ADULT.: « Perception is/as/of Deception »

ADULT. font un retour triomphal après leur album This Behavior, sorti en 2018 et qualifié par beaucoup d’un des meilleurs diques de leur carrière. Cette suite effrayante prend donc pour titre Perception is/as/of Deception, un cyclone de pandémonium alimenté par l’anxiété que seul ADULT. saurait exploiter. Alors que This Behavior, a été enregistré dans les bois isolés et enneigés du nord du Michigan, ce nouvel opus a pris vie dans un espace temporaire que le duo a créé en peignant leur sous-sol sans fenêtre entièrement en noir, dans la seule intention de priver leurs sens, de remettre en question leurs perceptions et d’être témoin des ramifications qui en résultent.

Avec plus de 23 ans et une discographie tentaculaire laissée dans leur sillage, Adam Lee Miller et Nicola Kuperus ont souhaité ainsi occulter tout genre ou style défini. Avec une démarche aussi étrange que celle-ci, les passages qui composent Perception is/as/of Deception peuvent être perçues comme leur travail le plus punk et introspectif à ce jour. Les éléments de frustration et d’appréhension qui se sont constamment tissés à travers leur matériau sont à leur apogée, renforcés qu’ils sont par une approche plus « frontale » »et stridente.

Des titres comme « Have I Started at the End » conservent avec succès les signatures EBM classiques du duo et l’agressivité synthétisée, bercés par un mantra qui remet tout en question, quant à leur but ; un « Why Always Why » offrant une mutation désorientante des sons annoncés de la musique de danse classique, tel un remix qui se serait échappé de prison et serait en fuite. L’hymne dystopique, « Total Total Damage », est interprété avec force et énergie, titre où seuls les chants provocateurs de Kuperus soulignent l’état de dégradation constante de la société. Les parties de synthétiseur dramatiquement glamour disséminées dans l’album, bien que parfois de nature sinistre, semblent également rappeler avec miséricorde qu’à travers le voyage au sein du disque, on peut encore apprécier le chaos.

Avec le sentiment de vide qui règne dans l’esprit de beaucoup de gens de nos jours, il y a encore peu de tentatives pour mettre en valeur ces qualités humaines communes et malheureuses avec une sincérité pure. Heureusement, ADULT. a la réputation de longue date de créer la bande sonore de nos insécurités, et Perception is/as/of Deception renforce encore leur position de préhension appréhensive des choses.

***1/

Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la similitude. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue, en effet, à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième opus de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau d’une dream-pop particulière sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, on reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent la crainte. 

Contrairement à Modern Meta Physic, le premier album du groupe,  Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous de Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être tracée. 

Dans une période de turbulence énorme et de gel de la culture, Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommesi nterpellés, nous hésitons.

***1/2

The Innocence Mission: « See You Tomorrow »

La volonté d’aller là où The Innocence Mission veut nous emmener dépendra en grande partie de notre réaction face à la voix plus douce que nature de la chanteuse Karen Peris. The Innocence Mission est le genre de groupe qui se recroqueville sur ses lauriers lorsque Belle & Sebastian se pavane sur le terrain de jeu. Leur 12ème album, See You Tomorrow, les voit labourer un sillon encore un peu plus pianistique qu’auparavant.

À part cela en effet, tous les tropes standards d’Innocence Mission sont présents et corrects. Chant magnifique ; refrains acoustiques furtifs et insistants ; piano joué comme en cas de présomption de pluie imminente. Pour l’essentiel, c’est un album d’un minimalisme absolu et d’une mélancolie mordante, une musique faite pour des gens qui ne sont pas prompts à rejeter quelque chose si cela semble déprimant.

See You Tomorrow est un disque tranquille, un disque pour le matin après une nuit lourde et regrettable. Écoutez J »ohn As Well » avec son contrepoint ponctuel de voix douces avec des chœurs fredonnants, un piano épars et occasionnel et soudain des guitares presque espagnoles. Parfois, Peris chante comme si l’Anglais n’était pas sa langue maternelle, en faisant sonner les mots comme s’ils contenaient un mystère distinct du sens, comme si elle ne les avait entendus qu’une demi-heure plus tôt.

Il faut des jeux répétés pour révéler les profondeurs subtiles, l’orgue à pompe, l’accordéon, la basse électrique, le mélodica, le mellotron. Parfois – comme dans « Mary Margaret In Mid-Air », où Peris joue en duo avec son mari Don, tous deux demandant « Will she love me / Pass it on » – on peut presque entendre le sous-sol dans lequel l’album a été enregistré. Il n’est pas surprenant de découvrir que Sufjan Stevens est un grand fan.

