James Graham de Twilight Sad et Aidan Moffat d’Arab Strap ont l’habitude de collaborer avec d’autres artistes, ce qui rend cette collaboration inévitable. Pour quiconque n’est pas familier avec les titres remixés de Twilight Sad ou le travail électronique d’Aidan Moffat sous le nom de Lucky Pierre, cet album semblera extrêmement étrange. Il s’agit de dix titres d’électronique lourde. Le morceau d’ouverture « Waiting for Nothing » est ringard, dans le style des années 80, mais là où l’on s’attend à une chanteuse, on trouve Graham, dont la voix semble tout à fait déplacée. « Killing This Time » est une sorte de chanson dansante, les bras en l’air, et c’est une sorte de croissance à sa façon. Le seul écart, « Date & Sign », une ballade douce au clavier, fonctionne mieux que la plupart des morceaux ici.
Quid du reste alors ? « Let Them Rot » aaffiche des percussions qui martèlent, des cloches qui s’entrechoquent et l’enfant de James Graham, « Rent Free » sera un bip et une pulsation interminables, tandis que la présence de ce qui ressemble à des cordes ne peut sauver « Face To Fire (After Nyman »). « Shores of Anhedonia » offre au moins un peu de variété, c’est ici que nous entendons la voix de Moffat pour la première fois, alors qu’il délivre un morceau parlé sur une électronique plus exaspérante.
La voix d’Ames Graham a ses détracteurs, mais elle fonctionne généralement mieux en tant qu’élément d’un ensemble gazeux et glauque avec Twilight Sad. Cependant, ici, elle est parfois au premier plan sur des titres comme « Don’t Say Goodnight » et, malheureusement, ses défauts n’ont nulle part où se cacher. Et bien que le dernier morceau s’intitule « Landfill », c’est ironiquement le seul morceau où la combinaison de l’électronique et de la voix de Graham fonctionne vraiment. Cet album sera, à cet égard, un pont trop loin pour les fans de Twilight Sad et Arab Strap.
La juxtaposition des mots « haineux » et « sincère » pourrait être un oxymore – ou des synonymes. Ce sont également deux mots qui ont perdu leur véritable signification au milieu de la sphère en ligne des termes mal interprétés et mal utilisés. Hater fait preuve d’une certaine sincérité sur leur troisième album, mais ils semblent réticents à montrer leurs vraies couleurs.
Composé de la chanteuse Caroline Landahl, de Måns Leaonartsson, de Frederick Rundquist et de Rasmus Anderson, le quatuor suédois saupoudre des éléments de noise rock dans son son indie sobre. « Summer Turns to Heartburn » serpente tandis que deux guitares s’entrecroisent musicalement, les musiciens se déplaçant de haut en bas sur le manche. Il y a des éléments fluides de shoegaze qui rendent le côté émotionnel du disque agréable à écouter – » Bad Luck « , par exemple, aurait sa place sur un album de Clairo ou même de DIIV, malgré le manque relatif de fraîcheur de la côte ouest de Hater.
Ce qui remplace cette ambiance de plage dorée, c’est l’obscurité. Réduit à la basse, la guitare et la batterie, Sincere est un album soigneusement rythmé, mené par la voix de Landahl. Sa voix scandinave rappelle celle d’Agnetha Fältskog, légende d’ABBA, mais ce qui ressort le plus de Sincere, c’est son influence des années 90. Pourtant, l’expansivité créée par les groupes classiques de l’ère shoegaze est absente, Hater faisant preuve d’une grande prudence. L’énergie du groupe atteint son apogée avec le refrain de » Renew, Reject « , qui dynamise ce morceau, mais ne parvient pas à susciter un véritable élan plus largement.
Grecian Urn, le nouvel album de ce groupe de Californie du Sud Adult Books est facile à entendre, mais c’est à peu près tout ce qu’il a à offrir. Le disque flotte sur un post-punk rêveur inspiré du surf-rock, mais il n’a rien d’original. Lesvocaux principaux et les chants de fond donnent des frissons dès la première composition « Innocence » et, sur « Receiver », les guitares et les mélodies vocales baignées de soleil sont si accessibles qu’elles font presque mal.
