Jiwi jr.: « Cooler Returns »

21 janvier 2021

Kiwi jr. sont de retour avec leur deuxième album, à peine un an après le premier. Cooler Returns poursuit l’approche tourbillonnaire du groupe pour créer une « guitar music » addictive.

« Absurd » est le titre le plus approprié que vous puissiez donner au groupe canadien, qui prend plaisir à créer des chansons pleines de caractère. Dans « Cooler Returns », vous entendrez parler du type d’électeur le plus dangereux, l’indécis, d’une histoire policière et d’une façon intéressante de montrer un nouveau VTT aux voisins, parmi toute une série de personnages. Vous entendrez le chanteur Jeremy Gaudet souligner à quel point le monde dans lequel nous vivons est étrange et particulier, en lisant les gros titres comme un prompteur défectueux.

Les riffs de guitare et les accroches apparaissent comme des personnages secondaires dans ces récits sortis de nulle part pour donner corps aux microcosmes qui les entourent. L’instrument jouant l’un des rôles principaux, c’est un soulagement de voir qu’il est à chaque fois nouveau. Les Kiwi Jr. excellent dans la construction d’un sens constant de la vibrance excitante et étoffent le fond de leurs chansons pour les faire se sentir aussi occupés qu’une rue bondée.

Les paroles de Jeremy Gaudet et sa conscience de soi font en sorte que Cooler Returns ne se lasse jamais et que vous attendez souvent de savoir ce qu’il va proposer ensuite. Qu’il s’agisse de lignes doutant que Woodstock soit jamais arrivé ou de vouloir « étrangler le jangle pop band » lors d’un mariage, un clin d’œil à eux-mêmes. Il semble n’y avoir aucun filtre entre la pensée et la parole et vous vous laissez emporter par ce qui lui vient à l’esprit ensuite.

Cooler Returns vous laissera peu de place pour respirer, mais de la meilleure façon possible. Le groupe ne projette pas seulement son propre sens de l’absurdité, mais il met aussi en évidence à quel point l’être humain est maniaque sur Terre en général. Il y a un niveau de charme incontestable dans leur musique et il y a cette ambiguïté palpitante qui fait que l’on ne sait jamais vraiment où ils vont aller ensuite.

***1/2


Buck Meek: « Two Saviors »

21 janvier 2021

Two Saviors est un peu un mystère, tout comme son créateur Buck Meek. Meek, un homme de la campagne de Wimberly, Texas, s’est installé au Texas et a sorti deux EPs en solo. Il a rencontré Adrianne Lenker et a enregistré deux autres EPs avant de se transformer en quatre morceaux et de devenir Big Thief. Il va sans dire que ce fut une aventure un peu folle, mais qui est devenue le mystère de son deuxième album solo.

En enregistrant avec la même distribution de personnages que celle qui a créé Buck Meek il y a deux ans, Meek et sa compagnie sont passés de leurs récits axés sur les personnages à quelque chose de beaucoup plus mystérieux. Il y a des couches dans les paroles, certaines parties se balancent logiquement, tandis que d’autres se mettent en place presque comme quelque chose d’un univers alternatif. Pourtant, musicalement, cette collection se joue dans un cadre plus simple que les arrangements intutifs du premier album.

Les histoires racontées par Meek existent dans un monde souterrain basé sur la réalité, mais pas toujours de la façon dont on pourrait s’y attendre. L’introduction de « Pareidolia » est un morceau acoustique relativement simple, mais l’entrée du groupe entier l’envoie sur un chemin teinté de country, tandis que les paroles offrent des visions différentes. Pareidolia est défini comme le fait de voir des choses qui ne sont pas là, comme les visions que l’on a en regardant les nuages. Meek chante : « Pareidolia/ Avec ta tête sur mes genoux/ Sur l’herbe à bison/ Les nuages se déplacent rapidement/ Sidney, dis-moi ce que tu vois » (Pareidolia/ With your head upon my lap/ On the buffalo grass/ The clouds are moving fast/ Sidney, tell me what you see). Les visions qui suivent sont en partie ordinaires, mais elles deviennent de plus en plus extraordinaires.

