Les années Brigid Dawson de Thee Oh Sees ont été parmi les plus belles que le groupe de longue date ait eu à offrir. Bien qu’elle soit toujours une collaboratrice fréquente (mais plus un membre principal), il faut mentionner que sa présence a toujours amélioré le groupe, en offrant des voix et des touches et une touche légèrement plus raffinée à l’étrange spectacle de punk garage toujours changeant (ceci est un compliment). Aujourd’hui, après toutes ces années, Dawson a sorti son premier album solo, Ballet of Apes, sous le grand nom de Brigid Dawson & The Mothers Network. Bien que l’intrigue ait fait de ce disque l’un de nos plus attendus, l’album est tout à fait brillant, un joyau intemporel d’un début qui s’améliore à chaque écoute.
Enregistré avec la contribution de Mike Donovan (Peacers, Sic Alps), Mikey Young (Eddy Current, Total Control) et Sunwatchers, il y a une vieille âme dans le Ballet des singes, mais un son qui refuse de rester immobile, canalisant un psychisme floral, un folk acide, une âme réverbérante et une ballade caustique. Chaque chanson évolue dans un espace et un temps qui lui sont propres, la voix magnifique de Dawson et son écriture contemplative étant le fil conducteur qui relie le tout. C’est l’un des meilleurs disques néo psychédéliques de l’année.
L’album éponyme du trio de jazz expérimental de Manchester GoGo Penguin les voit développer leur palette sonore déjà impressionnante. Il y a des enregistrements sur le terrain, des structures rythmiques complexes et des moments épars, souvent au sein d’un même morceau.
Comme un engin de William Heath Robinson, « Signal In The Noise » est un instrumental précis et inventif.
« F Maj Pixie » est flou et délicat, avec des lignes de piano tremblantes de Chris Illingworth, et la basse de Nick Blacka est poussée en avant et au centre, créant un groove irrésistible.
C’est ce « push and pull » qui garde l’auditeur sur ses gardes. Kora fait résonner une musique électronique qui devrait plaire aux fans de Gold Panda et de Four Tet.
Le premier single, « Atomised », avec la batterie de Rob Turner et un piano hypnotique, est plus minimaliste.
L’ensemblel est épique, ambitieux et pourtant spacieux par moments. Nous avons besoin d’une musique aussi belle et rassurante pour ces temps tristes et angoissants.
L’année dernière, Deerhoof a fêté ses 25 ans d’existence en tant que groupe. Pour l’occasion, le groupe a réédité ses premières sorties intégrales : l’émergent The Man, the King, the Girl, le décousu Holdypaws et le délibéré Halfbird. Au cours du dernier quart de siècle, la trajectoire du Deerhoof a connu des hauts et des bas mais a toujours été positive. Une inclinaison quasi constante de la richesse sonore et de la profondeur thématique sur près de 15 albums a permis au groupe d’être de plus en plus apprécié par les critiques, les fans et leurs pairs.
Dans ce qui peut être considéré comme une réponse à l’environnement géopolitique, économique et culturel actuel, Deerhoof est revenu au son maigre et brouillon dont il est issu. Sur le plan thématique, Future Teenage Cave Artists imagine un avenir pas si lointain dans lequel les épanchements collectifs de notre société sont considérés comme l’art des cavernes d’une civilisation primitive qui s’est depuis décimée. Bien que tout cela semble plutôt sombre, il y a une essence légèrement inachevée dansce nouvel opus, indiquant que peut-être la société n’a pas écrit sa propre condamnation à mort ; il y a encore de l’espoir.
L’album éclate avec la chanson titre, un morceau explosif qui rappelle les albums Reveille et Apple O des années 2000 du groupe. Les guitares se déforment et se tordent, la batterie est une salve de bombes, et des bouts de son bizarres se baladent alors que les voix de Satomi Matsuzaki et Greg Saunier dérivent en même temps qu’une qualité tremblante. Comme le disque a été enregistré avec un haut-parleur d’ordinateur portable, les sons sont étonnamment riches, même s’ils ne sont pas entièrement polis. Ce morceau prépare le terrain pour ce qui est à venir : une résurgence rauque de la mise au rebut naissante de Deerhoof.