Parfois – sur des chansons comme « We Don’t Know How To Say Why » et « Stars That Fall Away From Us » – elles sont majestueuses, transcendantes, envoûtantes, fascinantes. Vous êtes élevé hors de vous comme s’il était visité par des anges. D’autres fois, comme sur l’ouverture « The Brothers Williams Said », vous voulez leur faire un câlin, leur dire que ça va aller, leur demander s’ils ont besoin d’une bonne tasse de thé. C’est sérieux, c’est ce que nous disons ; pas de la musique pour les gens qui veulent une petite dose de merveille en deux secondes. Il faut vivre avec ça. Admirez sa beauté de loin. Laissez-la opérer sa magie sur vous.

« Je suis toujours à côté de vous » (I’m always on your side), Peris chante très tôt et ça fait du bien, comme si c’était quelque chose que vous vouliez. Oui, c’est précieux et peut-être pas pour tout le monde, mais pour ceux qui aiment ce que fait The Innocence Mission, leur dernière carte postale du bord vous donnera tout ce dont vous avez besoin.

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Mayflower Madame: « Preparing For A Nightmare »

Tout commence assez délicatement, ce second disque prophétique de Mayflower Madame d’Oslo (ils – Trond guitars/vox, Håvard guitar, Ola batterie)- jurent qu’ils ne savaient pas exactement à quel cauchemar ils se préparaient. Il y a un doux grincement de synthé, quelque part entre le sifflement solitaire d’un oiseau de nuit et le chatoiement d’un diapason errant, rien de bien sinistre, mais, assez vite ces sons apparaissent, des sons de guitare, ils grandissent comme s’ils s’approchaient d’un brouillard et ils apportent avec eux d’autres sombres linceuls sonores. Il suffit de s’arrêter, on pourrait jurer que l’air a refroidi. Vous en êtes déjà à une demi-minute et vous pourriez être pardonné de vous demander où vous êtes exactement. Avez-vous été attiré dans une chanson comme vous pensiez l’être ou dans l’ombre d’un asile ou d’un ossuaire ou même d’une combinaison des deux ? Heureusement, comme le temps, la batterie se met en marche et une basse vous calme, tandis qu’une fragile ligne de guitare électrique lysergique reprend la mélodie. Bien que cette fusion ne soit pas vraiment apaisante – elle a, pour être honnête, son propre sens de la menace – elle apporte au moins le confort d’une structure reconnaissable, basée sur des gammes occidentales, par oposition à l’irientalisme, et vous pouvez peut-être vous détendre un peu maintenant, le cauchemar est terminé, mais l’est-il ?

Allez un peu plus loin encore. Le cauchemar vient, d’une certaine manière, de recommencer. Après tout, il s’agit de la chanson titre et, selon la conception et les stéréotype, elle est censée déranger. Très ironique puisque la composition elle-même, une fois qu’elle a pris pied au centre, flotte dans l’éther entre vos oreilles dans un sort de shoegaze presque (presque) rêveur, onirique plutôt qu’inquiétént.

C’est à peu près le modus operandi de Mayflower Madame ; vous séduire par une beauté crépusculaire, puis vous modre les sangs lorsque vous commencez à soupçonner fortement que quelque chose de malencontreux se cache dans la psyché souterraine de la musique. Ce qui, pour l’essentiel, serait bien, sauf qu’elle vous entraîne avec elle, sa force étant inexorable. La façon dont le groupe gère cela n’est pas un mystère en soi – d’une manière similaire mais nettement nordique à Echo & the Bunnymen, il y a une touche de qualité acidulée à leur marque de post-punk, comme si les chansons avaient été au moins occasionnellement filtrées par une machine à vent psychédélique – c’est juste un choix (ou une contrainte) stylistique ; Il s’agit simplement d’un choix stylistique (ou d’une contrainte ; on peut douter qu’il y ait tant de choix) plus difficile à faire qu’il n’y paraît, surtout avec la persuasion que l’on trouve dans « Preparing For A Nightmar »e. Porté par le présage, bordé par la colère et/ou l’anxiété, il y a néanmoins un étrange mais sombrement joyeux courant sous-jacent qui nous est proposé ici, au-delà du fait d’assister à la croissance continue du combo sur son chemin sinueux et unique.

Cette voie, tracée par le célèbre E.P. Premontion datant d’environ un an et demi, nous emmène – au-delà de l’agressivité et de la finesse du premier « single », « Vultures », de la pop mystique de « Swallow » et du brouillard narcotique de « Sacred Core », nous entraîne dans les profondeurs de l’écho de « Gold Mine » – qui suggère le vertigineux paradoxe d’une expansion claustrophobe avant que le disque ne se termine, un peu astucieusement, par un « Endless Shimmer », un plan d’adieu détendu, mais non moins chargé – et d’un joli hochement de tête à sa manière – qui prouve que la peur n’est pas moins palpable lorsqu’elle est lancée au ralenti.

