Spirit Fest: « Mirage, Mirage »

Heureusement pour nous, le collectif Spirit Fest semble être devenu le principal débouché de Saya et Takashi Ueno des Tenniscoats et de Markus Acher de The Notwist. Rejoint par les membres de retour, Mat Fowler et Cico Beck, qui ont posé les bases de nombreux titres, le groupe présente son troisième long-play, Mirage Mirage. Enregistré entre 2018 et 2019 à Tokyo et Munich respectivement, l’album est étrangement prédictif de l’époque actuelle. Si ce n’est pas dans des événements spécifiques, alors certainement dans la spécificité du sentiment. Avec des membres qui s’étendent sur plusieurs continents, les chansons parlent davantage des points communs de l’humanité que de nos différences, tandis que des bribes de paroles superposées à des synthés ondulants et des ondes courtes statiques font paraître les distances physiques d’autant plus vastes. A la fois d’une beauté époustouflante et d’une tristesse encore jamais atteinte, Mirage Mirage sera probablement à jamais marié à l’époque de sa sortie.  

Si vous avez la nostalgie dans le corps, le premier épisode de « Yesteryears » la touchera de plein fouet. La chanson est un duo doucement chanté par Saya et Acher des jours passés, accompagné d’une simple mélodie acoustique qui est sous-tendue par des sons de cour de récréation et un ancien message granuleux de Code-A-Phone.  Les moments les plus brillants de l’album se retrouvent dans les morceaux les plus longs. Le « Zenbu Honto (Every Thing Is Everything) » d’Ueno, également chanté par Saya et Acher en japonais et en anglais, a une durée de 7 minutes, ce qui lui permet de s’épanouir pleinement.  La chanson s’envole doucement comme une machine à vapeur de l’ère industrielle et se contente de trouver le fil conducteur qui nous relie tous : « J’aimerais que ta chanson puisse regarder, voir et me trouver ». En longueur, seule la chanson folklorique « Saigo Song » remplace « Zenbu Honto » et constitue un départ agréable.

Avec 15 morceaux qui s’étendent sur une heure, il y a beaucoup d’autres moments forts sur le chemin du Mirage Mirage. Il est difficile de ne pas souligner le chant de Saya en tant que star du spectacle car son moment d’élévation sur »Honest Bee » est l’un des meilleurs de l’album.  Le moment le plus poignant, mais aussi le plus ludique, se trouve sur « Time to Pray » » Les légères percussions et l’archet de violoncelle qui rebondit sur les cordes soutiennent sa voix. La seule phrase en anglais de la chanson,  » »t’s the time to pray », est difficile à ne pas mettre en évidence ce moment global actuel.  

Les meilleures contributions d’Acher se trouvent sur le morceau à mi-titre « Mirage » et sur le morceau suivant « The Snow Falls on Everyone ». Avec plus de paroles en Anglais cette fois-ci, la voix non native d’Acher porte en elle une innocence sincère qui se marie bien avec la musique. « Mirage » parle de la permanence des départs tandis que « The Snow Falls on Everyone », comme « Zenbu Honto », évoque peut-être notre lutte collective. C’est sans doute le meilleur morceau de tous les morceaux ici. La neige du titre nous frappe tous et les passages tristes de la chanson comportent des moments d’isolationnisme : « Il y aura des jours où je n’appellerai pas mes amis » (There’ll be days that I will not call friends).

Il n’était peut-être pas prévu que Mirage Mirage soit lié aux effets d’une pandémie mondiale, mais avec la distribution internationale du Spirit Fest et les sentiments des chansons, les points sont faciles à relier.  La forte dose de nostalgie et de compassion de l’album est filtrée par des nuages brumeux qui projettent les kilomètres qui nous séparent tous. Avec des frontières internationales fermées partout dans le monde et l’isolement qui en découle, Mirage Mirage aspire à la connectivité là où elle ne peut pas exister. La douceur de la musique apporte des images d’êtres chers séparés par des kilomètres qui semblent aussi énormes que le gouffre qui consiste à devoir communiquer avec des parents âgés à travers des vitres afin de les maintenir en bonne santé. La beauté et la tristesse de tout cela sont ici amoureusement mises au service de la permanence de l’œuvre enregistrée. Saya le dit le mieux sur le « closer, «Saigo Song «   : « subetewa subishi, subetewa itoshii » – ce qui se traduit par « tout est solitaire, tout est cher ». Il est difficile d’évaluer si les premiers signes de reprise commencent à se manifester, mais tant que ce n’est pas clair, Mirage Mirage offre, à cet égard, une bande-son opportune et intemporelle.

***1/2

Duster : « Duster »

Duster n’est pas le seul groupe à être ressuscité cets derniers temps. Les Garage-Punkers de Melbourne, Suppression Ring, sortent leur premier album depuis près de dix ans, l’effronté All In Good Time, qui vaut aussi la peine d’être écouté. Ce sont deux exemples récents de combos qui reviennent après une longue absence à la myriade de ceux qui ont continué à les écouter pendant les années où ils étaient absents. Ces retours offrent l’occasion de consolider un héritage, ou d’en créer un, parmi une nouvelle génération d’auditeurs, et Duster constitue une étude de cas particulièrement intéressante dans l’art de faire un grand retour.

