Daniel Lanois: « Player, Piano »

24 septembre 2022

Daniel Lanois ? On pense guitares pas trop propres, trempées dans les eaux boueuses du Mississippi (ou d’un lac pas loin de Gatineau, terre d’origine). On pense réalisation, pour Dylan, U2, Gabriel, longue liste. Qui aurait dit : Lanois, pianiste ? Personne. Sauf Lanois. On le savait capable de tâter de tout. Peur d’avoir l’air amateur ? Au contraire. Ce que dit ce premier album à l’enseigne de BMG — et le rapatriement de son catalogue —, c’est qu’il n’a pas à refaire du Lanois. Occasion saisie, mode de création renouvelé.

Piano ? Va pour le piano. Pas fluide mais futé, Lanois compense : il enregistre la main gauche, puis la droite. Ou le contraire. Un contrariant chronique, le Daniel. Ainsi naît un pianiste pas vraiment pianiste. Un peu de programmation en sus. D’autres claviers. Ressort un album un peu artificiel. Pas du Lanois en prise directe, ni du Lanois enraciné. Plutôt Lanois en pleine expérimentation, fin mélodiste tout de même. Pas tellement ce que le titre Player, Piano annonce. Esprit de contradiction, va !

***1/2


Suede: « Autofiction »

20 septembre 2022

Suede a réalisé sans doute la reformation et le retour les plus réussis de ces dernières années. Le groupe a choisi de mettre un terme à sa carrière après que son cinquième album, A New Morning, sorti en 2002, n’ait pas répondu aux attentes, mais il s’est regroupé sept ans plus tard pour donner des concerts et, peu après, pour sortir Bloodsports, son album de retour en 2013. Cette démarche n’a pas seulement porté ses fruits, elle a également consolidé leur statut de groupe le plus constant de ces 25 dernières années, tout en leur faisant découvrir un nouveau public.

Autofiction, leur quatrième album depuis leur reformation (et leur neuvième album au total), est plus qu’à la hauteur des normes établies par ses prédécesseurs. Déjà décrit dans des interviews par le vocaliste et auteur-compositeur en chef Brett Anderson comme le disque punk du groupe, Autofiction représente un vaste départ musical par rapport au dernier disque de Suede, The Blue Hour en 2018. Pourtant, en même temps, il s’identifie facilement comme un album de Suede.

Enregistré aux Konk Studios de Londres, avec Ed Buller à la production, Autofiction est aussi vivant et direct qu’un disque de Suede puisse l’être. En effet, cette approche de retour aux sources fonctionne à merveille en termes de flux de l’album. L’album s’ouvre sur le post-punk guttural de « She Leads Me On », une sorte de parenté sonore avec « Ceremony » de Joy Division/New Order. Les tout aussi tapageurs « Personality Disorder » et « 15 Again » suivent, tandis que « The Only Way I Can Love You » et « That Boy on the Stage » poursuivent le contexte autobiographique d’Autofiction.

La chanson « Drive Myself Home », au milieu de l’album, est peut-être la chanson la plus évidente du disque pour ceux qui connaissent le vaste catalogue du groupe. Mais c’est vers la fin d’Autofiction que le disque prend de l’ampleur, notamment sur « It’s Always the Quiet Ones » – qui rappelle le Killing Joke de l’époque de Night Time – et le couplet final « What Am I Without You » et « Turn Off Your Brain and Yell ». La déclaration d’intention grandiose de ce dernier assure presque certainement la présence d‘Autofiction dans les échelons supérieurs de la liste des Best Of de 2022.

***1/2


Shaylee: « Short-Sighted Security »

14 septembre 2022

Sous le nom de Shaylee, l’auteur-compositeur-interprète Elle Archer, de Portland (Oregon), rend un véritable hommage  » Do-it-yourself  » à la musique qui l’a inspirée au départ, à savoir les œuvres du début du siècle de groupes de rock alternatif comme Flaming Lips, Wilco et Radiohead. Bien sûr, la plupart des groupes de rock alternatif qui l’ont inspirée font des clins d’œil évidents aux influences mélodiques du rock classique qui les ont inspirées, la power-pop jangly et le rock classique qui continuent de toucher les fans à ce jour. Profitant pleinement de la fermeture de la pandémie, Archer a concentré ses considérables talents sur la création d’une musique qui honore ce passé, tout en livrant une déclaration personnelle conçue pour passer l’épreuve du temps. Multi-instrumentiste, elle joue de tous les instruments, sauf quelques-uns, présentés dans cette collection de chansons – du moins toutes les guitares, la basse, la batterie et les synthétiseurs, mais elle remercie un ami, Matt, qui a fourni un peu d’orgue, de violoncelle et de violon sur quelques morceaux.