C’est un voyage immersif, qui vous entraîne dans le bourdonnement de la tension de la vie moderne tout en vous envoûtant avec l’évasion implicite de ces grooves de guitare psychique qui, en fait, par les lois de l’ironie tordue, ne font qu’assurer qu’il n’y a pas d’évasion possible. Nous pensons cependant que le premier morceau que vous voudrez revisiter en sortant de cet album, en clignant des yeux au soleil, sera « Ludwig Meidner ».

Martelant l’énergie du Gun Club rencontrant Moodists, ce poème du peintre et graveur expressionniste allemand, créateur des « Paysages apocalyptiques », frissonne de puissance, la section rythmique étant forcément serrée mais presque sauvage avec elle, la voix animée par un but désespéré, notamment lorsqu’il transforme l’expression « danser sur sa tombe » en un acte de vengeance et d’affinité. C’est l’exception sur « Preparing For A Nightmare » qui prouve la règle de Mayflower Madame : ce groupe est l’intensité, quel que soit le tempo. Il n’est pas rare de trouver des artistes utilisant divers niveaux de retenue à des fins puissantes, voire explosives (il suffit de chercher plus loin que Low, par exemple), ce qui est rare, c’est de trouver que cela se fait avec ce somptueux niveau d’artisanat.

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San Fermin: « The Cormorant I & II »

Tout a commencé en juin 2019 lorsque San Fermin a dévoilé la première partie de The Cormorant, un disque luxuriant et tourbillonnant construit autour d’un personnage masculin et féminin, interprété par Allen Tate, qui endosse le rôle masculin, tandis que le protagoniste féminin est interprété par une équipe tournante de collaborateurs : Claire Wellin, Karlie Bruce, Sarah Pedinotti et Samia Finnerty. Le projet dirigé par Ellis Ludwig-Leone devrait maintenant arriver à sa conclusion naturelle grâce à son deuxième volet, puisque San Fermin se passera de la collection complète des « deux parties du Cormoran ».

The Cormorant I & II est un voyage émotionnel à travers la vie de deux personnalités qui s’entremêlent, l’une qui documente les moments tendres de nos premières années, la période de turbulence de l’adolescence, les montagnes russes de l’âge adulte, puis l’inévitable glissement vers la vieillesse et la mort éventuelle des deux rôles principaux. Réparti sur 16 titres, la quatrième sortie de San Fermin est une sorte d’épopée, mais avec une subtilité calme. Elle est attribuée aux différentes couches sonores des cordes en pâmoison, des cuivres et de l’électronique délicate, tandis que la myriade de chanteurs qui racontent votre chemin à travers les méandres du Cormoran, ajoutent un ton apaisant et resplendissant à la traversée de l’album à travers le grand voyage de la vie.

Le disque commence par le morceau éponyme du LP, un rebondissement ludique de piano qui s’enroule autour de petites nuances et de cordes tendues, tandis que notre leader féminine met en scène des enfants qui jouent dans la cour de récréation/une lumière dorée s’écoule dans votre lit/une poussière flottante au-dessus de votre lit. C’est avec une immédiateté que l’on ressent le confort et la chaleur de l’enfance, une enfance pleine d’émerveillement et de bonheur étourdissant. Alors que le disque s’accélère, nous passons à travers de nombreux scénarios, comme les douleurs de croissance de « The Hunger », un scénario qui raconte quelque chose de proche de l’agitation romantique, alors que notre actrice principale soupire les histoires suivantes d’une relation qui est un dur labeur « épar la suite je tomberai pour une autre déception » (eventually I’ll fall for another disappointment) et « alors donnez-moi toutes vos valentines/vos chocolats et vos lignes de fromage » (so feed me all your valentines/your chocolates and your cheesy lines). Dans « The Living », les deux rôles principaux se combinent pour illustrer quelque chose de plus réfléchi, car notre personnage masculin rumine « la vie est faite pour vivre/ alors emmenez-moi au cœur battant/ c’est difficile à décrire/ comme si nous faisions partie de quelque chose de plus grand » (life is for living/so take me to the beating heart/it’s hard to describe/like we’re part of something bigger).

