Freelove Fenner: « The Punishment Zone »

21 avril 2021

Le duo art-pop montréalais Freelove Fenner crée une musique qui brille par sa chaleur analogique qui fourmille de détails. Bien que chacune des quatorze compositions de The Punishment Zone ne dure que quelques minutes, Caitlin Loney et Peter Woodford les remplissent de douces mélodies. L’album évoquera ainsi une maison aux multiples pièces, une collection encombrée mais confortable d’espaces domestiques peuplés de souvenirs à la fois affectueux et inquiétants. Ce sentiment est magnifiquement rendu par la pochette de l’album, où des plantes et autres objets naturels sont rassemblés et présentés sur de minuscules socles.

La comparaison avec le très apprécié et regretté Broadcast ne peur que nous amenerquand on écoute la musiqu de nos duettistes.. Bien qu’il s’agisse d’une comparaison pertinente, dans le cas de Freelove Fenner, nous parlons d’une époque très spécifique de Broadcast : les airs succincts et livresques de leur opus Work and Non-Work. Freelove Fenner possède une intimité similaire, une sensibilité mélodique et une tendance aux textures instrumentales jolies mais légèrement hantées. Bien que le timbre de voix de Caitlin Loney ne soit pas différent de celui de la défunte Trish Keenan, Keenan avait toujours l’air en quête, solitaire, hanté ; Loney semble habiter cette musique avec aisance, tandis que les moments de sourcillement dans les paroles suggèrent que quelque chose ne va pas. 

La signification du titre, The Punishment Zone, n’est pas claire, bien que l’expression apparaisse dans le chatoyant et riche en Mellotron « LED Museum » : « Envoyez-moi des diodes électroluminescentes pour la zone de punition » (Send me electroluminescent diodes for the punishment zone). Dès le début, sur « Find the Man », les paroles esquissent des scènes de potentiel déçu : « Il est mort sur la vigne / Juste quand tu as enfin trouvé la carte » (It died on the vine / Right when you finally found the map). « 2 B From » fera allusion à la pénibilité de la vie domestique : «  Le nettoyage est sans fin / Des marques sur les bancs » (Cleaning is endless / Marks on the benches), tandis que la somptueuse « Carol » dénonce la duplicité des relations intimes : « Carol n’est pas ce que vous pensiez quand vous avez signé avec elle » (Carol is not what you thought when you signed on). Dee la même manière, « August Parties » a beau avoir une atmosphère douce et ensoleillée, les paroles suggèrent des courants sous-jacents malveillants : « Maintenant, quelqu’un a trafiqué mon vin » (Now someone has tampered with my wine).

La suggestion de problèmes non résolus se retrouve également dans la manière dont certaines chansons ne se terminent pas, mais s’éloignent de manière inquiétante. « Baxter’s Column » s’éteint dans un tourbillon de cymbales en arrière, tandis que « Tied Up » est accompagné de carillons inquiétants. Comme la plupart des chansons sont caractérisées par des guitares arpégées lumineuses, une batterie au galop doux et des orgues bourdonnants, tout changement dans la palette sonore est remarquable, qu’il s’agisse des voix harmonisées et de la guitare fuzztone sur « Perfect Master », ou de la pile d’instruments articulant adroitement les mélodies stridentes de l’ouverture sans rythme « Find The Man ». 

Dans une récente interview podcast avec Matt Dwyer, Caitlin Loney a comparé la façon dont Freelove Fenner écrit ses chansons, en se concentrant clairement sur la mélodie, à la formulation minutieuse de phrases. Il y a un sens certain de quelque chose de spécifique patiemment articulé, comme un objet d’art sélectionné et disposé avec amour pour y réfléchir. Loney et Woodford donnent des indications sur leur signification sans vous prendre par la main. En conséquence, The Punishment Zone est, certes, un endroit magnifique et envoûtant, il demeure légèrement troublant comme lieu où on choisirait d’habiter

***1/2


Alexandra Spence: « A Necessary Softness »

20 avril 2021

L’artiste Alexandra Spence, basée à Sydney, crée une cascade de mondes sonores interreliés avec sa nouvelle édition A Necessary Softness. Les ondes sonores s’enchaînent et se déphasent les unes par rapport aux autres, les enregistrements de terrain révélant un sentiment de dérive. C’est un disque ancré dans la performance et dans les gestes du corps. C’est aussi un disque où l’on sent et où l’on est senti, où l’on va vers le monde et où l’on veut permettre au monde d’aller vers soi.

