Seedsmen to the World: « Seedsmen to the World »

13 mai 2022

Sur leur premier album, le collectif de Detroit Seedsmen to the World ralentit le temps, étirant des sons et des idées faiblement familiers en drones sombres et persistants. Composé des guitaristes Gretchen Gonzales et Joey Mazzola, du percussionniste Steve Nistor, d’Ethan Daniel Davidson au chant et au violoncelle-banjo, et de Warren Defever à l’harmonium et au tanpura, Seedsmen to the World est en quelque sorte un supergroupe de Detroit, puisque les cinq membres sont des musiciens de renom aux CV trop longs pour être évoqués ici. En tant qu’unité, cependant, le quintet fait preuve d’une chimie de groupe étonnante, chacun faisant preuve d’une intuition et d’une retenue incroyables là où il serait facile de surcharger les arrangements amorphes. L’album se compose de seulement quatre titres, chacun portant un titre d’un mot qui laisse deviner la chanson dont il s’inspire ou qu’il remodèle. Le morceau d’ouverture de près de 13 minutes, « Blood », par exemple, transforme la chanson de Bob Dylan « It’s Alright, Ma I’m Only Bleeding » en un chant funèbre menaçant. Des solos de guitare psychédéliques dérivent sur une base d’harmonium à une seule note tandis que la voix rauque de Davidson récite les paroles de l’original de Dylan dans une cadence hypnotique

« Rain » est une lecture euphorique de « Have You Ever Seen the Rain » de Creedence Clearwater Revival, livrée avec un flux semblable à un mantra. L’arrangement de la chanson équilibre les drones avec des instruments acoustiques doux et des leads de guitare électrique de bon goût, pour aboutir à une sorte de délire new age-meets-classic rock. « Home » et « Brown » s’éloignent du roots rock pour interpoler des chansons folk d’origine incertaine. « Brown », en particulier, se faufile sur 11 minutes, avec le twang profond d’un violoncelle-banjo dansant avec des nappes de guitare ambiante et de douces marées de percussions. L’album est étrange et mystérieux, mais il est avant tout subtil. Les cinq musiciens qui composent Seedsmen to the World laissent beaucoup d’espace aux autres pour ponctuer les chansons et tisser des détails intéressants dans les denses vagues de sons. Le résultat final est une sorte de folk ambiant difficile à prédire, qui passe comme une tempête passagère au début, mais qui révèle quelque chose de nouveau à chaque nouvelle écoute.

***1/2


Chelsae Jade: « Soft Spot »

12 mai 2022

Dans le nouvel album de Chelsea Jade, Soft Spot, on peut dire qu’elle a trouvé son point de chute (soft spot). Jade, née en Afrique du Sud et élevée en Nouvelle-Zélande, a sorti son deuxième album juste à temps pour les journées chaudes et les nuits de brise. Lorsque la chanteuse et productrice de 32 ans n’écrit pas et n’enregistre pas, elle danse dans les clips de Lorde ou crée des graphismes pour des groupes comme Deafheaven. Il n’y a pas grand-chose que Chelsea Jade ne fasse pas. Quatre ans après son dernier album, Jade a énormément évolué en tant qu’artiste. Tout en restant fidèle à ses racines de pop à la mode, Jade y ajoute des dimensions de cœur, de douleur et de fantaisie.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, « Soft Spot ». Ce titre de 67 secondes porte bien son nom. En prenant des sons de la vie quotidienne et en y ajoutant une lente mélodie de piano, on peut presque dire que la phrase qu’elle prononce dans le morceau est « -love you with the little love I got ». Il ne se passe pas grand-chose, mais suffisamment pour créer une expérience immersive. L’autre morceau court de l’album, « Real Pearl », qui dure 51 secondes, donne le même genre d’effet. Comme « Soft Spot », il y a une sensation aérienne et éthérée qui est bien plus qu’un simple remplissage entre les chansons.

