The Black Keys: « Drop Out Boogie »

13 mai 2022

Au cours des deux dernières décennies, au moins trois personnes ont rehaussé le profil d’Akron, dans l’Ohio. La star du basket-ball LeBron James a rendu l’expression « just a kid from Akron » presque familière. Les deux autres « enfants d’Akron » sont le duo The Black Keys, lauréat de six Grammy Awards, qui, à l’instar de James, a quitté sa ville natale pour s’installer dans une autre, dans leur cas Nashville. Leur onzième album, Drop Out Boogie, arrive presque exactement un an après l’hommage de 2021 au blues des collines du Mississippi du Nord, Delta Kream, et un jour avant le vingtième anniversaire de leur premier album, The Big Come Up.

Sur le plan sonore, l’album se replie sur le blues rock dépouillé (par endroits) que le guitariste Dan Auerbach et le batteur Patrick Carney ont commencé à pondre dans leur sous-sol d’Akron il y a plus de vingt ans.  L’utilisation du terme « dépouillé » est relative, étant donné le succès que le groupe a connu et celui qu’Auerbach et Carney ont eu individuellement en tant que producteurs pour d’autres artistes. Leur chimie, qui s’est affinée à ce stade, leur permet d’enregistrer beaucoup de ces morceaux en une seule prise. Mais ils franchissent une nouvelle étape avec ce disque.  Bien qu’ils aient déjà écrit et coécrit des chansons avec le producteur/collaborateur Danger Mouse, c’est la première fois qu’ils ont invité d’autres collaborateurs dans le studio pour travailler simultanément sur le processus d’écriture et d’enregistrement ensemble. Ces collaborateurs sont Billy F Gibbons (ZZ Top), Greg Cartwright (Reigning Sound), et Angelo Petraglia (Kings of Leon). Ces deux derniers apparaissent sur le morceau d’ouverture rock et le premier single, « Wild Child ».

Le duo explore une néo-soul animée et agitée sur « It Ain’t Over », avec plusieurs choristes sur le refrain. « For the Love of Money » est dans la même veine, avec des voix de fausset sur un riff blues sous-jacent et des effets d’écho, tandis que Carney pousse un groove régulier. « Your Team Is Looking Good » s’appuie également sur un riff infectieux qui fait tourner la tête et sur des refrains répétitifs. Le premier morceau lourd à base de guitare est « Good Love », où Auerbach se fraye un chemin à travers un rythme trépidant, soutenu par une B3 tourbillonnante et une ligne de basse crasseuse, avant de s’envoler en spirale. 

Carney met en place un groove percussif pour « How Long ? » et l’on commence à sentir combien ces riffs et ces accroches leur viennent naturellement.  Auerbach donne l’impression que c’est si facile, mais la musique est la preuve de cette déclaration : « Nous ne savions pas ce que nous allions faire, mais nous le faisions et ça sonnait bien ». « Burn the Damn Thing Down » est un morceau de trois minutes de rock à la guitare bienheureux, tandis que « Happiness » commence comme un jam décontracté avant de prendre la forme d’un autre morceau caractéristique avec des éléments de ce son Hill Country que l’on entend sur Delta Kream. Il est facile d’imaginer n’importe lequel de ces morceaux joués en concert, car ils ont presque tous des refrains à chanter et des grooves qui font bouger les hanches, comme c’est le cas de « Baby, I’m Coming Home », qui a suffisamment de guitares enflammées pour suggérer que Gibbons a aussi enfilé sa hache. La dernière chanson, « Didn’t I Love You », contient des riffs de blues, des guitares distordues et un côté brut, emblématique du garage-rock qui a marqué ce groupe durable. 

Alors, la prochaine fois que vous vous moquerez d’un couple d’adolescents jouant dans un sous-sol ou un garage, réfléchissez-y à deux fois. Si deux garçons d’Akron peuvent avoir autant de succès, cela peut arriver presque partout.  

***1/2


Kevin Morby: « This Is A Photograph »

13 mai 2022

Les auteurs-compositeurs-interprètes qui puisent dans la grande tradition de la chanson américaine ne manquent pas. Trop souvent, cependant, les efforts qui en découlent soulignent la distance entre l’inspiration naturelle et sans effort des noms les plus sacrés de la tour de la chanson et les fac-similés quelque peu étudiés de leurs disciples contemporains. La production solo passée de Kevin Morby correspondait parfois à ce schéma : de qualité, oui, mais pas tout à fait essentielle, intéressante sans délivrer un coup de poing standard K.O. là où ça fait mal. This Is A Photograph change tout cela.

