Aidan Baker & Gareth Davis: « invisible cities ii »

Aidan Baker (guitare, batterie), et le clarinettiste basse Gareth Davis poursuivent leur fructueuse collaboration avec invisible cities ii – cinq nouveaux morceaux de jazz ambient /chambrer jazz / et drones subtils d’une qualité hautement méditative. 

Il y a deux ans, le guitariste canadien Aidan Baker et le clarinettiste belge Gareth Davis ont sorti leur premier duo invisible cities qui en a surpris plus d’un par sa qualité calme, voire méditative. davis s’était fait un nom dans de nombreux domaines, du post-trock de a-sun amissa ou oiseaux-tempête, à la nouvelle musique (peter ablinger, bernhard lang), en passant par l’expérimentation avec des instruments tels que elliott sharp, merzbow ou scanner, tandis que baker est surtout connu pour son duo drone / postmétal nadja, mais ce n’est qu’un des nombreux projets en cours (e. g.b/b/s avec andrea belfi et erik skodvin aka svarte greiner) et une multitude d’albums solo.

Sur invisible cities, le duo a exploré le côté plus calme des choses – du jazz de chambre à l’ambient / drone, en donnant beaucoup d’espace et d’air à respirer à leur instrument respectif. des dones de guitare subtils, des sons de clarinette sonores, un paysage sonore de tranquillité et d’introspection méditative – tout cela, vous le trouverez également sur le nouvel album invisible cities ii qui est une continuation et un raffinement accomplis du premier effort de collaboration du duo à partir de 2018. enregistré entre 2018 et 2019 à Berlin et Amsterdam, masterisé et édité à Berlin par Kassian Troyer.

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Låpsley – Through Water

Parfois, la pochette d’un album vous dit tout ce que vous devez savoir sur l’œuvre qui s’y trouve. Sur le premier album de 2016, Long Way Home, Låpsley vous dévisage, le regard défiant de son jeune visage plantant le décor de ses médiations tristes et synthétiques sur les relations décevantes et les blessures intérieures. Sur Through Water, elle a cessé d’exiger des réponses et s’est abandonnée aux éléments – une plongée profonde d’engagement, allant là où les vagues pourraient l’emmener.

Le saut a définitivement porté ses fruits – sa voix inimitable s’épanouit dans un dancehall grotesque et un « First » d’inspiration afrobeat et une grande confiance pop sur « Womxn ».

Mais elle sait aussi prendre du recul, parsemant le disque de segments de paroles et de mantras sincères qui lient le tout. Son travail sera toujours défini par sa nature discrète et vulnérable, mais ici, on ressent beaucoup plus une intention qu’un accident – un artiste qui apprend à s’appuyer sur ses points forts, ne plus reculer dans le sillage de l’obscurité. En mettant un terme au délicat « Speaking Of The End », elle l’affronte directement : « ’m running a new race… I’ve sculpted a new face. » (Je cours une nouvelle course… j’ai sculpté un nouveau visage). En ajoutant une couche supplémentaire de complexité au son qui l’habite sans compromettre l’intimité, c’est une évolution solide qui augure incroyablement bien de l’endroit où elle choisira ensuite de nager.

***1/2

Activity: « Unmask Whoever »

Débuts sombres, extraterrestres et captivants pour ce groupe de Brooklyn né des cendres de Grooms, Russian Baths et Field Mouse Après une décennie à mener The Grooms à travers diverses transformations tant sur le plan sonore que personnel, Travis Johnson a dissous le groupe et a lancé Activity avec un batteur exceptionnel et inventif, Steve Levine, en y ajoutant la bassiste Zoë Browne (Field Mouse) et le guitariste Jess Rees (Russian Baths). Sur le plan sonore, le premier album d’Activity n’est pas très éloigné des paysages extraterrestres que The Grooms échafaudaient sur leur dernier album, mais ils s’y adossent, ajoutant de l’électronique et jouant aux forces de chacun. Beaucoup de musique a été appelée de « lynchienne », généralement à cause de guitares solitaires et grêles, et ceci même c’est une analogie trop utilisée.

