Selah Broderick: « Anam »

17 janvier 2021

Pour les Broderick, la musique est vraiment une histoire de famille. Si les profils artistiques composites de Peter et Heather sont désormais des réalités bien établies de la scène indépendante, l’étendue de leurs horizons créatifs a même réussi à impliquer les inclinations musicales des parents ; après que Peter ait partagé avec son père Steve le développement de vieilles lignes harmoniques jouées à leurs enfants dans leur enfance (Broderick & Broderick, 2013), c’est maintenant au tour de la mère Selah de « débuter » officiellement avec un album entièrement sous son propre nom, qui rassemble des chansons interprétées et écrites dans un laps de temps étendu sur quarante ans.

Avec le soutien instrumental minimal de ses deux fils, ces chansons sont devenues Anam, une œuvre qui non seulement révèle une voix folklorique intemporelle, mais poursuit également l’idée de calme et de transcendance typique de l’activité de Selah en tant que professeur de yoga et érudit des disciplines orientales, menée au fil des ans.

L’empreinte folklorique originale, qui apparaît immédiatement dans le morceau d’ouverture, le traditionnel « Every Bush And Tree » fidèlement présenté dans sa version enregistrée par elle en 1979, et dans la ballade psycho-folk enchantée  « Witnessing », n’est cependant pas le seul élément qui caractérise un album dont les deux faces se terminent en effet par de longs instrumentaux, parsemés d’enregistrements sur le terrain et de couches synthétiques extatiques, spontanément orientés vers la transcendance. L’apport de Peter et Heather, sans doute décisif pour que l’œuvre prenne forme, d’un point de vue strictement sonore, se limite en fait à des dialogues vocaux occasionnels, à des parties rythmiques délicates et surtout à des arrangements de cordes, qui recouvrent les chansons acoustiques de Selah et ses douces interprétations d’une patine de romantisme poussiéreux (« Green Eyes », « Rainy Day » ».

Au-delà des considérations sur la « familiarité » artistique de la famille Broderick et la curiosité de la participation active de ses enfants aux débuts tardifs de leur mère, Anam descend en tous points de la sensibilité de Selah Broderick à l’écriture musicale et aux paysages sonores fortement évocateurs.

***1/2


The Left Outsides: « Are You Sure I Was There? »

17 janvier 2021

Pour leur cinquième album, Alison Cotton et Mark Nicholas restent fidèles à l’esthétique vintage recherchée, depuis les médias utilisés, dans toutes leurs productions et aussi dans les digressions latérales dans un cadre plus ouvertement expérimental par la moitié féminine du duo.

Les onze titres réunis dans Are You Sure I Was There, titre qui semble déjà suggérer un emplacement stylistique pas tout à fait certain et sans ambiguïté, développent en fait la double orientation imprimée dans le précédent All That Remains (2018) aux divagations poussiéreuses du duo britannique à leur formule originale psycho-folk rêveuse et intemporelle. Si même dans la nouvelle œuvre, les précieuses allusions à un psychédélisme bucolique ne manquent pas sur cette base consolidée, grâce aux contours rendus particulièrement enchanteurs par les interprétations délicatement évocatrices de Cotton, Are You Sure I Was There continuera néanmoins de greffer un fuzz électrique plus prononcé, qui va cependant de pair avec la légèreté des chansons issues de la surprenante nature de la pop.

Au cours de l’œuvre, le duo mélange sans relâche les différentes nuances de sa palette, allant des ambiances oniriques de « Only Time Will Tell » et du fragment de refrain acide « November On My Mind », entre le léger psychédélisme de « As Night Falls » et « Between The Lines » et les riffs électriques puissants de « My Reflection, Once Was Me ». La synthèse des différentes âmes du duo actuel provient du « Pictures Of You » final, avec le chant léger de Mark soutenu par des réverbérations électriques liquides et des arrangements légers du violon Alison, comme pour offrir une réponse provisoire à la question formulée dans le titre de l’album, dans un curieux hybride de shoegaze-folk rêveur qui embrasse tradition et modernité.

***1/2


Pearl Charles: « Magic Mirror »

17 janvier 2021

L’action de se regarder dans un miroir, outre l’évidente manifestation physique littérale de l’ « autre », offre également, en coulisses, des métaphores qui se ne peuvent que se déployer.

