Into It. Over It: « Figure »

Sur le dernier album de On Into It, Standards, Evan Thomas Weiss a réalisé un disque de type « I’m thirty and afraid ». C’est un sujet qui peut être rebattu et clichémais Weiss a pris un thème peut-être insignifiant et lui a donné un vrai sens des enjeux et de l’excitation aini générée. Cela n’a pas fait de mal que les chansons soient très rock : même si le titre d’ouverture ,« Open Casket », avait tous les signes d’un enregistrement réalisé dans une cabine, des morceaux comme « Closing Argument » et « Vis Major » étaient aussi vivifiants et exaltants que les albums de Weiss en 2011 et 2013. Avec la sortie de son nouvel opus, Figure, il semble que les parties ennuyeuses de l’emo d’âge moyen l’ont rattrapé. C’est un album rempli de Into It. Over It., qui se caractérise par des sentiments lyriques conversationnels, une partie de guitare math-rock occasionnelle et une batterie d’ancrage. Mais même avec les compositions solides et généralement excellentes de Weiss, ça ne fait jamais tilt.

La question prédominante ici est sa production. Les chansons s’effacent pour laisser place à des guitares électriques, boueuses et atmosphériques. Les grands refrains s’effacent pour laisser place à des grooves midtempo mous avec des guitares acoustiques oubliables et des touches de piano électrique. D’autre part, les paroles de Weiss sont d’une beauté attendue. La lente construction de l’instrumentation de « A Left Turn at Best Intentions » est sans surprise, mais les détails elliptiques d’environ un mois, de pire en pire, sont incroyablement résonnants. Cette prose est attrayante, car elle est à la fois cryptique et universelle. Des phrases comme « J’ai essayé et je pense que c’est le mieux que je puisse faire » (I’ve been trying and I think that’s the most I can do) sont très racontables, mais des expressions désinvoltes sur les tueurs de cow-boys qui se préparent et sur « Armitage Avenue » donnent à ces chansons un air de vie. Malgré la grande poésie, la moitié des chansons ici : « (Dressing Down // Addressing You » et « Hollow Halos » n’ont pas de personnalité sonore.

Heureusement, il y a des moments de brillance dans Figure. Les deux « single »s de l’album, « We Prefer Indoors » et « Living Up to Let You Down », s’y joignent immédiatemen et montrent un Over It. à son meilleur. Le premier, avec ses rythmes de guitare acrobatiques et son jeu de batterie habile, ressemble à une chanson prête pour l’énergie d’un live. C’est un couple parfait de paroles mélancoliques sur une rupture (« A beginner’s guide to annoyance » est l’une des lignes les plus tranchantes de l’album) et une accroche-anthémique on ne peut plus recommandable. Lorsque vous arrivez à la fin, cela devient cathartique. « Living Up to Let You Down » a une vague énergie (Death Cab, avec le sentiment lugubre de « We sing along but the feeling’s gone » appliqué à une relation sur une mélodie chaude. Au fur et à mesure que la chanson avance, elle devient carrément déprimante. Weiss énumère des possibilités pour l’avenir avant de tomber sur la pire : son partenaire actuel va déménager à un pâté de maisons de là et ils vont passer à autre chose. Des moments comme « Living Up to Let You Down » sont inoubliables ; c’est juste une déception que le reste de l’album ne soit pas du même tonneau.

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Mephisto Walz : «All These Winding Roads»

Les pionniers du deathrock que sont Mephisto Walz, sont de retour avec un nouvel album, All These Winding Roads également disponible en numérique. Le combo a été formé en 1986 par Barry Galvin (alias Bari-Bari) après son départ dun autre groupe de deathrock, l’influent Christian Death. Avec une longue carrière derrière lui, Bari-Bari est maintenant accompagné de Myriam Galvin au chant et ils avaient déjà travaillé ensemble sur leur précédent album, Scoundrel, datant de 2017.