Spence a une obsession quasi-spirituelle pour l’animation de la matière et de l’objet par le son. A Necessary Softness est ma tentative de retenir et de traduire par le son cette fascination pour la matière, l’objet et le lieu.

Il s’agit, dans cette démarche, d’imaginer le son comme un fil éphémère – se déroulant et reliant nos maisons isolées, nos objets, nos corps – se dégradant, changeant de forme et laissant des traces en cours de route. A Necessary Softness présente les paysages sonores changeants de lieux réels et imaginés ; des objets tactiles amplifiés pour fusionner avec des sons produits par des corps résonnants et des traitements numériques, s’effilochant lentement en un paysage ambient.

« tidewater » et « bell, fern » ont tous deux commencé et ont été inspirés par des lieux dans lesquels elle a résidé pendant une longue (Vancouver) ou une courte période (Hong Kong). Et les deux se sont développés à travers des performances présentées au cours des dernières années, en commençant par un set solo à Destroy Vancouver en avril 2016, en s’entrelaçant dans une performance à 20 ? à Hong Kong, en juin 2019, et en se solidifiant avec le lancement d’un album au Petersham Bowlo à Sydney, en août 2019.

A Necessary Softness se construit donc à partir de matériaux se répétant et se redisant, deux performances-compositions avec une synergie partagée. D’une certaine manière, « bell, fern » est né de « tidewate »r, explorant sa propre narration tout en partageant la structure de tidewater. Elles existent dans une sorte de forme parallèle/binaire et mon intention est que la cassette puisse être jouée dans les deux sens. La fragmentation numérique des pistes permet une approche plus modulaire – les chapitres d’une histoire peuvent être abordés à tout moment. A Necessary Softnesse, encore et encore, en hommage à la matière et au lieu.

***1/2


Eydís Evensen: « Bylur »

20 avril 2021

Le premier album de la compositrice islandaise Eydís Evensen, Bylur, est sorti sur XXIM Records, le nouveau label de Sony dédié à la musique post-classique ets divers post-genres. Elle vient de la ville islandaise reculée de Blönduós, cadre qui a laissé son empreinte sur sa musique. Evensen a grandi en écoutant un large éventail de musiques, allant de Tchaïkovski à Led Zeppelin. Alors que les tempêtes faisaient rage à l’extérieur, elle trouvait la paix et la connexion dans la musique. Après avoir suivi une formation classique, ses projets de devenir pianiste professionnelle ont été mis en suspens lorsqu’elle a déménagé à New York pour poursuivre une carrière de mannequin. Mais malgré cela, le piano est resté l’amour de sa vie, et un piano n’était jamais loin de son côté. Bylur a été écrit en grande partie pendant cette période de sa vie.

Bylur signifie « tempête de neige » en islandais, et les notes du piano ressemblent à un tourbillon de neige. Chaque note est suspendue dans l’air blanc, quelques secondes avant de toucher le sol. Composé de treize pièces, auxquelles s’ajoutent des cordes, des cuivres et de l’électronique, Bylur est une évocation de la maison islandaise d’Evensen. Bien que New York soit à des milliers de kilomètres, le piano l’a ramenée une fois de plus, et sa musique douce et émouvante place la maison au centre de son cœur. Cela est également dû au fait que le disque a été enregistré et produit aux Greenhouse Studios de Reykjavik, ce qui confère à la musique la gravité de la nation et son essence.

