Amyl & The Sniffers: « Comfort To Me »

12 septembre 2021

Après leur premier album éponyme (2019), Amyl est revenu avec un style et un bruit considérables. Leur deuxième album, Comfort To Me, s’ouvre sur le « single » principal, « Guided By Angels », un titre qui suit le modèle Amyl tout en montrant un niveau de maturité et de croissance par rapport au premier album.

Le thème du punk qui fait vibrer les oreilles se poursuit à un rythme soutenu. « Freaks To The Front » est un morceau de moins de deux minutes avec des riffs colossaux et un solo de guitare dont Angus Young serait fier. Amyl ne vous laisse pas une seconde pour vous rattraper avant de se lancer dans « Choices », un titre dont le couplet ressemble à un morceau de Queens of The Stone Age et dont le refrain pourrait être celui de Chubby and the Gang : c’est un mélange fantastique de post-rock lugubre et de mullet-punk féroce.

Le deuxième « single », «  Security », est un véritable point fort : Amyl n’a pas trop modifié son son pendant les dix-huit mois qui ont séparé les deux albums, mais il y a certainement un réel sentiment de maturité et de conscience de soi au sein du groupe maintenant – il est clair qu’ils ne se prennent pas trop au sérieux et qu’ils sont ici pour passer un putain de bon moment. Hertz  » est un morceau funky avec un autre groove à la QOTSA, avant qu’Amyl ne lâche son solo. Le son de la guitare pour les solos sur ce disque est quelque chose d’autre ; ce groupe est composé de musiciens tellement talentueux et Comfort To Me donne à chaque membre une chance de vraiment briller.

Comfort To Me s’intégrera parfaitement dans les concerts d’Amyl. « Capital » est le morceau suivant et probablement le meilleur du groupe, Taylor s’en prenant au monde moderne et à la vie moderne, comme tout groupe punk digne de ce nom.

Amyl passe à la vitesse supérieure : « Don’t Need A Cunt Like You » est implacable et percutant… du vrai punk pub à fond la caisse. Taylor crache ses paroles sur le mur de guitares d’une manière dont seul Amyl est capable (de plus, il n’y a pas assez de nouvelles chansons punk qui ont le mot « cunt » » dans leur titre, donc des points supplémentaires).

La chanson « Snakes » est un autre point culminant d’un album plein de points culminants. Amyl and the Sniffers sont vraiment les rois de tous les groupes punk à mulets qui émergent d’Australie en ce moment – Comfort To Me est furieux par endroits, mais aussi vulnérable et carrément hilarant à d’autres. C’est à peu près le disque de punk moderne parfait : le groupe a un talent non dissimulé, ainsi qu’un feu sacré dans le ventre. Superbe.

***1/2


Anushka Chkheidze, Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, Lillevan, Robert Lippok: « Glacier Music II »

12 septembre 2021

Glacier Music II est la rare suite d’un premier opus et elle mérite d’être découverte.  Cinq ans après son prédécesseur, l’album continue de suivre les effets du changement climatique sur l’une des ressources les plus précieuses de la planète.  Un livret d’information accompagne le disque et fournit des informations précieuses (ainsi que des photographies étonnantes) à ceux qui s’intéressent à cette question cruciale.

Glacier Music I a commencé par l’enregistrement de la fonte des glaciers à Tujuksu, puis s’est étendu à un projet audiovisuel.  Lillevan est le directeur du projet, responsable des projections qui donnent aux concerts un impact supplémentaire.  Pour ce nouveau chapitre, le Goethe-Institut a recueilli des enregistrements sonores sur un glacier du Kazakhstan, qui n’a déjà plus qu’un tiers de sa taille mesurée à l’origine.  Les possibilités d’intervention se réduisent à une vitesse alarmante.  Mais tous les sons ne sont pas si lointains : Robert Lippok apporte les sons de la neige enregistrés par la fenêtre d’une voiture et des branches ramassées sur le sol.  L’astuce consiste à faire le lien entre le lointain et le proche.  Comme l’écrit Eto Gelashvili, « nous devons réaliser que si nous continuons à vivre ainsi, la beauté de la nature peut se transformer en quelque chose de très dangereux et de moins beau. »  À part Anushka Chkheidze et Hayk Kiroyi, ces artistes font un album qui vaut la peine d’être écouté afin d’attirer l’attention sur des informations qui valent encore plus la peine d’être écoutées.

