Iceage: « Seek Shelter »

6 mai 2021

Iceage sont de retour, et sur leur cinquième album, le groupe de Copenhague s’éloigne encore plus des sons plus lourds et plus proches du hardcore qui prévalaient dans leurs travaux précédents, poursuivant une progression visible sur le succès critique de leur Beyondless en 2018 .

Désormais à cinq, avec l’arrivée d’un autre guitariste en la personne de Casper Morilla Fernandez, ils évitent à nouveau le hardcore et la no wave en faveur de ce qui pourrait être décrit comme du post-punk avec des caractéristiques britpop. Les chansons sont plus longues, une seule ne dépasse pas les quatre minutes, et le disque n’en compte que neuf. Ils ont fait appel à Sonic Boom (Peter Kember, anciennement du groupe culte Spacemen 3) pour la production, et le Lisboa Gospel Collective apparaît sur quelques titres également.

Il ne sera pas facile de donner une suite à un album comme Beyondless, qui a été acclamé par la critique de tous les coins de la presse musicale, mais Iceage a clairement relevé le défi avec cet album, qui poursuit sa croissance, mais pas au détriment de l’originalité du groupe.

C’est peut-être leur album le plus accessible à ce jour. Le premier titre, «  Shelter Song », déjà sorti en « single », est une déclaration d’intention de cinq minutes et vingt-neuf secondes, qui mêle des guitares grinçantes et une atmosphère presque funèbre à un refrain hymnique de pintes en l’air : une sorte de post-punk du sud de Londres fusionné avec Oasis, et traîné par Jamie T de l’ère Carry On the Grudge. Il est suivi de « High & Hurt « , un titre plus frénétique – mais tout aussi agréable – avec un refrain scandé et des rythmes façon « math-rock ».

« Vendetta » » est l’un des morceaux les plus longs de l’album, mais il ne risque pas de s’éterniser. Elle possède un groove dance-punk contagieux, la voix d’Elias Bender Rønnenfelt maîtrisant l’assurance des légendes britanniques de l’indé passées et présentes, tandis que sur « Gold City », nous nous dirigeons vers le territoire du rock d’arène. Des lignes de basse qui s’entrechoquent et des percussions incessantes en font le genre de morceau fait pour les festivals, fusionnant post-punk et blues-rock. Il y a une vraie pureté brute dans ce morceau, le groupe ajoutant des harmonicas à leur son pour quelque chose de différent.

L’avant-dernier morceau, « The Wider Powder Blue », est un garage-rock rauque plus direct, à la manière des Strokes/Libertines, qui contraste avec le dernier morceau de l’album, « The Holding Hand », un morceau beaucoup plus lent, mais qui imite l’apogée d’un concert avec un final enthousiaste.

Bien qu’il ne soit pas aussi lourd que leurs premiers travaux, et que l’ambiance Britpop soit indéniable, Iceage n’a pas adopté les aspects les plus turgescents du genre ; ce n’est pas du papa-rock de festival. Cependant, il est beaucoup trop simpliste de l’appeler simplement post-punk. C’est un disque qui est sûr de garder leurs fans actuels à bord, tout en attirant quelques nouveaux.

***


Sarah Klang: « Virgo »

6 mai 2021

Chacun qui s’intéresse à la pop/rock se devrait de connaître les voix et les compositions étonnantes de la Suédoise Sarah Klang. Cet album est donc plus une arrivée bienvenue qu’une surprise. Quoi qu’il en soit, Virgo est là pour que nous nous y délections, alors arrêtons le préambule et passons aux choses sérieuses. 

S’ouvrant sur « 17 pounds », Klang nous offre une introduction à l’album aussi lunatique et scénique qu’on puisse l’espérer, avec des synthétiseurs brumeux rejoints par un rythme entraînant et cette voix – pleine d’âme, de tristesse, de détermination, d’expérience et, bien sûr, de vie. Le récent « single », « Fever Dream » nous propose ensuite une ambiance plus country, avant de laisser place à « Canyon », une chanson qui surgit à l’horizon du désert avec tout l’espoir et l’optimisme d’un road trip improvisé suggéré par Fleetwood Mac et Miley Cyrus. La douce mélodie de « Anywhere » se transforme progressivement en une chanson réconfortante, tandis que « Girls » met en scène une mélodie de piano rouillée et la voix de Klang dans ce qui est la plus intime des chansons de cette collection.

