Sous le nom de Trappist Afterland, Adam G Cole s’est taillé un catalogue intransigeant et souvent excitant de folk spirituel acide qui tisse des signatures temporelles orientales, des drones éthérés et des voyages audio méditatifs, qui ont abouti à Seaside Ghost Tales en 2020. Le double album culmine dans une série de chansons qui semblent en désaccord avec ses performances live, et avec le plus grand des respects, on a l’impression que Cole a exorcisé toutes les possibilités sonores de son domaine trappiste avant de s’en débarrasser dans un acte de transcendance audio.
Les pistes dépouillées de l’Afterlander sont un antidote parfait à l’édition ultérieure du Trappist Afterland, se limitant à des instruments à cordes soigneusement sélectionnés et supprimant les nombreux instruments de percussion. Cela permet aux compositions d’Adam Cole d’avoir de l’espace pour respirer et, en effet, avec beaucoup de chansons revisitées, une chance d’apprécier leur brillance sans le bagage sonore supplémentaire qui a fait que ses sorties précédentes s’insèrent bien dans le paramètre folk acide.
The Tracks of the Afterlander montre également la subtilité du jeu de Cole et la façon dont il a trouvé sa voix en tant qu’instrument, avec des murmures et des chuchotements agréables qui s’intègrent parfaitement à son travail instrumental sûr. Une autre observation qui devient évidente est la façon dont Cole s’est concentré sur l’écriture de fils concis, avec la moitié des pistes qui font moins de 3 minutes. S’agit-il d’un exemple de Cole se lançant dans la pop baroque acoustique ?
Cela ne va en aucun cas polariser l’auditeur, car les morceaux les plus longs (notamment « Clay Sparrows » et « Man of Sorrow ») conservent leur brillance médiative et fonctionnent encore mieux comme des exercices de voix et de guitare avec seulement le plus subtil des soutiens, fourni par Anthony Cornish, collaborateur de longue date.
Cette régression naturelle donne naissance à un album qui plaira aux fans actuels tout en attirant l’attention d’un nouveau public grâce à un son accessible qui conserve les nuances qui ont fait des précédents albums de Trappist Afterland des expériences uniques. The Tracks of the Afterlander ressemble à la quintessence d’un moment de Janus, regardant à la fois vers l’avant et vers l’arrière, et évaluant la bifurcation naturelle de la route qui aboutit à deux voies musicales à explorer davantage en toute confiance. Un album accompli.
La Grande-Bretagne a toujours eu une histoire saine en ce qui concerne le rock indé, et on peut même dire que c’est le pays qui a inventé cette classification. Depuis quelques années environ, il semble que ce vaste domaine ait reçu une impulsion créative. Des groupes surgissent de différentes villes et produisent certains de leurs meilleurs morceaux, tout en remettant l’accent sur la sphère musicale.
Les Londoniens de Sports Team sont l’un des nombreux groupes qui font partie de ce renouveau naissant et leur nouvel album Gulp ! signale leur arrivée de manière éclatante. L’album, qui est sorti le 23 septembre sur Island et Bright Antenna Records, combine des paroles accrocheuses, des rythmes énergiques et une vigueur débridée pour créer des morceaux contagieux.
La caractéristique immédiate qui me saute aux yeux à l’écoute est le chant d’Alex Rice. Il a cette façon unique de crooner qui se situe entre la soul de la Motown et l’élégance de la pop orchestrale des années 50. Son registre contribue au dynamisme des chansons, tout comme les guitares de Rob Knaggs et Henry Young. Oli Dewdney à la basse et Al Greenwood à la batterie forment la base des arrangements, tandis que Ben Mack au clavier et aux percussions apporte la touche finale. Ensemble, ces musiciens créent des hymnes délirants et rauques qui résonnent de vibrations optimistes et libératrices.
« The Game » donnera le coup d’envoi de l’album avec des guitares foudroyantes, des paroles accrocheuses et des harmonies joyeuses. Si cela ne fait pas danser les gens, je ne sais pas ce qui le fera. Avec un ton plus sombre, « Cool It Kid » illustre la façon dont la voix de Rice peut porter une chanson, tandis que le reste du groupe se joint à elle à divers moments. Un autre morceau qui fera bouger le corps est « Fingers (Taken Off) », surtout lorsque les guitares entrent en jeu après que la batterie et la basse aient mené l’introduction. D’autres points forts de Gulp ! qui méritent une certaine attention sont « The Drop », « Unstuck » et « Kool Aid ».
Cet album est composé de musique qui peut faire en sorte que l’auditeur se sente vivant. Quiconque se branche et appuie sur play aura envie de couper un tapis ou au moins de bouger un peu la tête et de taper du pied. N’est-ce pas là que la musique est la meilleure, lorsqu’elle vous fait ressentir quelque chose de positif ? C’est ce que fait Sports Team et sa musique mérite d’être acclamée et louée. C’est pourquoi leur nouvel album est super bon et les gens devraient l’écouter.