La variété des sons est un attrait principal, de l’enregistrement sur le terrain à la musique en passant par la chanson folklorique.  Le premier son est de l’eau qui coule, introduisant « m3⁄s », qui fait référence au débit d’un glacier.  La musique est tendre, douce et grave. «  Infinite » envoie les cuivres vers les étoiles, mais fait référence à « une infinité en nous-mêmes » », et se tourne bientôt vers l’intérieur avec des tons de piano et de clavier réfléchis.  Puis les douces tonalités chantées de la berceuse écossaise « Sleeping glacier », projetant une pure sérénité.  Le collectif ne perd jamais de vue l’attrait esthétique du glacier ainsi que son importance environnementale.  Mais au-dessus de ces douces tonalités se cache une menace omniprésente, véhiculée par le grésil de « Ais » et les gouttes de « Numbers Drop », accompagnés d’un compte réel.  Il est possible de compter les gouttes d’un glacier qui fond, mais ces gouttes ne sont pas infinies ; une fois que les glaciers auront disparu, nous disparaîtrons probablement aussi.

Mais cela ne doit pas forcément se terminer ainsi.  Les efforts de Lillevan, de Lippok et d’un grand nombre de personnes partageant les mêmes idées sont la preuve que de nombreuses personnes se soucient suffisamment de cette question pour y investir leur vie.  Si le disque incite d’autres personnes à tourner leur regard vers les glaciers, nous pourrons peut-être encore préserver cette beauté ~ et cette stabilité ~ pour les générations futures.

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Roxanne De Bastion: « You & Me, We Are The Same »

12 septembre 2021

En ce qui concerne les titres d’ouverture d’albums, « Molecules » est aussi intense et volontaire que possible. Roxanne De Bastion ne plaisante pas avec un morceau qui s’attaque à la religion et aux opinions qui se font passer pour des faits, sur une bande sonore de guitares nerveuses et de voix glacées. You & Me, We Are The Same  » démarre sur les chapeaux de roue et ce n’est pas une surprise car il s’agit du nouvel album d’une des artistes les plus accomplies et les plus dévouées du moment. En effet, « I Remember Everything » est le titre suivant, avec une ambiance qui nous rappelle Dubstar ou St Etienne, grâce aux voix rêveuses et aux mélodies chatoyantes qui créent un peu de lumière par temps pluvieux. 

« Delete Forget Repeat » » continue sur le thème de l’écriture grandiose et discrète, et c’est vraiment la clé du succès de cet album : des chansons qui, à première vue, pourraient sembler être de la pop indé standard, révèlent rapidement leur gloire intérieure avec un plaisir triomphant. Les tons sombres de « Eras » » ont un soupçon de performance théâtrale à la Florence Welch, tandis que « Heavy Lifting » a une nature magique qui pourrait être utilisée dans une comédie musicale sur quelqu’un qui se tire d’une existence morose pour briller – Cinderalla mais à Sheffield au milieu des années 90. 

Le récent « single », « Ordinary Love », réconfortant et exaltant, fonctionne à merveille au milieu de cette collection, comme une chanson qui cherche à rassurer et à célébrer tous ceux qui traversent des moments difficiles dans leur relation. La douce combinaison de piano et de guitare sur « Smoke » évoque une chanson écrite dans la grisaille d’un malaise matinal, tandis que « I Know You » est probablement le meilleur exemple de la voix froide mais empathique de De Bastion, qui cherche à la fois à prendre le contrôle et à demander votre soutien à chaque respiration. 

