Sufjan Stevens: « The Ascension »

Vingt ans après et, si on considère le catalogue de Sufjan Stevens, on ne peut toujours pas prédire ce qu’il apportera ensuite. Ses disques, bien que toujours très conceptuels, restent éparpillés dans leurs sujets, leurs genres et leur fréquence. La dernière d’une série d’expériences, The Ascension, n’est pas différente. Mais quelque chose a changé de manière significative dans son approche. Bien qu’il partage des points communs avec l’épopée électronique de 2010, Age of Adz, et l’autobiographie de 2015, Carrie & Lowell, The Ascension se présente comme quelque chose qui dépasse la comparaison sonore du premier et a pris un énorme recul par rapport aux intimités de la seconde.

À l’inverse, Stevens se tourne activement vers le chaos du monde et notre expérience collective en temps réel. Il ne s’intéresse plus aux concepts abstraits et fantaisistes comme les planètes, les 50 états ou le zodiaque chinois. The Ascension fait appel à quelque chose de tout à fait différent : les politiques, les conventions et les plans émotionnels qui nous lient au sein de notre humanité et dans le monde – et les problèmes qui y sont inhérents. Ici, il agit en tant que messager pour des sujets plus larges et existentiels. S’étant retiré de l’équation dans ce nouveau projet énorme, Stevens s’adresse à l’ensemble, à une génération et à une civilisation au bord de la destruction économique, environnementale et politique pour demander : « Où allons-nous à partir de là ? »

C’est une question qui donne lieu à des théories révolutionnaires. En l’état actuel des choses, il n’y a pas grand-chose que même une critique étudiée et valable puisse faire dans la voie d’un changement tangible ; il ne suffit plus de simplement pointer nos problèmes et de dire « cela suffit ». Nous devons – il le faut – tracer une voie pour aller de l’avant si nous voulons survivre.

C’est exactement ce que fait The Ascension avec ses 15 titres et sa durée d’exécution gargantuesque. Se débarrassant de sa sensibilité plus ésotérique, Stevens fait appel à une base plus large, utilisant son intellect pour faire avancer les idéaux universels par le biais de dispositifs nouvellement employés. En rassemblant des segments de l’esprit du temps et de l’inconscient collectif, des références à la culture pop low-art, ainsi qu’une éthique de piste de danse hardcore, il arme le statu quo pour une pensée radicale et provocatrice. 

Mais ce n’est pas une agression. En tant que collection équilibrée de critique (« Sugar » » », « Ativan », « Video Game », « America ») et de compassion (« Run Away with Me », « Tell Me You Love Me, « The Ascension »), le disque se trouve à donner la priorité à la valeur dans l’intersection entre la prise en charge de soi et le progrès. C’est une entreprise polarisante qui est à la fois apocalyptique et optimiste, et à la fois extrême et urgente. La résolution est claire. Nous avons tous – y compris Stevens – beaucoup de travail à faire sur nous-mêmes et entre nous. Nous devons réévaluer nos systèmes et structures actuels. Comment servent-ils à nous protéger, à élever notre culture et à préserver notre avenir ? Comment la compassion mutuelle est-elle prise en compte dans le capitalisme ? Le fait-elle ?

En l’absence d’une véritable réponse, la seule façon d’avancer est l’amour. Selon les mots essentiels de RuPaul, « Si vous ne pouvez pas vous aimer vous-même, comment diable allez-vous aimer quelqu’un d’autre ? » C’est cette déclaration de mission qui se glisse dans le travail de Stevens depuis des années. Il en a assez d’être silencieux. Il en a fini avec la subtilité. Il est grincheux comme l’enfer avec l’état de tout ça et il ne va pas se taire à ce sujet. 

L’antithèse de la corruption omniprésente – l’amour radical – est à l’avant-plan du dossier, et le plus apparent dans « Tell Me You Love Me ». Dans ses premières lignes, Stevens chante : « Mon amour, j’ai perdu ma foi en tout / Dis-moi quand même que tu m’aimes » (My love, I’ve lost my faith in everything / Tell me you love me anyway . La chanson s’achève sur le refrain écrasant, « Je vais t’aimer / Je vais t’aimer à chaque jour » (I’m gonna love you / I’m gonna love you every day). Même en émergeant de l’obscurité de l’anxiété de l' »Ativan », il chante « Je fais de mon mieux (avec ce que je suis) ». Ce sont deux des nombreux cas où ses plans d’ascension collective se révèlent. Rencontrer l’obscurité avec la lumière.

