Xeno & Oaklander: « Vi/deo »

7 décembre 2021

Sur leur dernier album, le duo synth-pop Xeno & Oaklander ne parle que de couleurs. La description de Vi/deo sur Bandcamp cite la synesthésie comme force motrice de sa création et fait référence à la « fantaisie technicolor », aux « lumières vacillantes de la ville » et au « son comme couleur ».

Le projet s’inscrit dans la continuité de l’esthétique du duo, avec ses lignes de synthé cristallines et d’autres sons puisés dans l’univers de la musique électronique DIY. Mais ils sonnent un peu moins minimal sur cette sortie que ce à quoi les téléspectateurs pourraient être habitués, une impulsion qu’ils ont probablement reportée de Hypno en 2019. Ces morceaux sont denses et parfois cinématiques – l’ouverture, « Infinite Sadness », en est un bon exemple avec ses percussions superposées et ses harmonies chorales, tout comme l’ornemental « Afar ». 

Pour l’essentiel, Xeno & Oaklander réalisent leur vision du « son comme couleur » avec ces arrangements complexes et ces textures brillantes. L’album a un éclat rose vif, un effet qui est renforcé par la pompe glamour et la confiance en soi de la voix de Liz Wendelbo. Pour faire une comparaison qu’elle pourrait apprécier, étant à la fois parfumeur et musicienne, c’est un peu comme le poison de Dior, c’est à la fois enivrant, d’une douceur délétère et d’une gaudriole éhontée.

Vi/deo est coloré, d’accord, alors félicitez Xeno & Oaklander pour cela. Mais le diable est dans les détails, car l’album n’évoque qu’une seule couleur au cours de ses huit morceaux. A l’exception de quelques morceaux, l’album est tout simplement trop homogène. Les mêmes textures sont répétées ad nauseam, et il y a rarement une mélodie ou un groove assez prononcé pour aider à distinguer un morceau d’un autre, ce qui rend l’écoute assez peu mémorable. 

Il suffit de jeter un coup d’œil à la séquence de trois titres « Poison », « Afar » et « Technicolor ». Le rythme disco sur « Poison » offre une touche agréable, mais à part cela, ces trois chansons consécutives sont presque identiques textuellement, suivant la même formule de boîtes à rythmes percutantes, de synthés vifs et de voix éthérées. Cela ne prend pas beaucoup de temps pour perdre son attrait, et il est troublant qu’un album aussi court que celui-ci (30 minutes) commence rapidement à traîner. On peut faire beaucoup de choses avec un combo synthétiseur/batteur bon marché, mais Xeno & Oaklander semblent s’acharner à utiliser leurs instruments pour produire les mêmes sons encore et encore. 

Il y a tout de même quelques morceaux à retenir, comme « Infinite Sadness », qui a un côté glitchy, grâce à ses percussions disjointes, ses crachotements et ses lignes de synthétiseurs. Il a également une solide accroche vocale, tout comme le chantant « Television » et le flamboyant « Movie Star ». En fait, ces deux dernières sont à égalité pour la meilleure chanson de l’album, rien que pour la force de ces accroches vocales. Sur le plan textuel, elles souffrent des mêmes problèmes d’homogénéité que les autres morceaux, mais elles ont suffisamment de qualités d’écriture pour s’en sortir.

Vi/deo a ses moments, et dans l’ensemble, ce n’est pas un mauvais album – il est juste oubliable, avec un lot invariable de textures et un manque d’accroches pour compenser. En conséquence, la tentative de Xeno & Oaklander de créer une fantaisie en technicolor » ressemble plus à une fantaisie unicolore.

**1/2


The Circular Ruins & Mystified: « Fantastic Journey »

7 décembre 2021

Il est étrange de penser que Fantastic Journey de The Circular Ruin And Mystified a été enregistré et publié pour la première fois il y a près de dix ans, avant cette nouvelle édition augmentée offerte par Cold Spring Records.

