Upsahl: « Lady Jesus »

27 novembre 2021

Lady Jesus d’Upsahl (une native d’Arizona) est un album composé de dix morceaux de pop alternative, infectieuse et entraînante, écrite par une auteure de chansons tout à fait passionnante. 

Les choses commencent avec «  Douchebag », une chanson qui fait ce qu’elle dit en allant droit au but et en s’attaquant à un ex , un flemmard aux yeux morts, avec une énergie salutaire sur le genre de mélodie qui conviendrait parfaitement à une comédie d’amour des années 90. « Melatonin », en revanche, est un titre plus théâtral qui s’étale d’abord sur un piano luxueux avant de se pavaner dans une robe de bal rouge cerise et une bouteille de Jack Daniels. Le « single » « Time Of My Life » aborde la déception de vivre ses meilleurs jours et de ne pas en profiter sur un air pour lequel Katy Perryaurait pu commettre un meurtre.

« Lunatic » poursuit le thème de l’abandon d’une ancienne vie avec énergie et des paroles sur le fait de frapper un gars «  dans ta petite bite » (in your tiny dick); c’est une vibe forte assurée. La ligne de basse garage-punk de « Thriving » vous attire dans un morceau qui se tortille et tourne autour de vos attentes alors que les harmonies façon Beach Boys mélangent à l’énergie et à l’indifférence d’un combo comme Sleigh Bells. Si vous cherchez un hymne pour ce disque, n’allez pas plus loin que « Notorious, parfait pour un club comme pour une salle comble.

« Idfwfeelings » est une chanson faite de défis et qui reste d’un calme glacial alors que la basse saute, que le rythme tremble et que la chanson entière opère dans l’ombre pour que vous ne puissiez jamais la voir. Loin d’être une ode à l’une des boissons les plus inquiétantes du 20ème siècle, « Sunny D » est une collaboration qui voit Upsahl trouver une nouvelle confiance et une voie hédoniste vers l’avant. « Il y a beaucoup de vampires dans cette ville » (There’s a lot of vampires in this city) est la première ligne de « Last Supper » et c’est le morceau le plus honnête et le plus ouvert de l’album. Upsahl chante « Je vis chaque jour comme si c’était le dernier repas » (I live every day like it’s the last supper) dans le sens de vivre pleinement la vie mais sans faire confiance à ceux qui s’accrochent à vous. 

L’album se termine avec le titre « Lady Jesus » qui se délecte d’une ligne de basse inspirée des années 80 et l’énergie de Sleigh Bells est de retour dans les voix déformées et le style sans compromis. Ce qu’on peut apprécier chez Upsahl, c’est qu’elle a 22 ans, qu’elle écrit sa propre histoire et qu’elle le fait avec style, avec honnêteté et avec un réel talent de compositrice. Il ne s’agit pas d’une marionnette pop ou d’une saucisse de spectacle, Lady Jesus est une bonne et véritable affaire et cet album n’en est que le début.

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Brian Wilson: « At My Piano »

27 novembre 2021

Le compositeur innovant qu’est Brian Wilson revient avec un volume ensoleillé de spirituals pop californiens instrumentaux après le suivi intime qu’a été No Pier Pressure en 2015, et le son magistral pour lequel l a toujours été connu après six décennies. On y retrouve le réoutillage de ses précédents travaux avec les Beach Boys sous forme de compositions instrumentales, juste lui au piano solo.

Des classiques comme « In My Room » sont immédiatement reconnaissables, tandis que « Don’t Worry Baby » et « California Girls » vont trouver une nouvelle vie et une reconstruction revigorante. Lestitres phares de Pet Sounds, « God Only Knows », « Wouldn’t It Be Nice », « You Still Believe in Me » et le ô combien appeoprié « I Just Wasn’t Made for These Times », reçoivent également des transformations immaculées, mais fidèles.