Le véritable talent de Klang est d’être ouverte et apparemment vulnérable, mais sans jamais paraître vaincue, comme le montre l’énergie de  « Ghost Killer », où elle chante et décrit un cœur  « rempli de rêves » avec une voix qui, bien que soul, ne vous gifle pas vraiment. « Youth » est tout aussi fragile et les comparaisons avec First Aid Kit sont inévitables, mais « Blue » aura un peu plus d’allant et la voix de Klang prend une qualité crépusculaire, presque croonante. Les ondulations folkloriques obsédantes de la guitare acoustique sur « Spell » » se transforment sans effort en quelque chose de plus électronique, puis « Love So Cruel » retentira avec des notes de piano claires qui nous font le coup d’Elton John. 

L’avant-dernière chanson, « Love Bliss », est un morceau rêveur et décalé qui fait vagabonder votre esprit et votre cœur sans vous soucier du monde. Le titre de clôture, un « The End » qui porte bien son nom, nous emmène vers le coucher du soleil, avec une série de synthétiseurs et de rythmes subtils inspirés des années 80. Sarah Klang a une voix incroyable et un réel talent pour créer des chansons qui deviennent des paysages sonores capables de modifier votre humeur en l’espace de trois minutes. Une beauté fragile avec un bord cinématographique…. et plus encore.

***1/2


The Coral: « Coral Island »

29 avril 2021

Après presque deux décennies depuis la sortie de leur premier album en 2002, The Coral est de retour avec leur nouveau double album épique Coral Island, qui regorge d’idées nouvelles, de sons frais et d’une créativité magistrale que le groupe a manifestement bien maîtrisée depuis son émergence au début des années 2000.

Le double album thématique est divisé en deux parties, la première étant la lumineuse et optimiste Welcome To Coral Island, et la seconde étant The Ghost Of Coral Island, plus sombre, plus solitaire et plus mood. Les deux disques juxtaposés donnent aux concepts thématiques du disque un sentiment de profondeur, en induisant d’abord l’auditeur en erreur et en lui faisant croire que l’île fictive de Coral Island est un lieu d’amour, de luxure et de rêves. Dans la deuxième partie, les modes de vie transitoires et solitaires des habitants de l’île deviennent des chansons, ajoutant un sentiment de désolation et d’obscurité au disque. 

La première partie commence par « Welcome to Coral Island », un morceau de 54 secondes en spoken word qui plante le décor de ce qui semble être un lieu magique de luxure adolescente, avec en fond sonore des mouettes et des vagues qui suggèrent que Coral Island ressemble à la quintessence d’une ville britannique de bord de mer. La première face continue avec de superbes morceaux tels que l’entraînant « Lover Undiscovered », et des morceaux mémorables et brillamment mélodiques comme « Vacancy » et «  My Best Friend ».

La deuxième partie est la plus faible de l’album, mais elle contient quand même des moments merveilleux et développe presque suffisamment le concept de Coral Island pour créer un lore, ce qui prouve que les idées du groupe sont extrêmement bien conceptualisées dans le disque. Les points forts de la seconde partie de l’album sont le titre « Summertime », qui contient des harmonies vocales presque typiques des Beatles, le magnifique titre acoustique « Old Photographs » et l’avant-dernier titre « The Calico Girl ».

En parlant des Beatles, Coral Island pourrait facilement être considéré comme le White Album de The Coral. Les deux disques sont une collection expansive et épique de morceaux remplis d’idées fraîches et de sommets étonnants de créativité. Ce qui est le plus impressionnant, c’est que The Coral a réussi à faire cela dans les limites d’un concept thématique.

Bien que cela ajoute de la profondeur et de l’histoire à l’album conceptualisé, l’étendue des interludes parlés tout au long de l’album affecte le flux de l’album, le rendant plus lent qu’il ne devrait l’être. Malgré cela, l’inclusion des neuf interludes a une justification créative absolue. 

Le voyage à Coral Island est certainement agréable. Il est est profond, émotionnel et musicalement frais. Après deux décennies de musique, The Coral a prouvé qu’il avait gardé son dynamisme et sa créativité, et il espère qu’il continuera à le faire à l’avenir. Même si l’embarcadère de Coral Island a du plomb dans l’aile, nous ne voulons pas d’une spirale descendante de sitôt.

***1/2


Anna Fox Rochinski: « Cherry »

27 avril 2021

Après des années de travail en solo avec son groupe Quilt, Anna Fox Rochinski a officiellement sorti son premier album, Cherry. Si certains éléments peuvent ressembler à ses précédentes collaborations, Cherry vit dans un monde qui lui est propre. L’album est rempli de lignes de synthétiseur des années 80, de lignes de basse groovy et de riffs de guitare pulsés, le tout accompagné d’un large éventail d’instruments différents qui se fondent dans la voix douce et soyeuse de Rochinski. Cherry perfectionne une ambiance psychédélique-funk tout en emprisonnant des couches de chagrin dans chaque mot – c’est vraiment un album de rupture moderne.

