Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

11 septembre 2021

Pour sa dernière épopée, le compositeur Lawrence English a évité tout ce qui est faabriqué par une main humaine et a choisi de tisser une série de morceaux à partir de sons enregistrés pendant une période passée en Amazonie.

Plutôt que de poser un enregistreur et de lui permettre de capter tout ce qui se passe et de le libérer, il a sélectionné, parmi cinquante heures de matériel, de créer des pièces autonomes qui mettent en valeur une certaine créature, ou une certaine ambiance qui est compensée par une toile de fond chargée de sons immersifs, ces sons plaçant l’auditeur au cœur de la jungle.

Réparti en sept sections sur A Mirror Holds The Sky, l’auditeur est submergé par des oiseaux inconnus et le bruissement latent des insectes. Des rythmes accidentels sont brièvement capturés et interagissent les uns avec les autres avant de disparaître en toile de fond. On a l’impression d’un lent mouvement panoramique et avant à travers la jungle, la direction du son changeant constamment et la variété et l’intensité augmentant et diminuant. Par moments, on a l’impression d’une cacophonie libre, d’une composition de joueurs mystérieux juxtaposés pour un effet maximal, jouant tous à fond sans se rendre compte de leur place dans le grand plan de Lawrence.

Un drone sinueux les accompagne presque constamment, se déplaçant subrepticement, un véritable fourmillement de sons, l’air rempli et vibrant. Il pourrait s’agir de coups frappés sur le flanc d’un bateau ou d’un afflux de crapauds qui ressemblent à quelqu’un jouant des woodblocks. La toile de fond pérenne monte et descend, son intensité donnant l’impression qu’on la dirige. Ces différents aspects d’un habitat aussi diversifié sont fascinants à écouter chez soi et, sur une piste, le son d’un orage traversant la jungle et entraînant des trombes d’eau dans son sillage vous aide à apprécier le fait d’être bien au sec à l’intérieur.

Il est étrange de constater que certains des sons sont presque synthétiques en raison de notre manque de familiarité, je n’ai jamais entendu un dauphin bota rosa ni un piha hurlant, et le fait que ces sons exotiques soient transportés dans ma propre maison, puis superposés à d’autres et construits dans un paysage sonore animé dépasse mes attentes. Les compétences de Lawrence en la matière sont impressionnantes et sa capacité à injecter un son particulier que l’on considère comme une constante, puis à le retirer progressivement pour laisser un vide notable est formidable. Cette sculpture complexe pour produire un flux diversifié mais constant témoigne de son amour pour le matériau et de son désir de créer un fac-similé idéal.

Si voyager en Amazonie vous semble un effort trop important, mais que vous aimez l’idée d’expérimenter la production sonore de cet endroit extraordinaire, A Mirror Holds The Sky est parfait. Chaque foyer devrait en avoir un exemplaire, juste pour montrer à quel point le monde est vraiment diversifié.

***1/2


Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

7 septembre 2021

Avec A Mirror Holds The Sky, Lawrence English a créé un album fascinant. Le compositeur a enregistré en 2008 un catalogue d’enregistrements de terrain en Amazonie. Après avoir passé au crible 50 heures de sons amazoniens, English a superposé et classé tous les sons pour vous offrir un voyage immersif.

L’album est divisé en zones. Vous commencerez par la jungle, puis vous passerez à la rivière, à une île peuplée de grillons, au doux clapotis du rivage, à une tour pour observer la faune volante et à une tempête de pluie. Les pistes sont disponibles sous forme de sections individuelles ou jouées comme un morceau continu de 37 minutes. La façon dont les sons sont assemblés donne l’impression que l’Amazonie vit autour de vos oreilles. Des cris d’animaux aux grondements hydrosoniques d’un dauphin Boto Rosa, en passant par le bruissement du vent et les gouttes d’eau, rien ne s’arrête. C’est comme si on avait laissé un microphone capturer la nature dans toute sa splendeur.

La clé du succès de l’album est de reproduire ce ton naturel tout en veillant à ce que rien ne reste statique ou stable pendant plus de deux secondes. Lawrence English a soigneusement fusionné et superposé tous les différents enregistrements de terrain comme s’il s’agissait de l’Arche de Noé de l’Amazonie. Pas besoin de tambours tribaux ou d’interaction humaine – le vent ou l’eau fournissent un rythme et un timbre global. Les mélodies proviennent du chant des oiseaux ou des cris et stridulations des insectes. Ce n’est jamais calme – tout est fort, d’une manière qui semble hyperréaliste. Lawrence a fait fleurir les sons de telle sorte que le moindre bruissement peut donner l’impression de faire trembler le ciel. La meilleure façon de le décrire est de regarder la bande-annonce ci-dessous, mais je vous conseille vivement de l’écouter avec des écouteurs et d’entendre le monde chanter en stéréo autour de vous.

