No BS: Just Rock & Roll!

Ce devrait être un crime pour le duo Julien Ehrlich et Max Kakacek de sortir un autre de leurs albums estivaux et chatoyants à la veille de l’automne. Pourtant, Ehrlich et Kakacek continuent d’impressionner avec leur troisième album de musique originale. Spark trouve Whitney explorant les rythmes d’accompagnement, les synthétiseurs et les arrangements de cordes avec des résultats gagnants. Semblable à Forever Turned Around de 2019, Spark nécessite quelques écoutes pour que ses vrilles trouvent leur pied, mais il vaut bien cet effort pas trop pénible.

Le morceau principal « Nothing Remains » s’annonce instantanément avec des synthés qui claquent doucement et sur lesquels Ehrlich chante avec son falsetto caractéristique. L’approche plus expansive s’applique pleinement au single « Real Love », où la programmation lourdement rythmée permet un point de départ pour des refrains tourbillonnants ponctués de synthés et de touches. Enregistré aux Sonic Ranch Studios du Texas, où d’autres artistes tels que Big Thief et Waxahatchee semblent avoir trouvé une nouvelle muse, le duo cite l’instrumentation élargie de Spark comme la source d’inspiration nécessaire pour aller de l’avant.

Ceci étant dit, ce sont quelques-uns des morceaux les plus subtils qui retiennent le plus l’attention ici. « Twirl » ressemble à un magnifique extrait en clé mineure des Beach Boys, dans le genre Surf’s Up. Les notes de piano imprègnent la chanson d’une lumière douce sur laquelle Ehrlich chante l’une de ses voix les plus plaintives en décrivant le désespoir d’essayer de s’accrocher à une relation qui s’étiole. Et bien qu’une version plus longue de la chanson « Cunty Lines », qui clôt l’album, aurait pu la placer dans le domaine de « Friend of Mine » de Forever Turned Around, les refrains vocaux doublés d’Ehrlich en font l’un des meilleurs moments enregistrés par Whitney. Déjà l’un des groupes de rock indépendant les plus soudés sur scène, Spark leur donne une douzaine de flèches supplémentaires pour leur carquois et peut-être une chance pour Ehrlich de sortir de derrière la batterie et d’apaiser nos âmes directement depuis la scène.

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Kamikaze Nurse pourrait probablement écrire de la très jolie musique, s’il le voulait. Le groupe de Vancouver le prouve sur le morceau phare de Stimuloso, « Come from Wood », avec ses arpèges de guitare en boîte à musique qui vont crescendo avec des mélodies pop étourdissantes. Mais c’est de Kamikaze Nurse qu’il s’agit – ce qui signifie qu’ils inondent la chanson de distorsion et de quelques bombes de type trémolo et vibrato.

Sur leur deuxième album (et le premier pour Mint Records), les quatre membres du groupe font preuve d’un éventail impressionnant de styles, équilibrant des accroches impeccables avec des bizarreries liées à l’art et des moments de rêve immersif. Pour nous, c’est la rêverie motorisée des six minutes de « P & O » et le flottement shoegaze de « Never Better ».

Mais le groupe a l’air tout aussi déterminé lorsqu’il frappe des accords dissonants sur des bangers art-punk comme « Aileen » et le criant « Stimuloso ». Plusieurs passages parlés tout au long de l’album apportent un sens de la théâtralité du club. Ils ont tendance à favoriser la surréalité plutôt que la clarté thématique – comme la façon dont le brûlant « Pet Meds » inclut une conversation sur un mécanicien recommandé, alors qu’il devrait s’agir d’un vétérinaire. Le morceau d’ouverture (et single principal) « Boom Josie » rassemble les nombreux styles du groupe en deux minutes et demie d’anxiété, ses paroles étant un hommage mignon au jeune enfant du guitariste Ethan Reyes.

Comme il se doit, Stimuloso a été mixé par Greg Saunier de Deerhoof – un autre groupe qui a un sens du salé et du sucré tout aussi déformé. Kamikaze Nurse couvre beaucoup de terrain en seulement 10 titres, faisant de ces 39 minutes une surcharge sensorielle de la meilleure façon qui soit.

***1/2

Avec un album et quatre EP’s à leur actif, on n’ergotera pas devant le fait de dire que Sea Girls n’a jamais fait une mauvaise chanson. Le quatuor londonien a transformé sa base de fans en une armée loyale d’amateurs de guitare euphoriques.

