Zack Oakley: « Badlands »

7 décembre 2021

Le musicien et producteur « DIY », Zack Oakley, sort ici via Kommune Records son premier disque, Badlands, une expérience complète de heavy rock psychédélique et progressif qui va ramener l’auditeur dans les années 1960.

Oakley écrit et publie son propre mélange unique de musique psychédélique, de rock progressif, de blues et de folk, le tout mélangé avec sa propre touche.

Au cours des dix dernières années environ, Oakley a joué dans des groupes, notamment un groupe nommé Joy (qui a fait une tournée aux États-Unis et a été signé sur Tee Pee Records). Il était également dans un autre groupe de Tee Pee Records, Pharlee, qui a sorti son premier album en 2019.

Sur ce premier opus, le morceau d’ouverture, « Freedom Rock », est un rocker complet. Il mélange définitivement des éléments de rock progressif, de rock psychédélique, de blues et de folk, pour créer un titre qui tue et qui constitue une formidable chanson d’ouverture. On dirait aussi qu’il est un guitariste de talent.

Le début du titre « I’m The One » possède une ouverture qui ne ne peut que nous rappeler quelque chose que Led Zeppelin a écrit. Si vous aimez le rock progressif et le rock psychédélique, vous allez déjà apprécier ce disque. La guitare électrique sur cet album est démesurée et jdonne vraiment l’impressioe nous transporter dans une autre époque. De ce point de vue, c’est un triomphe artistique si vous souhaitez vous imbiber dans ce certain genre de musique.

« Desert Shack » est une chanson très cool, parfaite pour une playlist de fumigènes ou pour se détendre avec des amis, tandis que « Fever » excellera par sa parfaite instrumentation de guitare.

Sur « Looking High Searching Low », Oakley puisera dans ses racines folkloriques pour créer un excellent morceau de folk roots. Sur la dernière piste est le titre de l’album, qui réunit un mélange de rock psychédélique, de blues et de rock, Il commence lentement, mais monte progressivement en puissance pour devenir un excellent morceau, avec un grand mélange de genres différents.

Dans l’ensemble, cet album est superbe dans le style précité. Les chansons sont uniques, les paroles sont introspectives et racontent des histoires, et la musicalité est fantastique.

***1/2


Enrico Coniglio: « Alpine Variations »

7 décembre 2021

Sur Alpine Variations, le compositeur, guitariste et « field recorder » vénitien Enrico Coniglio se dirige vers une apogée ambiante. Le sommet de la montagne scintille de loin, révélant lentement sa beauté cristalline à mesure qu’il s’en approche. Sur ce disque étonnamment sublime, la musique ambiante de Coniglio parvient à dissiper les derniers nuages pour découvrir un spectacle majestueux. L’ascension est longue, mais le voyage en vaut clairement la peine.

L’euphorie d’atteindre le sommet, la victoire qui vient avec la conquête, est contenue dans ses vapeurs d’ambient. En plus de cela, il y a un incroyable sens de l’échelle, ainsi qu’un profond respect pour la montagne. C’est aussi un rappel brutal de la mortalité de chacun.

L’atmosphère et l’environnement sont placés comme un drapeau à l’extrémité de la musique, qui devient de plus en plus glacée et givrée, et ses harmonies ternes et luisantes produisent une lumière lambda.

Coniglio avance depuis des années sur ces chemins musicaux, en explorant les sons de la Terre et en transcrivant leurs vibrations ; le soin apporté à la musique, ainsi que le souci du détail, transparaissent immédiatement. Il est clair qu’il a un amour pour les montagnes. Bien qu’elles soient imposantes, qu’elles dominent le paysage et qu’elles fendent le ciel, la musique est plus proche de l’admiration que de la peur, bien qu’il y ait une bonne dose de celle-ci. Chaque morceau se rapproche du sommet, l’ascension étant marquée par des étapes, comme des points de contrôle le long du chemin, et la musique construit sans cesse sur ses fondations, bien que ses pas disparaissent rapidement dans la neige.

Des textures denses et de minces vents ambiants sifflent le long de la montagne, qui évoque un voyage spirituel et mental autant que physique. L’endurance est essentielle si l’on souhaite atteindre la pointe du pic, et il y a quelque chose comme un combat intérieur, une poussée pour continuer, pour ne jamais abandonner, enfermé dans les textures ambiantes. Les mouvements continuels de la glace et le tonnerre d’une avalanche lointaine nous rappellent le danger permanent. Comme la montagne elle-même, c’est une musique à couper le souffle, aussi apaisante que spectaculaire.