Starmaker, le premier album d’Honey Harper en 2020, est l’un de ces rares albums qui semblent capables de révolutionner un genre. Sa fusion de country traditionnelle et de dream-pop envoûtante s’est avérée être le genre de mouvement tectonique qui pourrait modifier le paysage musical de la scène… si seulement il pouvait atteindre suffisamment d’oreilles. Malheureusement, comme c’est le cas pour la plupart des artistes les plus talentueux de l’industrie, Will Fussell et Alana Pagnutti n’ont pas réussi à se faire entendre. InfiniteSkyStarmaker est sorti le 6 mars 2020, et l’Organisation mondiale de la santé a déclaré la COVID-19 pandémie le 11 mars. En conséquence, Honey Harper n’a jamais pu partir en tournée avec ce lot de joyaux de rêve, et sur le plan promotionnel – malgré sa beauté indéniable et son invention intelligente – Starmaker a connu des ratés. C’est une histoire bien trop familière pour les artistes du monde entier qui ont atteint l’apogée de leur créativité au mauvais moment de l’histoire. Bien qu’un tel échec soit naturellement décourageant, Will et Alana ont choisi de garder les yeux fixés sur l’avenir, et en novembre de la même année, l’album qui allait devenir Honey Harper & The Infinite Sky était né.
Dans sa forme finale, l’album représente un changement notable par rapport à Starmaker. Il est comparativement dépouillé, libre et insouciant. Il y a un son de groupe complet car Fussell/Pagnutti ont été rejoints par le claviériste de Spoon Alex Fischel et John Carroll Kirby (Solange, Steve Lacy) en studio. En conséquence, le disque ressemble moins à sa propre galaxie isolée et éthérée qu’à un groupe jouant sous les étoiles. Il a toujours cette qualité spacieuse et chatoyante, mais ses bottes sont fermement plantées dans la terre. Si Starmaker était de la country cosmique de rêve, Infinite Sky ressemble davantage à un voyage dans l’Americana, chargé de groove et d’écran large.
La principale idiosyncrasie d’Honey Harper – cette voix soyeuse et toujours douce – est toujours le moteur de l’album, mais l’atmosphère environnante est plus organique que céleste : les pianos scintillent à la surface, les guitares électriques gémissent comme si elles sortaient tout droit d’une scène d’un vieux western, et la batterie a un son terrien et organique.
On pourrait en déduire que Honey Harper & The Infinite Sky est le fruit du travail de Fussell et Pagnutti, qui ont rattrapé le temps perdu sur la route, en créant quelque chose qui se traduirait bien sur scène tout en sonnant bien sur disque. Cette transformation esthétique est particulièrement évidente sur des titres tels que » Ain’t No Cowboys in Georgia » et » Broken Token « , qui confèrent à Infinite Sky ce sens très précoce de la country brute et non filtrée. Il y a encore beaucoup de ballades poignantes, qui se balancent doucement, comme la gracieuse « Lake Song » ou la touchante « The World Moves », enveloppée de piano, donc si vous êtes trop inquiets que Honey Harper ait perdu toutes ses qualités magiques, ne le soyez pas.
À l’instar de Starmaker, les meilleures caractéristiques de cet album sont celles qui ne sont pas immédiatement perceptibles. Il y a la flûte de pan subtile et enfouie dans « Reflections », la façon dont ce solo de guitare prend vraiment son envol et devient une accroche mémorable sur « Georgia », la façon dont la batterie passe à un tempo enjoué vers la fin de « Tired of Feeling Good », les touches et les cordes qui jouent à danser sous la surface de l’acoustique à couper le souffle de « Crystal Heart », les versets d’auto-réflexion d’une honnêteté brutale (« sometimes I’m so tired of making music / I just want to live »), les chœurs impeccables d’Alana qui lévitent au-dessus de chaque harmonie comme l’ange gardien du disque. … il se dévoile, dans toutes ses couches étonnantes, si vous le permettez. Si l’on compare cet album à son prédécesseur, il semble souvent un peu plus sale, nonchalant et honky tonk – et il est vrai qu’il n’est pas aussi constamment accrocheur – mais Honey Harper a prouvé une fois de plus qu’il était suffisamment complet et complexe en tant qu’auteur-compositeur pour transcender ce qui serait, pour tout autre artiste, des faiblesses inhérentes. En conséquence, Honey Harper & The Infinite Sky best un opus étincelant.