La chanson titre est le premier moment où l’album vous accroche les oreilles, avec une basse synthétisée pulsée qui donne le rythme du morceau. Ici, le son de la guitare brille discrètement tandis que la batterie et la basse se positionnent fermement au premier plan. Le chant n’a rien de spécial, mais il s’intègre parfaitement. Les riffs de guitare sont intéressants, mais ils pourraient être positionnés plus haut dans le mix. Bien qu’il s’agisse apparemment d’un choix stratégique pour faire plus de place à la section rythmique, le synthétiseur pulsé de l’introduction évoque des accords de guitare entraînants qui ne viennent jamais. Les guitares pourraient utiliser un peu de fuzz pour compléter les autres sons brillants.
La meilleure partie de cet album est sans doute la production claire et nette d’Erol Ulug de Bright Lights Studios. Il n’y a aucun problème avec les performances ou même l’écriture des chansons, mais il y a des problèmes de choix. L’album n’est tout simplement pas excitant. Il y a pas mal de fondus enchaînés paresseux au lieu de choisir de terminer les chansons de manière plus créative. Rien n’est spécial ou original dans cette version.
Bien que les mélodies de guitare et de voix de « Holiday » soient agréables, elles sonnent tellement comme The Cure qu’il est difficile de les ignorer. « Florence » n’est pas non plus remarquable et la seconde moitié de l’album est encore plus ennuyeuse (« Dreams » » et un « Apologies » aseptisé, comme s’il s’agissait d’une tentative délibérée d’obtenir un tube pop rappelant les Beach Boys). Ailleurs, les backing vocals et les paroles de « Cassy » font problème et, enfin, « Sparrows On the Razor Wire » présentere l’archétype de ces intros clichéset de ces voix comme étouffées qui n’offrent plus rien d’intéressant depuis quinze ans.
Le plus gros problème de cet album est que le groupe a choisi de faire de ce type de son quelque chose de particulier. La vie étant si courte de nos jours, il faut beaucoup de temps et d’efforts pour la mettre dans une musique oubliable et non artistique. Les riffs peuvent être agréables. Le son de la guitare est jangly et joli. Les rythmes de batterie et les lignes de basse sont solides, mais il n’y a presque rien de nouveau dans cet album et pas grand-chose d’excitant. Mais si vous aimez le post-punk jangly et surf, vous apprécierez peut-être Grecian Urnun peu plus que celui que vous lisez.
Longtemps en gestation, AllSilver est une collection de sons provocateurs de l’expérimentateur de la région de Washington, Jeff Surak. Surak apprécie et exploite ce que beaucoup d’entre nous ignorent dans notre environnement sonore. Le titre de la première piste de l’album, Love and Production, reflète bien l’esthétique de Surak : l’amour des sons les plus durs que la plupart des gens n’aiment pas, et la production de sons bruts à partir de matériaux plus bruts comme des enregistrements de dictaphone, de vieux synthétiseurs, des radios lo-fi, des objets mécaniques et une cithare désaccordée. AllSilver est un album qui puise dans les technologies électroniques numériques et analogiques pour produire un son global conforme à la marque particulière de l’art lofi de Surak.
Parfois, ce son englobe des paysages sonores étendus, comme dans « Love and Production » et le drone luxuriant et ondulant de « Nicéphore Niépce » ; il peut aussi prendre la forme des textures granuleuses sur « And the Sun Will Eat Itself », ou des mystérieux sons percussifs qui ponctuent « Keep Dancing After the Music Stops ». « The Fence » est un morceau abrasif de scrunge post-industriel – les sons d’une machine in extremis ; « Zawawa » canalisera, lui, le fantôme d’une radio à ondes courtes cassée, réglée entre deux stations. La pièce maîtresse de l’album sera le dernier morceau : l’épique « Scattered Lie the Saints », long de vingt minutes, un morceau de drone complexe qui mélange les sons de l’école berlinoise avec un grésillement et un sifflement rappelant une radio à transistors minuscule, et qui se perd dans le néant d’un écho qui s’estompe.