L’avant-dernier morceau, « London, I Miss You », nous parlera de l’inévitable passage du temps, et la combinaison du chant et du piano lui donne une tristesse d’avant Noël tout bonnement splendide. L’album se termine par « The Weight », une confession autant qu’un appel à l’aide dans la confusion de l’âge adulte, accompagné de guitares tendres et ondulantes, toujours présentes et parfaitement adaptées à leur rôle de soutien sur cet album. Sur cet album, Roxanne De Bastion capte une énorme quantité d’émotions et parvient à les emballer soigneusement dans dix petits paquets au cœur lourd, mais, plus important encore, les paquets sont disposés en ligne, traçant une ligne nette sur ce passage de sa vie. Tout à fait magnifique.

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The Shadracks: « From Human Like Forms »

12 septembre 2021

Les noms de groupes intrigants sont rares, mais les Britanniques font mieux. Si vous n’avez pas entendu parler de The Shadracks, assurez-vous de réparer cette erreur. Shadrack est un nom d’origine babylonienne qui signifie littéralement « Commandement d’Aku », le Dieu Lune. Shadrack était l’un des trois captifs hébreux qui furent jetés dans une fournaise ardente et en sortirent indemnes. Punk comme l’enfer ! Quel nom parfaitement approprié pour un groupe qui porte ses influences primitives comme une couronne et ne tourne pas autour du pot.

Ce trio possède une chimie électrisante et des voix puissantes portées par son charismatique frontman et guitariste Huddie Shadrack. Sa voix peut vous rappeler celle de l’artiste prolifique Billy Childish, son père, qui a également produit leur dernier album From Human Like Forms. Par moments, sa gamme vocale polyvalente présente aussi quelques bizarreries à la Eddie Argos (Art Brut). La section rythmique est tout aussi compétente avec l’extraordinaire batteuse Elisa Abednego et le bassiste impérial Rhys Webb, mieux connu comme membre de The Horrors. 

Originaires du Kent, The Shadracks élaborent des hymnes acérés qui jettent un regard sec sur les relations humaines, dans la lignée du groupe de Birmingham des années 80, The Au Pairs. Y a-t-il quelque chose de plus récurrent dans la musique rock ‘n’ roll que de désirer quelque chose ou quelqu’un que l’on ne peut avoir ? C’est la pierre angulaire du matériel du groupe, résumée dans leur chanson « You Can’t Lose » ». Il s’agit de vouloir quelque chose que l’on ne peut pas avoir, de courir après l’inaccessible et de se retrouver à la merci de ses poursuites.

Rempli à ras bord d’énergie brute, d’assurance sans effort et d’un style intemporel, From Human Like Forms vous garde comme un chat sur un toit d’étain chaud tout au long de ses quatorze paysages d’humeur. Huddie utilise pleinement sa voix comme un instrument pour compléter ses paroles aiguës et sans complaisance. Les chœurs dégagent une aura plus candide qui résonne chez l’auditeur. Les chansons franches et féroces peuvent être suivies de chansons plus douces et sentimentales comme « You Like It Then », sans que cela ne semble incongru.

Dans leurs atmosphères les plus sinistres, The Shadracks peuvent également rappeler The Fall dans l’époque de This Nation’s Saving Grace, comme sur le brumeux et sinistre « Delicate Touch », l’un des sommets de cet album. Ils sont capables d’évoquer l’ambiance glaciale de la Grande-Bretagne des années 80 tout en s’appropriant intelligemment leur son.

À une époque où la musique se prend trop au sérieux et dans un océan de groupes sosies, quoi de plus valorisant qu’un groupe qui nous ramène aux valeurs fondamentales et à l’essence du rock ‘n’ roll brut et effronté ?