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LP: « Churches »

6 décembre 2021

La beauté de la pop est qu’elle peut être expansive et malléable. La musique et les paroles peuvent être poussées dans diverses directions, émulant des instruments et des styles d’écriture d’une infinité d’autres genres, mais retombant ensuite vers un son accessible et agréable pour la plupart. C’est exactement ce que LP exécute dans ses incursions dans la musique pop sur Churches, leur sixième album studio et le premier après Heart to Mouth en 2018. Ils emploient divers synthétiseurs, des tambours, des bruits ambiants et même un peu de chaos pour faire un disque pop imprégné d’éléments de rock, de country et de musique alternative. C’est une entreprise ambitieuse, mais qui s’avère toujours payante.

L’auteure-compositrice-interprète (née Laura Pergolizzi) – qui a écrit pour des artistes comme Rihanna et Leona Lewis – est peut-être plus connue à l’échelle internationale pour le « single » « Lost on You » de 2015, qui a bien marché en Europe. Bien qu’il ait joué un rôle important dans les coulisses, Churches est un album entièrement consacré à LP. Il est mûr avec les insécurités et l’expérimentation, un étalage de lyrisme et de capacité de ceinture.

« Everybody’s Falling in Love » commence par un morceau de pop facile à interpréter, sur des airs de Christine and The Queens. « Bois-moi comme le vin le moins cher/ Et disparais en un jour/ Je ne cherche pas à gagner » (Drink me like the cheapest wine/ And disappear in a day/ I’m not going for the win), chante LP sur un rythme de synthétiseur mid-tempo. La chanson se balance à basse altitude pendant les couplets avant que le rythme ne s’accélère pour chacun des refrains groovy.

LP dérive ensuite vers le territoire que ne renierait pas Miley Cyrus, et bien que cela ne soit pas perceptible au premier abord, cela se ressent dans leur son, leur énergie et leur dextérité vocale. Miley Cyrus est passée maître dans l’art de chanter en tant que pop star réelle et fictive et a enregistré des albums qui couvrent les styles country, pop, punk rock, R&B et psychédélique. Beaucoup de ces genres sont repris par LP dans le seul nouvel album.

Les styles country sont intercalés sur « My Body » avec un début entraînant, accompagné de cris, de hurlements et de claquements de mains. La chanson est émouvante parce que LP utilise l’écriture pour réclamer la propriété des défauts de son corps : « En ce qui concerne les syndromes, Stockholm est plutôt charmant »(as syndromes go, Stockholm is kinda lovely,) et pour respecter son identité non-binaire. Même si elles se sentent seules après que leur amant les ait quittées, qu’il en soit ainsi. « J’ai envie de repartir à zéro, de passer du punk rock à la bossa nova, de changer de style et peut-être de me laisser aller à la folie, de commencer à faire plus attention à moi », chante LP.

«  Yes » suit la même veine ; un refrain à la guitare acoustique qui se transforme en un refrain belliqueux. Cyrus et sa voix rauque influencée par la country pourraient s’en emparer, mais ce qui est intéressant, c’est que Céline Dion, qui a déjà enregistré les chansons de LP, pourrait aussi le faire. La version de LP de « Yes » sonne bien, mais la chanson est définitivement ambidextre et avec le style de Dion, elle pourrait devenir une ballade envolée pleine d’anecdotes inspirantes.

On trouve aussi « How Low Can You Go ? » qui est un morceau poppy et optimiste tout au long de l’album. Elle commence par un début très descriptif : « La dernière fois que je t’ai vu/ On a pris de la coke dans un placard/ Au Château Marmot/ On était heureux et à fond » ( Last time I saw you/ We did coke in a closet/ At the Chateau Marmot/ We were happy and on it). Sur « Rainbow », une guitare acoustique calme mène la chanson alors que LP chante l’apprentissage de voir la lumière du jour entre les pierres qui leur sont lancées. « Est-ce que ça vaut la peine de survivre juste pour voir un arc-en-ciel » (Is it worth surviving just to see a rainbow), chantent-ils de façon étrange.

Churches s’achève avec « Poem » » qui n’est rien d’autre que cela. En seulement 75 secondes, ils parviennent à trouver du réconfort, à revendiquer enfin leur corps, à se sentir en sécurité avec le prix au bout de l’arc-en-ciel. « Tu es mon église/ Et cela commence quand on se touche » (You are my church/ And it begins when we touch), dit LP dans les dernières lignes de l’album.