L’album est composé de treize chansons – certaines déjà connues et bien aimées, d’autres toutes nouvelles dans lesquelles Sea Girls nous emmène dans un voyage de croissance, d’amour et de relations à travers des guitares euphoriques et des paroles puissantes. 

Les trois premiers titres ont déjà été diffusés avec un « Hometown » qui est une réflexion nostalgique de l’adolescence au son d’une ligne de basse forte et de guitares pleurnichardes. Le chanteur Henry Camamile parle de ces premières rencontres avec l’alcool, les drogues et l’amour. « J’ai regardé ton nez saigner, nous n’avons pas parlé parce que ce n’était pas cool d’en parler » (I watched your nose bleed out, we didn’t talk cos it wasn’t cool to talk about en sont des paroles que l’on pourrait considérer comme percutantes. C’est un morceau honnête et intime qui parle de l’aspect toxique de la croissance. De l’adolescence à l’âge adulte, le groupe se tourne ensuite vers Sick pour évoquer le désir d’être jeune à nouveau. C’est un titre bien pensé qui juxtapose des paroles sombres à une bande-son exaltée.

« Someone’s Daughter Someone’s Son » présente un riff de guitare intime dans son ouverture lente jusqu’à ce qu’il éclate avec un mur de son. Alors que des guitares euphoriques se superposent à une batterie en plein essor, le quatuor se tourne vers les souvenirs d’une relation formatrice, une fois celle-ci terminée. L’un de mes préférés sur l’album, Paracetamol Blues, s’ouvre sur des guitares en charge qui constituent une base solide pour le reste de la chanson. Les paroles sont un doux aperçu des insécurités que nous portons dans une relation, comme « Je ne m’aime pas mais peut-être que toi oui ». C’est une chanson qui a beaucoup de poids.

« Lucky » est une chanson qui est particulièrement appropriée en ce moment. Elle parle de la possibilité de naître dans des contextes différents, et d’être reconnaissant de l’endroit où l’on se trouve en ce moment. « Parfois, les gens grandissent dans la guerre, sans savoir pour quoi les adultes se battent » (Sometimes people grow up in war, not knowing what the adults are fighting for) est un texte mélodieux qui semble particulièrement pertinent en ce moment. 

En baissant l’énergie, Sea Girls fait appel à la guitare acoustique pour prouver que leurs chansons lentes sont tout aussi bonnes que leurs chansons vives. « Cute Guys « fusionne le fingerpicking complexe avec la basse proéminente d’Andrew Noswad et des sons techno subtils pour construire un mur puissant. Jusqu’à ce que, vers la fin du morceau, une guitare électrique entre en scène de plein fouet. Soudain, le ton change et devient celui de la colère et de la catharsis.

Dans la foulée, « Friends » s’ouvre sur une guitare acoustique avant de se transformer en un morceau joyeux au message optimiste. La batterie dynamique d’Oli Khan contribue à une chanson axée sur le plaisir de passer du temps avec les personnes que l’on aime. «  chaque seconde que vous ne perdez pas est une seconde que vous ne récupérerez jamais « ( Cos every second you’re not wasting is one you’ll never get back) est le message transcendant incarné dans cette chomposition.

Le guitariste Rory Young utilise son instrument électrique pour construire des couches de riffs intrigants qui ajoutent de la profondeur à leurs chansons. C’est particulièrement vrai pour « Higher « qui est un paquet infectieux de guitares qui explore la jalousie sous un angle optimiste. « Watch Your Step » est un morceau tout aussi amusant qui sera enivrant à regarder avec une foule de spectateurs étourdis.

Pour clore l’album, « I Got You » est une chanson d’amour réfléchie. « Tu mets toujours tes mains où tu veux, ça me sauve » ( You always put your hands where you want to, it saves me) sont des paroles mélancoliques qui explorent la relation que nous désirons tous. C’est une fin douce pour un album qui vous emmènera dans un voyage énergique.

Il est clair que Sea Girls sont bien et vraiment à l’aise dans leur propre son, et Homesick est un album qui enchantera encore plus de gens à s’enticher d’eux.

