable – qui marque le troisième album Love Goes.

Dans la perspective de la sortie tardive – Love Goes devait initialement sortir plus tôt cette année, et avec un titre différent – Sam Smith a été ouvert sur ses motivations pour le disque. C’est un album qui brise le cœur, a-t-il été assuré aux fans, dans le sens le plus classique du terme. Avec 17 titres, c’est un disque qui analyse les éclats d’un cœur brisé sous une multitude d’angles – parfois il frappe avec une sauvagerie unique, mais parfois il s’évanouit dans le néant.

Mais d’abord, les hauts. « So Seriou » » est une chanson merveilleusement réussie, tandis que les accords qui accompagnent « Forgive Myself » offrent un sentiment gracieux d’affirmation de soi qui refroidit le public, si et quand il revient. « Dancing With A Stranger », digne de figurer dans le Top 10, est toujours un moment pop captivant et fait partie d’un ensemble de morceaux soigneusement manipulés et habilement mis en scène.

L’afrobeat n’est pas exactement un genre pour lequel Sam Smith est connu, mais le pivot façon Burna Boy sur « My Oasis » fait monter l’énergie à un moment clé de l’arc de l’album. L’apparition de Labrinth sur la chanson titre est cependant un peu plate, tandis que la puissance de Demi Lovato sur « I’m Ready » est atténuée par quelques moments d’écriture peu brillants.

C’est donc cette incohérence qui entrave Love Goes ; retardé en raison de la pandémie – son titre initial a été jugé inapproprié par Sam Smith – on a l’impression qu’ils ont eu un peu trop de temps, un peu trop d’espace pendant le processus de création. Un discours épique en plein cœur et ce qui vient après, il peine à maintenir l’élan, un record où de longues sections en perte de vitesse sont bloquées par une poignée de moments pop, certes exemplaires.

Dans le cas de Sam Smith, ils ont rarement mieux chanté – il suffit de faire attention à ces trilles pirouettes sur la chanson titre ou aux tripes qui sous-tendent « Fire On Fire » par exemple. Le matériel est évidemment personnel, mais d’une manière curieusement contradictoire, Smith ne parvient pas toujours à faire passer le message – il y a une certaine timidité émotionnelle qui empêche « For The Lover That I Lost », par exemple, de vraiment percer.

En fin de compte, quand Love Goes est bon, il peut être très, très bon. Un disque qu’il serait bon de rogner un peu, mais il est presque tripoté par sa propre honnêteté. Sur cet opus, Sam Smith a produit un retour imparfait mais décent qui reflète l’introspection de cette année étrange et difficile.

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Tim Minchin: « Apart Together »

23 novembre 2020

Quel était votre film préféré quand vous étiez enfant ? Avez-vous chanté chaque mot lorsque la comédie musicale est apparue ? Qui ne l’a pas fait ? et, à cet égard, nous devons remercier Tim Minchin pour cela. Roi de l’écriture musicale, Minchin a décidé de sortir de sa zone de confort et de sortir son premier album pop solo. Il a peut-être vendu le Royal Albert Hall, mais peut-il vendre son nouveau disque ?

Apart Together est un album qui restera certainement dans le cœur de Minchin, avec de nombreuses références personnelles et des histoires tirées de ses expériences de vie. Il n’y a pas de personnages derrière lesquels se cacher et les paroles de ses récits expliqueront certainement chaque centimètre de ses pensées.

Beaucoup de ces morceaux sont raisonnablement longs pour des chansons pop, la plupart d’entre eux allant de 4 à 6 minutes. Cependant, vous pouvez entendre les capacités musicales de Mangin dans chacune d’entre elles car l’orchestration produit une atmosphère qui ne peut être imaginée qu’en direct et crée des souvenirs édifiants qui non seulement empêchent la possibilité d’une trop grande répétitivité causant l’ennui mais vous emmènent dans un monde d’émerveillement.