Le duo de guitares lourdes composé deRyan Betschart et Rachel Nakawatase présente son troisième album de « power chords » et de paysages sonores distordus et lents. La comparaison la plus évidente est avec Sunn O))), étant donné les drones et les thèmes pesants de Shrine Maiden. Mais cette paire est distincte sur le plan sonore, l’une des deux guitares ou les deux se concentrant sur la manipulation de larsens et d’effets. Il y a également d’autres lignes qui apparaissent de temps en temps et qui sont soit des guitares fortement traitées, soit d’autres instruments. Par exemple, « A Warning to the Curious « est un paysage ambiant luxuriant mais inquiétant, avec beaucoup de détails subtils. Mais cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de folie oppressante, écrasante et surchargée, et il y en a beaucoup.
Le guitariste solo Dylan DiLella évolue dans un endroit similaire, utilisant le feedback, les boucles et autres traitements pour créer des murs de sons distordus. Human Shield se compose de trois longues pistes discordantes (12-15 minutes). Outre des accords inhabituels, DiLella utilise le speed picking, des effets et des hauteurs de son variables qui se fondent dans des assauts sonores massifs. Mais il est plus qu’un simple guitariste de métal qui fait beaucoup de bruit. Le jeu de DiLella est librement structuré, mais imprévisible, et intègre des aspects d’improvisation libre. La comparaison la plus proche est probablement le Metal Machine Music de Lou Reed, ou peut-être les travaux solo récents d’Alvaro Domene. Quoi qu’il en soit, vous aurez les oreilles qui sifflent après ce concert.
Des cymbales lointaines sont laissées à l’abandon, émergeant d’un froid sombre et sinistre sur « Raze », le titre qui donne le coup d’envoi du nouvel album de James Welburn, Sleeper In The Void. Son début, rempli d’ombres, se transforme rapidement en un morceau bestial, où des rythmes primitifs et animalisés se heurtent à un mur de bruit déchirant. Le froid s’infiltre dans le disque, remplissant chaque recoin d’engelures et d’un déferlement de puissance brute, délivrant coup sur coup jusqu’à ce qu’il ne reste plus que des muscles morts.
Sleeper In The Void a un appétit insatiable, et il se nourrit de sa musique d’une manière presque lascive, arrachant les cartilages et la viande distordue de son corps et éclaboussant son environnement de débris surchargés. Sur le morceau techno « Falling From Time », le rythme frappe encore et encore, très fort, tout en parvenant à construire une petite mélodie pimpante, qui émerge à la moitié du morceau. Quelque chose de malade et d’empoisonné se cache dans ses notes nocturnes, agressif mais pas nécessairement violent.
Les textures de Welburn sont au centre du vortex tout-puissant du disque. À chaque tournant, des drones de marée délivrent des chocs au système et la batterie donne des coups de pied avec une précision et une constance de ceinture noire. Les explorations de Welburn dans les textures en décomposition mettent au jour des découvertes nauséabondes et sombres, et la musique de Sleeper In The Void est proche du sol, sa face presque couverte de taches de terre. Cette atmosphère sombre et fascinante a également été élaborée avec l’aide de Tomas Järmyr (Motorpsycho, Zu, Barchan), Hilde Marie Holsen (Hubro Records) et l’artiste vocale Juliana Venter (W/V, Phil Winter), qui contribuent tous à façonner ses ombres. Les voix déformées et brouillées semblent lutter contre l’assaut de « Fast Moon », où le rythme propulsif et toxique crache son acide tonal dans la rue.
Les textures tourbillonnent, construisant des gratte-ciel à partir de nuages, semblant se transformer sans cesse en un lieu hors du temps et un espace sans entrave, mais elles sont aussi suffisamment solides pour ressembler à des os durs ; le rythme squelettique aide les morceaux à se démarquer, à les définir et à les faire sentir comme des constructions stables, capables non seulement de se tenir debout mais aussi de courir.