Comme la plupart des grandes œuvres d’art, les chansons de Shaylee racontent une histoire personnelle de lutte, le désir d’amour et ses échecs, et ses tentatives de vivre, de grandir et de développer des relations significatives en tant que femme transgenre, étant donné que « le monde change autour de nous ». Le fait que son histoire soit liée aux questions intérieures et à l’inquiétude de tous ceux qui se demandent quelle est leur place dans le monde rend ses chansons d’autant plus universelles ; elle raconte une histoire fondamentalement humaine. Et comme dans la musique pop, ce sont ses sensibilités mélodiques accrocheuses qui attirent l’auditeur dans son expérience, et c’est l’impressionnante collection de sons qu’elle réunit qui fournit le tissu conjonctif sur lequel repose toute grande musique.

Le fait de savoir qu’Archer a dû assembler ces hymnes power-pop longs et parfois très élaborés, une couche à la fois, ne vous empêchera pas d’imaginer un groupe complet en train de jammer sur des morceaux comme « Stranded Living Room », « Audrey » et « Oblivion », qui ont tendance à se construire pour permettre des solos de guitare majestueux, un domaine dans lequel elle excelle. Dans « Ophelia », elle inclut un breakdown noise classique pour exprimer le chaos qui peut survenir lorsqu’une attraction brève et rapide s’épanouit rapidement avant d’imploser.

Sur ce troisième album, Shaylee capitalise sur des années d’étude des chansons qui ont représenté le monde pour elle et apporte tout ce savoir à ce beau projet de bricolage, qui la place en bonne compagnie des efforts d’enregistrement solo de Paul McCartney et Todd Rundgren. Tout au long de Short-Sighted Security, les chansons d’Archer semblent demander s’il y a de la place dans le monde pour elle et sa musique, alors même qu’elle se taille un espace unique enraciné dans la démonstration de ses nombreux talents.

***1/2


Catherine Graindorge, Iggy Pop: « The Dictator »

9 septembre 2022

Voilà ici, collaboration passionnante entre la célèbre compositrice et instrumentiste belge Catherine Graindorge et le toujours aussi iconique Iggy Pop. Des textures électroniques et des cordes obsédantes se mêlent au baryton d’Iggy et à ses récits édifiants. Une plongée profonde au cœur de ces temps troublés. Tout a commencé avec la radio. Ensemble, ils ont forgé une rencontre des esprits qui a donné naissance à The Dictator, un opus qui combine leurs talents : sa musique, sa voix. Iggy Pop a joué deux de mes morceaux dans son émission sur BBC 6 Music et Graindorge a envoyé, sans trop y croire, un courriel adressé à Iggy et au producteur de l’émission, pour lui dire qu’elle aurait été honorée de travaillér avec lui. À son incrédulité et à sa grande joie, elle a reçu une réponse deux jours plus tard. Il faut dire que, en plus de son travail en solo et de son appartenance au groupe Nile on WaX, elle a travaillé avec des artistes comme Nick Cave, Hugo Race et l’estimé producteur/musicien John Parish.