 omme l’a déclaré Bari-Bari, qui a assuré toute la production ,le disque est décrit comme « De nouveaux chanteurs, de nouvelles chansons, des morceaux inédits, d’anciens chanteurs fusionnés dans une nouvelle sortie ». C’est ce qui ressort du premier titre, « The Lost And Haunted » qui met en scène Veronica Campbell (de Death Loves Veronica) au chant et aux paroles. Ensuite, sur « They’ll Never Find You », nous aurons un excellent morceau qui montre que Mephisto Walz a toujours ce qu’il faut avec Mari Kattman au chant et Myriam aux paroles. Puis, nous aurons droit à une reprise des Hollies, « Stop In The Name Of Love » avec au chant Christine Leonard, la première chanteuse de Mephisto Walz. Sur « Is This Really My Life », avec Mari Kattman au chant et Myriam aux paroles, une des chansons les plus éthérées de l’album se fera sa place. Comme sur tout l’album, nous entendons le style d’écriture caractéristique de Bari-Bari et son mur de chœurs et de guitares plantées comme à retardement. Une autre reprise suit avec l’instrumental des années 1960 « Apache » écrit par Jerry Lordan.

Veronica Campbell apparaîtra également sur « When No One’s Left To Hear », un morceau de deathrock oldschool classique et optimiste. La reprise « Like The Wind » est suivie, elle, de vocaux délivrés par Alastrelle Delyon (de Dead Souls Rising). Une chanson rock des années 80 écrite par un artiste inconnu qui est devenue célèbre sous le nom de « The Most Mysterious Song On The Internet ». Les choses se calment et s’assombrissent sur « Here Lies Forever » avec Veronica Campbell qui fournit une fois de plus la voix et les paroles. Dans la même veine, mais plus atmosphérique, nous aaurons « Firefly » dont la voix et les paroles seront fassuéres par Johna et nous retrouvons la bien-aimée Christine Leonard sur « Skin », la reprise classique de Madonna sortie à l’origine sur Virgin Voices / A Tribute To Madonna« en 2000. L’album se terminera avec le plus dynamique « Suntanned Satans », avec des percussions, des guitares hurlantes et Bari-Bari au chant, une conclusion qui se veut en apothéose comme pourrait l’être une valse menée par Méphistophélès.

**1/2

L.A. Witch: « Play With Fire »

Sur ce deuxième album de L.A Witch, le trio s’exprime de manière agressive à travers les différentes époques du rock. Pour cela, le combo joue sur une caricature cool, aussi, avec un son qui donne souvent l’impression d’être accompagné d’un verre de whisky, on a l’impression qu’ils possèdent quelques vestes en cuir mais surtout on peut dire qu’ils se contrefichent de ce que l’on peut penser d’eux.

Ceci est palpable dans presque tout ce qu’ils font, dans les riffs qui vous piquent comme un piment sur la langue ou qui soulèvent de la poussière sous le chaud soleil californien. Ils canalisent l’agressivité comme un groupe de punk, en l’alimentant directement dans leur chant performatif, leurs cris stridents, leurs torsions et leurs mots qui se tordent en nœuds. L’un des thèmes de l’album est la récupération de l’agence, que ce soit d’eux-mêmes ou d’autres personnes. Avec des phrasessde type « Je suis resté trop longtemps dans ma tête » (I’ve been hanging around in my own head for too long).

Ils recherchent l’individualité, le message pour sortir des moules prescrits et aller de l’avant à votre manière et à votre rythme. Entourer cela d’un son souvent délié peut rendre certaines des chansons de cet album finalement libératrices. Cela rend encore plus frustrant le fait qu’un album et un groupe si inspirants et incendiaires puissent souffler un peu chaud et un peu froid.

Il y a des moments où le chant peut être ennuyeusement obscurci dans le mixage par rapport aux instrumentaux. Certains riffs peuvent sembler trop familiers par rapport à d’autres chansons de l’album et il y a des parties où les pauses instrumentales sont maintenues beaucoup trop longtemps. Le dernier morceau, « Starred », est une fin finalement décevante, n’étant rien d’autre qu’une grêle de bruits de guitare dysfonctionnels sans grande substance.

