Yeah Yeah Yeahs: « Cool It Down »

1 octobre 2022

Cool It Down est certainement un titre approprié pour le cinquième album studio de Yeah Yeah Yeahs. On a vraiment l’impression d’un groupe bien dans sa peau et, contrairement à certains de ses pairs, il ne s’agit pas d’une tentative futile de raviver ou de recréer l’insouciance fanfaronne et l’énergie frénétique de leur jeunesse.

Cool It Down affiche, en effet, le son d’un groupe qui a mûri avec élégance sans perdre de sa fougue créatrice. Peut-être parce que chaque membre a été occupé par des projets solos, il est difficile de croire que cet album est leur premier nouveau matériel depuis neuf ans (Mosquito en 2013). Il est clair que la pandémie a joué un rôle en donnant au groupe un nouvel élan pour se regrouper. Karen O a expliqué qu’auparavant, elle considérait la possibilité de faire de la musique comme allant de soi :  » Pour la première fois, je me suis dit : « Et si nous ne pouvions pas le refaire ? Cette pensée ne m’avait jamais traversé l’esprit auparavant et je l’ai vraiment ressentie profondément pendant la pandémie. »

Ainsi, lorsque O a retrouvé ses collègues Nick Zinner et Brian Chase, ainsi que Dave Sitek (« en fait un quatrième membre des Yeah Yeah Yeahs, à ce stade »), il y avait un sentiment de gratitude et une curiosité féroce pour explorer ce qu’ils pouvaient créer ensemble après le traumatisme collectif d’une pandémie mondiale.

Le résultat est l’un de leurs meilleurs albums à ce jour, qui démarre avec le premier single, l’exquis « Spitting Off the Edge of the World », un titre qui se déploie avec une élégance épique et qui voit Mike Hadreas de Perfume Genius servir de contrepoids parfait à la voix dramatique et envolée d’O.

Parmi les points forts de l’album, citons le majestueux « Lovebomb », qui pourrait être un thème alternatif de Bond si ce dernier évitait la grandiloquence au profit d’une beauté discrète. Le propulsif « Wolf » est glorieux, avec un riff de synthétiseur absolument génial allié à la voix envoûtante de O. Ailleurs, « Burning » évoque le « soul rock » sophistiqué que des gens comme Mattiel maîtrisent si bien, mais O y met son empreinte unique, tandis que « Blacktop » est imprégné d’un sentiment de grandeur fatale à la Lana Del Rey. L’album se termine par le spoken word « Mars » (qui, par coïncidence, est le nom du bar de New York où Karen O a rencontré Nick Zinner), dans lequel O a une conversation onirique avec son fils. L’album est peut-être clairsemé, mais il réussit à être incroyablement émouvant, d’un autre monde et tout à fait magique.

Cool It Down ne compte peut-être que huit titres, mais il y a tellement de choses à admirer que l’on ne se sent pas lésé, en fait, cela renforce à quel point ils nous ont manqué. C’est formidable de les retrouver, et dans une forme aussi étincelante.

****


Whitney: « Spark »

22 septembre 2022

Ce devrait être un crime pour le duo Julien Ehrlich et Max Kakacek de sortir un autre de leurs albums estivaux et chatoyants à la veille de l’automne. Pourtant, Ehrlich et Kakacek continuent d’impressionner avec leur troisième album de musique originale. Spark trouve Whitney explorant les rythmes d’accompagnement, les synthétiseurs et les arrangements de cordes avec des résultats gagnants. Semblable à Forever Turned Around de 2019, Spark nécessite quelques écoutes pour que ses vrilles trouvent leur pied, mais il vaut bien cet effort pas trop pénible.

Le morceau principal « Nothing Remains » s’annonce instantanément avec des synthés qui claquent doucement et sur lesquels Ehrlich chante avec son falsetto caractéristique. L’approche plus expansive s’applique pleinement au single « Real Love », où la programmation lourdement rythmée permet un point de départ pour des refrains tourbillonnants ponctués de synthés et de touches. Enregistré aux Sonic Ranch Studios du Texas, où d’autres artistes tels que Big Thief et Waxahatchee semblent avoir trouvé une nouvelle muse, le duo cite l’instrumentation élargie de Spark comme la source d’inspiration nécessaire pour aller de l’avant.