Les meilleurs artistes sont ceux qui se réinventent constamment, et c’est exactement ce que fait Honey Harper ici. Ils sont sans doute toujours à leur meilleur lorsqu’ils reviennent aux styles qui nous ont charmés et envoûtés sur Starmaker, mais il y a aussi des voies entièrement nouvelles pour le succès qui se déploient directement devant nos oreilles. Sur l’avant-dernier morceau « Heaven Knows I Won’t Be There », nous avons droit à un contraste magnifique entre la voix grave de Harper et un refrain de fond à couper le souffle. Alors que les styles contradictoires s’entremêlent et se gonflent d’une émotion croissante à chaque tournant, nous avons l’impression d’être transportés dans un endroit plus époustouflant et plus profond que ce que nous pouvons comprendre ou même voir. Honey Harper & The Infinite Sky est en phase avec ce moment ; il n’est peut-être pas en soi le classique instantané qu’était Starmaker, mais il est magnifiquement suspendu entre les mondes – en route vers le prochain moment parfait. En ce moment, l’avenir de ce groupe semble illimité, et The Infinite Sky est un titre on ne peut plus approprié.
« En ces jours de haine, je cherche la vérité. » Cette phrase résume parfaitement le troisième album de Show Me The Body, « Trouble The Water », un album finement adapté à l’esprit du temps, très tendu et marqué par l’anxiété. Le dernier album du trio new-yorkais rend hommage à sa ville natale, tant sur le plan sonore que narratif.
Dans le premier cas, il s’agit d’un assaut féroce de punk hardcore, de hip-hop et de bruit déconstruit, et dans le second, d’une célébration des riches sous-cultures de la Big Apple, et de la façon dont elles se combinent pour créer un style et un esprit uniques. Malgré les tendances new-yorkaises de l’album, beaucoup de ses thèmes sont universels, principalement la frustration, le désenchantement et un puissant dédain pour la bureaucratie sans visage. Si vous écrasez tout cela, vous obtenez une collection de chansons qui frémissent d’une violente fureur, mais ce n’est pas une fureur aveugle. Malgré cette rage ardente, Show Me The Body transmet un message de communauté et montre comment la force du nombre peut susciter le changement.
Si « in these days of hate/I search for truth » via « War Not Beef » caractérise le ton de « Trouble The Water », le grognement acerbe de « everything suppressed boils up » ( tout ce qui est réprimé remonte à la surface) du volcanique « Boils Up » s’enfonce profondément dans la colère de l’album. Il s’agit d’un appel aux armes explosif hurlé par Julian Cashwan Pratt (chanteur/banjo) et qui se trouve au cœur du disque. C’est ici que la tension mondiale palpable, littéralement, explose au son d’une distorsion hip-hop punk.
Si ce morceau est le plus viscéral de Show Me The Body, leur troisième album ne manque pas de violence gutturale. « Food From Plate » convulse avec une énergie de confrontation qui fait que Pratt aboie » they try to save their face/fuck that/we try to take it away » (ils essaient de sauver leur visage / merde à ça / nous essayons de l’enlever) comme un homme à la tête d’une unité déterminée à démasquer les escrocs du pouvoir. Le morceau d’ouverture « Loose Talk » dresse un constat sombre de la vie moderne, où des personnages malfaisants se cachent à la vue de tous : « sometimes I think of silence/sometimes I think of the words they speak/sometimes I think of the wolf in the carcass of the sheep « (parfois je pense au silence/parfois je pense aux mots qu’ils prononcent/parfois je pense au loup dans la carcasse du mouton). S’écartant brièvement de la mêlée apparemment perpétuelle de « Trouble The Water », la livraison dépouillée de « WW4 » permet à Pratt de faire le commentaire le plus accablant sur son pays d’origine « difficile de rester en vie en Amérique ». Le titre éponyme de l’album clôt l’album de façon menaçante par un hochet punk et rugueux. On peut entendre une légère lueur d’optimisme poindre dans le paysage sonore dense, alors que le leader du groupe grogne « it’s easy to tell hate from love ».
Lorsqu’il ne s’agit pas d’aborder les questions sociétales de front, Trouble The Water nous présente une figure assiégée, qui ploie sous le poids du monde. Un brouhaha de bruits électroniques et de tambours qui s’emballent alimente la personnalité désenchantée de Radiator, tandis que le leader du trio crache « give me a problem/give me a break/don’t know how to communicate/there’s nothing for me when I try to stay/there’s nothing for me here » (donnez-moi un problème / donnez-moi une pause / je ne sais pas comment communiquer / il n’y a rien pour moi quand j’essaie de rester / il n’y a rien pour moi ici). Les sous-entendus nauséeux de » Out Of Place » injectent un moment de calme dans le disque, alors que Pratt lance » I wasn’t meant for earth/escape the hurt/I reach for space « (Je n’étais pas fait pour la terre, j’ai fui la douleur, je suis parti pour l’espace.) avec un puissant sentiment de douleur et de vulnérabilité.