Deerhoof imagine que notre monde s’effondre, et si nous n’y prenons pas garde, il pourrait bien s’effondrer. Si Future Teenage Cave Artists est le seul artefact culturel laissé derrière lui dans une apocalypse, les générations futures auront au moins une écriture intéressante à utiliser pour reconstruire.
Après avoir débuté comme groupe post-punk, XTR HUMAN s’étend un peu plus loin vers la Dreampop, la Cold Wave et la Shoegaze sur leur nouvel album Interior. Tous les ingrédients musicaux qui, en principe, vont bien ensemble, mais quand on les mélange, il faut faire attention à l’équilibre et à une certaine qualité. XTR HUMAN a acquis une certaine expérience au cours des huit dernières années et ne peut donc pas se permettre de faire des erreurs.
Retour aux années 80 donc, mais avec style. L’introduction « With A Smile », qui sort de la mise en page avec légèreté, illustre l’approche de base du groupe. Des guitares qui glissent dans le moelleux et une base sonore amplifiée par des synthés – dansables mais sombres – maintiennent le facteur pop aussi petit que nécessaire. Le chant stable de Johannes Stabel assure le niveau et ne nous rappelle pas rarement les grands. Il n’y a que dans le chatoyant « On Miracles » quelque peu lugubre, que l’on aurait souhaité plus de drame, dans le sens d’un Tom Smith des Editors. Mais la faction instrumentale donne tout à cet égard, ce qui donne aussi à cette chanson une certaine classe.
Au fond, vous pouvez attester que le choc des arcs mélodiques de la morosité, de la froideur et de l’espoir fonctionne très bien comme contraste. XTR HUMAN n’interprète la pop qu’avec son côté accrocheur et ne fait aucun compromis en termes de niveau. Même si les paroles semblent être réduites à l’essentiel, le corset musical soutient avec la profondeur nécessaire. L’utilisation un peu plus importante des synthés, qui donne à XTR HUMAN une touche de charme des années 80, est toujours faite de manière ciblée et jamais à bon marché (« Dream », « Hearst », « Giants »).
La beauté est morte en effet, et Interior de XTR HUMAN est extrèmement bien dentelé. La basse dominante dans « New Dawn », qui oblige les auditeurs à danser, et le chœur qui se déverse, qui se dirige ensuite avec véhémence vers un final. « Mask Of Faith », qui suit, utilise la même dynamique avec succès, les guitares se découplent complètement entre les deux et semblent s’aérer une fois. Et « Giants » réveille le souvenir du grand XTC, en raison de son concept alambiqué et de son imprévisibilité. XTR HUMAN n’a vraiment rien à voir avec le charabia gothique mené par UffzUffz, le ton mélancolique seul l’empêche.
XTR HUMAN s’oriente certainement sur des groupes connus et malheureusement majoritairement silencieux du mariage du son. Cependant, en raison de la nécessaire contribution personnelle, le groupe ne sonne pas comme un hommage bien fait, mais comme des musiciens qui ressentent réellement le son. Pour s’en tenir au titre de l’album, la maison est a essuya une entrée frauduleuse, mais le design intérieur, lui, est intime et singulier.
Les Australiens de Caligula’s Horse sont avant tout des « songwriters », et cela se voit immédiatement sur Rise Radiant. Les refrains massifs de « Slow Violence » et « Oceanrise » sont conçus pour une écoute pure et simple, au lieu d’une délibération cérébrale et effrayante. Caligula’s Horse veut que sa musique soit un lieu accessible à tous, et pas seulement aux fervents de la virtuosité instrumentale.