Sur le plan sonore, The Ascension est très lourd  à digérer, mais sa sévérité intentionnelle joue en sa faveur. Elle est remplie de sons bruyants et inconnus et sa cohésion vocale varie. Il est rempli à ras bord de contradictions et de dualités. Doux et agressif, déroutant et réconfortant, l’album est à la fois un exorcisme et un exercice. C’est d’ailleurs à la fois une distillation de ses nombreuses sonorités de marque et une rupture massive avec ses précédents travaux.

The Ascension exige une écoute multiple et active, mais il en vaut la peine. Sous ses couches complexes se cache un puits sans fin de nouvelles modalités, d’interprétations critiques et d’idées puissantes. Le dernier album de Stevens ne se contente pas de demander un amour inconditionnel et un changement parmi nous tous, mais il représente également une métamorphose dramatique pour l’artiste. Ce n’est pas un album que l’on aurait pu espérer en 2020, mais c’est celui que nous méritons. Ce pourrait bien être son entreprise la plus difficile et la plus ambitieuse à ce jour, ainsi qu’un signe de la nouvelle ère de Stevens à venir.

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Christopher Bissonnette: « Wayfinding »

Le musicien électronique canadien Christopher Bissonnette a fait évoluer ses sonorités avec Wayfinding. Sur son sixième album studio, Bissonnette remplace ses sons de synthétiseur par des sources électroniques et acoustiques. Des enregistrements de terrain sont insérés et entrelacés avec les drones vaporeux de Wayfinding pour produire une atmosphère fraîche et brumeuse. Mélodiquement introspectif et harmoniquement translucide, Wayfinding zoome sur le minutieux et le minuscule, étudiant le paysage domestique de la maison et « transformant la banalité et l’insignifiance de l’intérieur familial en vastes panoramas et en panoramas bucoliques », où le banal est transformé et vu d’un œil nouveau, l’ancien et le familier devenant une source de lumière nouvelle.

Les drones de Wayfinding sont capables de remplir l’atmosphère d’appréciation et d’émerveillement. Les mélodies parsèment la musique comme des gouttes de pluie, se sentant comme un morceau de la Biosphère lorsqu’elles tombent à travers l’atmosphère lo-fi, enjolivant légèrement l’air lorsqu’elles tombent d’en haut. L’ensemble du disque tourne autour de l’atmosphère, faisant de Wayfinding un disque élémentaire, dont le cœur est accordé aux fréquences des modèles météorologiques et des drones oscillants. Les mélodies sont capables de briller avec une férocité surprenante, scintillant avec force tout en étant assez douces pour réchauffer la peau. En s’insinuant lentement dans son environnement et en l’influençant, la musique de Bissonnette peint la réalité avec sa série de minces drones

Les sons changent et évoluent constamment, un peu comme la production de Bissonnette au fil des ans, et bien que les bourdons se déplacent à un rythme langoureux, les mélodies qui les entourent sont toujours en mouvement, passant d’un point de lumière à un autre ; lorsque l’un d’eux s’allume, son prédécesseur fait un clin d’œil pour disparaître. Les températures varient également, car une touche de givre s’attarde sur deux de ses huit paysages sonores, élevant la musique et la transformant en un flux d’air plus frais, tandis qu’à d’autres moments, un bourdon rayonnant suinte positivement de chaleur et de lumière, comme s’il captait un courant plus chaud. Bien que la musique dérive, elle n’est pas complètement dépourvue de direction, et Bissonnette dirige la musique dans l’air, en descendant plus bas au niveau du sol avec le chant des oiseaux et d’autres sons de terre, mais sans jamais toucher le sol complètement. Wayfinding est plutôt un disque qui plane constamment au-dessus de son pays tranquille.

***1/2

Deftones: « Ohms »

Par certains aspects, Ohms trouve que les Deftones retournent à leurs racines. Peut-être pas musicalement – il y a autant d’ADN d’Adrenaline et d’Around the Fur que d’autre chose, dans la mesure où le quintette s’appuie sur son vaste catalogue de références – mais certainement d’un point de vue créatif, car c’est la première fois qu’ils ont Terry Date derrière les planches depuis l’album éponyme de 2003. La relance de ce partenariat offre une combinaison idéale sur le nouvel album du groupe basé à Sacramento.