Les protagonistes des films se sont longtemps tenus lassés, remettant en question les choix faits ou les voyages effectués, devant un morceau de verre réfléchissant décrépit. Mais ce n’est pas tout à fait le plan qui se manifeste sur Magic Mirror, la nouvelle sortie de Pearl Charles.

En vous invitant à jeter un coup d’œil dans son propre miroir magique, Charles vous offre la possibilité d’adopter ses récits de traversée des nids de poule et des rampes de vitesse émotionnelles que la croissance et l’amour peuvent offrir.

Pour ses débuts l’ouverture qu’est « Sleepless Dreamer » apporte un son de pedal steel imprégné de folklore, comme pour vous donner l’impression qu’un ami familier frappe à votre porte. Avec Magic Mirror, cet ami est de retour, avec des histoires à raconter tout en se montrant prêt à vous éblouir , et ce, par la grâce d’une seule étincelle.

Il est impossible de ne pas relier les références à Abba sur le coup d’envoi de « Only For Tonight » ; alors que la mélodie se déploie sur tous les fronts, elle s’insinue dans nos oreilles pour un effet à long terme – Charles nous salue en se remémorant une histoire d’un soir, se plaignant qu’elle « n’aurait pas dû jouer ça comme un homme » (shouldn’t have played this like a man). Au moment où vous entrez dans votre maison, un sentiment s’empare de vous comme une pluie de confettis,vous incitant à poursuivre la fête.

Il y a notamment des échos de l’étincelle californienne ensoleillée de Fleetwood Mac, Tom Petty et autres – qui font signe à Charles d’aller vers le haut et de montrer qui elle est, en tant qu’artiste, maintenant. Sans aucun doute, les prises de conscience romantiques qui s’en dégagent, en particulier celle du « quand je verrai ton visage, ce sera la dernière fois que je le ferai / il est plus facile de vivre ce mensonge que de dire la vérité » (when I see your face it’ll be the last time I do / it’s easier to live this lie than to tell the truth ) sur « What I Need » a également contribué à ce nouveau lustre – après tout, quand la vérité est si poignante, laissez-la briller pour la rendre plus digeste.

Même sur un premier EP éponyme, qui a plongé ses mains dans le monde du blues, il y avait une volonté de réfléchir, et il semble que les étapes franchies entre hier et aujourd’hui – vivre la vie, et trouver sa place dans ce monde – ont conduit à une évolution vers un son radio-rock revival des années 70, avec plus de pedal steel et de clavicorde en masse, et suroutcette délectable livraison d’harmonies qui s’empilent là où elles le doivent.

L’absence de référence à l’une des questions liées à notre nouvelle réalité crée l’idée d’un monde de rêve, où la vie peut à nouveau être menée sans le tic-tac d’une horloge de l’apocalypse – en particulier après une semaine de discours politique éclatant ; ce monde de Charles, teinté de glamour, vous tend la main et vous dit de « vivre un peu dans le passé ».

Alors que le lustre étincelant deMagic Mirror dépeint l’acceptation de la vie – le journal de Pearl Charles, qui s’ouvre pour interroger les amours de longue date – l’inclusion signifie que les yeux qui fixent le dos du miroir qui, magique ou pas, volent entre le vôtre et le sien, le tout aidé par une nature fraîche et brillante, la sienne.

***1/2


Domicile: « Helios »

16 janvier 2021

Il est juste de dire qu’au cours de l’année écoulée, la plupart d’entre nous ont passé plus de temps que jamais à l’intérieur de leur maison. Beaucoup n’ont pu qu’aceptecette l’adaptation de plus ou moins plein gré, mais cela a tout de même été un changement profond à bien des égards. Plus à rentrer tard avec le cerveau qui ronronne après une journée pleine d’interactions extérieures, plus de temps pour remarquer les sons des oiseaux qui chantent à la fenêtre de la cuisine le matin et le vacarme du matériel de chantier et des camions de livraison l’après-midi. Et il y a plus de temps pour remarquer la façon dont la lumière changeante modifie l’atmosphère d’une pièce tout au long de la journée.

