White Flowers: « Day by Day »

18 juin 2021

Entrer dans le premier album de White Flowers, Day by Day, ce n’est pas tant empiéter sur un ensemble de chansons que sur un univers alternatif : un monde souterrain dystopique construit sur des contrepoints ; une société où les opposés sont la norme. Les guitares de Joey Cobb, lourdes d’émotions, sont superposées à la poésie envoûtante de Katie Drew. Tantôt nostalgique et céleste, tantôt chargé d’anxiété. Il cherche – se languit – de réponses, mais ni la lumière ni l’obscurité ne lui offrent de guide.

Le duo de Preston a dû attendre, pour diverses raisons, avant de mettre ces chansons au monde, car elles datent de plus d’une demi-décennie. La composition la plus ancienne de la collection, « Help Me Help Mysel »f, possède une naïveté attachante. C’est le moment où la voix de Drew se fait entendre le plus clairement – «  I’ve been walkin’ around in a daze » ( Je me promenais dans un état second) – ses mots nous conduisent, par la main, dans le même espace de réflexion que le long player emmène son auditeur. Le fait que ces chansons soient marquées par le doute des adolescents ne fait que rapprocher la diégèse de Drew. Plus proche. Elle regarde vers l’avenir, mais les réponses ne font que la ramener au même point de départ. « Help me help myself » (Aide-moi à m’aider moi-même) est plus facile à dire qu’à faire. Sur un disque qui prendra du temps, c’est peut-être l’offre la plus immédiate – la ligne de refrain envolée de Drew coupant les bords flous de la ligne d’horizon du disque.

Produit par Jez Williams dans son studio de Manchester, les contributions les plus révélatrices de l’homme des Doves sont les subtils changements dynamiques qu’il apporte à un album qui a été en grande partie enregistré à la maison. Les percussions hypnotiques de « Night Drive » sortent du brouillard granuleux sur un groove qui ne pourrait venir que du nord de l’Angleterre, tandis que l’outro de « Dayligh »t met en lumière la subtilité, les synthés émergeant du mix pour compléter les paysages abstraits addictifs de Cobb, à la Paul Klee – en noir et blanc bien sûr.

Le fait que la pochette de Day by Day soit présentée dans les mêmes couleurs qu’un Penguin Modern Classic prend de plus en plus de sens au fil des écoutes. Comme l’exemplaire usé de votre livre préféré, son intrigue, ses sous-intrigues et les récits cachés tissés dans son tissu ne commenceront à se révéler qu’avec le temps. Sur le morceau le plus proche, Nightfall, Drew chante d’un falsetto aérien : « I’m following you wherever you go – you won’t shake loose, no no » (Je te suis partout où tu vas – tu ne te détacheras pas, non non..) – une métaphore, en effet, pour un LP prêt à s’installer au plus profond de votre conscience.

***1/2


Chloe Foy: « Where Shall We Begin »

18 juin 2021

Where Shall We Begin est une introspection mélancolique, mais optimiste, sur le deuil, la santé mentale et l’acceptation. Si Chloe Foy est loin d’être une nouvelle venue sur la scène folk britannique, Where Shall We Begin est en quelque sorte notre première présentation officielle de la musicienne adulte qu’elle est. Bien que Foy ait publié des chansons folk intimes et lyriques depuis près de 10 ans, cette autopublication complète réussit à toucher un point sensible entre le folk et le rock alternatif que beaucoup recherchent, mais que très peu trouvent.

L’album s’engage avec un son complet et ample qui, non seulement donne plus d’émotion et de vie aux paroles et aux mélodies de Foy, mais aussi l’établit comme une artiste prête à rejoindre les rangs de ses inspirations. La chanteuse cite ses plus grandes inspirations du moment comme étant Gillian Welch et Madison Cunningham, et si leur influence transparaît certainement dans ses chansons, son nouveau son indie-rock la situe plutôt entre The Staves et Big Thief.