Sur « Good Taste », on peut entendre le plaisir que Jade a pris à enregistrer et à produire le disque. Elle incorpore plusieurs instruments qui semblent avoir disparu depuis un certain temps, comme le synthétiseur et les tambours électroniques. Avec des chansons comme « Best Behavior » et « Tantrum in Duet », son son est certes distinct, mais il devient quelque peu prévisible. Malheureusement, la répétition de ces deux titres a du mal à faire passer le sens et le message que l’on cherchait à faire passer. La voix de Jade est douce et pure sur les deux morceaux, mais il n’y a pas grand-chose de dit qui mérite d’être répété. En d’autres termes, ces deux morceaux n’enlèvent rien à l’album, mais ils n’apportent rien non plus.

Les morceaux qui font passer cet album de bon à excellent, cependant, sont « Superfan » et « Big Spill ». « Superfan », le deuxième morceau de l’album, a le son d’un tube d’été. Avec ce qui semble être des douzaines de backbeats et de superpositions de voix, Jade s’harmonise avec elle-même, et elle est vraiment, vraiment bonne à cela. Les paroles sont pertinentes, percutantes et s’adressent à un public de tous âges. « Big Spill » commence par le sifflement d’une bouilloire et à partir de là, les auditeurs ne savent pas ce que Jade va faire. De loin le morceau le plus expérimental de l’album, Jade joue avec de nombreuses vitesses et fréquences différentes. Ces deux morceaux ne prennent aucun raccourci et ne sont certainement pas paresseux. « Superfan » et « Big Spill » prouvent que Jade est l’artiste qu’elle est.

Ce que Chelsea Jade a créé est une représentation brute et puissante de tout ce qu’elle a à offrir dans le monde de la musique. Cet album de 27 minutes semble passer à toute vitesse et laisse les auditeurs en redemander. Si certaines chansons manquent de diversité et de disparité, elles sont compensées par la réflexion et le sentiment général. Avec le dur labeur évident mis dans cet album, il n’y a aucun doute que Chelsea Jade aura son art dans l’œil du public pendant très longtemps.

***


The Smile: « A Light For Attracting Attention »

12 mai 2022

The Smile est un projet auquel participent Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead, ainsi que le batteur du groupe de jazz Sons of Kemet, Tom Skinner.  À la première écoute, l’album semble très proche d’un Radiohead de niveau moyen, c’est-à-dire assez bon mais rien d’extraordinaire.  L’ouverture « The Same » n’indique pas vraiment ce qui est à venir, celle-ci est largement électronique, et c’est une première chanson assez intrigante.  « The Opposite » est beaucoup plus représentatif, comme un Radiohead de l’après-guerre, un art-rock nerveux et tendu.  « You Will Never Work In Television Again » présente des guitares plus musclées de Yorke et Greenwood que ce que nous avons entendu depuis des années de la part de ces deux-là.  « The Smoke » sonne comme s’il aurait pu être sur The King of Limbs, tandis que « Thin Thing » est tout en rythmes nerveux et en guitares inquiétantes et dérangeantes.

Les chansons plus dépouillées fonctionnent généralement très bien.  « Pana-vision » a une partie de piano qui commence de manière sinistre mais qui se transforme en quelque chose de plus majestueux, ce qui leur va bien.  L’excellent « Speech Bubbles « s’ouvre sur le chant de Yorke, au sommet de son registre, qui introduit un morceau chargé de cordes et de mélancolie.  Ils sont capables d’une grande beauté dans la ballade au piano « Open the Floodgates » et dans la strate acoustique « Free In The Knowledge », toutes deux tour à tour sereines et planantes.  Plus tard, des claviers nerveux introduisent « Waving A White Flag » avant que le morceau ne se transforme en une joie au rythme glacial, tandis que l’avant-dernier morceau » We Don’t Know What Tomorrow Brings » est l’un des meilleurs ici, un morceau furtif et inquiétant qui avance à un rythme décent.  Il y a une influence certaine de Joy Division qui se glisse dans ce morceau, l’une des chansons les plus sombres mais les plus belles dans lesquelles Yorke a été impliqué.

On peut s‘interroger encore sur la nécessité d’appeler cela un projet parallèle, car il n’est pas du tout éloigné de Radiohead !  Thom Yorke semble un peu plus libre, plus détendu, mais la différence est minime.  Ce qui est probablement un compliment, c’est que cet album est aussi fort que n’importe quel album récent de Radiohead, et les fans vont certainement l’adorer.