Pourtant, elle n’attendait rien de plus que d’ajouter son violon à une de ses chansons. Au lieu de cela, elle se souvient que Iggy lui a demandé de lui envoyer un morceau, composition sur laquelle elle a commencé à improviser avant de composer trois morceaux à la maison. Après avoir communiqué et échangé des idées, on souhait s’est transformé en un rêve fiévreux de créativité. Pendant les fêtes de Noël, elle a enregistré un autre morceau qui était plus rock et qui a séduit le chanteur. Il a écrit les paroles de « The Dictato »’ deux mois avant que la Russie n’envahisse l’Ukraine, source d’inspiration qui est venue de ses sons et structures musicales, et du monde qu’il y voyait en ce moment précis. Ainsi est née une maçonnerie gothique à l’œuvre ici, conjuguée à une force très ancienne soutenue par des structures très rusées en contraste à la musique de Graindorge. Une ontribution qui consiste, de ce fait, à rendre compte, par les mots et les sons, de la menace actuelle, et de l’aspiration au bonheur et à la paix.

***1/2


Kiwi Jr.: « Chopper »

14 août 2022

Il existe un accord tacite entre un groupe et ses auditeurs lorsqu’il se prépare à enregistrer son troisième album. Un excellent deuxième album peut vous aider à oublier la première impression maladroite d’un premier album. Mais si un groupe reçoit le public pour un troisième album, il peut vraiment construire sa réputation – ou la faire dérailler – comme il l’entend. L’album Cooler Returns (2021) du combo torontois Kiwi Jr. n’avait pas vraiment la charge de justifier le modus operandi « jangle-pop-meets-gen X indie rock » des années 90 de leur voyage inaugural, Football Money. À bien des égards, il a fait mieux que cet album, avec des arrangements plus urgents et l’assurance d’un vélociraptor en cage trouvant un point faible dans la clôture électrique de Jurassic Park. Avec Chopper, le groupe ne fait pas exactement de la polka, pour ainsi dire, mais il y a une progression notable dans leur son qui pointe vers un raffinement subtil et de bon goût.

Avec la production de Dan Boeckner, maître de Wolf Parade et Handsome Furs – et membre actuel d’Arcade Fire – Chopper voit le cliquetis de la 12-cordes du chanteur et compositeur Jeremy Gaudet s’effacer au profit de lignes de synthé épaisses et harmonieuses. En 2022, un changement vers ce type d’instrumentation peut graver « These sellouts jumped the shark » sur la pierre tombale d’un groupe indie-rock. C’est loin d’être le cas ici. L’album est plein de pop plastique, comme le single « Night Vision » qui évoque les sons new wave claustrophobes et extraterrestres des Cars avec beaucoup d’effet. C’est un son qui convient merveilleusement au groupe, qui choisit de renforcer les accroches qui étaient déjà abondantes dans ses chansons, plutôt que de rechercher la grandiloquence.

Toujours au centre d’un album de Kiwi Jr., Gaudet semble être le genre de frontman indie-rock qui a été construit dans un laboratoire après des années de recherche sur certaines des personnalités les plus idiosyncrasiques et sardoniques du genre. À l’instar de Stephen Malkmus, Adam Green et David Berman, mais sans leur affinité avec les contes country, les paroles et la voix de Gaudet dégoulinent d’un esprit vif et sarcastique qui vous invite à participer à la blague. Comme ces artistes, il trouve de la poésie dans les nécessités banales de nos existences modernes. Comme Jason Lytle dans son meilleur travail dans Grandaddy, il peut mettre en lumière la profonde solitude des jeunes professionnels, qui n’ont que leurs piles de biens de consommation inutiles et leurs économies en baisse pour s’assurer que leur vie a été bien employée. Dans « Parasite II », il se demande s’il n’y a pas quelqu’un d’autre qui se faufile dans sa maison vide pour boire toute sa bière et repasser ses chemises dans la buanderie. « Il y a une ancienne crise de foi qui se construit dans la chambre à coucher / Un récit de la légende arthurienne dans le miroir de la salle de bain » (There’s an ancient crisis of faith that’s building in the bedroom / A retelling of Arthurian Legend in the bathroom mirror), chante-t-il, sachant que le coupable appelle certainement de l’intérieur de la maison.