Le premier album de Planetdamage, Relapse Protocol, suit en grande partie une formule électro-cyberpunk qui est, du moins en apparence, très familière. Des lignes de synthétiseurs et des motifs de batterie pulsés sont le lit sur lequel sont posés des monologues angoissants, à demi criés et légèrement déformés sur la politique et l’état du monde, infusés de frustration et de détermination. Ce sont les paroles qui sont placées au centre de la scène, tandis que l’électronique est surtout là pour fournir un cadre et un sentiment d’urgence.
L’affirmation de « Kompromat » selon laquelle l’histoire est truquée, « Hi Rez Lo Life » qui s’intéresse à l’Internet et aux médias sociaux, parle de « pay per click » ou « Vex » qui a recours à la désignation d’une sélection de multinationales à considérer avec suspicion en sont des exemples alors que ‘The Mark » utilise le chant de questionner l’autorité, un message qui atteindra que ceux qui le font déjà. On n’est pas forcément en désaccord avec de telles affirmations mais on les voudrait moins maniérées.
Aussi, bien qu’il soit relativement court (40 minutes), l’album finit par être un peu dramatique et d’une seule ntonalité. Le fait que les pistes soient enchaînées de manière fluide crée parfois un mouvement intéressant mais il ne sert malheureusement qu’à mettre en évidence les similitudes excessives de ton et de rythme entre chacune des plages. La voix y est, en outre, toujours la même, a tendance à banaliser le message qu’elle tente de transmettre. Ajoutons un manque flagrant de drame dans le discours, tant au niveau des paroles que de la musique : les synthés sont légèrement agressifs mais n’ont jamais vraiment fait parler d’eux, et les remplissages et les chutes sont clairsemés, secs et simples. Ainsi, l‘ouverture de « Regret Gunner » est prometteuse, puis s’aplatit très vite. Sans vouloir se plier à la culture populaire dominante, quelques riffs plus forts n’auraient pas été de trop, en particulier quand des bribes de techno sont à l’honneur (« Firewalls »ou les tons légèrement acides de « The Mark »)qui manquent trop caractère distinct et perspicacité lyrique pour pouvoir gagner en écoute et popularité..
Mark Oliver Everett (alias E) est le maître de l’euphémisme. Quiconque a acheté un disque de Eels ou lu son autobiographie peut témoigner du fait que E a le don d’écrire sur les troubles émotionnels – et chante à leur sujet comme s’il s’agissait de nettoyer l’évier de la cuisine.
C’est l’une des raisons pour lesquelles Eels ont fait une telle impression sur beaucoup de gens : ils parviennent à faire paraître les soucis qui occupent votre esprit petits, mais non sans importance.Et possèdent cette magie que beaucoup de groupes ne parviennent pas à capturer… Et c’est pourquoi aussi, ils cont partie des groupes les plus sollicités pour les bandes originales de films. Leur dernier album Earth to Dora reprend le style de leurs précédents travaux, mais peut-être, pas nécessairement toute sa substance.
À la manière typique qu’affectionne E, la présentation de leur treizième album studio a été rédigée sous la forme d’une interview de John Lennon. L’influence de ce dernier se retrouve d’ailleurs partout, en particulier sur « Anything For Boo » qui ouvre l’album. Toutefois, l’influence du Lennon que nous obtenons ici est celle de celui qui met son coeur à nu, celui du disque Imagine, et l’impact est excessivement fort. Une bonne partie de Earth to Dora a été écrite avant la pandémie bien que le « single » »Are We Alright Again » ait été ajouté tardivement, chose qui ne peut pas ne pas se voir. Décrite par E comme « un rêve de quarantaine », la chanson est brillamment pleine d’espoir et apparaît comme l’antithèse du cynisme. Elle arrive au début de la liste des titres de l’album, et fixe malheureusement un standard élevé que le reste ne respecte jamais.