On se surprend presque à se demander comment on a pu écouter une chanson de cinq minutes sans vérifier combien de temps il restait. « I’ll take Lonely Tonight » et « The Absence Of You « en sont deux exemples clairs, car ils commencent par de belles mélodies pour piano, à la fois mûres et simples, qui se transforment en de magnifiques chefs-d’œuvre d’atmosphère orchestrale. 

Malgré l’orchestration de ses instruments qui chantent magnifiquement tout au long de chaque morceau, sa force vocale n’est peut-être pas à la hauteur de ce que l’on attendrait. Avec une touche country unique, son falsetto dans « Leaving LA » et « If This Plane Goes Down » n’est pas exactement celui d’une personnalité comme Sam Smith. Cependant, la chanson « If The Plain Goes Down » elle-même détourne notre attention de ce sujet car elle vous fait vraiment réfléchir à la façon dont vous voulez que votre héritage vive après votre départ, en remettant en question votre moralité et la façon dont les gens vous perçoivent. 

Cet album n’est pas seulement rempli de grands instruments et de jolis accompagnements au piano, Minchin s’exprime parfois à travers des lignes de basse et de synthétiseur funky qui nous donnent une pause bien méritée et nous montrent comment s’amuser. « Talk Too Much », « Stayed Too Long » et « Airport Piano » font exactement cela, donc si vous voulez quelque chose qui vous fasse lever, alors ce sont certainement les chansons qui vous aideront. Même dans le morceau  « Apart Together », la ligne de trompette produit une aura douce pour nous. Il est toujours audacieux pour quelqu’un de sortir de sa zone de confort, mais Tim Minchin a prouvé une fois de plus qu’il est un touche-à-tout, zone de confort ou pas. 

***1/2


Yadayn: « Elders »

22 novembre 2020

Avec sa série de 15 albums dont le nom est Built Upon a Fearful Void, Lost Tribe Sound propose un nouveau monde de « sons libres » de la part d’un assortiment d’artistes du monde entier dont certains sont nouveaux sur le label cette année. Parmi eux, le guitariste Gowaart Van Den Bossche, alias Yadayn, qui vient de sortir son premier disque depuis Adem il y a trois ans. Étant donné le penchant de Lost Tribe pour des interprétations très expérimentales et éclectiques de la musique électroacoustique, folk, primitive et post-classique, Yadayn s’intègre parfaitement aux côtés d’alchimistes créatifs à six cordes tels que Western Skies Motel, Mute Forest et The Phonometrician. Le nouvel album s’intitule Elders, un mot néerlandais qui signifie « ailleurs », et donne le ton thématique d’une méditation musicale évocatrice que Van Den Bossche a enregistrée lors de son déménagement de Belgique à Londres, alors qu’il réfléchissait aux expériences et aux relations personnelles liées aux voyages qu’il a effectués en Azerbaïdjan iranien pendant trois ans.

Les notes d’album du label nous disent que ces voyages ont abouti à un échec personnel our l’artiste et que cet album est un effort pour donner un sens aux événements qui y sont liés par un engagement avec les traditions musicales et littéraires iraniennes. Alors que les précédents albums de Yadayn comportaient tous des enregistrements de guitare en solo, ici Van Den Bossche fait un usage intensif d’overdubs tout en ajoutant des sélections significatives d’enregistrements de terrain de son époque en Iran, de la poésie persane écrite par une connaissance aléatoire et des interprétations libres de chansons traditionnelles. Combiné avec sa guitare fluide et complexe, tout cela semble à la fois obsédant, intime, exotique et distant.

Quelles que soient les expériences qui ont inspiré ces chansons, quelles que soient les rencontres, les épreuves ou les déceptions, elles ont clairement marqué Van Den Bossche, mais il laisse discrètement suffisamment de non-dits pour que l’auditeur puisse trouver ses propres lieux lointains et ses propres histoires au sein de la tapisserie extraordinairement riche qu’il tisse.