Leurs deux albums – Stratosphere en 1998 et Contemporary Movement en 2000 – ont été largement oubliés peu après leur sortie, perdus dans la rareté du domaine physique à cause des problèmes des maisons de disques et de la dissolution du groupe peu après la sortie de leur deuxième opus. Le trio San Jose n’était pas le genre de groupe à s’enflammer et a vouloir laisser une empreinte géante derrière lui, comme My Bloody Valentine ou Slowdive. Ses trois membres – Clay Parton, Canaan Dove Amber et Jason Albertini – ont simplement tourné la page après leur séparation. Ils faisaient tranquillement de la musique, seuls et parfois ensemble, mais pour la plupart, ils avaientout simplement disparu.

Pendant les deux décennies qui ont suivi leur disparition, ils sont devenus les héros underground d’un certain sous-groupe de rockers, apparaissant comme un point de référence suffisamment constant pour être salués comme le groupe indie préféré de votre groupe préféré. C’est un curieux héritage à retrouver, qui a sans doute été aidé par la façon dont l’Internet a permis à des disques même longtemps épuisés de prospérer s’ils étaient défendus par les bonnes personnes. Répandre l’évangile de Duster a été aussi facile que d’envoyer un lien. Au début de l’année, leurs deux premiers albums (et toutes leurs raretés) ont été réédités dans un coffret complet. C’est la première fois que ces albums sont disponibles en bonne et due forme depuis leur sortie, et Duster a subi une réévaluation critique dont la plupart des groupes des années 90 ignorés ne pouvaient que rêver.

Duster mérite amplement cette prolongation de la durée de conservation, et il est logique que les groupes qui sont tombés sur eux veuillent les imiter. Ce sont des musiciens qui se préoccupent des sonorités de la guitare et des techniques d’enregistrement, et qui cherchent à tirer le meilleur parti possible des émotions intangibles que leur procurent les instruments qu’ils ont en main. Pour leurs spectacles de retrouvailles, ils ont fait la première partie d’artistes comme (Sandy) Alex G et Snail Mail, des musiciens à la tête d’une plus grande souche de musique moderne qui poussent la texture au premier plan, de Girlpool à Hovvdy en passant par Horse Jumper Of Love. Contrairement à une grosse part de rock indé actuel, la narration passe au second plan, avec des sentiments purs et des artifices audio subtils. La musique de Duster est très exigeante, elle fait mousser les geeks mais elle est tout aussi facile à comprendre pour l’auditeur moyen.

« Les tours et les coups de pied de Duster m’ont immédiatement ensorcelé », a écrit l’année dernière Harmony Tividad, de Girlpool, pour The Talkhouse. « C’était comme de l’eau, quelque chose qui coulait naturellement et qui vivait déjà dans une partie de ma conscience à laquelle je n’avais pas eu accès ». Le groupe lui-même a également du mal à décrire l’alchimie qui se produit lorsqu’ils se réunissent. « Nous avons toujours été connectés d’une manière vaudou bizarre », a déclaré Clay Parton à Vice l’année dernière. « Même quand nous avons passé des mois sans nous parler, nous pouvons toujours nous reprendre. La connexion dans Duster est instinctive, le genre de facilité qui ne vient que lorsque l’on s’abandonne au plaisir et à la douleur de la création. »

Bien qu’il se soit écoulé 20 ans entre deux albums, Duster n’a pas trop changé. Comme leurs deux premiers, ils ont enregistré leur troisième album, Duster, à la maison – dans le garage de Parton cette fois. Ils enregistrent toujours directement sur cassette ; la qualité de la production s’est un peu améliorée, en grande partie parce que la technologie a permis à la musique de mieux sonner pour moins cher, mais il n’y a pas de modifications drastiques à leur son déjà établi. « Peu de choses ont changé, sauf que nous devons maintenant acheter des cassettes sur eBay au lieu de les voler au drugstore », a plaisanté M. Parton lors d’une interview. Duster reprend en gros là où le trio s’est arrêté – ils sont peut-être un peu moins obscurs, un peu plus sûrs d’eux, mais la plupart du temps ils sonnent comme le même groupe dans lequel tant de gens ont trouvé leur inspiration.

Leurs chansons sont toujours aussi luxuriantes dans l’espace ouvert qui leur est offert ; l’enregistrement chez eux allège certainement la pression de faire les choses rapidement. Le Duster est lourd et boueux, et tout sentiment d’urgence est sporadique. C’est un vrai bain de foule et, comme leur musique précédente, les chansons de Duster sont inspirées par les pérégrinations célestes, le sentiment de regarder les étoiles et de réaliser à quel point on est insignifiant. Ce genre d’immensité peut être à la fois un piège et une libération – il est facile de se diriger vers Duster, de laisser tout cela vous submerger par les vagues, mais il est tout aussi facile de se perdre dans les sentiers de son propre esprit, de devenir anxieux à la pensée de tout cet espace que l’on ne peut pas complètement maîtriser. Il y a beaucoup de points communs avec le post-rock dans ce sens, comment Duster vous permet de projeter tout ce dont vous avez besoin sur leurs grondements cosmiques.