Il est important de noter que le quintette – Chino Moreno, Stephen Carpenter, Frank Delgado, Sergio Vega et Abe Cunningham – sont tous engagés et prêts à partir. L’attaque métallique d’ « Error » en est la preuve, s’élançant vers l’avant et entraînant l’auditeur dans son sillage, avec la guitare solo de Carpenter en vedette. S’il s’est senti un peu à l’écart du Gore de 2016, il ne perd pas de temps à faire sentir sa présence dans la suite du spectacle. L’ouverture sinistre et atmosphérique de « Genesis » laisse place à un riff punitif alors que lui, le bassiste Vega et le batteur Cunningham s’élancent à l’unisson. Le groupe a l’habitude de présenter les premières parties de ses albums comme des déclarations de mission et commence les choses avec aplomb, la fin explosive de la chanson s’écrasant sur « Ceremony » sans une seconde d’avance.

Le coup de poing qui donne le coup d’envoi de l’album met en évidence un groupe rajeuni – pour citer son premier album, il a connu une renaissance, en un sens, et aborde le disque avec le genre d’enthousiasme juvénile qui rappelle ces premiers jours et leur lien original avec Date. Ce n’est pas une mince affaire pour un groupe qui en est à sa quatrième décennie d’existence – les fans de longue date seront heureux d’apprendre que leur esprit inventif demeure. « Je n’ai plus de patience pour l’attente » (I have no patience now for expectation), rugit Moreno rugit sur l’oppressant « This Link is Dead », le souffle dans sa gorge, alors que la chanson s’élève vers un crescendo cathartique rappelant leur album éponyme, guidée par le trémolo de Carpenter et ses rythmes polyvalents. « Expectation » est une chanson qui a suivi le groupe depuis la sortie de leur troisième album White Pony, qui a eu une grande influence, mais ils n’ont pas hésité à la mettre en veilleuse – ces dix compositions sont fluides dans leur exploration du ton et du tempo.

« The Spell of Mathematics » éclate dans la vie avec une urgence bruyante et un mur de son imposant qui monte et descend instinctivement. À un moment donné, puis à un autre, Carpenter et Vega se livrent à une lutte musicale acharnée, l’accent alternant entre la guitare et la basse, et la chanson se transforme en une coda essentiellement instrumentale, soutenue par la batterie expressive de Cunningham – son approche compositionnelle est révélatrice de la nature collaborative du disque. Chaque membre se retrouve sous les feux de la rampe, que ce soit Delgado qui ramène « Pompeji », un moment fort en plusieurs mouvements, avec des touches fantomatiques qui sont dûment effacées par l’intensité de « This Link is Dead » qui a été brûlé par la terre, ou la performance énergique de Vega sur « Radiant City » qui ouvre le morceau et permet au chant caractéristique de Moreno de s’immiscer dans le refrain, comme alimenté par cune fusée.

L’album est structuré de telle sorte que ces chansons s’enchaînent les unes aux autres, que ce soit par des transitions bien exécutées ou par des morceaux reprenant là où leur prédécesseur s’est arrêté – la place pour respirer est offerte à l’intérieur de ces chansons caméléoniennes elles-mêmes, plutôt qu’ailleurs, ce qui permet une expérience d’écoute sans faille de 46 minutes. Si la mise en scène de « Genesis » encourage l’auditeur à faire le grand saut, la chanson titre est le moment de l’impact ; elle est plus directe dans son exécution que la plupart de ce qui l’a précédée, mais elle trouve le groupe qui part en l’air, ancré par des mélodies brillantes et un sens approprié de la finalité. « Le temps ne changera pas cette promesse / Cette promesse que nous avons faite / Nous resterons » (Time won’t change this / This promise we made / We shall remain) déclare Moreno avant que les projecteurs ne se posent à nouveau sur Carpenter, clôturant le disque par une reprise de son riff triomphant en majeur.

Avec Ohms, Deftones s’engage dans une nouvelle décennie avec des moments de lourdeur et de beauté céleste qui secouent l’os, tirant sur tous les cylindres et refusant de se reposer sur leurs lauriers, peaufinant leur signature sonore avec des touches expérimentales et abordant leur dernière œuvre comme une pièce autonome. Le monde qu’ils y créent est fascinant et imprévisible, car ils font preuve d’une volonté de mélanger les choses. Ils s’épanouissent dans un état de flux constant et leur neuvième album les trouve toujours aussi excitants.