Le compositeur Keith Kenniff, qui mène une vie tranquille autour de sa famille et de sa musique et qui travaille à la maison depuis de nombreuses années, a traité cette expérience de manière suffisamment approfondie pour pouvoir l’exprimer en termes musicaux.

Son dernier album, Helios, s’inscrit dans l’esprit de l’œuvre ambient de Brian Eno, Music For Airports, transposée dans un contexte national. Alors que le travail d’Eno était destiné à induire le calme et un espace pour penser dans un cadre animé, Domicile est conçu pour l’espace sûr de la maison et conçu pour colorer doucement la journée ou accompagner une activité.

Les couleurs chaudes et terreuses et l’architecture ouverte de la couverture de Matthew Woodson donnent le ton avant même qu’une note ne soit jouée. C’est une image invitante qui rayonne l’ordre, l’harmonie et la tranquillité domestique, un sentiment qui est renforcé lorsque la musique calme de Kenniff se présente. Des sons d’orgue sombres se gonflent, ondulent et se déploient lentement comme pour signaler à l’auditeur qu’il franchit le seuil d’un sanctuaire. Un par un, les morceaux restants se déploient patiemment avec des nuances de lumière et de couleur variées. Discrètes et déstructurées, elles sont des distillations abstraites de l’essence de la maison et des petites choses qui nourrissent notre sentiment de bien-être – la lumière qui passe par une fenêtre pour projeter des ombres sur le sol ou le doux sourire d’un être cher à l’autre bout de la pièce, ou simplement un moment de paisible réflexion. Il n’y a pas de récit ici, et ce n’est pas non plus l’intention. Juste le sentiment que nous sommes là où nous devrions être et que tout va bien se passer, et ce n’est pas négligeable.

***1/2


Exsul: « Exsul »

16 janvier 2021

La chose est peut être difficile à réaliser, à savoir associer l’éthique du death metal, qui cultive le morne et abjection, à l’impulsion esthétique du genre, qui consiste à créer des atmosphères àu cohabitentcorrosion et maturité opulente. La plupart des groupes mettent l’accent sur ce dernier élément, avec des excès sonores spectaculaires et des acrobaties verbales qui limitent beaucoup de chansons de death metal (« Spoils Vultured upon Sole Deletion» et « Baptized in Boiling Phlegm » sont deux des exemples récents préférés des critique, tirés respectivement de Haunter et de Of Feather and Bone). Mais la gafferie potentielle de ces singeries linguistiques peut susciter plus d’amusement que d’horreur. Exsul a écouté attentivement et a écrit avec soin un EP éponyme, le premier disque d’un groupe,composé de deux jeunes musiciens basés en Arizona. C’est un disque impressionnant, qui reflète le profond intérêt du death metal pour la répulsion et qui contient des chansons qui suscitent beaucoup de dégoût et peu, voire pas du tout, de rires. Les deux musiciens d’Exsul ont le don d’insuffler à leurs morceaux une peur dramatique. Le morceau éponyme d’ouverture commence par deux minutes de riffs grondants et désordonnés.

C’est relativement simpliste, mais la force des riffs est convaincante. Ils créent une ambiance. Au cours des minutes suivantes, le groupe alterne des épisodes de tourbillonnement et de bruit sourd avec des reprises de l’album doomy, sur lesquelles se superposent des rafales de guitare et des grognements lointains. Et ça marche !Le deuxième morceau, « Yersinia Pestis », commence sur une fausse piste (vous pouvez prendre ce jeu de mots implicite pour ce qu’il vaut) et maintient ce rythme haletant pendant plus de deux minutes. Le reste de la compostion se construit délibérément, à partir d’une guitare solitaire, à l’air de mauvais augure, jusqu’à des intensités de médium qui s’enchaînent. Le groupe prolonge habilement les riffs midtempo jusqu’à la fin de la chanson, refusant de jouer la convention de composition en livrant un crescendo à grande vitesse. Le résultat est une série d’impacts de dents et le sentiment d’une punition soutenue, plutôt qu’une catharsis à bon marché. 

