Luke Jenner: « 1 »

Le premier album solo de Luke Jenner, le leader de Rapture, s’éloigne de la dance-punk pour un voyage autobiographique onirique et stylistiquement diversifié à travers les traumatismes de l’enfance. 1 recontextualise et déstigmatise des thèmes extraordinairement compliqués (violence, abus, addiction et abandon) dans une série de paysages sonores étonnamment brillants, souvent de couleur pastel. 

Du début de l’album « A Wonderful Experience » », influencé par Pink Floyd, jusqu’aux derniers moments de l’album About to Explode, plus proche et plus chatoyant, cet opus est parsemé de bribes d’enregistrements de voix de la famille et des amis de Jenner. Ces échantillons recentrent constamment l’attention de l’auditeur et fournissent une sorte de méta-commentaire/superstructure transitoire qui propulse l’album vers l’avant. 

Les fans de The Rapture devraient immédiatement écouter « If There is a God » et la jam de 10 minutes nommée « All My Love », deux chansons qui traitent directement de la foi et de la résilience et qui semblent s’inspirer de certains morceaux de 2011 du disque de The Rapture, In the Grace of Your Love. Mais le véritable centre émotionnel de 1 est le « single » principal « You’re Not Alone », une ballade sérieuse et sobre au piano qui rassure, soutient et encourage à survivre.

***1/2

Another Sky: « I Slept On The Floor »

Inspiré par six années d’un style de vie en constante évolution, le premier album du quartet londonien art/indie Another Sky I Slept On The Floor est sur le point de sortir et, avec lui, la première étape d’un nouveau chapitre pour le groupe. En taquinant leurs fans toujours plus nombreux avec leur récent « single », « Fell In Love With The City », le son unique et créatif d’Another Sky a fait leur renommée ces dernières semaines, le « single » ayant reçu des éloges dans tous les bons cercles.

En guise de dégustation de l’album, ce ne pouvait pas être un meilleur apéritif. Entrecoupant des moments plus doux avec des rafales de moments indés plus durs, il ne faut pas attendre longtemps avant de réaliser que vous allez devoir y prêter attention pour l’apprécier pleinement. Ce n’est pas un album rempli de « singles » à succès jetables, c’est un album qsur lequel vous devez vraiment consacrer votre temps à l’écoute. Prenez la chanson « Brave Face » ; un titre qui vous tient en haleine dans l’espoir d’un crescendo massif ou la chanson-titre où le côté plus artistique du groupe est mis en avant.

Ayant grandi dans une petite ville de piquets de grève avant de s’installer à Londres, ce dernier morceau montre comment ce changement de vie a ouvert la voie à l’expérimentation pour la chanteuse Catrin Vincent. En fait, il y a beaucoup de moments comme celui-ci tout au long de l’album, comme le merveilleux et unique « Life Was Coming In Through The Blinds », un morceau qui commence par un doux jeu de piano et qui se termine en ressemblant à quelque chose que l’on entend dans un film d’Art House.

Honnêtement, il est difficile d’identifier des détails précis sur cet album. Compte tenu du parcours qui a mené Another Sky jusqu’ici, « I Slept On The Floor » est un morceau de travail qui doit être apprécié comme un morceau de travail complet. Faites-le et investissez le temps et les efforts nécessaires dans l’album et vous serez récompensé par un album vraiment unique. Avec la voix fantastique de Vincent qui entre et sort des paysages sonores cinématographiques que le groupe crée, « I Slept On The Floo » » est un album qui, pour ceux qui en ont le temps, vous laissera complètement envoûté.

***1/2

The Mute Gods : « Atheists and Believers »

En quelques années seulement, The Mute Gods – le trio de Nick Beggs, Roger King et Marco Minneman – a rassemblé un catalogue impressionnant de chansons qui mettent en valeur non seulement la musicalité avancée des musiciens du collectif, mais aussi une perspective lyrique toujours aussi sombre qui pourrait rivaliser avec le plus lourd de l’industrie. Alors que Tardigrades Will Inherit the Earth en 2017 était une sortie plus sombre et plus agressive que le premier Do Nothing Till Hear From Me en 2016, Atheists and Believers marque un changement vers un état d’esprit encore plus ésotérique mais non moins dénonciateur ou prudent ; fidèle au nom même du groupe, ce troisième album aborde la nature malhonnête et carrément calomnieuse de la religion et de la politique, tout en pointant le doigt proverbial sur une population trop heureuse de renoncer à la pensée rationnelle et intelligente pour un faux confort. C’est particulièrement le cas de l’épopée et de la symphonique qu’est « Twisted World Godless Universe », dont les parole «  Tu es fait pour tout foirer, C’est tout ce que tu fais » (You’re designed to screw, it’s all you do) prennent un double sens, en se référant non seulement aux menteurs, mais aussi à ceux qui sont prompts à les croire. Tel a été le modus operandi des diatribes de Begg sur les trois albums du groupe, le venin thématique étant compensé par les arrangements luxuriants et progressifs qui démentent l’attrait inhérent des morceaux.

