The Districts: « You Know I’m Not Going Anywhere »

The Districts ont fait intrusion sur les radars en 2017, avec leur opus folk-punk Popular Manipulations, une marque de rock bien ancrée et déchirante, qui a ébranlé maints auditeurs. Ils ont clairement mis tout leur cœur dans ce disque, qui a fini par ressembler ce type d’album où vous efforceriez de récupérer votre ex si vous trouviez les bons mots. C’est le genre de disque parfait pour les moments de tristesse, un compagnon quotidien.

You Know I’m Not Going Anywhere est un disque d’un genre différent. Il est toujours évocateur de toutes ces mêmes images : « Hey Jo » est un chant de désespoir qui évoque une rupture brutale, « Changing » affiche un hymne d’une tristesse profonde qui fait allusion à l’anxiété sous-jacente qui anime le titre ; « Comme un monte-charge qui s’enfonce lentement sous terre… je ne peux pas continuer à chanter, tout le monde change » (Like some freight elevator slowly sinking deep underground…I can’t keep on singing, everybody’s changing), et « 4th of July » offre une morbidité d’une beauté absolue ; « Nous avons laissé nos corps sur la rive / et quand la marée est montée, ils ont coulé / dans la lueur de la lune bleue… » (We left our bodies on the bank / and when the tide came in they sank / into the blue moon’s glow…). L’atmosphère centrale de morosité et d’angoisse est toujours aussi palpable – mais alors que Popular Manipulations esonne comme sorti d’un bar, You Know I’m Not Going Anywhere projette sa douleur sur le grand écran. Le climat est presque cinématographique en matière de progression et de production, rayonnant d’un éclat brillant qui rend le tout plus histrionique et ambitieux que ce que l’on pouvait imaginer venu du combo.

En tant que tel, You Know I’m Not Going Anywhere est de loin l’enregistrement le plus aventureux du groupe sur le plan sonore à ce jour. « Sidecar » s’écrase ainsi à travers le mur à un rythme effréné qui explose avec des vagues de travail énergique à la guitare, des gémissements de falsetto et des oohs mélodiques, tandis que  » »All The Horses Go Swimming » s’ouvre avec un accordéon qui se fond progressivement dans une piscine cristalline d’ambiance de cordes. « Descend » est l’un des morceaux acoustiques les plus lucides, chaque guitare pastorale résonnant avec la clarté d’une ballade folk à la Sufjan Stevens, avant que le tout ne se transforme en un tourbillon d’effets sonores et de bourdonnements vocaux. « Dance » tremble et s’agite avec de fortes vibrations orientales, rapidement rejointes par des interjections de synthétiseurs. L’ouverture « My Only Ghost » ressemble presque à un hymne des Fleet Foxes. Le spectre des influences serait ridicule si le chanteur Rob Grote ne faisait pas le lien entre les deux, avec ses croons et hurlements émotionnels.

Le quatrième album de The District marque un nouveau chapitre dans leur carrière. Il les voit émerger des recoins sombres et obscurs de Popular Manipulations avec une vigueur nouvelle, accompagnée d’une dynamique sonore qui n’existait pas auparavant dans leur musique. C’est un événement capital ; c’est comme s’ils prenaient l’air déprimant de Frightened Rabbit, le faisaient tourbillonner avec un penchant de The National pour les crescendos géants, puis exécutaient le tout avec le bombardement d’un album de Killers. Ce n’est pas forcément aussi déchiqueté ou aussi bon marché que les précédents albums du groupe, mais c’est aussi beaucoup plus divertissant. You Know I’m Not Going Anywhere est une percée pour The Districts, une preuve que, eux, vont bien quelque part.