Née à Brookline, dans le Massachusetts, Rochinski a commencé son voyage musical à 13 ans, lorsque son père, compositeur de jazz et guitariste, lui a appris les bases de la guitare. À l’âge de 16 ans, elle montait des spectacles de style bricolage et se produisait souvent, ce qui lui a permis de faire partie du label The Whitehaus Family Record. C’est sous ce label qu’elle a rencontré les autres membres de son précédent projet, Quilt. Après avoir décidé que sa carrière musicale avait besoin d’une nouvelle direction, Rochinski s’est séparée de Quilt et a fait ses débuts en tant qu’artiste solo avec Cherry sous Don Giovanni Records.

Le titre de l’album commence par un drone ascendant qui se transforme rapidement en un synthétiseur de science-fiction des années 70. On dirait le début d’un épisode de Lost Planet Twilight Zone qui change de vitesse et devient rapidement une chanson des années 80 à la Blondie, avec un riff de guitare accrocheur et une voix soyeuse. Le clip qui l’accompagne est fantastique, avec Rochinski essayant quelques belles sélections de vêtements qui évoquent des sentiments nostalgiques des années 70/80 à travers les styles et les couleurs.

L’essence du chagrin d’amour qui est au centre de ce projet apparaît sur « Everybody’s Down ». La chanson est merveilleusement trompeuse, avec un rythme rapide et un bop amusant qui porte un ton presque sarcastique dans des paroles comme « Si j’avais su que ce serait des mensonges/ j’aurais fabriqué un son » (Had I known it’d be lies/ I would have made a sound ). Une épaisse ligne de basse pousse la chanson vers l’avant alors que des synthés parfaitement aléatoires et quelques riffs de guitare différents créent une sensation riche et chaotique mais dansante.

« No Better », une ballade, est complexe et simple à la fois. La chanson met en valeur le chant luxuriant de Rochinski qui, au début, n’est rejoint que par une ligne de basse amusante. Au fur et à mesure que la chanson progresse, différents instruments sont ajoutés, créant un paysage sonore spatial avec plusieurs sons différents prêts à accueillir chaque oreille. La chanson est simple vocalement, mais l’instrumentation est vaste et complexe, créant un dynamisme parfait pour les deux éléments. Rochinski tisse poétiquement la douleur du chagrin d’amour dans des lignes telles que « J’ai cru, et maintenant j’ai la nausée et je suis épuisé/ Mais ça ne fait pas de différence pour toi » (I believed, and now I’m nauseous and depleted/ But it doesn’t make a difference to you), cachant la douleur sous une voix douce et soyeuse.

« Going To See Them » commence comme un enregistrement vinyle déformé de cloches d’église au loin. Le morceau est un mélange vibrant de psych-pop et de funk, et la voix de Rochinski semble flotter librement tout au long de la chanson. Au cours du deuxième couplet, une fréquence aiguë perce à travers la chanson. Si, au début, on ne le remarque pas, après quelques secondes, les oreilles sont obligées de se reconcentrer pour des lignes suggestives comme « (Ils sont réveillés à l’arrière plan » (They’re awake in the background).

Cherry, le premier album solo d’Anna Fox Rochinski, est rempli de voix douces et soyeuses, de lignes de basse épaisses, de riffs de guitare percutants et de synthés célestes des années 70/80. Il s’agit d’une exploration psychédélique-funk de la peine d’amour, de la douleur et de ses conséquences, le tout dissimulé sous des grooves enjoués. C’est un album de rupture à la fois hypnotique et éblouissant, du début à la fin.

***1/2


Ed Cosens: « Fortunes Favour »

25 avril 2021

Ed Cosens, ancien membre de Reverend and the Makers, sort ici son album solo, Fortunes Favour, opus où il traite de létat u monde et c’est vraiment un chef-d’œuvre d’écriture .Il s’ouvre sur « Running on Empy », une introduction triomphante dans laquelle il fanfaronne avec toute la grandiloquence d’Oasis dans leurs derniers jours, mais avec des conseils stylistique squi auraient été empruntés à Richard Hawley, à savoir des bulles de la basse et des notes du piano se prêtant à la magnifique voix croonante de Cosens. « If » poursuit le thème ambitieux avec un arrangement cinématographique qui conviendrait bien à une scène de conduite dans un film se déroulant dans les montagnes italiennes et à deux acteurs principaux d’une beauté imposante. Le trio de chansons d’ouverture fortes est complété par le titre « The River », plus lent et plus balladeur, qui est plein de mélancolie quand il est question de ce genre d’air dont vous savez que vous le chanterez avec des larmes coulant sur vos joues un jour.

