Rhye: « Home »

24 janvier 2021

Une nouvelle année s’annonce avec de nouvelles musiques et le quatrième album de Rhye, Home. Nous savons tous que 2020 a été une année qui nous a obligés à rester à la maison, y compris Rhye (Michael Milosh). Il est donc tout à fait approprié que l’album ait été inspiré par le fait d’y devoir créer de nouvelles routines grâce à Secular Sabbath, une série d’événements en direct que Rhye a contribué à créer et qui met l’accent sur la méditation, la communauté et la pratique d’une musique d’ambiance consciente et sensibilisante à laquelle des artistes tels que Diplo ont participé. Les événements en direct ayant été annulés, Rhye a dû les diffuser depuis chez lui, et c’est là que l’album a vu le jour.

Home nous emmène immédiatement au milieu d’une église alors qu’une chorale se tient danslun chœur en fredonnant « Intro » et dégage une inspiration religieuse. Une chose est sûre : cette voix sensuelle qui se confond avec celle d’une femme restera toujours la même. Cela fonctionne à chaque fois. Les violons font un début précoce avec des cordes filiformes qui entraînent un piano autrefois plein d’entrain dans une fin lente et brûlante. Rhye est séduisant dans « Beautiful », où il demande à son amante ce qui suit : « Belle femme, oh bébé / Passe ta vie avec moi / Vas-tu respirer / Vas-tu te souffler en moi ? » (Beautiful woman, oh babe / Spend your life with me / Will you breathe / Will you breathe yourself into me?) Et il espère que son amante lui dira oui. Cette intimité profonde se retrouve dans chaque morceau que Rhye a produit ; ce sentiment de voir l’âme de quelqu’un est exactement ce que l’on ressent lorsque Rhye chante.

« Hold You Down » semble être le titre le plus expérimental en termes de synthétiseurs. Une guitare subtile et profonde fait son apparition – elle pourrait facilement se fondre dans  » »I Want You (She’s so Heavy) » d’Eddie Hazel avec un changement de note important – ce qui taquine l’auditeur car elle s’allonge à chaque note. « Oh, I’m loving this feeling / Oh, I’m loving this » est exactement ce que l’on ressent vers la fin de la chanson alors que la guitare est lentement emportée par ces délicieux fredonnements que nous avons entendus auparavant, nous rappelant le Sabbat.  

Dans le morceau « Helpless », Rhye montre clairement que c’est lui qui fredonne les tons angéliques cette fois-ci. « Les choses que je fais pour toi / Ecrire un million de chansons d’amour, hey, hey / Naviguer vers mon coeur / Viens avec moi, s’il te plaît / Donne-moi du coeur, donne-moi de l’amour, donne-moi de la rage » (Things I do for you / Write a million love songs, hey, hey / Sail out to my heart / Come with me, please / Give me heart, give me love, give me rage), montre que Rhye est en pur schéma de miséricorde pour son amante. Il veut tout d’eux, et ce thème de la nostalgie est profondément ancré dans les racines musicales de Rhye.

Les rythmes funky et la danse disco ne sont pas des éléments nouveaux pour Rhye, puisqu’il a déjà joué avec ces éléments dans des œuvres antérieures. « Black Rain » commence par un tourbillon familier d’éléments disco, et c’est ma chanson préférée sur Home. Les paroles « So, don’t go running / Just cause a little black rain / Just give me something, » montrent que Rhye n’a pas peur d’affronter les choses avec ceux dont il est amoureux tant qu’ils essaient.  « Sweetest Revenge » maintient l’élan et dégage un glamour disco Donna Summer avec des cordes de violon vibrantes et éloquemment placées.  

Le mouvement dans la musique de Rhye va et vient par à-coups dans Home, un album rempli de mélodies groovy et de rythmes ambiants apaisants. Il y a une certaine cohérence dans la façon dont il lache sa voix apaisante sur des mélodies soyeuses et artistiques telles que « Safeword », « Need a Lover » et « My Heart Bleeds ». La seule incohérence réside dans l’incapacité de bien imbriquer chaque morceau lors de la transition. La transition de « Black Rain » à « Sweetest Revenge » passe d’une douce soirée dansante à un soudain retour en arrière dans un coin avant de se détendre. La transition de « My Heart Bleeds » nous fait tourner en rond pour nous jeter dans de tristes murmures de piano sur « Fire ».