En tant qu’enregistrement de terrain ou morceau d’ambiance, c’est l’une de mes découvertes préférées de ces deux dernières années dans le genre. Si vous avez décidé d’acheter l’album physiquement, il est accompagné d’un livre de 48 pages de photographies prises sur place. Il est difficile de décrire à quel point l’Amazonie semble vivante ici – éteignez les lumières et sentez-vous comme si vous étiez dans le moment. C’est la chanson de Mère Nature, qui a été conservée.

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Maisie Peters: « You Signed Up For This »

7 septembre 2021

Le premier album de Maisie Peters, You Signed Up For This, est un aperçu de ce que représente pour des jeunes personnes et leurs premières relations le passage à l’âge adulte tant les chansons qui le contituent semblent tout droit sorties du journal intime d’une adolescente.

Après avoir travaillé avec des artistes tels qu’Ed Sheeran et James Bay ainsi qu’avec les producteurs Afterhrs (Niall Horan) et Brad Ellis (Jorja Smith, Little Mix), il est aisé de constater que Peters est pleine de talent et que ses influences sont évidentes dans sa musique.

La voix délicate de « Hollow », associée à une guitare folk scintillante et à une section de cordes douces, crée un environnement fragile, surtout si on le juxtapose au morceau précédent, beaucoup plus massif,  « Boy ». La façon dont Peters parvient à transmettre l’émotion à travers ses mélodies signifie que certaines des chansons pourraient être tout aussi efficaces en tant qu’instrumentales. Beaucoup de ces chansons pourraient faire partie de la bande originale d’un film sur le passage à l’âge adulte d’une adolescente de l’ère Angus, Thongs, and Perfect Snogging.

Coécrit avec Ed Sheeran et Steve Mac, le « single » « Psycho» est un point culminant de l’album. De loin le morceau le plus lourd et le plus dansant, il apporte en effet apporte un répit bienvenu par rapport à ses prédécesseurs acoustiques et, avec sa mélodie joyeuse et entraînante, c’est un morceau ideal pour vous faire vraiment du bien si vous sortez d’une rupture ou et vous remonter le moral.

Le plus gros problème de cet album est que, fondamentalement, beaucoup de chansons tournent autour de la même relation et de sa rupture – et elles se ressemblent beaucoup les unes les autres. Pour quelqu’un qui traverse une rupture, cet album sera une bonne écoute de réconfort, mais à part « Brooklyn » qui se concentre sur des vacances à New York avec sa sœur, toutes les chansons de l’album de 14 titres semblent suivre le même sujet.

Pourtant, mélodiquement, chaque morceau est magnifique. Ce n’est pas un mince exploit d’avoir sorti la bande originale d’un spectacle et un album la même année, même si You Signed Up For This peut avoir tendance à être répétitif.

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Steve Gunn: « Other You »

5 septembre 2021

Other You se pose avec légèreté, ses mélodies briseuses se déployant de manière tranquille. Des morceaux de guitare blues folk se glissent discrètement entre les phrases vocales. Un groupe de rock complet est là pour soutenir l’ensemble, ainsi qu’un piano, mais les arrangements se fondent dans l’air. Il y a beaucoup d’air, d’espace et de lumière dans ces chansons, mais pas beaucoup de drame. C’est un repos agréable que d’écouter Other You. Il est difficile de se souvenir de ce que l’on a entendu, mais c’est très, très agréable pendant que ça se passe.