***1/2

Cold Beaches: « Drifter »

Parmi les caractéristiques les plus célèbres de Chicago, on trouve l’étonnant ensemble de plages aménagées qui s’étendent sur 28 miles de parcs vierges sur les rives du lac Michigan. Dans une ville également connue pour ses hivers brutalement froids et ses vents incessants, l’existence même de plages de classe mondiale semble être une anomalie, mais elle est tout à fait logique en tant que source de soulagement nécessaire en été pour les habitants de la ville privés de soleil après avoir enduré les longs hivers froids. La juxtaposition de la joie de vivre estivale et de la détermination d’acier qui découlent de l’exposition aux éléments extérieurs est également présente sur Cold Beaches et son Drifter, un album qui porte ses influences sur sa pochette et qui ressemble à un produit profondément personnel d’un temps et d’un lieu spécifiques.

Drifter est le point culminant de cinq années de démos, de singles et d’EPs du cerveau de Cold Beaches, à savoir Sophia Nadia, et propose un buffet de styles indie rock contemporains qui servent de plateforme à sa perspective lyrique unique. Il y a de nombreux points de contact musicaux auxquels Drifter fait référence tout au long de l’album, allant du rock garage impétueux le plus souvent associé à la sortie angulaire de Ty Segall, au psychédélisme teinté de soleil et de sépia, emprunté à des groupes de la côte ouest comme Sugar Candy Mountain. La voix et la cadence de Nadia rappellent souvent celles d’Angel Olsen, tandis que la présence de sons de guitare caractéristiques semble directement issue d’une source plus décontractée, de type beachbum. Bien qu’il ne soit pas toujours totalement original, le jeu est techniquement astucieux et la production est de premier ordre, ce qui confère à l’ensemble de l’album une sorte de familiarité confortable aussi facile à revêtir que tout type d’accoutrement. Le résultat est une expression personnelle construite à partir de styles variés et existants, comme un ensemble de vêtements confectionnés à partir d’un après-midi passé à fouiller les rayons des friperies des grandes villes, toujours assez unique pour se démarquer, mais pas au point de faire du bruit.

La première moitié de Drifter est dure comme le roc, Nadia adoptant la position de pouvoir indépendante et provocante d’un leader féminin fort, en opposition à l’objectivation superficielle des femmes et au comportement juvénile de la scène musicale dominée par les hommes. Les dents bien ancrées dans la détermination, Nadia appelle les musiciens avec des barbes piquantes enveloppées dans des crochets ensoleillés comme un parapluie noir coincé dans le sable chaud de juillet sur la plage de North Avenue. Ne confondez pas l’ambiance avec la tristesse ou même la colère, il y a une poussée d’énergie électrique qui souligne les expériences de Nadia et les encadre comme un carburant pour sa production musicale qui lui permet d’aborder des problèmes plus importants et des sentiments personnels avec un clin d’œil sans être trop cavalier.

« Band Boy (Redux) » est peut-être le morceau le plus fort de l’album, car Nadia, exaspérée, y fait passer un traité contre le droit masculin à l’affection féminine sur un rythme entraînant et des guitares mélodiques. « Pourquoi je ne peux pas aimer votre groupe ? Qu’est-ce qu’il vous faudra pour comprendre ? Je ne vis que pour le rock n roll, tout ce que vous voulez, laissez-moi tranquille » est une thèse du 21e siècle sur le besoin urgent d’égalité et de respect qui est absolument essentiel dans le climat social actuel, mais surtout sur la scène musicale.

Aux deux tiers du parcours de Drifter, le ton change brusquement. Un léger riff de piano se fond harmonieusement dans un enregistrement de boîte vocale exprimant des désirs nostalgiques de se rebiffer sur « I Miss You So So Much, I Really Do », mais le ton suggère un manque de véritable connexion émotionnelle avec le destinataire. À partir de là, l’album devient carrément triste. Cold Beaches s’appuie fortement sur la psychedelia, alors que Nadia adopte son meilleur Angel Olsen tout en exprimant des émotions qu’elle a gardées fermement cachées derrière la dure façade des morceaux précédents de l’album. Pour finir, avec le détaché et mélancolique « Go Easy On Me », les souvenirs saudoyants d’une affaire passée filtrent dans l’air sur les transmissions radio, pour finalement laisser place à une outro instrumentale qui donne l’impression que le soleil couchant projette de longues ombres sur les plages artificielles de Chicago ou que la douce haleine de l’été cède la place aux froides réalités d’un autre hiver agité du Midwest.