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Fleet Foxes: « Shore »

Rien n’est plus évocateur de l’automne qu’un nouveau disque de Fleet Foxes. Voyez les choses en face : l’été est passé, les températures baissent, les feuilles commencent à tomber et le groupe de Robin Pecknold vous invite à écouter la bande son de la collection de vêtements que vous vous préparez à enfiler pour la saison.

Cela ne veut pas dire, toute fois, que Shore n’est pas le bienvenu. Loin de là – en fait, peu de personnes sont mieux adaptés que le combo pour construire ces moments indie-folk mielleux, avec la nostalgie des yeux de rosée inhérente à un son qui tire sur les cordes du cœur d’une manière qu’aucun autre groupe ne peut faire.

Avec une sortie surprise, Shore s’ouvre sur le duo « Wading In Watt-High Water » et « Sunblind ». Nous sommes immédiatement en terrain connu – la mélancolie heureuse du chant, l’accent mis sur la performance du groupe plutôt que sur l’audace individuelle. Pourtant, l’ensemble s’aventure en terrain inconnu : l’instrumentation ondulante, la douce montée de la mélodie qui rappelle celle des Cocteau Twins si ceux-ci avaient pris un virage folk.

La voix magnifique et entêtante du morceau « Can I Believe You » dément la complexité tranquille des rythmes sous-jacents, une chanson en perpétuel mouvement. A » Long Way Past The Past » fait paraître l’introversion automnale merveilleusement enivrante, tandis que « Young Man’s Game » est la réflexion subtile d’un groupe qui a toujours sonné plus vieux que son âge.

Ce qui est remarquable dans Shore, c’est à quel point tout est naturel, sans hâte. Cette sortie surprise met fin à trois ans d’attente pour du nouveau matériel dans un certain style, un vaste disque d’une réelle profondeur qui contient des moments d’une beauté saisissante. Prenez ces contre-mélodies sur « Jar » » – presque brésiliennes dans leur merveille lumineuse – des douces affirmations qui courent à travers le majestueux « I’m Not My Season ».

Cela dit, lorsque les Fleet Fox jouent pour former, ils assument le trône indie-folk avec une réelle affirmation. Ainsi, « Quiet Air / Gioia » est un coup de maître, tandis que l’atmosphérique « Going-to-the-sun Road » pourrait bien apaiser les nombreuses inquiétudes suscitées par cette année chaotique.

Produit par Pecknold lui-même, Shore est un disque consciemment « grand » – en effet, en parlant de ce processus, l’auteur de la chanson n’a-t-il pas comparé cet opus à « 15 big ones » ? C’est une collection de panoramas de plusieurs kilomètres, d’horizons infinis, une vision de l’Americana comme une étendue infinie, une source perpétuelle de confort personnel et de réinvention esthétique.

C’est un disque qui met l’épaule à la roue, un souffle de lumière dans les moments les plus sombres. Qu’il s’agisse du simple unisson choral de la miniature médiévale « Thymia » ou de l’émotion angoissée de « Cradling Mother, Cradling Woman », il s’agit d’une collection de compositions qui dominent leur rôle de manière emphatique.

Aussi naturel et invitant que le frisage des feuilles, Shore montre les Fleet Foxes à leur meilleur : une voix de réconfort pour une génération modernisée, c’est moins un album qu’un coffret empli de trésors.

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AimA & The Illusion Of Silence: « Music for Certain Rituals »

Music for Certain Rituals est le titre du premier album d’un projet né de l’union de deux figures déjà connues musicalement : AimA & The Illusion Of Silence est en effet formé par Aima, active dans de nombreux domaines mais que l’on retient aussi pour les belles expériences des Jumeaux Discordants d‘Allerseelen et Luca Bonandini qui, sous le pseudonyme de The Illusion Of Silence, créent depuis quelques années une musique atmosphérique, entre néoclassique et dark-folk. La combinaison des deux a donné de très bons résultats, puisque Music for Certain Rituals est un concept sur les cultes des Mystères Orphiques dont les hymnes et les paroles sombres ont été mis en musique par Bonandini et animés par le chant surprenant d’Aima. Le disque ne peut certainement pas être défini comme une écoute facile mais, même sans le soutien d’une solide culture classique, il sait définitivement comment capturer »avec ses scénarios sombres et énigmatiques. « To the Sun », par exemple, commence par des notes très sombres qui mènent à une mélodie unique dont l’harmonie est à découvrir, parfaite pour accompagner les invocations lyriques d’Aima.