Activity y est parvenu sans jamais ressembler à Angelo Badalamenti ou Chris Isaak. Unmask Whoever est, toutefois, le double de cette musique : troublant, sensuel, sinistre, familier mais étranger et indéniablement captivant.

« Earth Angel », qui partage un titre avec le premier classique de doo-wop des Penguins (sûrement un des favoris des Lynch), est un bon point de départ (bien qu’il soit au milieu du disque), en vérifiant les cases sensuel et sinistre. Il mijote lentement avec des couches de guitares bourdonnantes et un motif de batterie elliptique, tandis que Johnson chuchote « I wanna fuck around » à plusieurs reprises et ce, avec un phrasé, démoniaque . La composition s’ouvre à mi-parcours avec ce qui est soit une section de cuivres, soit des guitares fortement déformées qui sonnent comme un mur de projecteurs soudainement allumés, prêts à l’emploi dans un univers alternatif et fantasmagorique.

L’album maintient cet équilibre loufoque tout en son long en utilisant parfois des loops et des rythmes qui n’auraient pas sonné déplacés sur un album de Tricky ou de Portishead il y a 25 ans (« Calls Your Name », « Auto Sad »), ou des synthés nauséabonds qui se fondent dans les guitares (« Nude Prince », « Heartbeat » »). Les arrangements, les performances et la production sont excellents dans tous les domaines, tout comme les chansons, révélant des nuances à l’écoute répétée et en font un très bon album pour casque d’écoute. « Spring (Low Life) », « Violent and Vivisect » et « Calls Your Name » sont accrocheurs et mémorables tout en vous donnant la chair de poule. Dans le bon sens du terme.

***1/2

Deeper: « Auto-Pain »

Deeper de Chicago ont été en tournée avec Corridor, le combo de Montréal et les deux groupes partagent un son similaire, privilégiant les effets de guitare fondus et l’entrelacement des riffs et des leads sur les accords de guitare, avec une section rythmique puissante qui fait avancer les choses. Les plus profonds sont plus angoissants, cependant, avec des hochements de tête précis à The Cure (le chanteur Nic Gohl jappe un peu comme Robert Smith), Joy Division (les lignes de basse) et Wire (les guitares, l’ambiance) sans jamais vraiment ressembler à aucun d’entre eux.

C’est un style séduisant, souvent nerveux, et le deuxième effort du groupe, Auto-Pain, est un pas de plus vers leurs très bons débuts en 2018. Le style percussions débridées du premier disque peut encore être entendu sur les déchirants « This Heat », « 4U », « The Knife » et « V.M.C. » mais ils ont sagement laissé cette approche côté cette fois-ci travaillant sur des chansons plus texturées comme le synthéthisé « Lake Song » et « Warm ». Les meilleurs morceaux d’Auto-Pain sont, au bout du compte, les numéros mid-tempo. « Willing », en particulier, a un groove qui dégouline d’attitude et qui s’accorde particulièrement bien avec le son ainsi défini du groupe et surtout au sein de cet album varié mais cohérent.

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William Tyler: « Music from First Cow »

La musique de William Tyler pour First Cow reflète tout le paysage luxuriant du Nord-Ouest du Pacifique vu dans le nouveau film First Cow réalisé par Kelly Reichardt. D’une part, la nature sauvage est belle et abondante, mais d’autre part, elle est hostile à ceux qui tentent d’y faire leur vie. La musique d’ambiance rappelle la beauté de la frontière imprégnée par la tension de la colonisation envahissante, mais utilise des mélodies et des sons simples pour faire subtilement ressortir ce point.