****

Ganser: « Just Look At That Sky »

Pas tout à fait punk, pas tout à fait post-punk, pas tout à fait alt. rock, mais toujours indie, et très Chicago. C’est ainsi que se décrit Ganser, un quatuor réputé pour son style musical sardonique, presque maniaque, auquel s’ajoute une présence énergique en live. Fidèle au son angoissant du groupe, le dernier album de Ganser est truffé d’anxiété et de tension, mais ce qui est peut-être le plus intéressant dans Just Look At That Sky, c’est la façon dont le groupe exprime ses thèmes lyriques – la contradiction entre croissance et amélioration s’avérant infructueuse ; la production est un peu plus soignée, la performance aussi serrée que le groupe l’a jamais été… en tous points, Just Look At That Sky est le meilleur son que Ganser ait jamais enregistré. Et pourtant, ce n’est pas un changement radical par rapport à ce que nous avons entendu lors de sorties passées comme Odd Talk ou You Must Be New Here. En fait, on pourrait faire valoir que Ganser n’a pas du tout progressé et, selon toute vraisemblance, les musiciens eux-mêmes seraient les premiers à le soutenir. Mais là encore, peut-être pas ? Est-ce vraiment important ? Comme on l’a dit, cet album est le meilleur que le groupe ait jamais produit, Alicia Gaines et Nadia Garofalo ayant troqué leurs fonctions vocales contre le yin et le yang d’un état d’esprit fracturé – à la fois calme et maniaque, recherchant la sérénité tout en la trouvant dans l’étreinte du chaos. Avec la précision de Brian Cundiff à la batterie, les grooves de Gaines à la basse, les touches atmosphériques de Garofalo aux claviers et les riffs de guitare stridents et grinçants de Charlie Landsman évoquant le son des premiers Killing Joke, chaque morceau de l’album offre une gamme d’émotions contradictoires qui ne manqueront pas de confondre et même de captiver l’auditeur.

Il y a les tourbillons psychédéliques et les rythmes stridents de « Told You So », avec les répétitions de « I’ll wake up tomorrow all righ » », et le trompeur et dansant « Emergency Equipment and Exits », au guttural mais harmonieux, « Self Service » bruyant mais mélodieux, rappelant la vague de Nina Hagen, un peu déséquilibrée et décalée, la parole troublante de Sean Gunderson, les guitares rêveuses et l’ambiance nuageuse de « [NO YES] », la batterie galopante, les accompagnements de cor martiaux et d’hymnes, et le chant bluesy de la chanson de clôture « Bags For Life ». ” Il suffit de dire que Ganser appuie sur tous les boutons – bons ou mauvais – de Just Look At That Sky pour rappeler à l’auditeur chaque moment d’inquiétude et d’incertitude. C’est inquiétant, c’est sûr, mais… vous pourriez vous en remettre suffisamment pour apprécier la performance de Ganser au sommet de son art.

***1/2

Madeline Kenney: « Sucker’s Lunch »

Madeline Kenney, chanteuse originaire d’Oakland en Californie, n’est pas intéressée par une approche simple. La sienne est en spirale et en couches où la guitare défie toute catégorisation facile, tout comme son aversion pour les accroches de la mélodie pop traditionnelle. Sur son troisième disque, Sucker’s Lunch, Kenney applique cette instance musicale idiosyncrasique aux complexités des relations. 

Elle continue ainsi à montrer une affinité pour les chansons qui s’envolent et tourbillonnent avec intensité cet opus. Ces morceaux peuvent sembler minimes au départ, mais il y a une beauté en couches qui se révèle à l’écoute. Kenney se rapproche du son art rock de ses débuts (Night Night at the First Landing en 2017) sur Sucker’s Lunch, en incorporant sa guitare comme un morceau mélodique majeur dans ces compositions. Mais elle continue également à s’appuyer sur les harmonies chatoyantes et les éléments électroniques de son deuxième album de 2018, Perfect Shapes. L’approche mélodique de Kenney vient souvent d’un angle inattendu, comme sur « Sugar Sweat », où son chant éthéré est soutenu par des lits luxuriants de synthés, des accents de saxophone et ses lignes de guitare filiformes. Bien qu’elle ne soit pas toujours immédiate ou familière, la musique de Kenney montre une puissance captivante. 