« Deserve », le deuxième titre de l’album, est une chanson douce-amère sur la nature compliquée des relations amoureuses. La chanson commence comme un slow jam d’une chanson rock, Foy chantant une mélodie vocale simple sur un rythme et une guitare électrique grattée. Au fur et à mesure que la chanson avance, la guitare slide commence à soutenir son chant, et les chœurs angéliques et l’harmonica entrent en scène alors que l’intensité augmente. Enfin, les sons de synthé et d’harmonica culminent en un trille aigu soutenu, étrangement satisfaisant, qui semble capturer le sentiment d’une relation atteignant un point de rupture.

Foy avait expliqué qu’elle jouait de l’harmonica sur cet album en hommage à son père qui n’était pas un grand musicien, mais qui savait jouer de l’harmonica. Foy l’a perdu il y a environ 10 ans et elle a utilisé l’écriture musicale comme un exutoire pour cette perte. « My heart is so swollen now / blurring me sideways / follow me down » (Mon cœur est si gonflé maintenant / me laissant de côté / me dirigeant vers le bas) chante-t-elle dans son morceau le plus sombre, « Bones ». Cette chanson est tellement obsédante qu’elle en devient presque effrayante. Foy fredonne sinistrement sur les basses épaisses de son violoncelle, créant une atmosphère de malaise.

« Left-Centred Weight », la troisième et dernière chanson de l’album, est plus optimiste et pleine d’espoir. Sur un fingerpicking et un violon enjoués, Foy plaide avec son propre esprit. « Go easy, brain » (Vas-y doucement, cerveau, dit-elle. « Vas-y doucement, cerveau », répète-t-elle. « Please, brain, don’t go to that dark place ») (S’il te plaît, cerveau, ne va pas dans cet endroit sombre) – une demande pertinente et aiguë – une courte ligne parvient aussi à être l’accroche de la composition.

Cette collection de chansons soigneusement choisies montre la maturité et le développement dans presque tous les aspects de Foy en tant qu’artiste. Where Shall We Begin met en scène Foy elle-même à la guitare, au piano, à l’harmonium, à l’harmonica et au violoncelle. Chloe Foy est spéciale, elle sort un album phénoménal, elle a déjà commencé à s’imposer comme une musicienne respectable, mais elle reste résolument indépendante et accessible. En ce moment, elle passe ses journées à envoyer personnellement chacun de ses disques, et semble prendre un réel plaisir à préparer cette auto-sortie pour ses fans. Cet album sort juste au moment où le monde s’ouvre, et juste au moment où elle pourra à nouveau donner des concerts. Foy sera sur la route en octobre pour sa tournée européenne, et cet album ne demande qu’à être écouté en direct.

***1/2


Mirabai Ceiba: « The Quiet Hour »

18 juin 2021

The Quiet Hour de Mirabai Ceiba réunit le multi-instrumentiste et chanteur Markus Sieber et Angelika Baumbach. Les deux hommes partagent depuis longtemps un lien profond et créent depuis longtemps une forme de musique fascinante – si longtemps qu’ils ont été décrits comme des « partenaires de vie musicale » ». Sieber s’occupe habituellement de la guitare, mais dans The Quiet Hour, les deux ont l’occasion de briller, les deux instruments dansant l’un avec l’autre, créant un enchevêtrement encore plus grand.

De doux arpèges font office de colonne vertébrale, chaque note étant une entaille dans la colonne vertébrale de la musique. L’autre guitare est laissée libre de s’étendre et d’ajouter à l’atmosphère, plaçant davantage de notes par-dessus l’autre guitare, et cette forte interaction est au cœur de leur son ludique et élégant, qui atteint tous les coins de leur environnement comme un réseau de vignes. Sur The Quiet Hour, le duo privilégie la « simplicité zen ». La voix d’Angelika Baumbach est une forme de poésie mûre, qui entoure et soutient les mélodies florissantes. Fraîche et saine, la voix est une couleur luxuriante, et la guitare est son parfait compagnon. La batterie est absente, et les seuls rythmes proviennent d’un flux constant de notes.