« To the Moon » ouvre un paysage froid et sidéral émoussé » par un chant lent, d’une douceur envoûtante, à tel point que les mots récités en italien n’ajoutent guère à la magie du contexte ; « To Mars », l’un des épisodes les plus réussis, est imprégné d’une sombre suggestion pour les sons riches en échos tribaux et pour la voix qui se déploie avec force. À apprécier également « To the Graces » dans lequel le paysage de l’empreinte ambiante est encore plus sombre, presque oppressant, bien que la chanson soit proche d’une prière, tandis que « To the Sea » renvoie un scénario d’eau dominé par des tons vocaux « d’outre-monde » ; « To Victory », autre belle chanson, atteint littéralement des hauteurs célestes. Enfin, nous ne pouvons pas manquer de mentionner « The Paetilia Tablet » – la tablette orphique de Petelia, conservée au British Museum – qui oscille entre élan et solennité obscure ou « Spiritui Carmen » avec ses sons de plomb, qui voit également la précieuse contribution d’Evor Ameisie (Northgate, Camerata Mediolanense) dans le chœur en arrière-plan et « To Death », qui atteint le sommet des ténèbres grâce à un piano aux notes vraiment lugubres et au chant rappelant vaguement les Galas de Diamanda : Music for Certain Rituals est donc un album stimulant et précieux, qui mérite d’être découvert et aimé.

***1/2

Yellow Days: « A Day In A Yellow Beat »

Le très attendu deuxième album de Yellow Days est enfin arrivé. L’auteur-compositeur-interprète de A Day In A Yellow Beat a donné sa propre version de « la musique de danse ironique, pleine de vérités déprimantes sur la distance entre amis… », selon les propres termes de George Van den Broek.

Avec des morceaux comme « Who’s There », un délicieux morceau d’influence disco, plein de fanfaronnades, qui parle de son sentiment d’isolement, on comprend aisément pourquoi : « Je me sens un peu drôle, bébé, je ne sais pas pourquoi, je me sens un peu triste, ça se voit dans mes yeux » (I’m feeling kinda funny baby, I don’t know why, I’m feeling kinda sad, you can see it in my eyes). L’atmosphère nostalgique est accentuée par les synthés et les basses qui rappellent quelque chose que vous auriez pu voir sur Soul Train à l’époque.

La chanteuse Shirley Jones des années 70 y participe, ainsi qu’à « Open Your Eyes », accompagné de Nick Walters. Parmi les autres collaborateurs de cet album figurent Bishop Nehru et Mac DeMarco. « The Curs » » avec DeMarco est un morceau psychédélique et sensuel, mais cette collaboration et les talents de DeMarco auraient pu faire plus. Les paroles parlent de se sortir du marasme, il proclame « Je vis dans un état de peur ». J’ai peur du monde, il est temps que je lève la malédiction »(I been livin’ in a state of fear. I been fearin’ the world, bout time I lift the curse.).

Van den Broek a été comparé à DeMarco au cours de l’histoire et le Canadien l’a même choisi comme première partie lors de sa tournée au Royaume-Uni l’année dernière. La spiritualité occupe toujours le devant de la scène, et il y a des influences de Curtis Mayfield, de Marvin Gaye pour n’en citer que quelques-uns, et bien sûr du héros de Van den Broek, Ray Charles. Mais il y a aussi des touches de jazz, de lo-fi, d’indie et, bien sûr, de gospel. « Let’s Be Good To Each Other’ »nous encourage à être, bons les uns envers les autres, un message avec une mélodie inoubliable avec une accroche classique et intemporelleme si elle semble un peu rudimentaire et clichée : « Maintenant les gens peuvent être si cruels, non ils ne semblent pas s’en soucier, non, mais ils devraient » (Now people can be so cruel, no they don’t seem to care, no, but they should).

Van den Broek a également décrit A Day In A Yellow Beat comme une « musique existentielle et joyeuse de crise du millénaire ». Il y a encore des éléments de cette même émotion que l’on retrouve sur son premier album Is Everything Okay In Your World, mais avec des morceaux comme le très funk « Be Free » qui souligne l’importance de la liberté créative sur les ventes de disques et avec des paroles comme « Les gens font de leur mieux pour dominer, mais il faut être libre » (People try their best to supress, but you gotta be free »).