***1/2


William Basinski: « Lamentations »

22 novembre 2020

Tous ceux qui ont passé assez de temps à l’avant-garde savent qu’il n’est pas rare que la personnalité d’un artiste ne corresponde pas à celle de son travail. Scott Walker apprend poliment à un percussionniste comment frapper un cochon, ou Michael Haneke s’amuse en mettant en scène Funny Games. La musique de William Basinski sent la mort et la décadence, mais c’est un orateur divertissant avec un grand sens de l’humour et une garde-robe qui rendrait le Joker jaloux. Et trois mois seulement après le flamboyant cocktail de jazz numérique de To Feel Embraced de Sparkle Division pour la première sortie de Basinski qui ressent son apparence et sa façon de parler, voici un album qui empile les sentiments de tristesse si épais qu’il doit être une blague savante à un certain niveau.

Lamentations est le troisième album de Basinski de l’année, mais le premier qui sonne et se sent comme son œuvre classique. Comme beaucoup de ses albums, celui-ci est réalisé à partir de bandes d’archives remontant à plusieurs décennies. Après un traitement plus poussé, ces morceaux de piano et d’orchestre semblent s’effilocher et s’effondrer, renversant leurs tripes et laissant une coquille creuse à la fin. Ce qui distingue Lamentations, c’est une touche de mélodrame. Trois titres coupent et mettent en boucle une chanteuse d’opéra soprano, l’image caricaturale d’un drame orageux, et bien que ses lamentations sur « O, My Daughter, O, My Sorrow » et, »Please, This Shit Has Got To Stop » soient véritablement blessantes, c’est de cette même approche que celle de Spielberg lorsqu’il empile les cordes alors que les yeux d’E.T. sont tout moites. Si l’on ajoute à cela des titres comme « Tear Vial » et « Paradise Lost », il n’est pas difficile d’avoir l’impression que Basinski en met délibérément plein les yeux.

Cela ne fait pas deLamentations un disque insincère. Cela en fait simplement l’un des premiers albums de Basinski où l’on peut voir son visage émerger de l’obscurité, de la même façon que l’on peut le voir sur celui de Richard D. James. Bien qu’il soit certainement plus sombre que To Feel Embraced ou le Watermusic, exaltés à juste titre par l’algorithme, il ne semble pas assez dévastateur pour justifier ces pièges de la tragédie, et là où il réussit, c’est dans la puissance de la conception sonore de Basinski – comment l’impossibilité de sonner « For Whom The Bell Tolls » comme il sonne, ou comment « Tear Vial » semble s’effilocher au milieu de la même façon que le papier quand il est mouillé. De nombreux morceaux de Basinski s’étalent sur toute la longueur d’une face de vinyle ou de cassette, mais Lamentations a les dimensions d’un album pop, la plupart des morceaux oscillant entre quatre et sept minutes. C’est peut-être la meilleure introduction à son travail ; c’est certainement l’album de Basinski qui semble le plus Basinskien.

Le compositeur a appelé ces 12 titres «  Lamentations pour les 2000 dernières années de notre vie ». Il est difficile de ne pas l’assimiler aux lamentations entendues partout dans le monde alors que le réchauffement climatique consume les communautés et que la pandémie Covid-19 ravage le monde, mais le manque de spécificité temporelle de Basinski est révélateur. Il s’agit d’une méditation à la fois sur la tristesse et sur la façon dont nous l’évoquons à travers la musique. Il est probable que l’on parlerait de cet album de façon très différente si Donald Trump avait gagné les élections présidentielles américaines, mais près de deux décennies après The Disintegration Loops, la dernière chose dont nous avons besoin est un autre album de William Basinski qui soit entièrement discuté en termes de contexte après coup. Il y a plus qu’il n’en faut dans le monde pour être triste tel quel, et Lamentations commente tout cela tout en se commentant habilement.