La pandémie a apporté plus qu’un fléau sur les nations – un fléau de solitude et d’isolement. Ceux qui en ont fait l’expérience reconnaîtront et connaîtront sa douleur, mais il peut aussi y avoir un certain degré de réconfort dans une vie de solitude. Dans la société moderne, la solitude est souvent considérée comme la demeure des parias et des rejetés, et considérée comme une chose négative, mais c’est loin d’être le cas. Bien qu’elle soit souvent dépeinte comme négative, les heures de calme – pour faire une pause, pour se remettre à zéro – sont bénéfiques pour le corps et l’esprit. La solitude peut mener à la découverte de soi, à la croissance personnelle, à la réflexion et au renouvellement, une voie plus rapide pour l’amélioration de soi et la connaissance de soi, ainsi que le développement d’un espace introverti dans lequel penser et grandir. The Quiet Hour est un disque de patience et de méditation, qui se déroule dans un temps parfait. 

Sur « Que Quede Escrito », Angelika Baumbach chante que les vrais amoureux ne sont jamais vraiment séparés, où qu’ils soient et quelle que soit la distance qui les sépare. La séparation n’est jamais complète ou totale ; la distance peut s’étirer mais ne peut jamais vaincre le véritable amour. De même, cet amour mutuel peut être ressenti dans leur musique, alors que les deux guitares se font la sérénade et se font la cour. Même dans sa solitude, la musique a forgé une connexion profonde, durable et résolue. Comme le plus grand des amours, c’est un lien qui ne peut jamais être brisé. Et il est facile de tomber amoureux d’une musique aussi apaisante et belle que celle-ci.

***1/2


Karris Vasseur Duo: « A Step in the Dark Stirs the Fire »

16 juin 2021

Pendant la période de confinement de la pandémie, Reid Karris, improvisateur bruyant de Chicago, a enregistré un certain nombre de morceaux à l’aide d’instruments de percussion divers, tels que des bols en métal, des boîtes à ressort et des skatchbox. Il les a envoyées au guitariste français Christian Vasseur, qui les a assemblées en ajoutant son propre jeu de mohan veena et des traitements électroniques (le mohan veena est une sorte de croisement entre un sitar et une guitare acoustique). Les résultats sont capturés sur les onze enregistrements que l’on trouve sur A Step in the Dark Stirs the Fire.

Le choix d’instrumentation de Vasseur et son style délibéré et soigneusement rythmé contrastent avec le chaos organisé de Karris. L’album dégage une impression de douceur et de folie, Vasseur pinçant des notes sur les percussions à base d’objets de Karris. D’autre part, les deux hommes ne sont pas opposés à prendre des tangentes librement improvisées qui impliquent des notes tordues, des grattages et des structures psychédéliques.

Sur au moins un morceau, Vasseur s’attache à transformer les contributions de Karris en un mur de son inhabituel, mais pas désagréable. Mais la plupart du temps, Vasseur représente un semblant de normalité rurale tandis que Karris ajoute des textures et des sons plus sombres et étranges en arrière-plan.

On pourrait dire que Karris et Vasseur se situent à des endroits différents sur plusieurs axes – pays, culture, instrumentation et style, pour n’en citer que quelques-uns. A Step in the Dark Stirs the Fire est une offre brumeuse et tordue qui fait un travail remarquable pour réduire la distance euclidienne entre les points représentant Karris et Vasseur dans cet espace multidimensionnel. Fortement recommandé.