Avec un concept dérivé des classiques de la science-fiction et de la fantasy, on pourrait s’attendre à ce que Fantastic Journey soit dans la veine de certains synthétiseurs plus récents, centrés sur les années 70/80, qui pourraient rappeler la bibliothèque télévisuelle ou la musique de scène de l’époque, ou peut-être même un voyage dans les extrémités plus cosmiques de la musique électronique.

Bien qu’il y ait de vagues nuances des deux du fait de l’instrumentation responsable de ces sons, le résultat est plus hanté que hantologique, se rapprochant plus, via les drones vitreux d’un morceau comme « The World Beneath », de l’ambient (sombre) que de l’abus de Moog rétro. Ce morceau en particulier est à la fois spectral et troublant, la musique de fond d’une exploration à la torche d’un labyrinthe souterrain évoqué dans le titre.

Des enregistrements sur le terrain, des synthétiseurs cristallins et de subtiles interjections bruitistes et électroniques gonflent et descendent progressivement tout au long de l’album. L’ensemble donne une impression presque gazeuse, comme un nuage musical qui vous entraîne progressivement et vous fait passer à nouveau. « Beyond The Farthest Star » sonne comme son titre l’indique, le morceau commençant par un excellent exemple de flottement textural avant d’atteindre un plateau de tons de synthétiseurs bouillonnants, mais étrangement jolis, qui vacillent les uns autour des autres.

Chaque morceau a un flux qui suggère le mouvement, l’arc du vaisseau sous-marin de Verne, les grains à la dérive de la surface du paysage martien de Rice Burrough. La subtilité exercée par Anthony Paul Kerby (The Circular Ruins) et Thomas Park (Mystified) est magistrale. Elle sert à suggérer des images mentales à l’auditeur, plutôt qu’à l’immerger totalement, à fournir une bande sonore permettant à l’imagination de construire ses propres scénarios, auxquels Fantastic Journey apporte un complément, plutôt qu’un schéma.

En même temps, le Voyage Fantastique ne se résume pas à une simple atmosphère. Mysterious Island est peut-être le « tube », faute d’une meilleure expression, la séquence mélodique la plus accessible ici, et il n’est pas difficile de l’imaginer accompagnant un documentaire sur la nature ou les voyages. Les treize premières minutes de « Twenty Thousand Leagues « s’ouvrent sur un enregistrement de terrain presque New Age et sur des accords harmonieux et respirants. Ces deux éléments équilibrent et complètent les moments plus galactiques de l’album.

C’est une œuvre fraîche et spacieuse qui mérite une écoute attentive. Il est intéressant que l’album puisse prendre l’influence de géants de la littérature et les traduire en quelque chose de plus unique et ambigu. Loin d’être une série de traductions musicales littérales du matériel source, les interprétations laissent beaucoup de place pour vous permettre d’entamer un voyage vers des mondes de votre propre conception.

***1/2


Palm Ghosts: « Lost Frequency »

6 décembre 2021

Palm Ghosts de Nashville, TN, viennent de sortir son nouvel album The Lost Frequency. La signature sonore du combo mêle post punk lunatique et dream pop d’une manière qui rappelle des légendes telles que The Cure, Joy Division et Echo and the Bunnymen. Leur suivi de Lifeboat Candidate, le groupe a développé une sortie régulière de musique depuis 2014 qui inclut The Lost Frequency comme leur cinquième LP.

Avec des paroles fantaisistes et ludiques, le groupe joue avec des thèmes juxtaposés de confrontation et de calme. Ce qui émerge est un son qui a un pied fermement planté dans l’arène de leurs prédécesseurs, tandis que l’autre évoque une imagerie moderne et expose les sujets d’aujourd’hui.