Au cours d’un mois dominé par la musique avec des cloches qui tintent et des antidotes chaleureux sur les cheminées, Churches de LP pourrait offrir le morceau le plus frais et le plus original de nouvelle perspective que nous trouverons. LP a créé un album qui défie les étiquettes prescrites. Prenez le temps de le découvrir.

***1/2


Nation Of Language: « A Way Forward »

5 décembre 2021

« Mais peux-tu sentir l’accélération / Sept millions de moments en un seul.» (But can you feel the quickening / Seven million moments down to one, chante Ian Devaney du groupe de « revival » synth pop Nation of Language sur leur dernier album, A Way Forward. C’est une bonne description de l’art d’écrire des chansons, surtout pour ce groupe de Brooklyn qui plonge dans les profondeurs de l’émotion, et extrait de la vie et des expériences passées son jus le plus doux et le plus douloureux sur chacune de ses chansons. Il s’agit de leur deuxième album, après Introduction, Presence, qui a été acclamé par la critique, une « introduction » appropriée et une « présence » si puissante, qu’elle a donné lieu à des concerts à guichets fermés dans toute l’Amérique, notamment au Governor’s Ball et à KEXP.

Les membres du combo sont de fervents étudiants du Krautrock et de la musique électronique des années 80, mais ont regardé encore plus loin dans le passé, jusqu’à la genèse de la musique électronique dans les années 70 pour cet album. Ils ont, disent-ils, cherché à retracer plus profondément les racines de leur son, en espérant apprendre quelque chose de leurs premières influences en expérimentant la manière dont elles pourraient être réinterprétées dans notre contexte moderne – en regardant plus loin en arrière et, ce faisant, pour trouver une voie vers l’avant. Regarder plus loin en arrière pour trouver une voie vers l’avant est ainsi leur modus operandi, non seulement dans leur son retour de flamme/tirage vers l’avant mais aussi dans le contenu de leurs paroles très introspectives et nostalgiques.

« Est-ce que je pourrai jamais dépasser les blessures de l’amour ? / Non » (Can I ever get past the wounds of love? / No). Voici une mélancolie et une ardeur dignes d’un disque de Joy Division, avec un juste clin d’œil sonore à ces pionniers de la synth-pop. « Penses-tu que je pourrais simuler / Ma vie, mais en mieux / Dans cet esprit fracturé » (D’you think that I could simulate / My life, but done a better way / In this fractured mind ). « Mon ancien moi dit que je pourrais être quelqu’un » (My former self says I could be someone). Comme beaucoup d’entre nous le font avec la musique, on a l’impression que Devaney et son équipe ont trouvé leur identité émotionnelle dans les groupes du passé et qu’ils essaient de recréer/recapturer ce sentiment dans leurs morceaux, et ils font un travail remarquable en imitant et en révolutionnant le meilleur de la musique électronique des années 80.

Avec des synthés pulsés, des basses mélodiques et la voix évocatrice et résonnante de Devaney, ils créent de petits mondes sonores de nostalgie et d’art. Depuis les premières notes frénétiques de synthétiseur de la chanson d’ouverture « In Manhattan », jusqu’aux nappes de cordes et aux pistes robotiques aventureuses qui remplissent la dernière et la plus pleine d’espoir piste de l’album, « They’re Beckoning », ils expérimentent le son dans la palette de couleurs familières de la synth-pop. C’est comme si on ouvrait une capsule temporelle en écoutant ce disque, à la fois de la vie passée de Devaney, sur ce qui semble être une exposition complète, et de la genèse de la musique moderne. « Envie pour quelque chose que vous pourriez sauver / Un mot et un geste de la main » (Aching for something you could save / A word and a wave), chantent-ils sur la chanson du même titre. Nation of Language réussit, une fois de plus, à offrir un disque de new wave qui fait vibrer par sa profondeur émotionnelle et sa quête sonore.

***1/2


Arca Kick: « ii-iiiii »

4 décembre 2021

Bienvenue dans la saison (ou la maison) Arca. L’artiste expérimental sort quatre nouveaux albums cette semaine, un par jour, complétant ainsi le quintet qui a débuté il y a 18 mois avec KiCk i. Les quatre nouvelles pochettes racontent une sorte d’histoire, avec l’artiste titulaire subissant diverses machinations : de la gardienne de squelettes à deux têtes, à une super arme mécanisée, jusqu’à sa forme finale exultante chevauchant une bête tout droit sortie d’une peinture de Frank Frazetta.