Il y a une qualité intemporelle dans cet album qui lui donnera un attrait universel, une caractéristique soutenue par « Last to Know » qui a les pieds fermement ancrés dans l’écriture de chansons comme celles de Buddy Holly ou de Gerry & the Pacemakers – le chagrin et la beauté s’associant dans un beau mariage. La chanson titre aura, elle, un côté plus Arctic Monkeys, mais mélangé à Del Amitri, avec ses coups d’orgue et et de guitare qui en font un bon petit numéro plutôt sexy. « Madeleine » aura cette tonalité de véritable film noir, tandis que « Lovers Blues » ne ramène les choses dans une zone plus optimiste, avec une histoire de chagrin d’amour qui n’est que trop familière pour quiconque a vécu un amour non partagé.

Le récent « single », « On the Run », scintille comme un tour de force narratif avant que « The Pantomime » ne devienne lo-fi avec un rythme traité de manière minimaliste et les pensées nocturnes de Cosens qui s’écoulent au cœur de la nuit. L’album s’achève avec « Come On In », la chanson la plus chaleureuse qu’il est donné d’entendre en dépit de certains textes on ne peut pllus déprimants. Ed Cosens a un réel talent pour écrire des chansons et raconter des histoires, et il a une voix que je pourrais écouter jour et nuit. Pour ces seules raisons, vous devriez certainement mettre la main sur cet album dont on pourra également penser qu’il sonnera particulièrement bien sur vinyle pour nous permettre d’en apprécier la verdeur et la pétulance.

***1/2


Taylor Swift:  » Fearless (Taylor’s Version) »

19 avril 2021

Lorsque les enregistrements originaux des six premiers albums de Taylor Swift ont été vendus à Scooter Braun, la chanteuse a rapidement annoncé qu’elle allait réenregistrer sa musique. Il est logique qu’elle ait commencé par l’un de ses albums les plus populaires, Fearless, sorti en 2008.  Ce deuxième album de Swift, a parfaitement capturé les expériences universelles d’une adolescente – amitiés, tomber amoureux, tomber en panne d’amour et trouver sa place dans ce monde. Fearless (Taylor’s Version) est plein de nostalgie, mais il crée aussi de nouveaux souvenirs, et nouvelles émotions, pour Swift et ses fans.

Fearless comptient, en effet, certains des titres les plus populaires de Swift comme éLove Story » et « You Belong with Me », qu’elle a enregistré à 18 ans. Cette resucée vise à conserver sa vulnérabilité et son honnêteté d’origine, même si Swift a maintenant 31 ans et beaucoup plus d’expérience. Si les instruments sont similaires, le premier changement notable est la voix de Swift, désormais mélancolique et mature.

Chaque piste semble plus douce et améliorée, avec un rafraîchissement de la production de l’album. Les instruments comme le banjo et la guitare acoustique sont toujours présents sur la plupart des morceaux, mais, comme la voix de Swift, ils sont plus nets. Pourtant, toute l’émotion originale de Fearless n’est pas perdue. Des chansons comme « White Horse », qui parle de la déception à l’issue d’une relation, est toujours aussi crue, et « Forever & Always », qui parle de la tristement célèbre rupture de Swift avec Joe Jonas, est tout aussi tranchante qu’il y a 13 ans – il en va de même pour la version piano. Même le rire sur « Hey Stephen » fait toujours mouche.

Ce sont les morceaux plus « jeunes », à l’instar de « Fifteen » et « You Belong with Me », qui ne sont pas les mêmes, émotionnellement parlant. Ainsi, bien qu’ils soient sentimentaux à l’écoute, Swift chante clairement ces moments avec du recul, plutôt que de se laisser aller à ses sentiments, ce qui se ressent dans sa performance vocale. Les naïvetés de l’adolescence et le sentiment intense de désir pour quelqu’un sont également capturés sur certains morceaux du folklore de Swift, mais ils proviennent de récits fictifs plutôt que des expériences personnelles de Swift.