***1/2


Kevin Richard Martin: « Return to Solaris »

15 juin 2021

En mai 2020, le musicien électronique britannique Kevin Richard Martin a reçu une invitation du Centre des arts Vooruit de Belgique à composer une nouvelle musique pour un film de son choix. En tant que grand fan de bandes originales de films, Martin a choisi Solaris, le classique de Tarkovsky de 1972. C’était un choix naturel pour Martin, car il était depuis longtemps inspiré par le cinéaste soviétique. Le film, avec son orientation science-fiction et son désarroi psychologique, se prêtait parfaitement à une musique ambiante/électronique (le film original comportait également une bande-son électronique). Solaris, et la science-fiction en général, s’aligne et gravite autour de la musique électronique. Return to Solaris est la première bande-son commandée par Martin, sa première composition à l’image et sa première composition dans sa nouvelle maison après un déménagement de Berlin à la Belgique.

Plus connu sous le nom de The Bug, Martin est actif en tant que musicien et producteur depuis près de trois décennies, avec des projets tels que King Midas Sound, Zonal, Techno Animal et GOD, tous axés sur le dub, le jazzcore, le hip hop industriel et le dubstep. Cependant, sous son propre nom, Martin a tendance à se concentrer sur la musique électronique pure. Return to Solaris évoque la décennie de production et de sortie du film, ainsi que les thèmes récurrents du film. Décrit comme s’inspirant de la « lutte narrative entre les souvenirs organiques et pastoraux d’un passé perdu et les dures réalités dystopiques d’un enfer futuriste », Martin utilise des drones embrumés et des bruits atonaux pour créer une atmosphère inconfortable et titanesque. Le grain et la couleur des années 70 sont gravés dans ses textures, et la partition gravite intentionnellement vers l’inquiétant, avec une atmosphère tendue et sur le fil du rasoir qui est prête à être explorée… bien qu’elle puisse le regretter plus tard.

Dans le cadre de ses recherches et de la préproduction, Martin a passé en revue son équipement et ses instruments, et a finalement opté pour du matériel artisanal désuet plutôt que pour des technologies informatiques et numériques. Martin a même acquis une boîte à rythmes originale Pulsar 23, grâce à Vooruit et au laboratoire SOMA. Cela a un effet considérable sur le son global, qui semble revenir à ce qu’il était il y a cinquante ans. Il en résulte une musique brute, hypnotique et dynamique ; on peut presque sentir qu’il se bat avec certaines des tonalités, qu’il essaie de les maîtriser, qu’il diminue leur vitesse pour assurer un retour relativement doux.

La partition est capable d’attirer l’auditeur au plus profond de lui-même avec son électronique en dessous de zéro, mais la chaleur existe même dans les profondeurs de l’espace. Sur « Wife Or Mother », la musique semble attentionnée, douce et presque bienveillante. Ce sentiment se retrouve dans les synthés anguleux de la dernière piste « Rejection of Earth ». Dans le ventre de la station spatiale, on ne se sent jamais vraiment seul ; la paranoïa et les palpitations ne sont jamais loin. Les auditeurs sont confrontés au grondement profond des machines, à des câbles de plusieurs kilomètres de long qui s’étirent comme des tentacules, et à l’évacuation du liquide de refroidissement. Rageants, confus et perturbés, les sons bruts et rugueux – à la limite du menaçant – s’insinuent dans les entrailles du paysage sonore, comme des choses instables mais néanmoins capables de vibrer avec un rythme cohérent. Les synthés ambiants désincarnés et flottants sont en apesanteur en comparaison. Le film est un titan du cinéma, mais Return to Solaris est tout aussi extraterrestre, ce qui donne lieu à une expérience totalement hypnotique et fascinante.

***1/2


Rise Against: « Nowhere Generation »

14 juin 2021

« On s’attendait à ce que la génération suivante soit mieux lotie que celle qui l’avait précédée. Au lieu de cela, leur ère a été définie par une instabilité de masse », déclare Rise Against dans son dernier manifeste. Produit par la légende du punk Bill Stevenson (Black Flag, The Descendents), Nowhere Generation est un disque inspiré par les problèmes auxquels les jeunes sont confrontés aujourd’hui.