Les tempêtes de neige peuvent être un sanctuaire magnifique et tranquille, mais elles peuvent aussi être synonymes de blizzards tourbillonnants, qui peuvent rendre les environs aveugles et empêcher de voir le reste du monde. La musique de Bylur est largement paisible et sereine, blottie à l’intérieur, son monde dans un état de quasi-silence alors que la neige continue de tomber. Le piano est capable de rester léger et agile, même en présence de cordes, qui, au lieu de peser sur le piano et d’ajouter une atmosphère plus lourde à la musique, aident en fait à soulever le piano plus haut, en inversant presque la chute de ses notes, comme si elles étaient prises dans une rafale soudaine, balayant ses flocons de neige vers le haut et les emmenant vers un autre endroit, inattendu. Sa musique est jouée avec amour et attention, ce qui est particulièrement évident lorsque les voix émergent sur « Midnight Moon ». Chantées en anglais, mais contenant toujours les profondeurs d’une tempête de neige islandaise, les voix s’intègrent parfaitement aux notes de ballet. Bien que la musique soit aussi froide que janvier, les notes légères sont capables d’offrir des lueurs d’un soleil plus chaud.

***1/2


Chad VanGaalen: « World’s Most Stressed Out Gardener »

20 avril 2021

Chad VanGaalen, auteur-compositeur-interprète de Calgary, n’est pas à l’abri du stress de notre époque. Par moments, sur World’s Most Stressed Out Gardener, il porte cet épuisement ouvertement, mais seulement parfois. À d’autres moments, il joue sur le cosmique à travers des paysages synthétiques et des effets extraterrestres. Le résultat est une poussée et une traction palpables qui rendent son dernier album particulièrement actuel, alors que la fin d’une pandémie d’un an est en vue et qu’il y a encore beaucoup de raisons de perdre le sommeil.

Les auditeurs saisiront cette dichotomie dès la deuxième chanson. Le premier morceau, « Spider Milk », commence par un falsetto obsédant sur une trame squelettique de grattage de guitare et de percussion décalée (« And I don’t know how we go on and on. » (Et je ne sais pas comment on peut continuer encore et encore) Pourtant, à mi-chemin, la chanson se jette dans un accès de distorsion ancré dans des rythmes indéniables et dansants qui se terminent par une allure pompette. Vient ensuite « Flute Peace », un soliste à la flûte de 45 secondes – aidé par des percussions douces qui font écho – qui semble signifier le désir de VanGaalen de faire une pause, et que seules quelques secondes suffiront.

Comme il se doit, cette pause est de courte durée : sur « Starlight », il commence par un paysage sonore sinistre à la Microphones, qui s’installe rapidement dans un rythme roulant qui évoque néanmoins quelque chose d’inconnu et de sinistre. Who knows how the oracle came to be light/What good does it possibly do us to know it? » (Qui sait comment l’oracle s’est transformé en lumière, et à quoi bon le connaître ?) demande-t-il. Parfois, les transitions entre les morceaux sont si courtes qu’elles se parlent presque les unes aux autres (prenez, par exemple, le passage de « Where Is It All Going ? » à « Earth From a Distance »). Dans d’autres mains, le résultat pourrait être choquant et distrayant. Pourtant, ici, ils imitent parfaitement la mission de VanGaalen qui consiste à traiter toutes ses pensées, aussi disparates soient-elles.

Parfois, il y parvient grâce aux effets vocaux déformés que l’on attend du musicien, comme sur « Where Is It All Going ». Ici, la voix de VanGaalen donne l’impression d’un homme qui se promène dans les bois, mais qui est tellement enveloppé dans ses pensées qu’il risque de se perdre. Sa voix sur le « single » « Nightwaves » est noyée dans une telle réverbération qu’il est parfois difficile de comprendre ce qu’il dit, et cette approche est doublée d’effets vocaux sur « Nothing Is Strange ». Encore une fois, ces choix n’ont rien de nouveau, mais leur déploiement ici prend une signification supplémentaire étant donné l’esthétique troublante de cet album.