Inspiré par le fait de feuilleter des photos d’enfance après une crise de santé familiale, les chansons aux thèmes vagues (toutes de qualité supérieure) sont très intéressantes : Il s’agit de l’un de ces rares disques qui démarre fort et s’améliore, devient plus profond et résonnant, à chaque morceau). Il part de l’histoire personnelle et familiale de Morby pour explorer la disparition imparable mais sournoise du temps :  » the living took forever but the dying was quick  » (la vie a duré une éternité mais la mort a été rapide), plaisante Morby sur la beauté countrifiée  » Bittersweet, TN « ) et les fantômes qui hantent Memphis, le cadre musicalement extra-mûr de l’enregistrement de l’album.

Les échos des maîtres du passé, tels que Lou Reed, Leonard Cohen et Bob Dylan, continuent de planer sur l’album. Comme il se doit pour un album enregistré dans la ville natale des légendaires studios Stax et Sun, on y trouve aussi une bonne dose de soul et la franchise des débuts du rock ‘n’ roll.

Pour un album enregistré avec un grand nombre de collaborateurs, il y a un sentiment remarquablement unifié et organique de « live » dans les procédures : le morceau titre construit un momentum en sueur, tandis que « Rock Bottom » (enregistré au Sam Phillips Recording, un studio fondé par le défunt patron de Sun Records) semble à peine sous contrôle avec son énergie joyeusement galopante.

À l’autre bout du spectre, la complainte effrayante, teintée de sépia, « Disappearing » et la méditation hypnotique et lente « A Coat of Butterflies » (avec la harpe de Brandee Younger et, dans une apparition inattendue, le maestro du jazz moderne Makaya McCraven à la batterie) sont toutes deux hantées par la fin tragique de Jeff Buckley, qui s’est noyé dans le fleuve Mississippi à Memphis en 1997. Morby ne s’écarte du fil conducteur de l’album que pour « Stop Before I Cry », une ode directe et désarmante à sa partenaire Katie Crutchfield, alias Waxahatchee.

Ils ne les font plus comme ça », déclare Morby sur le morceau « Goodbye to Good Times », qui clôt le disque en faisant référence aux héros de la soul que sont Tina Turner et Otis Redding. Une fois que This Is A Photograph s’est emparé de vous (et il le fera), il est probable que vous ne soyez pas d’accord.

***1/2



Hey, Ily: « Psychokinetic Love Songs »

11 mai 2022

Il y a une énergie bourdonnante qui pulse dans Psychokinetic Love Songs de Hey, Ily – un disque sauvage, mais concentré comme un laser, qui puise dans la chiptune, la power pop, le pop punk des années 80 et du début des années 2000, avec des moments de thrash metal, de jazz et bien d’autres choses encore. Après les succès d’Internet Breath et de P.S.S.U.S.S.P., les attentes étaient grandes pour le premier véritable album du groupe, et ils se sont montrés à la hauteur de l’occasion, livrant unopus d’excellentes compositions qui ont toutes un impact individuel, mais qui forment un tout cohérent et conscient. Bien qu’il ne s’agisse pas d’un album conceptuel, Psychokinetic Love Songs est un album que l’on peut écouter dans son ensemble, car le groupe a conçu le disque pour qu’il suive un arc clair, avec les morceaux instrumentaux qui marquent le chemin, en commençant par « Rebooting ».

« Intrusive Thoughts Always » suit « Rebooting », et est également l’un des morceaux sortis en avance avec « Stress Headache » et « Psychokinetic Love Song ». Il démarre avec une énergie frénétique et une ligne de piano avec des vibrations d’île tropicale, fonctionnant bien comme un signal de ce que l’on peut attendre de l’album, car le morceau passe par quatre ou cinq genres différents avant de se terminer. « Stress Headache » s’ouvre sur un riff de guitare résolument années 80 qui évoque immédiatement les cheveux longs et le cuir moulant (ou, si vous êtes comme moi, la bande originale d’Adventureland). Le refrain de « I have a stress headache today / I tried some advil but it won’t go away / it’s worse than it was yesterday / ’cause the world’s still crumbling » (J’ai un mal de tête dû au stress aujourd’hui / J’ai essayé de prendre de l’Advil mais ça ne part pas / C’est pire qu’hier / Parce que le monde s’écroule toujours…)est l’un des plus poppés et des plus accrocheurs de l’album, transformant ce sentiment en une chanson amusante. Le pont de « I don’t want to die / or lose my mind / the world’s crumbling / my brain’s melting » (Je ne veux pas mourir / ou perdre la tête / le monde s’écroule / mon cerveau fond…) est suivi d’un solo de batterie prolongé et mortel de Connor Haman et d’un solo de guitare parfaitement années 80, joyeusement scandé par le chant.