« Fire » est la chanson la plus triste de l’album. Rhye se présente comme un mendiant, chantant « Just give me your time baby / Show me words / Sing me a song baby » (Donne-moi un peu de ton temps bébé / Montre-moi des mots / Chante-moi une chanson bébé), et les touches du piano semblent attendre une réponse qui ne manquera pas de nous briser le cœur. Le dernier morceau, « Holy », fixe ma vision initiale de l’album avant que nous n’atteignions l’outro. Ce n’est que lorsqu’il chante « Ne sois pas saint pour moi / Ne sois pas si bon / Tu es dans ma tête / ton goût me traverse / tu es sur le bout de la langue » qu’on se rend compte que cet album est une dévotion à son objet de désir. Ces voix angéliques que nous avons entendues au début semblent signifier que Rhye nous donnait un aperçu de sa version du paradis. Nous entendons à nouveau ces voix angéliques sur « Outro » » et elles me font sortir de l’église.

La maison est la plus belle sensualité dans son ensemble. Cet album est un ajout séduisant à votre bibliothèque. Il touche les parties les plus intimes de soi-même et tout en dynamisant chaque membre extérieur. Home se sent comme une femme modernisée. Malgré les vibrations religieuses qui sont captées, l’album n’est pas destiné à être une expérience religieuse car il n’y a aucun lien avec une quelconque religion. C’est ce qui fait que, quelle que soit, votre confession, ceci est un album à écouter « religieusement »

***1/2


Stefan Schmidt: « můra; arc/hive b-[classical guitar] »

23 janvier 2021

Stefan Schmidt, guitariste, compositeur et artiste du son originaire de Baden Baden, en Allemagne, est un musicien aux multiples facettes. Bien que son instrument principal soit la guitare classique, qu’il a étudiée dans des écoles de musique en Allemagne et en Argentine, il a également joué de la guitare électrique dans des groupes punk et, plus récemment, il s’est élargi pour jouer d’autres instruments à cordes et travailler avec l’électronique, qu’il utilise souvent pour créer des paysages sonores en développement progressif, à la fois industriels et bruyants. Ce dernier est exposé sur můra, un ensemble de neuf pièces pour violoncelle et électronique. Tout au long de l’album, Schmidt applique différents types de traitements électroniques à son travail pour violoncelle. La pièce titre et la pièce d’ouverture, par exemple, utilise une synthèse granulaire pour transformer les cordes frottées en vagues de son abstrait tout en conservant une partie du son natif du violoncelle. Comme sur můra, l’instrument acoustique est reconnaissable sur les autres pistes, même si son son subit des métamorphoses. Sur zoufalství, un seul son d’archet fait surface et descend par rapport à une base de basse profonde ; sur hřbitor, le son de l’instrument est étiré et ralenti au point où l’on peut imaginer chaque cheveu de l’archet tirant sur la corde. Sur rubáš, le violoncelle prend un son motorisé, en tournant sur un trille lent.

Quelques mois avant de sortir můra, Schmidt a sorti arc/hive b [classical guitar], une collection de performances inédites pour guitare classique couvrant une période de quinze ans. Les quatorze morceaux démontrent avec compétence l’étendue de l’engagement de Schmidt envers l’instrument et son potentiel sonore. Le jeu va du conventionnel, comme dans le juuichigatsu, à un jeu largement conventionnel avec une application judicieuse de la technique étendue (gesrah), à un jeu presque entièrement non conventionnel (eraly dren et maqtred, ce dernier étant une pièce délicatement belle construite presque entièrement à partir d’harmoniques). Les pièces qui font appel à un traitement électronique de la guitare, que ce soit avec un synthétiseur granulaire, des boucles ou d’autres formes d’augmentation sonore, sont les plus importantes. Le dernier morceau, la muara, d’une durée de près de quinze minutes, est une performance très traitée qui met en avant le travail récent de Schmidt avec des sons tirés d’une palette d’ambiances sombres.

***1/2


Distant Animals: « Constancy blooms: an abridged history of Rust »

23 janvier 2021

Distant Animals est le projet audio de Daniel Alexander Hignell-Tully, artiste du son, vidéaste et compositeur, réalisé au Royaume-Uni.

Après avoir publié ses œuvres pour des labels importants tels que Hallow Ground, NomadExquisite, Infinite Sync, Engram, Norient et Triple Bath, il arrive sur le label napolitain Liburia Records avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust, réalisé avec l’aide de Colin Tully au saxophone, Kevin Nickells au violon, à la guitare, à la voix et aux percussions et John Guzek au violon et au cor.