***1/2


Low: « Hey What »

11 septembre 2021

Le dernier album de Low, Double Negative, était rempli de musique désintégrée et corrodée, de chansons hantées par de mauvais esprits et des affaires inachevées, consumées par les tempêtes et le feu. Les mélodies et les voix – piégées sous une cacophonie d’instruments indéchiffrables, alors que les morceaux s’imbriquent les uns dans les autres – luttaient pour remonter à la surface avant de s’éteindre. C’était un virage à gauche de la dégradation de leur slowcore mélodique, et une des musiques les plus originales depuis des lustres.

Hey What est une progression naturelle, se nourrissant de la même énergie chargée. Cependant, les fantômes se sont échappés et reprennent le refrain de manière aussi claire et percutante qu’ils peuvent le faire. Le grondement qui sous-tend ces hymnes de foi dévotionnels – et parfois douteux – crépite maintenant en place plutôt que de se dissoudre.

La statique de l’ouverture de « White Horses » se transforme presque en un rythme. Quand il y a des percussions, ce ne sont pas seulement des tambours, mais un fracas biblique tonitruant. Lorsqu’il y a de l’électronique, ce ne sont pas seulement des guitares et des synthés – c’est la seule transmission claire d’un autre plan. Cela donne au disque un aspect plus lumineux que son prédécesseur (même si l’obscurité reste menaçante), même s’il a été réalisé avec les mêmes outils, quels qu’ils soient.  Faire de la musique qui peut vraiment vous surprendre après 13 albums et 28 ans de carrière est un témoignage du dévouement continu d’Alan Sparhawk et de Mimi Parker à leur art.

***1/2


The Meadows: « Deamless Days »

9 septembre 2021

Le sinueux Dreamless Days de The Meadows est l’oiseau rare d’un album qui voltige avec une beauté de papillon, une grâce et une magie mélodique profonde. Avec leurs propres chansons, ils parviennent à plonger profondément dans l’histoire mystique du Pays de Galles, tout en évitant habilement toute sérénité superficielle new age. Dreamless Day s’équilibre ainsi sur une douce corde raide folklorique au-dessus d’une rivière de tradition folk profonde. Et, on y trouve une âme de musique de chambre presque classique.

« Lullaby » donne le ton. Titania Meadow (c’est une affaire de famille !) chante avec une pure beauté, tandis qu’un piano et un violon ajoutent une sagesse âgée à la mélodie. C’est une musique très précieuse, mais une fois de plus, elle a la lourde et lente profondeur (pour puiser dans la mythologie galloise !) d’une prophétie de Taliesin, qui, soit dit en passant, prédisait que ce seraientt Cadwaladr et Cynan, et non Arthur, qui reviendraient pour sauver la Grande-Bretagne de ces méchants Saxons !

En effet, et pour votre information, les autres membres des Meadows (tous originaires du Carmarthenshire, dans le sud-ouest du Pays de Galles !) sont Melody, Fantasia et Harvey – ils jouent tous du piano, de la flûte, de la flûte à bec, du violon, de la guitare, du bodhran, et ils chantent tous. Non seulement cela, mais selon leur bio, Melody est aussi une « cuisinière passionnée ».

Ceci étant dit, »’Elusive Beauty » va continuer avec sa pulsation à plusieurs voix, encadrée par un piano. Puis un violon caresse la mélodie. D’une certaine manière, cela rappelle Kate Bush dans ses moments les plus intimes, Sally Oldfield sur son brillant album Waterbearer, et pour être plus ésotérique, la musique mystique de Fiona Joyce. Mais en réalité, la chanson est une version moderne du thème de l’Ode On A Grecian Urn de John Keats et avec sa folle poursuite de ces mélodies inouïes ». Oui, cet album est éhontément palpable dans sa quête voulue. Comme l’a écrit John Keats, « La beauté est la vérité, la vérité la beauté » (Beauty is truth, truth beauty).