Jenn Wasner de Wye Oak a produit Perfect Shapes revient, cette fois-ci avec son compagnon d’orchestre Andy Stack, alors qu’ils prennent tous deux en charge la coproduction. Leur production est un élément particulièrement fort, donnant à certaines chansons, comme « White Window Light », une présence instrumentale imposante, tandis que d’autres, comme « Sweet Coffee », reçoivent une subtile chaleur.

Tout comme Kenney cherche le chemin le moins fréquenté musicalement, elle est tout aussi réticente aux réponses faciles sur le plan lyrique. Au lieu de cela, elle se penche sur les réalités difficiles de l’amour. « Double Hearted » voit l’artiste être déchiré dans différentes directions, la capturant dans un moment de spirale qui atterrit vers le point bas émotionnel de « Cut the Real » oùelle semble nier même la réalité autour d’elle. Ailleurs, dans la ballade intime « Sucker », Kenney va réfléchir à l’investissement continu d’énergie dans un amour fragile. 

De même, les chansons d’amour de Kenney ne sont pas maladivement douces ou flatteuses. Elle s’inspire plutôt de la tension entre la réserve romantique et le désir de se jeter dans l’amour avec un abandon inconsidéré. Kenney implore son partenaire, « Please/just forget me » tout en désirant une intimité vraiment vulnérable sur « Tell You Everything ». Il n’y a pas de solution facile à ce problème. Kenney aspire plutôt à la paix dans les moments banals, que ce soit dans l’imagerie romantique simple de son partenaire baigné de lumière ou dans la connexion quotidienne du partage d’une tasse de café. 

Tout comme son prédécesseur, Sucker’s Lunch ne révèle pas tout ce qu’il a à offrir dès la première écoute. Il s’agit plutôt d’un album à combustion lente, avec la voix immaculée de Kenney et des instruments curieux qui attirent l’auditeur dans son labyrinthe compliqué d’émotions. Alors que l’auditeur retire les couches de mélodies vitreuses et les bords discordants, on trouve un témoignage intime des contradictions inhérentes à l’amour.

***1/2

Land of Talk: « Indistinct Conversations »

Indistinct Conversations, le dernier album du groupe montréalais Land Of Talk, est fidèle à son nom. La chanteuse Elizabeth Powell ne chante que des traces de pensées sur ce qu’elle ressent ou essaie de parler tout au long du disque, sans jamais faire connaître complètement l’histoire à l’auditeur. 

Sur des chansons comme « Weight of That Weekend », Powell fait allusion à la récupération émotionnelle d’une série de jours importants. « Maintenant je le ressens, je m’assieds avec lui pendant que j’attends près de la lune », chante-t-elle. « Parce que je ne dors pas. » (Now I feel it, sit with it while I wait by the moon…‘Cause I’m not sleeping.)

Il y a un côté mélancolique et contrôlé dans la plupart des titress, soutenu par Mark « Bucky » Wheaton à la batterie et aux clés, et Christopher McCarron à la basse, mais c’est la voix de Powell qui reste la plus frappante. C’est une voix légère, qui va aussi bien dans les aigus que dans les graves, qui souffle facilement le long des morceaux et qui ne semble jamais déplacée. Des chansons plus calmes et acoustiques comme les magnifiques « Festivals » mettent clairement en évidence l’émotion et le talent de Powell.

Et bien que les paroles soient vagues, il y a toujours des citations mémorables tout au long du morceau. « Get lost in a dream, now we can’t escape it. Know this ice was once warm water » ,(Se perdre dans un rêve, maintenant on ne peut plus y échapper. Sachez que cette glace était autrefois de l’eau chaude ) elle trille sur la chanson « Footnotes », qui comporte également un riff de guitare hypnotique, en forme de ver d’oreille. Indistinct Conversations se termine par une collection de bribes de conversations téléphoniques. Ils s’entremêlent et n’apportent aucune réponse, mais c’est la fin d’une collection de chansons fortes et mystérieuses.