Les cordes, les percussions et les cuivres créent une toile simple pour que l’histoire puisse être retravaillée avant que la chanson ne s’épanouisse en quelque chose de plus grandiose. Alors que nous arrivons au dernier tiers de Cormoran, on sent que les choses ralentissent ; « Westfjords » se joue comme une réflexion sur une vie bien remplie alors que quelqu’un demande « racontez-nous une histoire/quelque chose dont nous pouvons tous rire » (tell us all a story/something we can all laugh at). Cette réflexion s’accompagne d’une mise en garde : des couches de cuivres et sordes soulèvent une houle émotionnelle « vous n’avez qu’une seule chance de le faire/vous n’avez qu’une seule chance de fuir le futur/pensez à toutes les choses qui vous manqueront » (you only get one chance at this/you only get one chance/running from the future/think of all the things you’ll miss). Les claquements de mains syncopés au cœur de « Do Less » battent un chant rituel d’une teinte chorale, tandis qu’une mer de voix affirme « pouvons-nous prendre un moment avant de repartir » (can we take a moment before we go again). « Freedom » est étrangement jubilatoire, mais au fond, on a l’impression que les deux personnages principaux se rendent compte qu’il ne leur reste pas beaucoup de temps. « Je ne m’inquiète pas pour les enfants/Je n’essaie pas de faire la liste/Il n’y a pas besoin d’être épuisant »(I’m not worried about the kids/I’m not trying to make the list/there’s no need to be exhausting), ce qui ressemble à quelqu’un qui se rebelle à l’idée de faire un testament. La teinte céleste de « Tunnel ML » guide notre chemin vers le ciel, tandis que des cordes frémissantes et un chœur de voix angéliques séparent les nuages et emmènent les sujets du disque vers leur dernière demeure, alors que The Cormorant I & II se termine sur une note céleste. Cet opus est, tout bien entendu, un récit tendre, vulnérable et plein d’âme sur la fragilité humaine, un récit à la fois réconfortant et bouleversant.

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Jennah Barry: « Holiday »

Sur le nouvel album de Jennah Barry, Holiday, l’auteure-compositice canadienne présente à qui veut l’écouter sa maison, son cœur et ses rapports avec une foutitude d’émotions. Huit ans après sa première sortie, Young Men, Holiday arrive comme un effort apaisant de deuxième année qui a les qualités douces et effarouchées d’une première impression. Bien qu’il y ait un air timide dans la façon dont ces chansons font tourner l’auditeur dans les mondes intérieur et extérieur de Barry, la musique elle-même est partagée avec une confiance gracieuse et croissante. Pourtant, avec tout cela, Barry ne nous dit pas tout. Entre les descriptions des eaux lunatiques de l’océan Atlantique, les solos de bois chantants et les réflexions bucoliques sur soi-même, il est clair que Barry retient une certaine profondeur qui existe en elle et dans sa musique potentielle.

Holiday a été écrit et enregistré sur la côte sud de la Nouvelle-Écosse, dans une maison que Barry a aidé à construire et certaines parties de ce paysage côtier, au nord de l’Atlantique, apparaissent souvent sur l’album, à travers une représentation à la fois tonale et lyrique. Sur « Roller Disco » » l’un des « singles » de l’album, la description du cadre commence au cœur d’un continent, du mauvais côté du Canada. Trouvée au début de Holiday, cette caractérisation isolante de la région d’origine de Barry établit une dichotomie de solitude et d’intimité qui persiste tout au long de l’histoire. La gamme émotionnelle de Holiday dépeint la maison de Barry comme un lieu éloigné, distant selon certains critères, mais riche d’un sentiment intime d’appartenance. Cette dichotomie est simplifiée sur le morceau « I See Morning », comme Barry le chante : « En regardant le monde, tout peut arriver / En regardant le monde, rien n’arrive jamais » (Looking at the world, anything can happen / Looking at the world, nothing ever happens).

« Big Universe » ajoute également au sentiment de lieu nuancé créé pendant les vacances. La combinaison musicale d’une pedal steel guitar et de la répétition de « oom sha la las » dans les chansons a longtemps été associée au bord de l’océan. Ici, nous avons ces deux éléments essentiels d’une ode à la mer. Malgré ces éléments de plage, « Big Universe » n’évoque pas les images des côtes chaudes et sablonneuses de la Californie. Au contraire, la piste existe dans un autre type d’humeur maritime. La voix de Barry ressemble aux eaux plus froides de l’Atlantique, comme une corne de brume soufflant dans une tempête. Ce sont les voix d’une sirène introspective, qui accueille les navires à terre tout en explorant ses émotions.

Parfois, il semble que les paroles apaisantes et rassurantes de Barry s’adressent à elle-même. Sur « Pink Grey Blue », un autre « single », elle chante : « Pas de surprise / Tu as mal à l’intérieur / Tu es rose, gris et bleu. » (o surprise / You ache inside / You’re pink and grey and blue.) C’est comme si nous regardions Barry et sa guitare pendant un moment d’intimité. Elle reconnaît la complexité de ressentir plusieurs choses à la fois, et lorsqu’elle parle à haute voix, sa propre voix est l’antidote à ce problème universel. Une sorte de refrain se répète : « Ça pourrait être pire / Une malédiction est juste cet amour que j’ai pour toi. (Could be worse / A curse is just this love I have for you Un léger vibrato se marie à merveille avec le genre de jeu de guitare qui consiste à faire glisser les doigts le long des cordes dans différentes positions. « Pink Grey Blue » est une berceuse qui traite d’amour-propre.

« Lullab » serait une description appropriée pour de nombreux morceaux composant Holiday. Avec sa courte durée et son sujet somnolent, « Are You Dreaming ? » est un nouveau joyau du genre berceuse. Il a l’effet intemporel d’une couverture épaisse et d’une tasse de thé aux herbes, et est tellement dépourvu de paroles trop contemporaines que le résultat final donne l’impression qu’il aurait pu être écrit par des trappeurs de fourrure en 1650. Encore une fois, la voix de Barry se combine si merveilleusement avec l’accompagnement à la guitare dans ce titre dont Mary Travers serait fière.