Cet album est la bande-son de ce conte de fées dans lequel Raiponce peut déposer ses cheveux d’or ; on y touve pourtant aussi de la musique folklorique galloise. L’up-tempo « Merlin’s Oak And Other Tales » est une ancienne mélodie forestière qui chante avec le mystère des agroglyphes et qui a un refrain irrésistible (presque poppy !) pour démarrer !  Et « Castell Dryslwyn » est encore une fois un instrumental vivant à voix haute, avec une belle conversation entre flûte et violon, presque classique dans sa perfection, et qui touche à la pureté folk des Chieftains d’Irlande ou des Whistlebinkies d’Ecosse. Et, il est question, ici, d’un grand éloge qui est prononcé.

Ensuite, il y a une passion plus sereine, ponctuée de piano. « The Dried White Rose » laisse tranquillement entrevoir une émotion en forme de lame de rasoir. La chanson titre, « Dreamless Days », est à nouveau douce, mélodique et remplie de contemplation mélodique de fin de soirée ; elle est auréolée de ce violon et de cette flûte qui flottent au-dessus de la mélodie avec des ailes de pathos sympathique. « There’s You » poursuit, de son côté, cette beauté pure et évoque les voix de plusieurs fantômes versés dans la triste sagesse celtique tandis que « Gelli Aur » » accélère le rythme avec un autre instrumental pour tout le groupe (avec des percussions de bodhran !) qui est une merveilleuse juxtaposition à l’introspection précédente.

Et puis il y a « Dream You Into Life », qui capture l’éthique complexe de cet album : c‘est une chanson d’amour un peu évidente, avec une mélodie magnifique ; pourtant, la chanson est une profonde contemplation de la réalité – qui est le thème primordial de tout l’album. Oui, c’est une musique éphémère qui est profondément riche en questions mineures sur l’existence humaine.

Les dernières compositions poursuivent cette passion tranquille. « Spin A Dream » éclate lentement avec une félicité instrumentale et se rapproche d’une vibration orientale. Ensuite, une brève épopée, « The Tide » sera dramatique et pulsera sa passion, tandis qu’une fois de plus, la flûte et le violon s’élèvent avec un plaisir plein d’espoir au-dessus d’un rivage émotionnel pierreux qui connaît toujours la certitude que « vous ne pouvez pas arrêter la force de la marée » (you can’t stop the force of the tide).

En effet, comme l’a écrit John Keats, « Et, mélodiste heureux, infatigable, /Pour toujours pipant des chansons toujours nouvelles » (And, happy melodist, unwearied, /Forever piping songs forever new, Dreamless Days est une œuvre d’une beauté insaisissable », riche comme un conte de Grimm aux cheveux en cascade, qui, d’une manière très dorée, invite, heureusement, une fable ancienne dans un monde très moderne et très folky.

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Bon: « Pantheon »

6 septembre 2021

Pantheon est une expérience visuelle et immersive. Bon – un partenariat de production, de composition, d’écriture et d’art entre Yerosha Windrich et Alex Morris – est curieux d’aller au-delà, affichant un intérêt qui confine à la passion pour tout ce qui touche à la culture populaire, à la nature, à la philosophie et aux perceptions normalisées et acceptées. À cet égard, la musique de Pantheon est un miroir qui renvoie directement à leurs propres perceptions et philosophies sur l’inclusion, le respect et la souveraineté personnelle.

Bien que le duo ait des racines britanniques, il est issu d’un héritage métis et, par conséquent, Bon jette un regard plus profond sur la contre-culture et « la perception de ce que la musique signifie et représente dans la société ». Leur approche réfléchie et orientée vers la nature est également naturelle, car le duo a toujours considéré ses sorties musicales comme étant saisonnières. Chaque chose a sa saison et son temps ; la musique s’épuise, hiberne et se renouvelle. Ils font également preuve d’une certaine fluidité en ce qui concerne les genres, se débarrassant de leurs restrictions potentielles en évitant leurs conventions.