Son écriture est remplie de métaphores qui prouvent que les humains sont d’autant plus déçus que nous innovons. Maintenant que la technologie a prouvé que rien n’est impossible, quelle est notre excuse lorsque nous ne pouvons pas faire de nos rêves des réalités ? Il fait passer ce message de manière succincte sur le morceau phare « Clerical Sleep ». « Je connais un homme qui a la prothèse robotique la plus avancée de l’histoire du monde / Construite dans un laboratoire » (I know a man with the most advanced robot prosthetic in the history of the world / Built in a lab), glapit-il alors que la chanson touche à sa fin. « Elle a coûté 2 millions de dollars, mais il la déteste, ne la supporte pas, ne la porte jamais, elle reste là » (“It cost $2,000,000, but he hates it, can’t stand it, never wears it, it just sits there).

Le thème le plus important de Chopper est peut-être le concept du « syndrome du personnage principal », ou le sentiment exagéré d’utilité que nous ressentons chaque fois que nous nous éloignons un peu des projecteurs. Mais la façon dont Gaudet aborde ce sentiment d’importance dans des chansons comme « The Extra Sees the Film » ou « The Sound of Music » n’est pas nécessairement un commentaire sur la mégalomanie. Il s’agit plutôt d’un portrait du désir désespéré qu’ont beaucoup d’entre nous d’être vus comme les stars qu’ils espèrent devenir. Dans « The Sound of Music », il zoome sur un personnage qui met sa vie en danger pour un bref moment de reconnaissance, en chantant : « Quand ils t’ont sorti du port, tu tenais un livre / Puis tu as poussé ton scénario dans ma poitrine et tu as dit : « Ne vas-tu pas au moins y jeter un coup d’oeil ? » Combien de sang faut-il verser pour se frayer un chemin dans l’esprit du temps ? (When they pulled you out of the harbor you were holding onto a book / Then you shoved your screenplay into my chest and said, ‘Won’t you at least take a look?’” How much blood would you spill to elbow your way into the zeitgeist?).

S’il y a un reproche à faire à un groupe comme Kiwi Jr, c’est que son destin était déjà écrit dès que ses ingrédients ont été partagés avec le public. Ce genre de rock indé authentique, jangly et littéraire, qui rend hommage au passé, aura toujours son cercle de fans. Si ce n’est pas votre truc, il n’y a pas beaucoup de surprises dans les 37 minutes de l’album pour convaincre les inconvertis. Mais pour ceux qui n’en ont jamais assez, Kiwi Jr. fait ce genre de musique mieux que quiconque en ce moment, et avec Chopper, Gaudet et le reste du groupe justifient leur position parmi leurs influences.

****1/2


Gentle Sinners: « These Actions Cannot Be Undone »

29 mai 2022

James Graham de Twilight Sad et Aidan Moffat d’Arab Strap ont l’habitude de collaborer avec d’autres artistes, ce qui rend cette collaboration inévitable.  Pour quiconque n’est pas familier avec les titres remixés de Twilight Sad ou le travail électronique d’Aidan Moffat sous le nom de Lucky Pierre, cet album semblera extrêmement étrange.  Il s’agit de dix titres d’électronique lourde.  Le morceau d’ouverture « Waiting for Nothing » est ringard, dans le style des années 80, mais là où l’on s’attend à une chanteuse, on trouve Graham, dont la voix semble tout à fait déplacée. « Killing This Time » est une sorte de chanson dansante, les bras en l’air, et c’est une sorte de croissance à sa façon.  Le seul écart, « Date & Sign », une ballade douce au clavier, fonctionne mieux que la plupart des morceaux ici. 

Quid du reste alors ? « Let Them Rot » aaffiche des percussions qui martèlent, des cloches qui s’entrechoquent et l’enfant de James Graham, « Rent Free » sera un bip et une pulsation interminables, tandis que la présence de ce qui ressemble à des cordes ne peut sauver « Face To Fire (After Nyman »).  « Shores of Anhedonia » offre au moins un peu de variété, c’est ici que nous entendons la voix de Moffat pour la première fois, alors qu’il délivre un morceau parlé sur une électronique plus exaspérante.

La voix d’Ames Graham a ses détracteurs, mais elle fonctionne généralement mieux en tant qu’élément d’un ensemble gazeux et glauque avec Twilight Sad.  Cependant, ici, elle est parfois au premier plan sur des titres comme « Don’t Say Goodnight » et, malheureusement, ses défauts n’ont nulle part où se cacher.  Et bien que le dernier morceau s’intitule « Landfill », c’est ironiquement le seul morceau où la combinaison de l’électronique et de la voix de Graham fonctionne vraiment.  Cet album sera, à cet égard, un pont trop loin pour les fans de Twilight Sad et Arab Strap.