Play With Fire est plus décontracté que le feu pourrait nous le laisser penser. Ce n’est en aucun cas un mauvais album, il y a des moments qui sont vraiment enthousiasmants avec des crochets aigus et des sections rythmiques serrées. Les prouesses agressives de L.A Witch sont impressionnantes, mais on peut se retrouver sur le carreau en de trop nombreuses occasions.

**1/2

Marja Ahti: « The Current Inside »

Les artistes sonores compétents sont ceux qui peuvent organiser ou présenter le son de manière convaincante. Les artistes sonores compétents sont capables d’insuffler à leur travail quelque chose de plus : la perspective ou la relation unique qu’ils ont avec le matériau source, les aspects particuliers de leurs matériaux rassemblés qui les intéressent le plus, les incertitudes glissantes auxquelles leurs créations sont confrontées et qui peuvent être rendues suffisamment palpables par les mains d’un véritable maître du métier. Marja Ahti est certainement l’une d’entre elles. The Current Inside, son deuxième LP pour le label suisse Hallow Ground (elle avait déjà étonné avec des sorties comme The Hole in the Landscape sous le patronyme de Tsembla et Why Do Birds Suddenly Appear ? avec son partenaire Niko-Matti Ahti), est aussi dépouillé et strié que le dessin à l’encre qui orne sa pochette, chacune des cinq pièces étant soigneusement reconstituée avec de délicats artefacts de texture, des fréquences de résonance et des enregistrements de terrain traités de manière minimale dans des tableaux immersifs d’objets sonores tactiles avec l’apesanteur et la liberté de mouvement d’une feuille de tulle arachnéenne.

Commandé par l’INA GRM pour les actes sonores, « The Altitudes », d’une durée de 20 minutes, occupe la totalité de la face A de l’enregistrement et explore la beauté de la plus abstraite des interactions élémentaires terrestres, « reliant et animant des mouvements sous forme d’air, d’eau et d’électricité ». Dans une approche peut-être plus fidèle aux origines de la musique électroacoustique, les compositions d’Ahti s’inscrivent dans une neutralité résolue, ses vibrations métalliques cristallines, ses doux cliquetis et des extraits naturels jamais entachés de beauté conventionnelle ou de laideur gratuite. Au contraire, elles dérivent comme des bateaux blancs comme neige sur une étendue d’eau froide et sans courant, des oasis de terre fugaces et des feuillages toujours au loin, des lamentations désincarnées nichées dans la brise.

***1/2

Dean Cercone : « Cardinals And A Grey Cat »

Au cours des dernières semaines, les médias et les communautés scientifiques ont vanté une sorte de reprise du monde naturel en raison de la mise en quarantaine des personnes – les eaux des canaux de Venise sont redevenues claires, les glaciers ont montré des taux de fonte plus lents, les émissions de carbone ont été réduites, etc. Un tel « retour »à la beauté plus naturelle de la planète se reflète dans la musique introspective préparée à la guitare de l’artiste Dean Cercone, basé à Brooklyn, sur son nouvel album, Cardinals And A Grey Cat, sorti durant la quarantaine. Dès la première minute, la voix humble et singulière de l’album insuffle simultanément une solitude que nous ressentons tous actuellement, une nostalgie de la normalité de notre passé pas si lointain, et un sentiment d’espoir, un sentiment d’émerveillement, auquel nous nous accrochons tous actuellement.