En fait, leur oreille pour les mélodies pop l’emporte souvent sur les aspects plus métalliques de Rise Radiant. Ce n’est pas vraiment un album de métal, mais il est plus proche de combos vosins chose comme leurs collègus éméricains The Contortionist, bien que moins sombres et plus délibérément anthemiques. « Salt » possède une lueur importante, une délicatesse technique mais tranchante qui est extrêmement engageante et « Resonate » est un morceau pop direct, sans guitare ni batterie, bien qu’il soit probablement trop limité pour obtenir un quelconque succès commercial.
Rien de tout cela ne signifie que le Caligula’s Horse ne peut pas se laisser aller quand il le veut. « Valkyrie » est un énorme morceau soutenu par un synthétiseur, et « Oceanrise » est tonalement similaire, tout comme l’ouverture « The Tempest ». Ces chansons glissent à travers leurs structures familières avec la même habileté de navigation précise qu’elles le font dans les moments plus uniques, comme les solos de fusion de « Oceanrise » et « The Tempest », ou l’élégant « Autumn », qui ressemble aux moments plus calmes de The Mars Volta.
Cependant, Rise Radiant n’est pas un succès total. Il y a des moments où le poids des influences du groupe frôle le pastiche, notamment avec les voix de Jim Grey et les apparitions de Maynard James Keenan. Les deux premiers morceaux de l’album contiennent des mélodies vocales si proches de celles de Keenan qu’ils perdent tout sens de l’individualité, ce qui est dommage, car la palette vocale de Grey est excellente et probablement plus variée que celle de Keenan, bien qu’elle ne soit évidemment pas aussi distinctive ou iconique.
L’album souffre également d’une surabondance d’idées. Ce n’est pas toujours un défaut à proprement parler, mais « Rise Radiant » ne compte que huit morceaux, mais à quarante-huit minutes, il semble certainement beaucoup plus long.
Le final, « The Ascent », est un exemple de ce problème. Sa structure qui fait tourner la tête n’est pas particulièrement élégante et ressemble souvent aux pires indulgences des prog-forebeurs comme Between The Buried And Me ou Dream Theater. Certaines parties de cet opus sont fascinantes, d’autres exaspérantes. Même les morceaux les plus courts et les plus directs comme « Oceanrise » contiennent un barrage de production maximaliste et des riffs délicats à croquer, et ils ne sont pas tous savoureux.
Cela dit, les ambitions de Caligula’s Horse sont admirables et leur approche de la musique rock complexe mais directe est louable. Ils sont encore en cours de développement ; beaucoup de raffinement sonore et textural est nécessaire, cependant, avec Rise Radiant, ils peignent un avenir intrigant, un avenir où le rock à l’esprit progressif peut potentiellement atteindre une sorte de succès plus large et général.
Peu de nouveaux artistes peuvent dire qu’ils ont fait des tournées et chanté en soutien d’un groupe de rock important à la fin de leur adolescence, mais Eve Owen n’est pas n’importe quel musicien en devenir. Owen a collaboré et prêté sa voix alto obsédante à des chansons de The National comme « Where Is Her Head », ce qui a donné lieu à un fil rouge faisant l’éloge de l’artiste et soulevant la question suivante : qui est Eve Owen et pourquoi n’a-t-elle pas de musique solo ? C’est alors que son disque cathartique Don’t Let The Ink Drya été lancé.
Ne se cachant plus en arrière-plan en tant que chanteuse invitée, le talent musical d’Owen est mis en lumière par des guitares acoustiques apaisantes et de douces ballades au piano. Ses paroles sont crues et introspectives, et sa musique joue sur la dichotomie entre la délicatesse et la puissance.
Explorant des thèmes comme l’anxiété, l’amour non partagé et l’aliénation, l’album d’Owen est un regard intime sur la vie de la jeune femme de 20 ans à travers une tapisserie d’émotions tissées dans des airs de folk électronique. Enregistré sur trois ans et produit par Aaron Dessner de The National, Don’t Let The Ink Dry est une ode à la jeunesse et à toutes ses complexités. Accompagné de rythmes énergiques et d’harmonies douces-amères, Owen s’impose comme un artiste solo.
