Boris Brejcha: « Space Diver »

Boris Brajcha sort ici son nouvel album Space Diver. Le producteur et DJ allemand masqué a parcouru un long chemin depuis ses débuts au milieu des années 2000. Sa musique a évolué, passant d’un minimalisme décalé à un mélange plus optimiste de house, de techno et de trance, reflétant probablement la taille de son public lors des spectacles. Aujourd’hui, sur son neuvième album, Space Diver distille ce qui a été pour lui un parcours remarquable au cours des dernières années.

Ce diqsue n’ouvre pas de nouvelles voies, mais il apporte un complément utile à son canon et au paysage de la musique électronique. Il reste ancré dans les rythmes de la house à quatre pattes, mais flirte avec divers autres genres pour garder l’auditeur engagé. Qu’il s’agisse de distorsions, de synthés à la Justice sur « To The Moon And Back », de mélodies ambiantes apaisantes sur « Blue Lake » » de musique house entraînante sur « Lieblingsmensch » et de lourdes influences trance pour « Never Look Back », on y trouve un peu de tout.

L’album cherche à combler largement le fossé entre la house et la trance, en utilisant des mélodies de type trance pour ajouter du caractère et de l’émotion à chacun des disques. Certains d’entre eux sont strictement destinés aux pistes de danse, comme le numéro d’acid velouté « Take It Smart » » Cependant, la majeure partie du disque tourne autour de la house progressive avec des rythmes endiablés et des mélodies endiablées.

Le disque tourne à 12 pistes et plus et à une heure et demie. Bien qu’il soit assez long, il semble toujours assez cohérent. Il s’intègre bien, même si certaines pistes peuvent être un peu raccourcies. Brejcha apporte le dancefloor à son album et fera venir Space Diver sur le dancefloor. Il ne s’agit pas de réécrire le dogme de la musique dance, mais de l’ajouter à l’esprit du temps actuel.

***1/2

The Lumineers et le Cycle de la Dépendance : « C’est une maladie évolutive »

The Lumineers ont saisi l’occasion de leur dernier album, III, pour mettre en lumière un sujet qui est proche de la vie de nombreux membres : la dépendance. III raconte une histoire de dépendance en trois actes. Comme l’album passe d’une chanson à l’autre, c’est l’histoire d’une famille confrontée au même problème. « C’est le secret de la famille et c’est un tabou » » dit Wes Schultz, le chanteur principal du groupe.

Le batteur Jeremiah Fraites affirme que la dépendance se produit par cycles et doit être considérée comme telle.

« Avec la toxicomanie ou l’alcoolisme, elle affecte vraiment l’individu et ensuite elle a une sorte d’effet de retombée – semblable aux effets d’une bombe à radiations – au fil du temps et des années et des années, elle tend continuellement à affecter les proches des gens », dit Fraites.

Fraites et Schultz, tous deux membres fondateurs de The Lumineers, connaissent par expérience le sentiment de ces retombées. Schultz raconte qu’il avait un ami d’enfance dans le New Jersey qui s’est lentement effondré à l’adolescence à cause de sa dépendance à la drogue. Les deux membres du groupe ont vécu cette expérience parce que l’ami de Schultz, Josh Fraites, était le frère de son futur camarade de groupe, Jeremiah.

« Je me souviens que ma mère m’a réveillé. Elle m’a dit : « Chéri, ton frère s’est fait arrêter la nuit dernière. Il a été arrêté dans une voiture vers 2 heures du matin » », raconte Fraites. « Il fumait du PCP et il était tellement drogué qu’il est entré dans cet A&P, qui était comme un supermarché local de la côte Est, et il a bu du Drano (un débouche tuyau), ce qui est tout bonnement incroyable. Je ne sais pas ce qui l’a poussé à faire ça. Mais il est resté aux soins intensifs pendant deux semaines avec des brûlures au deuxième et troisième degré sur la gorge ».

Des mois plus tard, le frère de Fraites est mort. « Vous savez qu’on parle de dépendance. C’est une maladie progressive. Ce n’est pas quelque chose où vous vous réveillez simplement et vous êtes sans abri et vous mendiez pour du crack ou de l’héroïne » ajoute Fraites.