Sur ces morceaux, Cercone s’interroge sur le monde et sur la place qu’il y occupe, en se calmant et en apaisant l’auditeur avec ses mains et son instrument et en leur donnant quelque chose à faire. Les cordes tintent et trébuchent et bricolent sur la chanson titre, comme les entrailles d’une horloge inconnaissable d’un univers non linéaire. Le cosmos tout entier aurait aussi bien pu prendre les corps des animaux du titre de l’album, comme le note Cercone qui note qu’ils sont apparus, et sont restés, pendant toute la durée de son enregistrement. Les battements d’ailes de sa cueillette sur « Internet Blues » et « March Of 2020 » incarnent presque le battement d’ailes sur leur perchoir, et la curiosité tranquille de l’ami à fourrure. Il s’aventure dans des zones de désaccord, très rarement, comme pour créer ses propres discordes, puis triomphe en rentrant dans la résonance plus qu’agréable ; comme pour nous rappeler que nous allons nous en sortir.

***

Cable Ties: « Far Enough »

Les Australiens, sur leur deuxième album, abordent le proto punk répétitif. Cable Ties peuvent, en effet, facilement délivrer une chanson rock classique et énergique, puis un numéro post-punk intense. Ils l’ont prouvé lors de leurs débuts en 2017, et maintenant ils le font à nouveau disque Far Enough.

Le trio de Melbourne combine Garage Rock et Post Punk dans les styles mentionnés ci-dessus. Le punk entre le proto et le post est négligé.Tant qu’il est rapide et dur l’éventail ne sera pas négligé.

La chanteuse Jenny McKechnie maîtrise les différentes ambiances et suit fidèlement l’instrumentation ; que ce soit avec le rugissement ou la narration, tout fonctionnera sans à coups.

« Hope » est une ouverture pleine d’âme, qui se dirige vers le Hard Rock. Plutôt dispensable, comme la doublette épaisse que constituent « Not My Story » et « Self-made Man ». Des choses fantastiques se passent ensuite avec « Tell Them Where To Go » avec sa basse à spectre large et « Sandcastle » dont la fluidité atmosphérique ravit.

On sera captivé également sur un « Lani » qui s’étendra sur sept minutes ainsi que par un « Anger’s Not Enough », galement stoïque et dense. Une partie excellente, un autre moins enthousiasmante ; preuves à faire mais admis à une séance de rattrapage.

*11/2

Pearl Jam: « Gigaton »

« J’ai changé en ne changeant pas du tout », avait entonné solennellement Eddie Vedder, le leader de Pearl Jam, en 1993. Ce sentiment est devenu une sorte de principe directeur pour un groupe de rock chevronné qui, malgré l’absence de l’émotion brute de Nirvana et du sens de la théâtralité des Smashing Pumpkins, a réussi à survivre à beaucoup de leurs contemporains alt-rock. Alors que Vedder a écrit des chansons rock indélébiles – « Yellow Ledbetter » n’en étant qu’un exemple – Pearl Jams emble être sous régulateur de vitesse depuis la fin des années 90, et leur dernier album, Gigaton, est, en grande partie, le même que les précédents.

Le premier titre, « Who Ever Said », est accompagné de riffs de guitare grondants et entrecroisés. La voix de Vedder est également en pleine forme (il commence à ressembler un peu à Chris Cornell, qui a toujours été un meilleur chanteur) et il livre des jeux de mots intelligents : « ‘Tout est dans la livraison’, dit le messager qui est maintenant mort. » (‘It’s all in the delivery,’ said the messenger who is now dead). L’accroche de la chanson – « Whoever said it’s all been said ? » – semble directement confrontée à la notion que le groupe est à court d’idées. Et pendant quelques minutes, Pearl Jam paraît déterminé à prouver que ses détracteurs ont tort, et ceci jusqu’à ce que la chanson se transforme en un second mouvement sinueux et finisse par mourir de lui-même. De cette façon, elle sert de microcosme à l’ensemble de l’album : quelques bonnes idées et des moments d’expérimentation aux côtés de quelques casse-tête déconcertants.