Cependant, aussi intriguant que soit l’art, il n’apporte pas beaucoup de lumière sur la musique. C’est un excellent compagnon, mais plus de deux heures d’Arca vivent et meurent en toute indépendance. Pour le meilleur ou pour le pire, c’est en gros ce que l’on attend d’une suite dense et expérimentale : du chaos, des interludes en mode cyborg, tout en pitchs décalés, un peu de répit et encore du chaos.

Si KiCk i peut être considéré comme de la musique de club déconstruite, KiCK ii est du reggaeton déconstruit. Une idée géniale (voir DJ Python), mais qui donne lieu à la musique la moins intéressante de toute la collection, car la première moitié s’appuie sur des rythmes reggaeton typiques (bien que joliment spectraux sur Rakata) pour des chansons assez simples. Si elle avait été plus avant-gardiste ou plus éphémère, elle aurait peut-être mieux fonctionné, mais elle ne frappe pas avec l’intensité qu’elle devrait. Cependant, Femme apporte un peu d’intérêt avec ce qui ressemble à des épées littérales qui tournent en rond, avant que Mica Levi et Clark ne maintiennent les choses en place de manière agréable. Mais la collaboration avec Sia (« Born Yesterday ») apparaît comme beaucoup trop normale, laissant l’album s’éteindre sans grande impression.

Arca avait promis que KicK iii traiterait de palettes sonores violemment euphoriques et agressivement psychédéliques. Chaque passage s’ouvre sur une voix robotique en guise de réintroduction, et celle-ci passe de l’espagnol à l’anglais, rappe un peu, puis le rythme se transforme en un essaim d’abeilles. Jusqu’ici, tout va bien. Incendio présente un peu plus de rap espagnol sur un beat de type Modeselektor et Rubberneck a quelques bruits industriels punitifs, mais c’est surtout un sentiment de chaos contrôlé. Skullqueen et Electra Rex mélangent la sérénité et l’apocalypse avec un excellent effet, ce dernier se livrant au pitch-shifting maniaque que l’on attend d’Arca. Mais les morceaux plus calmes sont également agréables, comme le Joya à la Björk et le Señorita aux accents hip-hop (coécrit avec Max Tundra).

kick iiii était destiné à être entièrement composé de piano instrumental, et bien que ce ne soit pas le cas, c’est une affaire relativement calme (en contraste frappant avec sa couverture violente). Oliver Coates ajoute un peu de gravité à Esuna avec son violoncelle typiquement magnifique ; « Hija » dérange avec des voix robotiques enfantines parmi des cordes plissées ; Shirley Manson est discrète par rapport à son style habituel, mais néanmoins agréable sur Alien Inside. « Queer » avec Planningtorock est une collaboration évidente d’Arca, et une bonne chanson, mais un peu incongrue sur cet album.

Le dernier album est plus facilement identifiable à sa pochette : Arca baignant dans un flot de lumière, regardant vers le ciel, bien que des éléments monstrueux subsistent. kiCK iiiii est sa collection de chansons la plus céleste, mais sans fioritures, à ce jour. On n’y trouve qu’occasionnellement des embellissements électroniques, avec beaucoup de piano nu (La Infinita, le magnifique break de Fireprayer), des cordes orchestrales (Estrogen) et des arrangements glorieux et chatoyants (PU, Tierno, Ether). Tout n’est pas lisse – les percussions dentelées de Músculos, le bavardage « psycho-diva » de Ryuichi Sakamoto sur Sanctuary, le moment final de Crown qui pourrait être une gorge tranchée – mais c’est aussi paisible que vous n’avez jamais entendu Arca.

Cette collection fonctionne parfaitement bien dans sa forme complète, mais pourrait tout aussi bien être découpée en albums ou morceaux individuels (un peu comme Arca le fait avec le concept de genre). Il s’agit simplement d’un artiste à la créativité débordante qui nous offre un aperçu de ce qui se passe derrière le rideau pendant quelques heures. Faites-vous plaisir à votre guise.