***


Riding The Low: « The Death Of Gobshite Rambo »

11 mai 2022

Riding The Low continue de défier les genres avec son dernier album, The Death Of Gobshite Rambo. Le titre de l’album est une déclaration en soi, et ce disque de 12 pistes confirme ce nom qui fait tourner la tête, le groupe équilibrant les moments d’introspection avec des rythmes qui font tilt. L’acteur, musicien et réalisateur Paddy Considine a récemment rencontré Mark Millar sur le podcast XS Noize pour parler de son dernier album avant les prochaines dates de la tournée d’avril. 

The Death Of Gobshite Rambo s’ouvre sur « Carapace Of Glass », l’un des deux singles du projet. L’intro est une houle de guitares flastées désorientantes et Considine plonge directement dans ce morceau en chantant « I struggle in relationships / I struggle to be myself »(J’ai des difficultés dans mes relations / J’ai du mal à être moi-même). La simplicité et l’honnêteté des paroles traversent l’album et constituent une base solide pour la chanson. Considine explore ses défauts et ses problèmes sur un lit de batterie stable et un accompagnement de guitare clairsemé dans ce numéro. 

« Wake Me Up When It’s Over » suit et oriente le disque dans une direction plus lourde. Avec des guitares distordues musclées et une faible contre-modalité de violon aiguë, Considine joue avec l’existentialisme dans ce morceau épique. Les couplets moelleux se juxtaposent joliment au refrain entraînant, qui a un côté paradoxal. « Si ce sont les meilleurs moments de notre vie / Réveillez-moi quand c’est fini », chante Considine. Avec une guitare acoustique infusée au phaser, un cor sinueux et une voix off énigmatique, Riding The Low mène la chanson à son apogée avant qu’elle ne se termine par un dernier refrain contagieux.

« Live From The Tramp Fights » a une forte connotation de rock classique, Riding The Low s’imprègne du son grinçant des années 60 et du style lourd des années 70. Parsemé de cornes et mettant en vedette la voix déformée de Considine, ce morceau est dynamique et diversifié. « Tommy Hawk » suit avec un son blues distinct, et une ambiance Far West. En créant un personnage fictif avec un jeu de mots sur « Tomahawk », Considine trace l’histoire d’un personnage à la morale douteuse et au passé trouble comme un commentaire en passant sur la nature humaine.

 » By-Product of the Last Flats » est l’un des morceaux les plus intéressants de l’album, car le groupe combine le grunge et l’indie avec Considine dans sa voix la plus erratique. Cela s’insinue dans l’oreille et en fait un morceau qui est aussi déroutant qu’infectieux. « Black Mass « , le premier single de l’album, plonge dans le son rock des années 90 pour une chanson acoustique qui inclut Considine dans son émotion la plus envoûtante. 

La chanson titre fait office d’avant-dernière piste de ce disque captivant avant que « Truth Is All I Have » ne vienne clore l’album avec un moment « briquets en l’air ». C’est un véritable hymne de festival, avec un refrain entraînant, complété par un riff lourd et des guitares distordues qui donnent au morceau une dimension supplémentaire. 

The Death Of Gobshite Rambo explore certaines des pensées les plus chères à Considine et équilibre ses paroles perspicaces avec des morceaux de rock percutants. C’est le disque parfait pour une écoute de fin de soirée, et chaque chanson a le potentiel pour devenir un incontournable des festivals alors que nous entrons dans le premier été de musique live depuis 3 ans. 

***1/2


Peaness: « World Full Of Worry »

11 mai 2022

Pour une fois, lorsque le communiqué de presse utilise l’expression  » longuement attendu  » pour parler d’une nouvelle sortie, on ne peut qu’être d’accord à 100% car ce premier long player du trio de Chester Peaness donne l’impression d’être en route depuis une éternité. Mais ne nous en plaignons pas, il est là et il est étonnant ; ce qui mérite bien qu’on y plonge. World Full Of Worry démarre avec la strate acoustique relativement douce de  » Take A Trip « , une chanson pleine de douceur et d’innocence mais aussi d’une tristesse palpable. L’ancien single  » Kaizen  » augmente considérablement le niveau d’énergie avec ce que l’on ne peut décrire que comme de l’indie-pop punchy et guillerette qui fait mouche. Ces guitares hachées sont de nouveau au premier plan sur  » How I’m Feeling « , une chanson qui parle d’une relation ou d’un travail qui n’est pas satisfaisant et qui détruit l’âme, et dont il faut sortir. Nous sommes tous passés par là, non ? 