Leur patchwork d’idées est plus varié que jamais. La stratosphère et le mouvement contemporain sont tous deux si attrayants parce qu’ils laissent entrevoir les nombreuses voies différentes que Duster pourrait emprunter dans le même cadre léthargique et sifflant. Il y a d’autres moments de possibilités extrêmes ici : « Damaged » se lance dans une explosion militariste ensoleillée ; « Hoya Paranoia » est doux et simple, des échos sur des échos se répandant dans une brume amniotique. « Ghost World » est la version du groupe d’un ripper grunge, qui s’enivre et se délecte. Les premiers « singles » de l’album, « Copernicus Crater » et  » »etting Go », sont tous deux étonnants en eux-mêmes, et illustrent parfaitement à quel point le son du groupe est magnifique lorsqu’il s’enferme dans un groove précis.

Les textes de Duster sont souvent incompréhensibles, comme des émissions de radio diffusées depuis une planète lointaine. Les quelques phrases qui ressortent soulignent les mêmes sentiments de désorientation et de perte que ceux que l’on retrouve à travers les instruments. Les voix de Parton et d’Amber se mêlent sous la surface, remontant à l’air dans des halètements gazeux. « La guerre d’été est maintenant sur nous », chantent elles sur le langoureux « Summer War » apocalyptique. « Nous devrons prendre nos affaires et partir/ La fin arrive pour nous ramener à la maison, et tout sera raccord » (We’ll have to take our things and go/ End is coming to take us home, alright) ; Ils reviennent sans cesse à l’idée de chercher quelque chose qui pourrait ne pas être là du tout, un sens plus grand qui semble inaccessible.

Pour tous ceux qui ont adopté Duster comme cause favorite au cours des deux décennies qui se sont écoulées depuis la sortie de leur dernier album, Duster doit être considéré comme un miracle. J’admets que je suis venu à eux tardivement, il y a seulement quelques années, lorsque, comme beaucoup d’autres personnes, j’ai remarqué que leur nom apparaissait de plus en plus parmi les artistes que j’aime, mais il est facile d’apprécier la musique de Duster, peu importe quand on y vient. Il y a juste quelque chose de tellement facile, comme de se laisser glisser dans l’inconnu. Pour un groupe qui est resté si longtemps une énigme, revenir avec un album aussi épanouissant est un exploit impressionnant. L’héritage de Duster va certainement se poursuivre dans le futur, au-delà même du petit cercle qu’ils se sont déjà constitué.

***1/2

Bruce Brubaker & Max Cooper: « Glassforms »

Deux leaders issus de mondes musicaux très différents, le pianiste novateur Bruce Brubaker et le scientifique et artiste électronicien Max Cooper, collaborent pour créer cette dernière expression musicale de Philip Glass et raconter une histoire de diversité et de vulnérabilité. Commandée par la Philharmonie de Paris et présentée à cette occasion en 2019, Glassforms fusionne le piano à queue acoustique de concert avec des synthés et des techniques de production électronique de pointe pour créer un album captivant et une expérience live dynamique. Plutôt que de se contenter de retravailler ou d’enrichir par des moyens traditionnels, Max Cooper et Bruce Brubaker recomposent fondamentalement Glassforms d’une manière qui n’est pas possible avec les outils de composition humains. Max a mis au point un nouveau système d’expression musicale par codage avec le développeur de logiciels Alexander Randon, créant un outil permettant de prendre des données en direct du piano et de les transformer en formes nouvelles mais intimement liées qui pilotent ses synthés sur scène.

Le résultat est que chacune des plages de Glassforms devient son propre « instrument » électronique, un instrument dont Bruce joue en plus et simultanément avec la pièce originale. Alors que Brubaker joue du piano et contrôle les synthés avec son jeu, Cooper module et augmente, ajoutant parfois ses propres mélodies pour former des variantes hybrides. Un disque d’une finesse et d’une maîtrise absolue.

***1/2

Lovely Wife: « Best in Show »

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

****

Goldray: « Feel The Change »

L’album Rising de Goldray, sorti en 2017, a été une formidable fête de la psychologie. Preuve que la foudre peut frapper deux fois, Kenwyn House et Leah Rasmussen sont de retour avec un formidable deuxième album dans Feel The Change.

Feel The Change rassemble huit nouvelles chansons écrites par House et Rasmussen et coproduites par Pedro Ferreira (The Darkness, Therapy ?, Enter Shikari, Meatloaf, David Gray) aux studios Spineroad de Göteborg. Progression ? Eh bien, on nous promet une progression plus lourde tout en restant en contact avec leurs racines psychiques.

Il est difficile d’argumenter alors que les mitraillettes d’Oz sont bien plus longues que sept minutes, la guitare House alternant entre riffs trapus et solos de forme libre alors que Rasmussen tient le tribunal pendant sept minutes qui pulsent et hypnotisent. Tous deux sont probablement parés de velours et de brillants vêtements pour ajouter l’élément visuel essentiel à la musique. Il y a un sentiment inhabituel que vous pourriez rencontrer How Soon Is Now avec la pulsation, mais pas pour longtemps. C’est une introduction aussi puissante que vous le souhaiteriez et un autre bel exemple d’introduction à une nouvelle série de chansons avec une démonstration de force. Sept minutes qui valent à elles seules le prix d’entrée proverbial.