Ceci étant dit, ce sont quelques-uns des morceaux les plus subtils qui retiennent le plus l’attention ici. « Twirl » ressemble à un magnifique extrait en clé mineure des Beach Boys, dans le genre Surf’s Up. Les notes de piano imprègnent la chanson d’une lumière douce sur laquelle Ehrlich chante l’une de ses voix les plus plaintives en décrivant le désespoir d’essayer de s’accrocher à une relation qui s’étiole. Et bien qu’une version plus longue de la chanson « Cunty Lines », qui clôt l’album, aurait pu la placer dans le domaine de « Friend of Mine » de Forever Turned Around, les refrains vocaux doublés d’Ehrlich en font l’un des meilleurs moments enregistrés par Whitney. Déjà l’un des groupes de rock indépendant les plus soudés sur scène, Spark leur donne une douzaine de flèches supplémentaires pour leur carquois et peut-être une chance pour Ehrlich de sortir de derrière la batterie et d’apaiser nos âmes directement depuis la scène.

***


Kamikaze Nurse: « Stimuloso »

11 juin 2022

Kamikaze Nurse pourrait probablement écrire de la très jolie musique, s’il le voulait. Le groupe de Vancouver le prouve sur le morceau phare de Stimuloso, « Come from Wood », avec ses arpèges de guitare en boîte à musique qui vont crescendo avec des mélodies pop étourdissantes. Mais c’est de Kamikaze Nurse qu’il s’agit – ce qui signifie qu’ils inondent la chanson de distorsion et de quelques bombes de type trémolo et vibrato.

Sur leur deuxième album (et le premier pour Mint Records), les quatre membres du groupe font preuve d’un éventail impressionnant de styles, équilibrant des accroches impeccables avec des bizarreries liées à l’art et des moments de rêve immersif. Pour nous, c’est la rêverie motorisée des six minutes de « P & O » et le flottement shoegaze de « Never Better ».

Mais le groupe a l’air tout aussi déterminé lorsqu’il frappe des accords dissonants sur des bangers art-punk comme « Aileen » et le criant « Stimuloso ». Plusieurs passages parlés tout au long de l’album apportent un sens de la théâtralité du club. Ils ont tendance à favoriser la surréalité plutôt que la clarté thématique – comme la façon dont le brûlant « Pet Meds » inclut une conversation sur un mécanicien recommandé, alors qu’il devrait s’agir d’un vétérinaire. Le morceau d’ouverture (et single principal) « Boom Josie » rassemble les nombreux styles du groupe en deux minutes et demie d’anxiété, ses paroles étant un hommage mignon au jeune enfant du guitariste Ethan Reyes.

Comme il se doit, Stimuloso a été mixé par Greg Saunier de Deerhoof – un autre groupe qui a un sens du salé et du sucré tout aussi déformé. Kamikaze Nurse couvre beaucoup de terrain en seulement 10 titres, faisant de ces 39 minutes une surcharge sensorielle de la meilleure façon qui soit.

***1/2


Deah: « Blue Skies »

27 mai 2022

On éprouve une joie particulière à entendre un album de rock qui donne l’impression que le groupe a pris du plaisir à le réaliser. C’est le cas avec n’importe quel album de Dehd, mais c’est particulièrement vrai avec leur quatrième et premier pour Fat Possum, Blue Skies, qui fait suite à leur album de 2020, Flower of Devotion, qui a incité beaucoup à surnommer  ce groupe de rock de Chicago « The Best of What’s Next ». Leur nouveau projet est la preuve que leur style punk-meets-pop insouciant, affiché avec ferveur sur des morceaux comme le luxuriant et accrocheur « Loner », n’était pas un feu de paille. Dehd est un groupe de longue date lorsqu’il s’agit de faire du rock indépendant absorbant et optimiste. Et après avoir passé plus d’heures en studio cette fois-ci, le groupe semble encore plus sûr de lui.

Sur Blue Skies, ces accroches révélatrices se manifestent à nouveau sur presque toutes les chansons – il y a même un titre intitulé « Bop », comme si le groupe, composé de la bassiste Emily Kempf, du batteur Eric McGrady et du guitariste Jason Balla, tous originaires d’Atlanta et partageant les fonctions de chanteurs, savait en écrivant ce disque qu’ils allaient créer des refrains qui s’enfonceraient dans nos cerveaux et inspireraient une boucle infinie de soirées dansantes ensoleillées. L’extrait principal « Bad Love », l’une des meilleures chansons de l’année jusqu’à présent, regorge également de lignes accrocheuses. À première vue, il s’agit d’une simple chanson surf-rock, mais elle s’inscrit dans le récit plus large de l’album sur la poursuite de la joie et l’abandon des pensées (ou des personnes) négatives qui ont tendance à nous pourrir l’esprit. « Run from the bad love », chante Kempf, proclamant plus tard « I got a heart full of redemption », avec son grognement caractéristique. « Stars », guidé par Balla, donne également la priorité à des accroches succulentes et à des paroles hors normes, dont une ligne qui dit simplement « dance baby dance ». Dehd, confronté à la question de savoir comment exister maintenant, choisit de laisser les sentiments de désespoir s’échapper de leur esprit sous forme de mélodies. Ce qu’il en reste, c’est un espoir non dissimulé.