Oui, vous pouvez donc écouter cet opus comme un voyage nostalgique avec une oreille qui pense à certains groupes du passé. Mais cela ne rend pas service à ce groupe du Tennessee. S’ils n’ont pas peur de leurs racines, ils font aussi de la musique pour le présent. Et on adore ça. Si nous devions choisir un morceau favori de l’album, ce serait sans aucun doute « John Carpenter, » du nom de la légende du cinéma et de la musique à l’origine de certaines des plus grandes musiques de l’histoire du cinéma (voir Halloween, The Thing, The Fog, etc.). Ce morceau ressemble à un rêve fiévreux habillé de synthétiseurs dignes deu réalisateur et c‘est vraiment le sommet de ce LP.

***


No Translation: « Inner Distance »

5 décembre 2021

Inner Distance, le premier album d’Emma Palm sous le nom de No Translation, crée des formes sonores spacieuses à partir des moments les plus intimes et personnels. Comme toujours, Palm construit ses paysages sonores en utilisant principalement des synthétiseurs et sa voix, mais les morceaux les plus profonds d’Inner Distance proviennent des enregistrements de terrain qu’elle et sa mère, à Tapei, ont fait et se sont envoyés au cours des deux dernières années. Ces connexions personnelles attirent la musique vers l’intérieur comme un acte de contemplation et de connexion pour naviguer dans les liens fragiles qui nous tiennent ensemble.

La musique de Palm est captivante par sa douceur viscérale. Avec ses sonorités vaporeuses et ses arrangements sans artifice, on s’attend à ce que ce genre de musique passe inaperçu. No Translation n’offre pas un tel soulagement, car la touche légère masque la lourdeur émotionnelle de l’œuvre. Des morceaux comme « Frame of Reference » et « Two Days » se situent dans un espace flou, nous poussant dans le monde tout en exigeant une attention soutenue. Des pas texturés s’éloignent sur la première, chacun d’entre eux étant une dague alors que cette figure s’éloigne au loin, entourée d’oiseaux qui gazouillent et de voix désincarnées. « Two Days » tente de cristalliser des souvenirs perdus au plus profond de soi, des houles montantes et des échos argentés obscurcissant encore les sons juste à l’abri des regards. On ne peut pas détourner le regard sous peine de manquer la partie qui débloque le reste.

Inner Distance voyage à travers l’espace et le temps en comblant des fossés impossibles à combler. Le morceau d’ouverture, « Momentary », glisse comme une brise sur l’océan, rapide et aérienne, s’élevant vers un trou dans les nuages pour trouver le rayon de lumière le plus net. La voix de Palm flotte sans effort, se fondant dans les opulentes nappes de synthé pour devenir un abri lumineux. Des griffures se promènent sur la surface de la ligne de verre, comme des pages que l’on tourne dans une histoire oubliée, un rappel des palais que nous recherchons. C’est doux, magique.

L’album est décrit comme un cadeau pour la mère de Palm : un espace de guérison où le soleil de Joshua Tree peut atteindre les lumières de Taipei. Dans cet espace, il y a de la place pour que chacun de nous trouve sa propre force. En faisant un geste vers le ciel étoilé, la chanson titre comble le dernier fossé dans les derniers moments de Inner Distance. Les chemins de pierre polie se dirigent vers les portes arpégées du château, ouvertes pour la première fois depuis des lustres et prêtes à laisser entrer nos esprits. Ce premier album de No Translation est une tranche de divinité.

***1/2


Gilded: « Denizen »

3 décembre 2021

De profondes vagues venues du sud déferlent sur la baie, secouant les arbustes et les herbes des dunes. Les vagues déchiquettent le sable d’anciens rochers calcaires qui n’ont pas été vus depuis des générations. Des empreintes encore estivales dans l’esprit des oiseaux migrateurs, partis depuis longtemps pour l’hiver. À l’intérieur des terres, les habitants s’abritent parmi les arbres à papier salés, en attendant la fin de l’été.

Le duo expérimental de l’ouest de l’Australie, Gilded, revient avec son deuxième album, un album qui a mis neuf ans à voir le jour après leur premier album acclamé de 2012, Terrane.