Cet album de 23 titres, qui comprend sept (comptez-les !) intermèdes, est d’une durée d’une heure et vingt minutes. Certains pourraient dire que c’est un peu trop long, mais dans l’ensemble de ce qu’il essaie de réaliser, cela a du sens – à peu près. L’introduction comprend des extraits d’un musicien anonyme qui parle avec lyrisme de l’importance d’avoir un « règne libre » accompagné d’un morceau de muzak facile influencé par le jazz et de la façon dont personne ne lui a dit quoi faire. On sent bien que ce dialogue donne le ton de tout l’album. Il ne s’agit pas de vendre des disques ou d’être numéro 1, mais de la liberté de création. Il ne s’agit pas non plus de vendre des disques ou d’être numéro un, mais de liberté créative. Il s’agit aussi de l’importance d’avoir un son distinctif, ce que Van den Broek s’efforce certainement de réaliser.

A Day In A Yellow Beat est une suite intrigante de son premieropus en 2017, Is Everything OK In Your World, un album à l’âme forte qui aborde des thèmes complexes et mûrs allant de la dépression à la politique. Sans aucun doute, l’angoisse du millénaire est toujours là, mais son son son a mûri et évolué en donnant une impression plus sophistiquée. Cependant, il manque parfois un élément de crudité qui était historiquement présent dans son précédent album. On ne peut cependant pas nier sa qualité de star, ses prouesses à la guitare et bien sûr son chant à la fois émouvant et graveleux qui est à la fois captivant et réconfortant.

***1/2

Deradoorian: « Find The Sun »

Angel Deradoorian a passé une grande partie de sa carrière en tant que second rôle dau sein des Dirty Projectors, mais son travail en solo a révélé une artiste à la voix singulière et palpitante. Find the Sun est son dernier album complet en tant que Deradoorian, et il marque un changement imposant dans un son qui ne foltte plus vers le brillant et qui, à l’image de son titre, se prend comme une demande paniquée, un voyage à travers les longs tunnels sans que la lumière de l’esprit puisse en émerger.

Le disque est souterrain et humide – pressurisé jusqu’à l’étouffement, il reprend les percussions de son premier album (The Exploding Flower Planet, 2015) et les combine avec hypnostique et plus assourdi Eternal Recurrence (2017), pour créer un monde agité et crépusculaire. Retrouvez les insaisissables moments de luminosité du soleil – l’inquiétante lueur acoustique de « Waterlily », l’ancien battement de « Monk’s Robes » – comme si vous émergiez de sous la terre et dans un vaste désert balayé par les vents.

Au cœur de Find the Sun se trouve un psycho-rock motorisé, traversé par des mélodies folkloriques sinueuses et primitives. C’est son disque le plus solide à ce jour, plus intéressé par l’exploration d’un univers lourd et lourd que par les harmonies aériennes et légères qui ont fait sa renommée. Les meilleures morceaux du disque – dont « Corsican Shores » et « Saturnine Night » – semblent s’éloigner à toute vitesse d’un danger inconnu.

Les chansons s’enchaînent dans des sillons et ont tendance à y rester – si vous avez un faible pour les premières mesures d’un morceau donné, il est probable que vous vous perdiez agréablement dans ses répétitions magnétiques. Cependant, Deradoorian est passée maître dans l’art de générer du potentiel hypnotique à partir d’un son répétitif, et Find the Sun sera rarement redondant àcet égard. Les petits détails qui apparaissent et s’éloignent, le sentiment d’élan qui se construit lentement – ces chansons sont faites pour être perdues et explorées inconsciemment.

Ce lieu subconscient reste un terrain de jeu essentiel pour Deradoorian – ses paroles se concentrent sur la méditation et les mondes naturels et au-delà de la vision, sur les coins sombres et la poursuite de la lumière et de l’épanouissement. Find the Sun est un disque sans compromis d’une artiste qui cherche à aller plus loin, qui trouve la beauté dans le malaise et un but dans l’obscurité.

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Napalm Death: « Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism »

Après plus de 30 ans et de nombreux changements de line-up, le Napalm Death, pionnier du grind de Birmingham, sonne toujours comme l’équivalent musical de la thérapie électro-convulsive. Leur son est un coup de fouet au système qui – malgré son apparente barbarie – est destiné à provoquer une transformation positive. Cet aspect thérapeutique se reflète dans le titre de leur 16e album studio. Pas pour eux le nihilisme glacial du black metal, les perspectives lovecraftiennes du death metal, ni le solipsisme lugubre du doom ; au fil des ans, le groupe est resté fidèle aux principes humanistes qui ont chargé son Scum de 1987 et l’ont fait passer de From Enslavement To Obliteration en 1988 à Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism aujourdhui itinéraire dans lequel ils se réaffirment comme une force de vie.