***

bdrmm: « Bedroom »

bdrmm est un quintette de Hull, en Angleterre, et il est peut-être l’ensemble musical le plus chargé en consonnes de la planète en ce moment. Mais ce qui leur manque peut-être dans l’utilisation des voyelles, ils le compensent largement dans le domaine de la musique.

C’est une introduction captivante pour le groupe, qui est sorti de ses humbles débuts dans l’East Yorkshire en 2016 pour sortir le « single » « Kare » deux ans plus tard. Il n’est pas étonnant qu’ils aient été signés sur un label bien établi très tôt après avoir reçu de nombreuses critiques élogieuses. Ainsi, lorsque l’estimé label indépendant Sonic Cathedral Recordings a fait appel à nous, l’alliance entre bdrmm et le label est née.

L’année dernière un EP a fait du combo l’un des nouveaux groupe à guitares les plus excitants et prmetteur du Royaune-Uni et Bedroom, leur premier LP, rconfirme pleinement sa promesse tout en laissant entrevoir des choses encore plus grandes à venir. Le titre, qui explique le nom du groupe en anglais plutôt qu’en langage textuel, démontre une maturité qui va bien au-delà de ce que leur surnom suggère.

Composé de 10 titres, Bedroom donne l’impression d’être transporté dans un drame de cuisine où se mêlent des histoires de grossesse non planifiée, d’abus d’alcool, de santé mentale et les montagnes russes générales de la vingtaine dans l’Angleterre post-Brexit qui se retrouvent noyées dans un paysage sonore chatoyant qui rappelle l’époque d’Oshin DIIV, de Deerhunter ou même The Cure dans leur version la plus grandiose et la plus ambiante.

Bedroom est une sorte d’album concept qui change d’ambiance à chaque tonalité, qu’il s’agisse de l’ouverture instrumentale subtile « Momo » ou de sa transition vers les hauteurs vertigineuses de « Push/Pull ». Le couple délirant de « Gush » et « Happy » est pris en sandwich au milieu, et se retrouve écrasé dans « (The Silence) », un autre instrument sombre (cette fois-ci) qui sert de tampon pour la suite.

« If…. » »reprend le rythme avant que l’avant-dernier moment épique de Bedroom, « Is That What You Wanted To Hear ? », ne conduise à un dernier crash où l’album s’arrêtera. Le prochain chapitre de ses créateurs semble être sur le fil du rasoir, laissant tout le monde en suspens après ce « debut » album confiant et assuré qui exige une suite.

***1/2

Creeper: « Sex, Death & the Infinite Void »

Dans cette fable cathartique, Creeper élève monumentalement son approche sonique et éclipse même son premier album de 2017, Eternity, In Your Arms. Le groupe énigmatique a délibérément laissé tous ses talents fusionner et se fondre pour créer un récit captivant sur ce Sex, Death & the Infinite Void, un récit dont l’intrigue s’épaissit et où l’obscurité échappe à la lumière. Infatigables dans leur prestation, ils parviennent également à concevoir une atmosphère et un drame – idéal pour les amateurs de théâtre.

Tout au long de Sex, Death & the Infinite Void, les influences s’allument et prennent le contrôle. Des groupes comme Alkaline Trio et même The Cure seraient ravis de voir comment tout cela a tourné. En tant que pionniers du monde des ténèbres, ils pourraient tirer des conseils du livre de Creeper trempé de cramoisi ; des pages où tous les secrets pourraient être dévoilés.

Sur le plan des paroles, ce disque est d’une créativité qui dépasse toute attente. Créatif dans un sens où chaque chanson tisse des histoires d’antan et de jours mélancoliques passés à boire sous des arbres pourris et dans des pièces où tout amour a été aspiré à sec. L’écriture est poétique : elle est morose et loin d’être jubilatoire, mais elle est merveilleuse.