Il s’agit du sixième album de Gunn en tant qu’auteur-compositeur – il a une autre personnalité en tant qu’improvisateur et collaborateur instrumental – et il met en évidence la compétence et l’assurance qu’il a commencé à démontrer sur Eyes on the Lines et qu’il a vraiment réussi à atteindre sur The Unseen In Between en 2019. Ce sont des morceaux de mélodie soigneusement construits et magnifiquement arrangés, même s’ils flottent le plus souvent à la surface.  Il travaille avec un groupe de musiciens compétents mais quelque peu réservés – Ryan Sawyer à la batterie, Ben Boye au piano, Justin Tripp à la basse et à d’autres instruments, Rob Schnapf à la guitare (il a également produit l’album) et Jerry Borge aux claviers. Parmi les invités, on trouve un certain nombre de personnes qui se trouvent fermement dans l’orbite de Gunn. Par exemple, Bridget St. John, qui a chanté sur le disque 50 de Michael Chapman produit par Gunn, ajoute quelques contreparties à « Morning River ». Bill MacKay ajoute une troisième guitare sur le subtil «  Circuit Rider », tandis que Jeff Parker, vétéran de Tortoise, se joint à lui sur « Good Wind « . Mary Lattimore joue de la harpe sur « Fulton ». Pourtant, malgré, ou peut-être à cause du talent collectif des musiciens, il n’y a pas de démonstration de compétence. Tout se résume à des grooves ensoleillés, au ralenti, d’une grande clarté mais peu agités.

Ainsi, alors que le titre de l’album brille de mille feux – des parties de guitare tordues, une batterie vive et propulsive, des passages de piano scintillants – la chanson est enveloppée d’une atmosphère brumeuse. Gunn chante doucement, sans se presser, comme s’il vous racontait une histoire. Il y a un refrain, mais il est totalement dépourvu de grandiloquence. La chanson s’achève sur une mêlée instrumentale, mais en sourdine, comme si vous l’entendiez du fond du couloir.

Vers la fin de l’album, Gunn ajoute une friction bienvenue à des morceaux comme « Protection », où les guitares s’envolent sur un rythme motorisé ronflant et somnolent. « Reflection » prend forme dans une pulsation de clavier ondulante, dépouillée et introspective, mais gagne en densité au fur et à mesure que les synthés, la basse et la batterie gonflent. La mélodie de la chanson est charmante, à la fois en tant que confession et en tant qu’explosion dans le refrain, et il y a un travail de guitare sauvage ici, mais encore une fois, il faut l’écouter.

La chanson la plus étrange est « Sugar Kiss » un instrumental chatoyant qui regorge de vie et d’énergie naturelles. Imaginez un étang quelque part dans la nature, la harpe de Mary Lattimore sautillant dans les aigus de la lumière du soleil sur la surface, la basse se faufilant dans le mix comme un moustique affamé, un synthé faisant des vagues ondulantes, le tout humide et indéfini et très beau.

Mais la plupart du temps, Other You est plus joli qu’il n’est conséquent. Agréable à l’excès, il disparaît à une vitesse alarmante dans l’arrière-plan de tout ce que vous êtes en train de faire.

***1/2


Suuns: « The Witness »

4 septembre 2021

Comme son titre le suggère, le thème de la vision est au cœur du nouvel album de Suuns, The Witness. La pochette présente une photographie en noir et blanc du reflet d’un homme nu allongé sur un lit, au-dessus duquel sont accrochées des images encadrées de femmes nues. C’est une image grinçante, candide et légèrement inconfortable à regarder ; en y regardant de plus près, on commence à découvrir des détails que l’on regrette d’avoir remarqués. Comme pour accompagner cette sensation, Ben Shemie répète la phrase « I’ve seen too much » (j’en ai trop vu) sur le premier morceau de sept minutes, « Third Stream ». Ce sentiment d’être dépassé par ce que l’on voit imprègne l’album comme une maladie, à l’image de l’effet de vacillement de la voix à travers lequel Shemie chante en permanence.

Alors que le EP Fiction de l’année dernière mettait en avant la distorsion et un lourd sentiment de pressentiment, The Witness est une bête beaucoup plus douce. Bien qu’il y ait beaucoup de rythmes krautrock robustes qui percent périodiquement le brouillard nauséeux des synthés, de la basse et des guitares, on sent que le groupe se retient volontairement, laissant de l’espace pour que les instruments puissent respirer et évoluer, permettant aux changements subtils de capter l’oreille plutôt que d’attirer l’auditeur avec des accroches faciles ou des jeux de sons qui attirent l’attention. À cet égard, The Witness est définitivement un album en devenir, une écoute insaisissable dont les charmes discrets définissent sa mystique – et aussi ses défauts.