**1/2


Reef: « Shoot Me Your Ace »

6 mai 2022

Au fil des ans, Reef a toujours été un groupe de rock, avec des influences indie, britpop, funk, gospel et même un peu de folk, mais au fond, il a toujours été un groupe de rock et ce nouvel album est la preuve de la pureté de cette offre. Shoot Me Your Ace  » est un album triomphant, sans prétention et glorieux qui prend des influences de toute l’histoire du rock et prouve, une fois pour toutes, que Reef a sa place spéciale dans cette chronologie.  

L’album s’ouvre sur la chanson titre et, honnêtement,  » Shoot Me Your Ace  » est un début d’album aussi vital et palpitant qu’on puisse l’espérer. Lorsque le pré-chorus commence à résonner, vous pouvez presque sentir l’essence dans l’air et lorsque ces guitares superposées commencent vraiment à s’empiler, les poils de votre nuque se dressent. When Can I See You Again  » fait référence à l’album  » Glow  » du groupe avec des lignes telles que  » when I wake up and you are naked in your make up  » (quand je me réveille et que tu es nue dans ton maquillage) sur une tranche d’Americana avec un accent de Glastonbury. Notre morceau préféré de l’album est sans doute « Refugee », où l’on retrouve le frontman Gary Stringer dans une forme vocale brillante et mélancolique, tandis que le groupe crée un tourbillon de bruit à la Rolling Stones autour de lui en chantant « I am a refugee, a reckless heart being set free ».

Sur « Best Of Me », on retrouve des éléments des Who alors que les garçons s’agitent dans une ambiance bluesy, mais avec une mélodie entraînante qui maintient l’énergie juste. De même, « Wolfman » est une chanson primitive avec une ligne de guitare hargneuse de Jesse Wood qui vous donne envie de vous pavaner dans le bar le plus proche et de faire des ravages. Le jeu de basse légendaire de Jack Bessant introduit  » Hold Back The Morning  » avant que la voix de Stringer ne s’y joigne et que le reste du groupe n’intervienne pour créer un son à la Lynyrd Skynyrd et Black Sabbath. 

« Right On  » est une composition plus douce, écrite par Bessant, qui offre un moment de répit, mais qui comporte toujours une guitare tranchante et le genre de vibration qui vous donne envie de conduire jusqu’à la côte juste pour regarder le soleil se lever. L’intro de la basse et du chant se retrouve sur « Everything Far Away », qui se transforme en une chanson qui pourrait facilement figurer sur une bande originale de film, avant d’exploser dans un flou de voix graveleuses et de tambours qui s’écrasent. Stringer, qui se pavane, est de retour sur le morceau  » I See Your Face « , imprégné de funk, qui se rapproche le plus du son original du premier album  » Replenish  » (un groupe peut-il être sa propre influence s’il reste assez longtemps dans les parages ?) L’album se termine par un épice de six minutes, ‘Strange Love’, qui ramène le son des Rolling Stones avec une jam glorieuse et libre avant l’une des plus longues outros que vous ayez jamais entendues. Reef n’est pas de retour, ils n’ont jamais disparu, ils ont juste fait leur truc jusqu’à ce que le moment soit venu et que les gens aient besoin d’un album de rock pour s’éclater. C’est cet album. 

****


Bellows: « Next of Kin »

1 mai 2022

Bellows est l’un des groupes les plus sous-estimés de la dernière décennie. Avec leur son unique soulignant l’écriture vive d’Oliver Kalb, il y a peu d’artistes avec des discographies aussi convaincantes et vivifiantes. De Blue Breath, en 2014, à The Rose Gardener, en 2019, le son de Bellows a évolué de manière significative. Il a également reflété les changements dans la vie et la carrière de Kalb, ainsi que ceux qui l’entourent.