Par exemple, les rythmes bégayants d’ « Iridium Heart », renforcés par une guitare trapue, une basse douce et les leads fluides du synthétiseur de King, évoquent un ton pernicieux mais résolument pop sous le chant guttural de Begg, tandis qu’ue accroche spatiale et quelques passages mélodiques intrigants et plutôt décalés relèvent du domaine du progressif/rock, la chanson se terminant par la ligne « Regarde ce qu’on t’a appris » (Look at what you were taught) comme pour accuser l’auditeur du genre de complaisance que cet album critique.

De même, des titres comme « Envy the Dead », « Knucklehead », l’instrumental « Sonic Boom » et même la première piste du titre incorporent des éléments de diverses formes d’electronica, de la drum & bass à la beatbox et un peu d’industriel, pour ajouter une couleur tonale au milieu des styles de rock plus purs, « Envy the Dead » étant particulièrement inspiré alors que le pont prend une allure carnavalesque avec un spoken word sinistre qui donne naissance à un joli solo de clavier tout droit sorti de la scène prog des années 70. Le légendaire Alex Lifeson de Rush prête son talent avec des couches cristallines de guitare acoustique et de mandoline sur « One Day » alors que Beggs chante « Life is a chemical reaction », ce qui constitue l’un des points culminants du disque, tandis que les sons sereins des flûtes, du saxophone et de la clarinette basse de Rob Townsend sur des moments plus calmes comme « Old Men » et le « I Think of You » qui clôt le disque empêchent le processus de trop s’enfoncer dans le genre de rage nostalgique qui a défini une grande partie de l’album précédent. Bien qu’il ne s’écarte pas de façon spectaculaire des deux premiers albums, Atheists and Believers est probablement mieux perçu comme la conclusion d’une trilogie, un cycle d’introduction à la marque de pop/rock progressive de The Mute Gods. L’urgence lyrique n’est pas moins évidente, bien que cet album permette à la musicalité de briller avec un ton plus brillant et plus réfléchi qui attire l’attention sur le sens de l’ironie et de la colère de Begg ; néanmoins, on ne peut pas écouter The Mute Gods et dire qu’ils n’ont pas été dûment  avertis.

***1/2

Twin Tribes : « Ceremony »

Ce duo de Brownsville, Texas, délivre un son gothique nostalgique et traditionnel qu’il approfondit sur ce deuxième abum, Ceremony. Avec des riffs de guitare courageux trempés dans le delay et des voix enfouies dans la réverbération, l’influence de légendes gothiques telles que The Cure et The Sisters of Mercy est emblématique du son de la musique de Twin Tribes. Luis Navarro et Joel Nino, Jr. gardent un peu de mystère sur les origines de leur groupe, mais ce qui est apparent, c’est leur influence sur la scène gothique actuelle. Le style visuel frappant mais discret, associé à leur musique propre et dansante, rend le groupe difficile à ignorer. La cérémonie commence par une intro sombre et rêveuse, intitulée « Exilio ». Comme la chanson ne suit pas la structure traditionnelle des compositions lambdas, le début de l’album a une qualité cinématographique, ce qui donne l’ambiance des morceaux à suivre. Moody et mystérieux, « The River » regorge de synthétiseurs de rêve, de chants atmosphériques et de guitares magnifiquement obsédantes qui montrent à quoi les éléments de la grande musique gothique des années 80 auraient pu ressembler avec une production moderne de qualité, ce que des groupes populaires comme Drab Majesty ont fait ces dernières années. Le chant est plus direct que sur certains autres morceaux et les guitares, bien qu’elles ne manquent pas de retard, sonnent clairement et sont présentes.