Trouble The Water est un disque intense, un disque de confrontation, de colère et de recherche de la vérité dans un monde plein de mensonges.
Absurdement prolifique et jamais à court de sujets à chanter, Luke Haines pourrait probablement écrire un opéra dans le temps que la plupart d’entre nous mettent à faire une liste de courses. Ancien leader des Auteurs et de Black Box Recorder, Haines a poursuivi une carrière solo qui lui a permis de mettre sa verve en avant et, avec l’aide de son ami Peter Buck, il nous a offert une nouvelle série d’envolées surréalistes sur All the Kids Are Super Bummed Out. Haines semble invariablement plus intéressé par l’ambiance et les jeux de mots délicats que par une ligne narrative claire, mais sur cet ensemble de chansons (17 titres en 68 minutes), il est obsédé par la collision entre la politique de la confrontation armée et les excès de la culture jeune de la génération précédente. « The Commies Are Coming », « The British Army on LSD » et « 45 Revolutions » offrent tous un niveau divertissant de paranoïa poétique enveloppée d’une part égale d’esprit surréaliste et d’une concentration cynique aiguisée. Avec cette dernière série de salves d’une longueur de deux albums, c’est une bonne chose que Haines ait Peter Buck à bord pour l’aider à écrire et produire la musique.
Comme sur la précédente collaboration entre Haines et Buck, Beat Poetry for Survivalists en 2020, l’ancien guitariste de R.E.M. a mis de côté son jangle caractéristique pour adopter un ton plus sombre qui convient mieux au fatalisme enthousiaste de la voix de Haines ; ses mélodies et ses arrangements s’accordent parfaitement aux paroles, et son utilisation créative d’un synthétiseur Moog démodé s’accorde parfaitement avec la nostalgie inversée des chansons. (Comme à son habitude, Buck a également fait appel à quelques amis talentueux pour l’aider dans ces sessions, notamment Scott McCaughey du Minus 5, Linda Pitmon du Baseball Project et Lenny Kaye, guitariste de longue date du Patti Smith Group). All The Kids Are Super Bummed Out fait l’erreur de concentrer les morceaux les plus excitants dans la première moitié de l’album, ce qui rend le dernier acte plus difficile qu’il ne devrait l’être, les angoisses verbales de Haines commençant à l’emporter sur son esprit. Mais aucun fan des précédents travaux de Haines ne risque d’être déçu par All the Kids Are Super Bummed Out, et il a la chance d’avoir trouvé en Peter Buck un collaborateur dont la musique est aussi forte, idiosyncrasique et pleine d’esprit que les textes qu’elle soutient.
Is It Going to Get Anyeper Than This ? est un titre approprié. Ce n’est pas surprenant, étant donné l’héritage de The Soft Pink Truth ; Drew Daniel, l’une des moitiés du groupe expérimental bien-aimé Matmos, est également professeur d’anglais, bien publié dans les angles et les créneaux de son domaine. Le schéma de dénomination de son travail, orienté vers les questions, peut sembler être un gadget, mais il y a quelque chose de plus pathologiquement honnête dans les titres qui sont ouverts et méditatifs de cette manière, refusant la spécificité abstraite de l’identité pour se rendre plus orienté vers le processus, même par le titre.
Cela se retrouve dans les méthodologies déployées ici. L’album n’est pas spécifiquement séquencé comme un morceau de musique continu, mais il pourrait tout aussi bien l’être, signe d’un esprit vif derrière les plus petits détails comme l’ordre de l’album. Je dois admettre que les premières fois que j’ai écouté ce disque, c’était avec un froncement de sourcils. Les morceaux avaient de multiples facettes, certes, ils étaient palpitants et évolutifs, mais il était difficile de saisir une impulsion, un élément motivant, le pourquoi du disque (à part l’évidence : « qu’y a-t-il d’autre ? »). Tout cela s’est dissous dans l’air dès que, duh, j’ai augmenté le volume. Parce que c’est ce qui différencie ce disque de Matmos. L’expérimental est préservé ici, fabriqué par la même main, mais le détournement se concentre davantage sur le maniement des multiples outils développés par Matmos vers quelque chose de plus naturellement humain. Ou, plus simplement : c’est un disque de danse, et on ne peut pas danser si cette merde est trop silencieuse.
Avec ce coup de fouet, il prend vie. L’album nage et vole, un murmure d’étourneaux, des bancs de poissons qui s’élancent comme des poignards faits d’éclats de miroir brisés qui tranchent dans la mer, des éclats de couleur et des fleurs éclatantes tricotées dans un lit. Il y a des implications de l’eau, de la végétation, comme une couverture d’album de Yes réglée sur un rythme lancinant de naissance perpétuelle à quatre sur le plancher. On ne saurait trop complimenter l’ingénierie du son et le mixage ; les couches s’enchaînent comme le papier bruissant d’un bureau, formant ces motifs ondulants où, par-dessus, des éléments de plomb percent le mixage comme une brique ou une lampe lancée à travers les feuilles. Il y a un sens de la profondeur et de la dimension des sons, une plénitude piquante si riche que vous pourriez presque les saisir, comme s’ils étaient physiquement là.