Gilded est composé de Matt Rösner, plus connu pour ses travaux en solo sur 12k et Room40 et sa collaboration de longue date avec Seaworthy, et d’Adam Trainer qui a joué dans divers groupes de rock indés et expérimentaux basés à Perth au cours de deux décennies.

Gilded a fait une tournée de leur premier album acclamé, Terrane, fin 2012, jouant à travers l’Australie devant des publics chaleureusement réceptifs. De retour de la tournée, ils se sont immédiatement plongés dans l’enregistrement d’une suite, la base de six titres se matérialisant en seulement trois jours. Se réunissant occasionnellement pour mixer ou enregistrer de nouvelles idées, l’intervalle entre chaque session s’est allongé, jusqu’à atteindre huit ans. En 2020, Matt et Adam se sont retrouvés dans les plaines côtières estuariennes du sud-ouest de l’Australie, la région qui avait vu la genèse du projet presque dix ans auparavant, et se sont promis de terminer l’album. Une autre courte période d’enregistrement et de mixage a lié l’album dans sa forme finale.

La majeure partie d’Alden a été enregistrée dans et autour de la maison de Rösner dans la petite ville côtière de Myalup. La géographie de la région, avec ses dunes de sable, ses marais broussailleux et un grand lac salé évaporé, a influencé le son de l’album ainsi que ses thèmes. De nombreux titres de morceaux rappellent des images liées à l’histoire de l’endroit en tant que centre agricole et camp de subsistance pendant la grande dépression. Le titre de l’album rappelle non seulement l’œuvre emblématique d’Henry David Thoreau sur la créativité isolée, mais il est également l’anagramme de « lande », un mot français désignant une lande – une plaine sablonneuse et stérile bordant la mer, à l’image de l’environnement qui a donné naissance à l’album. Mais Alden est souvent loin d’être pastoral – ses divers composants organiques sont parfois tordus et déformés en formes et textures étrangères.

Alden s’appuie sur le monde sonore introduit sur Terrane, alternant entre des rythmes organiques répétitifs et des passages ambiants texturés. Le piano qui constituait la base de l’album de Gilded à ses débuts a disparu. Ici, il est remplacé par des synthétiseurs vintage, souvent transformés en formes méconnaissables, et un ensemble d’enregistrements de terrain qui sont sans doute plus présents et plus audacieux qu’ils ne l’étaient auparavant. Alden est un disque plus insistant, moins plaintif, mais quelque part plus optimiste. Rappelant parfois le post-rock rythmique de Fridge ou Radian, ou encore l’ambiance texturale et spacieuse de 12k artists, Alden n’en reste pas moins une œuvre distincte et totalement originale, qui s’inscrit dans la lignée du premier album de Gilded tout en forgeant une nouvelle direction pour le duo.

Revitalisé après une absence significative, Gilded est enthousiaste à l’idée de créer plus de musique dans un avenir proche. Pour l’instant, Alden représente un retour bienvenu et un nouveau chapitre fascinant.

***1/2


Child Of Night: « The Walls At Dawn »

1 décembre 2021

La dark-wave est une bête versatile, même si on laisse de côté les innombrables variations du style originaire d’Italie et d’Allemagne. Sur son nouvel album The Walls At Dawn, Child Of Night a trouvé une combinaison gagnante de sons propres à la darkwave américaine classique, à la vague actuelle de nouvelles synthés sombres en Amérique du Nord, et peut-être aussi à des influences shoegaze et dreampop. Alternativement sombre et lumineux, clair et étouffé, c’est un disque qui démontre à quel point la musique de cet acabit est façonnée par l’atmosphère.