Le premier « single » « Witness Protection » est facilement le moment le plus accessible de l’album, ses rythmes qui font hocher la tête sont la clé de l’attrait de la chanson, qui fait appel à une boîte à rythmes et à des percussions manuelles avant de laisser place à un beat complet. Le groupe opère une magie similaire sur le morceau de clôture de six minutes « The Trilogy », juxtaposant des arpèges de synthétiseurs kosmiques à un rythme serré, presque disco. Les grosses basses synthétiques et les coups de batterie métalliques de « C-Thru » sont remplacés par un changement de vitesse synthé-rock épique, avant que le morceau ne s’évanouisse dans un flot de sons droniques, semblables à ceux des sirènes. L’élan malveillant de « The Fix » attire également l’attention, mais le morceau s’arrête cruellement à deux minutes et demie, juste au moment où il commence à devenir plus intéressant et plus substantiel. 

Lorsque l’évolution musicale des chansons est plus subtile, il faut se pencher sur l’expérience d’écoute, ce qui peut s’avérer frustrant, surtout lorsque le résultat est faible. Sur « Timebender », l’intérêt rythmique est relégué au second plan, au profit de la guitare trémolo et de nombreux espaces chatoyants dans lesquels quelque chose d’intéressant menace de se produire, mais ne se produit jamais. « Clarity » refuse d’être à la hauteur de son titre, tissant un saxophone louche tandis que le rythme et l’orgue s’enfoncent dans la tristesse alors que « Go To My Head » sera affligé d’une lenteur qui est accentuée par les guitares incertaines et sinueuses et la voix désespérée de Shemie. 

Plus vous écoutez The Witness, plus il est difficile à saisir. On ne peut nier que son caractère insaisissable fait partie de son charme, mais il y a des moments où il semble plus évasif que fuyant, refusant obstinément de s’engager plus directement.

***1/2


Amy Denio: « Pandemonium »

4 septembre 2021

L’un des derniers albums de l’inépuisable Amy Denio frappe comme toujours par la touche harmonieuse de l’excellence dans chaque note. Enregistré sur une période de 15 mois d’isolement induit par le Covid 19, il s’agit en fait d’un carnet d’occurrences, d’événements, de personnes, de lieux et de changements qu’Amy a connus dans le passé. C’est une collection de chansons mais pas aléatoire. Il est judicieusement organisé et, grâce à tous les instrumentistes impliqués, il aide à comprendre le monde de son travail collaboratif et la nature de son propre style… qui est difficile à comprendre, à embrasser et encore plus difficile à étiqueter.

Au fil des ans, elle a puisé dans tant de styles musicaux différents qu’aujourd’hui, tous ces styles s’assemblent si facilement qu’à un moment donné, j’ai eu l’impression d’écouter la musique d’Amy Denio à la radio, de la meilleure façon possible.

Le mélange de jazz, de musique ethnique, d’improvisation, de sensation motrice, qui n’est pas nécessairement obtenu par des éléments que nous associons normalement à la musique rock, est pourtant fortement ponctué par la valeur rythmique de la guitare basse.

Un puzzle polyrythmique, d’excellentes harmonies vocales qui vous accompagnent si longtemps que vous voulez y revenir et, avant tout, la légèreté avec laquelle elle travaille tous les détails et les nuances est tout simplement stupéfiante.

Surtout si vous regardez au-delà des arrangements de premier plan et que vous vous plongez dans un arrière-plan assez expérimental.

Certains des morceaux ici ont été remixés à partir des compositions commandées à l’origine pour la série de streaming audio Wayward in Limbo de Nonsequitur, et de l’album Amy Denio : Corona Sonora.

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Indigo De Souza: « Any Shape You Take »

2 septembre 2021

Any Shape You Take commence par une fausse piste ; « 17 » est un morceau d’indie pop d’une simplicité trompeuse, avec une voix décalée chantant innocemment des lignes aux sous-entendus troublants comme « this is the way I’m going to bend now that the baby’s gone » (C’est la façon dont je vais me plier maintenant que le bébé est parti), qui pourrait presque être un extrait du superbe « Jubilee » de Japanese Breakfast. Mais ce n’est pas seulement de la pop indé magnifique et proprement produite. Après quelques écoutes, Any Shape You Take reste énigmatiquement, délicieusement difficile à cerner.