Intrigant et éclectique, Constancy Blooms : An Abridged History of Rust est divisé en deux longues suites, chacune d’une durée de 28 minutes, et dans lesquelles Hignell explore le développement de nouvelles techniques de composition et de sites spécifiques.  L’album est difficile à placer : à l’intérieur de celui-ci, musique concrète, classique contemporaine, free-jazz et synthèse électronique coexistent, divisés en deux courants en constante évolution qui reflètent le caractère des lieux où les enregistrements ont été réalisés.

Le premier morceau, « Outer », est soutenu par un léger son de synthétiseur modulaire qui donne l’impression de flotter. Progressivement aidé par le son des cors, le ton s’assombrit donnant vie à un premier contraste entre l’âme free-jazz et l’âme électronique de la composition. Peu à peu, les sons durs s’estompent pour laisser place à une couverture de bourdons qui agit comme une colle avec les sons dramatiques des instruments acoustiques jusqu’à ce que la moitié du morceau révèle l’âme numérique de Hignell. Il est intéressant de voir comment, dans le morceau, Hignell parvient à placer un phrasé de guitare classique sans être une note discordante dans un kaléidoscope de sons comme « Outer ».

Le deuxième morceau, Inner, commence par un tapis d’ambiance léger au rythme bien marqué. Ensuite, les sons déformés et le bruit du grattage des différents éléments acoustiques entrent en jeu, s’imbriquant pour obtenir une texture acousmatique complexe et fascinante, pleine de tension et de secousses. A mi-parcours seulement, le son est atténué par les notes douces et enveloppantes du piano. Une fois de plus, le morceau change de forme et devient une composition pour piano écrasante avant de muter en une masse de sons noirs, denses et viscéraux qui concluront le morceau.

Avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust Distant Animals utilise les notions de mémoire et de symbolisme culturel pour produire une œuvre qui se nourrit de contrastes, composée de nombreuses pièces différentes qui vont constituer un puzzle unique.

***1/2


Meadows: « Modern Emotions »

21 janvier 2021

Le nom d’un groupe comme Meadows suggère une riche palette de sons qui s’étendent jusqu’à l’horizon lointain. Le guitariste Daniël van der Weijde – groupes Silhouette, Incidense, Coppersky – explore ses rêves et son imagination avec son premier album, Modern Emotions. Un mélange mélodique de gothique, de rock et de métal qui rappelle Porcupine Tree, Muse ou Dream Theater. De belles œuvres de guitare tourbillonnent dans vos haut-parleurs, le tout habilement présenté à l’aide d’une programmation. L’utilisation de lignes de violon (« Dance With The Corpse », « Rebecca ») donne notamment aux compositions une touche de sensibilité supplémentaire.

Le guitariste basse Jurjen Bergsma est très heureux de pouvoir jouer avec les doigts dans le progmétal instrumental Powerture. Pourquoi a-t-on demandé aux guitaristes Ruud Jolie (« Within Temptation) » et Richard Henshall (« Haken ») de donner un solo, reste un mystère pour moi. Daniël a suffisamment de qualité dans ses doigts pour contrer le tempo rapide de Ruud Jolie dans « Good Times ». Une contribution qui annule la puissance de la guitare mélodique de Daniël ! A côté de cela, le chanteur Peter Meijer a quelques problèmes avec les régions basses et hautes de cet album. Dommage pour un opus qui vaut vraiment la peine d’être écouté malgré son manque de cohérence et de rais violonistes !

***


Jonas Munk: « Minimum Resistance »

20 janvier 2021

Jonas Munk est un homme aux multiples facettes musicales. Ce musicien et producteur d’Odense, au Danemark, dirige non pas une mais deux maisons de disques tout en jouant de la guitare dans le groupe de rock « psychique » Causa Sui, en faisant partie du duo de musique électronique Billow Observatory (avec Jason Kolb) et en enregistrant en solo sous le nom de Manual ainsi que sous son propre nom. Jusqu’à présent, tous ses albums ont été publiés sur son label El Paraiso Records, ce qui correspond parfaitement à leurs explorations vibrantes et stimulantes au synthé.  Son dernier album intitulé Minimum Resistance a cependant été publié sur son label frère Azure Vista Records, un lieu plus approprié pour ce que Munk considère comme son album le plus minimaliste et le plus abstrait à ce jour, un album qui, selon lui, partage une lignée avec des albums de style similaire tels que Confluence et The North Shore (tous deux sur Darla Records), mais qui sontpourtant selon lui « tout à fait à part ».