« Be My End » fonctionne comme un début de feu rapide car ces simples riffs de guitare complètent le chant strident. Avec le temps, il devient un rythme contagieux. « Poisoned Heart » nous fait découvrir une histoire cathartique, un cocon rempli de rythmes musicaux. Il résiste bien aux chansons précédentes, et ce refrain complète la contribution, en y ajoutant des éléments émotionnels. « Four Years Ag » » présente une fois de plus la brillante voix d’Hannah Greenwood : elle semble émotionnellement attirée par l’amour et c’est une inclusion bienvenue. »Napalm Girls » présente un refrain complet, un coup de poignard dans l’abrasivité, et le chanteur Will Gould montre ici sa palette. Magnifiquement composé, c’est Creeper à son meilleur.

Le dépassement des limites peut être dans l’esprit de chaque groupe qui fait de son mieux pour y arriver. Creeper a réussi, c’est certain, et on ne peut pas nier le courage dont ils ont fait preuve. Mais ont-ils brisé les frontières avec leur nouveau LP ? Ce serait un oui retentissant. 

Le combo nous livre un disque presque parfait. Un album parsemé de courants émotionnels qui s’élèvent à travers de sombres tourbillons. Dès le début, il nous commande de tomber sous son immense étincelle musicale et lyrique pour que des larmes apparaissent et noient toute agitation autour de nous.

***1/2

Indian Queens: « God Is A Woman »

Au cours des deux dernières années, et au cours d’un bon nombre de brillants concerts, Indian Queens ont fait quelque chose que tout groupe devrait faire avant de sortir son premiealbum : ils ont construit des fondations très solides pour qu’il puisse se maintenir. Ils ont affiné leur son, l’ont rendu immédiatement reconnaissable dans toutes ses composantes caractéristiques : l’équilibre entre la rugosité et la délicatesse du chant, les lignes de basse dures, presque tranchantes, les vifs changements de rythme dictés par la batterie. C’est un son très spécifique à ce groupe, qui joue fortement dans la création d’une ambiance atmosphérique mais qui ne craint pas les sons plus durs quand ils sont nécessaires. En ce sens, God Is A Woman, le premier album du groupe sorti début avril, est l’aboutissement logique d’une trajectoire assez linéaire. C’est certainement un album très « Indian Queens-sounding », mais avec un certain nombre d’imperfections maintenant atténuées et supprimées, et une certaine profondeur supplémentaire. Le chant conserve encore sa qualité particulière de fluide par endroits et de griffé par ailleurs, mais il est maintenant généralement plus corsé ; la basse obsédante est toujours là, encore plus perceptible que par le passé, grâce aussi à une production très serrée et attentive.

Le sentiment de familiarité est accru par le fait que les spectateurs des concerts reconnaissent immédiatement un certain nombre de favoris dans la liste des morceaux.

L’intense, presque hypnotique, « I Get No Rest » est diffusé en un point central de l’album, tout comme les vieux « singles », « Pretty Little Thing », qui contient l’un des riffs caractéristiques de cet album et quelques belles guitares sales, et « Us Against The World », qui semble qu’à première vue plus léger que l’intensité et la complexité des autres morceaux. Indian Queens ont toujours eu un éventail de nuances assez large et ce disque en est une bonne illustration : des touches plus délicates offertes par des morceaux comme « Concrete Lips » (qui, malgré le titre, a un toucher très doux et une atmosphère aérée, aidée par un excellent jeu de voix) à une utilisation audacieuse de la distorsion dans des chansons comme « Warning Sign », qui commence avec un son presque farfelu et joue ensuite avec des touches de dissonance plus subtiles autour de ses guitares, ou « Shoot For Sexy » » qui a une ouverture inventive et immédiatement reconnaissable et une maîtrise très audacieuse des notes aiguës, et qui est l’une des chansons les plus originales de ce disque.

