Amanda Shires: « Take It Like a Man »

14 août 2022

Violoniste, membre d’un groupe, chanteuse de country, créatrice de supergroupes ; à chaque étape de sa carrière, Amanda Shire s’est présentée très clairement, et sur Take It Like a Man, elle va plus loin, n’hésitant jamais à aborder l’intimité ou les détails personnels. Plutôt qu’un flot de confessions, son nouvel album s’appuie sur de petits détails, explorant un large éventail d’influences sonores tout en concentrant ses paroles sur le doute et le défi, à la fois en soi et dans une relation. L’album ne retient pas grand-chose, mêlant des déclarations frappantes et directes à une vision poétique. Shires rit peut-être un peu moins sur cet album qu’à d’autres moments, mais son esprit demeure, offrant son dernier album comme une catharsis et une sagesse même dans les moments de doute.

L’ouverture de l’album dissimule les thèmes centraux. « Hawk for the Dove » est un morceau « de vapeur », où le désir sexuel de Shires est au premier plan. « Je suis bien consciente de ce dont la nuit est faite », chante-t-elle, « Et je viens pour toi comme un faucon pour la colombe ». La chanson sonne comme une nuit humide du sud, mais le début de la crise existe même au milieu du désir ardent. Lorsque Shires pense à « The spurs of hip bones and you pressing in », le désir monte au sommet de son être, mais elle suit rapidement cette pensée avec « Come on, I dare you, make me feel something again ». L’enchevêtrement de l’excitation potentielle et du désespoir libère sa tension dans un solo de violon abrasif. Il s’agit de sexe, mais pas seulement, et le reste de l’album s’ouvre à ces complications.

L’espace dans un partenariat romantique apparaît sur « Empty Cups ». Ici, la relation échoue moins en raison de problèmes que de la « nouveauté… qui s’estompe ». Shires explique : « Pour chaque début, il y aura un arrêt ». Ce showstopper d’une ballade de Nashville suggère une inévitabilité dans la décadence, comme si les relations avaient une date d’expiration et que ceux qui cherchent des sorties les trouveront à temps. « Don’t Be Alarmed » remet en question cette idée même, car Shires se sert de son propre courage dans les ruptures pour encourager son partenaire à « aller jusqu’au bout ». L’arrangement qui se construit lentement lui permet de reprendre des forces au fur et à mesure que la chanson progresse. Cette relation peut se terminer, mais pas sans reconnaître le choix qui a été fait au cours du processus.

Shires a clairement indiqué que ces chanteurs ne sont pas de simples personnages. « Fault Lines » dépeint une période difficile de son mariage avec son collègue Jason Isbell. Les interviews le précisent, mais lorsqu’elle fait référence au « vaisseau amiral », elle fait un clin d’œil direct à la chanson d’Isbell portant ce titre et faisant l’éloge de leur relation. Dans « Fault Lines », on se demande comment on peut trouver ou attribuer des responsabilités. À la fin de la pièce, Shires ne connaît pas la vérité sur sa propre relation, une façon appropriée d’évaluer la complexité d’un mariage long et mature. L’amour n’est pas facile et les ruptures ne sont pas romantiques, et Shires sait comment ancrer ses expériences dans une forme terreuse et incarnée. Avec art et expression, elle rend sa prestation vocale immédiate et urgente sur chaque morceau.

Une grande partie de l’album est peut-être sombre et blessante, mais elle ne s’attarde pas sur une seule note. « Bad Behavior » revient à la séduction, même si des questions subsistent. « Stupid Love » cède à l’optimisme avec un peu de soul du Sud.  » And you might be my ruining/ I lean into it : be my ruining « , chante-t-elle. La naïveté n’a pas sa place ici, mais le désespoir non plus, semble-t-il. Shires, dans une volée de métaphores d’oiseaux, a résisté à tout ce qui pouvait lui arriver dans la chanson titre, mais elle ne s’est pas détournée des possibilités. Le disque se termine par « Everything Has Its Time », qui admet ostensiblement que tout a une fin. Commençant par la fin de l’exubérance des nouvelles relations, le morceau se dirige vers le déclin inévitable de « Empty Cups », mais les paroles sont accompagnées d’un certain nombre de points d’interrogation. Shires essaie de comprendre ce qui se passe après que le feu se soit éteint. Elle finit par aller de l’avant, trouvant la paix dans la compréhension de la dissolution, mais les questions demeurent, et le souhait de « Stupid Love » persiste. Shires a écrit quelque chose qui ressemble à un album de rupture, mais elle s’est mise au défi de rester dans les endroits difficiles et de ne pas aller au-delà des questions. Elle pourrait sembler coincée si elle n’était pas aussi réfléchie sur ces sujets difficiles, et son écriture trouve sa propre chaleur en explorant le refroidissement physique. Cet échange mène à une sorte d’élan et à une écriture de chansons vraiment touchante.