Il est vaisemblable que c’est exactement ce que voulait Indigo De Souza. De l’essence de son écriture au titre de l’album, le disque est largement concerné par le changement et la métamorphose. L’album oscille entre le slacker rock sardonique à la Alvvays, le grunge bruyant à rétroaction et l’indie pop sucrée, s’en tirant avec aplomb mais ne semblant jamais vraiment à l’aise dans aucune. Ce sont 40 minutes de musique remarquablement agitées et affamées, peut-être à la limite de l’éparpillement, s’il n’y avait pas une chose qui maintient le tout ensemble.

Il est question également de la voix de De Souza. Pour faire simple, elle donne la meilleure performance de l’année sur cet album, sa voix puissante jaillissant des coutures de chaque chanson comme si elle ne pouvait être contenue. À un moment donné, pendant le pont de « Bad Dream », elle passe d’un grognement guttural à un falsetto ondulant et à un cri digne d’Adrienne Lenker en l’espace de 30 secondes. Un autre pont offre le meilleur moment de l’album en allant dans la direction opposée. L’exquis « Real Pain » se transforme soudainement en un bourdon au rythme lent, tandis que De Souza entonne un mot à plusieurs reprises, avant de s’effacer progressivement pour être remplacé par le son de, eh bien, de cris. Il ne s’agit pas d’une coda hurlante du style « I Know the End » qui fait un clin d’œil au public tout au long du morceau, mais de véritables sons de douleur angoissés provenant d’une multitude de voix, superposés en un refrain obsédant qui en dit plus sur ce que nous avons tous vécu ces jours-ci que n’importe quel texte. Puis, d’un coup sec, c’est fini, et la chanson reprend son rythme entraînant sans une once d’autosatisfaction.

Any Shape You Take est rempli de moments comme celui-ci, où les chansons semblent s’étirer comme un élastique pour s’adapter à la présence vocale gargantuesque de l’artiste. L’inclusion de quelques chansons moins mémorables basées sur des accroches répétitives comme « Die/Cry » et « Pretty Picture » handicapent légèrement la première moitié de l’album, avant que « Real Pain » ne donne le coup d’envoi de ce qui est probablement la meilleure série de rock indépendant de cette année. Vous pouvez quitter Indigo De Souza avec un certain nombre d’impressions – les rockeurs grunge pince-sans-rire jouant de leurs influences, le potentiel indie pop habilement accrocheur de « 17 » et « Hold U », les climax du cœur dans le duo final « Way Out » et « Kill Me », qui peuvent tous deux rivaliser avec n’importe quel album de Big Thief , par exemple Two Hands, en termes de pureté des chansons. Une chose dont vous vous souviendrez certainement, c’est l’énergie de l’album : nerveuse mais très excitée, elle ne se dévoile jamais complètement mais est brutalement ouverte, et quel que soit le genre, elle est tout à fait unique.

***1/2


Geneva Skeen: « Universal Building Supply”

1 septembre 2021

L’immobilité absolue est l’un des sentiments les plus effrayants. L’air devient vicié, chaque petit bruit au loin se répercute dans l’espace vide, comme un poignard dans l’obscurité. Universal Building Supply capture cette accalmie fantomatique et la canalise dans un dossier sonore captivant sur les esprits qui habitent des lieux spécifiques et la façon dont ces espaces deviennent finalement des épaves.

Enregistré à Red Hook durant l’été 2021, l’album marie des enregistrements de terrain suffocants d’un fossé de drainage rempli de grenouilles coassantes et d’eau croupie avec un accompagnement musical éphémère. Des drones synthétiques s’opposent constamment, embrassant l’environnement sans air tandis que le monde naturel hurle des avertissements sans fin sur la fin des temps. En capturant ces sons, Geneva Skeen transforme ce moment fugace en quelque chose de permanent, ce qui soulève la question de savoir quels moments nous devons capturer et quels moments nous devons laisser à l’éther.

La capacité de Skeen à équilibrer la dualité de ces idées d’une manière cohérente et envoûtante. Je vis dans un endroit chaud, humide et immobile, et je déteste ça. Pourtant, j’ai envie de m’aventurer dans ce monde sonore. C’est une musique qui a une qualité tactile, un environnement sonore avec une température et une odeur. C’est inconfortable avec un but, familier sans être fade. Dans le malaise, les espaces inhospitaliers, une attention soutenue émerge comme une fleur transformatrice qui apporte paix et réconfort dans la dure réalité. Universal Building Supply est une méditation pour et sur la chute.