La basse massive de  » Girl Just Relax  » est rapidement équilibrée par le riffage paresseux des guitares et vous vous retrouvez au milieu d’un diagramme du mathématicien Venn des années 90, entre Britpop, Shoegaze et Grunge, et vous vous sentez vraiment, vraiment chez vous.

Un de nos morceaux préférés de 2022 est le récent single  » irl  » qui met le  » pop  » dans l’indie-pop avec les harmonies vocales mélodiques de Jessica Branney et Carleia Balbenta formant un puissant rayon de positivité visant directement votre cœur. Le titre intermédiaire  » Doing Fine  » ressemble à l’enfant orphelin de Lush et Bis, tandis que  » Worry  » ressemble à un titre de Long Blondes qui se serait perdu dans le dossier d’un fauteuil vintage.

L’une des merveilles de cet album est qu’il donne l’impression à l’auditeur de rajeunir grâce à l’énergie et aux mélodies de chansons bien construites. La chanson douce ‘Left To Fall Behind’ est empreinte d’une nostalgie lourde avec des lignes telles que « hoping for the best, preparing for the worst » (espérer pour le meilleur, se préparer pour le pire) avant que ‘Whats The Use ? L’avant-dernier morceau,  » Hurts ’til It Doesn’t « , a un côté Looker qui me ramène aux nuits passées sur Kilburn High Road, avant que l’album ne se termine sur le très explicite  » Sad Song « , qui sera joué en boucle par de nombreux jeunes indé lorsque leur relation actuelle connaîtra une fin insatisfaisante. C’est un grand album indé et on peut imaginer beaucoup, beaucoup de gpersonnes le garder près de leur cœur pour un vertain bout de temps en raison du soin, de l’énergie et de la joie pure qui ont été versés dans chaque morceau. Pas mal pour un début. 

***


Niagara Moon: « Good Dreams »

11 mai 2022

Le groupe folk et fantasque  qu’est un Niagara Moon, mené par Thomas Erwin, sort son tout nouvel album, Good Dreams, dont le thème est l’esprit sur la matière. Composé d’une douzaine de titres, le disque évoquera Pet Sounds ou The Soft Bulletin, mêlant textures classiques et pop symphonique.

Good Dreams est le résultat de l’insomnie de Thomas Erwin en pleine quarantaine, provoquée par un sentiment d’incertitude et d’isolement immersif. Pour trouver le sommeil, Erwin a fait ce qu’il faisait quand il était enfant, imaginant de grandes lettres gonflées épelant les mots « Good Dreams ».

La notion de l’esprit sur la matière apparaît souvent au cours des 12 chansons de l’album. Après quelques années passées à lutter pour trouver leur son avec un arrangement plus conventionnel, Niagara Moon a embrassé l’orchestre électronique qui vit à l’intérieur de leur Mac Mini. Ainsi, Good Dreams est devenu un livre d’histoires baroque en technicolor et une échappatoire bienvenue aux moments plus difficiles de ces dernières années.

L’album commence par « Bad Vibes », une chanson sur la peur et la désinformation. Elle s’ouvre sur un piano étincelant surmonté de couleurs orchestrales vives, tandis que la voix veloutée d’Erwin imprègne les paroles de tonalités savoureuses. Rappelant vaguement la musique pionnière des dernières chansons des Beatles, les harmoniques s’élèvent et se retirent sur des teintes vives et flottantes.

« Who Needs Who » voyage sur de délicieux leitmotivs sur la pointe des pieds, pleins de sons vifs et scintillants. Ici, la voix d’Erwin donne aux paroles des timbres joyeux, comme si l’on faisait une promenade insouciante dans un parc par une journée ensoleillée.

L’ambiance lumineuse et aérée de « Surprise For You » offre aux auditeurs une légèreté aérienne, pleine d’accents percolants et de voix soyeuses et douces. « Hindsight », une chanson sur la perte de la jeunesse et de la liberté, présente des harmoniques plus sombres mais toujours lustrées, ondulant avec des cordes lumineuses.