Alors que Holiday ne s’éloigne jamais trop de son folklore acoustique discret, le troisième morceau, « The Real Moon », est une aberration bienvenue. Une fois que cette chanson se met en marche avec ses cornes et ses tambours, on se sent presque prêt à faire la bande sonore d’un thriller d’espionnage et de romance à la James Bond. « The Real Moon » contient également l’un des nombreux exemples de la vision du monde pleine d’esprit et d’observation que Barry tisse dans ses chansons : « Vers 12 heures, je vois un cerf sur la pelouse de devant / Il a l’air très perdu, me fixant avec les mêmes pensées. » (Around 12 o’clock, I see a deer standing on a front lawn / He’s looking very lost, staring back at me with the same thoughts.)

Ce disque traite des sujets qui tiennent à cœur à Barry : l’amour de soi, des autres, de la maison et du lieu. Bien qu’il s’en tienne à cette conception traditionnelle voire conservatrice, Holiday parvient tout de même à offrir une grande polyvalence à ses auditeurs. L’album est à la fois une force apaisante et un exercice stimulant de considération intérieure. Il s’agit de l’auto-présentation réussie de Barry en tant que superbe auteur-compositeur capable de chanter des beautés originales sur des thèmes intemporels. Tout en admirant la chaleur et la beauté berçante de Holiday, il est possible de s’interroger sur la profondeur supplémentaire qui existe sans aucun doute au-delà de la surface de l’amour et des berceuses. Il est rassurant de savoir que toute retenue qui se produit ici laisse simplement la porte ouverte à d’autres musiques venues de Barry à l’avenir.

***1/2

Dakota Suite & Quentin Sirjacq: « The Indestructibility Of The Already Felled »

Schloe Records a l’habitude de découvrir des albums classiques modernes lents, paisibles et délicats en un style appelé slowcore. Le pianiste Quentin Sirjacq et le chanteur et guitariste de Dakota Suite (Chris Hooson) collaborent ici pour créer une collection de musique lente mais d’une beauté absolue. Elle ralentit littéralement votre esprit et le distille dans un silence paisible.

Quentin Sirjacq fait fonctionner un piano préparé tout au long de la pièce. La plus légère des modifications peut envoyer une seule note dans un écho ou alors vous entendrez les tripes de ses fils comme dans « Kogarshi ». Ce morceau utilise également d’intéressantes percussions japonaises qui évoquent les coups de pluie sur un toit de métal. Dans d’autres morceaux comme « Kintsugi », « Aiseki » et le dernier morceau « Kyoshu », d’autres percussions traditionnelles sont utilisées tout en douceur. Les carillons Matsumushi, les blocs de bois Mokusho, les cloches Tam-Tam et Crotale sont utilisés pour tourner autour des pianos et des synthés. Ils offrent beaucoup pour leur douce inclusion.

Ce qui élève encore l’album, c’est l’excellente prestation vocale de Dakota Suite. « Safe In Your Arms » ouvre l’album comme une déclaration d’intention. La voix calme, feutrée et chaleureuse du chanteur vous apaise. « Away » est à peu près aussi grand public que l’album, alors que le piano doux et les synthés aquatiques s’élèvent au fur et à mesure que la voix de Dakota Suite s’éloigne. Cela rappelle un peu l’excellent album éponyme de Lissom, qui montre à quel point une collaboration entre musique classique et auteurs-compositeurs peut être gracieuse et délicate. Et puis, accordons une mention spéciale pour l’utilisation d’un piano jouet, un instrument sous-estimé s’il en est, dans le superbe « My Thirst for You is Where I Lie » .

Sous le tout se trouve le piano de Quentin Sirjacq et un curieux vibraphone. Le vibraphone est omniprésent et embellit doucement le piano et, à l’occasion, la guitare acoustique. En plus des synthés souvent filiformes qui sont utilisés, le vibraphone donne à l’album un air de nature fait maison. ; on est , à cet égard, très surpris qu’il ne soit pas en mode « jazz-it-up » mais aussi très heureux qu’il ne le doit pas. L’impression générale est que l’on a droit à un travail que c’est organique et fait maison et que ce n’est pas qu’une douce chaleur. « These Nights Without You » est légèrement décalé, tandis que « Aiseki » utilise la réverbération des percussions japonaises pour compléter le son. C’est ingénieux car leur son est légèrement déroutant mais les notes basses du piano sont doucement défiantes dans leur chaleur.

Ce disque permet de comprendre vraiment la signification du slowcore. C’est une musique parfaite pour se détendre et calmer son esprit. Quentin Sirjacq et Dakota Suite rebondissent naturellement l’un sur l’autre avec élégance et classe , ce qui permet de classer l’album au même rang que les meilleures réalisations du genre.