Sur Fearless (Taylor’s Version), Swift a évolué, et les thèmes de Fearless ne sont plus aussi pertinents pour Swift, qui chante son passé avec un nouveau sens. C’est le cas de « Change », une chanson qui parle initialement de Scott Borchetta – le directeur du label qui l’a fait signer alors qu’elle était adolescente – et de la carrière naissante de Swift. En raison de l’implication de Borchetta dans la vente des masters de Swift, cette chanson offre à Swift et à ses auditeurs une chance de se réapproprier les paroles – le changement est à l’horizon pour sa carrière, mais d’une manière différente, comme elle le chante : «  C’était la nuit où les choses ont changé / Peux-tu le voir maintenant ? / Ces murs qu’ils ont érigés pour nous retenir sont tombés » (It was the night things changed / Can you see it now? / These walls that they put up to hold us back fell down ). Être capable d’entendre l’autonomisation dans la voix de Swift et de changer le sens de ces paroles est un véritable testament de son pouvoir en tant que musicienne.

En plus des 19 titres de l’album issus de la réédition Platinum Edition 2009, Swift a inclus « Today Was A Fairytale » de la bande originale du film Valentine’s Day et six titres inédits « From the Vault » de l’époque Fearless. Ces titres « Vault » sont une extension de l’une des choses que Swift fait le mieux : écrire des chansons de rupture. Ils sont un plaisir pour les fans qui ne se lassent pas des histoires vivantes de Swift, qu’il s’agisse de se demander si quelqu’un va vous reprendre (« That’s When », avec Keith Urban) ou de fermer définitivement la porte à un ancien amant (« Bye Bye Baby »). Swift a toujours été la maîtresse de l’art de chanter avec grâce les chagrins d’amour.

Fearless (Taylor’s Version) devrait permete à son jeune public de découvrir un ensemble de chansons emblématiques et, pour son public plus âgé, de ressentir une pure et doce nostalgie. Cette réédition signifie que Swift commence à faire les choses à sa façon, en prenant le contrôle total de sa musique et en la partageant avec ses fans qui sont toukours aussi impatients de l’écouter.

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Postdata: « Twin Flames »

15 avril 2021
  • En tant que chanteur de Wintersleep, Paul Murphy, originaire de Halifax, a longtemps été la pièce maîtresse de chansons rock énergiques et épaisses. Mais, en tant que leader du groupe Postdata beaucoup plus cérébral, Murphy laisse tomber la grandiloquence et adopte une approche plus organique et réservée de la production. Sur Twin Flames, le troisième album de Postdata, l’ambiance naturelle et le lyrisme discret prennent leur envol, créant une expérience délicieusement désorientante. 

Malgré l’attrait évident et accessible de l’écriture de Murphy, il est difficile de cerner ce qui rend Twin Flames si spécial. Bien sûr, l’album s’étend sur plusieurs genres – « My Mind Won’t » comporte des synthés pulsés et en cascade, tandis que le rythme de « Nobody Knows » évoque des nuances distinctes du Faith de George Michael – mais il y a quelque chose de primordial dans les arrangements. Presque tous les morceaux sont structurés comme un mini-voyage, commençant modestement et aboutissant finalement à une explosion plus grande et plus profonde de l’instrumentation. Plus profondément, la plupart des chansons de l’album ont un ton résolument proche de la réalité. Bien qu’elles soient faussement plus expansives que la pop typique, les arrangements sont suffisamment accessibles pour ne pas effrayer les publics non familiers.

Même le titre de l’album, qui commence de manière plutôt terne, s’élève vers un plateau généreusement assaisonné. En fait, la complexité de la fin de la plupart des titres de l’album peut être assez étonnante ; lorsque la monotonie est attendue, la profondeur étonnante n’en est que plus poignante. 

Sur « Haunts », Murphy saupoudre l’ambiance brumeuse, une tonalité mystérieusement éclaboussante qui est revisitée pendant la section centrale de « Yours ». Ailleurs, « Kissing » transcende les structures pop typiques et s’envole avec un drame acoustique, tout comme le noble « Inside Out ». Comme le travail de Murphy avec Wintersleep, Twin Flames se lit comme une série de chansons d’amour superficielles, mais sonne comme une fusion bien construite et soigneusement stratifiée de divers instruments.

Le mérite en revient à l’équipe de soutien du disque, qui renforce la voix et l’expression intimes de Murphy. À ses côtés, Andy Monaghan de Frightened Rabbit et Tim D’Eon de Wintersleep font des apparitions, contribuant de manière solide mais discrète. En gros, Twin Flames va au-delà de l’évidence, tant sur le plan musical que narratif. Guidé par des mixes étagés et un lyrisme honnête, Postdata a, à toutes fins utiles, réussi à transporter toute oreille attentive vers un endroit rempli d’imagination et de fantaisie. S’il peut parfois s’égarer dans l’obscurité, il n’en demeure pas moins qu’il dégage du caractère et de l’individualité.