Comme « Intrusive Thoughts Always », « Psychokinetic Love Song » est une représentation microcosmique du macrocosme de Psychokinetic Love Songs. On y trouve des riffs féroces sous des voix mélodiques sucrées, un refrain vertigineux, une diversion jazzy et des éléments mathématiques, le tout avant que les choses ne se transforment en une ambiance synthé des années 80 qui rappelle d’innombrables scènes de films où les protagonistes marchent dans des villes délabrées la nuit.

« Glass House » est tout aussi éclectique que les trois singles, avec des cuivres parsemés qui prennent le devant de la scène pour une brève valse, tandis que les paroles parlent du doute de soi et du stress qui semblent planer sur le disque, avec des lignes comme « why is it so damn hard to speak? / suddenly, all my friends are scary / watching all my friendships pass me / banging on these glass walls, why can’t you hear me? » (pourquoi est-ce si difficile de parler ? / soudain, tous mes amis sont effrayants / je regarde toutes mes amitiés me passer sous le nez / je frappe sur ces murs de verre, pourquoi ne m’entends-tu pas ? ». Il est suivi par l’instrumental « Dreaming », qui fonctionne avec « Rebooting » et « Shutting Down » comme des repères pour le disque, tirant une beauté cinématographique des synthés. Ces morceaux ne sont pas de simples interludes instrumentaux entre les chansons à texte ; ils expriment plutôt les mêmes idées et les mêmes thèmes que les chansons à texte d’une manière différente, formant un contraste plus calme avec les chansons plus maniaques prises en sandwich entre elles et reprenant un motif mélodique qui crée une ligne de fond et relie l’ensemble du disque.

« Machine ? » poursuit les vibrations cinématographiques qui imprègnent tant de ces morceaux, comme la bande-son d’une boîte de nuit futuriste dans un film de science-fiction, avec sa mélodie et son rythme légers et pop. Bien sûr, les choses ne restent pas toujours légères, et la chanson explose avant de revenir à une ambiance plus lisse avec l’ajout d’une guitare solo. Étant donné que le thème de la chanson consiste à se demander si l’on est une machine ou un être humain, l’atmosphère de science-fiction s’y prête bien, et les paroles évoquent le sentiment d’incertitude qui découle de la répétitivité d’une vie moderne de plus en plus dominée par le capitalisme et le monde numérique, alors que le chanteur Caleb Haynes se demande : «  am I machine? / are my feelings programmed inside me / are destinies binary? / are we copies of copies of copies of copies  / what am I feeling? / am I really feeling anything? / remind myself that I am breathing. » (Suis-je une machine ? / Mes sentiments sont-ils programmés en moi ? Les destins sont-ils binaires ? / Sommes-nous des copies de copies de copies de copies / Que ressens-je ? / Est-ce que je ressens vraiment quelque chose ? / me rappeler que je respire).

Une mention spéciale doit être accordée ici à « The Tempest », un morceau instrumental de piano classique absolument stupéfiant. Tantôt d’une beauté à couper le souffle, tantôt d’une démonie inquiétante, ce morceau semble former une trilogie avec « Machine ? » et « Human ! » – reliant les deux et reliant leurs thèmes pour créer une histoire cohérente dans l’arc global du disque. Partant du tourment mental de l’incertitude du morceau précédent, un peu après les deux minutes, « The Tempest » prend un tournant et les choses commencent à être plus légères. Il semble y avoir une réponse à la question posée dans le titre du morceau précédent. La plupart des groupes ne consacreraient pas autant de temps à une telle diversion sur un disque, mais c’est un morceau qui a besoin d’autant d’espace, et tout ce que l’on peut vraiment faire, c’est écouter avec étonnement en absorbant la tempête d’émotions qui déborde de tout le disque et qui semble être repoussée dans un sentiment de clarté à la fin du morceau.

« Human ! » reprenra les choses après « The Tempest », offrant la réponse affirmative obtenue dans l’instrumental. Il commence comme un morceau pop-punk incroyablement accrocheur qui aurait pu passer des semaines sur TRL au début des années 2000, mis en valeur par la basse grattée sous le chant dans le couplet et le refrain massif de « as long as I’m human / you’ll never be alone / our interiors are never born cold / I’ll always be human / you’ll never be alone / nothing will take this from us, no » (tant que je serai humain / tu ne seras jamais seul / nos intérieurs ne naissent jamais froids / je serai toujours humain / tu ne seras jamais seul / rien ne nous enlèvera ça, non). À partir de là, nous avons droit à d’autres riffs lourds avant un interlude choral d’une beauté obsédante qui se transforme en le plus grand solo de guitare de l’album – ce qui n’est pas peu dire étant donné l’activité et la mélodie du jeu de guitare de Trevin Baker tout au long de Psychokinetic Love Songs.