***1/2

Lightning Bug crée un art calmement confiant, capable de modifier les perspectives. A Color of the Sky, la première sortie du groupe sur un label majeur, est une sucette d’été qui brille de mille feux. Des guitares acoustiques légèrement pincées et en écho donnent l’impression que l’expérience entière est destinée à être écoutée en regardant un lever de soleil, dans le calme de son jardin. Les pianos doux et ambiants semblent refléter ces rayons comme des brins d’herbe couverts de rosée. La voix d’Audrey Kang, légère mais sûre d’elle, suffit juste à faire bruisser les arbres, à faire connaître sa présence dans ce magnifique paysage sonore sans jamais essayer d’en dominer la beauté naturelle. C’est un album plein d’atmosphères et de textures à couper le souffle, un morceau de musique prêt à transporter votre esprit et votre âme.

Mais il n’y a pas que des songes éthérés, et c’est ce qui donne à A Color of the Sky des teintes plus définies, plus faciles à saisir et plus faciles à comprendre que la moyenne des sorties dream-pop/shoegaze/indie-rock. Il y a une passion naissante dans chaque chanson – une passion qui a tendance à commencer modestement, presque timidement – mais qui parvient toujours à percer de manière impressionnante. Sur «  September Song, pt. ii « , ce sont les guitares splendides et effervescentes et cet éclatement mi-creux, mi-autoritaire des percussions qui rendent la destination aussi belle que le voyage. « I Lie Awake «  est tout aussi éruptif, avec une batterie en cascade qui se fond dans des riffs électriques brûlants et des synthés criards. Il ne s’agit pas d’une série de montées en puissance post-rock génériques, cependant – les progressions sont bien trop fluides et peu fiables pour être décrites comme des montées en puissance et des « climax ». Il y a ici une approche languissante qui permet au disque de couler sans effort là où il le souhaite. Sur l’étonnant morceau-titre, par exemple, Lightning Bug s’écarte à mi-chemin de la trajectoire de ballade acoustique de la chanson pour nous offrir un mouvement de cordes et de synthés ascendants et descendants ; c’est une sérénade si sincèrement poignante et pénétrante pour l’âme qu’elle semble réparatrice. Les moments de clarté émotionnelle comme celui-ci ne sont pas constamment recherchés, mais sont au contraire laissés se développer de manière organique. C’est en partie ce qui rend cette expérience si magique : Lightning Bug n’essaie pas de vous faire ressentir quelque chose, mais crée un espace pour que vous le fassiez vous-même.

Bien sûr, si l’on s’attache aux paroles, il est facile de créer des liens personnels forts. Lang est un poète tout au long de A Color of the Sky, déplorant l’amour perdu tout en s’interrogeant sur sa place dans l’univers. L’un de ses vers les plus frappants se trouve dans « Song of the Bell », où l’on réalise peu à peu qu’elle chante sur elle-même : « Si je me vide de tout mon moi, me sentirai-je creuse ? Me sentirai-je libre ? La vérité résonnera-t-elle en moi ? L’entendrai-je ? » (f I empty me of all my self, will I feel hollow? Will I feel free? Will the truth echo through me? Will I hear it?).

Les thèmes de la perte et du deuil font fréquemment surface, qu’il s’agisse d’un regard introspectif ou de la nostalgie d’une personne qui ne fait plus partie de votre vie : « Les couleurs brûlent plus fort et les sentiments brûlent vrai / Et même les fleurs sentent plus comme toi. » ( The colors burn stronger and the feelings burn true / And even the flowers smell more like you). L’écriture ici suggère que Lang a enduré beaucoup de choses récemment, un sentiment enveloppé par l’une des premières lignes de l’album – une expression d’épuisement pur et simple, ou même de dégoût total : « Je pense que je vais apprendre à vivre ma vie aussi sagement qu’un moine / Éteindre mon téléphone et vivre seul dans une paix éternelle » (I think I’ll learn to live my life as wisely as a monk / Turn off my phone and live alone in everlasting peace). Ce ne sont pas des idées qui vous passent par la tête un soir. Lang a souffert pour elles, et un sentiment de catharsis en résulte, émanant de ce chef-d’œuvre esthétique, émotionnel et lyrique.

Lightning Bug existe depuis un certain temps – depuis leur premier album Floaters en 2015, pour être précis – mais ils ont rarement semblé aussi en phase les uns avec les autres ou aussi certains de leur objectif. C’est magnifiquement arrangé, étonnamment texturé, et évocateur d’une manière que seule la musique patiente peut être. A Color of the Sky n’est pas pressé, et son but semble être de vous ralentir également. Il vous invite à prendre conscience de ce qui vous entoure, à respirer et à trouver un certain niveau de paix intérieure. Si vous êtes un participant volontaire, Lightning Bug vous en montrera le chemin.