Le film suit deux des premiers habitants du territoire de l’Oregon alors qu’ils entreprennent de voler le lait d’une vache appartenant à un riche propriétaire terrien. Dans le majestueux et imperturbable Nord-Ouest du Pacifique, vers 1820, la tension entre les humains qui empiètent sur la terre et l’étendue sauvage du territoire constitue un contexte idéal pour explorer un récit aussi ciblé. William Tyler utilise la même mise en scène de l’intime contre l’immense dans sa partition.

« First Cow in the Territory » commence l’album en le plaçant dans le domaine de la musique country. Un banjo solitaire s’arrête pendant que des bavardages et des dialogues du film se déroulent. Le banjo errant est à la fois un son familier et une indication de notre éloignement. « An Opening » introduit une mélodie dont le refrain de rechange se glisse tout au long de l’album. La chanson se gonfle lentement autour de la mélodie unique jouée par un seul instrument mais ne culmine jamais, au contraire, la mélodie s’évanouit dans le son des oiseaux qui gazouillent.

« Cookie’s Theme », du nom d’un des protagonistes, est un peu plus optimiste, mais sa mélodie est teintée de juste assez de mélancolie pour qu’on se pose plus de questions sur Cookie. Qu’est-ce qui pousserait quelqu’un à aller jusqu’au bout du continent ? Hélas, la partition de Tyler ne donne pas la réponse, mais continuera d’inviter à se poser des questions sur le film.

William Tyler est connu comme un artiste indie-folk. First Cow est son premier film dont il a écrit la bande-son mais il a apporté à l’album une grande partie de son style, issu de ses travaux antérieurs. Il a tendance à écrire des morceaux instrumentaux expérimentaux pour lui-même à la guitare, ce qui démontre son habileté technique et son penchant pour un son riche et méditatif.

Dans l’ensemble, l’album suggère plus qu’il n’informe. Il présente une beauté épurée tempérée par une tension. Les chansons sont parfois solitaires, car la plupart reposent principalement sur un seul instrument qui porte la mélodie avec peu d’autres accompagnements, mais la simplicité de son son est l’un des points forts de l’album. L’album est conçu comme un élément contribuant à la narration, et le ton et l’atmosphère qu’il procure approfondissent certainement l’expérience du film.

Il n’y a pas de paroles – bien qu’il y ait parfois des dialogues de film – mais plusieurs des chansons contiennent les sons naturels de la forêt. Le gazouillis des oiseaux sur « An Opening » qui se fond dans « Cookie’s theme », le bruit de l’eau qui coule doucement sur « Arrival » et « River Dream » » et les doux pas sur le sol dans « The Separation » contribuent tous à l’ambiance de l’album mais ne sont guère nécessaires pour saisir l’impression de forêt dans la musique. La musique a une certaine innocence, avec des mélodies simples qui se répètent et un accompagnement luxuriant mais clairsemé, mais elle est aussi émotionnellement complexe, comme si quelque chose d’inquiétant était juste hors de portée de la musique qui se déroule ainsi à notre ouïe.

***1/2

Ellis: « Born Again »

Dans le film High Fidelity, il est cette phrase : « Ai-je écouté de la musique pop parce que j’étais malheureux ? Ou étais-je malheureux parce que j’écoutais de la musique pop ? » (Did I listen to pop music because I was miserable? Or was I miserable because I listened to pop music?). Il y a quelque chose d’inquiétant dans cette affirmation. Parfois, plus la musique est mélancolique, plus elle peut nous faire sentir mieux. C’est assez universel. La catharsis qu’implique l’écoute d’autres expériences similaires peut nous faire nous sentir moins seuls et nous donner un peu d’espoir de nous en sortir à l’autre bout. L’auteur-compositeur-interprète Ellis, alias Linnea Siggelkow, basé en Ontario, écrit le genre de chansons auxquelles il est facile de s’identifier. Elles sont confessionnelles, émotionnelles et semblent si réelles et son album Born Again semble avoir été créé pour être le parfait véhicule quand l’époque est difficile.