Filmé à Londres, Pantheon oscille entre perceptions altérées et intérieures, et fait office d’ode à la nature. Sous sa surface, cependant, l’oeuvre est bien plus qu’une ode à la nature. Ses seize morceaux portent le nom de déesses et couvrent de multiples cultures et époques, et une féminité parfume les paysages sonores. L’utilisation d’échantillons de leurs propres enregistrements a produit, selon leurs propres termes, « quelque chose d’usé par le temps… avec l’esprit d’une cassette bien aimée mais en utilisant des techniques de production de pointe ». Les enregistrements évoluent naturellement, mais ils ont reçu un peu d’aide en cours de route. Le processus reflète ainsi pour eux « la nature cyclique et évolutive de tout processus créatif ».

Le morceau d’ouverture, « Flora », présente une harmonie chaude et gonflée et un chant d’oiseaux ; le matin est là et promet beaucoup. Le morceau se développe, les notes se déversent et débordent. Les horizons illimités de Bon sont évidents dès le début.

N’ayant pas peur de s’aventurer dans de nouveaux domaines sonores audacieux tout en conservant son esthétique classique moderne et ambiante, Pantheon n’est pas un album comme les autres. Son son frais et expansif est prêt à briser toute idée préconçue de ce que l’on pourrait attendre. Le registre inférieur des cordes semble fournir le gravier, la terre, dans la musique, tandis qu’à un niveau microscopique, des notes douces et carillonnantes semblent indiquer des gouttes de pluie fraîches, ou une dispersion de rosée du matin.

Le bruit, le léger sifflement et la distorsion sont des éléments intentionnels et vitaux de la musique, à tel point qu’ils sont traités comme des instruments à part entière. Le duo cherche à explorer la question suivante : qu’est-ce que la qualité, la perfection et le caractère, et que signifient ces mots pour nous ?

Sur Pantheon, Bon est également rejoint par Laraaji, Maxwell Sterling et Lucinda Chua, et la portée de l’album s’élargit encore avec l’ajout de ces artistes. L’album est une merveille de la nature, qui se déploie doucement et rayonne à mesure qu’il le fait. Tout comme le monde naturel, la musique ne peut être précipitée. Elle a son propre temps et son propre lieu – sa propre saison – et Bon développe le son doux comme la pêche avec patience, sans nécessairement affecter directement la musique qui en résulte, car elle semble pousser d’elle-même, développant des branches et des racines au fil du temps.

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L’Rain: « Fatigue »

4 septembre 2021

Un air impressionnant se cache dans la capacité de L’Rain à gérer l’équilibre de deux atmosphères aux antipodes : rêveuse et réelle. Afin de capturer l’essence de sa poésie remuante, la multi-instrumentiste Taja Cheek, basée à Brooklyn, utilise l’émotion comme source de puissance et navigue dans une fusion de styles – combinant principalement néo-soul, jazz, néo-psychédélisme et collage sonore comme ingrédients d’une signature personnelle unique.

Si son premier projet éponyme, sorti en 2017, centré sur le décès de sa mère, était une carte postale idéale pour saisir tout son potentiel, Fatigue est le reflet de son concept. Fatigue se veut donc une évolution d’état d’esprit, spirituellement aussi, non pas comme quelque chose de radical, mais plutôt comme une amélioration. Une mission accomplie avec brio, tant sur le plan thématique que musical.

Soutenu par le producteur Andrew Lappin, ainsi que par vingt autres participants cruciaux de la musique à l’imagerie, Fatigue est enraciné au plus profond du cœur de L’Rain ; intégrant des éléments tels que l’interaction, la force d’un groupe, ainsi que la réflexion personnelle. Pointant du doigt la négativité, l’insécurité, l’injustice, voire une façon de penser désabusée qui sont plus que jamais d’actualité, à travers diverses émotions, l’objectif de L’Rain est de trouver un compromis spirituel qui mène au juste milieu, à l’acceptation, pour éviter une vision uniforme.