Après que « Human ! » ait été ressenti comme le point culminant thématique et énergétique de l’album, « Shutting Down » permet un moment de décompression alors que des synthés bas et menaçants se construisent lentement jusqu’à ce que la chanson explose dans le motif de « Rebooting », cette fois-ci plus triomphant et célébratif – jusqu’à un bref arrêt et un retournement de la bande qui nous fait basculer dans un royaume presque sacré, alors que la mélodie provient de ce qui est essentiellement un chœur de cloches numérique.

Pour un disque avec autant d’éléments et puisant dans autant de sources musicales différentes, il est impressionnant de constater que Psychokinetic Love Songs ne sonne jamais de manière excessivement désordonnée (il y a des moments où un peu de désordre est sûrement intentionnel) et qu’aucune des idées ne se heurte jamais d’une manière conflictuelle. Chaque membre du groupe joue avec sa tête, mais tout cela est au service des chansons et de l’album dans son ensemble, et le groupe sait quand il faut emballer les pistes avec du son et quand il faut se retirer et permettre à différents éléments et membres d’être sous les feux de la rampe, ce qui donne un album fascinant et unique.

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Van Chamberlain: « In the Sun »

11 mai 2022

Le groupe de rock indé Van Chamberlain, basé à Brooklyn, New York, sort son nouvel album, In the Sun, via Very Jazzed. Composé des frères Van et Jacob, qui ont grandi en faisant de la musique ensemble, en 2019, la paire a commencé à se produire sous le nom de Van Chamberlain. Ils ont sorti leur première démo studio, LY, en 2020, juste avant la pandémie, qui les a obligés à renoncer à leurs débuts sur scène. Ils sont donc retournés en studio et ont commencé à travailler sur In the Sun.

Le son de Van Chamberlain mélange des éléments de dream-pop, de jangle et d’alternative des années 90 avec des paroles basées sur des expériences personnelles de perte et de croissance qui en découlent. Caractérisée par des superpositions, à la fois sonores et philosophiques, et surmontée par la voix facile de Van, leur musique reflète leur message – que le passé est un prologue et que l’avenir est prometteur, mais qu’aucun des deux ne comptera si vous ne faites pas la paix avec le présent.

Composé de 10 titres, In the Sun commence par un « Heavy Cloud » qui s’ouvre sur des textures douces et brillantes, à la fois jangly et chatoyantes. Le ténor velouté de Van imprègne les paroles de couleurs indulgentes et cristallines, tandis que le rythme fait avancer la chanson avec une énergie douce mais propulsive.

Les points forts de l’album comprennent « Light Years », qui fusionne des saveurs de dream-pop lumineuses avec des soupçons de guitares alternatives rétro. Pour une raison ou une autre, la voix de ce morceau évoque Buck Dharma de Blue Oyster Cult. Les guitares scintillantes emplissent le morceau de suffusions de couleurs lumineuses, tandis que le rythme raffiné donne à la chanson une impression latente, comme si elle pouvait décoller et s’envoler vers des hauteurs inattendues.

« The Other Side » se déploiera sur des saveurs surf-rock, pour s’installer dans des textures psychédéliques qui rappellent les années 60, peut-être Jefferson Airplane ou les Yardbirds. Il y a aussi un léger goût de nuances country dans les harmoniques.

 » 87  » voyage sur des guitares cliquetantes tandis que la voix rêveuse de Van infuse les paroles avec des tonalités nostalgiques alors qu’il raconte des souvenirs du passé. L’intro de « Empty Scheme » rappelle les années 60, avec des traces de Roy Orbison qui se fondent dans un rythme crémeux et ondulant.

La dernière piste, « Smiley Face », présente des guitares légèrement plus sombres soutenues par un rythme tranquille, tandis que des voix pensifs infusent les paroles de timbres brumeux. Soyeux et débordant de fards irisés, In the Sun offre des strates sonores luxueuses, souples et séduisantes.

***1/2


Different Fountains: « Transparent Flag »

11 mai 2022

Different Fountains a débuté comme un projet de duo à Bruxelles, il y a une dizaine d’années, avec le Vénézuélien Bernardo Risquez et l’Autrichien Michael Langeder. Jusqu’à présent, le tandem a sorti deux albums, dont Transparent Flag en 2019, et quelques singles et EP, parmi lesquels on peut prêter une oreille à la série Organism.