C’est aussi un groupe aux nombreuses influences, et c’est une expérience intéressante que d’essayer de les suivre toutes, aussi agréable que de se lancer sans trop de réflexion cérébrale et de suivre le courant. Il y a quelque chose de distinctement grunge dans les choix faits avec la section rythmique, en particulier dans la basse, et une touche de rock psychédélique, style années 80, dans des morceaux comme « You Came Over Late ». Une teinte de blues apparaît également dans certaines chansons plus lentes, et il est possible que le titre « Some Kinda Blue » y fasse ouvertement allusion, l’un des morceaux où elle est la plus forte. Les Beatles font surface ici et là, et on pourrait dire qu’ils sont présents en arrière-plan tout au long du disque, et ils sont directement cités, tant au niveau des paroles que de la musique, dans l’ouverture de l’album « Bubblewrap » qui amène l’auditeur au disque avec une déclaration très audacieuse : tout le reste mis à part, Indian Queens reste avant tout un groupe de rock, et ils ne laisseront personne l’oublier. Ce n’est pas un hasard si les deux chansons qui vont le plus loin dans l’ambiance rock sont la première et la dernière de la tracklist – la dernière, « Walk », avec un chant très guttural et une certaine atmosphère des années 60.

« Qui veut commencer une révolution ? » (Who wants to start a revolution?) demande la chanson titre God Is A Woman (une autre chanson très Beatles, mais avec une ligne de basse très grunge, comme il se doit ; elle résume presque tout le disque). Il ne s’agit pas seulement d’une phrase prétexte, mais aussi d’une déclaration d’intention pour l’ensemble du disque. Il reste à voir quel genre de révolution Indian Queens veulent lancer, mais il est facile d’avoir quelques doutes : pour commencer, une révolution dans laquelle les chanteuses ne sont pas classées dans une catégorie imaginaire de « musique à visage féminin » qui doit sonner d’une manière très spécifique. Ce qu’il faut retenir de cet album, en fin de compte, c’est que Indian Queens sonnent comme Indian Queens, et personne d’autre, qu’il s’agisse de chanteuses ou non.

Ce premier album qui porte les empreintes de la formation et, d’une certaine manière, on a l’impression que c’est la fin de quelque chose autant que le début de quelque chose de nouveau. C’est un point de départ, mais aussi le point culminant d’un chapitre de l’histoire personnelle d’un groupe qui se sent maintenant tout à fait prêt à aller explorer davantage, de nouvelles directions. Ils avancent à partir d’une position très forte, et ce sera certainement un voyage intéressant.

***1/12

Katie Malco: « Failures »

Nous avons toujours besoin de nouvelles voix dans la scène de indie-rock, en particulier de voix féminines, pour un genre qui est encore dominé par les hommes.  Surtout dans la musique alternative, il est très facile de se contenter d’écouter les musiciens dont on est tombé amoureux quand on est tombé amoureux de la musique, généralement pendant la période entre la puberté et le moment où le quotidien prend enfin le dessus.  Peut-être que vous écoutez leurs nouveaux albums, mais ceux-ci ne sont jamais aussi bons que ceux de votre jeunesse – il ne s’agit pas de trouver de nouveaux artistes.  Mais prenez un moment (vous en avez un paquet de libre de nos jours…) et allez voir la Britannique Katie Malco, et son solide premier album Failures.

Malco nous livre un pressage de qualité, avec des appels indie-rock sur des morceaux tels que le générique « Animal » (qui accroche joliment l’auditeur dès le départ), « September et le premier « single » « Creatures », puissant et convaincant.  Mais Failures fait montre aussi d’une tristesse beaucoup plus calme comme sur « Brooklyn », et même des morceaux qui se mélangent entre les deux dans « Let’s Go To War » et « The First Snow ».

Les chansons les plus fortes sont si efficaces qu’elles éclipsent en quelque sorte les plus douces, qui peuvent parfois traîner un peu.  Mais c’est une nouvelle voix formidable qui devrait être entendue.