« Sink Or Swim » s’ouvre sur des sonorités émergentes et florissantes et se transforme en une mélodie gracieuse, avec un piano doux et scintillant surmonté d’accents platine et de cordes en cachemire. Le dernier morceau, « Boxed In », reflète le sentiment menaçant engendré par les limites et la claustrophobie de la pandémie. Une humeur lugubre et persistante imprègne les harmoniques, donnant à la chanson une sensation latente de Cauchemar avant Noël.

Simultanément somptueux et innovant, Good Dreams offre une expérience d’écoute unique et séduisante.

***1/2


P.E.: « The Leather Lemon »

10 mai 2022

Person, le premier album de P.E. en 2020, débordait d’une inspiration qui ne peut être planifiée avec soin. Essentiellement le résultat d’un concours de circonstances – des membres de Pill and Eaters (d’où : P.E. ) formant un nouveau groupe lorsque les formations complètes de l’un ou l’autre groupe n’étaient pas disponibles pour un concert programmé – Person était un produit de l’électricité et de la spontanéité, ses grooves post-punk industriels nés de sessions improvisées et de jams dancepunk qui, lorsqu’on leur donne la poésie surréaliste hypnotique de Veronica Torres et l’éclat du saxophone de Benjamin Jaffe, transcendent l’idée de jam session punk, se transformant en joyaux pop d’avant-garde avec juste ce qu’il faut de polissage et de montage.

Sur leur deuxième album, The Leather Lemon, P.E. commence avec un ensemble d’outils similaires et une approche relativement libre, mais le résultat final est un peu différent de leur précédente expérience de laboratoire. Ils creusent des sillons plus profonds et exploitent des textures plus sombres, se délectant d’une sorte d’ivresse, d’exaltation nocturne – ces chansons ne sont pas tant plus lourdes que plus denses, tous les éléments qui s’étaient réunis sur Person se calcifiant maintenant en un solide cristal.

La première chanson de The Leather Lemon, « Blue Nude (Reclined) », est en quelque sorte une pièce maîtresse. Sa ligne de basse hypnotique à deux notes ne change que rarement, voire jamais, mais sa pulsation minimaliste fournit une toile texturée sur laquelle le saxophone de Jaffe se déchaîne, tandis que les claquements de mains de la boîte à rythmes claquent et claquent, et que Torres truffe la chanson de déclarations ludiques et obliques comme « French kiss to keep the peace ». Mais il a à la fois une direction et un élan, structuré pour le jeu en club autant que pour les écouteurs – tant que P.E. continue à avancer, il n’y a aucune raison pour que vous vous arrêtiez.

Alors que Person ressemblait en grande partie à une réduction des idées musicales destinées à des mixes de 12 pouces – ou à des fragments de ces mixes – les morceaux de The Leather Lemon semblent plus serrés et plus rationalisés, même si le groupe évite largement les structures de chansons conventionnelles. La plupart du temps, en effet, le banger industriel funk-and-clang « Contradiction of Wants » comprend en fait deux véritables ponts. Et la superbe pièce maîtresse de l’album, l’élégante ballade sophistiquée et pop « Tears in the Rain », avec Andrew Savage de Parquet Courts, est le P.E. le plus adaptable, embrassant une sorte de beauté élégante qui semble à la fois fraîche et fidèle à leur esthétique. C’est sublime.

Bien que P.E. se soit plongé dans le groove hypnotique, il y a encore beaucoup de choses sur The Leather Lemon qui témoignent de leurs origines imprévisibles et expérimentales, que ce soit la cacophonie percussive de  » New Kind of Zen « , le morceau de piano ambiant  » 86ed  » ou le minimalisme breakbeat de  » Lying With the Wolf « . Dans leurs moments les plus étranges ou les plus propulsifs, il y a une physicalité qui semble suggérer que leur acronyme n’est pas limité à une signification littérale. P.E. est toujours en mouvement.