En tant que groupe connu pour son contenu politiquement chargé, il n’est pas surprenant que cet album s’attaque à la cupidité des entreprises. Des sentiments d’angoisse et de colère sont clairement exprimés contre la poursuite de la richesse au 21ème siècle. Bien que ce soit le thème unificateur de l’album, des chansons plus personnelles sont parsemées. C’est le cas du morceau acoustique « Forfeit », qui traite de l’importance de la persévérance dans les moments difficiles.

À la moitié de l’album, celui-ci trouve vraiment ses marques et s’impose. Le huitième titre « Sooner or Later » est sans aucun doute le meilleur de l’album. Équilibrant des voix percutantes et des instruments formidables, elle ramène le groupe à ses racines. C’est également la seule chanson de l’album qui comporte le grognement caractéristique de McIlrath (chant/guitare). Le son de cet album est globalement plus propre et plus léger que celui de ses prédécesseurs.

Tout au long des onze morceaux, le groupe se lamente sur les thèmes de la perte, de l’isolement et du désespoir. Les paroles sont pour la plupart créatives et donnent à réfléchir, mais risquent de tomber dans le cliché à certains moments. Plein de contenu accrocheur, Nowhere Generation est un album plein de rock radio-friendly qui va sans aucun doute se frayer un chemin dans les charts.

***


Fly Pan Am: « Frontera »

14 juin 2021

Du blues à la techno en passant par le krautrock et le black metal, il y a une tension dans « la musique de transport » avec des structures répétitives comme base pour des lignes d’évasion psychique. C’est un conflit que Fly Pan Am examine à la loupe avec Frontera, en traduisant en son les frontières, la surveillance et les asymétries flagrantes de pouvoir qu’elles représentent.

À l’origine, une collaboration multimédia avec la chorégraphe Dana Gingras et la compagnie de danse Animals of Distinction, le quintet canadien a créé une musique en réponse à la chorégraphie de la lumière et des danseurs. Les neuf titres de Frontera isolent le rôle de Fly Pan Am dans le projet, mais le fait de retirer le multi du multimédia ne dilue pas les thèmes gravés dans la musique.

L’appareil de sécurité de l’État peut passer d’un inconvénient et d’une préoccupation pour la vie privée à une force inébranlable qui dicte brutalement les chances de votre vie. La dure vérité est que ceux d’entre nous qui sont nés dans le nord du monde ne ressentiront probablement jamais toute la cruauté d’un régime frontalier. La réponse de Fly Pan Am est de tracer l’échelle de la machine de surveillance omniprésente et changeante elle-même. Un groupe habituellement marqué par un contrôle habile de l’espace négatif est devenu étonnamment monolithique.

« Grid/Wall » est, à cet égard, un maillage savant de sons fabriqués au laser, d’électronique caustique et de guitares barbelées qui lacèrent un groove implacable. Même sur les mouvements plus calmes et moins rigides de Frontera, une présence inquiétante se cache, des dirges acousmatiques aux synthés qui sonnent plus dentaires que musicaux.

Qu’il s’agisse du titre d’un album, « N’ecoutez pas », ou du méta-funk glitch de « Ceux qui inventent n’ont jamais », Fly Pan Am a toujours interrogé avec humour les conventions de la musique rock, à mi-chemin entre le grand art et la farce. Les structures formelles sont traitées comme des récipients à remplir de contenus inconnus, le momentum comme quelque chose que l’on peut gentiment faire dévier de sa trajectoire. Les titres phares de Frontera, « Parkour » et « Parkour 2 », voient le groupe repousser les limites de la motorisation, interrogeant la frontière ténue entre lévitation et enfermement, transcendance évasive et chanson de marche. Sur « Parkour », le dénouement est constitué de cris déchirés qui s’échappent d’un crescendo kosmique, l’humain déchirant les barrières du panopticon numérique. Sur « Parkour 2 », c’est un chœur qui frappe un moment d’une beauté saisissante contre les rythmes des machines. Michael Rother a comparé la musique de Neu ! à de l’eau, mais Fly Pan Am fest parvenu à faire éclater les berges de la rivière.