Sur le dernier album, le groupe retrace l’évolution de cette maladie sur trois générations. La première inclut une femme alcoolique nommée Gloria Sparks. Dans la chanson « Gloria », Schultz imagine comment les enfants de Gloria la voient et comment elle se voit elle-même. « Gloria étant si importante et aussi si dysfonctionnelle, c’est en quelque sorte là que commence l’album », explique Schultz.

L’auditeur peut entendre ces différentes perspectives dans la musique. Selon Schultz, « Gloria » est censée représenter une conversation entre la toxicomane et sa fille. « Il y a ce piano presque caricatural qui interrompt la guitare », dit Schultz. »Dans la réalité d’une relation étroite avec un toxicomane, il y a une nature caricaturale à la vie. Par exemple, vous recevez un appel et c’est la chose la plus absurde que vous ayez jamais entendue. Vous ne pouvez même pas vous en rendre compte. Et il y a une manie. Il y a une nature maniaque qui se trouve dans ce piano. » »

Plus tard sur l’album, le fils de Gloria, Jimmy Sparks, grandit et devient un alcoolique et un père lui-même. Dans la chanson « Jimmy Sparks », il essaie d’apprendre à son fils à ne jamais prendre un auto-stoppeur. « C’est nous ou eux », dit Jimmy à son fils. Plus tard dans la même chanson, le fils de Jimmy – maintenant adulte – passe devant un auto-stoppeur qui se trouve être Jimmy et continue de passer.

« Je pense qu’il y a plusieurs niveaux où l’on ne sait pas vraiment pourquoi il a continué à rouler et s’il a même reconnu [Jimmy] », dit Schultz. « S’il l’a fait, qu’est-ce que cela signifie ? Je pense que pour quelqu’un qui n’est pas très proche d’un toxicomane, cela semble probablement très froid, mais pour quiconque l’a été, il y a beaucoup de gens qui comprennent ce que cela signifie, malheureusement ».

III raconte une histoire si triste, qui pourrait s’avérer être un défi à relever pour un public qui veut s’amuser. Mais Schultz dit que ces chansonslourdes et chargées ont touché beaucoup de gens qui ont déjà vu le groupe se produire en concert.

« À chaque concert auquel vous assistez, quelqu’un parle de se faire briser le cœur, très probablement, et il y a des gens qui mettent leurs bras autour des autres », dit Schultz. « Se réunir pour un concert ou entendre quelqu’un dire quelque chose que l’on pensait seulement avoir ressenti ; je pense que c’est pourquoi c’est positif même s’il est contre-intuitif que la musique de déchirement soit celle où les gens applaudissent le plus fort ».

Recondite: « Dwell »

Le producteur berlinois Recondite est un artiste qui a très bien réussi à surfer sur la vague de la techno mélodique à son apogée, en contribuant à la pousser dans différents espaces. Il a été l’un des producteurs les plus constants de la dernière décennie, mettant sur pied un nouveau projet presque chaque année. Aujourd’hui, le revoilà our cet album Dwell, après son disque Hinterland en 2013.

Dwell tourbillonne et se déplace lentement sur ses 11 titres. Les deux intermèdes contribuent à apporter de petits changements et des transitions à ce disque, mais il reste généralement sur une voie cohérente. Dwell franchit une ligne très fine entre la méditation et le sommeil. Parfois, il tombe dans le méditatif et d’autres fois, il se perd dans une mélodie qui n’évolue pas véritablement.

L’album semble être construit autour d’une ligne de synthétiseur lunatique et obsédante qui a un certain poids. C’est comme si vous étiez coincé dans une cabane en rondins dans les bois alors que la neige tombe lentement autour de vous, apparemment sans fin. Le ciel est léger, mais couvert de nuages, alors que le temps passe et que la neige tombe pendant des heures et des heures.

Ceci n’est pas un disque à écouter sur la piste de danse – c’est un disque à écouter un dimanche tranquille cet hiver. Il est sombre et lugubre, mais il y a toujours des moments où la lumière semble briller, qu’il s’agisse d’une ligne de synthé arpégée ou d’une batterie entraînante.