Sur Next of Kin, l’approche de Kalb semble presque apprivoisée, surtout dans les premiers moments du disque. « Marijuana Grow » est un morceau folk assez simple, Kalb étant accompagné au chant par Alenni Davis (Another Michael) et Lina Tullgren, qui joue également du violon. Si sa sonorité chaleureuse peut désarmer les auditeurs, Kalb ne s’éloigne pas du thème principal du disque, la perte. « No One Wants to Be Without a Person to Love » commence par un synthé vocal sauvage mais amusant. Grâce aux paroles de Kalb et à l’utilisation du bruit de fond, une image vivante de la solitude est peinte.

L’un des principaux thèmes de Next of Kin est la connexion que Kalb trouve avec ses amis, ses collaborateurs, sa famille et même ses animaux domestiques. La chanson « My Best Friend » en est un exemple frappant. En décembre 2021, Montana Elliot, le guitariste de Bellows, est décédé. Elliot était un géant de la scène musicale new-yorkaise, travaillant dans divers lieux et jouant dans de nombreux autres groupes, dont Sharpless. Le clip met en scène les amis d’Elliot faisant tous des choses qu’ils aimaient faire ensemble. À la fin, la vidéo montre le local de répétition de Bellows et le groupe qui joue avec un espace vide à la place d’Elliot.

« Rancher’s Pride » est un autre single d’inspiration folk, capturant les vastes étendues en dehors de la ville où se déroule une grande partie de l’album. « Death of Dog » a un ton nostalgique, car Kalb chante la maison de son enfance et le décès de son chien bien-aimé, Loubie. Kalb chante comment être dans la maison lui donne l’impression d’être un enfant et comment il peut encore entendre Loubie quand il est là. C’est un rappel que ces souvenirs sont inestimables et qu’il faut apprécier le présent tant qu’il est là.

« McNally Jackson » est un autre exemple de la gamme de sons dont Bellows est capable. Il s’agit d’un morceau un peu pop, avec un excellent échantillonnage vocal et un rythme de batterie électronique contagieux. Elle est aussi animée que son cadre, une librairie de New York.

« Biggest Deposit of White Quartz » commence par une voix vocodée de Lillie West (Lala Lala), mais elle cède la place à la narration captivante de Kalb. Se mettant en scène dans un bar Kava à Asheville alors qu’il était en tournée, Kalb évoque des souvenirs de ses voyages et des personnes avec lesquelles il a partagé la scène. Il y a un moment dans ce morceau où Kalb chante la tournée 2016 de Bellows, Fist & Palm. À ce moment-là, l’arrangement change brusquement, devenant plus lourd et plus urgent. Cependant, la chanson continue et parle de la façon dont le monde a changé. Cela va du banal (par exemple, le retour des Patriots au Super Bowl) au bouleversement de la vie (par exemple, la perte d’un ami), et comment ces moments pourraient être liés à un avertissement entendu dans cette mesure.

***1/2


Jerry Paper: « Free Time »

18 avril 2022

Les deux premiers albums de Jerry Paper pour Stones Throw étaient un raffinement du son et du personnage que l’artiste énigmatique né Lucas Nathan développait depuis le début des années 2010, alors qu’ils évoluaient d’un projet pop lo-fi quelque peu ironique à un interprète et un auteur-compositeur plus accompli. Free Time les trouve en train de se lâcher et d’expérimenter davantage que sur leurs quelques albums précédents, abordant un plus large éventail de genres tout en abordant des sujets plus personnels. L’album est apparu peu de temps après que Nathan se soit déclaré non-binaire, et les chansons reflètent leur parcours ainsi que la joie et la libération d’être soi-même. « Kno Me « , le rocker aux accents d’Elvis Costello qui ouvre l’album, a été directement inspiré par la première fois où Nathan a décidé de porter une robe en public. Après avoir réalisé que la plupart des gens ne réagissaient pas d’une manière ou d’une autre, il a trouvé la liberté en ne se souciant pas de ce que les autres pensent de lui. Dans cette optique, Nathan ne semble pas vouloir s’en tenir à un son cohérent sur Free Time, et les chansons sont plus unifiées par l’énergie ou l’esprit que par le style. « Just Say Play » est plus proche du synth funk doux et pétillant des précédents albums de Jerry Paper, tandis que « Shaking Ass » est plus proche de la samba.