À ce stade, le groupe – dont le noyau est représenté par le bassiste Shane Embury et Mark « Barney » Greenaway, avec Danny Herrera à la batterie et le semi-absent Mitch Harris qui rejoint le guitariste John Cooke sur scène pour les riffs – n’est pas prêt de faire des départs choquants. Napalm Death en 2020, c’est l’occasion de modifier le grain de leur marque de fabrique de telle ou telle façon. Ainsi, le grind de neck-snapping partage l’espace avec des éléments de groove (« Fluxing Of The Muscle ») , de crustpunk (« Zero Gravitas Chamber »), de slowcore industriel (« Invigorating Clutch) » et de post-punk à la Killing Joke (« Amoral »).

Cette fois-ci, toutes les chansons ont été écrites par Shane ce qui nous rappelle que le bassiste n’a pas seulement dirigé le groupe pendant trois décennies, mais qu’il reste ouvert aux influences extérieures.

Napalm Death défend ici encore les personnes privées de leurs droits depuis 1981. En ce sens, ils ont moins en commun avec le métal contemporain qu’avec l’artiste doom-hop canadien Backxwash et les agitateurs grimepunk londoniens Bob Vylan. Si ‘ils restent longtemps encore en rage ainsi, ce ne sera que pour le bien de nos oreilles.

***1/2

Deep Sea Diver: « Impossible Weight »

Depuis près d’une décennie, Deep Sea Diver continue d’impressionner avec sa fusion passionnée de rock indie et de sensibilité pop. Emmenés par la compositrice californienne Jessica Dobson, connue pour avoir travaillé avec de grands noms tels que Beck, Yeah Yeah Yeahs et The Shins, leur fanbase flottante continue d’augmenter grâce à ses plongées courageuses dans d’immenses profondeurs émotionnelles et à sa volonté de poursuivre des voies jusqu’alors inexplorées en explorant de nouvelles voies musicales. 

Après une période de profonde dépression exacerbée par la pression des tournées constantes, Dobson est de nouveau à la tête du groupe basé à Seattle, alors qu’elle met les voiles avec son nouvel album Impossible Weight, son œuvre la plus personnelle à ce jour. Le single qui l’accompagne est un aperçu révélateur des peurs intérieures de Dobson, avec une contribution de la célèbre compositrice Sharon Van Etten.

L’introspection est un thème constant tout au long du disque, et on la retrouve immédiatement sur la première chanson, la songeuse « Shattering The Hourglass ». Les voix tendres sont accompagnées d’un doux travail de touches avant de se lancer dans une explosion libératrice de tambours, alors que Dobson parle de ses propres luttes et de celles de son ami proche Richard Swift qui lutte contre l’alcoolisme.

Tout ce qui inclut Sharon Van Etten est forcément spécial et ne déçoit pas. L’introspection se poursuit sur le split single dont l’album tire son titre. Impossible Weight est un cycle de dépression paralysant qui convainc les gens de se taire et de se sentir indignes d’aide lorsqu’ils comparent leurs propres expériences à la douleur ou à l’angoisse des autres. Des paroles crues telles que « A million times tongue tied \ Spit it out, never mind \ I think I’m addicted to the fear » (des millions de fois la langue attachée ! Crachez le morceau, peu importe ! Je crois que je suis accro à la peur) révèlent l’agitation intérieure tandis que le rythme saccadé troublant souligne le malaise, parfois réconforté par les gouttes de pluie qui tombent curtesy des touches. 

Les voix communes de Dobson et Van Etten s’élèvent ensemble dans un rugissement flatteur, qui fait passer la chanson du simple bon single de rock indépendant à un hymne qui pourrait résumer nos angoisses communes croissantes de cette année la plus terrible. Cette passion qui exige d’être entendue est un véritable point fort de cet album qui transforme constamment la vulnérabilité en déclarations audacieuses.