D’autres contes traitent d’un monde un peu plus stable, mais Meek trouve des courbes et des ronds qui chargent les chansons de manière inattendue. Le monde de « Candle » semble plus ordinaire et plus logique, mais il est imprégné d’un sentiment de paranoïa que la guitare à coulisse et le piano ne parviennent pas à dissiper. Le refrain crée une série de questions, « Vos yeux ont-ils changé ? Je me souviens qu’ils étaient bleus/ Ou bien toujours noisette ? / Toujours le même visage avec un trait ou deux/ Le même amour que j’ai toujours connu » (Did your eyes change? I remember them blue/ Or were they always hazel?/ Still the same face with a line or two/ The same love I always knew . Pourtant, le chanteur est assailli par l’idée d’être suivi.

Des images de piscines avec de la térébenthine existent dans le même espace qu’un « single « qui prétend qu’il ferait « n’importe quoi pour vous » sur « Ham on White ». Tel est l’univers de Buck Meek, mais ce n’est pas tout à fait inattendu puisque l’album a été enregistré dans la chaleur estivale de la Nouvelle-Orléans, un endroit qui est un monde en soi, unique et mystérieux à part entière.

Pourtant, en son cœur, Two Saviors est une collection de chansons qui semblent toucher toutes les bonnes notes, créant un air doux et comprifié qui va à l’encontre de nombreux mystères présents dans les paroles. Le monde de Meek est assez grand pour toutes les contradictions, parce que nous passons tous par une série de pensées et de sentiments contradictoires. À vet égard, Buck Meek exprime simplement la dichotomie qui existe en chacun de nous.

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The Necks: « Silverwater »

21 janvier 2021

La brièveté relative des trois titres de l’avant-dernier album des Necks, Chemist, a démontré que les longs développements d’idées musicales individuelles et clairement délimitées du groupe pouvaient être condensés pour les auditeurs en manque de temps. Les fans seront rassurés par le fait que leur dernier opus propose à nouveau une improvisation unique, ininterrompue, d’une heure, comme on l’attendait jusqu’à présent. Voilà au moins un retour à la norme. Mais sur Silverwater, The Necks ont tenté une nouvelle approche. Alors que les œuvres classiques des Necks, telles que Hanging Gardens, Drive By, ou même le langoureux Ether, se sont toutes développées selon des lignes audacieuses, plus ou moins directes, Silverwater est moins prévisible et plus protéiforme dans son développement. Au premier abord, son développement, particulièrement dans sa dynamique de tension et de relâchement, semble plutôt aléatoire, et donc insatisfaisant. Alors que les albums précédents présentaient des vues cristallines et sur grand écran, Silverwater est plutôt une lentille sur un microcosme d’incidents bouillonnants, et offre quelque chose de plus sombre, et sans doute plus riche. C’est comme si, après avoir proposé Chemist comme une offrande pour les personnes manquant d’attention, The Necks avaient créé quelque chose pour les auditeurs prêts à plonger et à s’immerger.

À l’écoute, on est alternativement attiré et aliéné par l’évolution incertaine de Silverwater. Le morceau-titre semble d’abord incohérent, bien qu’indéniablement séduisant dans ses parties. Une écoute plus approfondie au casque s’avère toutefois beaucoup plus révélatrice et immersive ; c’est comme si l’on examinait de près le maillage minutieux de mécanismes interdépendants dans les entrailles d’une horloge, chaque composant vrombissant dans un mouvement apparemment perpétuel. Le chatoiement brumeux de Silverwater est animé d’événements sonores qui s’enchaînent de manière imprévisible. Son évolution semble progressive, mais il ne fait aucun doute que son improvisation a été soigneusement préméditée.

Silverwater commence par le bruissement de percussions secouées, de battements de tambour et de coups de piano amortis et répétés d’une note. Au bout de quelques minutes, une pulsation de contrebasse calme les choses et des touches de piano apportent un accent mélodique. Les lignes instrumentales individuelles s’affirment ou s’effacent, permettant aux différents éléments de cohérer organiquement, mais sans jamais dominer, bien que les passages soient diversement caractérisés par des éléments sonores individuels : Un orgue Hammond, un piano, une harmonique non identifiable, peut-être un bol métallique frappé ou arqué, une intonation vocale grave, un scintillement presque subaudible, probablement d’origine électronique. Un écheveau dominant présente des frappes régulières de cymbales et une pulsation de piano superposée par un lavage de Hammond. À un moment de la deuxième demi-heure, une guitare électrique commence à gratter un refrain répété, bientôt rejointe par la basse et la batterie pour établir une dynamique de groupe presque conventionnelle, mais cet interlude est emporté comme le sable d’une plage.