En ouvrant avec « Tudor », Owen se présente formellement à travers des chants feutrés sur le sinistre morceau. La mélodie est saisissante du début à la fin – en commençant lentement par un léger pincement de guitare, Owen commence à chanter contre des percussions qui palpitent, apportant une énergie chaotique orchestrée dans la chanson. Sa voix est infligée avec douleur, et s’enfonce et se retire comme un jeu de cache-cache. Le rythme du morceau est stressant, le battement de la batterie ressemble à un battement de coeur régulier, se heurtant aux émotions en spirale d’Owen.
Le morceau de la maturité « Mother » dégage une énergie nouvelle. La chanson s’ouvre sur des rythmes électroniques vibrants, tandis que la guitare et les rythmes rapides du synthétiseur se glissent sous la mélodie. Des voix tendres complètent la chanson, tandis qu’Owen chante l’importance d’avoir une mère intérieure et de suivre son instinct. Il y a une certaine espièglerie dans le morceau, avec Owen qui se plaint à un moment donné, rappelant à l’auditeur que l’artiste sort tout juste de sa jeunesse, bien qu’elle ait une vieille âme.
L’album est un merveilleux patchwork de chansons, cousues pour créer une narration complète. Il y a un son sinistre et effrayant qui ressemble à l’intro de l’album dans « After The Love », un sombre récit de la fin d’une relation. Des couches de sifflements et de fredonnements graves se succèdent tout au long de la chanson, jouant sur la voix enfumée d’Owen, tourbillonnant ensemble en un morceau obsédant.
Don’t Let The Ink Dry est rempli d’affection et de morceaux émouvants, avec des ballades au piano comme « For Redemption » et « She Says » »qui ne manqueront pas de vous émouvoir. Dans le premier titre, , Owen montre ses talents de chanteuse, allant de la voix apaisante des momies au riche falsetto. Sa voix est émotive et captivante, le cœur brisé par son chant frémissant alors qu’elle implore encore et encore, « ne me raccompagne pas chez moi »contre le rythme de construction du piano. En revanche, « She Says », un numéro dédié à ses parents toujours là pourelle est tendre et rempli de chaleur et de compassion.
Il est difficile de ne pas comparer Mazzy Star à « So Still For You ». Les accords de guitare sont similaires à ceux de la chanson de Star portant un nom similaire, « Fade Into You », mais la voix d’Owen est plus fugace, car elle hurle et tremble, réfléchissant à l’impact durable que les mots peuvent avoir sur une relation.
Owen met en avant son registre tout au long du disque, prouvant qu’elle est vraiment à surveiller dans l’industrie. L’album a peut-être des racines dans la musique folk, mais cela ne veut pas dire qu’il manque de couleur ou de vivacité. Des voix envoûtantes prennent la tête de « Blue Moon », un morceau plus graveleux avec des éléments de rock classique, où elle introduit la guitare électrique, tandis que des chansons comme « Lover Not Today » montrent des gazouillis et des voix brillantes de la chanteuse.
Don’t Let The Ink Dry est complexe et riche en émotions, et éblouit à chaque chanson. Le talent d’Owen était évident lorsqu’elle a chanté aux côtés de The National, mais son travail en solo est vraiment merveilleux, car elle raconte des histoires captivantes à travers la musique électro-folk. Chaque chanson est une écoute bienvenue, avec quelque chose pour chaque humeur. L’auteur-compositeur-interprète a maîtrisé des ballades déchirantes comme « For Redemption », mais a prouvé qu’elle pouvait aussi créer des morceaux folk-pop forts comme « Mother » »
Eve Owen vient juste de commencer son voyage, mais il est clair qu’un avenir brillant l’attend, car son album mature et accompli prouve qu’elle est l’étoile montante de la musique indie.