L’aspect percussif laisse beaucoup à désirer, mais la nature simpliste fonctionne bien avec ce style de musique qui se concentre plus sur l’humeur que sur la dynamique. « Obsidian » est un morceau down-tempo et mélancolique qui rappelle « Charlotte Sometimes » de The Cure. La voix et les sons atmosphériques inversés et rééchantillonnés se succèdent en cascade comme des vagues. Le kick est lourd et l’ambiance aussi. Le dernier morceau, « Shrine », se démarque du reste par un rythme de swing différent de celui des autres chansons, et il y a un air de nostalgie dans la façon dont le chant est prononcé – chanté beaucoup plus doucement que le reste, le chant replié et enfoui dans un brouillard de réverbération, ce qui ajoute à la nature mélancolique du morceau. « Shrine » sonne comme si elle convenait bien à la fin d’un film gothique de John Hughes. Twin Tribes ne sort pas des sentiers battus, mais Navarro et Nino font un sacré bon travail pour briller à l’intérieur. Leur force réside dans la création d’une ambiance, même s’ils peuvent parfois trop ressembler à d’autres artistes. Cela étant dit, leur avenir semble prometteur. Ils savent certainement comment écrire de bonnes chansons et créer une ambiance visuelle derrière eux qui peut nous laisser curieux, de voir ce qu’ils trouveront ensuite.
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The Districts: « You Know I’m Not Going Anywhere »

The Districts ont fait intrusion sur les radars en 2017, avec leur opus folk-punk Popular Manipulations, une marque de rock bien ancrée et déchirante, qui a ébranlé maints auditeurs. Ils ont clairement mis tout leur cœur dans ce disque, qui a fini par ressembler ce type d’album où vous efforceriez de récupérer votre ex si vous trouviez les bons mots. C’est le genre de disque parfait pour les moments de tristesse, un compagnon quotidien.

You Know I’m Not Going Anywhere est un disque d’un genre différent. Il est toujours évocateur de toutes ces mêmes images : « Hey Jo » est un chant de désespoir qui évoque une rupture brutale, « Changing » affiche un hymne d’une tristesse profonde qui fait allusion à l’anxiété sous-jacente qui anime le titre ; « Comme un monte-charge qui s’enfonce lentement sous terre… je ne peux pas continuer à chanter, tout le monde change » (Like some freight elevator slowly sinking deep underground…I can’t keep on singing, everybody’s changing), et « 4th of July » offre une morbidité d’une beauté absolue ; « Nous avons laissé nos corps sur la rive / et quand la marée est montée, ils ont coulé / dans la lueur de la lune bleue… » (We left our bodies on the bank / and when the tide came in they sank / into the blue moon’s glow…). L’atmosphère centrale de morosité et d’angoisse est toujours aussi palpable – mais alors que Popular Manipulations esonne comme sorti d’un bar, You Know I’m Not Going Anywhere projette sa douleur sur le grand écran. Le climat est presque cinématographique en matière de progression et de production, rayonnant d’un éclat brillant qui rend le tout plus histrionique et ambitieux que ce que l’on pouvait imaginer venu du combo.

En tant que tel, You Know I’m Not Going Anywhere est de loin l’enregistrement le plus aventureux du groupe sur le plan sonore à ce jour. « Sidecar » s’écrase ainsi à travers le mur à un rythme effréné qui explose avec des vagues de travail énergique à la guitare, des gémissements de falsetto et des oohs mélodiques, tandis que  » »All The Horses Go Swimming » s’ouvre avec un accordéon qui se fond progressivement dans une piscine cristalline d’ambiance de cordes. « Descend » est l’un des morceaux acoustiques les plus lucides, chaque guitare pastorale résonnant avec la clarté d’une ballade folk à la Sufjan Stevens, avant que le tout ne se transforme en un tourbillon d’effets sonores et de bourdonnements vocaux. « Dance » tremble et s’agite avec de fortes vibrations orientales, rapidement rejointes par des interjections de synthétiseurs. L’ouverture « My Only Ghost » ressemble presque à un hymne des Fleet Foxes. Le spectre des influences serait ridicule si le chanteur Rob Grote ne faisait pas le lien entre les deux, avec ses croons et hurlements émotionnels.

Le quatrième album de The District marque un nouveau chapitre dans leur carrière. Il les voit émerger des recoins sombres et obscurs de Popular Manipulations avec une vigueur nouvelle, accompagnée d’une dynamique sonore qui n’existait pas auparavant dans leur musique. C’est un événement capital ; c’est comme s’ils prenaient l’air déprimant de Frightened Rabbit, le faisaient tourbillonner avec un penchant de The National pour les crescendos géants, puis exécutaient le tout avec le bombardement d’un album de Killers. Ce n’est pas forcément aussi déchiqueté ou aussi bon marché que les précédents albums du groupe, mais c’est aussi beaucoup plus divertissant. You Know I’m Not Going Anywhere est une percée pour The Districts, une preuve que, eux, vont bien quelque part.