Pour ne pas faire une overdose de bonnes choses, la chanson titre offre un comedown car elle évoque un Fleetwood Mac de l’époque  Stevie Nicks, particulièrement au niveau du refrain. Cela dit, il est peu probable que vous entendiez le Mac changer de vitesse dans la coda hard rock qui est présentée ici… « Tenez la lumière et sentez-vous vivant à l’intérieur. »

« Why The Forest » est divisé en deux parties, avec la soul bluesy, presque gospel, dans la première partie. Ont-ils avalé des Blue(s) Pills ? Il se transforme en un riff classique de style Zep/Sabbath qui frappe avec force dans la deuxième partie, ainsi qu’en un solo House inspirant qui se détache et qui colle deux doigts à ceux qui essaient de jouer la carte de la « branlette à la guitare ». C’est une musique brillante qui nous berce inévitablement avec une facilité et une douceur inattendues.

Avec un peu de chance, vous écoutez sur un disque vinyle car le fait de se lever et de retourner le plateau donne un bref répit à un côté étonnant. Et ce n’est pas tout, car le duo mélange encore une fois des arrangements expérimentaux psychologiques et prog. Oui, ils s’inspirent peut-être énormément de la fin des années 60 et du début des années 70, mais nous sommes en 202 et il est très agréable d’entendre la flamboyance de Goldray au centre d’une scène psycho rock vibrante.

D’autres de la même trempe ? Pouvez-vous prendre encore une seule pastille de menthe ? How Do You Know pourrait bien nettoyer la palette pour les pulsations de The Beat Inside alors que House met en place un riff insistant qui ne fait que serpenter et groover. L’apparition d’une guitare acoustique sur Come On nous entraîne dans une éloquence rêveuse sans aucun relâchement de l’intensité. Juste une touche plus légère.

Il n’y a pas un seul morceau de duff sur Feel The Change. Pas un seul instant de perdu. Vous avez déjà pensé qu’ils avaient arrêté de faire de la musique comme ça ? Il est temps de le réaliser. Feel The Change est un chef d’oeuvre de blues-rock psychédélique.

***1/2

Dutty Moonshine: « Big Band City Of Sin »

Parfois, il faut enlever le chapeau de critique et jouer quelque chose de fort. C’est comme ça. Les Dutty Moonshine Big Band sont grands, stupides et agréables. Ils sont apparemment électro-swing, un genre qui garantit un travail en Europe et un statut de culte mineur au Royaume-Uni, mais ils le cachent bien, et peuvent même amener de nouveaux fans dans le genre.

L’électro-swing, c’est comme ça : un son de big band sur un kit électronique, mais les Dutty Moonshine sont plus proches de la danse dans une de ses phases les plus flamboyantes, avec beaucoup de synthétiseur de basse colossal et lourd. Colossal ne lui rend pas vraiment justice, c’est comme dire qu’un tank Chieftan est un fourgon blindé.

Le Big Band Fam ouvre les débats avec un solide rythme de danse à quatre au bar, puis un synthétiseur basse, une caisse claire en marche et des paroles répétées. Le swing est bien présent, mais le synthétiseur et la crasse sont au premier plan. C’est un peu exagéré et idiot, mais amusant. « Vous vous souviendrez de nous maintenant» est à peu près aussi analytique que les paroles.

« Click Clack Boom » est le suivant et c’est Rob da Bank sur la radio à 5 heures du matin, un disque d’ouverture destiné aux clubbers qui viennent d’arriver et aux lève-tôt qui se réveillent : un peu soul tout en prouvant que l’attente de la baisse n’a pas tout à fait eu son temps.

« City Of Sin « apporte un peu de rap rapide avant les Outlaws, la première fois qu’un son électro-swing clair apparaît, bientôt enterré sous les voix, le synthé et les cuivres. C’est assez malin, le swing a sa place quelque part dans le genre européen tout en étant assez club pour l’Angleterre ; il y a aussi des relents de danse chorégraphiée de disco de mariage.

« Fever » est la suivante, et elle est clairement électro-swing, avec des cuivres jazz et un travail acoustique habile. D’autres chants rapides comme l’éclair permettront probablement aux auditeurs britanniques de se mettre au diapason. Le synthétiseur bassy a disparu, et il y a aussi un chant approprié (ils sont huit et comportent des cuivres, des touches, une batterie, du matériel numérique et des chanteurs).

« Tommy And Loretta « est une chanson douce, un poème / une histoire parlée, presque du type de celle que Dan le Sac / Scroobius Pip pourrait créer. C’est l’histoire habituelle d’un garçon qui rencontre une fille, le garçon change de vie pour devenir une fille, ils tombent amoureux, sa famille devient jalouse et la descend comme un chien, elle le descend. C’est plus drôle que ça en a l’air, et le refrain est énorme, un peu épique.

« Fall From Grace » commence par un électro-swing et un saxophone baryton, qui se transforment en un classique de la danse d’Ibiza. Le contrôle de qualité est également élevé : le huitième morceau, « The Arrest », est l’un des meilleurs de l’album.

Un album amusant, pour faire la fête ou même simplement pour vous remonter le moral après un blues d’enfer ; à jouer fort, donc…

***1/2

Yaldabaoth: « That Which Whets The Saccharine Palate »

Tirant leur nom d’un démiurge primitif, un pseudo-dieu créateur qui vit dans le feu et le chaos, il n’est pas surprenant que le premier album de la troupe d’avant-death d’Alaska Yaldabaoth soit une affaire sauvage et déroutante. Même dans sa forme la plus brutale, il n’entre jamais directement en scène – il oscille et tisse, les riffs se fracturent et se transforment pour offrir un maximum de carnage avec un minimum d’agitation – et il fait vivre une expérience souvent inconfortable mais qui mérite d’être écoutée à plusieurs reprises.