Le morceau d’ouverture « Aurora » présente le groupe sous son aspect le plus baroque et gothique, bien que sa lenteur, semblable à celle de Lycia, avec ses voix fatalistes, ses guitares carillonnantes et ses grondements de synthétiseurs, indique à quel point la texture va jouer un rôle important dans ce disque. Des morceaux plus riches et plus doux comme « Unafraid » et « Wounded Child » mettent les synthés en avant. Ce dernier en particulier est un cours magistral de composition et d’arrangement darkwave, avec un soupçon de rugosité lo-fi qui met en relief ses mélodies immédiates et donne à l’ensemble du morceau une chaleur rayonnante.

Dès que l’on s’en aperçoit, la production lo-fi de The Walls At Dawn devient l’un de ses traits caractéristiques et presque un creuset pour l’écriture des chansons du groupe. « Indigence » rappelle la synthpop de chambre obscure des décennies passées (en partie Cold Cave, en partie « Figurine »), où la brume boueuse du mixage ajoute de la texture à ses synthés et un certain charme flou à ses mélodies descendantes. La décision de laisser les voix se déformer sur l’hymne « Cult Of Satisfaction » et sur la pièce maîtresse de l’album, « Son », n’a pas été aussi payante, mettant un frein à l’ampleur de ces morceaux.

Dans une dimension parallèle, il existe un mixage plus propre de The Walls At Dawn qui met les talents du groupe en matière d’harmonies et de synthétiseurs sous la lumière d’un projecteur fraîchement poli. Est-ce que cette version alternative du disque fonctionne mieux dans les listes de lecture des boîtes de nuit ou de Spotify ? Probablement, mais elle perd peut-être un peu du grain fatigué et circonspect de cette version.

***1/2


Pink Milk: « Ultraviolet »

30 novembre 2021

Les Suédois de Pink Milk, groupe de dark shoegaze, sortent ici leur deuxième album, un Ultraviolet qui se révèle être un puits lugubre de bruit dense, des cascades de ténèbres qui semblent issus comme tourbillonnant depuis une fosse. Leur biographie indique qu’ils pratiquent une musique occulte inspirée des années 80 et que Reverb est leur deuxième prénom, une appellation qui leur va comme un gant

Les détails sur le groupe sont squelettiques, mais ils indiquent que Maria et Edward Forslund ont écrit toute la musique (sauf le thème de Terminator 2) et que Maria a écrit toutes les paroles. Les critiques vous diront qu’ils sonnent comme The Cure ou les Cocteau Twins mais cene sera qu’à partir de « Here Comes the Pain » que l’on remarquera vraiment l’influence de cesderniers et, pour peaufiner les similitudes, on remarquera également qu’ils sonnent aussi un peu comme Pinkshinyultrablast, qui , eux aussi,utilisent la réverbération.

La musique est, dans le genre précité, d’une beauté absolue, comme en témoignera le sublime « Everything Must Die ». C’est une vérité indéniable, mais ne vous attardez pas sur le titre. Au lieu de cela, laissez-vous emporter par les volutes de sons et la voix de Maria Forslund.

« Here Comes the Pain » laissera entrer un peu de lumière en soulignant les influences musicales de leurs années de formation alors qu’ « Into the Void » empruntera un chemin plus sombre, qui restera enflammé par des percussions aériennes. Si vous ajoutez, enfin, des lignes de basse super caoutchouteuses, vous serez au paradis de la darkwave.

« Blue Eyes (River of Glass) » avance, lui, comme une bombe à mèche lente, et sa grandeur plaira aux auditeurs. C’est probablement la plus jolie chanson de cet album, servi par une dream pop glacée en un amalgame qui fonctionne très bien.

« Nobody Can Save Me Now » évoquera, se son côté, la dernière période de Cure qui sert ici une sorte de tremplin sonore dans lequel le duo s’appropriera vraiment cette musique. » Luv Hurtz » » et le bien nommé « Sayonara » complètent cet album avec ce dernier titre particulièrement funèbre, un autre style dans lequel le groupe se délecte.