***1/2

Eternell: « Imagined Distances »

De nombreux fans de ce qui relève généralement des différents genres de musique électronique comme leur genre préféré y sont proprement et strictement cloisonnés. D’autre part, un certain nombre d’artistes électroniques eux-mêmes aimeraient s’étendre sur quelques genres, tout en respectant les goûts des fans. Une façon d’y parvenir est de prendre autant de pseudonymes que nécessaire. Ils peuvent couvrir autant d’idées musicales qu’ils le souhaitent et les fans peuvent avoir leurs propres catégories intactes en même temps. Le musicien suédois Ludwig Cimbrelius est l’un de ces artistes. Il a enregistré sous son propre nom mais aussi sous les noms d’Alveol, Surr, Rust, Illuvia, Ziyal, Xpire. Mais ses projets les plus connus sont réalisés sous le nom de Purl (une techno d’ambiance/dub très habile) et Eternell.

Il semble que ce dernier soit son préféré, puisqu’il dirige sous ce nom une maison de disques qui propose des ambiances longues, profondes et méditatives. Aucune exception à cet effet sur son dernier album Imagined Distances pour les spécialistes grecs de l’ambient Sounds In Silence.

Si quelqu’un qui n’est pas familier avec le genre devait relier le titre de ce classique de The Orb, « Little Fluffy Clouds », ce serait l’un des six titres de ce disque. Pour ceux qui sont plus impliqués dans l’ambient, les excursions de Chuck Johnson à la guitare ambient pedal steel sont la comparaison la plus proche.

Pour certains, les nuages ambiants d’Eternell sont peut-être un peu trop pelucheux. Souvent, ce genre de musique d’ambiance peut dériver dans la catégorie New Age, que beaucoup redoutent. Franchement, il n’y a rien de mal au New Age, tant que vous ne mettez pas trop de sucre dans votre thé à la camomille (musical).

Mais la musique de Imagined Distances a une sensation naturelle et ne se transforme jamais en sucre d’orge musical. Elle est conçue pour être exactement ce que dit le titre, des espaces imaginés, plus agréables, à une distance plus grande de certains des faits les plus cruels de la réalité autour de l’auditeur.

***

Alanis Morissette: « Such Pretty Forks In The Road »

Les fans d’Alanis Morissette sont un groupe de personnes patientes. Il y a presque exactement huit ans que son dernier album Havoc & Bright Lights est sorti et il n’a pas été des plus populaire parmi lesdits fans. On peut même dire qu’elle est au mieux de sa forme quand elle a à se défouler de ses propres démons à se défouler. Si on prend son album révolutionnaire Jagged Little Pill on ne trouvera nulle part un album aussi chargé d’angoisse. Cela a bien sûr joué en sa faveur, se vendant à plus de trente millions d’exemplaires dans le monde entier. Puis il y a eu Flavours of Entanglement, un album triste de chutes post-rupture qui ferait honte à des gens comme Adele et Swifty.

Havoc & Bright Lights a vu un son beaucoup plus doux sans le contenu lyrique de son précédent travail. L’époque où l’on s’en prenait aux gens dans les théâtres est révolue, remplacée par des chansons sur la spiritualité et la maternité. Il y avait quelques belles chansons, mais elles étaient loin d’être aussi satisfaisantes que son travail précédent. 

Le premier « single » extrait de cet album, « The Reasons I Drink », marque un retour triomphal à la forme, qui semble être sorti de nulle part à la fin de l’année dernière, offrant à ses fans un cadeau de Noël anticipé. Depuis lors, elle n’a cessé de laisser tomber des morceaux ici et là jusqu’à la sortie éventuelle cette semaine de Such Pretty Forks In The Road.