« Fecund Godhead Deconstruction » est un choix audacieux pour un morceau d’ouverture, son intro serpentine étant l’un des moments les plus subtils de l’album. Il est impossible de faire des comparaisons avec Shining et Bergraven, mais son effondrement dans la fureur est soudain et infailliblement précis, les voix oscillant entre des grognements graves de mort animale et des cris noirs plus aigus teintés de métal ; il met en branle une danse malaisée de rage primitive et de satire caustique qui se tisse sur l’ensemble du disque.

D’une durée de près de dix minutes, « Megas Archon 365 » est le morceau le plus long de l’album (bien que de peu) et il se joue comme une suite malicieuse et raffinée. Le riff d’ouverture n’est qu’un ouragan de trémolo qui n’a pas beaucoup de sens en soi, mais avec des mélodies plus propres et même un groove solide, ce va-et-vient chaotique recommence. Il n’a pas peur d’utiliser l’espace vide pour faire un impact et bien que les structures à l’œuvre soient progressives, déplaçant les poteaux de but presque sans cesse, la complexité semble mesurée et orchestrée. Ce vide est redoublé par « Gomorrhan Grave of the Sodomite » » une chanson que l’on pourrait presque qualifier de belle si ce n’était du fait qu’elle est tellement imprégnée de saleté. Elle met l’accent sur l’étrangeté plutôt que sur la brutalité et laisse également éclater un lyrisme des plus obscurs (« Skin cats as seen fit, each victim groomed to suit »), livré avec un sens de gravité quasi religieux ; on a l’impression que cela émane des couloirs de Bedlam, la folie étant profonde et teintée d’un mélange de regret et de fureur. Les moments les plus calmes de Yaldabaoth sont ceux où ils se sentent le plus dérangés, les parties les plus proches des limites extérieures effilochées de la réalité, et le fait qu’une si grande partie de l’album danse au bord de cette falaise est ce qui le rend excitant.

« To Neither Rot Nor Decay » et la chanson titre de l’album peuvent être considérés comme les deux moitiés d’un tout, mais pas seulement parce qu’ils font partie des morceaux les plus courts. L’une reflète l’autre et, alors que la première moitié du disque mettait l’accent sur le désordre et la dualité des chansons elles-mêmes, ces deux morceaux sont abordés de manière plus cohérente. La première met l’accent sur l’atmosphère, la tension bouillonnant toujours mais ne remontant jamais à la surface, mais « That Which Whets the Saccharine Palate » est un assaut contre le sens et la structure qui se joue comme une reprise de Laveyan sur Deathspell Omega. Vocalement et musicalement, c’est l’expérience la plus ouvertement technique qui soit et la force de l’œuvre de guitare seule est suffisamment prometteuse pour que les efforts futurs valent la peine qu’on y prête attention.

En guise de conclusion, « Mock Divine Fury » semble plus sommaire que le chant du cygne, offrant une multitude de riffs solides et des solos précis tout au long de ses huit minutes d’exécution, mais il est presque prudent par rapport à ce qui l’a précédé. Mais qui s’en plaint ? That Which Whets The Saccharine Palate est un album qui fonctionne parce qu’il est mauvais et qu’il sonne bien. Il est presque disgracieux, comme s’il ne tenait pas tout à fait dans sa propre peau, mais comme toute bonne monstruosité, c’est là sa beauté. Les chimères musicales comme celle-ci rendent le métal intéressant et si c’est ce que Yaldabaoth peut livrer à la sortie, qui sait ce que ces titans du Nord glacé ont encore en eux.

***1/

Country Westerns: « Country Westerns »

Le succès d’un groupe dépend des proportions. Les artistes construisent de la bonne musique en combinant ce qui a précédé de manière convaincante. Personne ne fait rien de nouveau, mais il faut savoir quelle part de chaque son un groupe emprunte, en plus de la superposition de diverses influences. En fin de compte, c’est ce qui frappe le plus dans le premier album éponyme de Country Westerns : un mélange parfaitement équilibré de pop, de grunge, de punk des années 70 et du bon tube country. C’est un album qui sonne bien et qui démontre l’importance d’un bon rapport musical.

Country Westerns est basé à Nashville, en passant par Brooklyn. Le chanteur-guitariste Joseph Plunket, anciennement de The Weight, s’est installé à Music City pour ouvrir un bar, et a fini par rencontrer le batteur/acteur Brian Kotzur de Silver Jews et du film expérimental Trash Humpers d’Harmony Korine. La bassiste Sabrina Rush a ensuite rejoint le groupe, faisant partir le trio en courant. La voix rauque de Plunket est pleine de caractère, ressemblant exactement à quelqu’un qui a quitté la musique pour ouvrir un bar et s’est retrouvé dans un groupe. Sa voix dynamise chaque morceau avec sa lassitude, presque comme si la musique se nourrissait de lui. C’est du pays dans l’énergie, sinon dans la technique. 