Cet élément intensément physique et imaginaire de la musique ne semble pas indélibéré ou masturbatoire. Ces choses sont motivées par un but précis ; comme une version relaxante de la pluralité des genres de Fire-Toolz ou de Mr. Bungle cherchant à créer un objet unique et continu plutôt que ces éclats juxtapositionnels, Daniel insère les coins de ces éléments sonores, qu’il s’agisse de voix, de cuivres, de synthés, de guitares, de rythmes ou de quoi que ce soit d’autre, les forçant à se soumettre à ce rythme continu en constante évolution. On peut vérifier des référents sonores allant de la house à la tropicália, du dub à la fusion, de l’afrobeat au rock progressif, du New Age au disco. Daniel pense clairement comme un DJ, même dans la composition ; chaque élément est introduit ou retiré afin de ne pas se servir lui-même, mais ce méta-objet en constante évolution, un DJ set parfait d’une heure composé de compositions originales.
Étant donné que cet album sort la même année que le récent album de Matmos, résolument outré et expérimental, qui réinterprète des compositions polonaises d’avant-garde dans un espace électronique, il est logique qu’il se tourne vers quelque chose d’aussi vivant et dansant. Le projet global de Matmos et de The Soft Pink Truth ressemble à une carte de l’univers transposée à la musique électronique, agnostique dans ses origines même si le produit final est habilement façonné pour revenir à deux styles de base. Il y a un élément d’équilibre, un peu comme lorsque, l’année du dernier LP de The Soft Pink Truth, nous avons reçu un coffret 3LP d’expérimentations de Matmos ainsi qu’un EP de reprises hardcore de Drew Daniel lui-même. Les pouvoirs de Daniel restent à ce même sommet impeccable, évoquant l’émerveillement et la beauté de la fouille de caisses dans des compositions originales qui, surtout dans le vide existentiel auquel fait allusion la question titre de ce disque, doivent être répondues par la dance.
Une simple écoute d’un interlude musical du dernier album de Martha pourrait bien vous transporter dans une salle de répétition en Pennsylvanie, où des groupes comme The Wonder Years et The Menzingers échangent des accroches pop punk et perfectionnent les refrains à bras levé. Ce n’est pas surprenant si l’on considère que, sur ce qui est maintenant leur quatrième album, Martha a renforcé son son et a adopté un nouveau poids dans ses riffs de guitare, ce qui est évident sur le premier extrait « Every Day The Hope Gets Harder ».
Cependant, malgré les influences américaines emo et pop punk qui rongent leur son, dès que l’un des membres du groupe ouvre la bouche pour chanter, il se place immédiatement dans le nord-est de l’Angleterre. Il y a quelque chose d’authentiquement britannique dans leurs inflexions qui devient d’autant plus évident avec le fond plus croustillant. C’est une juxtaposition qui fonctionne bien avec les thèmes de Please Don’t Take Me Back. L’espoir brutal du rêve américain mêlé à un côté britannique concret correspond parfaitement au voyage du groupe de l’espoir au désespoir et vice-versa.
Sur la chanson titre de l’album, il y a un rejet audacieux de la nostalgie. Alors que les histrions de la guitare cèdent la place au refrain vaincu de « The old days were bad », nous avons droit à un rappel rafraîchissant que nous ne pouvons pas toujours voir nos vies à ce jour à travers des lunettes teintées de rose. Il vaut mieux laisser certaines parties de notre passé derrière nous, et ,sur Please Don’t Take Me Back, Martha a toujours au moins un œil optimiste sur l’avenir.
Les quatre musiciens sont passés maîtres dans l’art d’émettre des sons rapides qui laissent une impression durable. Après tout, à quoi bon utiliser 100 mots quand cinq suffisent. Comme un expresso avant d’aller se coucher, leurs riffs rapides et leurs répliques étonnamment pertinentes qui vous passent par la tête pénètrent vos sens. La prémisse derrière le punk déchiqueté de « Baby, Does Your Heart Sink » ne pourrait pas être plus simple, mais dans les mains de ces vétérans du DIY, elle sonne comme un chef-d’œuvre post-moderne.
Dans un style typiquement britannique et stoïque, le groupe ne se laisse pas trop emporter, comme le montre clairement le dernier morceau de l’album, » You Can’t Have a Good Time All of the Time « , qui les voit répandre une couche de shoegaze sur leur pop indé. Et même si c’est vrai, passer 35 minutes en compagnie de ce disque me semble être un sacré bon moment pour que ces vétérans du DIY nous offrent des sensations fortes.