« J’ai été nommé d’après toi. Oh, où est la force que je suis censée tirer de toi » (I was named after you. Oh, where’s the strength that I’m meant to get from you), chante Brigid Mae Power sur « I Was Named After You ». Dans une leçon d’empathie et de pouvoir de changement, l’auteure-compositrice-interprète de Galway nous apprend en trois courts vers que les grands obstacles émotionnels peuvent être renversés : « Et maintenant, je ne doute pas de la raison pour laquelle j’ai été nommé d’après toi, car c’est la vulnérabilité qui a finalement remédié à la situation. » (And now I’ve no doubt why I was named after you, cos it’s the vulnerability that did mend the situation in the end)
Head Above the Water est le troisième album semi-autobiographique de la chanteuse folk-country. Il a été enregistré à Glasgow et produit aux côtés du musicien folk écossais Alasdair Roberts et du mari de Power, Peter Broderick, ancien membre du groupe indie danois Efterklang. Power prend les détails intimes de sa vie – les petits moments qui changent tout – et leur donne une certaine grandeur. Son amant lui demande : « Lumières de la ville ou ciel de la campagne la nuit, que préfères-tu ? » (City lights or country skies at night, which do you prefer?) sur le morceau d’ouverture « On a City Night ». Une question si simple dans sa réponse que le couple décide où vivre ensemble en équipe – « La ville te va bien une nuit de ville » (The city suits you on a city night) – leur union cimentée.
D’un œil avisé, elle peut prendre les décisions – souvent difficiles à prendre – qui mènent à une vie plus saine. « I Had to Keep My Circle Small » est une histoire d’auto-préservation stoïque, et sa reprise de la chanson traditionnelle « The Blacksmith » montre les répercussions catastrophiques du mensonge. « Not Yours to Own » est rempli de conseils pour lutter pour votre place dans le monde et pour vous assurer que votre voix est entendue, qu’il s’agisse d’un murmure ou d’un cri.
Sur le plan des textes, elle fait preuve d’une incroyable prudence en examinant non seulement ses propres sentiments, mais aussi ceux des autres. Les chansons « We Weren’t Sure » et « You Have a Quiet Power » démontrent les vertus de la patience quand il s’agit de questions de coeur. Sa voix balayée par le vent ouvre toujours la voie dans des chansons qui ne sont jamais poussées au-delà d’un doux timbre de guitare ou d’un pinceau de bodhrán, ce qui signifie que le poids de ses paroles atterrit sans aucune confusion.
Comme le suggère le titre de l’album – et le morceau de clôture -, la vie est rarement facile pour quiconque, mais c’est la façon dont on affronte les difficultés qui compte. Même si elle se sent parfois dépassée, Power reste concentrée. Aucune décision n’est prise à la hâte et les conclusions sont tirées de manière organique. Délivrées en douceur, ce sont des leçons difficiles que nous devrions tous apprendre à temps.
Même si vous n’avez pas entendu parler de Daniel McCagh, il y a de fortes chances que vous ayez entendu son travail. En tant que concepteur sonore et compositeur, il a travaillé avec des marques telles que Volkswagen, Huawei et Acura – des noms qui « véhiculent » tous un sentiment de modernité rationnelle, mais aussi d’impitoyabilité corporative. Sur son premier disque, Altered States, McCagh déploie les compétences qu’il a acquises en travaillant dans de tels environnements professionnels et nous donne une déclaration artistique plus personnelle.
Il y a un contraste immédiat entre le piano et les pinces délicates du morceau d’ouverture « Twisting and Turning » et le motif lourd et déformé du coup de pied et de la caisse claire de « Leviathan Spine », le morceau suivant. Immédiatement, nous comprenons que l’accent de cet album va être mis sur le son, la façon dont il peut être conçu, la façon dont il peut remplir l’espace. Les violons se frôlent les uns les autres avec une fébrilité contenue. La caisse claire frappe sans relâche dans le fond. Plus tard, sur « Untitled », ces violoncelles, libérés de la base rythmique, vont essaimer et bourdonner comme des abeilles dans une salle de concert.