Bien que Dehd soit souvent minimaliste, sa musique a beaucoup de cœur. Le jubilatoire « Window », qui mêle les cris de guerre de « Shout » de Tears For Fears à des tambours de marche dignes de Parquet Courts, parle apparemment de la sortie de la dépression. « Il y a un trou dans ma fenêtre / Je me demandais comment la pluie entrait » (There’s a hole in my window / I was wondering how the rain was getting in), observe Kempf. Mais ensuite, l’homonyme de l’album se dévoile : « Ciel bleu ! », crie-t-elle. Sur « Waterfall », Kempf fait à nouveau allusion au cycle dépressif qui vous engloutit et qui commence à ressembler à une ligne de base, en se souvenant que « ne pas être en contact était une sorte de captivité que j’aimais trop » (Being out of touch was a kind of captivity I loved too much . Le punchy « Clear » alimente directement « Hold », qui ne comporte que deux lignes, chantées par McGrady : « Quand je te soultiens, tu sais que c’est par amour / Quand je te ssoutiens, c’est par amour » (When I hold you up, you know it’s out of love / When I hold you up, it’s love). Bien qu’il s’agisse d’une chanson courte, elle reste l’une des meilleures de l’album – une preuve supplémentaire que Dehd peut faire beaucoup avec peu.

« Empty in My Mind » est l’une des meilleures compositions de l’album. Le groupe chante « Plutôt que d’embrasser des inconnus / Je veux embrasser un ami » (Over kissing strangers / I want to kiss a friend), luttant contre l’envie d’embrasser le confortable et le familier plutôt que la promesse de quelque chose de nouveau et de risqué. « No Difference », en revanche, se délecte de l’inattendu : « Un million de kilomètres à parcourir / Où nous allons, je ne sais pas ! » (A million miles left to go / Where we’re going, I don’t know !). Lorsque la voix de Kempf se joint à celles de Balla et McGrady, ils semblent encore plus confiants, notamment sur des lignes comme « Il y a des jours où je pense que je vais abandonner / Et d’autres où je suis content de ne pas l’avoir fait » (There are some days I think I’m gonna quit / Then some days I’m glad I never did).

Qu’ils chantent à propos de rien ou de tout à la fois, Dehd fait un indie rock contagieux et amusant, et même lorsqu’une tempête éclaire ces Blue Skies, ils courent toujours dehors, refusant de quitter le terrain de jeu. Même l’illustration de la pochette de l’album – peut-être un croquis de papillon d’enfant – semble annoncer que, malgré le fait que les chansons abordent parfois des sujets très adultes, c’est un jeu qui se manifeste sous forme de musique. C’est cet équilibre entre une narration significative et une expérimentation sans limite qui fait de Dehd l’un des groupes de rock les plus passionnants du moment. Là où certains artistes, confrontés à la dérive actuelle de notre monde, choisiraient le nihilisme ou la colère, Dehd, lui, ne cesse de rechercher la joie.

****


Sea Girls: « Homesick »

4 avril 2022

Avec un album et quatre EP’s à leur actif, on n’ergotera pas devant le fait de dire que Sea Girls n’a jamais fait une mauvaise chanson. Le quatuor londonien a transformé sa base de fans en une armée loyale d’amateurs de guitare euphoriques.

L’album est composé de treize chansons – certaines déjà connues et bien aimées, d’autres toutes nouvelles dans lesquelles Sea Girls nous emmène dans un voyage de croissance, d’amour et de relations à travers des guitares euphoriques et des paroles puissantes. 