Dwell et Hinterland se ressemblent, notamment sur des morceaux comme « Leaf » du LP de 2013. Ils apportent des styles de mélodies similaires et se rejoignent sur le plan sonore. Habiter dans l’arrière-pays semble être une bonne idée pour se perdre dans la nature et l’espace qui vous entoure. C’est une expérience lunatique, sereine et méditative. L’habitat, c’est pour vos longues journées et nuits à l’intérieur et pour la minimal techno sobre et envoûtant comme du John Carpenter.

***1/2

Sarah Mary Chadwick: « Please Daddy »

Quand Patti Smith a dit : « We go through life. We shed our skins. We become ourselves » (Nous traversons la vie. Nous perdons nos peaux. Nous devenons nous-mêmes), elle s’adressait directement aux libérations solitaires qui nous habitent tous. Please Daddy, la dernière œuvre de l’artiste Sarah Mary Chadwick, basée à Melbourne, est un portrait de cette mue aussi possible sur le plan émotionnel. Il est le registre de l’effondrement d’une vie et le numéro d’ouverture « When Will Death Come » est si douloureusement touchant que l’esprit, le corps et l’âme de la chanteuse originaire de Nouvelle-Zélande sont là pour nous agripper, pour posséder puis échapper aux crevasses osseuses d’une âme atteinte. 

Avec suffisamment de mélancolie pour recréer deux fois des scènes de bleuettes, c’est une éducation à la liberté que l’on trouve dans la prudence malgré les vrais bleus de la vie.

En traçant le fil des contusions noueuses le long de la colonne vertébrale on peut signifier ce que c’est que d’être mal à l’aise mais toujours en mouvement, il est impossible de ne pas se laisser aller à la tristesse. Et c’est tout à fait normal. « Let’s Fight » pourrait bien être un cri à vos sens ou un appel à la reprise des armes. Avec une carrure suffisante pour provoquer l’ascension de montagnes et le déchirement de votre âme au lever du soleil, c’est autant une motivation à la découverte de soi qu’une observation des moments de calme et de sérénité qui vous poussent vers le point de rupture, avant de prendre un virage pour le dépasser.  

Si vous vous mettez à nu pour accentuer le charme, prenez tout le temps qu’il vous faut avec ce disque ; à long terme cela en vaudra la peine. Rien ne collera mais les effets de Please Daddy dureront toute une vie.  Sarah Mary Chadwick n’est certes pas autorisée à aller au ciel et pourtant, elle a créé la sainteté pour ceux d’entre nous qui y hésident et qui l’écoutent.

***1/2

Caspian: « On Circles »

Les post-rochers de Caspian se sont révélés être tout sauf des dérivés au cours de leur carrière jusqu’à présent. Dans un domaine assez encombré d’artisans du crescendo instrumental, ces musiciens dy Massacgssetts e sont distingués à la fois par une lourdeur revendiquée et un tropisme presque spirituel ern termes d’atmosphère et d’espace. Avec son cinquième album On Circles, on assiste toutefois à l’émergence de territoires sonores inexplorés et à l’exploration nuancée de nouveaux sons potentiels.

La maturation de la plupart des groupes post-rock est annoncée par l’expérimentation d’éléments atmosphériques et l’ajout d’instruments supplémentaires, créant ainsi des concepts plus stratifiés mais jamais étouffés. « Witchblood », le premier titre de On Circles, est une solide vitrine de cette idée mise en pratique, avec des ajouts surprenants de cornes qui ajoutent une tendresse au motif principal des éclats jazzy enveloppés dans une ambiguïté de « drone ». Le morceau est furtif dans la rapidité avec laquelle son rythme subjugue son harmonie principale, pour finalement s’épanouir en une algue de fureur sonore imposante sur un fond de synthés brûlants. La production ici est tranchante et pleine d’esprit, assez froide pour apporter un équilibre, mais pas au point d’étouffer le cœur même des efforts du groupe.

Caspian poursuit ses expérimentations sur « Flowers of Ligh », avec des passages qui ressemblent à des futurs abandonnés de house music cosmique, et une basse haut de gamme qui pousse les percussions en sourdine. Le groupe fait preuve d’un dynamisme auquel Caspian a fait allusion tout au long de sa carrière. Ce ne sont pas tous des mouvements gluants et langoureux – quand il faut, il y a ici un crunch qui creuse aussi profond et frappe aussi fort que tout effort préalable.