Ils ont également concocté le terme « soulcore junkpop » pour leur musique, une description plus personnelle pour ce que les sites web comme Discogs utilisent des termes plus abstraits et englobants, comme IDM et Leftfield.

« Soulcore junkpop » est un terme approprié pour Transparent Flag : quand on l’écoute, on se rend compte qu’il comporte des glitches et des snippets qui ont été et sont surutilisés. Pourtant, sur cet album, ils sont déployés pour offrir des mélodies pop et des paysages sonores ambiants qui ont une âme sous leurs rythmes et leurs couches.

« Jobs Job » démarre l’album avec un clavier ambiant, sur lequel les éclats d’un violon bourdonnent par intermittence. Il s’agit plutôt d’une introduction à l’album, qui mène au morceau suivant, Vein Satori, plus dynamique et qui tient l’auditeur en haleine, alors que divers sons électroniques s’accumulent de plus en plus. Le rythme initial se transforme bientôt en une polyrythmie, qui rappelle la musique Gamelan. Mais il devient vite évident qu’il ne s’agit pas de musique traditionnelle indonésienne. Elle est à la fois ambiante et dansante.

« Gammon », le troisième morceau, est construit sur des rythmes électroniques, enrichis de bribes de percussions électroniques et d’effets sonores. La deuxième moitié de la chanson voit un changement de tempo, un rythme mélodique remplaçant le rythme initial de la chanson. Encore une fois, comme pour Vein Satori, c’est à la fois abstrait et dansant. Seulement différent.

« Lay Brewery » est un court interlude, qui fonctionne davantage comme un exercice de percussion (électronique et tribal). Il m’a rappelé la chanson de Bill Bruford « Five Percent for Nothing », tirée de l’album de Yes, Fragile : complexe, mais trop court. « Written Smitten » est composé de bavardages, de rythmes et d’une mélodie électronique répétitive qui change vers la fin de la chanson, à mesure que les effets ajoutés deviennent plus poignants.

Une recette similaire est utilisée pour la chanson titre, mais l’humeur change : des percussions tribales et électroniques sont utilisées comme véhicule sonore principal, sur lequel des couches sonores sont ajoutées, une par une, jusqu’à la toute fin, lorsque tous les sons se dissipent dans une félicité cosmique. Abstrait et tribal sont les mots clés de cette chanson, bien sûr si quelqu’un veut vraiment faire tenir en deux mots toutes les bribes sonores qui constituent l’univers de la chanson.

« Tpos » est une de nos préférées. C’est la seule chomposition de l’album qui comporte de véritables paroles, mais quelles paroles ! Il s’agit de « The Pains of Sleep » de Samuel Taylor Coleridge. Au fur et à mesure que les strophes sont récitées une à une, le rythme change. Était-ce pour compléter le fait que le poème est écrit en rimes différentes, qui changent au fur et à mesure qu’il progresse ? Qui sait ? Mais ça sonne bien. Il est peut-être préférable d’apprécier une telle chanson sans analyse littéraire, mais on n’a pas pu m’empêcher de l’écouter avec le poème lui-même, et une question m’est restée en tête : pourquoi laissent-ils de côté le dernier vers « Et ceux que j’aime, je les aime vraiment », mais répètent trois fois la dernière partie de l’avant-dernier vers : « To be loved is all I need » ? La chanson ne se termine pas après la récitation du poème, mais elle continue pendant une minute de plus. Écoutez simplement le morceau et trouvez votre propre réponse. Les sons que Different Fountains tisse autour de ce poème ne sont rien de moins que brillants : simples, abstraits et parfaitement fluides.

Après « Tpos », nous n’avons même pas essayé de comprendre la partie vocale d’Arson, elle s’est simplement mêlée aux beats et aux glitches et a fait avancer la chanson comme un serpent glissant vers une fin inconnue. « Muppet » présente un motif hypnotique, sur lequel divers sons électroniques émergent de temps en temps, pour former un rythme asymétrique, qui est interrompu par sa fin bombastique sur une note.

« Ohcocopee « termine l’album avec une percussion ambiante, qui laisse place à des chants en écho. Ce dernier s’estompe, ne laissant que des éclats de percussion à peine audibles.

J’ai écouté l’album en format numérique et, heureusement, mon lecteur audio était en mode répétitif, de sorte que l’album n’avait pas de fin, puisque Jobs Job recommençait. Lorsque vous écouterez l’album, faites-vous une faveur et ne faites pas ce que je viens de faire ici, c’est-à-dire essayer de l’analyser et de le disséquer avec des mots. Appréciez-le simplement, c’est l’un des albums de danse expérimentale récents les plus gratifiants.