Les trois premiers titres ont déjà été diffusés avec un « Hometown » qui est une réflexion nostalgique de l’adolescence au son d’une ligne de basse forte et de guitares pleurnichardes. Le chanteur Henry Camamile parle de ces premières rencontres avec l’alcool, les drogues et l’amour. « J’ai regardé ton nez saigner, nous n’avons pas parlé parce que ce n’était pas cool d’en parler » (I watched your nose bleed out, we didn’t talk cos it wasn’t cool to talk about en sont des paroles que l’on pourrait considérer comme percutantes. C’est un morceau honnête et intime qui parle de l’aspect toxique de la croissance. De l’adolescence à l’âge adulte, le groupe se tourne ensuite vers Sick pour évoquer le désir d’être jeune à nouveau. C’est un titre bien pensé qui juxtapose des paroles sombres à une bande-son exaltée.

« Someone’s Daughter Someone’s Son » présente un riff de guitare intime dans son ouverture lente jusqu’à ce qu’il éclate avec un mur de son. Alors que des guitares euphoriques se superposent à une batterie en plein essor, le quatuor se tourne vers les souvenirs d’une relation formatrice, une fois celle-ci terminée. L’un de mes préférés sur l’album, Paracetamol Blues, s’ouvre sur des guitares en charge qui constituent une base solide pour le reste de la chanson. Les paroles sont un doux aperçu des insécurités que nous portons dans une relation, comme « Je ne m’aime pas mais peut-être que toi oui ». C’est une chanson qui a beaucoup de poids.

« Lucky » est une chanson qui est particulièrement appropriée en ce moment. Elle parle de la possibilité de naître dans des contextes différents, et d’être reconnaissant de l’endroit où l’on se trouve en ce moment. « Parfois, les gens grandissent dans la guerre, sans savoir pour quoi les adultes se battent » (Sometimes people grow up in war, not knowing what the adults are fighting for) est un texte mélodieux qui semble particulièrement pertinent en ce moment. 

En baissant l’énergie, Sea Girls fait appel à la guitare acoustique pour prouver que leurs chansons lentes sont tout aussi bonnes que leurs chansons vives. « Cute Guys « fusionne le fingerpicking complexe avec la basse proéminente d’Andrew Noswad et des sons techno subtils pour construire un mur puissant. Jusqu’à ce que, vers la fin du morceau, une guitare électrique entre en scène de plein fouet. Soudain, le ton change et devient celui de la colère et de la catharsis.

Dans la foulée, « Friends » s’ouvre sur une guitare acoustique avant de se transformer en un morceau joyeux au message optimiste. La batterie dynamique d’Oli Khan contribue à une chanson axée sur le plaisir de passer du temps avec les personnes que l’on aime. «  chaque seconde que vous ne perdez pas est une seconde que vous ne récupérerez jamais « ( Cos every second you’re not wasting is one you’ll never get back) est le message transcendant incarné dans cette chomposition.

Le guitariste Rory Young utilise son instrument électrique pour construire des couches de riffs intrigants qui ajoutent de la profondeur à leurs chansons. C’est particulièrement vrai pour « Higher « qui est un paquet infectieux de guitares qui explore la jalousie sous un angle optimiste. « Watch Your Step » est un morceau tout aussi amusant qui sera enivrant à regarder avec une foule de spectateurs étourdis.

Pour clore l’album, « I Got You » est une chanson d’amour réfléchie. « Tu mets toujours tes mains où tu veux, ça me sauve » ( You always put your hands where you want to, it saves me) sont des paroles mélancoliques qui explorent la relation que nous désirons tous. C’est une fin douce pour un album qui vous emmènera dans un voyage énergique.

Il est clair que Sea Girls sont bien et vraiment à l’aise dans leur propre son, et Homesick est un album qui enchantera encore plus de gens à s’enticher d’eux.

***1/2


Lightning Bug: « A Color of the Sky »

10 juillet 2021

Lightning Bug crée un art calmement confiant, capable de modifier les perspectives. A Color of the Sky, la première sortie du groupe sur un label majeur, est une sucette d’été qui brille de mille feux. Des guitares acoustiques légèrement pincées et en écho donnent l’impression que l’expérience entière est destinée à être écoutée en regardant un lever de soleil, dans le calme de son jardin. Les pianos doux et ambiants semblent refléter ces rayons comme des brins d’herbe couverts de rosée. La voix d’Audrey Kang, légère mais sûre d’elle, suffit juste à faire bruisser les arbres, à faire connaître sa présence dans ce magnifique paysage sonore sans jamais essayer d’en dominer la beauté naturelle. C’est un album plein d’atmosphères et de textures à couper le souffle, un morceau de musique prêt à transporter votre esprit et votre âme.