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The Witching Tale: « The Witching Tale »

4 décembre 2021

Katharine Blake et Michael J. York font équipe  sous le patronyme de The Witching Tale pour une étrange et éponyme tranche de bizarrerie rurale. Alors que nous étions tous préoccupés par les masques, les tests et les temps de latence, quelque chose de sauvage et de libre a poussé dans les bois. Katharine Blake est une chanteuse connue pour sa voix envoûtante, utilisée de manière très contrastée dans Mediæval Bæbes et Miranda Sex Garden. Michael J. York est présent dans de nombreuses formations pionnières de la musique alternative, de Coil à Utopia Strong, en passant par Urthona et Téléplasmiste. Ensemble, ils ont fusionné leurs intérêts musicaux en quelque chose de sombre, magique et étrange (ou peut-être strænge). Derrière une pochette d’album où ils arborent des cagoules et des robes sacrificielles, ils ont enregistré un ensemble de chansons qu’ils décrivent comme une célébration noire du pouvoir magique de l’érotisme – et de son péril. C’est comme si l’on était transporté dans une ligne temporelle parallèle où le chant grégorien, l’acid-folk et la musique classique arabe ont fusionné pour donner naissance à la musique la plus crue que l’on puisse imaginer.

Si nous avions le moindre doute sur ce que Blake et York canalisent, une bribe chantante de « Fire Tale » de Magnet, tirée de la bande originale de Wicker Man, fait une apparition taquine sur « Roundelay », un oeuvre qui glisse dans un brouillard de couches musicales déconcertantes, comme une brume enivrante. York joue d’un éventail remarquable d’instruments sur The Witching Tale, dont le tanpura d’Inde, le begena éthiopien et le rebab arabe (tous des instruments à cordes), ainsi qu’un instrument à vent du Moyen-Orient appelé duduk. Charlie Cawood joue de la lyre, de la cithare et du guzheng (une sorte de cithare chinoise). Robin Blick ajoute une gamme complète de cors, du saxophone au bugle. Le générique comprend également la fille de Blake, âgée de douze ans, qui possède une voix soprano inquiétante ainsi que celle du musicien iranien Kavus Torabi.

Quelle que soit la recette, la musique qu’ils ont produite est enveloppante et devient de plus en plus étrange à chaque écoute. La production intensément stratifiée et les instruments inconnus créent un puissant sentiment d’étrangeté. On ne peut pas dire ce qui va suivre, et on n’a pas d’autre choix que de s’abandonner à la puissance des chansons. Le morceau d’ouverture, « The Beckoning », nous fait entrer dans le cercle avec un tourbillon de sons qui implique certains de ces instruments, voire tous, et montre Blake chantant ce qui semble être un vers érotique du huitième siècle, en arabe, écrit par une ancienne poétesse, comme elle le fait aussi dans « Dahna », sur un rythme creux de danse macabre. Plus tard, elle raconte à nouveau l’histoire – en anglais – des envoûtements d’une créature tandis qu’un synthétiseur, apparemment enregistré en écho autour d’une coquille de nautile, se transforme en une sorte de flûte à bec médiévale. Sur « The Falling Garden », dans une langue que je ne suis pas en mesure d’identifier, Blake évoque un enchantement dans des tonalités mineures qui luttent de façon alarmante avec des cordes séduisantes et bourdonnantes.

L’association de la voix dominante de Blake, semblable à celle d’une sirène, et des univers sonores méticuleusement désordonnés de York est vraiment magique. Bien que l’album rappelle le son des pionniers du renouveau folk comme Mellow Candle et Trees, il va bien au-delà de tout ce qui a été tenté dans les années 1970 dans sa fusion des musiques et des cultures. La comparaison la plus proche est avec Comus, qui était souvent terrifiant et certainement pas féerique. The Witching Tale présente des niveaux similaires de menace et d’allure. Il se situe sur un plan différent, musicalement et astralement, et habite un espace qui lui est propre. Ce sont des chansons inspirées, qui demandent une écoute répétée pour décoder leurs messages et démêler leurs écheveaux emmêlés. Elles sont aussi immensément agréables, garantissant l’ouverture des portes d’une autre dimension.

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Daniel Wyche: « Earthwork »

3 décembre 2021

Le guitariste et compositeur de Chicago Daniel Wyche transforme le chagrin lié à la perte d’un être cher en un pendule qui se balance vers l’extérieur. Earthwork, écrit et enregistré au cours d’une véritable vie, parle des enchevêtrements compliqués qui existent en nous, de l’idée que l’impermanence de la vie et de la respiration est compensée par la permanence de la mémoire. Wyche utilise ces toiles sonores comme un moyen de passer au crible les innombrables vrilles qui doivent être séparées avant qu’il soit possible d’aller de l’avant.