Les fois où VanGaalen veut être ailleurs que sur Terre, il y parvient également. Sur « Earth From a Distance », un paysage sonore instrumental de quatre minutes et demie brille de synthétiseurs et d’effets stridents. Pourtant, c’est la tentative ultérieure Inner Fire qui s’avère la plus efficace. Le dernier tiers de la chanson s’articule autour d’une mélodie sinistre aux allures de laser qui rappelle les bandes sonores des jeux vidéo 16 bits, quelque chose qui pourrait véritablement servir de bande sonore à une catastrophe imminente. Ce choix est à la fois ludique et troublant.

Pourtant, malgré toute cette variété, personne d’autre n’aurait pu créer ce disque. Le dépouillé et délicieusement idiosyncrasique « Golden Pear, » agrémenté de carillons et de coups de clochettes, est une marque de fabrique de VanGaalen. « Samurai Sword », sans doute le morceau le plus enjoué de l’album, n’en est pas moins lancé sur les enjeux de sa mission : « Well I really need it back to fight my way to the end / Plus it’s only on loan from a friend » (J’en ai vraiment besoin pour me battre jusqu’à la fin / En plus, c’est seulement un prêt d’un ami.).

World’s Most Stressed Out Gardener a connu plusieurs itérations : un disque de flûte, un disque électronique, « un tas d’ordures », peut-on lire sur la page Bandcamp de l’album. Pourtant, de ces origines fracturées est né un album intriguant qui s’assemble de manière inattendue. VanGaalen, comme tout le monde, tire le meilleur parti du désordre actuel.

***1/2


Balmorhea: « The Wind »

19 avril 2021

The Wind offre une retraite paisible, une méditation sur le monde naturel et un appel à agir face à la menace du changement climatique, alors que l’inactivité et la tiédeur des réactions sont devenues une norme inquiétante. L’album relate également l’histoire ancienne d’un saint qui a transporté le vent dans une vallée française sans air et, de la même manière, le premier album de Balmorhea chez Deutsche Grammophonest lui aussi emporté dans les airs. C’est de la musique pour la planète, et un rappel opportun de la fragilité de la Terre.

Partout dans le monde, des gens renouent avec la nature et trouvent dans ses bras le réconfort, le repos et la paix. Mais The Wind contient aussi les sons de la Terre. On peut entendre des drapeaux de prière claquer dans la brise, et le piano, l’orgue à tuyaux, l’harmonium, la contrebasse, les carillons éoliens et la guitare font tous partie de sa sonorité douce mais agitée. Les guitares restent légères et aériennes, et un chant planant entraîne la musique aux quatre coins du monde.

Le duo de Rob Lowe et Michael A. Muller, basé au Texas, a créé une musique protectrice et calme, et la protection de l’environnement et la possibilité de se renouveler se glissent également dans les titres. « La Vagabonde » porte le nom du catamaran sur lequel Greta Thunberg a voyagé lors de sa traversée de l’Atlantique. Vers la fin de la réalisation du disque, Lowe a découvert une traduction de l’Otia Imperialia, un recueil du treizième siècle contenant des descriptions de merveilles et de miracles. Lowe a été attiré par le récit du vent que saint Césaire enferma dans un gant, dans lequel l’archevêque d’Arles transporte la brise marine dans une vallée désolée et la libère pour rendre la région fertile et saine. On peut ressentir le même esprit dans The Wind, dont les philosophies de renouvellement et de réaffirmation de la vie s’attachent à sa musique d’ambiance.

***1/2


The Armed: « Ultrapop »

17 avril 2021

 

Il y a un moment en 2018, en écoutant le dernier album du collectif hardcore The Armed, Only Love, que l’on avait l’impression que le groupe avait atteint son statut de pic d’accessibilité pop. Leur deuxième effort était chaotique comme peut l’être le punk hardcore, mais niché dans chaque recoin, il y avait des morceaux de pop qui le rendaient quelque peu abordable pour les non-initiés. Trois ans plus tard, le groupe de huit musiciens donne une nouvelle impulsion à ce centre pop avec le titre approprié Ultrapop.