Pour cela, L’Rain délivre une harmonie musicale riche et hypnotique, sur une large palette, entre sampler, guitare, instruments à cordes et à vent, synthétiseurs, le tout vous transportant, vous emportant dans un voyage enivrant. Fidèles au processus, de nombreux intervenants viennent apporter leur pierre à l’édifice. A l’inverse, L’Rain s’adonne régulièrement à des interludes confidentiels, introspectifs, comme si le temps s’arrêtait pour capter une émotion précise. L’utilisation de boucles agit comme un battement de cœur, les pulsations tracent la réflexion et l’interrogation.

Chaque élément de Fatigue a son importance, se distinguant également par la prouesse de quelques grands moments forts et variés. Tout d’abord le profond « Find It », une aventure envoûtante et vaporeuse, qui se conclut sur un gospel transcendant. Par sa modestie, « Blame Me » respire la beauté grâce à son orchestration et à la douceur de ses mélodies. Le jazzy « Two Faces » brille par une musicalité chaleureuse même si le sujet illustre un profond regret. Enfin, le sensationnel « Suck Teeth » est une démonstration magnétique à couper le souffle. On finit même par regretter que Fatigue soit si court.

***1/2


Halsey: « If I Can’t Have Love, I Want Power »

1 septembre 2021

Halsey fait preuve de retenue avec son vaste puits de pouvoir retrouvé sur son tout nouvel album, If I Can’t Have Love, I Want Power. Une production polie et audacieuse rencontre un esprit rebelle pour un voyage de 13 titres à travers des thèmes et des inspirations plus sombres. 

Les touches mélancoliques de l’ouverture « The Tradition » se combinent à une mélodie de chansonnette médiévale pour plonger l’auditeur dans le monde de la pochette : un monde dans lequel les femmes et les personnes non-binaires bouillonnent de fureur et de pouvoir inexploité.

« Bells in Santa Fe » commencera alors à libérer une partie de cette colère avec une belle maîtrise, avant de se répandre complètement dans la troisième piste. « Easier than Lying , quant à lui, est un morceau qui se démarque par son côté alternatif teinté d’emo, aidé par les tâches de production de Trent Reznor et une batterie féroce. C’est un baume que cette rupture qui alimente quelque peu le titre de l’album : vous ne pouvez pas avoir l’amour ? Prenez le pouvoir.

Il est intéressant qu’Halsey ne poursuive pas ce déchaînement d’émotions dans une veine similaire sur le reste de l’album. Leur choix de reprendre le contrôle représente après tout le pouvoir bien plus que la fureur aveugle… surtout lorsque les paroles ne perdent rien de leur mordant.

« Lilith » (personnage évocateur et mythique) donne des conseils sur un paysage sonore inquiétant et glitching avant que « Girl is a Gun » ne fasse feu de tout bois, se frayant un chemin à coups de Drum and Bass pendant un peu plus de deux minutes de clichés qui parviennent encore à paraître frais dans la bouche d’Halsey (les clichés appartiennent-ils à Halsey ?). Si If I Can’t Have Love, I Want Power avait eu des « singles », celui-ci en aurait été un sans aucun doute.

Le titre « honey » », plus pop, est un classique d’Halsey, qui s’écarte quelque peu de la dynamique de l’album, bien que la production le maintienne sur la bonne voie. Le titre intermédiaire folklorique qu’est « Darling » sera une interruption bizarre qui fait perdre le fil. Peut-être, comme la dernière chanson «  Ya’aburnee » , s’agit-il d’une pause délibérée pour se prélasser sur le pouvoir de la maternité. Malgré tout, elle pourra sembler déplacée, contrairement à la dernière piste.  

« Whispers «  est particulièrement efficace dans ses objectifs : ce morceau sobre regorge de paroles qui donnent la chair de poule (exemple :  » »C’est la voix dans ta tête qui dit ‘tu ne veux pas ça » (This is the voice in your head that says ‘you do not want this) et qui seront sans aucun doute efficaces pour donner du pouvoir aux jeunes qui l’écouteront partout. 