Écoutez au casque pour apprécier les nuances de cet enregistrement. Ultraviolet est album sombre, certes, mais il est plein d’un espoir de la part de ces grands pourvoyeurs de doomgaze et il sera, par conséquent, hautement recommandé !

***1/2


Elbow: « Flying Dream 1 »

29 novembre 2021

Le chant mélodieux de Guy Garvey et ses histoires intelligentes et sentimentales nous transportent dans les méandres des bois, du piano et de la guitare, comme un guide dans des eaux nouvelles ou familières. Sur leur dernier album, Flying Dream 1, Elbow semblent vouloir abandonner le format habituel des chansons pour se consacrer au pur amour du son, vocal et instrumental. On retrouve toujours les sensibilités pop alternatives que l’on attend d’Elbow, et bien que la plupart des chansons reposent davantage sur le flux et le reflux que sur la force motrice qui fait de certaines de leurs chansons les bangers qu’elles sont, elles parviennent toujours à exciter et à émouvoir.

Comme on peut s’y attendre au vu du titre, le vol est un thème qui revient à plusieurs reprises sur le disque, notamment dans la première moitié. « Est-ce un oiseau ? /Est-ce un avion ? / Ou est-ce une belle âme de guerrier jetée à la mer / qui traverse le ciel pour rentrer chez elle ? » (Is it a bird? / Is it a plane? / Or is it a jettisoned beautiful warrior’s soul / blazing ‘cross the sky on its way back home?), chantent-ils sur la troisième chanson de l’album, un trois-quatre avec un rythme Casio intelligent et un piano qui tinte. À propos de l’amour, Garvey chante sur « Six Words », Seule la chute vous donne des ailes comme celles-ci » (Only falling gives you wings like these).

La seconde moitié de l’album semble être constituée de titres qui parlent principalement de sa femme et de l’amour de sa vie. Elle comprend des chansons comme « The Only Road », où il chante « Oh, je ne t’ai pas vu venir / Mais maintenant, je ne suis rien sans toi » (Oh, I didn’t see you coming / But now I’m nowt without you). Et la seule route que je connais maintenant / c’est toi et moi ensemble » (And the only road I know now / is you and I together) . Le morceau le plus radieux de l’album est probablement le dernier, « What Am I Without You » qui a déjà fait son entrée dans leur cycle de performances « live » pour un effet triomphant. Le morceau commence de manière éparse, comme une grande partie de l’album, mais se transforme en une émouvante jam de rhythm and blues. Une chanson qui sera sans aucun doute un élément essentiel du catalogue d’Elbow à partir de maintenant, tout comme leurs nombreux autres morceaux mémorables et entraînants.

Pour les fans d’Elbow, cet album est un régal, avec sa subtilité, sa romance et sa bonne humeur typique. C’est un album d’une beauté époustouflante, avec la voix caractéristique de Garvey au premier plan et l’instrumentation talentueuse du groupe. C’est en quelque sorte leur disque pandémique, mais comme le titre le suggère, il s’agit davantage du rêve plein d’espoir de l’amour, que de la réalité de la stagnation ou de la mort que nous avons vécue à des degrés divers ces deux dernières années. Il semble que Garvey soit heureux de la vie qu’il mène, et sa gratitude se traduit par une affirmation cosmique de tout l’amour que nous pouvons ressentir ou espérer dans nos vies. Pendant un certain temps, les avions sont restés au sol, mais Garvey ose toujours rêver de voler.

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Jon Hopkins: « Music for Psychedelic Therapy »

29 novembre 2021

Jon Hopkins, spécialiste de la musique électronique, fait une plongée en profondeur et va droit au cœur sur Music for Psychedelic Therapy. La question est de savoir si vous le suivrez.