Le rappel à ces joyaux de longue date se manifeste dans la nature immersive de la musique, dans ses belles houles et ses atmosphères radicales, mais Minimum Resistanceest dotéed’une belle translucidité qui lui est propre et qui permet d’entendre plus clairement la douce et incandescente lueur de la guitare de Munk qui flotte et résonne dans une suspension du temps. Cet album est un opus réconfortant et, en ces temps onxyiogènes, il donne hâte d’y retourner pendant des jours angoissants où notre boussole intérieure a besoin d’être remise à zéro.

***1/2


Ralph Kinsella: « Lessening »

20 janvier 2021

Ralph Kinsella est un guitariste, compositeur et musicien électronique originaire de Dumfries & Galloway, dans les Southern Uplands d’Écosse. Bien que les sites de voyage ne manquent pas pour en souligner les attraits, Kinsella y voit un espace liminal et marginal … où l’Écosse rurale et semi-rurale rencontre inconfortablement les zones urbaines » une caractéristique qui, selon lui, se reflète dans sa musique.

« Le bled, entrecoupé de fragments de débris et de lampadaires vacillants de lotissements. Ces lieux (et l’exploration artistique de ces lieux) imprègnent mon travail ».

Cette perspective s’exprime pleinement sur un nouvel album intitulé Lessening qui s’inspire du parcours de Kinsella dans le rock indie lo-fi et le shoegaze tout en s’aventurant dans des territoires plus obscurs illuminés par des influences allant de la pionnière de la musique électronique Elaine Radigue au légendaire guitariste expérimental Loren Connors.

Le résultat est une sorte de frontière musicale où les paysages sonores abstraits et autres détritus sonores occupent l’espace aux côtés de formes mélodiques accessibles et du trône rassurant des guitares acoustiques et électriques. C’est un concept ambitieux, mais Kinsella le réalise avec brio et crée ainsi un lieu qui lui est propre et dans lequel vous souhaiterez sans doute vous attarder également.

***1/2


Nils Frahm: « Tripping with Nils Frahm »

20 janvier 2021

Nous souffrons tous des jours qui nous semblaient si banals auparavant. Les portes de la salle de concert s’ouvraient et les gens entraient en traînant les pieds, avec l’odeur chaude du cuir rembourré de mousse qui flottait dans le théâtre et remplissait leurs narines. Pour ces soirées, les gens ont été emmenés dans un espace au-delà de leur expérience. Aujourd’hui, ces souvenirs ont pris une profonde importance qui éclipse la réalité qu’ils étaient autrefois. Les souvenirs de ces spectacles se dessinent comme un monolithe, et les souvenirs que l’on prévoyait en 2020 piquent au vif à chaque souvenir. Dans ce monde étrange et extraterrestre, le direct a pris un rôle revitalisé. Il est devenu une capsule témoin d’une époque moins dangereuse et moins restrictive, où le monde était libéré de toute inquiétude, ou du moins accablé par une ignorance béate, de sorte que la plupart des inquiétudes sont sans commune mesure avec la joie collective des gens. Mais cette importance accrue a invité un regard plus sévère, un nouvel angle de critique qui, valable ou non, a été impossible à imbriquer dans la perception de ces spectacles. Cette toute nouvelle lumière, éblouissante et révélatrice, jette désormais son regard sur Nils Frahm.

Lorsqu’on parle de Nils Frahm, il convient de noter avec soin qu’il est, et a longtemps été, l’un des compositeurs et interprètes les plus accomplis de l’ère moderne. Étant donné qu’il opère principalement dans les espaces classiques et post-classiques, sa popularité devrait témoigner de son grand attrait à l’intérieur et à l’extérieur de ces espaces musicaux plutôt exigus. Mais l’éclat ne signifie pas que l’on est parfait, et malgré tout l’éclat de Tripping with Nils Frahm, il est lui aussi loin de la perfection.