***1/2


Art Moore: « Art Moore »

12 août 2022

Le premier album éponyme d’Art Moore sur Anti-Records est sorti d’un métier à tisser conçu par Taylor Vick, Sam Durkes et Trevor Brooks ; un métier à tisser qui tisse des voix organiques évocatrices et des instruments synthétiques en un motif harmonique qui vous fera écouter plusieurs fois sans effort. Vous pouvez suivre cette matière hybride tactile tout au long de l’album. Il est frais comme des tiges vertes et brillantes récemment cultivées ou comme une technologie silencieuse qui vrombit plutôt que de tousser comme les mécanismes industriels du passé qui crachent de la fumée. 

Il y a deux concepts et influences forts sur cet album qui aident à consolider la structure et la cohésion sonore, le premier réside dans la conception du groupe. À l’origine, le trio faisait de la musique ensemble pour créer des bandes sonores de films ou de télévision. Lors de ces premières sessions, Durkes se souvient avoir « utilisé une scène de film, une photographie ou une image fixe et… écrit quelque chose autour ». En ce sens, chaque chanson agit comme une image fixe d’une image en mouvement, des photographies individuelles constituant un ensemble plus vaste, rappelant la Locomotion animale de Muybridge. Il s’agit d’un album au sens propre du terme : une collection de chansons qui prennent tout leur sens lorsqu’elles sont serrées les unes contre les autres, qui ne se bousculent pas dans une frénésie d’épaules et de coudes, mais qui s’imbriquent les unes dans les autres. 

L’autre concept dominant de Art Moore est résumé par le commentaire de Vick sur « A Different Life » (la cinquième chanson de l’album) : « Je peux facilement me laisser emporter par les mondes imaginaires dans ma tête, submergé par les possibilités infinies et les versions de moi qui y existent. Mais je suis surtout fasciné par la version juste parallèle à celle-ci, celle qui ne comporte que quelques différences ou améliorations. Cette chanson parle de l’expérience de la nostalgie de cette possibilité pas si lointaine ». Dans les partitions parallèles de la réalité auxquelles Taylor réfléchit, qui se détachent les unes des autres comme des segments fibreux de fruits, si proches les unes des autres que la moelle qui s’y accroche comble encore les écarts, il y a des versions de nous-mêmes qui réalisent nos rêves ou qui se sont effondrées avec nos doutes et nos défauts. Sur cette chanson, Vick chante « In the distance as far as I can see/ still pushing through different versions of me » (au loin, aussi loin que je puisse voir/ toujours en train de se frayer un chemin à travers différentes versions de moi), ce qui donne une image organique et tactile de ces réalités alternatives. 

Ces deux concepts s’alignent si harmonieusement qu’il n’est pas surprenant que la production sans effort, les synthés froids et les rythmes réguliers de la boîte à rythmes coulent avec les voix optimistes teintées de tristesse dans une union parfaite. Le design sonore varié des collaborateurs d’Ezra Furman, Sam Durkes et Trevor Brookes, n’est en aucun cas lo-fi en termes de qualité, mais plutôt en termes d’esthétique et d’écoute. Le battement de cœur détendu de cette indie pop défoncée clapote contre le rivage plutôt que de se briser contre les falaises. La voix de Vick est tellement prédominante sur l’album qu’elle devient un ajout attendu à chaque chanson. Le fait que la voix de Vick ne s’épuise jamais au-delà d’un tempérament doux et mélodieux suit cette idée d’une « vie différente » où d’autres « possibilités pas si lointaines » existent derrière de minces voiles de réalité. En ne poussant pas sa voix à son extrémité et en laissant des lacunes vocales dans certaines chansons, elle donne à l’auditeur la possibilité d’imaginer d’autres mélodies et sons qui pourraient exister. Cette forme de collaboration avec l’auditeur est quelque chose qu’Art Moore défend clairement dans son art, c’est un groupe qui sait qu’être silencieux peut avoir beaucoup plus d’impact que de crier.

***1/2


The Web of Lies: « Nude With Demon »

11 août 2022

Nude With Demon est le premier album de The Web Of Lies, le duo de Glasgow composé de Neil Robinson à la batterie et aux percussions et d’Edwin Stevens au chant, à la guitare, à la basse et aux claviers. Après avoir joué ensemble dans le groupe de Robert Sotelo, le duo s’est découvert une connexion singulière qui avait besoin de trouver un exutoire créatif. Ils ont jeté les bases de l’album au cours d’une « poignée de sessions matinales avec la gueule de bois », qui ont ensuite été étoffées par des collaborateurs de confiance.