L’album démarre avec « Smiling » un morceau où les plus observateurs remarqueront que, comme c’est souvent le cas, le titre de l’album est tiré des paroles d’une des chansons, qui est en l’occurrence ce morceau d’ouverture. « Smiling » est une toute nouvelle chanson écrite pour la production scénique, basée sur la musique de Jagged Little Pill. Bien que la composition s’inscrive parfaitement dans cette ère de la carrière de Morissette, cet album n’est pas pour autant un autre Jagged Little Pill. Il s’agit d’une collection de chansons beaucoup plus poignantes, réfléchies et discrètes. Jamais autant que sur « Diagnosis », une ballade piano/voix qui met en vedette des paroles de pochette parmi les plus émouvantes depuis Flavours of Entanglement. La chanson aborde les thèmes de la maladie mentale et évoque le genre de réaction émotionnelle pour laquelle elle est connue lorsqu’elle est au mieux de sa forme. Je suis sûr que tous ceux qui ont vécu ce genre de choses pourront s’identifier aux paroles. Le thème émotionnel se poursuit à travers un certain nombre de morceaux comme « Missing The Miracle » et « Her ».

Plus édifiantes dans leur production, des chansons comme « Sandbox Love » et « Ablaze » montrent que Morissette est tout aussi capable de produire un excellent morceau pop, qui résiste à ceux des albums précédents « So Called Chaos » et « Under Rug Swept ».

Morissette est à jamais la conteuse, avec l’amour de fourrer plus de mots que nécessaire dans ses phrases. Rien n’a changé sur cet album. Il a toujours le son qui lui est propre, mais il a évolué par rapport à ses précédents travaux. Alors qu’une grande partie de son travail résume une certaine époque de sa vie, Such Pretty Forks In The Road se lit davantage comme l’histoire d’une vie, couvrant un plus large éventail d’émotions qu’elle ne l’a fait à un seul endroit auparavant. Peut-être est-ce dû au fait qu’il s’est écoulé tellement de temps depuis la sortie de son dernier album.

Cela fait vingt-cinq ans que Jagged Little Pill est sorti et on se souvient encore du buzz qui a entouré cette jeune artiste. Depuis lors, elle a tellement ajouté à son incroyable travail. Such Pretty Forks In The Road s’inscrit parfaitement dans le cadre de son catalogue déjà très étoffé et montre que, toutes ces années, elle est toujours une artiste pertinente. Mais cela valait-il la peine d’attendre huit ans ? Oui sans doute mais mais mieux vaudrait ne pas attendre aussi longtemps la prochaine fois.

***1/2

Ganser: « Just Look At That Sky »

Pas tout à fait punk, pas tout à fait post-punk, pas tout à fait alt. rock, mais toujours indie, et très Chicago. C’est ainsi que se décrit Ganser, un quatuor réputé pour son style musical sardonique, presque maniaque, auquel s’ajoute une présence énergique en live. Fidèle au son angoissant du groupe, le dernier album de Ganser est truffé d’anxiété et de tension, mais ce qui est peut-être le plus intéressant dans Just Look At That Sky, c’est la façon dont le groupe exprime ses thèmes lyriques – la contradiction entre croissance et amélioration s’avérant infructueuse ; la production est un peu plus soignée, la performance aussi serrée que le groupe l’a jamais été… en tous points, Just Look At That Sky est le meilleur son que Ganser ait jamais enregistré. Et pourtant, ce n’est pas un changement radical par rapport à ce que nous avons entendu lors de sorties passées comme Odd Talk ou You Must Be New Here. En fait, on pourrait faire valoir que Ganser n’a pas du tout progressé et, selon toute vraisemblance, les musiciens eux-mêmes seraient les premiers à le soutenir. Mais là encore, peut-être pas ? Est-ce vraiment important ? Comme on l’a dit, cet album est le meilleur que le groupe ait jamais produit, Alicia Gaines et Nadia Garofalo ayant troqué leurs fonctions vocales contre le yin et le yang d’un état d’esprit fracturé – à la fois calme et maniaque, recherchant la sérénité tout en la trouvant dans l’étreinte du chaos. Avec la précision de Brian Cundiff à la batterie, les grooves de Gaines à la basse, les touches atmosphériques de Garofalo aux claviers et les riffs de guitare stridents et grinçants de Charlie Landsman évoquant le son des premiers Killing Joke, chaque morceau de l’album offre une gamme d’émotions contradictoires qui ne manqueront pas de confondre et même de captiver l’auditeur.

Il y a les tourbillons psychédéliques et les rythmes stridents de « Told You So », avec les répétitions de « I’ll wake up tomorrow all righ » », et le trompeur et dansant « Emergency Equipment and Exits », au guttural mais harmonieux, « Self Service » bruyant mais mélodieux, rappelant la vague de Nina Hagen, un peu déséquilibrée et décalée, la parole troublante de Sean Gunderson, les guitares rêveuses et l’ambiance nuageuse de « [NO YES] », la batterie galopante, les accompagnements de cor martiaux et d’hymnes, et le chant bluesy de la chanson de clôture « Bags For Life ». ” Il suffit de dire que Ganser appuie sur tous les boutons – bons ou mauvais – de Just Look At That Sky pour rappeler à l’auditeur chaque moment d’inquiétude et d’incertitude. C’est inquiétant, c’est sûr, mais… vous pourriez vous en remettre suffisamment pour apprécier la performance de Ganser au sommet de son art.