Le plus déconcertant en est « Superblood Wolfmoo » », dont le rythme en deux temps, avec des remplissages de cymbales, lui donne une énergie nerveuse qui n’a d’égal que le débit de Vedder. Mais les guitares kloutées sont étrangement déphasées par rapport à la trop grande ampleur de la chanson, et les paroles se lisent comme une tentative de confronter la catastrophe politique à travers le prisme de la perte personnelle et d’une fiction dont on se demande quel rôle elle a. Ailleurs, « Buckle Up » souffre d’un flou lyrique : « D’abord ne pas faire de mal, puis mettre sa ceinture, boucler sa ceinture ! » (Firstly do no harm, then put your seatbelt on, buckle up!) où Vedder semble essayer d’aborder l’importance de l’autogestion de la santé, mais où le rythme lent du titre et sa prestation guerrière font que les paroles sonnent maladroitement.

De temps en temps, les expérimentations de Vedder et de son groupe fonctionnent. Ainsi, malgré un titre idiot, « Dance of the Clairvoyants » est une reprise réussie de la signature sonore du groupe. La section rythmique élastique du morceau, inspirée par le funk, et le riff de synthétiseur troublant s’accordent bien avec le chant de Vedder, qui sonne alternativement enragé et épuisé. « Quand le passé est le présent et que le futur n’est plus/Quand chaque demain n’est plus » When the past is the present and the future’s no more/When every tomorrow’s no more), chante-t-il, ressemblant à un homme qui a vécu plus de vies qu’il ne peut s’en souvenir. En contraste avec le maximalisme de ce morceau, « Comes Then Goes » est une ballade douce, aux accents champêtres, qui met en valeur l’étendue vocale souvent sous-estimée de Vedder. La fiabilité est peut-être ce qui a fait de Pearl Jam un pilier si puissant, mais plus ils sortent de leur zone de confort et s’éloignent de leur identité de longue date (ou de son absence), plus ils paraissent enfermés dans un schéma de maintien.

**1/2

Bacchae: « Pleasure Vision »

En 2016, quatre amis se sont réunis à Washington pour former Bacchae. Leur expérience musicale était nulle. Pourtant, ils voulaient apprendre. Très vite, les premières cassettes sont apparues. Ils ont travaillé sur le style, se sont améliorés et ont finalementsorti un EP sur Get Better qui leur a égélement permis de réaliser leur premier album, Pleasure Vision. est sorti.

On y touve un mélange assez fourni de genres au sein du spectre punk. Au sein de cette recherche, le combo doit encore trouver son chemin et, surtout il lui faut choisir une orientationcar le mixage ne fonctionne pas tout à fait dans le contexte d’un album exigeant d’être plus rigoureux.

Les titres engagés sont durs, à l’exemple de « Leave Town » ou « Older I Get », alors que d’autres sont remplacés par des morceaux pop-punk plus sucrés comme « Hammer » ou « Open Wound ». Il sera, par conséquent, difficile de se sentir concerné par cette tentative de bacchanale hormis sur  le post-punk fluide de « Stop Looking » et un « See it Coming » menaçant et exalté.

**

Alex Ebert: « I vs I »

Lorsqu’Alex Ebert est entré sur scène en 2009 avec sa commune musicale hippie sous le nom d’Edward Sharpe & The Magnetic Zeros, il a touché le nerf de l’époque avec une musique effectivement empreuntée à l’ère hippie orthodoxe et a inspiré le public, notamment avec les spectacles en direct scandaleux de l’ensemble. Le point culminant de cette activité a été l’album « Here » en 2012, sur lequel il a donné une structure et des compositions soignées à l’agitation de ses musiciens. La tournée suivante a non seulement provoqué des tempêtes d’enthousiasme dans ce pays, mais a également établi de nouveaux standards avec la tournée finale du train du festival avec Mumford & Sons et le Old Crow Medicine Show en tant que co-leader. Mais : après cette tournée, sa co-frontalière Jane Castrino, qui avait été une sympathique homologue d’Ebert sur scène et en studio, a quitté le groupe, ce qui s’est avéré être un réel problème pars la suite.