Les morceaux oscillent entre l’urgence et la frustration et l’allongement et l’oscillation, comme un mélange de café et de purée de Valium. Dès le premier single  » Receiver « , qui ouvre l’album, on a l’impression d’avoir posé le pied sur un sol instable. The Web of Lies jette un pont entre le psychédélisme des années 60 et le bruit angulaire moderne, sur des morceaux comme  » The Golden Road « , tourbillonnant et teinté de folk, et  » Yeah Yeah Yeah « , tempête psychédélique implacable, ou encore  » The Wasp « , glorieuse procession lente dans le moule de  » New Dawn Fades  » de Joy Division.

Le groupe nous fait vivre de grands moments sur tous les titres, comme le riff de guitare de  » RnR Resurrection « , la basse entraînante de  » Crossed Arms « , les roulements de tom-tom qui animent  » RnR Resurrection « , ou la douceur de la mélodie de  » Redeemer « . Mais lorsque les choses menacent de devenir trop agréables, le groupe s’appuie sur une distorsion profonde, induit un larsen et sort le papier de verre le plus grossier qui soit. L’album est totalement cohérent dans son son et sa production, mais il a la sensation d’essayer de chanter une berceuse dans un ouragan ou de mettre des ballons sur un lit de clous. Il devrait s’appeler « Spikeadelic » ou « Spych ».

The Web of Lies semble avoir un scepticisme sain qui se cache dans les coins de cet album ; une désaffection mélangée avec le groupe qui jette un regard ironique sur la vie et ils ont la capacité de traduire cela en son. Vous pouvez le ressentir à travers le vacillement des cordes désaccordées, un tremblement viscéral qui trouve son point de morsure contre une batterie solide, et bien que l’album conserve une base cohésive établie par Robinson et Stevens, le fait qu’ils aient fait appel à un éventail d’invités musicaux donne à chaque chanson sa propre personnalité. Du morceau d’ouverture  » Receiver  » au morceau de clôture  » Ender « , une boucle se forme et si vous mettez l’album en boucle, vous pourriez rester longtemps dans le paysage troublant, mais captivant, créé par le combo.

***


Kollaps: « Until The Day I Die »

10 août 2022

Le groupe post-industriel australien Kollaps écrit une musique « destinée aux dégénérés et aux marginaux ». Les personnes qui ont acheté leur deuxième album sur Bandcamp ont également acheté des disques de Lingua Ignota et Godflesh, ce qui dit tout ce qu’il faut savoir sur l’hostilité non sentimentale de leur art. De retour avec le troisième album après l’avoir enregistré dans un studio construit à cet effet en Suisse, vous pouvez être sûr qu’aucune fête ne sera jamais aussi dangereuse que celle-ci.

Le cerveau du groupe, Wade Black, s’est occupé de quatre-vingt-dix pour cent de l’instrumentation sur Until the Day I Die, même si la base de fans culte en Europe sera plus intéressée d’apprendre quels outils électriques et quelles machines il a échantillonnés pour les éléments percussifs du disque. Le morceau d’ouverture, « Relapse Theatre », commence par une approche sonore paradoxale, fusionnant des sons ambiants de terrain avec des bruits durs, avant que le cri aigu d’une grille métallique ne frappe votre système nerveux. Il vous faudra une minute pour démêler les différentes couches d’instrumentation et comprendre les signaux d’alerte périlleux. Une progression régulière de notes de clavier bourdonnantes fournit la basse ; les voix distordues pulsent dans des effets d’écho lourds ; les battements percussifs émoussés se répercutent comme la première vitesse d’un camion-benne de l’ère Mao. Le dernier disque All Are to Return a réalisé quelque chose de similaire, mais vous entendrez aussi Scard parmi les textures polluées.

Vous aurez peut-être l’impression d’être l’officier à l’autre bout du processus de crémation en écoutant  » D-IX  » et  » I Believe in the Closed Fist « . Le premier frémit sous l’effet d’un larsen strident et d’une succession d’effets de coups de métal chronométrés avec précision ; le second suit la même vibration jusqu’à ce qu’une mélodie funèbre au clavier s’infiltre à travers les parasites, comme une âme qui monte au ciel dans l’imagination d’une personne en deuil. Tous deux utilisent des voix hystériques et inconscientes, renforcées par un overdrive et une forte réverbération. Einstürzende Neubaten a-t-il jamais produit quelque chose d’aussi imprudent et négligent face à une blessure imminente en usine ? On espère que même l’usine la plus négligente de Corée du Nord n’a pas un son aussi impitoyable que celui-ci lors des heures supplémentaires. Peut-être que les premiers inspecteurs sur place à la centrale nucléaire de Fukushima en 2011 ont vécu quelque chose comme le cauchemar audio que Kollaps crée ici.