Le nom du groupe et les titres des chansons d’Exsul témoignent d’un intérêt pour la littérature latine et la culture de l’Ancien Monde. La chute de l’Eden (exsul est le terme latin pour paria, ou exil), la peste de Justinien et l’Enfer de Dante sont évoqués ou mentionnés dans les chansons. Ce ne sont pas des points de référence tout à fait originaux dans le death metal, mais ils tendent vers la fin capiteuse de son continuum symbolique. Les sourcils hauts sont compensés par l’adoption par les membres du groupe de noms de scène censés susciter l’effroie et un énergumène qui joue des cordes se fait appeler Charon, le batteur se fait appeler Phlegyas. Mais ces gestes comportent aussi des références au monde classique. Charon et Phlegyas sont tous deux des figures liminaires, Charon le passeur qui guide les âmes à travers le Styx, Phlegyas un autre psychopompe, un peu moins important, du mythe ancien. Même quand Exsul fait quelque chose de stupide, ils laissent entendre qu’ils sont sérieux. Leur musique frappe certainement certaines postures sinistres et gravides, et le résultat est un premier disque solide de death metal macabre, redoutable et funeste.

***/12


Insomnia Brass Band: « Late Night Kitchen »

16 janvier 2021

« African Birdsong », le morceau d’ouverture de cet album exultant, s’enflamme sur un solo de batterie irrépressible, le percussionniste Christian assénant en tout abandon son kit d’une manière qui pourrait vous rappeler Gene Krupa. Ici et ailleurs, il met en communie sur un rythme de samba, avec les défilés funèbres de la Nouvelle-Orléans, le jazz classique et les hybrides rock-punk-afro-beat dans sa raquette concentrée. Il est bientôt rejoint par Anke Lucks au trombone et Almut Schlichting au saxophone baryton dans un échange staccato bêlant et bêlant qui danse de manière violente et compliquée. Les trois travaillent de concert, mais jamais à l’unisson, toujours en poussant et en reculant, en maintenant les cadences de base et en s’interrompant pour des commentaires laconiques et flottants. Ils complètent les arrêts dans les phrases des uns et des autres sans jamais se marcher dessus. Il y a là une précision de type laser qui est d’autant plus impressionnante qu’elle vient à la volée.

Tout cela est si compliqué et plein de sensations – et en même temps suprêmement dansant – que vous pourriez être surpris de découvrir qu’ils ne sont que trois. Insomnia Brass Band sonne comme une peinture cubiste d’un groupe d’oompah, les nez qui se projettent dans toutes les directions, cérébral et décalé, tout en capturant d’une certaine manière un groove excentrique et inattendu.

Les trois musiciens ont un air égalitaire. Chacun d’entre eux peut se produire en solo à tout moment. N’importe qui peut garder le rythme, pas seulement le batteur, mais souvent le saxophone ou le trombone, et n’importe qui peut le mélanger un peu, en s’élançant d’une diagonale avec la même phrase de côté, de sorte qu’elle devienne un contrepoint plutôt qu’un thème principal. « In My Name » s’anime d’un battement de tambour, d’un mouvement et d’un éclat d’avant en arrière, qui éradique les mesures avec un aplomb constant, mais qui fait aussi périodiquement des ravages dans le chaos du saxophone, les éclats sardoniques du trombone et les éclats de la zone de souffle des percussions antiques.

Bien que la musique soit complexe, elle est aussi extrêmement accessible – ce n’est pas un hasard si l’un des écrivains de Dusted les moins orientés vers le jazz s’est laissé prendre par son groove insomniaque. Ce groupe doit être monstrueux en concert, car, même avec des écouteurs, Late Night Kitchennous offre un tumulte incessant et réjouissant.

***1/2


Vilde & Inga: « How Forests Think »

16 janvier 2021

Lorsque les artistes se font appeler par leur prénom, cela implique souvent une certaine familiarité. Dans le cas de la violoniste Vilde Sandve Alnæs et de la contrebassiste Inga Margrete Aas, cette familiarité n’a pas été avec le public, mais entre elles. Les deux premiers albums du duo norvégien projettent une dynamique tellement imbriquée que les mots supplémentaires, qu’il s’agisse de descripteurs de genre ou de noms de famille, ne font qu’entraver la musique. Mais, sur How Forests Think, le duo ouvre son processus à des apports extérieurs.  