La première partie d’un projet dans lequel Ebert entend réunir ses nombreux egos sous un même toit, le montre comme un malaxage de sons stylistiquement versatile mais conceptuellement sans direction, si ce n’est un virage croissant vers l’esthétique hip hop (y compris l’utilisation qasiment intrusive de composants électroniques, d’échantillons et de claviers) . Cette évolution ne semble pas avoir de sens dans le contexte du passé musical de l’artiste et, par conséquent, tout cela n’a presque rien à voir avec l’histoire de Ebert. Le renversement conceptuel du concept de groupe vers le format solo a vraisemblablement un sens ; il apparteindra, toutefois, aux fans de la première heure de travailleur dur pourdonner signification et direction à un opus arborant un tel titre.

**1/2

Youbet: « Compare and Despair »

Compare and Despair est le premier album paru sous le nom de Youbet, le pseudonyme du musicien new-yorkais Nick Llobet. Il introduit le public dans une playlist sonore qui porte en elle beaucoup de choses. Son monde musical est celui de quelqu’un qui vit dans un espace unique et qui équilibre une sorte de naïveté ludique avec une certaine insécurité dans tout ce qu’il entreprend. Llobet est accompagné par des musiciens de groupes tels qu’Ava Luna et Wilder Maker, et il y a une imbrication entre tous qui transporte l’auditeur dans un environnement musical unique et décalé. Il y a beaucoup de jeux instrumentaux qui se tordent et se poussent les uns les autres et tissent tous les morceaux ensemble, même dans les moments les plus contrastés.

« Endless » démarre le disque avec une guitare acoustique jouée à la hâte et des claviers scintillants qui flottent au travers tandis que le chant de Llobet pousse à son maximum, jusqu’à ce que tout trouve un groove étourdissant pour s’installer temporairement. L’ambiance musicale est en perpétuel changement, les basses oscillent entre les claviers et la batterie bégayant et se mêlant aux moments plus rares, jetant ainsi les bases du travail vocal de Llobet. « Volcano » change l’ambiance de manière radicale et efficace, car Llobet exprime ses angoisses et ses désirs interpersonnels de manière convaincante dans des couplets comme “It’s always fucked up the way you call me useless…I feel a shame I can’t contain” (C’est toujours la merde de la façon dont vous me traitez d’inutile… je ressens une honte que je ne peux pas contenir). Le morceau met en évidence des ambiances contrastées avec lesquelles Youbet joue, car le fond apporte une légèreté et une atmosphère libératrice qui sont en opposition directe avec ce qui est exprimé dans les paroles honnêtes et ouvertes.

« Nice Try » est une exploration psychologique pleine de tension et de distorsion, entrecoupée de carillons de guitare et de claviers qui passent du scintillement à des flashs légèrement sombres. Llobet et compagnie montrent une fois de plus à quel point ils sont adeptes du changement caméléonique des émotions et des humeurs qui joue avec les oreilles du public avant de se désintégrer brusquement. « Cycle » apparaît comme l’un des moments les plus tranquilles du disque, mais il est rapidement trahi par le courant de pensée de Llobet. Il y a là-dessous une couvaison qui rappelle un peu Elliott Smith dans ses moments les plus artistiques, la voix de Llobet vacille, se plie et porte un poids qui reste avec vous.

Compare and Despair est un disque qui se délecte pleinement de son côté trippant et de son chaos décalé, et qui vous emmène volontiers en voyage, même si la destination n’est pas claire et illimitée. Llobet et compagnie ont mis tant de choses dans ce disque qui est plein de mélodies intrigantes et d’idées musicales qui refusent d’être figées. Les atmosphères changeantes et désorientantes du disque se prêtent à de multiples écoutes où vous trouverez toujours quelque chose de nouveau à chaque fois que vous l’écouterez. La lourdeur et l’imprévisibilité de la vie sont ici à l’honneur, mais il y a toujours une inventivité ludique et une légèreté à portée de main qui s’apparente à un kaléidoscope sonore. Toutes les personnes impliquées ici ont créé un disque captivant et difficile à comprendre, mais dans lequel il est facile de se perdre même si onlui est reconnaissant de faire l’expérience.

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