Il ne s’agit pas d’insinuer qu’Ultrapop est un disque entièrement pop, loin de là. The Armed ne sont pas un groupe de pop ; le titre « Ultrapop « et les images aux couleurs vives sont une sorte d’appât. Il y a des moments de sérénité et de douceur, mais pour l’essentiel, c’est un disque plein de cette même agressivité propulsive que les fans dévoués en sont venus à adorer chez The Armed.

L’ouverture, «  Ultrapop « , est une sorte de fausse piste. Il scintille et nous fait même penser aux Daft Punk avec un échantillonnage subtil, mais ce n’est qu’une mise en place élaborée pour « All Futures », un power-anthem délirant qui culmine dans un post-chorus erratique de « Yeah ! Le morceau apparaît d’abord comme un thriller enragé, mais il est légèrement perturbé par ses paroles médiocres, comme « Tailored suits, sanguine sacks of shit, it’s all just ballyhoo » (Costumes ajustés, sacs de merde sanguins, ce n’est que du vent. ). Pourtant, on ne peut nier l’énergie de The Armed, et Ultrapop ne relâche pas vraiment cette férocité. Ils font clairement feu de tout bois d’un point de vue technique, incarné par la batterie frénétique d’Urian Hackney et Ben Koller et l’attaque de trois guitares de Dan Greene, Adam Vellely et Dan Stolarksi. Même lorsqu’une chanson commence de manière relativement optimiste, elle se transforme en un amas de bruit à la fin – leurs accroches sont enfouies sous les vagues incessantes, peut-être hors de portée des agnostiques purs et durs.

Sur « An Iteration », ils trouvent un équilibre entre accessible et erratique. Ils soulignent des lignes telles que « I fell for some / pseudo-sophisticated / Poet laureate-posing / Young white savior » (s’est laissé séduire par certains / pseudo-sophistiqués / posant comme des poètes lauréats / jeunes sauveurs blancs) aau moyen d’un feedback grimaçant, avant de se retirer pour des couplets retenus, puis d’accélérer à nouveau avec le refrain de gang « An iteration ! ». C’est le genre de morceau qui se démarque et que l’on met sur les compilations, surtout avec le grincement de guitare digne des années 80. « Average Death » est un autre moment où leur ambition pop brille, la mélodie mélancolique traversant les murs de son.

Les bruits impressionnants restent le modus operandi de The Armed sur Ultrapop, mais ces moments de mariage sonore heureux entre l’ « ultra » et le « pop » sont moins fréquents que ce que l’on pourrait attendre d’un album qui, selon Greene, « cherche sérieusement à créer une expérience d’écoute vraiment nouvelle ». La progression depuis Only Love n’est pas aussi importante qu’on l’espérait ; cette musique est rapide et dure, mais il y a moins de risques qu’il n’y paraît au premier abord. Ceux qui espéraient que le groupe se pousse dans une nouvelle direction seront légèrement déçus, tandis que ceux qui ont vibré avec ce collectif depuis le premier jour apprécieront probablement Ultrapop pour ce qu’il est – un autre album de The Armed.

***1/2


The Vintage Caravan: « Monuments »