La guitare, de son côté, fera d’autres brèves apparitions, ici soutenue par une subtile électronique, et il est remarquable de voir comment, dans un long morceau, des éléments aussi individuels et fugaces peuvent avoir un impact incisif. Plus loin, un long passage de Hammond et de piano avec des percussions insistantes de basse et de cymbale subvertit complètement l’ambiance précédente, pour que ces éléments cèdent à leur tour à une pulsation ambiante soutenue d’orgue électrique. Une fois de plus, une guitare grattée annonce un passage plus urgent de piano et de basse superposés, jusqu’à ce que le ronronnement du Hammond cesse brusquement et que des écheveaux de guitares électriques superposées donnent au morceau un côté dur. Ce sont tous des incidents isolés, comme des sables mouvants qui ne sont pas plus représentatifs de l’ensemble du désert qu’un grain individuel. À la fin, il y a une sorte de climax en sourdine, mais dans la dernière minute, il n’y a que l’ondulation régulière des cymbales alors que le piano faiblit, soulignée par de nouveaux sons électroniques subtils, et enfin un silence abrupt.

En ressortant d’une telle immersion complète, Silverwater semble profondément plus satisfaisant que lors d’une écoute superficielle sur des enceintes. Si les morceaux les plus courts de Chemist sont plus directs et plus faciles à comprendre, Silverwater est une preuve supplémentaire que The Necks sont sur quelque chose de spécial et qu’ils évoluent. Si vous pouvez accorder à cet album un peu de temps et d’attention, vous serez récompensé.

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Twenty Fingers Duo: « Performa »

21 janvier 2021

Deux cœurs, quatre mains, huit cordes et deux douzaines de doigts forment un phénomène sans précédent qui tente de repousser les limites de la musique contemporaine, dont les expériences musicales multicouches touchent chaque oreille attentive de manière différente. Les propriétaires des doigts sont le frère et la sœur, violonistes et violoncellistes, lauréats de concours nationaux et internationaux Lora Kmieliauskaitė et Arnas Kmieliauskas. Poursuivant les traditions musicales de leurs parents et grands-parents, le duo, pour attirer de nouvelles possibilités de performance et d’expression, a formé un phénomène inédit en Lituanie il y a quelques années. Ils ont formé un duo qui crée des expériences vivantes de sons intenses qui modifient le silence et l’espace, et permet de découvrir les instruments classiques avec des oreilles nouvelles.

Aujourd’hui, le duo présente une autre nouvelle expérience musicale sur la scène lituanienne – six formes authentiques de performativité, composées par des compositeurs lituaniens tels que Andrius Maslekovas, Dominykas Digimas, Arturas Bumšteinas, Julius Aglinskas, Rūta Vitkauskaitė et Mykolas Natalevičius. Cette collection de musique lituanienne contemporaine est devenue le premier disque compact du duo, Performa. Dans une interview, les membres du duo parlent de Performa, des performances et des diverses péripéties de la vie d’un musicien contemporain.

Les titres forment un ensemble intense, où le minimalisme se voit appuyer par des arrangements raffinés apportant ainsi à l’ensemble un joli flot de déviances habiles.

Ainsi, les cordes se croisent, se décroisent et se démultiplient, glissent et crissent sous le jeu des archets, cherchant parfois égarer l’auditeur par la technique, mais aussi à l’accaparer par un déferlement de sensations où expérimentation et sensualité s’épousent et fusionnent superbement.

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Fell From the Tree: « Enough »

20 janvier 2021

Pour Hannah Jocelyn, c’en était assez (enough). Après avoir passé les quatre dernières années à sortir de la musique sous le nom de Fell from the Tree, Jocelyn conclut maintenant un cycle de quatre albums par inadvertance avec Enough, une réflexion et une déclaration enthousiastes sur la propre identité de Jocelyn. Il n’y a pas de place pour contourner les idées ou dire ce que vous ne pensez pas dans ce titre – Jocelyn se met entièrement au service du projet. À un certain moment, c’est assez : il faut se faire face soi-même. 

C’est cette acceptation qui est à la base d’Enough. Ses onze chansons décrivent en détail l’agitation personnelle de Jocelyn et sa transition éventuelle, tout en définissant son son avec plus d’assurance que jamais. Plus qu’une simple pop de chambre accrocheuse, Enough repousse les limites de la musique de Fell from the Tree, en ajoutant une instrumentation live et des chansons plus ambitieuses qui osent être inattendues.