***1/2

Il est exact que, parfois, le fait de s’imposer des contraintes artistiques peut aider notre créativité à s’épanouir, nous forcer à nous concentrer sur de nouvelles approches et à considérer l’imperfection comme un élément positif du processus créatif. Il est également vrai que nous chantons tous mieux sous la douche que partout ailleurs. Ces deux vérités sont essentielles pour apprécier le dernier album de Cuddle Magic, Bath.

L’idée a germé il y a quelques années, lorsque le groupe de six musiciens a aménagé son espace de vie commun pour en faire un grand studio d’enregistrement organique. Mais rien n’a vraiment collé, à part un enregistrement : une chanson créée avec le groupe entassé dans la salle de bain, chantant autour d’un orgue de pompe. Des années plus tard, cette approche allait devenir la réalité du processus d’enregistrement de Bath. L’album a été enregistré entièrement dans la salle de bains, les six musiciens jouant ensemble en étroite proximité. Les sons rebondissent sur les murs, les voix se mélangent, les instruments sont joués avec une oreille pour trouver un mélange acoustique parfait entre eux. La contrainte de limiter l’enregistrement à un seul espace, non conventionnel, transforme l’album en une exploration de la manière dont nous enregistrons et collaborons.

L’installation fait des merveilles pour Bath, qui sonne organiquement luxuriant et stratifié grâce à la réverbération de la salle de bains. Ce sont des chansons dans lesquelles on peut s’enfoncer, des chansons dans lesquelles on peut s’imprégner en brûlant une jolie bougie. L’orgue à pompe pose les fondations moussues sur lesquelles dansent les guitares acoustiques – tandis que Benjamin Lazar Davis et Kristin Slipp offrent des chants qui, d’une certaine manière, parviennent à être délicats et imposants en même temps, comme quelqu’un qui vous donne un message important dans un rêve.

S’il y a un inconvénient aux contraintes techniques de Bath, c’est que ses titres peuvent commencer à se fondre les unes dans les autres, chacune ayant un timbre assez semblable qui sacrifie la mémorisation pour la cohésion. Mais cet inconvénient est surtout atténué par les lignes mélodiques de l’album, dont certaines restent dans votre tête pendant des jours. Sur des morceauxcomme « What if I » et « Singalong », les refrains sont travaillés avec précision, en utilisant une répétition parfaite pour vous accrocher l’oreille. Ainsi, cette dernière chanson s’oppose également à un « critique musical paresseux qui veut être cruel » (lazy music critic who wants to be cruel), tout en nous faisant nous dire que, peut-être, nos réflexions et mots ne sot que temps perdu.

L’élément le moins cohérent du disque réside en fait dans ses textes ; ils fluctuent entre ces divers qualificatifs que sont émouvants et utiles, mais aussi maladroits. La plupart des morceaux documentent l’amour et la tendresse avec sérieux, sinon avec illumination. Il y a, toutefois, des morceaux marquants, comme « Working on Me », une ode au perfectionnement et un appel à la patience que nous pourrions tous faire à un ami ou à un partenaire en essayant de nous améliorer. Moins fréquemment, certaines lignes se distinguent par leur maladresse : La déclaration de Slipp selon laquelle son amour est « plus grand que le lapin de Pâques le jour de Pâque » (bigger than the Easter Bunny on Easter Day) n’est pas très romantique, et encore moins logique. 

Dans une certaine mesure, cependant, la véritable thèse de Bath réside dans sa forme, et non dans son contenu. Il s’agit d’un document sur notre relation les uns avec les autres, la magie qui peut être simplement de coexister dans un espace ensemble. Il y a un monde où le dispositif d’enregistrement du dique se lit comme un gadget, mais ce monde n’est pas celui dans lequel nous vivons actuellement ; alors que lin est ici, relégué à l’isolement en raison de la pandémie, il y a matière à touver une profondeur dans Bath. C’est une belle chose en effet que celle de six amis et collaborateurs qui partagent un espace et produisent de l’art ensemble. Cela aurait été facile à prendre pour acquis, mais au lieu de cela, il sert maintenant de témoignage d’une chaleur à laquelle nous pouvons espérer revenir.

***1/2