Un autre moment de véritable génie est la chanson « Eyes Are Red (Don’t Be Afraid) », d’une durée de sept minutes. Tout en s’occupant de ses propres luttes internes, Dobson a fait du bénévolat au centre d’accueil pour sans-abri Aurora Commons et cet instrumental triomphant est un cri de ralliement pour ceux qui sont perdus et oubliés dans un monde indifférent. Dobson aborde les difficiles histoires de la vie réelle qu’elle a rencontrées sur des chansons comme « Hurricane » qui, malgré ses sonorités pop éclatantes, révèle, à une écoute plus attentive, la détresse de quelqu’un qui tombe dans des relations abusives avec les paroles « I never felt so low \ Keep searching for love in the places you don’t wanna go » (Je ne me suis jamais sentie aussi mal ! Continue à chercher l’amour dans les endroits où tu ne veux pas aller) et l’album atteint sa note la plus sombre avec « Switchblade » et son récit d’une femme marchant sur le bord, constamment soumise à la menace très réelle de la violence masculine.

Cependant, aussi mélancolique que soit le sujet, Impossible Weight ne sombre pas complètement dans le désespoir, car il est équilibré par des morceaux comme un « Lights Out » jalonné par sa basse heavy qui explose d’énergie, le titre plein d’entrain qu’est « People Come And Go », la chanson glorieusement disco « Lightening Bolts » tout comme « Wishing » qui est un chef-d’œuvre hypnotique tourbillonnant avec ses accroches pop et un refrain chantant qui pourrait en faire un incontournable prochain « single ».

L’album se termine par l’émouvante chanson acoustique « Run Away With Me » les sentiments ne sont pas entravés par une production ouverte, optant pour une performance live dépouillée au lieu de laisser toutes les vagues d’émotion sortir de son cœur et s’enfoncer dans l’âme de l’auditeur. C’est une fin vraiment émouvante pour un album puissant.

Tout en n’ayant pas peur de dévoiler les aspects les plus sombres de sa vie et les chagrins des gens qui l’entourent, Jessica Dobson a réussi à créer un disque puissant de Deep Sea Diver qui mérite toute l’attention tout en étant extrêmement agréable à écouter. The Impossible Weight est une documentation digne des moments les plus difficiles, mais elle nous apporte une exaltation qu’on ne saurait passer sous silence.

***1/2

Ulver: « Flowers Of Evil »

Ce combo légendaire de par son parcours singulier sort un nouvel album, ainsi qu’un livre de plus de 300 pages retraçant son inléraire musical, Wolves Evolve : The Ulver Story. Ulver, qui signifie « loup » en Norvégien, est une formation protéiforme active depuis 1993, a d’abord proposé trois albums de black metal, puis, avec beaucoup de talent et autant d’audace, a abordé une multitude de styles – néo-folk, jazz expérimental, trip-hop, ambient, drone – pour s’orienter vers une musique pop qui vient évidemment d’autres territoires. Depuis quelques années, le pack alterne entre ces albums pop, soutenus par la voix limpide et pénétrante de Kristoffer « Garm » Rygg, et d’autres projets : bandes originales et albums instrumentaux, comme un remarquable Drone Activity sorti l’année dernière.

En dépit de sa polyvalence, les ambitions artistiques du groupe n’ont pas faibli. Dénicher le sublime, non pas en plein jour, mais, comme le dit le titre de l’un des morceaux de cet opus, « Hour of the Wolf », les dernières heures de la nuit, où le sublime et le tragique se confondent. Flowers of Evil, dans la lignée esthétique de son chef-d’œuvre, The Assassination of Julius Caesar en 2017, est imprégné de ce dessin imposant qu’ils créent à chaque fois en utilisant une variété de textures.

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Ledit nouvel album, avec ses impulsions « années 80 », est comme une anthologie d’histoires personnelles, de drames humains, avec un traitement naturaliste. Devenu maître dans l’art de relier la petite histoire à la grande, le groupe se révèle dans toute sa force grâce à un sens du récit sans pareil. Il en résulte des pièces magnifiques, riches, sérieuses et dansables, où la contemporanéité est proche des références bibliques et historiques. Deux collaborations sur l’album : la guitare et l’électronique de Christian Fennesz sur la piste d’ouverture, eOne Last Dancee, véritable manifeste de cantiques. Le funk affligé de « Little Boye atteint, lui, une délicieuse saturation, à la fin de laquelle apparaissent les cornemuses de Michael J. York de Teleplasmiste. La puissance d’Ulver rayonne bien au-delà de sa musique, au point de composer une dense fresque mythiqu dépassant de très loin sa propre ibdentité.

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