Earthwork s’ouvre sur le long opus « This Was Home », avec un ensemble impeccable composé de Lia Kohl, Andrew Clinkman, Michael Nicosia et Ryan Packard. Même en tant que quintette, la piste de Wyche laisse beaucoup d’espace vide. La résonance du vibraphone de Packard est un filet d’argent tout au long de « This Was Home », fantomatique et fluorescent par moments, semblable à un cocon à d’autres. C’est un doux chatoiement qui plane sur l’ensemble du morceau. Les guitares crépitent de vie, les bobines se libèrent de leur forme. Des drones distordus, à la texture rugueuse, s’étirent sur la surface brûlée, soutenus par le legato émotif du violoncelle de Kohl qui vacille en dessous. Des humeurs changeantes imprègnent « This Way Home », marquant les différentes étapes pour embrasser la mélancolie et avancer dans la lueur latente du souvenir.

On est frappé par la façon dont tous ces fils disparates d’Earthwork semblent partir dans leurs propres directions avant de toujours revenir les uns vers les autres. Sur la chanson titre, les voyages sont importants, mais les connexions avec ceux qui nous entourent et les connexions avec certains lieux spécifiques le sont encore plus. Wyche transforme des éléments percussifs épars en un treillis d’enregistrements de terrain et de sons trouvés qui mettent en valeur les arrangements de guitare contemplatifs et sombres et les imprègnent de sentiments de réconfort et de repos. L’aube se lève, projetant de longues ombres sur les décombres que la perte laisse derrière elle, mais dans ces contours, l’image d’une vie bien vécue émerge. Chaque note va un peu plus loin avant que Wyche n’abatte le marteau, réalisant durement que c’est tout ce qui reste, mais trouvant quand même un sentiment de soulagement et de compréhension dans la lumière vive. Il y a tellement de pièces, mais elles sont toutes importantes à leur manière.

Daniel Wyche met en lumière toute une vie sur Earthwork, laissant la route se dérouler à son propre rythme, sans jamais forcer le trait ni s’aventurer trop loin dans les bois. Il s’agit d’une déclaration majeure qui nécessite des écoutes répétées pour l’ouvrir, et même alors la profondeur de Earthwork est toujours sous une montagne auditive. Le riff répétitif du dernier morceau « The Elephant-Whale II », écrit lorsque Wyche était encore au lycée, se dirige librement vers une nouvelle porte, ce qui témoigne du temps investi dans cet album. Traversant le seuil avec des sons électroniques stridents et imprégné par le blitz cathartique et fantaisiste de Jeff Kimmel à la clarinette basse, Wyche peut se reposer dans le calme de l’autre côté. Earthwork est un opus pérenne.

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Mastodon: « Hushed And Grim »

3 décembre 2021

Au cours des vingt dernières années, les auditeurs ont suivi les maestros métalleux d’Atlanta, que sont Mastodon, dans des aventures assez folles. Nous avons chassé la baleine blanche sur l’album Leviathan en 2004 et traversé les plans astraux et, plus récemment, erré dans le désert avec l’album Emperor of Sand en 2017. Étonnamment, malgré ces escapades dignes de Donjons et Dragons, le groupe n’a jamais sorti de double album – jusqu’à maintenant. Écrit après la mort du père du groupe et manager bien-aimé Nick John et forgé face à une pandémie mondiale, Mastodon a une fois de plus fait face à la mort, la maladie et l’incertitude paralysante et en est ressorti avec de l’or.

Leur album le plus sombre et, osons le dire, le plus gothique – soutenu par une autre couverture d’album phénoménale et terriblement sinistre réalisée par leur collaborateur de longue date Paul Romano – Hushed And Grim voit le groupe produire 88 minutes de furie mélancolique sans aucun morceau de remplissage en vue. Avec le producteur/mixeur David Bottrill aux commandes – plus connu pour son travail avec ses anciens compagnons de tournée TOOL – le groupe n’a jamais sonné de manière aussi nette et enseignée malgré la densité de ce qu’il propose. Leur neuvième album est le plus ambitieux – et ce n’est pas peu dire – depuis Crack The Skye, sorti en 2009. Le groupe n’a jamais marié de manière aussi experte les moments mélodiques avec sa rage. Le métal de Mastodon peut parfois sembler implacable pour les non-initiés, avec ses gammes détraquées et ses fioritures de batterie mitrailleuse qui excitent autant de gens qu’elles en excitent.