***1/2


Lou Barlow: « Reason To Live »

13 juin 2021

Au milieu des années 90, Lou Barlow avait raconté à Vox, un magazine musical aujourd’hui disparu, ses débuts d’enfant en tant qu’auteur-compositeur. En fustigeant les choix culinaires d’un membre de sa famille son l’hymne de protestation ne figure peut-être pas parmi ses œuvres enregistrées, mais le récit de son existence nous en dit suffisamment sur son honnêteté crue et sa volonté de lutter contre l’inconfort de l’auditeur.

Heureusement, ces qualités restent intactes sur Reason To Live, son premier album solo en six ans. C’est aussi le dernier en date d’une série d’albums de Barlow, qui fait suite à une série d’abonnements commandés par les fans, au récent Sweep It Into Space de Dinosaur Jr et à l’excellent Act Surprised de Sebadoh en 2019. Cela peut sembler être un emploi du temps chargé par rapport aux normes de la plupart des artistes, mais qui ne semble pas avoir entamé ses capacités. En fait, il s’agit d’un autre effort solide de la part d’un homme qui semble avoir atteint sa meilleure forme ces derniers temps, comme le prouve l’ouverture  « In My Arms » – un hymne reconnaissant à la redécouverte de son mojo («  this outrageous gift ») qui flotte sur un nuage de strumming délicat et folklorique et de mélodie sans effort. Lou Barlow fait ce que Lou Barlow fait le mieux, en gros.

Sur la chanson titre, il soupire sur la cruauté du monde tout en trouvant du réconfort dans la force de son couple – une dichotomie qui se retrouve tout au long de « All You People Suck » est l’expression la plus explicite de cette dichotomie. Elle est à la fois pleine de colère et de lassitude, d’une manière qui peut être assimilée par tous ceux qui se sentent épuisés par ces dernières années. Sur « Love Intervene », cependant, il s’adresse directement à une émotion, l’invoquant pour nous montrer le chemin et nous guider hors des sentiers les plus sombres. Oui, sur le papier, cela semble un peu hippie, mais la voix mielleuse et sans âge de l’homme de 54 ans lui donne un air essentiel ; un appel existentiel à des forces qui échappent à notre contrôle, le tout sur une mélodie irrésistiblement fredonnable.

De tous les thèmes récurrents de Reason To Live, le poison semble le plus austère et le plus cryptique. Dès la première ligne de l’album, on lui reproche d’être un « roi », alors qu’ailleurs, il « enlève la douleur » mais ne parvient pas à satisfaire une soif. Il est facile de soupçonner que tout cela mène à la fin brutale de « Tempted » : « Be honest with yourself / You’re a drunk » (sois honnête avec toi-même, tu n’es qu’un ivrogne)), mais on peut aussi se demander s’il ne s’agit pas d’une métaphore à plusieurs niveaux, faisant allusion à quelque chose de potentiellement plus dommageable. Comme toujours, cette dernière fenêtre sur sa psyché suscite autant de questions qu’elle n’apporte de réponses – bien qu’il offre sa chaleur et son intimité habituelles, il tient habilement l’auditeur à distance en conservant un certain degré de mystère. Mais bien sûr, ce n’est là qu’un des nombreux facteurs qui vous inciteront à revenir pour en savoir plus ; une toile enchevêtrée qui n’est jamais moins que fascinante.

***1/2


Tangent: « Evolutionary Cycles »

11 juin 2021

Tangent est un duo de musique électronique néerlandais qui combine l’électronique avec des instruments plus traditionnels de manière très contrastée. Ils nous présentent ici Evolutionary Cycles, leur cinquième album de dark ambient.