***1/2


Silverstein: « Misery Made Me »

9 mai 2022

Il y a deux ans, nous avons émis l’hypothèse que le plutôt moyen A Beautiful Place to Drown n’était qu’une documentation inutile de Silverstein drainant toute sa sensibilité pop dans un projet avant de revenir à de plus grandes et meilleures choses. Même si je suis un visionnaire incroyablement brillant et humble, je n’avais que partiellement raison. Alors que le tout nouveau, Misery Made Me, est nettement meilleur que son frère un peu plus âgé, l’amélioration n’est pas due au fait que le nouvel album est plus lourd et moins pop-centrique ; c’est plutôt parce que l’écriture des chansons est marginalement meilleure. Mot clé : un peu mieux.

Au fur et à mesure que les années 20 progressent, il devient douloureusement clair que Silverstein… n’est plus aussi génial. Bien sûr, les Canadiens sont encore capables de produire un banger absolu sous la forme de « Die Alone », mais la majorité de Misery Made Me voit le groupe masquer des chansons fades avec des choix de production plus grands que nature et d’autres astuces peu convaincantes. Faire suivre les paroles profondément inspirantes  » I don’t care, I don’t care, I don’t care  » d’un  » YEAH !  » ne masque pas exactement les défauts flagrants de  » Our Song  » ; de même,  » The Altar/Mary  » se tire une balle dans le pied avec un pistolet à eau en contrastant des couplets d’une excellente intensité avec un refrain chargé d’effets très discutables. L’atmosphère recherchée par le groupe n’est tout simplement pas là, car aucun élément n’a le temps et l’espace nécessaires pour se développer en quelque chose d’attachant. Ailleurs, ‘It’s Over’ s’appuie trop sur un riff peu inspiré tandis que ‘Don’t Wait Up’ sous-utilise son excellent riff, illustrant parfaitement l’incompétence de l’album : les bons ingrédients sont peut-être là, mais Silverstein semble avoir perdu la recette.

Malgré cela, Misery Made Me est un album parfaitement écoutable. À l’exception de  » Die Alone « , ses meilleurs moments sont essentiellement des moments épars. Le refrain de  » Ultraviolet  » est une tranche de pop rock très agréable ;  » Cold Blood  » fournit une bonne toile pour la voix de Shane Told, à défaut d’autre chose ;  » Misery  » se construit jusqu’à un point culminant quelque peu inattendu, en dépit de ses paroles terriblement peu inspirées. Si Misery Made Me est peut-être un meilleur album que A Beautiful Place to Drown, il est aussi plus explicitement déprimant à l’écoute : il confirme que les Silverstein, autrefois admirablement fiables, ne sont plus capables d’écrire un bon disque de manière constante. La lourdeur ne peut pas masquer la fadeur : de plus, la lourdeur ne peut pas excuser une énième mélodie de refrain forcée lorsqu’elle n’est pas accompagnée par le riffage caractéristique du groupe. Chose étonnante : la misère n’est pas chose très amusante.

***


Häxenzijrkel: « Urgrund (Amor Fati) »

9 mai 2022

Les 27 premières minutes d’Urgrund, le nouvel album du groupe de black metal allemand Häxenzijrkell, constituent un vortex sonore soutenu. Les riffs mid-to-down-tempo grondent et hurlent, imitant les sons des glaciers qui vêlent ; le tonnerre percussif est précis, et bien que les coups soient épargnés, ils se répercutent avec une force considérable. Les structures mélodiques des chansons sont simples, mais elles sont vraiment mélodiques, conférant aux maelströms de « Die Entschleierung » et « Von Zeit und Form » une puissance magnétique. Ces chansons vous attirent et vous aspirent vers le bas, dans des profondeurs sombres et délibérément tourbillonnantes. Comme l’indique le titre de « Die Entschleierung », on a l’impression que quelque chose est en train d’être révélé, un message cryptique qui se fraye un chemin à travers l’encre de ces profondeurs. L’expérience est lourde, musicalement et par rapport à un sentiment dominant de profondeur pesante. En un mot : Yikes.

Alors, quelques autres mots : Urgrund, Entschleierung, Zeit, tous philosophiquement épais, et l’allemand fait sonner les choses comme Heideggerian. On s’imagine beaucoup de montagnes alpines brumeuses, de fourrés spirituellement impénétrables, de longs discours obscurs sur des concepts comme « dwelling » et « Dasein ». Il suffit d’un ciel nocturne, d’une file de skieurs portant des torches et de Leni Riefenstahl, les joues rouges, pour ouvrir la voie.