Il y a tellement de choses à découvrir sur cet opus. La production est luxuriante et floue, un univers de guitare et de piano imprégné de réverbération tourbillonne autour des mélodies vocales prudemment cathartiques d’Ellis. Le disque démarre en beauté avec « Pringle Creek » et Ellis qui chante « Je ne vous ai pas vu depuis des jours et des jours » (Haven’t seen you in days and days on end ). Ce moment et la façon dont il est géré vous sidèreront. Alors que le groupe se construit lentement autour d’elle, tout au long du premier couplet, la tension est absolument palpable et avant que tout ne se mette en place, on entend « C’est comme acheter des fleurs juste pour les regarder mourir » ( It’s like buying flowers just to watch them die), phrase qui peut parler à beaucoup.

La chanson titre « Born Again » fait monter le tempo un peu mais elle est trompeuse avec l’intervention du groupe. La plupart des groupes s’appuieraient sur l’inverse pour essayer de capturer une sorte de résonance émotionnelle, mais cela prouve simplement que les instincts musicaux sont habiles et que les choix faits tout au long de l’album sont parfaits. « Shame » raconte l’histoire d’une mauvaise relation et, bien que le groupe s’appuie sur la résonance de ses paroles lorsqu’il chante « la vérité est que je vous ai trouvé très effrayante »  (the truth is that I found you very scary), cela nous rappelle que nous vivons tous ces expériences horribles et qu’avec le recul, nous pouvons tous trouver un moyen de guérir. Le « single » « March 13th » met en scène un irrésistible piano et un album, et cela en dit long, car ce disque est plein de moments forts. « Saturn Returns » montre Ellis dans son registre le plus confessionnal. Il‘est donc tout à son honneur que l’album est si merveilleusement vivant avec des sentiments aussi affichés et qu’il est également aussi afréable aux oreilles.

Le personnage principal de Born Again est humain et imparfait mais Ellis possède, dans son œuvre, un réel sens de la conscience de soi et de l’empathie et de la prévenance. Ces qualités contribuent grandement à nous donner plus d’espoir, quel que soit le sentiment que l’on peut éprouver à l’écoute de la belle mélancolie que sous-tend disque. « Ai-je écouté de la musique pop parce que j’étais malheureux ? Ou étais-je malheureux parce que j’écoutais de la musique pop ? » Qui sait ? Tout ce qu’on peut vraiment dire, c’est qu’on se doit d’être reconnaissant envers des artistes comme Ellis qui ont réalisé de grandes œuvres qui nous permettent de savoir que ces sentiments sont humains, universels et, en fin de compte, fondamentaux.

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Redivider: « Depth Over Distance »

Le groupe post-rock de Denver, Redivider, a indubitablement de l’inspiration ; la preuve en sest la sortie de son nouvel album, Depth Over Distance. A la fois dur et tendre, technique mais toujours accrocheur, émotionnel et brut, Depth Over Distance ne met pas seulement en valeur sa diversité, mais fait montre d’une entité incroyablement personnelle et vulnérable. Couvert par le thème de la découverte de sa propre valeur et de la fuite de relations abusives et codépendantes, Depth Over Distance ne comporte peut-être que six sompositions mais il parvient à couvrir un large éventail de sujets et de sons en peu de temps.

Le fer de lance de l’album est le puissant et explosif morceau d’ouverture, « Delphiction ». Le travail des guitares sur ce morceau est vraiment brillant et donne le ton de l’album, mais il est aussi bien équilibré avec des paroles puissantes, qui racontent le processus de fuite d’une relation abusive. D’emblée, il est évident qu’il y a beaucoup de lumière et d’espoir, même dans les points les plus sombres de l’album, et « Delphiction » est, à cete égard, le point de départ parfait. 