Mais il n’y a pas que des songes éthérés, et c’est ce qui donne à A Color of the Sky des teintes plus définies, plus faciles à saisir et plus faciles à comprendre que la moyenne des sorties dream-pop/shoegaze/indie-rock. Il y a une passion naissante dans chaque chanson – une passion qui a tendance à commencer modestement, presque timidement – mais qui parvient toujours à percer de manière impressionnante. Sur «  September Song, pt. ii « , ce sont les guitares splendides et effervescentes et cet éclatement mi-creux, mi-autoritaire des percussions qui rendent la destination aussi belle que le voyage. « I Lie Awake «  est tout aussi éruptif, avec une batterie en cascade qui se fond dans des riffs électriques brûlants et des synthés criards. Il ne s’agit pas d’une série de montées en puissance post-rock génériques, cependant – les progressions sont bien trop fluides et peu fiables pour être décrites comme des montées en puissance et des « climax ». Il y a ici une approche languissante qui permet au disque de couler sans effort là où il le souhaite. Sur l’étonnant morceau-titre, par exemple, Lightning Bug s’écarte à mi-chemin de la trajectoire de ballade acoustique de la chanson pour nous offrir un mouvement de cordes et de synthés ascendants et descendants ; c’est une sérénade si sincèrement poignante et pénétrante pour l’âme qu’elle semble réparatrice. Les moments de clarté émotionnelle comme celui-ci ne sont pas constamment recherchés, mais sont au contraire laissés se développer de manière organique. C’est en partie ce qui rend cette expérience si magique : Lightning Bug n’essaie pas de vous faire ressentir quelque chose, mais crée un espace pour que vous le fassiez vous-même.

Bien sûr, si l’on s’attache aux paroles, il est facile de créer des liens personnels forts. Lang est un poète tout au long de A Color of the Sky, déplorant l’amour perdu tout en s’interrogeant sur sa place dans l’univers. L’un de ses vers les plus frappants se trouve dans « Song of the Bell », où l’on réalise peu à peu qu’elle chante sur elle-même : « Si je me vide de tout mon moi, me sentirai-je creuse ? Me sentirai-je libre ? La vérité résonnera-t-elle en moi ? L’entendrai-je ? » (f I empty me of all my self, will I feel hollow? Will I feel free? Will the truth echo through me? Will I hear it?).

Les thèmes de la perte et du deuil font fréquemment surface, qu’il s’agisse d’un regard introspectif ou de la nostalgie d’une personne qui ne fait plus partie de votre vie : « Les couleurs brûlent plus fort et les sentiments brûlent vrai / Et même les fleurs sentent plus comme toi. » ( The colors burn stronger and the feelings burn true / And even the flowers smell more like you). L’écriture ici suggère que Lang a enduré beaucoup de choses récemment, un sentiment enveloppé par l’une des premières lignes de l’album – une expression d’épuisement pur et simple, ou même de dégoût total : « Je pense que je vais apprendre à vivre ma vie aussi sagement qu’un moine / Éteindre mon téléphone et vivre seul dans une paix éternelle » (I think I’ll learn to live my life as wisely as a monk / Turn off my phone and live alone in everlasting peace). Ce ne sont pas des idées qui vous passent par la tête un soir. Lang a souffert pour elles, et un sentiment de catharsis en résulte, émanant de ce chef-d’œuvre esthétique, émotionnel et lyrique.

Lightning Bug existe depuis un certain temps – depuis leur premier album Floaters en 2015, pour être précis – mais ils ont rarement semblé aussi en phase les uns avec les autres ou aussi certains de leur objectif. C’est magnifiquement arrangé, étonnamment texturé, et évocateur d’une manière que seule la musique patiente peut être. A Color of the Sky n’est pas pressé, et son but semble être de vous ralentir également. Il vous invite à prendre conscience de ce qui vous entoure, à respirer et à trouver un certain niveau de paix intérieure. Si vous êtes un participant volontaire, Lightning Bug vous en montrera le chemin.

***1/2


Lonely The Brave: « The Hope List »

27 janvier 2021

Déclencher des émotions par la musique doit impliquer le désir. Ce groupe de rock de Cambridge a fait preuve d’un désir important au fil des ans grâce à son lyrisme sentimental qui est devenu une bouffée d’air frais chez ses contemporains. Les tournures de phrases, les mots qui tirent et signifient la rage intérieure, sont souvent collés aux sentiments personnels, mais ils sont révolutionnaires et divers. The Hope List est le nouveau rouage de cette machine à succès : le premier album avec le nouveau chanteur Jack Bennett, qui a remplacé le pionnier de la chanson David Jakes. Bien que Jakes ait quitté la scène, Bennett apporte son propre style et sa grâce immédiate sur le nouvel album.  