En revanche, « Myopitopia » conserve un peu de cette humeur douce, mais est principalement construit à partir de synthés robotisés, rappelant les premières expériences de pop électronique des années 1960 jusqu’à l’ère de la culture des cassettes des années 1980. Le lent et timide « Duumb » est une réflexion sur le doute de soi, et son pont est inexplicablement rempli d’un collage rythmique d’effets sonores cartoonesques, de cris et de voix éthérées. « DREEMSCENES » est une jam house funky, avec des vocodeurs, des guitares grattantes et un saxophone sautillant, le tout sur un rythme régulier et des nappes de synthé luxuriantes. Comme une grande partie de l’album, c’est un peu désordonné, mais Nathan semble plus confiant que jamais pour plonger dans de nouveaux territoires et embrasser des sons différents, ce qui fait de cet album l’un des plus ambitieux et libres d’esprit.

***1/2


Sandra Boss, Jonas Olesen, Anders Lauge Meldgaard: « SOL OP: Music For Midified & Modified Pipe Organs »

7 avril 2022

En utilisant uniquement des orgues à tuyaux, le trio composé de Sandra Boss, Jonas Olesen et Anders Lauge Meldgaard crée un monde construit sur la fantaisie et l’air. À l’aide d’un ensemble d’orgues à tuyaux modifiés (et midifiés – ou plutôt MIDIfiés), Boss, Oleseon et Meldgaard assemblent un univers réticulé où des possibilités infinies naissent d’un instrument simple et déconstruit. En utilisant de petits orgues portables, le trio ouvre de nouvelles et innombrables facettes où de petits mondes sonores peuvent se développer.

Avec un éventail diversifié de composants sonores flottant à travers chaque couche de SOL OP, ce sont les sons animaliers qui m’ont le plus frappé. Des oiseaux gazouillent sur des lits de sons dansants sur « Fuglene ». Il y a une sensibilité aqueuse dans la cascade de notes qui se déplacent en cercles concentriques autour des bourdons creux sous-jacents. C’est l’un des nombreux timbres surprenants que le trio utilise tout au long de SOL OP. En utilisant tous les aspects des orgues – du système de soufflerie d’air lui-même aux diverses pièces mécaniques de l’orgue et à l’incorporation du contrôle MIDI – le potentiel de pousser dans tous les plans sonores que ces orgues peuvent offrir devient une réalité.

Les sons animaliers se poursuivent tout au long de SOL OP. Des marmonnements rythmiques gutturaux donnent à « Maskinerne » une colonne vertébrale tactile. Des formes plus aiguës scintillent comme la lumière se réfractant à travers des verres remplis d’eau, le rythme rapide des répétitions imitant les ailes d’un colibri. Les hiboux font la sérénade à la lune dans un chœur de minuit sur « Skovene », les différentes textures bougeant toutes conjointement pour donner à la pièce une impression de mouvement ascendant. C’est hypnotisant.

Même dans les passages ténus où les tons étirés semblent coincés dans les airs, comme dans l’ouverture « Sol Op », les passages allongés sont pleins de tension et d’enjouement. Lorsqu’un orgue glisse vers le haut sur les arrangements hurlants au loin, la dichotomie est intéressante et amusante. Bien que le morceau finisse par s’installer dans une zone plus contemplative, la gamme de sentiments ajoute à sa nature séduisante. « Vindene » fonctionne de la même manière, bien que je ne puisse m’empêcher d’imaginer un monde où les trains ont des conversations et, dans ce cas, ils sont clairement ennuyés, mais le trio construit ces pièces avec ces points de vue et structures originaux qui me donnent envie de tout savoir sur chaque note, chaque arrangement.

SOL OP est une exposition qui consiste à prendre un instrument et à en trouver les limites perçues, puis à les repousser. Il y a tellement d’éléments dans SOL OP qui ne ressemblent à rien de ce que j’ai pu entendre d’un orgue à tuyaux. Plus encore, la façon dont Boss, Olesen et Meldgaard combinent ces sons avec les ronflements et les chuchotements plus familiers élève cette musique à quelque chose de vraiment spécial.

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