Ce sont des noms lourds de sens, indiquant des degrés divers de collaboration avec l’aile culturelle du Troisième Reich – et probablement sensationnels, des fruits mûrs à cueillir dans le contexte du black metal. Ce chroniqueur n’a aucune idée de la position du duo (identifié seulement comme P et MK, dans le style cultissime du black metal) de Häxenzijrkell dans les schismes actuels NSBM/RABM, si tant est qu’il en ait une. De nombreux groupes se sont déclarés Artistes (mon A majuscule, avec une pointe d’ironie), installés dans des espaces élevés, au-dessus de la mêlée mesquine de la politique. Désolé, les amis : si c’est social, et surtout si de l’argent change de mains, c’est politique.  

Qu’en est-il de la musique ? Elle est plutôt bonne, bien qu’un peu moins dynamique sur le plan stylistique. Le troisième et dernier morceau du disque, « Der Pfad der Finsternis » (pour nous : « Le chemin des ténèbres »), accélère le rythme en une marche forcée, qui se transforme bientôt en trot. Celui des deux membres du duo, MK ou P, qui est chargé des fonctions vocales, grogne et crie beaucoup. Les guitares intensifient toute la menace soutenue. Ce qu’il y a de mieux dans Häxenzijrkell, c’est peut-être le son que produit MK, qui est à la fois d’acier et de fonte. Pas « acier fondu » ; il ne coule pas tant qu’il croustille. Les guitares sur Urgrund sonnent comme de l’acier déchiré au milieu d’une activité volcanique volatile. C’est un son irrésistible avec lequel on s’attardera volontiers, et pendant de longues périodes. 

***1/2


Stranger Dreams: « After The Raven Has Died For The Dove »

9 mai 2022

 « Defiant » est le son d’aujourd’hui: Stranger Dreams a sorti le premier single de leur nouvel album, After The Rave Has Died For The Dove, qui est sorti via Unknown Pleasure Records et Crunch Pod. et à cet égard, c’est un bijou de rock gothique, datant de 2022, qui suit les lignes des piliers du dit genre en modela vieille école. Un son compact, des guitares tranchantes et une voix profonde et sombre exceptionnelle.

Il n’y a pas d’histoire heureuse derrière les rockeurs gothiques américains, Stranger Dreams. Le groupe a été formé en 2008 par le producteur de musique électronique Karloz.M, mais il s’est rapidement mis en sommeil après la sortie de son premier EP, la même année. 13 ans plus tard, en 2021, on retrouve Stranger Dreams dans la compilation hommage à The Sisters Of Mercy et The Sisterhood, HONORIS II TRIBUTE TO THE SISTERS OF MERCY & THE SISTERHOOD. Leur reprise de « Driven Like The Snow » est l’un des points forts de la compilation, et les influences sont évidentes.

Avant cela, Stranger Dreams a été ressuscité en 2018, lorsque Karloz.M a trouvé l’homme qui serait son partenaire dans ce voyage froid, dark wave, goth rock, le guitariste Seamus Simpson. Leur amour mutuel pour les sons sombres les conduit à commencer la création de l’album After The Rave Has Died For The Dove. Alors que le duo est en train d’écrire et d’enregistrer, la pandémie de 2020 les oblige à reprogrammer la sortie de l’album pour l’automne 2021, afin de terminer les enregistrements et la production après la fin de la fermeture. Tragiquement, le vendredi 25 juin 2021, le guitariste Seamus Simpson est décédé soudainement de complications cardiaques, moins de 72 heures après avoir entendu et approuvé les nouvelles versions des chansons sur lesquelles la paire avait travaillé auparavant.

Suite à cet événement tragique, Karloz.M, ainsi que sa collègue musicienne Amoreena Stout, ont réussi à rassembler tout le travail que le groupe avait fait jusqu’alors. After The Raven Has Died For The Dove comporte plus de 21 guitares différentes dans son intégralité. Le titre et la pochette de l’album ont été décidés avant la mort de Seamus, et c’est une coïncidence étrange. Pourtant, l’album est à la fois une dédicace et un monument à la mémoire de Seamus Simpson, à son don inestimable et à son amour inébranlable de la musique.

***1/2