Au-delà d’un raffinement de Fell from the Tree au niveau du son lo-fi, Enough propose des invités puissants qui ajoutent de nouvelles dimensions aux chansons. « Never Alone » ajoute au mix un couplet inspiré de « Red Bone » du rappeur LoneMoon ; « Good Thing » se termine par un solo de guitare radical de l’artiste d’ambiance Brosandi. Le violon de Molly Robins est peut-être le plus émouvant de tous, car il transporte le dernier acte de la chanson dans un lieu d’une beauté cinématographique.

Bien que les principaux invités soient un ajout bienvenu au disque et aident à ajouter de nouvelles couches au son lo-fi de Fell from the Tree, ils n’éclipsent jamais la propre voix de Jocelyn. Suffisamment, après tout, est l’aboutissement de quatre années de découverte de soi, de Jocelyn sortant du placard et partageant son identité avec le monde. Enough est autant un record qu’une déclaration de soi, avec toute la douleur et les faux pas qui peuvent accompagner l’acceptation de ce que nous sommes vraiment. ll est à son meilleur quand il est le plus sincère et le plus courageux que Jocelyn nous offre une vue de première ligne de son parcours. Pour tous les synthés et les rythmes variés, je me trouve toujours plus attiré par les moments les plus simples d’Enough – Jocelyn chantant presque a capella pour commencer « What You Want », une ligne de piano minimaliste sur « Good Enoug » » qui implique de la profondeur sans donner sa main. 

Ces rares moments de parcimonie tendent à mettre en évidence l’expansion générale de l’album, qui peut être une bénédiction et une malédiction. La gamme d’influences et d’instrumentation est passionnante, mais sans beaucoup de moments de répit, les pulsations des rythmes peuvent commencer à s’épuiser. De même, les paroles de Jocelyn – bien que profondément personnelles – s’étendent sur des pages et des pages ; elles sont sérieuses et conversationnelles, mais verbeuses à l’excès, laissant peu de place à la contemplation.

Pour les douleurs de croissance qui peuvent accompagner l’ambition d’Enough, l’album s’achève sur une note plus forte, plus claire et plus confiante. Le coup de poing des deux titres de clôture de l’album, « Dress » et « Good Advice », amène la vision d’Enough à sa conclusion logique. Ils se gonflent et s’éclatent, prenant le temps de trouver leur sens et leur identité. Molly Robins ajoute des lignes de violon qui complètent parfaitement la voix de Jocelyn et donnent un sentiment de clôture à un album qui lui est consacré. À la fin de tout cela – Assez, oui, mais aussi le grand voyage de découverte de soi de Jocelyn qui a alimenté sa musique sous le titre Fell from the Tree – on nous offre une opportunité d’espoir. Nous ne savons peut-être pas où chercher, mais la découverte de notre véritable moi est le seul point de départ. 

***1/2


Sarah Neutkens: « September »

20 janvier 2021

Pour ceux d’entre nous qui vivent dans l’hémisphère nord, il y a quelque chose de particulièrement séduisant dans le mois de septembre, associé à une mélancolie bénigne. La chaleur et l’éblouissement de l’été font enfin place à la lumière inclinée et aux premières brises fraîches de l’automne, ainsi qu’à la promesse de couleurs vives qui culminent dans la gloire mais se terminent inévitablement par les gris et les bruns fragiles de l’hiver. C’est en septembre 1819 que Keats a écrit son ode « To Autumn », l’un des exemples les plus marquants de la façon dont ses qualités temporelles et météorologiques uniques invitent naturellement à l’expression artistique. Il en va de même pour la talentueuse Sarah Neutkens, artiste visuelle, écrivain et mannequin néerlandaise, également pianiste et compositrice, qui a écrit une ode qui lui est propre et qui lui sert de réflexion personnelle sur l’arrivée de la saison sous la forme d’une suite de musique pour saxophone.

Appelé tout simplement September, son nouvel opus nous présente une composition en quatre mouvements interprétée par des membres du Nederlands Saxofoon Octet, à savoir David Cristobal Litago (soprano), Dineke Nauta (alto), Tom Sanderman (ténor) et Marijke Schroër (baryton). Qui aura écoué une telle abondance de musique classique moderne jouée au piano et aux cordes, trouvera le choix des instrumentsi assez rafraîchissant. Comme on pouvait s’y attendre, de nombreux passages ont un air mélancolique, mais d’autres sont étonnamment enjoués car le jeu vif des cuivres, du bois et du vent parvient à évoquer une ambiance automnale dans toute sa nuance et sa complexité. Une complexité qu’o,n se doit d’appécier sans présupposés.