C’est une tendance qu’ils ont essayé d’atténuer avec les morceaux plus accessibles de leurs deux derniers albums. Avec Hushed And Grim, le quatuor revient sagement à ses anciennes impulsions plus prospectives, tout en conservant son sens de l’accroche. Pour la première fois depuis longtemps, ils ont trouvé l’équilibre parfait, les moments de thrash à couper le souffle se transformant soudainement en breakdowns bluesy ou en solos Maiden-Esque. Bien qu’un petit nombre de fans puissent encore déplorer que les quinze morceaux proposés n’atteignent pas les profondeurs brutales de « Blood Mountain », ceux qui ont une vision moins étroite se réjouiront que le groupe ait une fois de plus amélioré son son et atteint de nouveaux sommets.

En dépit de sa longueur gigantesque, il n’y a pas de remplissages ici, pas de petits interludes instrumentaux pour remplir le temps, juste une série de coups de poing entièrement réalisés qui cachent des fioritures qui récompensent les écoutes répétées. Par exemple, « Skeleton Of Splendor » s’enorgueillit d’un solo de synthétiseur sans pour autant faire dérailler l’ensemble du projet, preuve d’un véritable talent artistique. Dans « Teardrinker », Troy Sanders déchaîne un breakdown de basse étouffé par la Wah, tout droit sorti du manuel de Cliff Burton, qui fera sourire n’importe quel métalleux. Le groupe n’a jamais vraiment lâché la balle, donc le fait que cet album claque fort n’est pas une surprise ; ce qui est surprenant, c’est qu’un groupe qui regarde la cinquantaine dans les yeux laisse tomber certains de ses meilleurs morceaux.

Le titre « Dagger » ne dépareillerait pas dans la récente adaptation de Dune de Villeneuve. Il a une sonorité à la fois exotique et sinistre, tout en offrant des paroles magnifiquement simples qui pleurent la chute d’un frère. Avec ses huit minutes et demie, Gobblers Of Dregs » est le morceau le plus complexe de l’album, mais aussi l’un des plus gratifiants, toute la dernière moitié étant consacrée à envoyer l’auditeur dans la stratosphère sur un lit de groove. Quiconque connaît le groupe ne sera pas surpris de le voir changer de vitesse et de tempo, mais sera agréablement ébloui par la douceur avec laquelle il exécute ces 360° de nos jours. Le rythme effréné que l’on voyait sur des titres comme « The Last Baron » a laissé place à quelque chose de plus structuré qui convient à ce projet pensif.

Très tôt, Mastodon a été considéré comme l’une des perspectives les plus excitantes du métal du 21e siècle. Grâce à ce mastodonte sonore, ils conservent facilement cette couronne tout en ajoutant un autre joyau brillant. Hushed And Grim est un rappel de ce qui rend le groupe si apprécié tout en s’engageant avec audace dans un nouveau chapitre. Ils n’ont jamais sonné aussi forts, lourds, bons et affutés.

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Lindy-Fay Hella & Dei Farne: « Hildring »

29 novembre 2021

Ceux qui ont apprécié le travail de Lindy-Fay Hella dans le passé connaissent bien sa performance vocale enchanteresse, et seront sans doute impatients d’entendre cette nouvelle collaboration avec Dei Farne sur le nouvel album Hildring. Cette nouvelle dynamique promet beaucoup, mais est-elle à la hauteur des attentes ? Hildring est un départ frais et inhabituel, l’instrumentation incroyablement solide est presque en décalage avec le ton éthéré et la composition naturaliste. De la même manière, Los a un cœur doux et ancien. La douceur de la voix d’Hella et la façon dont la musique provient de sons qui pourraient très bien être des parties du monde qui nous entoure sont captivantes. Ce son de base évolue et devient quelque chose de plus, rempli de tant de percussions et de mouvements sauvages que vous êtes pratiquement emporté par son rythme. Un doux sentiment de folk traditionnel habite Hildring en tant que disque, et c’est un fort sentiment d’aventure dans différentes facettes de ce que Lindy-Fay Hella peut créer avec la joie renouvelée de la musique avec l’arrivée de Dei Farne.

« Kjetto » est également un morceau doux et contemplatif qui est à la fois sombre et accueillant. Il évoque des sentiments de déjà vu, comme s’il y avait une coutume et une culture qui résonnent dans votre âme, mais que vous aimeriez mieux connaître à travers cette musique. Mais tout n’est pas si lourd dans les grandes idées de l’esprit et de l’univers, car des chansons comme « Taag » apportent un rythme enjoué, mené par des cordes, au travail proposé.