17 avril 2021

Ces dernières années, les groupes de rock fortement influencés par les sons de la scène rock psychédélique des années 70 n’ont pas manqué. Le groupe islandais The Vintage Caravan ne fait pas exception, mais d’une certaine manière, il semble avoir une longueur d’avance sur les autres. Gateways de 2018 a montré un exemple impressionnant de la façon dont ils composent en tant que groupe fortement influencé par des groupes comme Cream, Led Zeppelin, Budgie, Yes, etc. tout en conservant cette approche unique et fraîche. Leur dernier album studio, Monuments, est destiné à voir le groupe au sommet de son art.
Cette progression dans leur maturité est évidente dès le premier titre, Whispers. Il contient des riffs rudes et rugueux qui conviennent au style de musique, mais c’est le morceau le plus abouti que le groupe ait fait dans sa carrière. Ce côté plus audacieux que le groupe a développé semble se retrouver tout au long de l’album dans d’autres titres comme « Crystallized, Said & Done » et « Forgotten ».
S’il y a une chose que l’on remarque le plus sur Monuments, c’est le contenu des paroles. Alors que les précédents albums de TThe Vintage Caravan présentaient des refrains accrocheurs et des riffs lourds et groovy, cet album semble mettre en valeur les qualités vocales uniques d’Óskar Logi Ágústsson. Par endroits, sa voix semble teintée d’un peu plus de douceur que ce que nous avions l’habitude d’entendre auparavant, mais ce n’est en aucun cas une mauvaise chose. Les voix de velours ajoutent à l’ambiance psychédélique qui entoure le groupe d’une manière qui rappelle ce que nous avons entendu de groupes tels que Blue Öyster Cult.
S’il y a une chose pour laquelle ce groupe islandais est exceptionnel, c’est de produire du rock and roll pur et dur, mais cet album montre un côté complètement différent et élégant. Sans perdre leur tranchant, ils parviennent à captiver en exposant leurs vulnérabilités dans des titres tels que This One’s For You et Hell. Tous deux montrent les qualités romantiques qu’ils ont, mais de manière contrastée, ce qui les rend intrigants. Hell garde cette ligne ardente, avec un solo de guitare époustouflant qui rappelle certains des grands titres entendus au fil des ans. « This One’s For You » est beaucoup plus dépouillé et émotif, le chant d’Ágústsson est toujours aussi divin qu’il l’est dans le reste de Monuments, mais ici il a presque une assurance qui montre la certitude de l’émotion dépeinte dans chaque texte. C’est une chanson qui montre à quel point The Vintage Caravan a mûri depuis leurs précédents albums. Ils ne sont pas étrangers à la création de quelque chose d’élégant, mais cela ne doit pas être masqué par le besoin d’être livré avec quelque chose de fantaisiste, même avec la simplicité du solo de guitare, il se sent comme la rêverie parfaite.


Alors que Clarity clôt l’album avec les teintes chaudes des vibrations à la Eagles on réalise à quel point ce groupe est entré en lui-même. Le morceau lui-même procure un sentiment de confort, mais aussi un sentiment de pesanteur, les deux travaillant en parfaite harmonie. The Vintage Caravan aurait pu livrer un album exceptionnel sans les éléments plus doux placés dans les rangs, mais l’ajout est certainement quelque chose qui ajoute quelque chose de vraiment spécial. D’une durée d’un peu plus de 8 minutes, Clarity est alimenté par une dynamique qui ne peut être atteinte que par une recherche constante et cohérente de l’or.
Monuments présente sans aucun doute le parcours de The Vintage Caravan dans leur carrière comme aucun autre. Ce qu’ils ont accompli avant cette sortie est remarquable, mais cette fois-ci, le groupe va droit au but et entre dans un autre monde. Ils ont atteint une maturité qui exprime juste les niveaux qu’ils peuvent et vont, espérons-le, mériter d’atteindre. Le trio a toujours été au sommet avec son approche moderne des sons classiques, mais c’est ici que l’on est transporté dans le temps et que l’on s’adapte parfaitement à son environnement. Monuments, aussi récent qu’il soit, sonne et donne l’impression d’être né dans les années 1970 et est devenu un trésor qui ne crée que des souvenirs doux et réconfortants.

***1/2


Witch Coven: « Rorcal & Earthflesh »

17 avril 2021

Les albums collaboratifs dans l’underground reviennent tendance ; de l’excellent Thou & Emma Ruth Rundle, l’année dernière à la récente sortie de Bell Witch & Aeria Ruin, la fusion de styles souvent disparates de deux artistes pour créer quelque chose de nouveau a pris une vie propre pendant la pandémie. C’est dans cette optique que s’inscrit le prochain album du quintette de black metal doom Rircal, qui s’est associé à Earthflesh, son bassiste d’origine, pour produire les bruits les plus violents, abrasifs et horrifiants de sa carrière jusqu’à présent. 