***1/2


Rhonda Taylor: « Afterparty »

20 janvier 2021

Dans son dernier album, Afterparty, Rhonda Taylor réunit un ensemble éclectique de morceaux qui reflètent la réalité déformée de notre passé récent. Comme les précédents albums solo de la saxophoniste basée au Nouveau-Mexique, l’autoproduit Afterparty comprend des improvisations expérimentales en une seule prise que Taylor a ensuite traitées à l’aide d’Ableton Live. Cette approche produit une large palette sonore, allant d’une acoustique presque complète à des distorsions méconnaissables.

Mais plus que le son, on sent la solitude et l’inconfort qui envahissent la musique, le sentiment que ce qui n’est pas présent est tout aussi important que ce qui l’est. Si les albums solos ne sont pas rares, ils rendent rarement l’absence des autres aussi palpable que celle de Taylor ici. On a l’impression que les gens étaient là avant, mais maintenant il ne nous reste que des traces, des fantômes et des preuves de ce passé. Nous réalisons, comme le titre de l’album pourrait le suggérer, que ce qui est venu avant était la fête – un passé auquel nous sommes maintenant fondamentalement incapables de retourner. Au lieu de cela, nous sommes ici, seuls, dans l’après-guerre.

« Cheers », le morceau d’ouverture, commence par une mélodie sinueuse et mélancolique chantée par Taylor, qui se transforme de plus en plus en bruit blanc surpuissant à la fin du morceau. Le morceau se lit comme un chant de sirène, appelant à rapprocher les gens, mais la réponse que l’on trouve dans la déformation progressive de la musique est retentissante ; il n’y a personne autour pour attirer. Elle est inaudible, et donc insatisfaite.

La suite de Taylor est un « trash talk » rythmé et agressif, qui combine le saxophone, la respiration et la parole dans un mélange pointilliste. Des sections plus douces, bien que rythmiquement tendues, sont associées à un bruit maximal, les phrases se dissolvant les unes dans les autres, parfois avec des mots intelligibles et parfois sans. La piste est puissante dans ses détails et sa vigueur, son intensité augmentant jusqu’à l’hyperventilation de la marque des trois minutes.

Revenant au style plus mélodique de l’ouverture, « searchlight » rappelle la comparaison avec le chant des sirènes, et, correspondant au titre, recherche toute personne qui pourrait se trouver à proximité. Ici, comme dans le premier morceau, la réponse est personne. Après une première note solitaire, Taylor fait un usage intensif des multiphoniques, qui semblent être une tentative d’antidote à la solitude. En l’absence de toute autre personne avec qui jouer, elle s’accompagne elle-même. De même, les notes sont prolongées électroniquement bien au-delà de leur libération naturelle, ce qui permet à Taylor de profiter encore plus de la superposition de son propre jeu. Cependant, cela n’atténue pas non plus l’isolement, et nous nous retrouvons plutôt dans le silence alors que la piste s’éteint.

L' »exit interview », au milieu de l’album, voit Taylor parler, bien que souvent de manière inintelligible en raison de la distorsion créée par son saxophone. Bien que ce morceau soit le moins modifié électroniquement de tout l’album, il est toujours très déformé, le traitement électronique de l’ancien étant remplacé par un filtre organique. Cependant, cela laisse toujours l’action essentielle, la parole, sans réponse, comme si les mots eux-mêmes n’avaient pas d’importance, étaient ignorés, ou peut-être, n’étaient-ils pas destinés à être entendus.

Les distorsions acoustiques de l' »entretien de sortie » sont assorties dans le « dernier appel » de distorsions électroniques. Ce morceau, le plus long de l’album, présente le saxophone transformé pour devenir presque méconnaissable, ressemblant davantage à une guitare électrique noise rock. Les éclats prolongés du saxophone sont accompagnés de moments de calme relatif, avec seulement de légers mouvements et une respiration audible. On ressent la peur et la colère d’être forcé d’abandonner le passé incarné dans le son. Mais cette réponse aux nouvelles conditions de vie, comme les autres, se heurte au silence.

Le dernier morceau de l’album, « eulogy (eugoogly) », nous ramène au royaume des « acclamations » et des « projecteurs » avec son affect sombre et discret. Cependant, les harmonies ne sont pas aussi douces cette fois-ci, le résultat n’en est que plus puissant. Composé de longues notes soutenues qui résonnent et résonnent sans fin, s’effaçant l’une dans l’autre, ce morceau ne cherche pas quelqu’un qui n’est pas là. Il y a ici une acceptation de ce qui a été perdu, reconnue maintenant pour faire le morceau le plus émouvant de l’album.