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Red: « Declaration »

Le crossover post-grunge et nu-metal popularisé par des artistes comme Staind dans les années 90 et Breaking Benjamin dans les années 2000 s’est avéré acceptable pour le public chrétien. Une vague de rockers religieux comme Skillet, Disciple et Pillar s’est écrasée au début et au milieu des années 2000. Les résultats ont varié, mais aucun ne s’est rapproché de Red, un combo venu de Nashville.

Dès ses débuts en 2006, End of Silence, et par la suite, les meilleurs morceaux du groupe ont transcendé les trophées post-nu-métal avec un bombardement orchestral, un chant déchirant et une lourdeur sans précédent. Cette valeur ajoutée a fait d’Innocence & Extinct (2009), de Until We Have Faces (2009) et de Of Beauty and Rage (2015) des joyaux de métal alternatif sous-estimés. Ce dernier a malheureusement été retenu par le « bro-rock » régressif de Release the Panic (2013) et les malheureuses excursions électroniques de Gone (2017). Premier album « indépendant » du groupe, Declaration est à la hauteur de son nom en tant que déclaration d’intention revitalisée et joue ici du rock musclé selon ses propres termes.

« All For You », qui s’ouvrel’album, révèle immédiatement la quintessence du son Red. Le groove mid-tempo percutant du batteur Dan Johnson propulse les riffs désaccordés joués par les frères Anthony Armstrong (guitare) et Randy Armstrong (basse), avec des cordes atmosphériques offrant dissonance et mélodie là où ça compte. Les frères Armstrong sont tellement légers qu’on pourrait croire qu’ils ont commencé à utiliser des guitares à huit cordes. Mais cette fois-ci, c’est le chanteur Michael Barnes qui a changé la donne.

Le chant de Barnes est toujours aussi émotif et planant, mais ses cris ont trouvé une source de colère primitive. L’instrumentation partage souvent cette intensité déséquilibrée. Prenez le « single » «The Evening Hate », par exemple. Sur le pont, sa structure mélodique nu-métallique tombe dans un abîme de basses crasseuses ou boueuses en même temps qu’un chant obsédant. Le groupe s’envole alors vers le ultra-haut avec des mélodies néo-classiques et des cris surmenés, qui prennent la relève de la musique de chambre classique façon Red.

Comme en témoignent les vidéos cinématographiques du groupe, son sens de la grandeur et de la fimension distingue Declaration. Les violoncelles et les violons gonflés portent l’impact émotionnel de « The War We Made » »à un tout autre niveau. L’instrumentation élargie s’intègre naturellement dans le récit sincère de la chanson sur le conflit perpétuel et les cycles toxiques. Barnes utilise pleinement sa gamme vocale de plusieurs octaves, se mêlant au legato prêt pour le cinéma des cordes avec une ferveur sans précédent.

Qu’il s’agisse des riffs rebondissants korn-esque du début d’« Infidel »ou du groove sismique à six temps de « Cauterize », le côté orchestral de Red augmente intuitivement l’émotion et contraste avec une colère bien méritée. Ayant perfectionné son crossover orchestral depuis 18 ans, Red le compose simplement comme aucun autre groupe. Les arrangements peu orthodoxes se faufilent à travers un rock and roll audacieux, jusqu’à ce que vous voliez à travers la stratosphère avec un pack alimenté par l’harmonie.

Là où Of Beauty et Rage avait poussé les excentricités de Red à un point où l’on pourrait presque appeler cet album de baroque, l’intro thrashy de « Float » souligne le côté plus violent de Declaration. Sans annuler la grandiosité néo-classique, cet album met en avant certaines des musiques les plus extrêmes de Red à ce jour. Les rythmes inspirés par le punk de Johnson se chargent de refrains dramatiques et de vers couvants, faisant place à des cris frénétiques de Barnes.

On porra ainsi pratiquement l’entendre déchiqueter son larynx à la fin de « The Victim » » Avec la bande qui tourne à plein régime, il peut perdre son inhibition et laisser sortir son monstre intérieur. C’est le contraste parfait avec le chant passionné et mélodieux. Des uppercuts sonores comme ceux-ci auraient sûrement effrayé les cadres du label du combo, faisant d’eux les coupes profondes parfaites pour un Red déchainé.

Contrairement à tant d’albums de nu-metal, Declaration maintient une ligne de vie d’arrangements intéressants. Si le riff principal de « Sever » vous rappelle Breaking Benjamin, il devrait le faire. Il a été co-écrit avec le guitariste de ce groupe, Keith Wallen. Malgré cela, des notes de violoncelle staccato bien placées et un groove engagé l’élèvent au-dessus de la stagnation.