L’ouverture presque chorale d' »Altars of Nothingness » fait penser à un service religieux, mais cela ne dure pas longtemps. Juste avant les trois minutes, les guitares font leur entrée, un son abrasif qui matraque et soumet avant que des cris surnaturels ne se fassent entendre. Leur placement plus bas dans le mixage permet de s’assurer que, plutôt que de détourner l’attention, ils complètent les coups déjà portés. Cela mène à des moments de larsen tourbillonnants et lugubres avant que le milieu du morceau ne commence à pousser la chanson vers des territoires plus black metal.

Alors que la première chanson « Altars of Nothingness » est plus doom bourdonnant, rampant et volontaire, « Happiness Sucks, So Do You » amplifie le black metal et crache sa haine sans discernement. Les voix rauques sont beaucoup plus présentes ainsi que les guitares trémolos qui sont dissonantes sans être complètement atonales, construisant une cage sonore inéluctable. Les premières minutes, surtout entre les deux premières minutes et les cinq premières minutes environ, sont d’une noirceur furieuse, avec des accalmies occasionnelles dans la tempête. Les blastbeats sont utilisés généreusement, accélérant le tout en un maelström tourbillonnant et glacial.

Ce ne sont que deux morceaux, mais Witch Coven, c’est trente minutes de terreur auditive pure. Chaque morceau dure environ quinze minutes et passe d’une ambiance menaçante à une terreur claustrophobe, et tout ce qui se trouve entre les deux. Il y a des passages de doom rampant comme au milieu d »‘Altars of Nothingness », avec parfois des hurlements désespérés dans le mixage pour créer une atmosphère sombre et oppressante. Ils côtoient une ambiance bourdonnante, notamment au début du morceau et au milieu de « Happiness Sucks, So Do You ». 

L’utilisation de la répétition et du bourdon, comme le milieu de la piste susmentionnée, est moins méditative et plus inquiétante. Il y a un sentiment profond et durable de malaise dans le feedback en boucle, les cris douloureux maintenus bas dans le mixage et l’atmosphère profondément troublante. Ce sentiment persiste pendant plusieurs minutes et, au lieu de devenir ennuyeux, il ne fait qu’accentuer la violence qui l’accompagne. 

En parlant de violence, des moments de black metal brut et furieux s’infiltrent également, la majeure partie du deuxième morceau « Happiness Sucks.. ». étant constituée d’un mur abrasif de givre et de misanthropie. Il est difficile de dire exactement où se termine Rorcal et où commence Earthflesh ; les deux groupes existent dans une symbiose presque parfaite, se complétant l’un l’autre et ajoutant de la profondeur et des dimensions supplémentaires d’extrémisme à la musique. 

Witch Coven est profondément expérimental dans son approche ; les passages répétitifs, les dissonances et le sentiment de claustrophobie qu’il dégage en font quelque chose de tout à fait unique, qui ne plaira certainement pas à tout le monde. Mais ceux qui osent braver les profondeurs profondément troublantes y trouveront certainement une expérience cathartique, à défaut d’être agréable au sens traditionnel du terme.

***1/2


Ian Hawgood: « Memory and Motion »

16 avril 2021

Memory and Motion est une œuvre de longue haleine de l’artiste ambient Ian Hawgood, basé à Brighton. Issue à l’origine d’un été long et mémorable, il y a onze ans, Memory and Motion contient le parfum d’une saison, l’année étant 2010, et d’une étape personnelle importante dans la vie de Ian. En août de cette année-là, Ian s’est produit aux côtés de sa femme lors de l’événement Immersound au Others, à Londres. Ils s’étaient mariés plus tôt dans l’été et venaient d’arriver au Royaume-Uni, revenant d’une lune de miel en Indonésie pour fêter avec leurs amis et leur famille avant de rentrer au Japon. Le long morceau, qui dure un peu moins de vingt-huit minutes, a été créé en préparation du concert et enregistré pendant que les autres artistes vérifiaient le son.
Que ce soit involontairement ou non, la musique de Memory and Motion s’est transformée en quelque chose d’autre : une musique qui rappelle un moment spécifique et précieux de la vie d’une personne, un souvenir unique capturé et documenté à jamais par sa musique. Comme une photographie, on peut la savourer et y revenir au fil des ans, et elle sonne aussi fraîche qu’au premier jour.