Avec des moments de créativité brillante et d’excellence technique, il est clair que la série de spectacles dont est tiré ce disque était individuellement palpitante. Mais parce que le film qui devrait accompagner cet enregistrement n’est pas présent dans l’enregistrement, et parce qu’il a été tiré de plus d’une performance, il lui manque la qualité organique que l’on recherche dans une performance en direct. D’une certaine manière, c’est inattendu ; Frahm a toujours excellé à faire en sorte que les compositions captivantes soient vivantes et racontables, même pour un public qui ne vénère pas la musique classique. Les compositions, en particulier l’éthérée « Ode – Our Own Road » le noueux « All Melody » et l’éclectique « Sunson », brillent toutes d’un éclat éclat particulier. Mais le style d’enregistrement, qui rend les sons si clairs et convaincants, laisse également une impression de froideur et de dureté.

Les applaudissements fusent tout au long du disque, un élément essentiel de tout projet live, mais même cela porte un enthousiasme réservé dans sa sonorité. Peut-être que voir le film du concert rendrait des morceaux comme « My Friend The Forest » et « #2 » plus libres et plus engageants sur le plan émotionnel. Mais comme ce disque existe sous sa forme actuelle, il pourrait ne pas suffire pour les écouteurs et les haut-parleurs des auditeurs en quarantaine. Il apporte rarement la chaleur dont on a si désespérément besoin dans ce moment. D’une certaine manière, le mot « stérile » est approprié. Nous vivons dans un monde sous assistance respiratoire. Le même monde dans lequel la musique classique se trouve depuis des décennies. Alors que les gens se plaignent tous de la profonde tragédie qui a touché leurs groupes de tournée préférés, ils laissent souvent de côté les symphonistes, les membres d’orchestre et les chanteurs d’opéra lorsqu’ils essaient de sauver leurs salles.

Un voyage avec Nils Frahm ne peut pas échapper à cet environnement hospitalier, mais il laisse les gens avec un appel à l’action irrésistible. Dans les dernières minutes de la dernière chanson, « Ode – Our Own Roof », la composition de Nils Frahm puise dans un espace intime et touchant qui attire l’attention de l’auditeur vers un point unique et atomique. En yè regardant de plus près, le cœur de la composition se révèle. Les gens ressentent quelque chose, pour la première fois sur le disque, et peut-être pour la première fois depuis des lustres. L’absence d’applaudissements à la fin du disque n’est pas un commentaire sur la qualité de la musique, mais plutôt une prédiction déchirante. Dans un monde où il n’y a personne pour entendre la beauté, la beauté s’arrête tout simplement.

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Christopher Bailey: « Rain Infinity »

20 janvier 2021

Les six mouvements du Duo pour violon et violoncelle sont tissés à travers Rain Infinity, la nouvelle monographie de l’œuvre du compositeur Christopher Bailey. Les duos, qui sont intercalés entre des œuvres d’instrumentation et de sonorités différentes, offrent une continuité qui sert de tissu conjonctif reliant l’album dans sa totalité.

La pièce qui suit le premier duo est Retreat (2016), une composition pour l’électronique réalisée par le compositeur. Bailey ouvre la piste avec un chaos de voix humaines enregistrées, puis passe à des passages microtonaux pour les instruments acoustiques échantillonnés ; l’accent structurel de l’œuvre est mis sur les densités changeantes, alors que la texture s’épaissit et s’amincit dans un flux de changement constant.

Contrairement à Retreat, Timelash (1999), brusquement fragmentaire, est un quatuor acoustique pour piano, violoncelle, clarinette et violon, dont les sonorités sont essentiellement celles d’un violoncelle agressif et brut et d’un piano strident. Une autre œuvre pour petit ensemble de chambre acoustique, la Passacaglia, d’après Hall et Oates 2 pour piano, flûte et violon, alterne des variations timbrales sur une seule note avec des dissonances pulsatives de quelques secondes qui finissent par aboutir à un dénouement lyrique improbable. L’album est complété par la piste titre, une œuvre microtonale composée pour Jacob Barton et son instrument à vent maison, le pis, et « Arc of Infinity », une œuvre pour guitare électrique solo dont l’interprétation ici par Daniel Lippel est apparue plus tôt dans la superbe collection solo de Lippel, Mirrored Spaces. Quant aux duos, ils constituent le point culminant de l’album. La violoniste Miranda Cuckson et la violoncelliste Mariel Roberts se déplacent sans effort entre un geste robuste et une nuance délicate tout en jouant leurs parties avec une coordination presque télépathique.