Cette expérimentation se prête cependant à des pistes naturelles, mais elle est aussi parfois alambiquée. « Nostalgist », par exemple, est un effort audacieux pour mettre en scène les pianos de Kyle Durfey, le chanteur de Piano Ceome The Teeth, et ,bien que son registre vocal frémissant ait tendance à osciller entre une colère tranquille et une rage confuse et audacieuse, l’instrumentation des choeurs ne semble pas pouvoir se fondre avec sa voix. Ce n’est en aucun cas un affront à Durfey ou à Caspian, mais ce n’est pas nécessairement un duo ou un mélange idéal. Cependant, la fin est en harmonie avec le reste de l’album, montrant une fois de plus une vision globale de leur production. Pourtant, on peut affirmer que le chant de Kyle devait être absolument derrière la musique, la seule suggestion prouvant que Caspian pouvait très bien le savoir dès le début, se défilant des attentes préconçues.

Pendant ce temps, des morceaux comme « Onsra » voient Caspian livrer certains de leurs travaux les plus fougueux et les plus engagés, en exploitant des grooves et des mélodies qui se rapprochent de la dream-pop et de certains des bords plus expérimentaux du rock indie. Un interlude percussif forme la colonne vertébrale de ce morceau, s’intégrant parfaitement dans des progressions à deux ou trois accords et une harmonie fraîche et croustillante. À l’opposé, le groupe s’engage dans des prises plus basses et plus lourdes avec « Collapser » » un morceau extrêmement lourd qui se démarque du reste de l’album sur le plan tonique et philosophique. Bien que cela crée une tension supplémentaire intéressante, elle ne porte pas la même forme et le même processus de pensée qui lie le reste de l’œuvre.

Des efforts comme « Ishamael », de par leur longueur, se démarquent solidement, sa présence étant renforcée par un violoncelle austère englobant un paysage sonore de guitare acoustique. Ce motif devient la véritable identité du morceau, mijotant jusqu’à ce qu’il soit pleinement révélé par l’accompagnement du reste du groupe. On Circles se termine comme il se doit avec « Circles on Circles » » qui commence et se termine étonnamment par un morceau acoustique plein de spoul, avec des voix supplémentaires de Philip Jamieson. Tout comme « Nostalgist », la structure de l’album ne semble pas remarquable, mais la voix de Jamieson est suffisamment obsédante et le morceau dans son ensemble termine l’album d’une manière modeste qui en dit long sur la capacité du groupe à planifier et à structurer une expérience d’écoute non seulement cyclique, mais aussi vraiment épanouissante.

Délicat, subtil et, si nécessaire, d’une portée cosmique, On Circles est une exploration émouvante d’états émotionnels qui se sentaient tellement plus surveillés sur les sorties précédentes de Caspian. C’est une expérience qui doit en fin de compte être déterminée par l’auditeur. Certains peuvent trouver cette relaxation immensément humble et profonde, tandis que d’autres ne voient pas toute sa gloire coincée entre ses ambitions.

***1/2

Frances Quinlan: « Likewise »

Les albums de Hop Along ont souvent l’air de recueils de nouvelles. Sur le fantastique Painted Shut de 2015, la chanteuse et compositrice principale de Hop Along, Frances Quinlan, ressamblait à ces évangelistes faisant du porte à porte et évoquant son expérience du serveuse pour imprégner imprégnant le quotidien d’une profonde signification. Ses paroles se démarquaient nettement de la production de John Agnello, qui a réussi àapporter un son propre sans sacrifier le grain mélodique du groupe (il avait déjà travaillé avec des groupes comme Dinosaur Jr. et Sonic Youth). Sur leur dernier album, Bark Your Head Off, Dog, le groupe a opté pour une production plus luxuriante et plus variée. Bien que les paroles de Quinlan aient parfois été abstraites, son art de la chanson est resté au centre de l’attention.