C’est un soulagement lorsque le premier snare industriel régulier émerge sur « Hate is Forever », qui est tout aussi punitif que le titre le suggère. La réinitialisation chaotique du tempo à 02:40 secondes est comme un poste de mitrailleuse qui élimine l’infanterie ennemie. La plupart des chansons de ce disque utilisent les boucles de pédales du noise rock et la dynamique du métal extrême sans utiliser de guitares. Wade Black montre son talent pour susciter la peur et éviter le danger sur « The Hand of Death ». Ce morceau pourrait être utilisé sur la bande originale d’un film d’horreur pour la scène où les victimes sans méfiance allument le générateur décrépit dans la retraite abandonnée en face de leur maison d’hôtes isolée. Et pourtant, il nous surprend en faisant un clin d’œil à Leonard Cohen avec des guitares qui grondent et des effets de gouttes d’aiguilles sur la chanson titre. C’est peut-être la seule fois où l’on peut entendre une influence de M. Gira/Swans sur la musique.

On ne peut que deviner le sujet des paroles, mais le goût de Wade Black pour la méthode du cut-up de William Burroughs laisse penser qu’elles seront difficiles à déchiffrer sans les effets de distorsion. Il n’y a pas besoin d’un coup de pouce pour savoir qu’ils s’attardent sur la dépendance, la dépravation sexuelle et les fantasmes violents. Les Kollaps ne vivent pas dans un monde de rêve. Ils peuplent l’imagination qui ne veut jamais se révéler de peur d’invoquer les possibilités les plus sombres de l’esprit.

Vous ne joueriez pas cette musique à une fête. Mais, là encore, vous ne seriez pas à une fête si vous vivez la vie du protagoniste de Until the Day I Die. C’est l’idéal si vous voulez vous étioler sur un canapé dans une pièce sombre.

***1/2


Pale Waves: « Unwanted »

10 août 2022

« Je ne voulais aucune de ces guitares jangly, pointilleuses et haut perchées sur le manche », déclare la chanteuse Heather Baron-Gracie dans un récent communiqué de presse. « Je voulais de la distorsion lourde, du chaos et de la puissance ». Si Who Am I ?, sorti en 2021, ne l’a pas déjà confirmé, Pale Waves est désormais indéniablement punk-rock.

Avec chaque sortie, le quatuor mancunien devient plus personnel, plus honnête et, surtout, plus lui-même. Unwanted – un titre qui représente les expériences de leurs fans LGBTQI+ – n’est pas différent. Nageant dans les sujets sincères de l’amour homosexuel et du manque d’appartenance et d’approbation, Baron-Gracie montre son évolution en tant que parolier et fait un doigt d’honneur aux sceptiques.

Le rock alternatif des années quatre-vingt d’Avril Lavigne était omniprésent sur leur précédent album et reste proéminent ici aussi (« You’re So Vain », « Clean », « Without You »), tout en étant tricoté avec un pop-punk plus moderne et poli (« Reasons To Live », « Unwanted »), grâce à la production puissante de la royauté de la scène, Zakk Cervini.

Parmi les réussites de l’album, « The Hard Way » – bien que puissant, poignant et doté d’une conclusion explosive – s’arrête rapidement, et quelques titres ultérieurs ne sont pas aussi percutants que d’autres. Pourtant, la maturité du groupe est audible pour toutes les oreilles, car Pale Waves continue de tracer sa propre voie et d’embrasser sa meilleure version fougueuse et franche d’eux-mêmes.

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Ty Segall: « Hello, Hi »

8 août 2022

Il fut un temps où l’on pouvait manquer un enregistrement de Ty Segall en un clin d’œil. Le prolifique auteur-compositeur-interprète de Los Angeles n’a jamais cessé d’offrir, album après album, un revival rock garage de qualité, traité avec une constance qu’il est facile de prendre pour acquise. Ces dernières années, la production de Segall a quelque peu diminué, à l’exception de Harmonizer, sorti en 2021, dans lequel il posait des questions existentielles troublantes évoquant une atmosphère de Giallo.

Harmonizer a prouvé que Segall pouvait encore faire monter la tension, bien que l’utilisation massive de synthétiseurs n’ait pas permis à certains arrangements de s’envoler. Ce qui n’est pas grave : il nous a donné toute une vie de morceaux bruts et scuzzy à apprécier. Pour un artiste qui a expérimenté au fil des ans plus qu’on ne lui en a donné le crédit, « Hello, Hi » est un autre pivot net vers le psychédélisme pastoral. Segall a tâté du format unplugged si l’on considère Sleeper de 2013, à tendance folk, ou certaines parties de Freedom’s Goblin de 2018, plus ambitieux. Ici, il s’en tient presque exclusivement à des performances tendues qui brillent d’un éclat chaleureux, qu’il joue des motifs de guitare descendants avec des percussions minimales (« Over ») ou qu’il se tourne vers le glam rock avec une touche de brouillard mélodique (« Blue »). D’autres ont même un aspect brut, comme le très direct « Looking at You », qui adopte un riff arpégé aux sonorités baroques, proche de Led Zeppelin III.