Au total, Afterparty est très de son temps, au même titre que l’art réalisé pendant ou juste après les grands événements mondiaux est souvent, inéluctablement, marqué de façon indélébile par les conditions de sa création. Rhonda Taylor, cependant, trouve un nouveau sens à fouler ce sol, ce qui donne un album saisissant sur la solitude d’être là où les gens étaient autrefois (« maisons abandonnées », comme elle le dit dans ses notes de pochette). Sa performance ici est admirable. Virtuose par moments, contemplative pour d’autres, et avec la certitude d’un but à atteindre, Taylor trouve une expression personnelle dans l’expérience paradoxalement commune de la solitude.

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Gone Is Gone: « If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All »

20 janvier 2021

Les natifs de Los Angeles Gone Is Gone créent de la musique depuis 2016. Troy Sanders, chanteur et bassiste de Mastodon, Troy Van Leeuwen, l’un des guitaristes de Queens of The Stone Age, Tony Hajjar, batteur de At The Drive-In, et Mike Zarin, le fondateur de Sencit Music, ont mis leurs talents en commun pour sortir If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All. La voix puissante de Sanders et son jeu de guitare basse profond remplissent l’atmosphère d’émotion brute, le jeu de guitare de Leeuwen électrise chaque morceau avec des riffs surgissants, le jeu de batterie de Hajjar est puissant avec des battements de tambour rythmés et la multi-instrumentation de Zarin se déchire en arrière-plan. If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All est un excellent disque car il montre comment Gone Is Gone peut créer une merveilleuse musique de hard rock grâce à leur chant et leur instrumentation.

Le morceau « Say Nothing » est amusant car le jeu de guitare de Sanders et Leeuwen amplifie la mélodie avec des riffs solides. Dès le début, on peut entendre Sanders jouer de profonds grondements en arrière-plan, et Leeuween se joint à eux avec des notes de guitare flamboyantes qui ébranlent l’esprit de ceux qui écoutent. « Say Nothing » est un excellent morceau car le jeu de guitare de Sanders et Leeuwen permet de garder la piste ensemble.

« Wings Of Hope » est un morceau doux-amer qui montre non seulement le côté plus doux du groupe, mais aussi la puissance du chant de Sanders. Tout au long de la composition, le son de la voix douce de Sanders apporte un goût d’émotions fortes, de vouloir se libérer de la négativité que le monde lui offre. « Wings of Hope » est une courte pièce, mais il s’agit d’un masterclass vocal de Sanders.

La pste expérimentale « Crimson, Chaos And You » est une composition amusante. Le jeu multi-instruments de Zarin apporte une atmosphère spatiale à la pièce, en mélangeant le bruit de fond au reste de l’instrumental. « Crimson, Chaos And You » montre quel genre de musicien Zarin est à travers sa musique : un musicien qui peut apporter de la cohérence à n’importe quel morceau.

Le morceau « Breaks » est un morceau juste. Le chant de Sanders secoue l’atmosphère avec son style tranchant. Tout au long de la chanson, la voix de Sanders devient plus audacieuse et puissante lorsqu’il chante le refrain, et il est très agréable de voir comment sa voix change de haut en bas tout en chantant le reste des paroles. Il est amusant d’entendre à quelle vitesse Sanders peut ajuster sa voix alors que la structure musicale change constamment sur ce morceau. « Breaks » donne à Sanders l’occasion de montrer aux gens ce que sa voix puissante peut faire.

La chanson de clôture « Payoff » est une chanson bien jouée. Le groupe joue ensemble de façon cohérente. Le jeu de guitare de Sanders et Leeuween fait vibrer le fond avec des riffs solides, la voix de Sanders reste claire et douce pendant qu’il chante les paroles, le jeu de batterie de Hajjar est assez doux par la cohérence de ses battements et l’instrumentation de Zarin brille avec des sons mystérieux qui peuvent laisser les auditeurs perplexes sur la façon dont la chanson se termine. « Payoff » est un morceau agréable parce que Gone Is Gone a travaillé ensemble pour interpréter un morceau heavy avec une instrumentation et un chant incroyables.

Gone Is Gone a fait un excellent travail avec If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All, démontrant ainsi leur force par leur chant féroce et leur jeu instrumental féroce.