***

Remo Drive:  « A Portrait of an Ugly Man »

Remo Drive n’ont pas été très longtemps sous les feux de la rampe – leur premier album est sorti il y a seulement trois ans. Mais le groupe s’est lancé dans une course effrénée à l’enregistrement et à la sortie de matériel. Avec deux LPs et deux EPs depuis 2017, le groupe est très occupé, et voici que 2020 est arrivé et que leur troisième album est prêt à être écouté par le public – A Portrait of an Ugly Man.

Leur son fantaisiste et leur capacité à danser sont clairs et forts ; sous les riffs groovy se cachent des textes magnifiquement travaillés qui feront mouche auprès des auditeurs et permettront aux fans qui n’ont entendu que cet album de ressentir l’étreinte chaleureuse de Remo Drive.

« Ode to Joy 2 » est jazzy et exécuté avec une précision délicate. À la première écoute, vous vous perdrez dans l’instrumental au point de risquer de rater le refrain magnifiquement chanté : « Oh, quel plaisir de rire de rien, à notre époque, nous avons tous le moral à zéro, un verre à moitié plein se renverse si facilement, mais n’ayez crainte, il y a toujours le prochain tour » (Oh what fun it is laughing at nothing, by this age we all have it down, a half-full glass spills so easily, but fear not, there’s always next round), et une partie d’un couplet qui ressemble à de la sève sur vos mains par la façon dont il vous colle à la peau : « Vendredi soir, puis-je vous suggérer le vin de cuisine ? Il est salé de manière insipide et jeune ; il se marie bien avec l’humeur du jour, alors faites des pompes et buvez vite » (Friday night, may I suggest the cooking wine? It’s salty in a tasteless way and young in age; it pairs well with the mood today, so pucker up and take a drink now quickly).

« Star Worship » est un jingledoté d’un tambourin harmonieux et d’une guitare bien lisse qui vous guide sur la piste. Avec des clins d’œil pas si subtils à The Dark Crystal, le duo entremêle le sombre conte fantastique et tous ceux qui ont idolâtré quelqu’un et ont voulu être vraiment lui, pour créer un morceau court mais agréable à écouter.

Une notion à laquelle on ne pense généralement pas est celle de prendre l’influence de quelqu’un et d’essayer ensuite de lui vendre votre idée. La chanson est un clin d’œil non seulement à la volonté d’être immortel, mais aussi à la vente d’une idée d’importance cruciale que vous avez volée.

Le dernier « single « sorti avant l’album – « A Flower and a Weed » – est fortement influencé par les premiers Arctic Monkeys et The Strokes et définit musicalement et lyriquement le sentiment d’être piégé dans une relation dont on veut sortir.

Avec un couplet d’une grande sincérité – « J’ai entendu dire que l’herbe est tellement plus verte quand des étrangers vous l’offrent ; je serais défoncé ; personne ne m’arrêterait jamais, si on me l’offrait » (I’ve heard the grass is so much greener when strangers offer it to you; I would be high; nobody would ever stop me, were I just offered it,) – et un refrain qui sonne extrêmement fort – « Je pourrais me contenter de moi-même ; en attendant, je vais vivre l’enfer » (I could be content with myself; until then I’ll go through hell), le groupe exécute quelque chose que beaucoup essaient mais échouent à faire – une musique joyeuse avec un contenu lyrique triste/émotif.

Souvent, la musique ou les paroles orientent la chanson dans la bonne direction : triste sur le plan musical et vocal, ou optimiste sur le plan musical et vocal. Grâce à une technique solide, le groupe fait se chevaucher les deux idées et se démarque sur l’album.

L’album de 10 titres offre ce qui pourrait être le meilleur du dance rock. Chaque morceau comporte des moments forts qui font de l’album une œuvre solide du début à la fin. Le duo s’est concentré sur lui-même d’une manière qui ne semble pas égoïste, mais plutôt pour ouvrir la porte et permettre de se voir sous un angle différent, et permettre aux autres de voir de là aussi.

Remo Drive se concentre clairement sur ce qui doit être accompli et le fait avec ce qui semble être de la facilité, avec la quantité de contenu qu’ils ont produit dans leur courte ténor. Et A Portrait of an Ugly Man en est la preuve.

***1/2