Et il semble que Plunket apporte beaucoup de nourriture à la musique, car elle est pleine et agressive, mais aussi décontractée, d’une manière typiquement country. Les premières fois que j’ai écouté le mélange de punk et de pop des Country Westerns, j’ai pensé aux Stiff Little Fingers d’Irlande, mais en retournant les écouter, je me suis rendu compte que si l’énergie et le mélodisme correspondaient, les Stiff Little Fingers étaient beaucoup plus durs et rapides. Mais les deux groupes ont en commun de construire des chansons magnifiquement fredonnées à partir du chaos des tambours qui s’entrechoquent, des lignes de basse élastiques et de beaucoup de distorsion.

Un morceau comme « I’m Not Ready » est en train de rouler, la section rythmique est bloquée au galop, la guitare de Plunket s’écrie avec de jolies mélodies tout en crachant de la distorsion. Le morceau est à petite échelle. Personne ne prend beaucoup de place, ce qui donne un son punk des années 70. La joie de la chanson est sa mélodie anthemique et le plaisir viscéral d’un groove qui ressemble à une voiture au point mort descendant une colline escarpée ; c’est le plaisir de l’élan.

« TV Ligh » recalibre le groupe davantage vers la country, Plunket criant pratiquement le refrain, la basse de Rush tirant la chanson, et un vacarme de chants de fond comme un stade de fans acclamant une équipe bien-aimée. Leur reprise de « Two Characters in Search of a Country Song » des Magnetic Fields est peut-être la chanson la plus country de l’album, qui fait de la parodie/homage des Magnetic Fields un véritable live country, à l’instar de Geppetto et Pinocchio.

Le rock & roll et la country se retrouvent souvent mélangés, mais il y a des degrés. Certains artistes sont surtout country avec quelques fleurons du rock & roll. D’autres sont du rock & roll avec une touche country. Country Westerns est capable de prendre l’esprit hors-la-loi de la country et de l’infuser dans le rock & roll influencé par le punk, ce qui donne un album qui ne sonne pas country, mais qui porte le genre dans son ADN. 

****

Bob Dylan: « Rough And Rowdy Ways »

A ce stade, il n’est vraiment pas facile d’expliquer la place unique que Bob Dylan s’est taillée au panthéon de la musique rock à ceux qui se sont mis hors de portée de son influence artistique. En 2016, lorsque Dylan a reçu le prix Nobel de littérature, huit ans après avoir reçu un prix Pulitzer en tant que citation spéciale pour son « impact profond sur la musique populaire et la culture américaine, marqué par des compositions lyriques d’une puissance poétique extraordinaire », ce fait est devenu plus qu’évident. Certes, il avait écrit suffisamment de tubes classiques de folk et de rock – « Blowin’ In the Wind », « The Times They Are a-Changing » et « Like a Rolling Stone » – et vendu suffisamment de disques pour remporter des prix dans toutes les catégories habituelles – Grammy’s, Golden Globes, Academy of Motion Pictures, et être intronisé dans divers Halls of Fame – Rock and Roll & Songwriter, mais un Pulitzer, un Nobel de littérature, se sont dits les cyniques !

Il n’y a tout simplement pas de réponse qui ait un sens pour quelqu’un qui n’a jamais usé les sillons du microsllon de l’époque sur Blonde On Blonde pour devoir acheter un nouvel exemplaire, ou qui s’est accroché à chaque mot chanté sur Blood on the Tracks, espérant des réponses au sens de la vie et de l’amour, ou qui a lutté avec les énigmes de Love and Theft, à la recherche d’un aperçu et d’un sens. Si vous n’avez pas déjà pris conscience et apprécié l’œuvre elle-même, il y a peu de choses à dire qui pourraient expliquer le lien majestueux entre le poète chantant avec cette voix, pas moins, et ses fans qui se penchent toujours vers l’avant lors de ses spectacles, espérant qu’il se mettra à jouer « Masters of War » ou » »My Back Pages », et laissez-lui livrer « Tangled Up in Blue » sans en déformer la mélodie ou en marmonner les mots en quelque chose de totalement méconnaissable. Après 35 albums de matériel original au cours des 50 années entre 1962 et 2012, qui contiennent des dizaines et des dizaines de chansons que ses fans ont pris à cœur, il est impossible d’imaginer un autre artiste qui a maintenu autant de mystère et d’influence pendant si longtemps, tout en donnant plus de 100 spectacles par an lors de sa désormais, longue de plusieurs décennies, de son « never ending tour ». Tout cela pour dire que si vous ne comprenez toujours pas, eh bien, rien de ce que vous entendez à ce stade ne changera cela ou ne changera rien du tout.