***1/2

Land of Talk: « Indistinct Conversations »

Indistinct Conversations, le dernier album du groupe montréalais Land Of Talk, est fidèle à son nom. La chanteuse Elizabeth Powell ne chante que des traces de pensées sur ce qu’elle ressent ou essaie de parler tout au long du disque, sans jamais faire connaître complètement l’histoire à l’auditeur. 

Sur des chansons comme « Weight of That Weekend », Powell fait allusion à la récupération émotionnelle d’une série de jours importants. « Maintenant je le ressens, je m’assieds avec lui pendant que j’attends près de la lune », chante-t-elle. « Parce que je ne dors pas. » (Now I feel it, sit with it while I wait by the moon…‘Cause I’m not sleeping.)

Il y a un côté mélancolique et contrôlé dans la plupart des titress, soutenu par Mark « Bucky » Wheaton à la batterie et aux clés, et Christopher McCarron à la basse, mais c’est la voix de Powell qui reste la plus frappante. C’est une voix légère, qui va aussi bien dans les aigus que dans les graves, qui souffle facilement le long des morceaux et qui ne semble jamais déplacée. Des chansons plus calmes et acoustiques comme les magnifiques « Festivals » mettent clairement en évidence l’émotion et le talent de Powell.

Et bien que les paroles soient vagues, il y a toujours des citations mémorables tout au long du morceau. « Get lost in a dream, now we can’t escape it. Know this ice was once warm water » ,(Se perdre dans un rêve, maintenant on ne peut plus y échapper. Sachez que cette glace était autrefois de l’eau chaude ) elle trille sur la chanson « Footnotes », qui comporte également un riff de guitare hypnotique, en forme de ver d’oreille. Indistinct Conversations se termine par une collection de bribes de conversations téléphoniques. Ils s’entremêlent et n’apportent aucune réponse, mais c’est la fin d’une collection de chansons fortes et mystérieuses.

***

Strangerous: « Death By Anticipation »

« Tout doit changer. Tout doit changer. » (Everything needs to change. Everything needs to change). À chaque loop de sample ainsi prononcé l’émotion est drainée de cette déclaration ; chaque son du morceau d’ouverture de 17 minutes est induit dans une orbite serrée et maniaque de répétition sans fin. Les voix de fausset commencent à battre comme une sirène, des bruits statiques se font entendre à plusieurs reprises, et le tintement des carillons perd son charme de paresse lorsqu’on les fait tourner en rond. Une autre voix se fait entendre, apparemment issue d’un reportage – « le changement climatique affecte déjà des millions de vies » (climate change is already affecting millions of lives) – alors que les boucles commencent à se bousculer et à se multiplier, entassées dans une zone d’urgence croissante et de familiarité banale. Des cris humains jaillissent à travers les marges, s’épaississant au fur et à mesure que le reportage se poursuit.

Alors que la musique s’enfonce dans la cacophonie, la demande de changement stagne – elle n’est plus le précurseur de l’action, mais une vocalisation habituelle, divorcée du sens.

Ailleurs, la répétition est maniée comme un adhésif par la force : un moyen brutal de fusionner le son des pas sur la neige, les surfaces métalliques perturbées et le souffle des ventilateurs de refroidissement, rompant le lien ombilical entre le son et son contexte d’origine.

Ces échantillons deviennent des éclaboussures d’autoréférence. Ce qu’ils gagnent en multifonctionnalité – des jokers sonores sans allégeances lourdes au paysage et au matériel – ils le perdent en familiarité avec le monde réel. La récurrence les rend étonnants. Les voix adoptent la texture désincarnée des sons sinusoïdaux purs ; le cliquetis du plastique commence à ressembler à des dents qui claquent. Les sons gagnent en intensité et en chaleur alors que l’esprit s’efforce de les placer, ce qui transforme l’auditeur en un paradoxe de connaissance et d’aliénation, et l’entraîne dans un bourdonnement insidieux en niveaux de gris alors que la musique résonne comme une machine à distiller de l’horreur.

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