Les points forts de l’album se trouvent sans aucun doute sur les deuxième et troisième morceaux, « The Ocean Has Grown » et « Plutonium Stars ». Les deux titres s’enchaînent magnifiquement entre un travail de guitare doux et étonnant et des sons explosifs. « The Ocean Has Grow » en particulier ressemble à une histoire avec un début, un milieu et une fin clairs, tandis que « Plutonium Stars »fait penser un peu plus à un chaos contrôlé. Les deux chansons mettent en valeur la gamme dynamique du groupe sans jamais se sentir déplacées. Un autre point fort est la plus longue interprétation de l’album, un « Limbiscism » qui reprend quelques pages du livre de Thrice, Pray for the Angels, à certains endroits avant de ralentir les choses et de mener l’album vers une conclusion épique.

Depth Over Distance est incroyablement complet et bien équilibré au regard de sa durée. Le « closer », « Where Edges Meet », laissera un sentiment de plénitude à la fin, ce qui peut être difficile à trouver sur les petites sorties comme celle-ci. Avec Depth Over Distance, Redivider a non seulement consolidé sa place sur la scène musicale du Colorado, mais il a également prouvé qu’il est définitivement prêt à aborder prochaine étape de sa carrière.

***1/2

Takeleave: « Belonging »

Le Berlinois Nicolas De Araújo Peixoto sort son deuxième album Belonging le 28.02.2020 sous le nom de Takeleave. Le producteur, qui a vu son premier opus Inner Sea comme une exploration musicale de ses rêves et souvenirs inconscients, décrit sa musique actuelle comme un symbole de l’arrivée et du mal du pays et une étape supplémentaire vers son son très personnel. Takeleave a commencé sa carrière musicale dès son plus jeune âge comme auteur-compositeur et guitariste dans divers groupes et a travaillé comme DJ en parallèle.

Contrairement aux enregistrements précédents, le multi-instrumentiste a développé ses morceaux actuels entre downbeat, house et broken beats, cette fois-ci à partir de jam sessions spontanées, ce qui rend les enregistrements extrêmement intimes et intuitifs.

Belonging dégage ainsi une forme de brillance et de souplesse toutes deux lustrées sur chaque titre ou presque. Un album instrumental très cosy, très doux,

***1/2

Brian Fallon: « Local Honey »

Depuis l’interruption indéfinie de The Gaslight Anthem, Brian Fallon a réussi à triompher de l’obscurité qui peut souvent envelopper beaucoup qui s’engagent sur la voie solitaire de l’artiste solitaire devenu frontman. Les quatre dernières années ont vu la sortie de Painkillers en 2016 et de Sleepwalkers en 2018, deux succès qui contenaient toujours des éléments du punk-rock emblématique de Gaslight.

Le troisième solo de Fallon est un peu différent. Faisant équipe avec le producteur Peter Katis (The National, Interpol, The War on Drugs), lauréat d’un Grammy Award, Fallon a identifié que pour ce disque, il voulait que tout tourne autour des éléments du quotidien qui entouraient sa vie. En conséquence, Local Honey est l’offre la plus unique qui soit issue de son parcours d’artiste solo à ce jour. Le disque s’appuie davantage sur une guitare acoustique dépouillée et offre une expérience d’écoute chaleureuse et introspective. Le changement de son est rapidement devenu apparent avec la sortie du premier « single » « You Have Stolen My Heart » – une chanson d’amour rêveuse qui révèle une nouvelle dimension de la voix de Fallon, typiquement terre-à-terre, d’une grande portée et qui est ici tout à fait bienvenue.

Le « single » suivant a été une autre source de surprises bienvenues. Une partie de la composition nous rappelle l’époque où Fallon travaillait avec le guitariste Ian Perkins sur le projet The Horrible Crowes. Si le premier titre est indéniablement captivant, « 21 Days » a été le premier morceau à se mettre dans la peau et à entrer dans le cycle des reprises sans fin. Poursuivant, en effet, les tons vulnérables du premier « single », la chanson reflète magnifiquement le processus tourmenté de la rupture d’une dépendance et de l’arrêt de la cigarette. C’est l’incarnation de ce qui a valu à Brian Fallon d’être un fan fidèle dans le monde entier ; une capacité à faire passer la difficulté à travers un spectre et à créer un son merveilleusement accessible et édifiant dans le processus.