***1/2


Modern Hut: « I Don’t Want To Get Adjusted To This World »

20 janvier 2021

Modern Hut vient de sortir son deuxième album, I Don’t Want To Get Adjusted To This World, qui fait l’inventaire de la vie à partir d’un objectif calme mais distant. Le fondateur de Don Giovanni Records, Joe Steinhardt, a collaboré avec Marissa Paternoster de Screaming Females pour créer cet album court mais dynamique de huit titres. Les deux hommes ont mis l’accent sur l’écriture des chansons, ce qui a donné lieu à une liste de titres qui suscite la réflexion et rappelle la poésie parlée.

La caractéristique la plus marquante de l’album est certainement la voix distincte de Steinhardt et Paternoster. Rappelant les Front Bottoms, la voix de Steinhardt accède à une profondeur captivante, atteignant parfois un niveau si bas qu’il peut être difficile d’entendre sa voix, comme le montre le premier morceau « In Amongst The Millions ». Les gémissements de Paternoster font office d’acide dans la voix plus lourde de Steinhardt, et dans « Broken Teeth », les harmonies imparfaites que les deux musiciens créent ajoutent une nuance énigmatique à cet album relativement tranquille.

Bien que le lyrisme présent sur l’album soit certainement la vedette du spectacle, la présence vocale de Modern Hut permet à cette étoile de vraiment briller. Par exemple, « Proof And Prime » ne comporte que le chant de Steinhardt et une guitare acoustique, tout en captant l’intérêt de l’auditeur lorsqu’il chante « Some people grow apart and some people die/ And some people retreat to the back of their minds/ Just to survive ’til the day they can diе/ ‘Cause surely they’ll diе. » (Certaines personnes se séparent et d’autres meurent/ Et d’autres se retirent au fond de leur esprit/ Juste pour survivre jusqu’au jour où elles le pourront diе/ ‘Parce qu’elles mourront sûrement). La voix douce de Steinhardt est assez magistrale, les paroles morbides devenant plus poétiques et digestes, enveloppées d’une voix calme. Ceci est significatif car la majorité de l’album explore des pistes de réflexion plus déprimantes, restant fidèle au titre « I Don’t Want To Get Adjusted To This World ». Dans le dernier morceau de l’album, la chanson titre, Paternoster et Steinhardt chantent « J’ai une maison qui est tellement mieux/ Je vais y aller tôt ou tard/ Et je ne veux pas m’adapter à ce monde » (I’ve got a home that’s so much better/ I’m gonna go there sooner or later/ And I don’t want to get adjusted to this world), résumant le sentiment dominant que l’album explore.

L’instrumentation du disque semble ainsi refléter la sentimentalité qui a présidé à sa création, avec seulement quelques éléments présents dans chaque chanson. L’utilisation minimale d’instruments attire l’attention sur les paroles de l’album, mais la liste des pistes reste fraîche avec sa mise en œuvre créative. Par exemple, le doux timbre de la guitare acoustique combiné au doux claquement d’une cymbale dans « Ask The Dust » crée un sentiment de sensualité chuchotée, invitant à plus de mystère dans l’album. « The Battle Cry Of Freedom » ne comporte que la guitare acoustique, ce qui permet de mettre en avant des compétences techniques plus complexes. Le plus énergique de tous est probablement « Silly And Self-Destructive », qui comprend une guitare électrique entrecoupée d’une guitare acoustique douce typique, ce qui permet à l’auditeur de ressentir plus d’excitation.

Dans l’ensemble, I Don’t Want To Get Adjusted To This World de Modern Hut est clairement conçu dans un but précis et artistique. Apparemment, le groupe a adhéré à la philosophie « less is more », ce qui a certainement joué en leur faveur car cela a permis de ne pas éclipser l’art lyrique. Bien que la liste des morceaux soit courte, elle a permis de réaliser un album sans répétition, dont le point culminant est la qualité reste et demeure irrémédiablement stellaire.

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Respire: « Black Line »

20 janvier 2021

Ce premier moment. Le son. La pause parfaite. Le regard profond sur la couverture. Le premier amour. Il y a ensuite des bruits de crépitement, le feu dont vous pouvez voir les lignes rouges profondes sur la couverture. Puis, après sept secondes, les quatre premières secondes de violoncelle ; cette structure de pause et de violoncelle, puis la partie suivante s’étend sur cette structure. À ce moment-là, toute objectivité est jetée par-dessus bord et l’auteur de ces lignes est incontrôlablement amoureux de Black Line, le troisième LP de Respire. 