***1/2


Neil Young & Crazy Horse: « Return To Greendale »

22 novembre 2020

Après des années de retard dans le projet Archives, il semblerait que le confinementa donné à Young le temps de faire avancer les choses à un tel rythme qu’il devient difficile de le suivre. Il ne se passe guère de mois sans que l’on ne libère un jeune de 74 ans, actuellement agité. Moins de deux mois après le E.P.Times et quelques semaines avant le très attendu Archives Vol. 2 (sans parler de la prochaine réédition du 50ème anniversaire d’After The Gold Rush), il est à nouveau retourné dans la crypte des performances « live » pour nous apporter Return To Greendale,un show datant de 2003 qui présentait Young interprétant Greendale en entier avec Crazy Horse – le tout étant accompagné d’un film du spectacle dans lequel l’album concept a été joué sur scène en salle tandis que le groupe jouait devant et que les écrans montraient des extraits de Greendale The Movie. Il s’agit, dans un sens assez littéral, d’un opéra rock.

Il serait juste de dire que Greendale – dans lequel Young explore ses préoccupations croissantes pour l’environnement au moyen d’une suite de chansons se déroulant dans une ville californienne fictive du bord de mer. Ce 25e album studio de Young a fait l’objet d’une tournée intensive avant sa sortie, mais beaucoup de fans se sont retrouvés à réclamer les tubes plutôt que d’essayer d’absorber un concept album tentaculaire.

Au fil du temps, le disque a fait l’objet de plusieurs réévaluations, notamment parce que les questions qu’il aborde prennent de plus en plus d’importance. Greendale était une vision ambitieuse – elle s’est même accompagnée d’un roman graphique – pleinement réalisée. Sur scène, Young donne le spectacle avec passion, soutenu par le groove caractéristique du Crazy Horse – une combinaison contagieuse qui soutient le décor pendant les 90 minutes qu’il dure. 

Young sort et réédite de la musique à un rythme tel que même les fans les plus engagés pourraient avoir besoin de commencer à être sélectifs. Face à After The Gold Rush et à un volume des Archives consacré à ce qui est sans doute la période la plus productive de sa carrière de compositeur, Return To Greendale ne figure peut-être pas en tête de trop nombreuses listes de souhaits, mais ce set prouve que – quoi qu’en aient pensé ses critiques à l’époque – Young était très certainement sur la bonne voie. Le message du disque n’est pas moins urgent aujourd’hui qu’en 2003, et il s’avère que le voyage de retour en vaut la peine. 

***1/2


Juanita Stein: « Snapshot »

22 novembre 2020

Sur son troisième album solo, Juanita Stein émerge des paysages sonores de ses œuvres précédentes et s’associe à nouveau à son frère Joel, son compagnon d’orchestre de Howling Bells. Le nouveau disque apporte dix chansons personnelles, tissées d’instantanés du passé et d’une matière dense de mélancolie et de grande tristesse mais aussi d’affirmation de la vie.

L’auteure-compositrice interprète australienne basée à Brighton a été reconnue comme la principale chanteuse et guitariste rythmique du groupe de rock »indie » Howling Bells, qui est actif depuis 2004. Des années plus tard, elle a entamé une carrière solo acclamée dès ses débuts avec America (2017). Stein, avec son charisme sombre et sa voix pugnace, s’oriente davantage vers les textures de la country, du folk et de l’Americana, et poursuit l’exploration dans le deuxième disque – Until the Lights Fade (2018).

Snapshot est né du besoin d’exprimer la profonde douleur de l’artiste face à la mort de son cher père, également musicien, en 2019. « Cela semble fondamental pour comprendre la dévastation et le silence sinistre qui nous ont été imposés après sa mort soudaine », a déclaré Stein, en évoquant les sentiments qui ont inspiré son nouveau disque. Et de décrire le processus de création : « [Les chansons] sont venues en masse et rapidement. J’ai fait une démonstration de tout ce qui se manifestait, j’ai ressenti une inspiration irrésistible que je n’avais jamais ressentie auparavant ». Le résultat est un cycle de 10 chansons qui explorent les étapes du deuil et le besoin d’embrasser la vie au maximum.