***1/2


BirdPen: « All Function One »

11 avril 2021

BirdPen – Dave Pen (voix, guitare) et Mike Bird (guitares, claviers) – sont de retour avec leur sixième album, enregistré au début de l’année 2020 alors que le duo assistait à la pandémie mondiale. C’est sur cette base que sont nés les thèmes lyriques de l’album, centrés sur l’auto-isolement et la peur du monde extérieur.

Tout d’abord, cet album de BirdPen est un grand classique et il faut persévérer dans l’écoute car c’est un bon morceau de musique. Bien sûr, il y a quelques tubes instantanés comme « Modern Junk », qui se rapprochent le plus de la pop au sens commercial du terme. Sinon, BirdPen emprunte diverses voies musicales, de l’électronique sur « Flames «  à l’étrange et,, le merveilleux « Blackhole ». 

« Changes » , avec son chant monotone, est très austère et souligne à quel point nous dépendons de la technologie et sommes, à bien des égards, contrôlés par elle. « Universe » est plus enjoué, même si, pour être honnête, il n’est pas si enjoué que ça ! La guitare hypnotique sur « Invisible » fait briller cette chanson, preuve que BirdPen est plus qu’un simple groupe d’électronique.

Une musique pour l’ici et le maintenant, car BirdPen capture dans sa musique et ses paroles beaucoup de peurs et de problèmes auxquels nous avons tous été confrontés ces dernières années, ainsi que l’utilisation croissante et la dépendance de la technologie dans nos vies quotidiennes. Un album qui vaut la peine d’être écouté.

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Snow Palms: « Last Waves »

7 mars 2021

L’année dernière, nous avons pris connaissance de Everything Ascending, un EP double face des Snow Palms rajeunis, notre premier échantillon du groupe en tant que duo officiel (et quatuor non officiel).  Le morceau titre est inclus dans Land Waves, mais une agréable surprise est que les nouveaux morceaux s’élèvent à son niveau de beauté.  Pour apprécier l’album, il faut apprécier les glockenspiels, les carillons et un timbre de vacances ; la sortie de l’album deux semaines avant Noël est parfaitement synchronisée.

Snow Palms saute à pieds joints.  « Atom Danc » » est l’un des trois titres qui tournent autour des dix minutes, rejoignant  Everything Ascending  et la chanson titre.  En expansion hypnotique, le morceau ajoute des bois et de la vox aux maillets et au synthé, créant un paysage de neutrons et d’électrons en mouvement.  On se demande si Snow Palms a entendu la danse des neutrons de The Pointer Sisters, qui est encore plus rapide.  Lorsque les tambours entrent en retard, on peut même établir une comparaison avec les cloches tubulaires du Mike Oldfield. Ces associations nostalgiques aident à imaginer des temps plus heureux, et l’hiver, et la première neige, un sentiment cimenté dans l’introduction de « Evening Rain Gardens », malgré les différentes précipitations.

« Landwaves » a beaucoup de place pour se développer, et utilise le temps qui lui reste pour établir un réseau complexe de percussions et de synthétiseurs.  Une fois le cadre établi, d’autres éléments sont ajoutés, à commencer par la clarinette.  Des voix douces et sans paroles entrent par une vallée, signalant un déplacement vers un terrain plus élevé.  Une ébullition naturelle transparaît comme le lever du soleil entre les montagnes.  Puis les pièges entrent, et les palmiers des neiges marchent dans les étoiles.

« Kojo Yakei » est une métaphore, le titre faisant référence au phénomène de vision nocturne d’usine, l’admiration de la lumière et de l’ombre architecturale, particulièrement populaire au Japon.  Associé à « White Cranes Return », ce diptyque de clôture suggère que la beauté peut être trouvée partout où l’on regarde, dans le monde industriel comme dans la nature.  Cette pensée encourageante nous aide à considérer l’hiver moins comme une saison de noirceur que comme une saison de scintillement.