N’oublions pas non plus la superbe illustration de Bert Jacobs est également superbe. Elle complète magnifiquement l’album, car elle utilise un art similaire à celui de la musique : elle utilise la lumière, les nuances et les couleurs pour révéler une image qui devient plus détaillée au fur et à mesure que vous la regardez.

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Joanna Brouk: « Hearing Music »

11 mai 2022

Si, par pure magie, les chansons de Joanna Brouk étaient transformées en peintures, elles ressembleraient probablement à des toiles préraphaélites. À la fois sensibles et brutes, légères et pourtant d’une profondeur si touchante, ses chansons peuvent transporter l’auditeur sur les hauts et les bas, juste à la bonne distance entre la terre et le ciel : pas trop près de l’un d’eux, mais quelque part dans un espace sûr où les deux mondes se rencontrent.

Dans l’anthologie à double disque Hearing Music, parue en 2016, Joanna Brouk mêle piano, flûte, synthétiseurs, drone, sons sans paroles et même des sons d’orque dans un magnifique entrelacement d’états transcendantaux. Cette musique a été créée dans les années 70 et 90 et explore les territoires ambiants de la musique new age.

Néanmoins, Brouk ne s’est jamais considérée comme une compositrice. Pour elle, la musique était une forme d’expérimentation des sons, une progression naturelle à partir des mots (elle était étudiante en littérature à Berkeley et aspirait à devenir poète). Son intérêt a été stimulé par la métamorphose des mots en sons et par les cérémonies de guérison traditionnelles asiatiques, concepts qui lui ont été présentés pendant ses études.

Dans une interview, elle a déclaré qu’elle trouvait le processus de création musicale thérapeutique, tant pour elle-même que pour les autres. « Je regarde les gens écouter une de mes créations et je les vois entrer dans une sorte de transe tranquille, comme dans un espace élevé, et cela me donne un sentiment de… ce n’est pas exactement du pouvoir, parce que ce n’est pas du pouvoir utilisé dans un sens pour contrôler les gens, mais les emmener dans un endroit où il n’y a qu’eux et leur âme, et personne d’autre. C’est comme un voyage, et pendant un moment, nous y sommes tous ensemble et nous ne sommes pas si seuls. Parce que c’est très isolant d’avoir quelque chose que personne d’autre ne peut entendre, que vous devez exprimer pour que d’autres personnes puissent l’avoir, pour avoir cette reconnaissance. C’est un besoin très fondamental, je pense. Cela vous fait croire que vous existez, que j’existe ».

Alors que le premier disque se compose de piano et de flûte sur un fond de bourdonnement synthétisé, le second disque ajoute une atmosphère plus non conventionnelle avec des sons d’orques et des voix humaines masculines et féminines fredonnées comme dans un rituel intemporel. Une façon de « parler à l’âme des gens à partir de mon âme », comme dirait Joanna Brouk.

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The Builders And The Butchers: « Hell & High Water »

9 mai 2022

Cela fait cinq ans que The Builders And The Butchers n’ont pas sorti de disque, aussi Hell & High Water, leur dernier opus, vise à compenser largement ce retard.Le groupe s’est formé à Portland, mais ses membres sont maintenant dispersés et séparés par des frontières d’état et un océan dans un cas. Pour réaliser ce disque, il a fallu surmonter la géographie, la pandémie et bien plus encore. La plupart des membres vivent dans l’Oregon, le Colorado et Washington, mais le bassiste Willy Kunkle est capitaine de bateau à Malte, alors le reste des membres l’ont rejoint là-bas en 2019, s’installant dans un hangar à bateaux dans la marina pour travailler sur l’album. « Tout au long de l’automne et de l’hiver 2019, nous nous réunissions chaque semaine, faisions un feu, buvions de la bière et du whisky et essayions de trouver une certaine cohésion dans ces airs », a déclaré le chanteur Ryan Sollee. « Ce lieu de rassemblement a été le plus inspirant que nous ayons eu dans tout processus créatif pour tout album jusqu’à présent. »

Et malgré ce qui s’est passé ensuite, l’album est toujours remarquablement cohérent, de la première grenade et de la voix plaintive de Sollee sur la première chanson « The River », à la chanson finale, émotionnellement puissante, « Sonoran Highway Song ». Début 2020, après avoir posé les premières pistes de batterie en studio, la pandémie et les quarantaines mondiales ont contraint le groupe à terminer l’enregistrement à distance. Ajoutez à cela le fait que les membres ont dû faire face à des incendies de forêt en furie et à des émeutes dans les rues.