Avec leur dernier titre, ils créent un monde sonore profondément atmosphérique et clairsemé, parsemé de percussions modulantes et de synthétiseurs étirés. « The Origin Of Structures » capture parfaitement leur son sombre et réfléchi, offrant des rythmes dynamiques et des textures équilibrées.

Leur précédent album, Approaching Complexity, s’appuyait fortement sur des motifs de piano. En revanche,lce nouvel opus met en lumière l’habileté du duo à créer une atmosphère qui se concentre sur des synthés allongés et lunatiques et des expériences de percussions étroitement syncopées.

L’album peut être considéré comme l’un de leurs efforts les plus sombres. Au cours du processus d’écriture, le tandem s’est inspiré de l’impact de la race humaine sur la nature mais, bien qu’il s’agisse d’un sujet troublant et d’actualité, on y trouvera toujours de la légèreté en juxtaposition avec le poids émotionnel d qui met Tangent.

Leur musique emmènera leur public dans un voyage à travers des champs sonores qui semblent infinis. La matière semble se former et s’effondrer simultanément, un peu comme si un nouvel univers était créé sur les cendres d’un précédent. 

Toujours à la recherche de la meilleure qualité de son, le duo composé de Ralph van Reijendam (batterie pour Fire Walk with Us, Rob Klerkx and The Secret) et Robbert Kok (voix pour Disavowed, Synesis Absorption) repousse ici à nouveau à repousser constamment ses propres limites musicales en trouvant de nouvelles façons créatives de travailler avec le son.

***1/2


Raina Sokolov-Gonzalez: « If They’re Mine »

11 juin 2021

Avec seulement sept titres et une demi-heure de long, le dernier album de Raina Sokolov-Gonzalez, artiste originaire de New York, est ramassé, mais il est, bien sûr, parfaitement formé. Sokolov-Gonzalez est l’une des découvertes musicales de 2021 grâce à ses récents « singles », mais un album correct a toujours é un test nécessaire pour elle. La collection s’ouvre sur « Better Half », une chanson qui s’anime comme une ampoule mal branchée jusqu’à ce qu’une mélodie d’orgue forte et régulière la rejoigne et que nous soyons illuminés par des vibrations façon Massive Attack associées à la voix Jazz-Soul incroyablement unique de Sokolov-Gonzalez. « One Day » reprendra le même son d’orgue et la même combinaison vocale, mais cette fois-ci, les choses sont ralenties et plus intimes, ce qui donne l’impression d’un plaisir rare et spécial pour l’auditeur.

La mélodie sautillante et enjouée de « The Bear » donnera, elle, envie de se promener dans un quartier ensoleillé au printemps de New York tant elle évoquera des artistes comme Feist, Kimbra ou Regina Spektor. Sur « Open Fire », le feu sera vacillant et au centre de l’ambiance conférée par une voix somptueuse qui tourbillonnera autour de vous comme la fumée dans la brise du soir. Plus avant, le récent « single », « 40 Days » construira tension et friction d’une manière à la fois sexuelle et colérique qui est fondamentale pour l’énergie et la joie enivrante que suscite la musique de Sokolov-Gonzalez.

« Better For You » sera le morceau emblématique du répertoire de l’artiste et il sonnera toujours aussi frais, captivant et incroyablement pertinent au milieu de cet assemblage de titres. L’album s’achève sur le « If They’re Mine », un morceau qui met la voix au premier plan, tandis que l’instrumentation tourbillonne et cavale autour d’elle comme une gymnaste en plein mouvement. Raina Sokolov-Gonzalez est une chanteuse, une compositrice et une musicienne extraordinaire, mais plus encore (comme si cela ne suffisait pas), elle est une artiste et une interprète, ce qui transparaît si clairement dans sa musique enregistrée qu’un spectacle en direct doit être une expérience tout à fait complète et exaltante.

***1/2