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Toe Fat: « Toe Fat » &  » Toe Fat Two »

5 mars 2021

En ce qui concerne l’évocation de grands patronymes donnés à des groupes au fil des « années rock », il y a fort à parier que Toe Fat n’obtiendra pas beaucoup de voix. Et ce, uniquement de la part des personnes qui savent qu’ils ont existé, ce qui est un groupe assez restreint pour commencer. Cependant, ce groupe au nom bizarre a sa propre « note de bas de page » dans l’histoire du rock, étant le groupe qui comptait parmi ses membres à la fois Ken Hensley et Lee Kerslake, après qu’ils aient quitté leur groupe précédent The Gods et avant que l’un d’eux ne rejoigne Uriah Heep. En fait, ce n’est probablement que dans les cercles de Heep que le nom de Toe Fat fait encore parler de lui. Pourtant l’homme derrière la fondation du groupe était Cliff Bennett, à la fin des années 60, tout comme Cliff Bennett And The Rebel Rousers. À lcette pépoque, Bennett – sans doute conscient du fait que tout réveil rebelle qu’il avait réussi à faire ne se reproduirait pas de sitôt – a choisi de former un autre groupe au style plus heavy, plus adapté aux nouvelles tendances de l’époque, et il a recruté trois membres des Gods, récemment dissous, sous la forme de nos deux futurs Heep Heroes, mais aussi John Glascock, qui s’est ensuite rendu célèbre avec Jethro Tull avant sa mort prématurée, à la basse. Un peu comme un futur supergroupe, en fait, dont les membres étaient inconnus à l’époque, mais qui allaient devenir plus célèbres plus tard – à l’exception de Bennett, dont la trajectoire de carrière allait dans l’autre sens.

Faisant équipe avec deux frères directeurs qui avaient des relations assez solides (selon Bennett dans le livret d’accompagnement), le nom de Toe Fat était en fait un défi qu’il relevait pour trouver le nom le plus dégoûtant possible. Heureusement, les suggestions antérieures de Bollocks and Shit Harry ont été abandonnées et Toe Fat est né. Leur premier album éponyme a poursuivi le thème quelque peu répugnant de la couverture (également utilisée pour cette collection), montrant plusieurs personnes sur une plage avec la photo trafiquée pour leur donner des orteils géants à la place de la tête. On y voit notamment un petit couple nu à l’arrière-plan, qui s’est retrouvé dans certaines zones sous la coupe de la censure, ce qui a amené certaines éditions à les remplacer par un mouton. Oui, c’est vrai, un mouton. Sur une plage. Avec des hommes aux têtes d’orteils géantes. N’oubliez pas que c’était en 1970. Les choses étaient différentes à l’époque, les enfants…

Mais qu’en est-il de l’album contenu dans cet étrange emballage – était-il bon et tient-il la route aujourd’hui ? La réponse à ces deux questions est un « oui partiel » retentissant, car il s’agit d’un premier pas imparfait mais fascinant d’un line-up qui n’a duré que le temps d’un seul album. Il y a des échos sonores de Uriah Heep partout, mais c’est inévitable puisque Hensley a apporté toutes les guitares, tous les claviers et quelques chœurs, avec Kerslake qui s’occupe également des chœurs et de la batterie. Cela signifie qu’à l’exception de Bennett, tout ce que vous entendez sur cet album, à part la guitare basse (et très occasionnellement la flûte et l’harmonica), est 100% Uriah Heep. Une analyse des crédits d’écriture indique qu’à l’exception de quelques reprises, tout le reste du matériel est crédité à Bennett seul – mais attendez, car cela est trompeur. Il s’avère – encore une fois, grâce au livret d’information – que Hensley a ennuyé le Management Duo en créant sa propre maison d’édition, et qu’en conséquence de ce désaccord, il a été sommairement licencié avant la sortie de l’album, et son nom a été retiré des crédits d’écriture. Il s’avère qu’il a co-écrit le matériel avec Bennett, ayant clairement une grande main dans le côté musical des choses, donc une fois de plus toute ressemblance avec Heep est entièrement attendue.

La guitare de Hensley est en fait plus présente que son jeu au clavier sur l’album, et elle rappelle de façon salutaire à quel point il était un guitariste accompli – un fait souvent négligé pendant son passage chez Heep, lorsque son travail à six cordes avait tendance à être principalement des parties de slide ou des parties acoustiques. En fait, c’est un de ces enregistrements où le groupe est plus fort que le matériel, ce qui lui donne un véritable coup de pouce là où il faiblit un peu, en particulier sur la deuxième moitié du disque. Les reprises de l’album comprennent Nobody, qui a été enregistré par Three Dog Night entre autres, mais surtout la chanson qui donne son titre à cet ensemble, Bad Side Of The Moon, qui a été écrite par Elton John et Bernie Taupin, mais qui n’est sortie à l’origine par Elton que sur le single de la face B de la chanson « Border ». Il était apparemment un fan des Rebel Rousers (qu’ils ont baptisé « The Milky Bar Kid » lors de leurs concerts), et il était heureux qu’ils l’aient enregistré, et cela en valait la peine, car c’est un excellent morceau, avec une délicieuse guitare acoustique de Hensley évoquant par endroits le Sorcier. En fait, la première moitié de l’album est extrêmement forte, avec le riff d’ouverture « That’s My Love For You », le « Bad Side Of The Moon » qui suit, le heavy prog du Nobody mentionné plus haut (avec un excellent entraînement de six minutes à la guitare) et, peut-être le meilleur de tous, le magnifique « The Wherefors And The Whys », avec un travail de guitare magique et sensible de Hensley.