L’album est principalement composé de morceaux plus courts, la moitié d’entre eux étant inférieurs à quatre minutes, et plusieurs d’entre eux sont inférieurs à deux minutes. De la même manière. Les idées musicales sont concises, variées, et ne dépassent pas le cadre de l’accueil qui leur est réservé. Lorsque des morceaux plus longs sont joués, comme la chanson titre ou le morceau le plus proche (« Remnants », l’effet est accentué – bien qu’il ne s’agisse pas de paysages sonores ambiants d’une heure, nous sommes toujours transportés dans leurs grands espaces. Ce que nous entendons dans le morceau « Altered States » résume assez bien la mission de l’album : il y a un sens langoureux de la mélodie, de longues notes soutenues qui s’étendent, tandis que sous un beat industriel moussu se déplace avec la régularité et le poids des roues carrées.
Ce contraste entre le lourd et l’apesanteur s’estompe au cours de ce disque, non seulement entre les morceaux (la libération harmonique et la simplicité de « Subsume » après « Epoch I ») ou entre les fréquences, ou le choix des sons et des instruments, mais aussi entre les différentes approches de la composition. Il y a ici des profondeurs invisibles. Un disque à écouter lentement, une écoute à la fois, mais beau et gratifiant.
Il y a ici des profondeurs invisibles. Un disque à écouter lentement, une écoute à la fois, mais beau et gratifiant.
Depuis 2011, Habibi nous fait profiter de son approche musicale, un mélange détendu de garage surf rock des années 60 avec une touche de fantaisie de type Think Warpaint rencontre Best Coast, avec l’avantage supplémentaire de parler une seconde langue, le farsi. Le chanteur Rahill Jamalifard et le guitariste Lenaya Lynch – l’ancien Detroiter – vivent maintenant à Brooklyn avec le reste de leurs compagnons de route : Erin Campbell, Karen Isabel et Leah Beth Fishman. Iranienne-américaine de première génération, Jamalifard tisse sans cesse un lien avec le farsi à travers ses albums et ses EP. Ayant grandi avec des parents doués pour la musique, Jamalifard se considère chanceuse d’avoir appris à parler le farsi alors que d’autres amis autour d’elle étaient poussé vers l’assimilation. Cet avantage culturel fait éclater tous les stéréotypes entourant le genre musical de Habibi sans jamais être ouvertement politique.
Après l’EP Cardamom Garden de 2018, leur deuxième album Anywhere But Here emmène les auditeurs à travers des paysages sonores tout-terrain, ce qui en fait le complément parfait d’une collection d’albums de printemps. Anywhere But Here est frais, avec juste ce qu’il faut de rythmes et de chants accrocheurs, avec de nouveaux éléments taillés par le producteur Alex Epton (Jamie xx, Vampire Weekend). Piste principale, « Angel Eyes » s’accroche au refrain répétitif. « Come My Habibi », un titre envoûtant écrit en 2012, est sorti en tant que premier single.
Dans l’état actuel des affaires nationales, cet album, tout comme l’approche générale de Habibi en matière de musique, éloigne les auditeurs du désordre avec des pensées franches mais douces qui reviennent toujours à l’amitié – un concept important dans ce groupe entièrement féminin. Le thème est omniprésent dans leur discographie, ce qui prouve que Habibi sera longtemps là ne serait-ce que pour ce qu’il véhicule
Steve Earle vous laissera rémir dans vos bottes à l’écoute de « It’s About Blood ». Heureusement, vous n’êtes pas le sujet de la colère du vétéran de l’Americana sur ce titre phare de son nouvel album, Ghosts of West Virginia. Pourtant, le célèbre auteur-compositeur – qui est encore meilleur interprète – fait ressentir viscéralement chaque syllabe venimeuse à ses auditeurs lorsqu’il crache ses paroles sur les gros bonnets qui exploitent les mineurs de charbon, laissant les parents en deuil « se réveiller seuls au milieu de la nuit ». La guitare, les percussions et le violon gothique du Hardcore Troubadour, le fidèle groupe de soutien des Dukes, sont tous aussi stimulants et contribuent à rendre « It’s About Blood » encore plus percutant. Écouter ces artistes aux dents longues dévorer le paysage de la chanson avec autant de ferveur, c’est se réjouir de l’un des groupes les plus réguliers et les plus ambitieux du Haut-Commissariat, 30 ans après qu’ils aient percé avec le classique autoproclamé « I Ain’t Ever Satisfied ».