Inspiré par des musiciens comme Jana Winderen et Alvin Curran, et des écrivains comme Sabine Feisst et Eduardo Kohn, le duo a décidé de placer sa musique dans des lieux de manière à affirmer notre existence dans des contextes. Les qualités acoustiques de chacun des lieux sélectionnés façonnent la musique, et l’artiste sonore Benjamin Maumus, dont les sélections de microphones mettent en valeur les qualités de chaque lieu, est également un contributeur essentiel. Ces lieux comprennent une forêt en dehors d’Oslo, un dock près du centre ville, le mausolée Emmanuel Vigeland et, comme une sorte de ligne de base sonore, un studio d’enregistrement.

L’album est divisé en deux CD, l’un enregistré à l’intérieur, l’autre à l’extérieur. Le premier disque s’ouvre sur un morceau enregistré dans le mausolée de Vigeland, une voûte de pierre sans fenêtre à l’acoustique très résonnante. Le son soutenu de la contrebasse vous frappe comme une vague ; des sons supplémentaires, plus courts, de l’alto la suivent, créant un effet de houle océanique. Lorsqu’il est au Mausolée, le duo laisse judicieusement la salle faire le plus gros du travail. Leur travail consiste à décider comment faire ressortir la présence de la pièce et rester hors de son chemin. Les pistes du studio, en revanche, sont ultra-fermées par un micro. Les techniques des musiciens, qui consistent principalement à gratter ou à taper sur les différentes parties de leurs instruments, attirent l’attention sur un espace beaucoup plus restreint, à savoir la distance entre le micro et quelques surfaces en bois. 

Le duo se situe dans des espaces beaucoup plus grands et plus diffus sur l’autre disque. Le lieu d’Oslo est assez liminaire, les musiciens se situant entre le bruit de l’eau frappant un bateau attaché d’une part, et celui de la circulation au loin d’autre part, tandis que les mouettes font un commentaire grinçant sur l’action. Les musiciens ont l’air d’être en équilibre sur la frontière, jouant les uns avec les autres, constituant une strate dans un champ sonore à plusieurs niveaux. Dans la forêt, différentes espèces d’oiseaux et le bruit vert du vent qui souffle dans les arbres entourent les musiciens, qui jouent les qualités boisées de leurs instruments. 

A leur crédit, la musique de Vilde et Inga est déjà difficile à situer dans un genre. En ajoutant à leur technique classique une conscience spatiale et environnementale et une ouverture aux sons associés à la musique improvisée, ils ont rendu encore plus difficile de savoir où classer leur disque, mais encore plus gratifiant d’écouter ce qu’ils y ont mis.

****


Grievous Angels: « The Summer Before The Storm »

16 janvier 2021

The Grievous Angels ont fait leurs débuts en 1986 mais The Summer Before The Storm, leur huitième album, est leur plus grand succès à ce jour. Le groupe a été aidé par un invité spécial, Andy Maize de Skydigger, dont le travail avec le combo semble ici être la marque d’une adéquation naturelle.

L’album démarre avec style avec le rocking, presque rockabilly, « The Morning After ». Il passe rapidement à un style plus traditionnel avec le deuxième morceau, le magnifique « All Night Depanneur », qui est une chanson de perte douloureuse, écrite comme un roman avec des vers très descriptifs. Le frontman Charlie Angus et Maize échangent leurs voix et s’harmonisent tout au long du morceau, ce qui ajoute beaucoup de profondeur et de texture. Ailleurs, Mercier fait un duo avec Angus sur le morceau folklorique « Mile Out Of Kirkland ».  Là encore, la combinaison des voix est étonnante et apporte beaucoup d’émotion à la chanson. Elle comporte également un superbe refrain, « à un mile de Kirkland/le monde était en train de brûler » (a mile out of Kirkland/the world was burning down). Il faut une grande habileté pour lier la politique à une chanson d’amour populaire au goût d’accordéon.

Musicalement, le disque est très varié. Cajun, rock, folk, mais surtout, l’album est rock et plein d’énergie. Ce que l’on entend, c’est un groupe de musiciens qui s’amusent tout en écrivant sur des sujets très sérieux. Angus est toujours membre de Parliament, il est donc compréhensible que l’album se situe à l’extrémité politique du spectre lyrique. Les chansons abordent des thèmes tels que la théorie de la conspiration, la crise climatique, les trobles et le stress post-traumatiques aini la violence. Il a été enregistré à la veille de la pandémie, et de ce fait, il résonne encore plus lourdement.