La première composition, « 1,2, 3, 4, 5, 6 », commence par un groove trompeur, avec de la colère qui gargouille quelque part en dessous, et qui laisse entrevoir des sons de guitare sales et déformés. Sur « Snapshot » » le personnage principal est la guitare jouée par le frère de Juanita, Joel Stein. « Je savais que lui seul pouvait maîtriser l’énergie frénétique nécessaire aux chansons » – explique-t-elle à propos de ce disque.

Le bluesy « L.O.T.F », avec sa mélodie douce-amère, évoque les souvenirs que Stein a gardés de son enfance en Australie. Le courageux et rocky «  Lucky », première chanson écrite pour l’album, aura une vibe country chaude et un sentiment similaire à celui du morceau d’ouverture. Folk et mélancolique, « Snapshot » est plein de tristesse et est cinématographique comme l’indique le titre, et les chansons suivantes – la tendre ballade « Hey Mama » et l’hypnotisant « From Peace » – apporteront des marées de larmes et aval pour, ainsi, couver ce mode éploré mais retenu.

« In The Mavericks » donne l’impression qu’elle veut s’étreindre et se bercer, mais les échos de l’obscurité grandissent et reviennent lorsque la chanson atteint son apogée. C’est à peine la seule chanson où sa voix est proche de crier. Elle s’illumine à nouveau dans « Take It or Leave it » : « Personne n’est un étranger, nous sommes tous amis / Parce que tout le monde perdra quelqu’un à la fin » (Nobody is a stranger, we’re all friends / Because everyone will lose someone in the end)et, quand elle chante dans la conclusion « In the End », ellefait comme trouver consolation dans le sens que cette communauté d’expériences humaines est inévitable pour nous tous.

L’instantané fait penser à Carrie et Lowell de Sufjan Stevens, moins dévastateurs mais portant le même fardeau. Ce disque peut être un compagnon discret dans les moments difficiles, vous permettant d’être triste et désespéré lorsque les sentiments demandent à être libérés, jusqu’à ce que vous puissiez vous installer lentement et trouver enfin la paix.

***1/2


This Is Nowhere: « Grim Pop »

22 novembre 2020

Dans une interview datant de 2012, This Is Nowhere, une formation spécialisée dans la conception de mélanges personnalisés de drone, de psychédélie, de bruit et de heavy rock, avaient déploré le manque de soutien financier pour pouvoir produire leur tout premier matériel au moment opportun. Cette fois, c’est l’implication des membres du groupe dans divers projets, qui a retardé le nouvel album Grim Pop de 4 ans, mais la patience de ceux qui ont continué à fréquenter leurs publications sur les médias sociaux sera définitivement récompensée. En d’autres termes, le groupe fait un triple effort pour changer de point de mire dans le cadre de ses lignes directrices fondamentales. Le drone stoner atmosphérique qui a donné le ton à leur premier album, Turn On, Tune Down, Drop D, a été remplacé par Music To Relapse, qui a improvisé des morceaux de rock lourd et indépendant « à moitié terminés » s »lon leurs dires, ce qui a parfois donné lieu à des morceaux de rock n’ roll très cool et très rapides, dotés agalement d’un groovebien bruyant. Rétrospectivement, la rareté autant que le potentiel de ces segments en mode drone s’ils sont mis en boucle de façon semi-infinie, ont dû agir en tandem comme les noyaux primaires de ce qui bouillonne en réserve cette fois-ci.

Les drones Grim Pop autant que les Turn On…, sont toutefois beaucoup plus agiles, divers et immédiats. Comme ils l’admettent avec confiance dans les notes de la pochette numérique de l’album, This Is Nowhere n’a pas peur de tracer un sillon unitaire et de le perpétuer à un degré arbitraire, tant que cela a du sens et qu’il n’y a pas une seule image de l’album où il n’en est pas ainsi. C’est parce que si vous avez déjà fait une mix tape avec les parties les plus cool de vos chansons préférées et que vous avez répété chaque segment à l’infini, alors il n’est pas difficile de voir que la mix tape de Grim Pop est celle de This Is Nowhere, enveloppée d’un son extrêmement organique ; cela dit, plus certains producteurs aléatoires écouteront, plus les segments trouveront probablement leur place dans un remix électro imaginatif. En théorie, le fait d’avoir une portée progressive comme celle proposée dans Music To Relapse, déplacerait tout au pays du banal ; mais en tant que groupe de riders pas si faciles qu’ils sont, le groupe sait juste quand rouler (ouverture de l’album), ou ramper et traîner, même à la limite du funeste, à partir de son propre point initial (titre de l’album).