Et puis l’intro « Blight » est terminée, et « Tempest »sera exactement cela – une tempête rageuse aux proportions infernales. Un projet de loi qui montre où nous allons avec notre société et avec cet endroit : « Nous regardons le monde partir en flammes / une course insouciante » (we watch the world go up in flames / an uncaring race)- un motif qui est repris dans le morceau suivant « Cicatrice » : « nous sommes tous des maladies – détruisez, détruisez » (we’re all disease – destroy, destroyer). Respire ne peut pas cacher ses vues sur la politique, la société et les questions sociales avec des « l’amour comme seule issue possible » ( love as our only possible way out) comme idée et idéologie claire. Cela se voit dans la structure du groupe – un collectif ouvert qui est ouvert pour unir des personnes de différents horizons musicaux et avec différents instruments. Ces groupes ressemblent à des groupes d’écoutes comme Morrow ou Anopheli, qui comptent également un instrument à cordes classique dans leur programme. Mais l’assemblage d’instruments non rock de Respire ne s’arrête pas là – non, il ressemble plutôt à celui de compatriotes canadiens Godspeed You ! Black Emperor avec son Glockenspiel, son vibraphone et ses invités trompettes et saxophones. 

Tout cela se reflète également dans leur attitude envers les grands moments d’ouverture qui permettent au groupe et au public de reprendre leur souffle. Prenons l’exemple de « Tempest » : la composition fait rage pendant un peu plus de 70 secondes, puis s’arrête brusquement, ensuite on n’entend alors les cors et un murs de guitare pendant un moment avant que la batterie ne se remette en marche et que les cordes ne viennent à l’avant. C’est le calme proverbial au milieu de la tempête. Le public ne peut pas oublier que ce n’est qu’un moment de calme (avant que « Cicatrice » ne nous roule dessus) car les deux parties de chant, apparemment pas seulement délivrées par deux voix mais par beaucoup d’autres, nous le rappellent clairement. 

À part le batteur Travis, tous les membres du groupe ajoutent leurs voix à une bête à plusieurs têtes qui chante dans des intonations différentes, à des niveaux de volume différents, dans des espaces différents du paysage sonore (certains à l’arrière, d’autres tout à fait à l’avant). Le groupe connaît les forces de chacun et est capable de les mettre en valeur. Ils le font à l’amiable, leur timing est si précis qu’il en est effrayant. La façon dont le groupe parvient à s’arrêter à mi-chemin et à mi-temps est fascinante. Il devient évident que le groupe est tellement en phase les uns avec les autres que leurs chansons ne semblent pas du tout construites, même si elles le sont sûrement, car elles doivent l’être car il se passe tant de choses, c’est presque comme un opéra d’appel et de réponse. Bien sûr, cela reflète leurs racines hardcore et leur approche de la musique et le fait qu’ils partagent la scène, le studio et la salle de répétition par centaines maintenant. 

Il est difficile de trouver des parallèles avec d’autres artistes parce qu’ils sont ouverts au maximum et ce, de manière très positive. Ils sont autant Pijn que Demersal, autant Anopheli que Fall of Efrafa. Ce sont des punkers et des post-rockers. Ils sont croustillants et célestes. À bien des égards, ils sont assez uniques et donc très agréables. 

En outre, il faut remarquer la façon dont ils essaient de créer une sorte de tension entre les disques, puisque Black Line contient la dernière chanson « Catacombs Part II », qui est la suite de leur dernier opus Denouement, opus dans lequel le narrateur parle à quelqu’un (probablement son partenaire) de sa « fin » à venir et du fait qu’il n’a jamais voulu que quelqu’un souffre de sa dépendance, il n’a jamais voulu que quelqu’un en subisse les conséquences. La deuxième partie de « Catacombs » montre maintenant l’autre facette de la relation avec le partenaire du toxicomane en disant qu’il ne peut pas vivre sans le défunt mais qu’il doit le faire et le fera : « toute la lumière brille pour toi / toute la lumière brille avec toi / tout ce que nous tenons comme de la poussière s’efface rapidement / (mais l’amour brille en nous) » (ll the light shines on for you / all the light shines on with you / all we hold like dust fades fast / (but love shines on in us) – ce sera difficile et apparemment impossible mais l’amour en lui-même ne s’éteindra pas pour le défunt. 

L’amour. Encore une fois. Eh bien, il n’y a rien d’autre que de l’amour ici pour le collectif canadien. Et si vous écoutez la première partie de Black Line, vous pourriez aussi tomber amoureux. Très rapidement. L’amour au premier morceau.

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