Si vous venez de découvrir Drugdealer, le groupe psychédélique d’influence folk centré sur le frontman aux multiples facettes Michael Collins, vous êtes pile à l’heure. Le groupe a fait ses débuts en 2016 avec son LP, The End of Comedy, une sortie de 11 titres où l’on voit Collins tenter de trouver un équilibre entre son large éventail d’influences et les fondre en quelque chose de tout nouveau. Le groupe a vraiment commencé à briller sur son album Raw Honey, sorti en 2019. On peut vraiment entendre l’alchimie entre les membres du groupe, tandis que l’écriture de Collins commence à s’épanouir et à devenir plus vulnérable et poétique. Ces deux albums sont liés par des guitares tordues et des arrangements influencés par le jazz qui servent de toile de fond aux paroles mélancoliques de Collins.
Sur leur dernier album, Hiding In Plain Sight, le groupe continue d’améliorer ce qui le définit et d’expérimenter de nouvelles tonalités et de nouveaux sons, troquant l’intimité de leurs deux premiers albums pour des grooves satinés qui s’apparentent à des disques de soul classiques, ce qui constitue le meilleur travail de Drugdealer à ce jour.
Si Collins n’a pas peur d’explorer de nouveaux sons pour le bien de la chanson, une chose qui est toujours cohérente dans son travail est la façon dont il donne le ton à ses disques. Qu’il s’agisse d’une ballade lente ou d’un morceau de country de style western, Drugdealer sait toujours exactement comment introduire un concept et exécuter ce son à son maximum. Une fois de plus, ils ont trouvé le bon ton avec l’incroyable morceau d’introduction de leur nouvel album, « Madison ». On découvre immédiatement une nouvelle facette de Collins, un conteur plein d’âme qui est influencé à parts égales par le pub rock des années 70 et la soul des années 60. Collins combine ces deux époques pour créer des textures uniques.
Bien qu’il s’agisse d’un pas dans une nouvelle ère pour Drugdealer, ils ne semblent pas pouvoir se détacher de leurs racines. Une chanson comme « Hard Dreaming Man » présente certaines des meilleures compositions de l’album, mais le groupe glisse à nouveau vers le son d’inspiration folk de leurs débuts en 2016, créant un sentiment d’incohérence. C’est une excellente chanson, mais elle ne s’intègre pas au reste de l’album, et cette belle combinaison d’influences de la première piste disparaît et le LP est freiné à cause de cela.
Les efforts de Drugdealer pour créer une musique plus soul sont évidents dans les arrangements, mais la performance vocale de Collins est la force motrice de ce nouveau son. Le groupe a toujours eu d’excellents arrangements sur ses albums, et celui-ci n’est pas différent. Bien qu’ils s’aventurent dans de nouveaux territoires et réussissent avec une instrumentation plus serrée, ce sont les voix qui emballent parfaitement ces nouvelles sonorités. Collins n’a jamais sonné aussi bien, il est capable de changer sa voix de manière inédite et son sens naturel du timing permet un changement de rythme choquant pour le frontman. « New Fascination » est un moment fort, pour cette raison, les accords de guitare bancals sont rencontrés avec des harmonies tout aussi élastiques de Collins, créant l’un des morceaux les plus expérimentaux de Hiding In Plain Sight. Le chant sur « New Fascination » est un changement bienvenu par rapport à leur son passé, au lieu de laisser l’instrumental faire le gros du travail, c’est la voix de Collins qui conduit ces chansons, et ajoute des éclats de texture et des couleurs vives à leurs arrangements déjà généreux.
Drugdealer ne construit pas de mondes avec sa musique, ils décomposent le monde qui les entoure et créent des morceaux de musique simples mais puissants avec ce qui reste. Avec Hiding In Plain Sight, Collins est à son meilleur niveau de confiance et de créativité, avec une production luxuriante et une écriture vague mais intrigante qui éclate de couleur et de personnalité. Si ses deux premiers albums étaient des flocons de neige, Hiding In Plain Sight est l’avalanche qui en résulte et qui dévore l’auditeur avec des solos séduisants et des chansons émouvantes, ce qui en fait un album qui vaut le détour.
Membre de la scène psychédélique de Los Angeles ayant joué dans des groupes comme Golden Daze et Drugdealer, Ben Schwab a eu l’idée de créer son propre projet, Sylvie, après avoir trouvé une boîte de cassettes de 1975 enregistrées par son père, John Schwab, et ses camarades. Sans imiter le groupe (Mad Anthony, qui n’a jamais signé), il s’est plongé dans l’ambiance et les textures de la scène réfléchie de Lauren Canyon et de la pop d’auteur-compositeur-interprète des années 70 pour les débuts nostalgiques de son projet. L’une des chansons figurant sur les cassettes était une reprise de « Sylvie » de Matthews Southern Comfort, et le jeune Schwab a pris l’habitude d’appeler les chansons découvertes « Sylvies » avant d’adopter ce surnom pour son projet et son premier album éponyme.