***1/2


Wolfgang Mitterer: « Temp Tracks »

1 septembre 2021

Mis en circulation par Col Legno, « Temp Tracks« , le dernier album du compositeur autrichien Wolfgang Mitterer, qui a reçu de nombreuses récompenses et qui compte 37 morceaux et miniatures pour une durée totale d’environ 56 minutes. Avec ce qui semble être une approche conceptuelle, tous les titres des pistes commencent par une variation de « Temp… » (01-20) ou de « Ton… ». (01-20) ou « Ton… » (21-37), Mitterer présente une collection de ce qui est appelé « musique préliminaire » dans la feuille de presse qui accompagne l’album – des pièces fonctionnelles servant de bande sonore temporaire pour des séquences de film jusqu’à ce que la partition réelle soit terminée, des substituts en quelque sorte avec lesquels l’artiste est bien familier, étant lui-même très demandé en tant que compositeur de partitions pour le cinéma, le théâtre et l’opéra. Ceci étant dit, et malgré la nature fonctionnelle de la musique elle-même, l’album offre une expérience d’écoute fascinante.

Le morceau d’ouverture « Temp » utilise même le sample vocal classique « music’s hypnotizing » qui s’est ancré dans les débuts de la musique électronique et de la scène rave grâce à son apparition dans de nombreux morceaux phares du hardcore et du breakbeat britanniques durant la première moitié des années 90, D’autres incorporent des échos d’opéra et d’arrangements classiques dramatiques, tandis que des titres comme « Templar » semblent associer de l’électronique sombre et menaçante à des échantillons traités tirés d’un porno très explicite, le morceau suivant « Template » fournit la bande-son nocturne d’un conte de fées, des compositions comme Tempt » empruntent la voie des techniques de collage, « Toneless » évoque des souvenirs de DarkJazz et d’Illbient tandis que des oeuvres comme « Tonepad » rendent hommage à la basse droite, pour n’en citer que quelques-uns. Cet album est recommandé à un public de collectionneurs de partitions, de cinéphiles et de connaisseurs de l’avant-garde.

***1/2


DarkSonicTales: « DarkSonicTales »

1 septembre 2021

Il y a peu de choses dans la vie sur lesquelles on peut vraiment compter, mais le label Hallow Ground est l’une d’entre elles, si vous cherchez de la musique du côté obscur. L’indice est dans le nom : c’est assez sombre. C’est évident. C’est aussi un mélange intéressant et inhabituel de styles et de sons, car si cette œuvre de quarante minutes et sept pistes est principalement instrumentale et ambiante, elle va plus loin et plus profondément que cela, pour couvrir une gamme de territoires, avec des résultats souvent assez troublants.

DarkSonicTales est un projet de Rolf Gisler, à qui le label a accordé une résidence d’artiste dans une ferme tricentenaire de la campagne suisse à l’automne 2019. Nul ne sait vraiment comment ce genre de choses se produit, mais c’est ainsi. On convoite un peu les artistes qui obtiennent du temps et de l’espace dédiés pour travailler sur leur art, quel que soit le support, parce que le simple fait est que dans la vie ordinaire, il ne semble jamais y avoir assez de temps. Pour quoi que ce soit. Et la créativité exige de l’espace et du temps, qui sont tous deux des denrées rares et précieuses.

Rolf semble avoir tiré le meilleur parti de son temps, et le résultat est un album varié en termes de forme et de tonalité, ce qui rend l’expérience d’écoute fascinante. Du doux carillon de la courte pièce d’introduction, « IInfo Pandemie », au tourbillon en mode drones des huit minutes de « Best Buddies » » qui entraîne l’album vers une lente conclusion dans un brouillard bilieux de dérive sonore, DarkSonicTales est un opus profondément exploratoire.

« I Still Believe » sera, lui, un long morceau gothique, à combustion lente, au rythme lent et discret, où Gisler murmure d’une voix de baryton sur une guitare délicatement ciselée, à l’atmosphère obsédante, épinglée par une boîte à rythmes distante mais insistante, dont la caisse claire crépitante perce la brume sonore.

« Best Buddies » » marque le point final, avec un battement de cœur qui vacille comme une palpitation sur un fond musical lent et majestueux.

À certains égards, c’est un défi, simplement parce que même si l’album penche vers l’électronique, la façon dont l’instrumentation est utilisée est si variée qu’on a l’impression que l’album est plus difficile à accommoder qu’il ne l’est en réalité. D’une manière ou d’une autre, les pièces du puzzle s’assemblent.

***1/2