Segall se lâche une fois sur la chanson-titre, monolithique et pleine d’assurance, qui ressemble à un retour en arrière vers des albums plus lugubres comme Slaughterhouse et son projet parallèle Fuzz. C’est aussi là qu’il est le plus frivole, nous saluant d’une voix de fausset dans ce qui semble vraiment être une pièce unique par rapport au reste de l’album. Segall vous détend avec son charme unique, mais il vous trompe aussi, augmentant subtilement les choses pour vous rappeler sa production frénétique. Le ton reste largement indistinct tout au long de l’album, mais on a aussi l’impression qu’il a commencé à concocter son prochain mélange de sorcières.

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Beach Bunny: « Emotional Creature »

28 juillet 2022

La formule « cet album est une version plus mature de [insérer l’artiste en question] » est probablement le cliché le plus éculé de la critique musicale, mais on ne peut nier qu’elle est parfois pertinente. Le deuxième LP de Beach Bunny, Emotional Creature, est l’un de ces cas. Avec la fusion caractéristique du groupe entre une indie pop accrocheuse et des préoccupations adolescentes, il y a beaucoup de maturité à atteindre, mais la question est de savoir si c’est le bon choix. Un tel changement va-t-il détruire les éléments essentiels qui ont permis au groupe basé à Chicago d’atteindre une grande popularité, grâce à la célébrité sur TikTok de leur chanson « Prom Queen » et à un premier album impressionnant (Honeymoon, sorti en 2020), ou s’agit-il d’un changement essentiel qui permettra au groupe de passer au niveau supérieur ?

Alerte spoiler : en tant qu’album, Emotional Creature ne donne pas de réponse décisive à ces questions. Pour donner un peu de contexte à cette critique, on se doit de faire quelques mises en garde sur mes sentiments personnels concernant la production précédente de Beach Bunny. Tout d’abord, on a trouvé l’assortiment d’EPs du groupe plutôt moyen

mais on a été véritablement subjugué par la magnificence de Honeymoon. Même s’il y avait beaucoup de défauts à relever, cet album était un début exceptionnellement solide et, ce qui est encore plus important, c’était le disque le plus accrocheur jamais entendu depuis cinq ans. Si vous ne me croyez pas, écoutez une chanson comme « Cuffing Season » ou « Dream Boy » trois fois de suite et essayez ensuite de vous endormir sans que l’un ou l’autre de ces airs ne vous reste en tête. Pour résumer, Honeymoon possède cette qualité indie pop tant recherchée, et fait naître de grands espoirs pour les futurs projets de Beach Bunny.

Même si ce nouvel album peut être classé dans les mêmes genres que son prédécesseur, Emotional Creature est une affaire différente. Du côté négatif, c’est un effort diminué dans l’aspect sur lequel Honeymoon a vraiment prospéré : l’accroche pure et simple. Cela ne veut pas dire qu’Emotional Creature est totalement dépourvu de jams, voire de bops, car dès le début de la tracklist, on trouve plusieurs morceaux qui pourraient y prétendre, comme l’ouverture « Entropy » ou « Deadweight », peut-être l’étalon-or de l’album en termes d’accroche. Mais même ces morceaux sont « juste » assez solides, et ne peuvent pas rivaliser avec les albums de la décennie si tel est le Òcritère.

Tout ce dernier paragraphe n’augure rien de bon pour Emotional Creature, certes, mais l’album parvient à combler une bonne partie de la différence. C’est un disque qui voit le groupe prendre des mesures pour diversifier son style, de plusieurs façons. Alors qu’Honeymoon était une collection dominée par des morceaux pop brefs et rapides, Emotional Creature mélange les choses à la fois dans le tempo et dans la longueur des chansons, avec à la fois quelques brefs interludes (dont « Infinity Room » se démarque comme un point culminant) et plusieurs chansons qui sont remarquablement expansives par rapport aux normes modestes de Beach Bunny (la dernière « Love Song » s’étend sur six minutes, y compris une belle outro rêveuse).