En conséquence, les performances sur Hell & High Water sont très émotionnelles, tant au niveau de la voix que du jeu, ce qui fait de Hell & High Water l’album le plus marquant du groupe en presque deux décennies de collaboration. Vous pouvez l’entendre dans le doom sonore de « West Virginia », une chanson de caractère sur le fait de se cacher des flics, et dans la magnifiquement subtile « Nebraska » (pour ce que ça vaut, il y a une autre « chanson d’état » ici, la rauque « Montana », recouverte de guitare floue et d’énergie frénétique). 

Le disque, qui compte une douzaine de titres, parvient à être à la fois tendu sur le plan émotionnel par moments et satisfaisant sur le plan du divertissement. Compte tenu de tous les obstacles qui ont dû être franchis pour que Hell & High Water voie le jour, le titre est remarquablement approprié.  

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Sunflower Bean: « Headful of Sugar »

9 mai 2022

Pour faire suite à leur deuxième album, Twentytwo In Blue, salué par la critique, le trio new-yorkais Sunflower Bean – composé de la chanteuse et bassiste Julia Cumming (elle/il), du guitariste et chanteur Nick Kivlen (il/elle) et de la batteuse Olive Faber (elle/ils) – est revenu aux sources. Après que la pandémie mondiale ait réduit leur appétit apparemment insatiable pour les concerts, le trio a transformé le négatif en positif et a décidé d’enregistrer leur troisième album, Headful of Sugar, principalement dans leur home studio. Le retour à l’essentiel, lorsqu’il est envisagé sous l’angle d’une idéologie politique, est généralement synonyme d’austérité budgétaire, de coupes et de « débrouille ». Cependant, cela signifie quelque chose de complètement différent lorsqu’il est vu à travers l’objectif créatif de Sunflower Beans. Le retour aux sources a donné au groupe l’espace nécessaire pour innover, la chance de prendre le contrôle total de son récit créatif et de suivre ses instincts sans la pression extérieure d’une horloge de studio qui tourne. Comme l’explique le batteur Olive Faber, « vous perdez de l’argent dès que vous entrez dans le studio d’enregistrement. C’est merdique d’enregistrer et de faire de la musique comme ça parfois ».

Après s’être réhabitués à un monde en confinementet à la place qu’ils y occupent, les membres du groupe se sont réunis et se sont attelés à l’élaboration de leur meilleur travail à ce jour. Ils ont l’air revigorés, et naviguent avec expertise sur une variété de terrains sonores qu’ils plient à leur volonté avec des résultats qui ne sont rien de moins que spectaculaires. Il y a de la lumière, il y a de l’ombre, et il y a de l’espoir au milieu d’une atmosphère occasionnellement d’obscurité dystopique, alors que le groupe explore et élargit les possibilités du rock et de la pop. Le guitariste et co-vocaliste Nick Kilven explique : « Nous voulions écrire sur l’expérience vécue du capitalisme tardif, sur ce que l’on ressent chaque jour, sur la banalité de ne pas savoir où chaque construction est censée nous mener. Le message est dans le titre : il s’agit de plaisirs rapides, du sucre de la vie, de la joie qui vient en lâchant tout ce que vous pensiez être important. » Headful of Sugar examine ce sentiment audacieux de lâcher prise, de déconstruire et de briser les attentes des autres quant à votre identité, ou comme le dit Cumming, « Pourquoi ne pas faire ce que vous voulez faire selon vos propres termes ? Pourquoi ne pas faire un disque qui vous donne envie de danser ? Pourquoi ne pas faire un disque qui vous donne envie de crier ? »

En son cœur, Headful of Sugar est un disque de pop néo-psychédélique moderne et vibrant, qui mêle souvent une sensibilité pop et funk à la Prince, avec des accroches pop géniales et des rythmes dystopiques granuleux. L’album ne dure que 36 minutes, mais il s’agit d’une machine à groove maigre et sans excès, chaque morceau étant un morceau de choix.

L’album se déploie avec le très beau « Who Put You Up To This ? », dont le refrain, dans lequel la sublime cascade de voix célestes de Julia Cumming a presque des airs d’Elizabeth Fraser. Kivlen affronte le syndrome de la petite ville sur le magnifique « In Flight », qui ressemble à une rencontre entre Michael Stipe et Talk Talk, tandis que sur le propulsif « I Don’t Have Control Sometimes », la voix sucrée et glacée de Julia Cumming tourbillonne autour d’un mélange effervescent et addictif de lignes de basse lancinantes et de rythmes urgents. Il s’agit en fait d’un morceau optimiste, mais il s’inspire d’expériences plus sombres, motivées par le côté impulsif de Cumming, qui, selon elle, l’a conduite à faire « ses meilleurs choix sur scène, mais ses pires choix dans la vie ».