The Grievous Angels avaient fait trop peu d’albumsnotables à ce jour. Ce nouvel opus corrige à merveille le tableautant il est accommodé de musique brillante et de paroles fortes. À cet égard l’ajout d’Andy Maize et de Janet Mercier et bienvenu tant il parvient à faire de The Summer Before The Storm un album folk galvanisant pour une époque telle que celle que nous vivons.

***1/2


Tobias Karlehag: « Process »

16 janvier 2021

Process est le premier album de Tobias Karlehag, un artiste électronique et ambient basé à Göteborg. Autour d’enregistrements sur le terrain et d’improvisations, Karlehag crée une musique d’ambiance aérée et flottante grâce à un large éventail de synthés et d’effets.

L’aspect improvisé de Process lui donne une sensation d’abondance et d’ouverture, et un élément pastoral est présent dans sa musique d’ambiance, où des brins d’herbe soufflés par la brise se trouvent dans des champs en train de bâiller. Les paysages sonores ambient de Karlehag sont des panoramas étendus avec des vues époustouflantes, se déroulant à perte de vue. De plus, sa musique est aussi très personnelle, ce qui lui donne beaucoup de cœur. L’improvisation est la musique de l’âme, et l’approche est juste – elle reste dans son champ de tranquillité et se retire quand elle en ressent le besoin, se sentant comme une lettre ouverte plutôt qu’un dialogue à sens unique.

L’improvisation est un exercice d’équilibre qui requiert une approche sensible. Il peut y avoir une pression interne ou externe pour couvrir l’espace et le silence avec une fontaine de notes sans limite. Cependant, Karlehag sait quand il faut faire remonter les notes et quand il faut pousser la musique plus loin, en synchronisant souvent les notes mouillées par la réverbération pour qu’elles remontent avec une houle de fond. Le fond brumeux et traité contribue à brouiller l’atmosphère générale, en atténuant les bords des lames, ce qui la rend plus d


Anthony Pirog: « Pocket Poem »

14 janvier 2021

e nom d’Anthony Pirog a reçu un coup de pouce lorsqu’il s’est associé à la moitié du groupe punk iconique Fugazi pour former un « power trio » instrumental The Messthetics en 2018. Mais le guitariste avait déjà établi sa notoriété sur la scène du jazz et de la musique expérimentale de Wwashington, DC, en tant que chef d’orchestre et moitié du duo Janel et Anthony. Pocket Poemest la deuxième production de son trio avec le bassiste Michael Formanek et le batteur/percussionniste Ches Smith, quite àPalo Colorado Dreamparu en 2014.

Cet album pourrait être la bande-son d’un film décrivant un voyage à travers des contrées américaines brûlées par le soleil, vu à travers les yeux d’un protagoniste qui lutte contre des démons intérieurs. La guitare de Pirog raconte de telles histoires, qu’il joue fort et électriquement ou qu’il pioche en acoustique, ses doigts grattant les cordes lorsqu’il change d’accord. Les synthétiseurs de guitare, qui n’ont pas l’habitude d’offrir un drame, contribuent souvent à l’ambiance. Ils sonnent souvent comme des trompettes qui s’harmonisent derrière la guitare.

Deux pistes atteignent la barre des cinq minutes, mais la plupart sont nettement plus courtes, six d’entre elles durant moins de deux minutes, leur brièveté les faisant ressembler d’autant plus à des répliques de film. Et « Mori Point » commence même avec quelque chose qui ressemble au ronronnement d’un vieux projecteur de film. La musique va de lignes de rechange à des arpèges très chargés, le tout avec une partie sinistre et une partie belle. 

Une grande partie de l’album sonne comme Pirog dans son travail en solo, mais ses compagnons de trio s’exercent à des moments appropriés. Formanek ajoute un contraste avec un solo acoustique au milieu de l’électricité (« Adonna the Painter ») et des courbettes lourdes contre une guitare propre (« Untitled Atlas ») avant que les choses ne se libèrent. Smith joue souvent avec retenue, mais son électronique ajoute aussi à l’atmosphère. Même si la bande-son est imaginaire, Pirog offre beaucoup d’images impressionnistes pour évoquer pléthore d’ intrigues.

***1/2