En fait, c’est vraiment ce qui se rapproche le plus du générique pour Red, car le groupe joue dans son style unique avec un enthousiasme renouvelé. C’est tout à l’honneur du groupe que l’avant-dernier morceau « Only Fight » se transforme en un refrain furieux avec des vers synthétiques, presque industriels – peut-être bien Gone done right ! L’âme de ce morceau se ressent comme une mélodie de cordes glaçante, superposée à des accords dissonants et à des tambours assourdissants.

« From The Ashes » clôt Declaration avec certaines des meilleures accroches, des riffs qui vous cassent le cerveau et une orchestration qui gonfle sur l’ensemble de l’album. Le refrain résume la mentalité de Red qui se retrouve dans cet album : « Nous nous battons pour survivre/ Je ne me briserai jamais/ De nos cendres nous nous enflammons/ Ne nous effaçons pas/ Nous vivons, nous mourons, nous tombons, nous nous relevons. » ( We are fighting to survive/ I’ll never break/ From the ashes we ignite/ Don’t fade away/ We live, we die, we fall, we rise)

Les membres de Red auraient pu céder aux tendances, ou du moins licencier l’élément classique, mais ils savent ce qui fonctionne le mieux pour eux. On ne peut s’empêcher de croire à l’ampleur émotionnelle de Déclaration, que ce soit ses plus grandes défaillances ou ses extravagantes sonorités orchestrales. Sans contrainte d’étiquette pour la retenir, il est bon d’entendre Red élever le post-grunge et le nu-métal bien au-delà de ce qu’on pourrait imaginer.

****1/2

Pete Astor: « You Made Me »

Lorsqu’un auteur-compositeur aussi adroit et légendaire que Pete Astor enregistre un album de reprises destiné à être une sorte de panégyrique des chansons qui ont façonné sa propre sensibilité, chaque morceau devient ainsi un hommage – et même un honneur – à l’auteur et/ou à l’interprète responsable de l’original. C’est aussi une source de plaisir et, souvent, de surprise pour le fan passionné, comme tous ceux qui ont un peu de bon sens l’ont été pour Astor depuis la sortie de The Loft.

Appelez cela un palimpseste d’inspiration s’il le faut, un album comme celui-ci offre à l’auditeur un aperçu de ce qui se cache sous le talent qui l’a attiré chez l’artiste en premier lieu, une version audio de la vision aux rayons X, en un sens. Il peut s’avérer particulièrement précieux – et éclairant – lorsqu’il s’agit de quelqu’un du genre d’Astor dont le matériel a montré, tout au long de sa carrière, une tendance à se fondre dans l’autobiographique en termes de ton et de nuances (même l’ésotérisme chamber-pop d’Ellis Island Sound ne peut pas souvent échapper à un son quelque peu personnel, comme si les paysages sonores qu’il contient étaient offerts comme des instantanés intuitifs d’un album photo à oreilles de chien caché dans le subconscient agité du type).

Bien que, comme tout disque de cette nature, il puisse dans une certaine mesure se révéler parfois discordant lorsqu’on essaie de concilier son point de vue préconçu – et souvent compliqué – sur le travail de l’artiste avec la réaction « Hmm, c’est un peu inattendu » à tel ou tel morceau, ce qui est peut-être le plus remarquable dans You Made Me est l’ « Astorisation » à laquelle chacune de ces pochettes est soumise, un processus qui est en quelque sorte capable à la fois d’aplanir et d’exacerber cette dislocation initiale. Avec ce chant que nous connaissons si bien – chaleureux, d’une force discrète qui peut suggérer qu’il vient de quelqu’un qui est autant cynique que croyant – la démarche la plus facile des arrangements – tranchante, Un album de Pete Astor, sans aucun doute, mais dont la qualité païenne est toujours aussi évidente, Astor portant sur sa pochette son cœur généreux et empathique.

Nulle part ailleurs, la distillation n’est aussi rigoureuse que sur le tout premier morceau de You Made Me, une version légèrement tapageuse et bourdonnante de « Dancing With Myself ». D’une subtilité étonnante, avec des coups de caisse claire et une ligne de basse qui perfectionne le concept d’implacabilité, la version souligne non seulement la chaleur de la vulnérabilité de la chanson, mais sert aussi à mettre en valeur l’axe subtil/ecstatique qui est au cœur de l’œuvre d’Astor depuis sa première apparition dans Up the Hill and Down the Slope en 1985. Ensuite, les choses deviennent vraiment intéressantes alors que le disque oscille entre pilier et poste stylistique, touchant des bases suffisamment variées pour assurer une prise de conscience de cet artiste au goût richement éclectique qui ne peut choquer absolument personne.