Quinlan a travaillé sur de nombreuses compositions qu’elle a écrites pour Likewise, son premier album solo, avec son compagnon de route Joe Reinhardt dans son studio Headroom à Philadelphie. Ce disque est un triomphe, associant l’instrumentation élargie et la technique de chant aventureuse du dernier album de Hop Along à des structures de chansons plus squelettiques et à une production réduite. Comme avec le meilleur travail de Hop Along, Likewise présente des mélodies incroyablement complexes et des histoires encore plus complexes. Les paroles de ces chansons se faufilent entre les marges des livres, mystifiant constamment le quotidien. Sur le plan musical, tant en termes de mélodie que de structure, elles ne sont jamais en repos. Tout cela permet une écoute incroyablement revigorante.

En matière d’instrumentation, le disque poursuit la tendance de Bark Your Head Off, Dog, en s’éloignant d’un son de guitare. Bien qu’il y ait encore beaucoup de guitare, elle prend souvent sa place à l’arrière-plan, fournissant une épine dorsale rythmique à un assortiment de piano, de synthés et de cordes. Alors que Bark Your Head Off, Dog a une production polie par rapport à Painted Shut and Get Disowned, Likewise fait un excellent usage de l’espace négatif. L’un des meilleurs aspects de ce disque est que, même avec une instrumentation étendue et des mélodies détournées, ces chansons sont souvent dépouillées et jamais surchargées. À chaque fois, elles mettent en évidence deux des plus grandes forces de Hop Along : la narration axée sur les détails et la force élémentaire qu’est la voix de Quinlan.

Prenez l’intro « Piltdown Man », une chanson sur un célèbre canular paléoanthropologique, qui fait tant avec si peu. Elle s’ouvre sur des voix lointaines et des accords de piano, qui sont rejoints peu après par la voix et les cordes de guitare de Quinlan. La façon dont les accords de piano rythmés ponctuent le chant de Quinlan est passionnante pour une chanson aussi dépouillée. L’utilisation de l’espace par la chanteuse sur l’album permet à chaque élément de ces chansons de se démarquer, de la basse enjouée du moment pop le plus contagieux de l’album, « No Reply » à la fin de « Went to LA » » où Quinlan saute une octave, mettant en valeur sa voix puissante. Il est important de noter que les instruments s’éteignent lorsqu’elle termine le refrain de la chanson : « Heaven is a second chance » (Le paradis est une seconde chance.)

Une grande partie de ce qui fait la grandeur de cet album se résume à la confiance. Du choix atypiquede Quinlan de chanter sans accompagnement dans la conclusion épique et sans retenue de « Went to LA » à sa décision de conclure ses débuts en solo par une reprise de l’une des chansons les plus populaires de Built to Spill, « Carry the Zero ». Le choix d’une reprise comme morceau de clôture comporte déjà certains risques, mais « Carry the Zero », en particulier, est à la fois bien connu et très apprécié des fans. Beaucoup d’artistes y réfléchiraient trop, ne parvenant pas à marquer une chanson de leur empreinte en essayant trop fort de lui rester fidèle. Mais Quinlan semble tout à fait à l’aise lorsqu’elle fait sienne le titre, changeant le rythme et l’instrumentation, dérivant sur des synthés flottants avec le même sens du but qu’elle possède sur ses chansons originales. Les paroles abstraites de « Carry the Zero » se démarquent en outre des observations incroyablement détaillées de l’artiste sur les morceaux précédents. Comme beaucoup d’autres moments du disque, c’est un risque qui ne se sent pas comme un risque quand on l’écoute, et cela témoigne de l’assurance de Quinlan en tant qu’artiste. Sur Likewise, Frances Quinlan est au sommet de son art.

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Maria w Horn: « Epistasis »

Quelques notes de piano s’égrènent doucement, lentement… Un rythme qui n’en est pas un, une forme minimale qui nous saisit pour ne plus partir… La Suédoise Maria w Horn avait fait sensation l’an dernier avec son premier opus, Kontrapoetik ; elle récidive ici avec Epistasis, un disque tout en délicatesse, pour lequel elle est accompagnée de guitaristes électriques, d’organistes, de violonistes, d’une altiste et de violoncellistes.
La particularité de l’art de la musicienne est de piocher ses influences au sein d’un répertoire varié (black metal, drone, musique minimaliste, musique électroacoustique…), tout en réussissant à les digérer afin d’arriver à un résultat d’une grande intensité. Ces quatre morceaux sont marqués par la volonté d’expérimenter sur le son, en utilisant l’acoustique et l’électronique. Le piano prédomine sur les deux « 
Interlocked Cycles », distillant des mélodies répétitives et mélancoliques, dans le but de trouver une forme d’idéal dans une contemplation statique. « Epistasis » est un morceau nimbé d’un sentiment de tristesse tenace, porté par la gravité de l’orgue et les dissonances de guitare.