Cet album est aussi un peu un voyage, avec une première moitié dominée par des offres power pop mid-tempo, tandis que les dernières parties deviennent plus aventureuses. Outre « Infinity Room » et « Love Song », on trouve « Scream », certainement le morceau le plus expérimental de l’album, et probablement le meilleur de tous. Et cette tentative de secouer les choses s’étend également aux paroles. Lili Trifilio continue à chanter des vers qui ne sont pas si éloignés du fait de souhaiter être une fille de Californie ou d’aborder un certain nombre de tropes adolescents, bien sûr, mais il y a une couche supplémentaire de sombres qui apparaissent ici et là. C’est particulièrement évident dans « Weeds », où l’accent est mis sur la réalisation de soi plutôt que sur l’obsession des relations amoureuses pour la validation. Ne vous attendez pas à quelque chose de Dylanesque, mais on peut voir le groupe s’efforcer de gagner du terrain sur le plan lyrique tout en conservant son approche directe.

Emotional Creature ressemble à un album en crise d’identité, à certains égards. Bien qu’il soit toujours agréable à écouter, les points forts ne sont pas particulièrement clairs, et l’album semble à plusieurs reprises tiré dans différentes directions. C’est une position assez compréhensible. Les Beach Bunny ont atteint leur succès actuel grâce à une certaine formule, et ils sont maintenant confrontés à l’épineux dilemme de savoir s’il faut « ne pas changer de cheval en cours de route » ou s’adapter pour garder les choses fraîches. Emotional Creature offre suffisamment d’éléments pour satisfaire les fans de longue date du groupe, tout en permettant d’explorer d’éventuelles évolutions futures. En bref, c’est l’un de ces albums de transition dont l’héritage dépendra fortement de la réception des futures productions de Beach Bunny. Il est difficile de grandir, mais pour l’instant, Emotional Creature offre le solide portrait de ce que c’est que d’être un groupe en mouvement.

***1/2


Jack White: « Entering Heaven Alive »

26 juillet 2022

La mesure dans laquelle la « lâcheté » artistique de Jack White n’a pas vraiment entravé sa carrière de manière significative est impressionnante. L’homme s’est reconverti en artiste solo après avoir mis fin aux White Stripes en 2011, et pour l’essentiel, ses deux premiers albums auraient tout aussi bien pu être des albums des White Stripes avec un membre en moins. Il est resté fidèle à ses riffs de blues, même si ses contemporains parmi les groupes du début des années 2000 qui étaient censés « sauver le rock » sont devenus plus étranges et ont adopté des sons et des idées qui ne passaient pas sur les radios rock classiques. Cela a fait de White un héros pour un certain type de snobisme musical insupportable, mais on se demandait si White, qui a toujours été un auteur-compositeur au talent indéniable, allait un jour se remettre en question. Puis Jack White a sorti Boarding House Reach, son album le plus aventureux à ce jour, dont le seul défaut est d’être pratiquement inécoutable. Pourtant, malgré les très nombreux défauts de cet album, il était agréable d’entendre White sortir du moule qu’il s’était créé et essayer quelque chose de différent. Peut-être, on l’espère, que la prochaine fois il apportera ce même esprit à un autre projet avec des chansons plus accessibles.

Il s’avère que le projet suivant de White est si vaste qu’il englobe deux albums. Le premier, Fear of the Dawn, est une collection de chansons maniaques et délibérément bizarres qui tentent, avec parfois du succès, de marier l’approche gonzo de Reach à des chansons que les gens pourraient avoir envie d’écouter. Entering Heaven Alive, en revanche, ne s’écarte pas seulement de son partenaire, mais aussi de presque tous les projets de Jack White jusqu’à présent. En 2022, plus de 20 ans après s’être fait connaître du public avec les White Stripes, White a sorti un album d’auteur-compositeur-interprète authentique. Il ne s’agit pas d’un départ total pour White ; certaines des chansons les plus appréciées de son catalogue sont des titres plus discrets comme « We’re Going to Be Friends » ou « You’ve Got Her in Your Pocket », mais il s’agissait toujours de pièces uniques, d’îlots de répit au milieu d’une mer de guitares fuzz. Ici, tout est guitare acoustique, piano et percussions délicates, une palette sonore située à mi-chemin entre Laurel Canyon et John Wesley Harding.

Un disque comme celui-ci présente une difficulté intéressante pour White : les disques d’auteurs-compositeurs-interprètes sont généralement considérés comme des œuvres émotionnellement brutes et honnêtes, mais White est peut-être l’une des personnalités les plus impénétrables et les plus recluses de la musique actuelle. Pourtant, White est peut-être l’une des personnalités les plus impénétrables et les plus recluses de la musique d’aujourd’hui. White peut au moins dépeindre de manière convaincante la vulnérabilité tout au long de l’album ; ses interlocuteurs sont des personnes perdues qui tentent désespérément de trouver l’amour ou, à tout le moins, un lien humain substantiel. Il y a des expressions d’affection sincère, le cœur sur la main (« Help Me Along ») et des regrets sur les erreurs du passé (« If I Die Tomorrow »), qui sont tous exprimés de manière assez directe. En temps normal, cela n’aurait rien d’exceptionnel, mais White a passé ces dernières années à faire la musique la plus bizarre et la plus aliénante qu’il puisse faire. Même si l’auteur-compositeur-interprète n’est qu’un costume de plus à revêtir pour White, Entering Heaven Alive montre que cela lui va plutôt bien.