« Roll the Dice » commence avec la voix déformée de Cumming qui prévient : « Rien dans cette vie n’est vraiment gratuit »(Nothing in this life is really free), et mélange mélodie et dissonance, mêlant d’imposants murs de larsen, de statique et de guitares stridentes. « Post Love » sonne comme le summum de Madonna sur les pistes de danse, tandis que le single principal « Baby Don’t Cry », sorti en 2021, a déjà commencé à prendre l’allure d’un classique culte underground. « Otherside » offre un moment de calme alors que Cumming livre une performance d’une beauté à fleur de peau, tandis que l’hymne gothique rock « Beat the Odds » n’est pas très éloigné de Depeche Mode dans sa splendeur.

Sous le tsunami planant de mélodies chargées d’accroches, d’harmonies sublimes et de techniques de production innovantes, Headful of Sugar est la distillation d’un groupe qui devient exactement ce qu’il est censé être. Malgré les temps sombres que nous vivons, on sent que le groupe nous invite à les rejoindre pour regarder l’avenir avec plus d’espoir que de trépidation. Il s’agit d’un travail passionné, honnête et sans peur, qui ne tient pas compte des tendances actuelles du rock indépendant, de plus en plus régressives et rétrogrades. En effet, il s’agit sans aucun doute d’un album avant-gardiste plein de vitalité et d’excitation, qui fait appel à la tête et au cœur d’un groupe qui s’est toujours efforcé de faire les deux, et il réussit à peu près à tous les niveaux.

***1/2


IC3PEAK: « Kiss of Death »

8 mai 2022

Ce duo russe, composé de Nastya Kreslina et Nick Kostylev, après avoir partagé quelques singles dernièrement, voit Kiss of Death se montrer un digne successeur d’un До Свидания / Goodbye paru en 2020, à la fois oppressant, majestueux et terrifiant.

Les singles avaient laissé entrevoir une évolution notable, qui se confirme rapidement. Si la formule reste reconnaissable, IC3PEAK donne à sa musique une tonalité plus rentre-dedans, plus agressive, où les guitares s’incrustent pour y ajouter des touches metal parfois très énervées. Il en résulte une énergie nouvelle dès le premier morceau éponyme, mais aussi une lourdeur et un désespoir hurlé (« Last Day / Новый день »). Toujours aussi théâtral, le duo n’en oublie pas les beats sinistres et les paroles scandés par la voix haut perchée de Kreslina mais y ajoute des couches bruitistes, des explosions d’angoisse qui viennent secouer leurs cauchemars baroques (« Bad Night », « I’m Not Evil, I’m Sad » avec ses chuchotements sinistres qui alternent avec des hurlements déments).

IC3PEAK laisse plus de place à l’anglais, élargit ses horizons musicaux en s’orientant vers le metal et s’ouvre à quelques « invités » ( Grimes, Kim Dracula et Oli Sykes  de Bring Me The Horizon). Le résultat est souvent jouissif « Dead But Pretty » et son impressionnant clip). La mélancolie infuse ce mélange inclassable… trap, metal, opera, witch-house, pop, rap, noise, chants traditionnels : le duo brasse joyeusement les influences et ne s’interdit rien et c’est quand tout cela s’exprime en même temps qu’IC3PEAK nous séduit finalement le plus (comme sur la trop courte « Мне хотелось умереть, а теперь не хочется »).

Rires fous, lignes de chants angéliques, scansion autoritaire ou folle, growl possédé, murmures enfantins inquiétants, riffs énervés, comptines folkloriques glauques, beats poisseux et ambiances gothiques (avec un artwork renvoyant au Bloody Kisses de TYPE O NEGATIVE on aurait été déçu que ça n’ait pas parfois un parfum sépulcral ou vampirique)… Kiss of Death est très varié, sans perdre sa cohérence.

Avec son ouverture, IC3PEAK devrait rencontrer un public toujours plus large. On aurait pu craindre que le duo y perde de son identité ou que son intérêt ne s’y dilue. Il n’en est rien. La lourdeur faisait déjà partie de leur univers, elle s’exprime désormais aussi avec des guitares. Mais l’âme du projet est toujours aussi présente, plus encore dans son refus de s’enfermer, d’obéir. Kiss of Death est un album fou, généreux, intense, une virée dans un conte de fée givré et gothique, une œuvre théâtrale et jouissive à l’atmosphère unique. C’est à la fois fascinant, très riche, unique et bien bas de front comme il faut quand il faut. IC3PEAK continue de grandir et, ce dont on ne se plaindra pas, reste unique.

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