Tempest, sorti en 2012, a semblé à beaucoup comme le dernier album de Dylan, en raison de ses paroles plus sombres et du fait que les cinq disques sortis depuis, dont Triplicate, ont été tirés du Great American Songbook, souvent avec des versions remarquables chantées par de grands chanteurs comme Frank Sinatra et Ella Fitzgerald. Ainsi, lorsque Dylan a sorti le premier « single » de cet album fin mars 2020, la médiation de près de 17 minutes sur l’assassinat du président John F. Kennedy, « un jour qui vivra dans l’infamie » (a day that will live on in infamy), s’est combinée à une longue série de références culturelles qui décrivent les années 60 comme un moment définitif pour une génération. Sur un lit instrumental de piano, de cordes et de percussions, Dylan offre un courant de conscience qui saute de l’événement réel qui a bouleversé l’histoire américaine, une tragédie déterminante qui a marqué un tournant dans l’esprit de beaucoup de gens avec des références à Tommy des Who, une playlist de Wolfman Jack qui semble à la fois aléatoire et en quelque sorte intentionnelle en même temps. Dans une litanie colorée, le nom de Dylan laisse tomber des classiques tels que « St James Infirmary », et un coup de chapeau à Etta James et John Lee Hooker, The Eagles, des hymnes et des grands noms du jazz comme Oscar Peterson, Stan Getz, Thelonious Monk, et le « Blue Sky » de Dickey Betts, des Allman Brothers, puis des stars du cinéma muet comme Buster Keaton, des gangsters comme Pretty Boy Floyd, etc. Est-ce le blagueur Dylan qui développe son mythe en dressant une liste insignifiante de ses anciens favoris, sachant que ses disciples fanatiques s’accrocheront à chaque nuance, analyseront chaque référence, écouteront toute la playlist, pensant qu’elle porte en elle un sens profond et caché, ou est-ce qu’il marque un point avec tout cela ? Le titre est bien sûr tiré du Hamlet de Shakespeare, mais le reste, soit 16 minutes et 55 secondes, vient de l’esprit poétique ee celui qui est le poète officiel de la musique pop de ce qui constitue  notre monde.

Peu de temps après la sortie de ce lourd « single », une deuxième chanson est sortie à la mi-avril, « I Contain Multitudes », puis en mai, l’album complet a été annoncé avec une date de sortie en juin, un troisième single, « False Prophet ». Pris dans son ensemble, Rough and Rowdy Ways est une entreprise remarquable, quelque chose de frais et d’inattendu de la part d’un artiste dont la longue carrière a été un exercice de réinvention, brisant toute idée préconçue de ce que l’on attendait de lui. Après tout, c’est le chanteur folk qui a refusé de porter l’étendard de « voix d’une génération » ou de « militant politique », s’électrisant au point d’être qualifié de Judas !, réalisant plusieurs albums chrétiens dans la tradition du gospel alors que personne ne trouvait cela cool, puis se penchant sur le blues et élargissant encore une fois la tradition lyrique, insistant à chaque tournant de sa longue et riche carrière pour ne pas être limité par ce qui l’a précédé. À 79 ans et 39 albums, Bob Dylan est toujours en vie et le monde s’en porte mieux.

Certains ont suggéré que le but des deux derniers albums était d’utiliser l’écriture de compositions bien conçues d’une époque révolue, afin que Dylan puisse développer ses cordes vocales vieillissantes et usées pour en faire un instrument plus capable et plus expressif que le croassement de grenouille entendu lorsqu’il a chanté « Things Have Changed » en direct par satellite d’Australie aux Oscars en 2001, avant de remporter l’Oscar de la meilleure chanson originale. Mais plus que sa voix et son articulation plus assurée, ce qui constitue une amélioration notable, la caractéristique la plus frappante de ces 10 nouveaux morceaux est son lyrisme enjoué et sa fascination continue pour les rimes, ainsi que sa préoccupation curieuse, parfois inattendue, pour les œuvres et les artistes de la culture pop.

Musicalement, Dylan a tendance à s’appuyer sur les formules traditionnelles d’auteur-compositeur, rendues d’autant plus spéciales par la présence constante de son groupe habituel en tournée, s’appuyant principalement sur le jeu de guitare de Charlie Sexton. L’équipe actuelle comprend le batteur Matt Chamberlain, Tony Garnier à la basse, Donnie Herron à la steel guitar, au violon et à l’accordéon, Bob Britt à la deuxième guitare avec Alan Pasqua au piano, Heartbreaker Benmont Tench à l’orgue Hammond, Blake Mills à la guitare et à l’harmonium, plus Fiona Apple qui ajoute quelques chœurs. Alors que « Murder Most Foul » et « I Contain Multitudes » fournissent des bases musicales subtiles pour soutenir la mélodie et la poésie de Dylan, des morceaux comme « False Prophet » et « Goodbye Jimmy Reed » sont ancrés dans le blues traditionnel. Le groupe joue souvent avec retenue, leur présence étant minimisée car ces chansons sont conçues pour mettre en valeur le chant assuré et les commentaires poignants de Dylan.

Dans « I Contain Multitudes », Dylan reconnaît les diverses personnalités derrière lesquelles il se cache, empruntant le titre au poème de Walt Whitman, « Song of Myself », mais comme beaucoup de choses ici, il parvient à parler de lui-même, se comparant à d’autres personnes célèbres, qu’il emprunte à la poésie d’Edgar Allen Poe ou de William Blake, suggérant même « Je suis comme Anne Frank, comme Indiana Jones/et ces bad boys britanniques, les Rolling Stones » (I’m just like Anne Frank, like Indiana Jones/And them British bad boys, The Rolling Stones). C’est une tactique qui semble révéler tout en détournant toute révélation significative. Mais au fil des puzzles et des jeux de mots, elle tiendra les fans de Dylan occupés au moins jusqu’à ce que nous obtenions un vaccin contre le coronavirus. C’est peut-être la reconnaissance du fait que « je suis un homme de contradictions / je suis un homme d’humeurs diverses », ( I’m a man of contradictions/I’m a man of many moods) et la réalité pressante de sa propre mortalité, « je dors avec la vie et la mort dans le même lit » (I sleep with life and death in the same bed), qui se rapproche le plus de la vérité.