Malgré tout, il y a des moments où Jack White, totalement bizarre, fait une apparition, et ceux-ci finissent par être les faiblesses de Entering Heaven Alive en tant qu’album. La nature excentrique de White fonctionne bien sur un morceau gonzo comme Fear of the Dawn, mais lorsque White commence à superposer des morceaux de guitare sur le morceau généralement sans structure « I’ve Got You Surrounded (With My Love) », ce n’est pas seulement dérangeant, c’est un acte d’auto-sabotage. Pire encore, « A Madman from Manhattan » est un morceau sinueux qui montre que les talents d’auteur-compositeur de White ne s’étendent pas vraiment à la narration à la troisième personne. L’album se termine par une version lourde de violon de « Taking Me Back », le single qui a donné le coup d’envoi du premier des deux albums de White de cette année, et bien qu’il soit intelligent d’utiliser la chanson comme une sorte de conclusion, cette version n’offre pas beaucoup pour justifier son inclusion.

Malgré cela, Entering Heaven Alive fonctionne suffisamment pour que ce soit le meilleur album solo de White et la meilleure chose qu’il ait faite depuis un certain temps. Il est suffisamment différent des deux personnages de White – le conservateur grincheux de la musique ancienne et l’excentrique grabataire – pour qu’il se démarque d’une manière que les dernières sorties de White n’ont pas fait. Derrière toutes ses activités extrascolaires et l’image publique épuisante qui lui est imposée par des fans grincheux et par ses propres tendances, White a toujours été un auteur-compositeur avant tout ; Entering Heaven Alive est le son qui lui permet de le demeurer.

***1/2


beabadoobee: « Beatopia »

17 juillet 2022

Dans le sillage de son premier album, Fake It Flowers, Bea Kristi a fait l’objet d’une attente injuste. L’artiste qui se produit sous le nom de beabadoobee a été saluée par une partie de la presse musicale comme le signe que sa musique, clairement inspirée du rock alternatif des années 90, pouvait trouver un écho auprès d’un nouveau public et infiltrer la culture populaire. En raison de ses débuts sur TikTok, Kristi était un missionnaire potentiel pour un sous-ensemble de la culture qui sentait son influence sur les jeunes diminuer. Et bien que sa musique incorpore le rock indépendant de ses idoles – elle a écrit une chanson intitulée « I Wish I Was Stephen Malkmus » – ses chansons sont écrites à partir d’un lieu d’admiration pour l’attrait de masse pailleté de la musique pop. L’hypothèse avancée par ces spectateurs pleins d’espoir, à savoir que l’on peut faire du cheval de Troie avec du rock dans une chanson pop, reste à prouver. Indépendamment de ce qui l’attire personnellement, beabadoobee fait de la power-pop dynamique, capable de s’adapter à ses caprices. Parfois, elle se présente sous la forme d’une ballade à la guitare, lente et chaloupée, à laquelle sa voix aérienne donne de la force, comme sur le morceau « How Was Your Day » de Flowers. Plus souvent, elle s’exprime à travers des chansons optimistes, gonflées par des sons de guitare si brillants et tranchants que vous pouvez les sentir se répercuter dans votre corps. Quel que soit le moyen utilisé par Kristi pour canaliser ses ambitions musicales, il sera toujours plus intéressant que les récits dans lesquels sa production est placée.

Son deuxième album, Beatopia, la voit freiner la portée plus sauvage de son premier album et produire quelque chose de plus authentique. Nommé d’après le monde intérieur de son enfance, ses chansons sont plus authentiquement beabadoobee, moins comme si elle essayait des choses.

Beatopia est un album qui est plus captivant quand il essaie explicitement de l’être. Les morceaux les plus marquants sont dotés de refrains accrocheurs, d’accroches savamment élaborées et d’une production magistrale. Le premier d’entre eux, « 10:36 », est construit autour d’une combinaison de batteries live et de rythmes plus artificiels pour évoquer un ton frénétique. Dans ses paroles, Kristi admet froidement qu’elle garde la personne à qui elle chante autour d’elle uniquement par commodité. Alors que la chanson éclate dans une grêle de guitares atmosphériques, elle chante : « You’re just a warm body to hold / At night when I’m alone »  (Tu n’es qu’un corps chaud à serrer / La nuit quand je suis seule). C’est désarmant dans sa brutale honnêteté et permet à une chanson qui frappe déjà fort de porter un coup supplémentaire. Un autre point fort, le single « Talk », est une chanson power-pop accrocheuse qui s’aligne parfaitement avec le lead de Flowers, « Care ». Une batterie étouffée et la voix filtrée de Kristi naviguent sur une mer de guitares endiablées. Incorporant des aspects spécifiques du shoegaze à la musique pop, elle s’appuie sur les sons que nous avons vus récemment chez des artistes comme Halsey et Magdalena Bay.