La puissance de If I Can’t Have Love, I Want Power est quelque peu atténuée par un morceau central égaré, et bien que la production soit léchée à l’excès, certains des moments les plus vulnérables de l’album auraient peut-être pu bénéficier de moments plus crus. Ceci étant dit, c’est quand même un album puissant. Il témoigne à la fois d’une évolution significative du son et d’un cœur battant qui transmet les valeurs d’Halsey avec une facilité et une puissance impressionnantes.

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Joe James Boyle: « Abraham Smoothe »

29 août 2021

Joe James Boyle a engendré un double fictif basé dans l’ouest sauvage, son nom est Abraham Smoothe. Cet individu est le hors-la-loi ultime, à savoir qu’il remplit toutes les cases nécessaires : solitaire, flingueur, fugitif, buveur de whisky à la chaîne, son cœur saigne de ressentiment et de vengeance. L’album s’ouvre sur « The Ballad of Abraham Smoothe », avec des touches qui évoquent un saloon digne d’un film, vous pouvez aussi bien imaginer la bande locale, son amour aux yeux espagnols et où les ennemis d’Abraham pourraient se cacher, puis en un clin d’œil, l’entendre tirer plus vite que son ombre. Attention, sa main est rapide comme l’éclair. Ce disque raconte son histoire plutôt captivante, sinueuse et pourtant attachante. Qu’est-ce qui fait d’un homme un hors-la-loi ? Y a-t-il un Jesse James dans chaque homme qui ne veut pas être enchaîné au droit chemin ? Écoutez la complainte chantante du narrateur. Il porte son cœur sur sa veuve, Dans « The Ballad of Abraham Smoothe », ce dernier remet les pendules à l’heure. Il voulait être un rêveur mais la société ne l’a pas laissé être et l’a corrompu, c’est pourquoi il est en fuite et son but est de rester inatteignable. Il a créé une légende en défiant les normes sociales. Il se vante de son statut de fugitif oublié de tous, son sens du destin est-il astucieux ou sa bonne étoile va-t-elle l’abandonner ?

La narration de l’album est aussi tranchante qu’un couteau, alors que ses chansons sont apparemment dépouillées, son récit est habilement agrémenté de gimmicks importants et de rebondissements accrocheurs. « They Treat You Like A Fugitive » donne à sa grandeur de western spaghetti une résonance plus profonde. Il réaffirme et élargit ici sa devise de vie. Le Londonien Joe James Boyle a un don pour les ambiances de cow-boys remplies de poudre à canon, un faible pour les gars sentimentaux devenus méchants et il écrit des paroles qui font vibrer une corde sensible pour vous inviter à la Suite Deluxe de son héros.

La voix mélodieuse et virile de Boyle est captivante lorsqu’il raconte les aventures de son double fictif, il peut vous raconter bien des histoires… Dans le registre le plus doux de sa gamme vocale, il peut rappeler à certains Pip Proud qui a été un jour considéré comme le Syd Barrett australien, bien que ses disques soient sortis avant les sorties en solo du poète anglais.

Parmi ses nombreuses armes, l’arme de prédilection d’Abe est son style de guitare polyvalent, qui suit la trame de son histoire comme un serpent.

qui suit la trame de son histoire comme une ligne serpentine. Il cède ses six cordes aux moments les plus appropriés de son récit pour donner à ce dernier une puissante poussée d’adrénaline qui maintient l’auditeur accroché. Ce portrait sonore constitue une ode à la vie de bandit, chic et séduisante. C’est la devise d’Abraham si vous souhaitez rejoindre son équipage : « Ne croyez pas les conneries / Croyez plutôt un fugitif / Si vous utilisez juste votre initiative / Vous pouvez changer le récit » (« Don’t believe the bullshit / Best believe a fugitive / If you just use your initiative / You can change the narrative).

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