Dans le bluesy « False Prophet », Dylan n’est pas au-dessus des fanfaronnades d’un quelconque rappeur, « Je suis le premier parmi les égaux/Sans égal/Le dernier parmi les meilleurs/Vous pouvez enterrer le reste » (I’m first among equals/Second to none/The last of the best/You can bury the rest), tandis que dans « My Version of You », il joue comme s’il était capable de donner vie à quelqu’un de sa propre création, comme le créateur de Frankenstein. C’est là qu’il puise les qualités et les forces qui impressionnent : « Je vais prendre le Scarface Pacino et le Parrain de Brando/Mélanger le tout dans un tank et obtenir un commando de robots » (I’ll take the Scarface Pacino and the Godfather Brando/Mix it up in a tank and get a robot commando), mais plus tard, il s’en prend aux « ennemis les plus connus de l’humanité » (best known enemies of mankind), traquant en enfer « M. Freud avec ses rêves, M. Marx avec sa hache » (Mr. Freud with his dreams, Mr. Marx with his ax). « J’ai décidé de me Donner à Toi » (I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You),­ montre le protagoniste résolu à laisser derrière lui la solitude et le désespoir pour se consacrer à une relation, alors qu’il est encore hanté par la persistance pressante du « Black Rider ». Et ainsi va le poète qui lutte contre la mort et l’illusion dans l’espoir d’atteindre la clarté et la connexion, une chanson après l’autre. C’est le but du grand art, de la grande littérature, de chaque poète, et ici, Dylan révèle une fois de plus que peu, voire aucun, n’a sa place sur ce fil d’acier comme lui, car c’est là qu’il continue à nous montrer comment le faire au mieux. Ou peut-être qu’il nous trompe encore une fois, le philosophe pirate de « Key West », mais dans tous les cas, le voyage en vaut la peine. Dans « Mother of Muses », il reconnaît : « j’ai déjà largement survécu à ma vie » (I’ve already outlived my life by far) , mais on ne peut qu’être humble même si on suggérait que c’est une sorte de déclaration finale de ce barde singulier du rock & roll ; et, s’il s’avère que c’est le cas, il est difficile d’imaginer une déclaration plus forte et plus définitive.

****1/2

worriedaboutsatan: « Time Lapse »

worriedaboutsatan était un duo jusqu’à ce que Thomas Ragsdale le quitte l’année dernière et qu’il devienne le projet solo de Gavin Miller, membre fondateur. Ils ont toujours été prolifiques, mais Miller a sorti trois albums complets en moins d’un an, ce qui représente un rythme de travail impressionnant et très encourageant pour les fans de leur marque de techno intelligente et en pleine expansion mentale.

Time Lapse nous fait entrer en douceur dans le post-rock glacé de « Dawn », la musique s’ouvrant autour de l’auditeur de manière accueillante. Le morceau suivant, « Point of Departure », a une ambiance brumeuse habilement appliquée et une réverbération en écho à son son. Le motif central est un accord de guitare simple et répété, à moitié joué, à moitié gratté, entouré d’une ambiance tourbillonnante. Cela peut rappeler l’album éponyme de Bardspec de 2017, qui utilisait une technique similaire pour attirer l’auditeur. Un rythme minimal sous-tend l’ensemble, avec des notes de basse discrètes qui montent lentement et ajoutent de la gravité au morceau. A mi-chemin, une mélodie en transe s’installe, qui continue à s’intégrer dans l’espace créé par les textures ambiantes. Cela rappelle aussi fortement les débuts de Astralasia, avant que cela ne cède la place à quelque chose de plus sombre.

Titre de choix, « « A Lost History », nous ramène aux premiers temps deworriedaboutsatan n, en particulier le EP Shift, avec une pulsation qui se construit à partir du néant, suivie d’un rythme craquelé et d’une mélodie de synthétiseur profonde et floue qui devient hypnotique. C’est fabuleux et hypnotique, et j’aime les hauteurs (ou peut-être les longueurs, ou même les profondeurs) auxquelles une musique comme celle-ci peut m’emmener. Twin » emmène votre esprit en voyage, peut-être à travers la forêt dense sur la pochette du LP, et vous ramène sur terre avec la calme outro « Mingels ».

Le thème et le motif dominant de tous les morceaux de Time Lapse est un flux et un reflux, qui induit un sentiment de distraction comme toute bonne transe devrait le faire. Rien ne reste pareil longtemps, les mélodies se construisent, mutent et s’effacent dans l’obscurité. C’est un morceau soigneusement élaboré et très discret au début, mais qui se révèle étonnamment profond après quelques écoutes.. En comparaison, les précédentes sorties de worriedaboutsatan telles que « Revenant » et « Blank Tape » ont saisi l’auditeur par le revers avec leur intelligent dance music. Mais la direction que Miller a prise dans worriedaboutsatan est bien plus réfléchie, émotionnelle et cérébrale. Plutôt que d’offrir de grands rythmes, Time Lapse est très texturé, captivant, massivement mélodique et tranquillement en transe dans sa vibe. On peut dire sans risque de se tromper que worriedaboutsatan est en pleine forme, et toujours aussi tourné vers l’avenir.

***1/2