Le refrain de « Don’t get the deal », morceau phare de la face B, contient des éclats de guitare et de voix à forte réverbération. Le caractère intermittent de la chanson est désorientant, mais il se traduit par un délicieux coup de fouet lorsqu’elle s’ouvre finalement sur un solo de guitare puissant, l’un des meilleurs de la carrière de Kristi jusqu’à présent.

Mais lorsque les moments forts de Beatopia font une pause, l’élan s’arrête net. Le bien nommé « Lovesong » passe la majeure partie de ses quatre minutes à être laborieux et clairsemé avant de s’épanouir, donnant un aperçu en temps réel de ce qu’il pourrait être plus intéressant s’il était plus élevé. Bien qu’elle soit accompagnée d’une section de cordes, la ballade « Ripples » ne parvient pas à décoller, donnant à chaque instant l’impression d’être un morceau calme qui n’est pas à sa place. La dernière chanson du disque, « You’re here that’s the thing », est étouffante. Le lyrisme de Kristi n’est guère un point de mire, car ses chansons vous saisissent par leur seule mélodie, mais l’écriture ici est chaleureuse, mais vide – « I’ve got you wrapped around my finger / Like a piece of ribbon / You just won’t admit it that you’re smitten » (Je t’ai enroulé autour de mon doigt / Comme un morceau de ruban / Tu ne veux pas admettre que tu es amoureux. Sur un disque qui signale tant de croissance pour beabadoobee, c’est un rare pas en arrière.

Il est difficile de trouver un article sur beabadoobee qui ne mentionne pas ses influences des années 90, et il est facile de voir pourquoi. Il y a indéniablement une trace de Liz Phair dans les albums qu’elle a sortis depuis qu’elle a signé avec Dirty Hit, et elle a parlé haut et fort des groupes qu’elle considère comme des influences pour elle, y compris des groupes comme Smashing Pumpkins et Sonic Youth. Cependant, Beatopia sonne comme un décalage dans le temps – n’étant plus redevable à l’outsider sleaze des années 90, le son de Kristi a complètement évolué vers le pop-rock des radios des grands labels des années 80. La meilleure comparaison serait peut-être Michelle Branch, qui a fait le même genre de hits pop-rock hyméniques que Kristi, des chansons qui vous supplient de crier chaque ligne en retour. Comme Branch avant elle, Kristi a exploité la puissance qui vient de la fusion de l’agression de la musique rock dans des chansons pop soignées et présentables. Bien que Beatopia soit un disque imparfait, c’est un niveau supérieur assez fort pour montrer quelque chose de, peut-être, plus que prometteur à l’horizon.

***1/2


Superorganism: « World Wide Pop »

16 juillet 2022

World Wide Pop nous offre un  bel assortiment de sons et d’énergie, et c’est la version ambitieusement bizarre de la pop de Superorganism. Subvertir la « pop » n’est pas nouveau, ce qui rend d’autant plus spécial le fait que dans une scène saturée, Superorganism ait réussi à faire quelque chose de totalement unique et – plus important encore – d’amusant. « Don’t mind me, I’m just a fruit fly that’s floatin’ on by » (Ne faites pas attention à moi, je ne suis qu’une mouche à fruits qui flotte), lance Orono Noguchi sur Into the Sun sur fond de synthés chaotiques, de batterie et d’une mélodie qui devient progressivement plus complexe et trippante. Sa voix nonchalante et caractéristique indique que, parfois, au milieu de l’absurdité et du chaos, il ne reste plus qu’à se détendre et à profiter du voyage.

Le son de WWP, tourné vers l’avenir, s’inspire davantage de l’éthique du « couper-coller » de l’âge d’or de l’indé que de l’hyperpop. En effet, la plupart des membres du groupe, désormais au nombre de cinq, originaires de Corée du Sud, du Japon, d’Australie, de Nouvelle-Zélande et du Royaume-Uni, se sont rencontrés en ligne, ce qui rend World Wide Pop d’autant plus approprié, faisant allusion à l’esprit de collaboration qui sous-tend leur travail. Bien que le maximalisme soit au cœur de ce disque (sur des morceaux comme « Solar System », on frôle parfois le trop de trop), dans l’ensemble, il trouve le juste milieu entre le chaos et la structure, la bêtise et la profondeur, et cça n’est pas un pétard mouillé

***1/2