Depuis 2013 avec Immunity et 2018 avec Singularity, Jon Hopkins a suivi une trajectoire en ligne droite visant le soleil. Et puis, le point a disparu de l’écran. Jon Hopkins a, alors, fait un virage à 180 degrés et réapparaît aujourd’hui avec Music for Psychedelic Therapy. Si l’on considère les débuts cérébraux de Hopkins et ses projets secondaires expérimentaux, cet album était toujours là pour être réalisé. Hopkins dit que c’est le disque qu’il a essayé de faire toute sa vie. Lorsque vous appuyez sur « play » et vous n’aurez aucun doute ; la musique est une question de vie et de mort.    

Elle modifie , en effet, nos ondes cérébrales. Elle détermine notre humeur et allège notre esprit lorsque nous entendons les bonnes ondes. La musique guérit. Nous le savons et le savons depuis des millénaires. Pourtant, peu de travaux scientifiques y ont été consacrés jusqu’à cette dernière décennie. Le neuroscientifique Mendel Kaelen et sa société Wavepaths font partie de ceux qui investissent massivement dans la musique générative qui évolue au gré de vos humeurs et rétablit l’harmonie lorsque vous en manquez. Grâce aux ondes sonores delta et thêta et aux battements binauraux, les sensations de douleur diminuent, la mémoire s’améliore et même votre peau se régénère au niveau cellulaire. La musique est le chemin vers nos pensées, nos joies et nos peurs. Elle est si puissante.

En 2018, Wavepaths et Kaelen sont allés en Équateur faire des enregistrements sur le terrain dans la profonde Cueva de Los Tayos (grottes des oiseaux de pétrole) pour une future thérapie par ondes sonores. Jon Hopkins a été invité pour l’enregistrement et pour travailler sur la musique générative. Ils ont passé quatre jours dans l’obscurité totale à vivre dans les sons des grottes. Cette expérience a directement posé les bases de Music for Psychedelic Therapy.

L’album a une narration simple qui correspond aux étapes d’une expérience psychédélique. Il y a l’accueil, la descente dans la grotte et la vie à l’intérieur, le pic central, l’ascension, le retour à la maison, et enfin, le retour au calme accompagné par la voix du leader spirituel Ram Dass.

Le récit décrit le mouvement et la transgression, et la musique en est le reflet. Dès le premier son de cloche, vous êtes plongé dans la terre. Le sentiment d’être englouti par la vaste obscurité de la grotte est ressenti et reflète ce que Hopkins a ressenti lui-même en descendant. Une fois en bas, ce malaise disparaît. Vous ne savez peut-être pas où vous êtes ni où tout cela va, mais vous vous sentez guidé par la musique. Il y a de l’émerveillement et de la crainte, mais aussi du réconfort dans l’air. On n’a pas l’impression d’être en territoire étranger. C’est étrangement familier. C’est comme voir l’intérieur de notre propre corps pour la première fois. Le bruit de la pluie est peut-être omniprésent, mais les synthés éclairent l’endroit où nous sommes censés marcher, de sorte que notre chemin est clair. 

La pièce maîtresse, le sommet et le cœur du sujet (car c’est le cœur qui est le sujet ici) est la triade « Love Flows Over Us in Prismatic Waves », « Deep in the Glowing Heart » et « Ascending, Dawn Sky ». Lorsqu’elle commence, il ne fait aucun doute que nous sommes tombés sur quelque chose dans la grotte. Les synthés, les voix de chœur et le son de votre propre cœur qui bat dans vos oreilles augmentent lentement. Nous nous rapprochons. Coulant jusqu’au cœur. Sur « Arriving », on entend des voix humaines qui signalent un retour à la maison. L’expérience de l’album se termine avec « Sit Around the Fire », qui fonctionne comme une sorte de phase de décompression après avoir refait surface. C’est là que toutes les pièces s’assemblent. C’est là que tout doit se terminer. Au coin du feu.