Il y a néanmoins beaucoup de choses à aimer sur lEarth to Dora. C’est un album conçu pour présenter réconfort aux fans en ces temps d’hincertitude, et cette intention ne peut qu’être louée. « Baby Let’s Make It Real » est, à cet égard, une succès car il combinera le piano intime et le chœur contagieux qui en découle. Nous nous éloignons brièvement de la lumière avec « Are You Fucking Your Ex », qui n’est pas par hasard l’un des meilleurs moments. Et, dans une lignée similaire, « IGot Hurt » et « OK » seront, au mieux, scandaleusement passables.
Hormis cela, le reste de l’album se montre dépourvu de cette étincelle unique qui a occupé les précédentes sorties de Eels ; prenons, par exemple « Anything For Boo », déjà mentionné. Nous sommes immédiatement plongés dans un refrain imprégné d’une guitare chargée de réverbération et de glockenspiels presque sirupeux tandis que les paroles s’imprègnent de sentiments faciles et de rimes conventionnelles. Si vous vous sentez sur ce registre vous ne pourrez que vous esbaudir à chaque fois que le E croonise le mot « boo » en une belle façon de vous garantir une superbe gueule de bois au lendemain matin.
Ailleurs, « Dark and Dramatic » menacera d’être une chanson intéressante pendant une minute avant de s’arrêter net au milieu de la route alors que la douceur saccharine combinée de « The Gentle Souls », « Who You Say You Are » et de la chanson titre (avec les » doo-doos » et « bah-bahs ») ne pourra que vous occasionner une ruée vers le sucre et le mielleux.
Dans l’ensemble, Earth to Dora est plein de platitudes vides : cela conviendra très bien si c’est tout ce que vous cherchez, mais Eels (et son public)valent mieux que cela. Earth to Dora, bien qu’il s’agisse d’une belle œuvre avec les meilleures intentions, est un album perclus de bons sentiments mais peu de caractère. Il plaira sans doute aux fans du groupe, mais l’auditeur occasionnel n’aura pas grand-chose à emporter chez lui après que l’aiguille du tourne-disque se sera arrêtée.
Pour les fans qui ont rêvé des Cayucas d’antan – la version qui a fait ses débuts en 2013 surBigfoot – avec leur quatrième LP, Blue Summer, les frères Yudin, Zach et Ben, sont revenus sur le surf, des refrains simplistes qui leur ont valu une si forte acclamation initiale.
Blue Summer est une immersion totale dans l’ambiance saisonnière, proche cousin des sons classiques immortalisés sur les sorties les plus populaires des Beach Boys. « Yeah Yeah Yeah » est une chanson décontractée qui évoque les Pet Sounds et les premiers Beck. Des « singles » comme « Malibu ’79 Long » et « California Girl » habitent le même espace « chapel rock » développé par Brian Wilson et compagnie, avec des harmonies superposées, des influences doo-wop, des riffs vintage et des effets vocaux nostalgiques.
Tout comme Bigfoot, Blue Summer s’échoue sur le rivage avec un abrégé de huit titres, rappel sonore d’une saison éphémère. Les souvenirs se font en un instant et sont appréciés pour toute une vie. Le dernier morceau, »Summer Moon », permet aux Yudins de réfléchir à ce fait et d’apprécier les relations passées sous « une lune d’été en décembre ». C’est un virage réfléchi pour un soulagement, et montre une croissance de l’artisanat depuis leur dernière installation sur la plage.
Le groupe écossais Travis a connu une longue et stable carrière, qui s’est déroulée de manière plutôt agréable. Ayant débuté comme un groupe peu distingué avec un petit penchant pour le grand public, une coïncidence atmosphérique a contribué à catapulter le deuxième album du groupe, The Man Who, dans la conscience du public. Depuis lors, le combo a connu un succès commercial en tant que groupe de light-rock
Ce neuvième disquede Travis, 10 Songs, ne représente pas un grand changement par rapport au parcours régulier du groupe. De douces impulsions d’introspection de l’intérieur de compositions simples et inoffensives. La chanteuse Fran Healy apaise les sentiments populaires avec des idées relatées, bien que légèrement déprimantes. Une production soignée met l’accent sur les accroches du piano et la voix tendre de Healy. Les sons sont réconfortants – comme une loge au coin du feu protégeant l’auditeur d’une atmosphère vaste et turbulente.