La « Black Star » de Presley, la pop de Morricone des Midlands, cède la vedette (après un nouveau titre inédit intitulé « Chained to an Idiot » – laissez à Pete le soin de reprendre un des siens qui n’est jamais sorti auparavant et de le faire de manière très discrète) à « Manhattan » de Cat Power, avec une touche continentale qui, à son tour, donne les rênes à « Nitcomb » des Mescaleros, il ne peut s’empêcher de mettre à nu ce qu’un auteur-compositeur doué et naturaliste, Strummer, a été au-delà de l’éclat et de la renommée de London Calling. C’est en voyant dans la liste des titres que le « Vincent Black Lightning » » de Richard Thompson est devenu intime, ronronnant et vaguement pop, que l’on peut comprendre ce que ce genre d’album pouvait vraiment faire.

Oui, la raison première de leur existence est telle qu’elle a été énoncée – donner une forme et une ombre à la qualité autrement évasive qui définit le travail d’un artiste, et en tracer les contours elliptiques ; le contexte, en bref – mais derrière cette noble prétention, qu’elle soit destinée à être exposée ou non, se cache le fait bien plus primaire que l’art de créer des chansons a en son cœur une universalité pulsante, un besoin et en fait une contrainte de faire sortir ce geste éphémère avant qu’il ne retombe dans l’éther du déjà formé. Ainsi, chaque chanson est malléable, sous réserve de la compréhension fondamentale et innée que tous les auteurs de chansons, où qu’ils soient, puisent dans le même réservoir, au risque de paraître trop banal.

D’où l’extrapolation qui revient plus ou moins à la déclaration trop simple « Ta chanson est ma chanson, ma chanson est la tienne ». Ici, sur You Made Me, Astor a choisi une certaine sélection de chansons – on imagine que le processus d’élimination est au moins légèrement atroce – qui reflète une suggestion de son propre élan et les projette dans son propre langage musical. Un album de ce genre semble dire « à prendre ou à laisser », mais c’est le plus proche que l’on peut faire pour nous expliquer pourquoi il fait ce qu’il fait . Cela dit, YMM, en même temps qu’elle traverse des territoires aussi divers que ceux occupés par John Martyn, Silver Jews et The Remplaçants, reconnaît et ennoblit l’esprit pur qui se cache derrière ces efforts (« Solid Air », « Suffering Jukebox » et « Can’t Hardly Wait » respectivement) et déclare avec une modestie à la fois impertinente et respectueuse « Je vois votre génie et je vous remercie ».

***1/2

Tenside: « Glamour & Gloom »

De retour après un Convergence qui a été signe d’un second souffle impressionnant, le quatuor de métalcore Tenside a doublé la formule gagnante pour le huitième L. P., un Glamour & Gloom au titre on ne peut plus ambivalent et paradoxal.

Des mélodies en duel marquent le début du disque, le morceau-titre plongeant dans des riffs endiablés et des accords en demi-pas suivant cette même mesure. Bien que « Glamour & Gloom » »s’en tienne à la formule standard du metalcore, les changements de couplets et le solide refrain élèvent le morceau à une ouverture forte.

Le groove rebondissant de « As Above So Below », légèrement décalé, sous-tend les pistes inquiétantes de Michael Klingenberg, tandis que Daniel Kuhlemann pharse les textes d’une voix grondante et dominante. Avec un rythme trépignant et un break teinté de boue, il insuffle suffisamment de rebondissements pour s’écarter des sommets éprouvés du genre.

Si le début du disque ne s’éloigne pas trop de ce plan, on peut apprécier le perfectionnisme qui a présidé à la réalisation des morceaux. Du refrain irrésistible et prêt à l’emploi de « Along With The Gods » au swing et à la fougue de « Cannibal » », le quatuor met en avant ses points forts, avec l’inclusion de la solide accroche vocale de Kuhlemann dans le dernier titre, élément qui s’avère être un point fort.

Avec une présence obsédante dans « The Devil Within », Tenside se glisse entre la fragilité du style shoegaze et les riffs mugis et tirés des règles inaliénables du death metal avec aisance. En s’immiscant dans cette nouvelle voie, la compsotion crée un point de pivot pour le quatuor, s’il choisit daller un peu plus loin par la suite, évolution qu’on ne peut exclure.

En attendant, Glamour & Gloom se contente de livrer des riffs qui font claquer les os et les crânes, ce qui est évident sur « Only The Brave », créant ainsi un refrain hurlant tandis que « Overcome » va sauter tête la première dans des grooves à double détente et des chants qui déchirent la gorge.

Bien que le disque se concentre principalement sur les refrains et un projet qu’on sent prêt pour le stade, on pourra trouver quelques moments comme « The Last Anthem » qui s’inspire de death ‘n’ roll et « All Black Everything » qui utilise plus d’espace que d’habitude pour créer une conclusion dynamique et riche et où Tenside délivre simultanément puissance et retenue.

S’il y a des passages plus faibles, Glamour & Gloom offre un parcours rafraîchissant au travers la cette deuxième vague de metalcore tout en prouvant qu’il peut encore être peaufiné. Avec un son raffiné et poli, Tenside a sorti son meilleur album à ce jour.

***1/2