Ce nouvel opus contient de belles subtilités, comme les motifs de batterie/guitare post-punk dans « Void Rejects », le courant de surf rock omniprésent, le riff de clôture surun « Crystals » qui s’adapterait instantanément à une section rythmique black metal standard, ou encore la contribution globale du nouveau membre Duru Duru, en quelque sorte un ajout visionnaire au groupe et à sapproche du son. Même l’élément progressif susmentionné est conservé, développé et amélioré dans « Theme for Bluefluke », un long morceau d’un instrument dans lequel tout le monde improvise en done. Les interprétations de Nowhere sont énormes et l’album pourrait facilement être instrumental, mais les voix percent le plafond élevé de la musique et catapultent les décombres au-delà. Au fil des ans, leur chanteur a fait preuve d’une grande créativité, rappelant des noms connus comme Dave Gahan, Glen Danzig et Jim Morrisson, mais ici, il semble suivre sa propre voie, probablement parce que la musique le fait aussi.

Indépendamment de la forme, l’art est ce que son créateur lui donne forme, mais une fois terminé, son interprétation par les destinataires peut être tout aussi intéressante. Les photographies Grim Pop des membres du groupe en sont un exemple. Selon l’œil du spectateur, le groupe passe une longue nuit dans un coin d’une salle de rock minimal de Salonique ou dans une réunion spontanée à la maison, attendant le lever du soleil pour aller manger du bougatsa ou autre chose. Ou bien, chaque membre est habillé avec une grande classe, avec un air de prétention et de fraîcheur, et se tient dans ce qui est probablement un coin de maison ou de salle de répétition, et ne montre aucun besoin de partir, bien que l’ensemble du décor soit quelque peu claustrophobe, à part le minimal. La ville natale du groupe est actuellement mise en quarantaine parce qu’elle est l’endroit le plus brutalement battu et parcouru donc pour l’instant cette dernière interprétation est celle que privilégie l’auteur, car chaque fois que le tableau du monde est peint en gris, il sera impératif de toujours jouer à l’optimiste.

***1/2


King Gizzard & the Lizard Wizard: « K.G. »

21 novembre 2020

Les psy-rockers que King Gizzard & the Lizard Wizard poursuit ses incessantes métamorphes psychologiques sous la forme de ce 16e album studio, marquant ainsi ses 10 ans d’activité.

K.G. déforme et conteste les formules instrumentales occidentales, en s’appuyant sur les expérimentations tonales de Flying Microtonal Bananaqui avaient pris forme en 2017. Façonné pendant le confinement, chacun des six membres a composé et enregistré depuis son propre quartier de quarantaine. Le disque couvre ainsi différentes parcelles du territoire familier de Gizzard : la prophétie apocalyptique de « Automation » et la raclée apocalyptique qu’est « The Hungry Wolf of Fate » rappelant Infest the Rats’ Nest, tandis que les douces méditations de morceaux comme « Honey » renvoient au terrain plus folklorique de Oddments.

Sur « Intrasport », le combo s’attaquera à la space disco, troquant les mélodies de guitare folk orientale pour des rythmes synthétiques new wave. Les dix morceaux sont tenus ensemble par une pulsation tremblante ; pour un album formé avec une telle distance entre ses créateurs, on peut dire que K. G.offre un impressionnant sentiment d’immédiateté.

Au final, les motifs abondent et l’ordre apollonien prévaut. Il n’y a pas de quoi être surpris par K.G., mais peut-être sa reconnaissance témoigne-t-elle de la certitude du groupe de savoir qui il est, ce qu’il est venu faire et de son intention de ne pas s’arrêter de sitôt.

***1/2