Le passé a été fructueux pour Lonely The Brave. Leur premier album The Day’s War est devenu un succès culte – un phénomène underground – qui consiste en un lyrisme et une musicalité parmi les plus attachants jamais présentés sur un premier album. Il a ouvert les portes de Lonely The Brave, et les auteurs et les fans de musique s’en sont émerveillés, déclarant qu’il allait devenir un classique. Première sortie mise à part, The Hope List a la même aura et les mêmes refrains entraînants que The Day’s War a défendus – et bien plus encore.

Il peut sembler audacieux de placer The Hope List dans le même cadre que This Days War, mais ce disque est plus qu’un courant sous-jacent développé. Les jours sombres sont explorés, le désespoir est un sentiment récurrent, et un nuage gonflé est suspendu au-dessus de lui, créant un audacieux sentiment de tension et de clarté. La bravoure ne semble pas être maximisée sur les disques de nos jours, car de nombreux groupes évitent d’être trop sombres, mais Lonely The Brave utilise des paroles pessimistes pour exprimer leurs convictions. Le chagrin n’entache pas leur énergie musicale, il ne fait qu’élever le niveau de l’histoire qu’ils sont prêts à raconter.

Raconter des histoires évoque des souvenirs à la fois bons et mauvais et The Hope List est une chronique expansive, fer de lance des vérités et déloge la médiocrité. Chaque chanson est monumentale et il y a un fil conducteur qui les traverse toutes. Le fait d’être spéculatif et audacieux vous permet d’obtenir des places – cela vous aide à vous propulser – et The Hope List a puisé dans la passion et le talent des membres du groupe.

La batterie et les guitares s’entremêlent avec fluidité sur « Distant Light », une chanson éclairée par un contre-courant sombre et macabre. Bennett a une voix professionnelle, et il nous fait entendre sa merveilleuse voix avec fluidité. C’est une chanson qui fait date pour «Lonely The Brave. « Chasing Knives » a l’un des refrains les plus complets du catalogue du groupe. Il est rafraîchissant, il est conduit par la guitare, ces battements de batterie ajoutent du punch. Bennett renforce à nouveau son chant à un niveau élevé. Sur le plan des paroles, il reflète l’honnêteté et est capable d’élever les esprits lorsqu’ils sont sur le point de s’effacer. Un fort crescendo alerte les sens. Keeper » est déchirant, avec un refrain qui se remplit et se répand : les instruments sont fondamentaux, mais le chant et le jeu de mots solennel le sont aussi. Il n’y a pas de fureur ici. 

Lonely The Brave est une formation talentueuse. Ils connaissent la souffrance et la façon dont le monde peut reposer sur des épaules fatiguées. The Hope List livre la rage et la tristesse dans une égale mesure, et c’est une sortie fondamentale pour le groupe de Cambridge.

***1/2


Cuddle Magic: « Bath »

12 décembre 2020

Il est exact que, parfois, le fait de s’imposer des contraintes artistiques peut aider notre créativité à s’épanouir, nous forcer à nous concentrer sur de nouvelles approches et à considérer l’imperfection comme un élément positif du processus créatif. Il est également vrai que nous chantons tous mieux sous la douche que partout ailleurs. Ces deux vérités sont essentielles pour apprécier le dernier album de Cuddle Magic, Bath.

L’idée a germé il y a quelques années, lorsque le groupe de six musiciens a aménagé son espace de vie commun pour en faire un grand studio d’enregistrement organique. Mais rien n’a vraiment collé, à part un enregistrement : une chanson créée avec le groupe entassé dans la salle de bain, chantant autour d’un orgue de pompe. Des années plus tard, cette approche allait devenir la réalité du processus d’enregistrement de Bath. L’album a été enregistré entièrement dans la salle de bains, les six musiciens jouant ensemble en étroite proximité. Les sons rebondissent sur les murs, les voix se mélangent, les instruments sont joués avec une oreille pour trouver un mélange acoustique parfait entre eux. La contrainte de limiter l’enregistrement à un seul espace, non conventionnel, transforme l’album en une exploration de la manière dont nous enregistrons et collaborons.