On reconnaîtra d’ailleurs certains motifs cérémoniels de sa compatriote Anna von Hausswolff. « Konvektion » est le titre le plus long et avant-gardiste de l’album, proposant une forme microtonale qui évolue subtilement et de façon hypnotique. Un chemin sonore tout en retenue, incitant à la transe, reprenant les enseignements d’un certain courant minimaliste. L’ombre du compositeur Arvo Pärt plane dans la recherche harmonique, de même que celles de Phill Niblock et Pauline Oliveros pour l’aspect dépouillé, lorsqu’une seule note exprime un ensemble d’émotions, invitant l’auditeur à s’immerger profondément dans la musique pour en découvrir l’infinie beauté.

Epistasis doit s’écouter dans la pénombre afin de parvenir à une pleine introspection. Réfléchir au temps qui passe, avec évidemment le risque de tomber dans la nostalgie, mais aussi d’être plus présent à soi. Une œuvre solennelle, absolument magnifique !

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Martina Bertoni: « All The Ghosts Are Gone »

All The Ghosts Are Gone est un disque sombre, expérimental, chargé d’une profonde mélancolie. Premier opus de Martina Bertoni, violoncelliste basée à Berlin, il s’impose par son charme vénéneux, propageant sa douce tristesse le long de huit plages hypnotiques.
Il se démarque aussi par son background, l’histoire mouvementée de sa composition. En effet, la musicienne faisait face à un épisode dépressif majeur. Écrire cette musique, décrire ses émotions, lui ont permis de progressivement sortir de cette torpeur handicapante.
Une démarche qui nous rappelle celle en son temps du compositeur italien Giacinto Scelsi. Le violoncelle sert ici d’instrument vibrant, au son déconstruit. Les harmonies et mélodies sont absentes, ce qui compte c’est les textures. Si quelques trames subsistent de-ci de-là, nous sommes immergés dans un univers sonore dense où drones, nappes macabres et noises flottants nous accueillent. Une balade éprouvante, l’écho instrumental d’un mal-être pleinement perceptible. Les schémas dark abondent, particulièrement sur « Transparent:Closeness », « Impossible Routines » et « Invisible Crack ».

La force de cette œuvre réside dans cet impressionnisme brumeux, les cordes nous étreignent au même titre que l’électronique qui s’impose petit à petit, car la vie n’est pas absente non plus. Des pulsations apparaissent sur « Stuck out of Lifetime », s’épanouissent sur « Blu », créant alors une phase rythmique bienvenue, avant de revenir sur « Notes at the End of the World », seul morceau lumineux d’un album sur lequel on entend une voix masculine déclamant un texte.
Ce qui caractérise aussi
All The Ghosts Are Gone est son aspect cinématique : il s’agit d’une véritable bande originale imaginaire, ou disons-le, autobiographique. D’ailleurs, la musique de Bertoni se retrouve dans plusieurs films ou séries. L’ensemble est pleinement cohérent, élégant, porté par une foi sincère dans l’art d’émouvoir.

***1/2

Aquarama: « Teleskop »

Aquarama n’avait pas donné signe de vie depuis son premier album nommé Riva il y a plus de deux ans. Suite à cela, le groupe italien a patiemmemnt tenté s’imposer sa surf-pop psychédélique et cosmique, démarche qui est, aujourd’hui, placée sous le signe de leur second opu,s Teleskop.

Le départ est spectaculaire avec le morceau-titre mettant en valeur leurs influences vintages et groovy. Aquarama nous embarque dans leur univers psychédélique totalement visuel avec des titres entraînants à l’image de « Summer’s Gone », « Lucky One » et de « Vietnam » où le multi-instrumentiste Dario Bracaloni et le batteur Guglielmo Torelli restent dans leur élément.