Vers la fin de l’album, une ou deux compositions plus faibles apparaissent, qui manquent de mélodie mémorable, bien couvertes par les capacités du groupe en tant que collectif, et de Hensley en particulier. Il n’y a qu’un seul faux pas vraiment désastreux, qui voit Bennett revenir à ses racines des années 60 avec une reprise de « Just Like Me, » enregistrée par The Coasters à l’origine, et plus tard par les Hollies et les Searchers. Avec son refrain banal du milieu des années 60 et ses couplets de comptines de curling, c’était une mauvaise chanson au départ, et la décision de la reprendre est une décision déroutante et mauvaise. Passez sur celle-ci cependant, et il y a un album qui vaut la peine d’être découvert se cachant sous ces orteils géants.

Avec le départ de Hensley et aussi de Kerslake, on oublie souvent qu’un Toe Fat remanié a enregistré un deuxième album, le très imaginatif Two. John Glascock a fait appel à son frère Brian à la batterie, tandis que les guitares sont assurées par Alan Kendall, qui travaillera avec les Bee Gees avec beaucoup de succès pendant plusieurs années. Cette fois, les claviers sont supprimés. L’album est arrivé dans une autre pochette franchement horrible montrant un tas de ce qui semble être de la nourriture pourrie et de la vie d’insectes. Mais regardez parmi les asticots et autres désagréments, et vous remarquerez le retour des hommes-pouce, cette fois-ci minuscules et grimpant dans le paysage. C’est une belle touche, mais vraiment, ce n’est pas surprenant que l’album ait coulé comme une pierre ! Il est même largement ignoré, certainement par rapport aux débuts, par le groupe lui-même, mais en fait, même si le facteur Heep a disparu, c’est un album qui a tout de même beaucoup à recommander.

« Opener Stick Heat « – une fois passée l’intro bizarre de ukelele – est un monstre absolu, une bête de six minutes qui s’écrase sur son chemin comme un hybride de « Purple Haze » et de « The Wizard » de Black Sabbath.. Rien n’était aussi lourd au début, c’est sûr. Le troisième morceau, Idol, est un autre cracker axé sur les riffs, et bien que le blues de sept minutes de « There’ll Be Changes » dépasse de loin l’accueil qui lui est réservé, il comporte un solo de guitare non crédité de Peter Green qui est aussi bon qu’on peut l’espérer. Il y a une tentative d’exploiter la veine prog avec les huit minutes de A New Way qui, tout en luttant pour maintenir une forme cohésive, contient de très bonnes idées. Album plus proche Midnight Sun est un autre morceau de hard rock qui présente l’une des meilleures performances vocales de Bennett, et qui clôt l’album original avec un style raffiné. En bonus, on trouve les deux faces d’un « single ultérieur », dont la face A,  « Brand New Band » (composé par le futur claviériste de Gillan, Colin Towns) est un excellent enregistrement et est plein de mérite. L’autre face,  « Can’t Live Without You » de Bennett, en revanche, peut facilement ignorée.

Il est probablement vrai que la plupart des gens vont s’intéresser avecattention sur le premier album grâce à la connexion Heep, mais il serait insensé de s’arrêter là. À sa manière, le deuxième album a autant de raisons de le recommander et, dans l’ensemble, il pourrait bien n’être que l’album le plus fort. Cliff Bennett fournit également des informations intéressantes dans le livret d’accompagnement, bien qu’il y ait un point sur lequel il doit sûrement être confondu. Il affirme que Hensley l’a appelé pour lui offrir le poste de chanteur principal d’Uriah Heep avant que David Byron ne le rejoigne, ce qui aurait été une surprise pour Byron, qui avait été un membre fondateur de l’incarnation pré-Heep Spice deux ans avant même que Hensley n’arrive ! Malgré cela, c’est une lecture intéressante et instructive.

Consultez ces deux ouvrages et profitez d’une tranche largement inédite de l’histoire du rock du début des années 70. Venez pour le Heep, mais restez pour les Toes. Cela en vaut la peine.

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