Nulle part ailleurs, Healy et ses collègues ne se ressemblent autant que sur le « single » « A Ghost », qui contient l’urgence contenue qui caractérise leurs chansons les plus populaires. La voix volontairement obscure du frontman tourbillonne sur les mers douces de l’agitation bourgeoise. « Ne perdez pas votre temps », se lamente Healy sur les notes de piano tumultueuses et errantes, donnant une petite touche de texture. « A Ghost », lui, sera l’appel le plus convaincant à sortir du plateau.
Pendant ce temps, « Valentine », qui s’immole de lui-même, illustre la tendance anti-ambition et les exhortations à l’écoute du disque avec une mélodie de guitare vaguement espagnole qui manque de définition. Comme l’offre audacieuse ici, « Valentin » » laisse quelque chose à désirer. « Si je me couche ici, je pourrais mourir ici, je pourrais rester couché ici pendant un certain temps » (If I lie here/ I might die here/ I may lay here for awhile), Healy s’infléchit avec inertie, consumant son caractère sombre. Un travail de guitare sans fioriture fait passer la chanson d’une période anémique à une version de Muse sans le drame.
Sur « The Only Thing », une hymne Americana avec Susanna Hoffs des Bangles, on s’engouffre dans le restaurant avec des voix de route poussiéreuses pour essayer de sauver les choses. « Vous êtes le disque dans un magasin que personne ne veut acheter » (ou are the record in the record-shop nobody wants to buy), contribue-t-elle, alors que Healy déplore impuissant son obsession pour une ex. Hélas, le manque de cran de Healy pour raconter des histoires n’est qu’une autre façon de se morfondre dans sa psyché personnelle. Néanmoins, Hoffs s’en sort bien avec sa douceur lasse des arrêts de camion.
Le lumineux « Butterflies » réveille l’émouvant art de la chanson des Red House Painters, mais dès le premier refrain, la chanson est atténuée par la tessiture prescrite du disque. Plutôt que de s’élever lentement jusqu’à un niveau émotionnel élevé, la chanson s’arrête dès que Travis abandonne le couplet agréablement nuancé au profit d’un refrain plus doux. L’ouvrrture, « Waving At The Window », surferaelle aussi sur une vague douce qui culmine plutôt vers le bas, dans une tentative sincère d’honnêteté émotionnelle. Les sons de « Butterflies » et de « Waving At The Window » sont, à ce propos, coupés, édités pour être consommés et s’éteignent au moment où ils semblent aller dans un endroit intéressant.
Un problème récurrent est que les paroles mettent l’accent sur l’expérience personnelle, mais ne révèlent que peu de choses d’universel ou de profond. Ce problème est d’autant plus prononcé que les segments instrumentaux sont si simples et brefs. Les chansons sont construites à grands traits. Les rythmes et les accords sont fades et servent de véhicules à des paroles qui ne dépassent que rarement le niveau de la dysphorie de la classe moyenne.
La sincérité est le point lumineux du style de Travis. Aussi effacées que soient les paroles de Healy, son chant et son falsetto se mêlent aux chansons simples pour évoquer un espace viscéral de vulnérabilité. Pour ceux qui apprécient sa voix, les singles feront une belle addition à la liste de lecture de la salle d’attente de n’importe quel dentiste. D’autres peuvent envisager de boire des pintes de consolation solitaires de Coldplay alors qu’une autre belle journée s’écoule.
Pas tout à fait à la hauteur de leurs précédentes sorties, 10 Songs embrasse malheureusement la mondanité. Le titre sans imagination dit tout. Sans thème cohérent, sans audace de déclaration, l’album s’épanouit là où le minimalisme s’efface au profit de la facilité. Les chansons laissent peu de choses à découvrir. Les moments marquants sont rares et ne peuvent pas combler les lacunes d’une musique de fond fade et parfois mièvre.
Publié par rockdecibels 
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