Comme l’indique le titre, la musique se compose de deux parties. La mémoire est mêlée au mouvement flou du voyage, et la fatigue du décalage horaire est imprégnée de célébrations animées. Bien que la mémoire soit sujette à l’érosion, certains souvenirs se transformant en inexactitudes, en embellissements ou s’enlisant dans un nuage de fatigue rivalisant avec un vol en aller-retour, la musique d’ambiance est claire dans sa forme minimaliste. Composée de gongs et de minces formes d’ondes ambiantes, la musique de Ian produit des tonalités calmes et introspectives tout en contenant un pétillement d’excitation et le souvenir de jours meilleurs.

***1/2


Postdata: « Twin Flames »

15 avril 2021
  • En tant que chanteur de Wintersleep, Paul Murphy, originaire de Halifax, a longtemps été la pièce maîtresse de chansons rock énergiques et épaisses. Mais, en tant que leader du groupe Postdata beaucoup plus cérébral, Murphy laisse tomber la grandiloquence et adopte une approche plus organique et réservée de la production. Sur Twin Flames, le troisième album de Postdata, l’ambiance naturelle et le lyrisme discret prennent leur envol, créant une expérience délicieusement désorientante. 

Malgré l’attrait évident et accessible de l’écriture de Murphy, il est difficile de cerner ce qui rend Twin Flames si spécial. Bien sûr, l’album s’étend sur plusieurs genres – « My Mind Won’t » comporte des synthés pulsés et en cascade, tandis que le rythme de « Nobody Knows » évoque des nuances distinctes du Faith de George Michael – mais il y a quelque chose de primordial dans les arrangements. Presque tous les morceaux sont structurés comme un mini-voyage, commençant modestement et aboutissant finalement à une explosion plus grande et plus profonde de l’instrumentation. Plus profondément, la plupart des chansons de l’album ont un ton résolument proche de la réalité. Bien qu’elles soient faussement plus expansives que la pop typique, les arrangements sont suffisamment accessibles pour ne pas effrayer les publics non familiers.

Même le titre de l’album, qui commence de manière plutôt terne, s’élève vers un plateau généreusement assaisonné. En fait, la complexité de la fin de la plupart des titres de l’album peut être assez étonnante ; lorsque la monotonie est attendue, la profondeur étonnante n’en est que plus poignante. 

Sur « Haunts », Murphy saupoudre l’ambiance brumeuse, une tonalité mystérieusement éclaboussante qui est revisitée pendant la section centrale de « Yours ». Ailleurs, « Kissing » transcende les structures pop typiques et s’envole avec un drame acoustique, tout comme le noble « Inside Out ». Comme le travail de Murphy avec Wintersleep, Twin Flames se lit comme une série de chansons d’amour superficielles, mais sonne comme une fusion bien construite et soigneusement stratifiée de divers instruments.

Le mérite en revient à l’équipe de soutien du disque, qui renforce la voix et l’expression intimes de Murphy. À ses côtés, Andy Monaghan de Frightened Rabbit et Tim D’Eon de Wintersleep font des apparitions, contribuant de manière solide mais discrète. En gros, Twin Flames va au-delà de l’évidence, tant sur le plan musical que narratif. Guidé par des mixes étagés et un lyrisme honnête, Postdata a, à toutes fins utiles, réussi à transporter toute oreille attentive vers un endroit rempli d’imagination et de fantaisie. S’il peut parfois s’égarer dans l’obscurité, il n’en demeure pas moins qu’il dégage du caractère et de l’individualité.

***1/2