Il y a un autre type de transe dans la musique pour la thérapie psychédélique. C’est aussi éloigné que possible des clubs bondés et des concerts dans les stades pour le plaisir de la communauté. La musique est sans rythme et sans ego. Elle flotte, dérive et se déchire, et pourtant, lorsqu’elle déclenche une tempête, vous restez centré et calme, car la musique ne vous lâche jamais la main. 

Music for Psychedelic Therapy est une odyssée spatiale. Ses aspirations et ses ambitions sont hors du commun, mais l’album ne semble pas avoir une portée considérable. Nous n’allons pas jusqu’à Jupiter et au-delà, nous restons sur terre, à sentir le sol. Et il y a assez d’émerveillement ici pour tout le monde.

Alors qu’il suivait lui-même une thérapie psychédélique – pour avoir une idée de la musique – Hopkins s’est souvenu de la citation « la musique est une architecture liquide ». La musique concerne l’espace, l’organisation de l’espace et votre orientation à travers celui-ci. La musique crée les pièces et actionne les portes. La musique peut vous guider ou vous laisser désorienté. Elle peut vous faire traverser des mondes ou vous y perdre. Et la musique vous transforme au passage.

C’est pourquoi nous sommes toujours, consciemment ou inconsciemment, à la recherche des bons sons. Des sons qui nous parlent clairement et nous font voir les choses autrement. La musique a un but spirituel. C’est son origine. L’esprit. C’est aussi sa destination. Music for Psychedelic Therapy en est un témoignage, et c’est une écoute pleine d’humilité. Décrire cet album et ce qu’il fait est finalement futile. Vous ne le comprendrez pas tant que vous n’aurez pas écouté la musique vous-même. Du premier coup de cloche de méditation au tout dernier craquement du bois de chauffage, vous êtes envoûtés. Si vous vous laissez faire. Car il s’agit toujours d’une question de volonté et de savoir jusqu’où nous sommes prêts à aller. La seule prémisse est de calmer l’esprit et d’ouvrir le cœur.

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Noltem: « Illusions in the Wake »

29 novembre 2021

Créé aux États-Unis en 2003 par Max Johnson (guitare/basse/clavier), ils sortent une première démo en 2005 puis ne donnent plus signe de vie. En 2015, John Kerr (batterie/chant, Marsh Dweller, Pyrithe…) les rejoint pour la sortie de leur premier EP. Après l’arrivée de Shalin Shah (basse, Protolith, ex-In Human Form), les musiciens travaillent sur Illusions in the Wake, leur premier album.

On commence par quelques vagues sur « Figment, » un morceau qui appelle rapidement la dissonance du Black Metal tout en créant une atmosphère à la fois apaisante et pesante. Les harmoniques volent facilement autour de nous, créant un vortex hypnotique avant le clean break, mais la saturation ne tarde pas à se réveiller lentement pour apporter de la lourdeur. Le son donne naissance à Illusions In The Wake, une chanson aux mélodies pointues et présentes, qui nous hypnotise lentement, puis explose soudainement.

On retrouve quelques influences mélodiques Prog, surtout lors de longues parties lead, comme sur  « Beneath the Dreaming Blue » et sa mélodie entêtante qui laisse une place importante à la partie rythmique et aux hurlements. Le morceau deviendra de plus en plus lourd jusqu’à créer une véritable vague déferlante qui ne s’apaisera qu’avec Submerged, un interlude doux et aérien, qui nous conduit à « Ruse ». La noirceur refait immédiatement surface, et elle nous entoure également de riffs aussi impressionnants que mélodiques et entêtants, surmontés de hurlements viscéraux et de quelques hurlements majestueux. « On Shores of Glass » vient clore cet album avec une composition instrumentale à nouveau très progressive mais aussi très mélodique, qui ne fait que renforcer cette ambiance glaciale et saisissante.

L’univers de Noltem peut être difficile à aborder, du fait de sa froideur. Mais laissez-vous tenter par la première chanson d’Illusions in the Wake, qui introduit un à un des éléments majestueux, purs et aériens du Black Metal atmosphérique.

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