« Otherworld » est probablement un point fort pour quiconque recherche une musique folk qui incorpore cet étrange pouvoir de la voix avec les idées du mystique, des dimensions et des étendues si éloignées de notre réalité. C’est une combinaison fantastique de la puissance simple du synthé et des traditions vocales magnétiques qui rendent le travail d’Hella si fascinant. La combinaison de chants traditionnels, axés sur l’héritage, qui se marient avec des sons de synthétiseurs expansifs et inhabituels fonctionne très bien sur ce disque, et fusionne deux mondes que Lindy-Fay Hella respecte et apprécie au plus haut point. Insect va dans des directions très différentes, en apportant un son plus synthétisé et en s’appuyant davantage sur les touches, mais en gardant toujours l’élément clé de la voix de Hella. C’est un album presque entièrement instrumental, dans lequel la voix est utilisée comme un élément d’accompagnement du reste des instruments plutôt que comme un véhicule pour les mots.

De même, la façon dont le synthétiseur s’étire comme une bande dans Brising, donnant une impression de vieillesse pour accompagner le battement constant et vrai de la batterie, permet une transe totale qui vous enveloppe. Se laisser entraîner dans de nouvelles dimensions, vers des âges passés et futurs est une chose difficile à faire, mais Lindy-Fay Hella & Dei Farne y parviennent habilement. L’ajout de voix masculines plus profondes, en particulier ici, crée un impact, comme si l’on passait d’un état d’esprit à un autre. Enfin, « Gjelet » est certainement la chanson la plus appropriée pour le point culminant. Tout comme vous vous êtes sentis familiers et à l’aise dans ce disque, Lindy-Fay Hellas’épanouit complètement avec ce dernier morceau envoûtant.

Hildring semble ainsi diégétique par rapport au monde dans lequel nous vivons avec son instrumentation naturelle, tout en nous poussant à regarder plus loin et dans des territoires plus mystiques, d’un autre monde, avec son utilisation non conventionnelle du synthé. Tout ce didactismeq que Lindy-Fay Hella & Dei Farne ont créé ici est empreint d’un but et d’une double volonté d’être à la fois dans le passé et dans le futur, et de se rencontrer dans le présent pour capter votre oreille et votre imagination.

***1/2


Sally Anne Morgan: « Cups »

27 novembre 2021

À certains moments sur le délicieux Cups de Sally Anne Morgan, on peut penser que le monde entier est sur le point de s’écrouler, tandis que d’autres sections font appel à quelque chose d’ancien et de divin. Avec certains morceaux improvisés et d’autres composés, Cups évolue avec grâce et une touche de fantaisie terreuse. Le talent de Morgan en tant qu’auteure-compositeure et musicienne est toujours au centre.

« Pythagore » est lâche et séduisant. Des fils tendres sont tendus, imprégnés d’un courant sous-jacent délabré qui laisse entendre que tout s’écroule. Pourtant, Morgan le tient fermement, changeant de vitesse alors que son violon et son banjo se déplacent ensemble de façon ludique. Ce même lyrisme sature le début de « Night Window ». Accueillant la lune, un glockenspiel particulier et branlant poursuit la cadence dansante des notes de violon arquées et pincées. Tout semble si proche, si vulnérable, comme si Morgan jouait cette chanson pour un seul public, comme si elle n’était destinée qu’à exister dans ce lieu et ce moment singuliers.

Des éléments sacrés s’élèvent dans le calme de la poignante « Hori Hori ». Imprégné d’un esprit méditatif avec ses lamentations resplendissantes à la guitare et au violon, il se promène dans le ciel avec un arôme séduisant, hurlant une ode resplendissante au soleil couchant. « Through the Threshold » fonctionne sur un plan similaire. Une étreinte souriante, imprégnée d’un message chaleureux et intemporel de bienvenue et de gratitude, flotte comme un duvet de pissenlit dans les plaines ensoleillées. Appelant les derniers rayons de lumière dans l’âtre, « Home Soup » prolonge ces sentiments plus loin dans la soirée. Un feu crépite de l’autre côté de la pièce alors que l’obscurité tombe et la résonance brûlante de Morgan illumine tous les coins de manière enjouée.

Plus proche, « Angeline » est un baiser vous souhaitant une bonne nuit, que ce soit juste pour quelques heures ou pour toujours, le poids émotionnel des changements d’accords de Morgan empêche les sentiments de s’envoler, de disparaître imprudemment dans l’un ou l’autre. Les notes calmes gardent ce sentiment d’affection à portée de main, le gardant au chaud. Cups est une collection enchanteresse qui s’épanouit dans son intimité et sa franchise. Le jeu de Sally Anne Morgan et son approche de la musique éternelle et sans âge sont une véritable bouffée d’air frais.

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