Qui auraà assisté à un concert de Brian Fallon, aura sans doute remarqué que ses chansons sont prêtes à être interprétées par un public en direct. Le troisième » single » « I Don’t Mind If I’m With Yo » sera sans aucun doute l’un de ces morceaux. L’introduction est une mélodie de guitare acoustique au rythme lent qui fait écho à « She Loves You » de The Gaslight Anthem, pour finalement se transformer en un refrain qui s’enroule autour de vous et vous donne envie de chanter, comme tout un chacun pourrait le faire.

Bien qu’il s’en tienne à une recette relativement simpliste de guitare acoustique et de piano, l’album est finalement porté par le charme irrésistible de la voix de Fallon. L’esthétique générale du disque a été renforcée par la production habile de Peter Katis, qui a mis au jour certains aspects de l’écriture de Fallon qui, jusqu’à présent, semblaient se cacher sous la surface.

L’artiste a été ouvert sur les difficultés qu’il a rencontrées pour accepter son parcours d’artiste solo, mais il a reconnu qu’à l’avenir, il voulait que la musique soit un livre honnête et ouvert sur sa vie. Local Honey est un disque confortable et complet, avec huit pistes entrelacées de manière soyeuse qui leur sont merveilleusement familières – le résultat global est un classique épanoui qui marque un nouveau chapitre pour lui.

***1/2

Test Card: « Music For The Towers »

Le label Sound In Silence est un endroit parfait pour le troisième album de Lee Nicholson, basé à Vancouver, en tant que Test Card. Les douces armatures mélodiques, les suaves bruits de vent, et les notes de guitare et de piano elusivess et parcimonieuses, longues et mélancoliques, sont le format de musique d’ambiance classique que le label a proposé dans le passé – mais une fois de plus, c’est une musique d’ambiance relaxante de premier ordre. Il s’agit d’une approche si relaxante qu’elle devrait pouvoir être prescrite par les médecins. Si la musique d’ambiance est du miel, celle ici est u manuka de première qualité.

« Data Taken Over Under Rating » est un point culminant et l’illustre parfaitement. En commençant juste par le vent, les éléments sont introduits avec une lenteur assurée, de l’enveloppe d’accords extrêmement chaude jusqu’au doux motif arpégé du synthé. Il est magnifiquement exécuté et si on devaist le critiquer,ce serait que le morceau il s’efface trop tôt. Les différents titres sont imprégnés de différents niveaux de mélancolie, mais elle n’est jamais ouvertement triste – « We Oscillated Like Sheep Grazing On Grassy Waveforms » est peut-être le plus représe,natrif de cette humeur.

L’artwork et les titres des morceaux sont bien plus étranges que la musique, avec des appellations comme « It Calmed The Hedges And Blurred The Buildings », un mélange rassurant de guitare folklorique et d’accords que vous pouvez fredonner, et « Let Single Sideband Loneliness Receivers Be Happy », une combinaison de sons de vagues mélodiques et littérales. Des textures supplémentaires sont parfois ajoutées pour rendre les choses intéressantes à ceux qui veulent vraiment y prêter attention, plutôt que de les laisser passer ; par exemple l’élément de diffusion radiophonique de mots parlés indiscernables qui est audible au début de « Monochrome Dreaming Softened The Broadcast », ou les sons faibles et étrangement rapides qui ressemblent à des battements de cœur et qui bouillonnent sous « Horizontal Sweep Correction Lullaby ».

Il s’agit d’une msuique ambient émodée qui remonte directement à Brian Eno et au-delà. Mais elle le fait d’une manière si charmante, si veloutée et calme, avec suffisamment d’attention aux détails comme un tissu fait maison, qu’il faut absolument l’applaudir – mais pas trop fort au cas où vous réveilleriez de manière inappropriée d’autres auditeurs.

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