***1/2


More Eaze & Claire Rousay: « If I Don’t Let Myself Be Happy Now Then When? »

19 janvier 2021

More Eaze (Mari Maurice) et Claire Rousay sont des expérimentalistes au sens propre du terme, et cet album illustre bien leur étendue. Sorti le 10 mars 2020, If I Don’t Let Myself Be Happy Now Then When ? est un ensemble de trois collages sonores avec des percussions d’objets trouvés, des manipulations électroacoustiques, des breaks de guitare et de voix avant-pop et une bizarrerie générale. Ce ne sont pas tant des chansons ou des compositions, mais des bruits structurés avec des textures variées qui mutent et se transforment tout au long de leur durée.

Par exemple, l’avant-pop a un fond plus ou moins en évolution constante, composé de percussions sans rythme et d’électronique, avec des voix traitées qui montent de temps en temps. Mais il se termine par un mur de bruits dense et liquide, sculpté à partir d’une grande variété de sources. La post-op suit avec un ensemble de drones qui se chevauchent et quelques voix éparses, avec des crépitements électroniques en arrière-plan. Ce dernier se construit pour dominer le morceau dans sa seconde moitié.

Ces morceaux présentent une vulnérabilité fragile et une mélancolie plus que nostalgique. Il est difficile de les classer autrement – peut-être à cause de leurs similitudes avec William Basinski – mais Maurice et Rousay sont sur leur propre tangente, étrangement addictive et entropique.

***1


Astralseid: « Shamanic Love »

19 janvier 2021

Le duo de musique électronique nordique Astralseid sait vraiment comment plonger dans sa propre conscience et regarder « hors du monde » pour trouver l’inspiration. Le nouvel album Shamanic Love ne comporte peut-être que quatre titres, mais ce sont de longs morceaux d’énergies intrigantes et primitives qui se construisent et se laissent tomber à travers des chants hypnotiques et des rythmes lourds.

En commençant par  « Shadow Love » (le morceau le plus court du disque), nous entrons dans un monde imprégné de transes alors que les chants hypnotiques et les réverbérations, les flux atmosphériques se courbent et s’étendent, développant une base avant qu’un rythme lourd et bas ne commence à tout faire tenir. L’énergie grandit et se développe à mesure que la piste avance et un rythme de tambour plus direct entre en jeu lorsque la piste s’anime. Ce sont des sons cosmiques et éthérés qui vont et viennent avec le contenu de la piste pour reculer si nécessaire afin de laisser une autre couche prendre le dessus et se reconstruire en un autre crescendo sonore. C’est un ouvreur hypnotique qui vous permet de savoir à quoi vous attendre du reste du disque.

« Skydance » emprunte davantage à l’atmosphère dansante des années 90, où les rythmes entrent presque immédiatement en contact avec un riff de synthèse qui se répète et qui prend de l’ampleur au fur et à mesure que le morceau se poursuit. Presque à mi-parcours, nous avons un ralentissement et une montée en puissance intrigants qui pourraient être un peu plus polis, mais qui aident à créer quelque chose de différent et à passer à une section arrière plus dépouillée où la batterie et le chant prennent le devant de la scène. « Liberty » plonge ensuite à nouveau dans l’éther alors que des sons inquiétants et redoutables s’échappent de la piste, sonnant comme les scènes d’ouverture d’un film extraterrestre à l’atmosphère de l’espace profond. Le drone se rapproche de ce son de danse des années 90, tandis que les bruits sourds et les synthés rapides se construisent et se balancent. C’est probablement le morceau le plus nuancé du disque, à la fois cinématographique et brumeux, qui puise dans différents genres et idées pour accomplir son voyage. 

« Awakening » clôt le disque, en continuant dans la même veine que le morceau précédent avec des sous-entendus sombres et une construction lente et régulière. Parfois, on a l’impression que le morceau pourrait fonctionner un peu mieux s’il était plus court et plus serré – les 10 minutes de durée du morceau peuvent sembler un peu laborieuses par endroits. Vous pouvez voir ce qu’ils essaient de faire en construisant un arc d’histoire sans paroles, et pour la plupart, cela fonctionne et vous garde intrigué. 

Si vous n’êtes pas en phase avec ce type de musique mystifiante et primitive, alors Shamanic Love d’Astralseid sera une écoute différente, mais si vous pouvez vous asseoir, vous détendre et vous laisser emporter, il vous emmènera en voyage. C’est une musique pour quand vous êtes dans un certain type d’humeur et un certain type d’espace de tête qui développe lentement des idées et des connexions d’une manière intrigante et cosmique. Elle permet à l’auditeur de se replonger dans son propre esprit.

***1/2