Dans la lignée de l’époque du Laurel Canyon ainsi que de sa scène contemporaine, on retrouve une approche collaborative des morceaux réalisés pour la plupart par Schwab et enregistrés dans son garage de Silver Lake. L’album a été mixé par Jarvis Taveniere de Woods. La chanteuse Marina Allen est invitée à chanter sur le morceau d’ouverture « Falls on Me », ce qui donne à l’album un caractère chaud et doux, sur une chanson qui parle de chagrin d’amour et de retour à la maison. Le titre fait également appel à des collaborateurs tels que le guitariste pedal steel Connor Gallagher, le batteur Sam Kauffman Skloff et le corniste JJ Kirkpatrick. Allen réapparaît plus tard, sur le morceau « Further Down the Road », tandis que Sam Burton prend la tête du groupe sur deux autres morceaux, dont le morceau « Sylvie », rêveur et imprégné de pedal steel. La septième piste, « 50/50 », est un instrumental langoureux, agrémenté de cordes, précédé d’un segment de conversation enregistrée entre les deux Schwab au sujet des cassettes. Au moment de la sortie de l’album, on ne savait pas si d’autres Sylvie suivraient, mais Schwab a rendu public son intention de publier les bandes de Mad Anthony.
Il faudra peut-être un lit d’hôpital pour que Robert Pollard, chef d’orchestre de Guided by Voices et source inépuisable de mélodies, cesse de sortir des albums. Pourtant, étant donné sa capacité surnaturelle à produire de l’or avec le matériel le plus minable dont il dispose, il est probable qu’il créerait un opus pop uniquement avec son bassin et un enregistreur quatre pistes. Depuis près de 40 ans qu’il fait de la musique avec le groupe et ses divers projets solo, il a sorti de la musique à un rythme si prolifique que son nom et le surnom GBV sont tous deux utilisés comme raccourci pour sortir de la musique rapidement. Il a déclaré dans des interviews que revenir sur certaines époques du groupe n’est pas nécessairement l’une des choses qu’il préfère faire. Mais avec la sortie de cette toute nouvelle collection de morceaux tirés de divers EP sortis au début des années 90, à l’époque de l’apogée du « classic lineup », intitulée Scalping the Guru, les fans peuvent se souvenir de la volonté inébranlable de Pollard de créer avant que le groupe n’atteigne son statut de grand groupe d’indie-rock de tous les temps.
En fin de compte, l’enregistrement d’un album peut être un piège à argent tout comme l’achat d’une maison à rénover. Apprendre et perfectionner ses propres chansons pour un public est une chose. Mais pour capturer la magie sur disque dans les premiers temps d’un groupe, il faut développer l’ingéniosité d’une bande de voleurs à l’étalage qui choisissent les barres de chocolat qu’ils peuvent cacher sous leur chemise sans que la sécurité ne le remarque. Au début du groupe, Pollard savait qu’il lui faudrait un village – ou au moins un prêt bancaire conséquent – pour diffuser sa musique dans le monde.
Alors qu’il avait lancé le projet au début des années 80 après la dissolution de son groupe de reprises de heavy metal Anacrusis, Guided by Voices avait sorti plusieurs albums qui n’avaient été entendus que par les copains de beuverie de Pollard autour de Dayton, dans l’Ohio. Mais avec une famille à charge et la pression croissante de ses parents pour qu’il abandonne ses rêves de Pete Townshend de la radio universitaire, Pollard se concentre sur son travail d’enseignant dans une école primaire publique. L’histoire raconte que le groupe n’ayant pas vraiment accroché avec la scène locale de Dayton, Pollard a contracté un prêt auprès de son syndicat d’enseignants pour financer l’enregistrement et le pressage de certains des classiques lo-fi du groupe, désormais vénérés. Véritable entreprise de bricolage, le groupe enregistre à un rythme quasi constant sur un magnétophone à quatre pistes, ce qui confère aux hymnes pop de Pollard, inspirés de la British Invasion, une distorsion reconnaissable et un charme amateur, à l’instar de leurs lointains pairs The Clean et Cleaners From Venus. Cette qualité déglinguée et artisanale de la production de Pollard and co. au début des années 90 – ainsi que leur ratio étonnamment élevé de bangers par sortie – est ce qui a fait d’eux une révélation profonde au milieu d’un groupe d’indie rockers de plus en plus prétentieux à mesure que les projecteurs se braquent sur la scène.