L’installation fait des merveilles pour Bath, qui sonne organiquement luxuriant et stratifié grâce à la réverbération de la salle de bains. Ce sont des chansons dans lesquelles on peut s’enfoncer, des chansons dans lesquelles on peut s’imprégner en brûlant une jolie bougie. L’orgue à pompe pose les fondations moussues sur lesquelles dansent les guitares acoustiques – tandis que Benjamin Lazar Davis et Kristin Slipp offrent des chants qui, d’une certaine manière, parviennent à être délicats et imposants en même temps, comme quelqu’un qui vous donne un message important dans un rêve.

S’il y a un inconvénient aux contraintes techniques de Bath, c’est que ses titres peuvent commencer à se fondre les unes dans les autres, chacune ayant un timbre assez semblable qui sacrifie la mémorisation pour la cohésion. Mais cet inconvénient est surtout atténué par les lignes mélodiques de l’album, dont certaines restent dans votre tête pendant des jours. Sur des morceauxcomme « What if I » et « Singalong », les refrains sont travaillés avec précision, en utilisant une répétition parfaite pour vous accrocher l’oreille. Ainsi, cette dernière chanson s’oppose également à un « critique musical paresseux qui veut être cruel » (lazy music critic who wants to be cruel), tout en nous faisant nous dire que, peut-être, nos réflexions et mots ne sot que temps perdu.

L’élément le moins cohérent du disque réside en fait dans ses textes ; ils fluctuent entre ces divers qualificatifs que sont émouvants et utiles, mais aussi maladroits. La plupart des morceaux documentent l’amour et la tendresse avec sérieux, sinon avec illumination. Il y a, toutefois, des morceaux marquants, comme « Working on Me », une ode au perfectionnement et un appel à la patience que nous pourrions tous faire à un ami ou à un partenaire en essayant de nous améliorer. Moins fréquemment, certaines lignes se distinguent par leur maladresse : La déclaration de Slipp selon laquelle son amour est « plus grand que le lapin de Pâques le jour de Pâque » (bigger than the Easter Bunny on Easter Day) n’est pas très romantique, et encore moins logique. 

Dans une certaine mesure, cependant, la véritable thèse de Bath réside dans sa forme, et non dans son contenu. Il s’agit d’un document sur notre relation les uns avec les autres, la magie qui peut être simplement de coexister dans un espace ensemble. Il y a un monde où le dispositif d’enregistrement du dique se lit comme un gadget, mais ce monde n’est pas celui dans lequel nous vivons actuellement ; alors que lin est ici, relégué à l’isolement en raison de la pandémie, il y a matière à touver une profondeur dans Bath. C’est une belle chose en effet que celle de six amis et collaborateurs qui partagent un espace et produisent de l’art ensemble. Cela aurait été facile à prendre pour acquis, mais au lieu de cela, il sert maintenant de témoignage d’une chaleur à laquelle nous pouvons espérer revenir.

***1/2


Al Riggs & Lauren Francis: « Bile & Bone »

23 septembre 2020

Bile and Bone est le nouvel album de l’auteur-compositeur Al Riggs et de l’annihilatrice de guitare Lauren Francis. Après deux ans de travail, entre d’innombrables projets parallèles, « singles » et albums, et une première au festival de musique de Hopscotch en 2019, Al et Lauren ont enregistré cet album de neuf chansons dans deux appartements différents à New York, un appartement à Durham, une maison de l’autre côté de Durham, et d’autres enregistrements dans une autre maison de l’autre côté de Durham.

Le morceau-titre représente une approche quelque peu différente de l’écriture pour Al, comme elles l’expliquent, « la chanson était une collection de lignes et d’idées que j’avais pour d’autres compositions »… J’ai commencé à les assembler et j’ai eu l’impression de créer une friperie ou un prêteur sur gages à partir de ces idées, alors la chanson est devenue l’histoire d’un prêteur sur gages ». Après un scepticisme initial quant à son originalité, Lauren Francis en est venue à aimer le morceau, « au début, je me suis dit, bon sang, ça ressemble à « This Year » des Mountain Goats, mais c’est une bonne chose. Je voulais en faire notre propre chanson… c’est depuis lors devenu mon morceau préféré parce qu’il est si simple.