Aussi bien accrocheur qu’envoûtant sur « Bubble-Gum » ou sur « The House Is Burning » et « Out Of The Blue », Aquarama reste dans leur élément avec ce second disque voyageur et intergalactique. Après une flopée de morceaux emblématiques, le duo italien clôt la marche avec la ballade de clôture nommée « Moon Landing » qui nous fait atterrir de belle manière. Teleskop invite l’auditeur à se déconnecter du monde réel afin de se laisser emporter par sa surf-pop psychédélique stellaire et inventive. Mission plutôt réussie.

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Bonny Light Horseman: « Bonny Light Horseman »

La plupart des ensembles folk se contentent de couvrir des éléments qui les ont influencés quelque part dans leur vie, Ce n’était pas suffisant pour Bonny Light Horseman. Le trio chanteur/multi-instrumentiste a plutôt parcouru le passé lointain et poussiéreux pour faire revivre des chansons transmises à travers les âges, dont beaucoup ont des centaines d’années. 

C’est le concept de ce premier album du trio composé d’Anais Mitchell, Eric D. Johnson et Josh Kaufman. Johnson est probablement le membre le plus connu en raison de son travail devant les vétérans de Fruit Bats. Mais les autres ont des curriculum vitae impressionnants même s’ils ne sont pas aussi bien reconnus ; Mitchell a écrit la comédie musicale Hadestown Broadway, Kaufman a travaillé avec tout le monde, de Bob Weir à Josh Ritter et Hiss Golden Messenger. Ensemble, ils unissent leurs forces musicales et vocales pour interpréter (et parfois ajouter de nouvelles paroles) des airs folkloriques traditionnels. Bien sûr, c’est une façon intelligente d’éviter de payer des droits d’auteur puisque tout cela est du domaine public, mais ce n’est pas la question. La tenue montre plutôt comment ces chansons moisies, pour la plupart oubliées, peuvent sonner de façon contemporaine avec une musique réarrangée et des voix revigorées. 

Elles ne font pas de rock et il n’y a même pas d’instruments électriques. Mais Bonny Light Horseman trouve le cœur de cette musique et l’extrapolent à des guitares (principalement) acoustiques, en ajoutant aux magnifiques harmonies des percussions squelettiques, avec parfois des saxophones et d’autres instruments. Les morceaux sont transformés avec une instrumentation fraîche et roots basée sur la tradition, mais avec des arrangements modernes et clairsemés. Il est bon que la voix sourde de Mitchell soit une douce combinaison d’Emmylou Harris et de Dolly Parton lorsqu’elle interprète les paroles de la perte et de la frustration que son être cher ne reviendra pas dans « Lowlands ». Il n’y a aucune chanson actuelle qui inclurait des paroles comme : « I’ll cut off all my long black hair/While my lowlands away…/No other man will think me fair. » (Je vais couper tous mes longs cheveux noirs / Pendant que mes terres basses s’éloignent… / Aucun autre homme ne me trouvera juste.) Au-dela deu personnel anecdotique, les sentiments restent, on le voit, universels.

Les versions remaniées conservent l’essentiel des mots traditionnels, mais insufflent subtilement à ces dix joyaux anciens une dose d’énergie vive, vive et entraînante. Les voix du trio, élargi à un quatuor avec Justin Vernon comme invité sur « Bright Morning Stars », se sentent ouvertes et naturelles. La simplicité de morceaux comme « Jane Jane », un chant de Noël qui transcende le temps pour devenir un appel et une réponse douce, illustre le succès du disque. 

Il s’agit d’un classique du folk qui brille par sa vitalité et sa détermination ; si hypnotique et si cohérent, on dirait qu’ils ont écrit eux-mêmes ces sélections. Et à l’exception de quelques références passées, il n’y a pas grand-chose de daté dans cette approche magnifique. Cela prouve ce que nous savons tous : les grandes chansons sont éternelles et, entre de bonnes mains, elles peuvent résister aux sables du temps qui font disparaître dans l’obscurité leurs auteurs longtemps oubliés.  

***1/2