Même si des albums comme Propeller, Vampire on Titus et leur grand classique de 1994, Bee Thousand, étaient remplis d’hymnes imbibés de bière, il était évident que ces disques étaient produits par des guerriers du week-end. En fait, lors de la sortie de Bee Thousand, Pollard approchait de sa date d’expiration punk rock, à l’âge avancé de 37 ans. Entre ces deux longs métrages, le groupe a enfoncé le bouton du disque pour créer une série d’EPs. Pour Scalping the Guru, Pollard a sélectionné un best of à partir de quatre de ces albums de 1993 et 1994, très appréciés des fans et difficiles à trouver : Static Airplane Jive, Get Out of My Stations, Fast Japanese Spin Cycle et Clown Prince of the Menthol Trailer.
Comme Bee Thousand et Alien Lanes, le séquençage de Scalping the Guru est très éparpillé et kaléidoscopique, avec 20 chansons en un peu plus d’une demi-heure. Cette collection est un must pour les fans de longue date qui ont passé d’innombrables heures à essayer d’obtenir des copies originales de ces EP sur Discogs – inutile de dire que le diagramme de Venn des fans de GBV et des personnes qui ont ce site Web en signet est un grand cercle. Mais si la discographie sans cesse croissante du groupe peut en effrayer plus d’un – le groupe a sorti deux disques rien que cette année – cette collection peut s’asseoir à côté de n’importe lequel de ses disques de longue durée les plus vénérés. Le premier titre, « Matter Eater Lad », est une excellente introduction à l’univers de GBV, car on peut entendre les « F » et les « S » de Pollard frapper le microphone sans filtre pop dans les couplets, avant de se lancer dans une accroche garage-rock qui déchire.
À cette époque, Pollard pouvait écrire des hymnes exaltants pour les opprimés, capables de vous tirer du marasme à l’aide d’un lasso en câble de microphone. Dans « Smothered in Hugs » de Bee Thousand, il a déroulé une version impressionniste de « Thunder Road », demandant où lui et son copilote se rendraient en quittant la ville lors de leur « voyage aux fenêtres plus hautes ». Ici, il améliore cette chanson avec l’un des hymnes les plus libres du groupe, « My Impression Now ». Alors que les paroles de cette chanson power-pop brossent le portrait de quelqu’un qui s’étire trop avec « des amis qui ne semblent jamais être avec vous », son accroche rassure sur le fait qu’il est plus facile de se libérer de tout ça si on se laisse aller. « Stand on the edge of the ledge », chante Pollard, « Jump off ’cause nobody cares ». Aussi morbide que soit l’imagerie, le sentiment de se déconnecter ou de ne pas répondre au téléphone de temps en temps est plus intemporel que jamais.
Cette collection recèle des trésors lo-fi qui n’ont rien à envier aux meilleurs travaux de Pollard, comme « Big School », « Gelatin, Ice Cream, Plum » et le méditatif « Johnny Appleseed », qui est la seule sélection à comporter des chœurs de son ancien compagnon de groupe et partenaire de composition, Tobin Sprout. Tout comme les meilleurs titres du groupe de cette période, la collection contient sa part de chansons qui ressemblent à de brèves esquisses d’idées plus vastes, comme la joyeuse « Hey Aardvark », inspirée des Beatles, ou la chanson titre. Cela peut être déroutant pour ceux qui ne sont pas familiers avec la formule « the-hook-is-all-you-need » du groupe à cette époque, mais avec des écoutes répétées, ces détours servent de colle au cycle complet des chansons et s’avèrent essentiels à l’expérience.
Pollard et Guided by Voices entreront dans des studios plus grands après avoir signé sur des labels plus importants comme Matador et leur passage éventuel sur un label majeur avec leur passage éphémère sur TVT Records. Avec la formation actuelle, la fidélité de leurs disques les plus récents fait la différence entre le muscle high-fi de classiques comme Isolation Drills et l’odyssée pop assistée par bande magnétique d’Alien Lanes – qui aurait coûté 10 dollars à réaliser, sans compter toutes les caisses de bière qui ont été bues pendant son enregistrement. Ce que Scalping the Guru fait avec succès, c’est rappeler aux fans que même si tout ce que vous avez sous la main est une guitare acoustique usée qui traîne dans votre chambre, vous pouvez ouvrir votre application de mémos vocaux et faire un disque tout aussi vital que n’importe quel disque réalisé avec un budget de plusieurs milliards de dollars. Cette lignée peut être retracée jusqu’aux innombrables artistes lo-fi qui téléchargent leurs albums sur SoundCloud et Bandcamp chaque jour. Personne ne vous empêche de le faire vous-même.
Publié par rockdecibels 
No BS: Just Rock & Roll! 