Musicalement, comme les meilleures collaborations, cela ressemble à la rencontre de deux mondes musicaux. Le parcours d’Al en tant qu’auteur-compositeur acoustique se confond avec les contributions de Lauren à la guitare, au piano et, comme elle l’explique, après que les deux hommes aient débattu de l’introduction d’une batterie complète, « j’ai ajouté la boucle de grosse caisse juste pour lui donner un peu d’élan ». Le morceau qui en résulte semble exister à deux rythmes différents, la voix facile d’Al et les méandres du piano semblent regarder le monde tourner, tandis que la pulsation de la grosse caisse ajoute une certaine urgence aux débats.

Les cordes et le piano électrique sont coupés par une guitare acoustique qui vacille parfois sur l’intrus. Les flirts avec le soft rock (« Werewolf »), la motorik pop (« Boyfriend Jacket ») et la ballade d’ambiance Eno-esque (« Apex Twin ») s’asseyent confortablement contre les fantômes de Fahey (« Dying Bedmaker Variations ») et les restes encombrés de poussière d’un prêteur sur gages (« Love Is An Old Bullet »).

Le morceau titre est un point culminant de fureur retenue, résumant l’air général de l’album avec un lyrisme volatile : « Je ne devrais pas être à un endroit/où je suis à genoux chaque soir/prier pour mes dirigeants/être abattu à vue » (I should not be in a place/where I am on my knees each night/praying for my leaders/to be shot down on sight) avec des harmonies pop classiques fournies par Rook Grubbs (Vaughn Aed).

« Love is An Old Bullet » sera pour certains une belle introduction, et pour ceux qui le savent déjà, un rappel supplémentaire que la combinaison d’Al et Lauren vient peut-être de commettre ici un disque convaincant de chez convaincant.

***1/2


Cults: « Host »

21 septembre 2020

« Trials », le morceau d’ouverture et le deuxième « single » du dernier album de Cults, Host, s’affiche avec une ligne de basse qui rôde comme l’envahisseur charismatique que chante la vocaliste Madeline Follin – « turning down the light / till you’re the only thing I see » (baisser la lumière / jusqu’à ce que tu sois la seule chose que je vois). Les cordes tendues qui ouvrent et ferment le morceau dans un élan quelque peu grandiose de nostalgie western spaghetti ne sont qu’un signe de la nouvelle gamme que Cults recherche.

Ici, sur leur quatrième album, ils ont fait quelques changements ; Follin révèle ses propres chansons pour la première fois et ils ont enregistré en utilisant des instruments en direct, ce qu’ils n’avaient pas exploré auparavant. Cette nouvelle production, plus expansive et expérimentale, se fait lentement depuis leurs débuts en 2011 – et pourtant, on vous pardonnerait de ne pas retrouver le son plus simple de leur passé, basé sur les synthés. 

« Masquerading » et « No Risk » sont relativement dépouillés et laissent les jeunes paroles de Follin s’étirer, ce qui en fait deux des morceaux les plus immédiatement captivants ici – et, à moins de trois minutes, il se trouve qu’ils sont aussi deux des morceaux les plus courts, ce qui n’est pas une coïncidence. Ce n’est pas que tout le reste soit long, c’est qu’ils sont ennuyeux.

Mais tout n’est pas dans ces nouveaux éléments. Si les arrangements de cor et de cordes donnent une teinte naturelle et plus dérangeante qui fonctionne (surtout sur « 8th Avenue »), c’est parfois l’électronique écrasante de Brian Oblivion qui enterre les éléments émotionnels. Le meilleur exemple en est « Spit You Out », un cliquetis qui – même s’il essaie – ne va nulle part, ce qui est ironique étant donné que le sujet de la chanson est d’échapper à ceux qui vous tirent vers le bas.

Cults ont toujours eu un charme créé en grande partie par leur simple son rétro ensoleillé qui dissimulait le désespoir et l’obscurité de leur contenu lyrique. C’est toujours le cas, et avec la lente distorsion de « Shoulders To My Feet », ils ont même réussi à tordre le son et les paroles ensemble mieux qu’auparavant. Sur ce morceau, Follin considère une relation toxique et la dévotion parasitaire que nous accordons souvent à ceux que nous ne comprenons pas : « Des épaules à mes pieds, tu es tout ce dont j’ai besoin / si seulement je pouvais calmer mon esprit » (Shoulders to my feet you’re everything I need / if only I could quiet my mind).

Host est un disque cohérent dans son élan vers la liberté, et le son et les paroles l’incarnent. Parfois, cela leur permet vraiment de s’envoler, et parfois, il faut se battre pour y arriver seul. C’est formidable de voir Cults prendre des risques et aller de l’avant, mais plus que tout, cela vous fait regretter leur passé.

***1/2