Refuser de se reposer sur ses lauriers est une chose. Mais ici, Earle, 65 ans, et ses dévoués ducs ont relevé la barre en enregistrant un album concept regorgeant de paroles théâtrales et de thèmes à caractère social. Earle a commencé à écrire plusieurs de ces chansons à la demande des dramaturges de renom (et anciens collaborateurs) Jessica Blank et Erik Jensen, qui voulaient de la musique pour leur nouvelle production Coal Country. Leur pièce est centrée sur la catastrophe de la mine Upper Big Branch en Virginie occidentale, où 29 mineurs sont morts à cause de politiques qui ont fait passer le profit avant le bien-être des travailleurs.
Earle s’est attelé à cette tâche en écrivant et en interprétant des titres dignes d’une production théâtrale (il a été choisi pour chanter nombre de ces chansons en tant que narrateur de chœur grec dans Coal Country, qui a été présenté en mars dernier à Broadway). Sur « Time Is Never on Our Side », par exemple, il fait preuve d’une grande lassitude en chantant sur le désastre minier de l’Upper Big Branch comme si « Dieu tendait la main et la fermait ». La chanson est complétée par le violon déchirant des Dukes et les percussions douces comme la brise.
En témoignage du groupe et de la portée de leur leader, Ghosts présente également la dernière partie de « Black Lung ». Le sujet de cette chanson est sans doute le plus lourd de l’album, surtout lorsque les paroles d’Earle se concentrent sur les conséquences émotionnelles et physiques que la maladie dont souffre cette chanson a eu sur des mineurs au cours des siècles. Ce thème est fortement contrasté par la musique propulsive de la chanson, du violon et du banjo bluegrass au chant d’Earle, et à la guitare électrique qui ronronne comme un moteur. En plus d’être très accrocheuse, la chanson fonctionne aussi en évitant la sentimentalité bon marché au profit d’éléments juxtaposés qui lui donnent une complexité et un ton général de détermination d’acier. Tout cela malgré les paroles obsédantes qui parlent d’un personnage rendu fatalement essoufflé par son commerce souterrain.
Pour une ode beaucoup plus directe à ces ouvriers, n’oubliez pas de hausser le volume sur « Devil Put the Coal in the Ground », un des premiers titres de l’album. Le son de la guitare électrique se mêle à un solo de guitare live au sommet de la chanson, tandis que les tambours font boum comme les explosifs utilisés pour creuser le sol afin que les mineurs puissent descendre en danger. Earle, quant à lui, grince des dents tout en grognant des paroles d’hymne sur la tâche redoutable que ces ouvriers accomplissent. Son discours est plus éloquent, il parle du plus populaire « John Henry Was a Steel Drivin’ Man », bien que l’empathie palpable d’Earle pour ces travailleurs privés de leurs droits ne soit pas moins évidente, surtout lorsqu’il arrive à un vers amèrement succinct sur l’affaiblissement des syndicats au fil du temps.
Avec sa spécificité et son empathie à cœur ouvert, Earle et ses compagnons d’orchestre plongent les auditeurs dans une tragédie de cols bleus sur les Ghosts of West Virginia, tout en s’exprimant sur des vérités sociétales plus larges. Au lieu de déterrer du charbon comme les mineurs le dépeignent de façon saisissante dans ces nouvelles chansons, le Hardcore Troubadour et les Dukes dénichent des joyaux d’antan pour les marginaux américains.
Publié par rockdecibels 
No BS: Just Rock & Roll! 