Dans « Sketches of Smile », Wilson revisitera également des parties de son chef-d’œuvre perdu de 1967, notamment « Do You Like Worms », « Heroes and Villains » et « Wonderful ». « Good Vibrations » et « Surf’s Up », de leurs côtés, se suffiseront à elles-mêmes et constitueront les deux pierres angulaires de l’album, tandis que « Love and Mercy », le morceau préféré des solistes, apportera une touche émotionnelle familière.

Ailleurs, la valse romantique qu’est « Friends » (1968), un joyau sous-estimé, brillera aux côtés des œuvres plus importantes de Wilson, tandis que « Til’ I Die » restera une composition toujours aussi triompante. À ce titre,même dépourvu de voix, At My Piano en dit long sur son inspiration et sa créativité.

À plus de 80 ans, Brian Wilson est resté fort en tant que compositeur, produisant à chaque décennie des œuvres de qualité qui rivalisent avec les meilleures d’entre elles. Avec At My Piano, ce géant de la musique se repose confortablement, tout en continuant à rêver aussi intensément qu’il l’a toujours fait.

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Zuzu: « Queensway Tunnel »

17 novembre 2021

Le tourbillon liverpudlien qu’est Zuzu a enfin sorti son premier album Queensway Tunnel et il récompense votre patience à chaque chanson alors que la gloire se déploie dans vos oreilles. Alors, sans plus attendre, plongeons dans l’univers de l’album un opus à faire découvrir. Les choses démarrent avec l’indie stomp de «  Timing » » qui présente parfaitement l’étalage de Zuzu avec des mélodies entraînantes, de l’énergie à chaque tournant et ces voix brillamment uniques et pleines de caractère. « Lie To Myself «  a une vibration plus alt-pop, mais ce n’est pas un produit édulcoré de Los Angeles, Zuzu chante avec son cœur le côté honnête et laid d’une rupture sur un morceau qui mérite d’être joué fort devant une mer de fans qui l’adorent lorsque le soleil se couche et que quelqu’un allume les torches. Le récent « sngle », « My Old Life », complètera la trilogie d’ouverture et s’il existe un morceau plus cru et ouvert sur le fait de repartir à zéro après une relation toxique, on ne l’a encore jamais entendu.

« The Van Is Evil » » nous emmène dans une direction plus originale, Zuzu étant confrontée au conflit entre son désir de sauver la planète et son besoin de se rendre à des concerts dans un van déglingué pour gagner sa croûte. Ensuite, « Toaster » nous invitera à un slow, en nous chuchotant à l’oreille « You know you’re getting on when you get given a toaster » (Vous savez que vous avancez quand on vous donne un grille-pain) pour vous faire comprendre qu’elle n’est pas contente que le temps avance.

« Bevy Head » est le titre-phare parmi tous les morceaux, en raison de la légèreté et du dynamisme pop de la mélodie, combinés à l’ouverture et à l’honnêteté des paroles. Mais là encore, « Where’d You Go ? » » virevolte et tourne en spirale comme un thème de James Bond, avec des touches de Garbage, Amy Winehouse et les Zutons, le tout mélangé avec des résultats dévastateurs. 

Avec les trois derniers titres, nous avons « Never Again » qui montre la capacité naturelle de Zuzu à, premièrement, construire un refrain fantastique et, deuxièmement, à vous couper net avec des paroles directes et désarmantes comme « You’re a piece of shit and so are all your stupid friends » (Tu n’es qu’une merde tout comme tes amis) alors que « Endlessly Yours » sera une chanson d’amour pleine d’élégance et de style qui vous transportera dans un endroit magnifique le temps d’une chanson. L’album s’achève avec le titre « Queensway Tunnel », la fin parfaite d’un album presque parfait qui voit Zuzu disparaître dans le tunnel en direction d’une nouvelle vie alors que le soleil se couche une fois de plus sur la Mersey. Zuzu est un talent véritablement étonnant et étincelant que nous devrions tous soutenir et apprécier pour le bien de votre santé et de votre âme. 

***1/2


Adult Books: « Grecian Urn »

13 novembre 2021

Grecian Urn, le nouvel album de ce groupe de Californie du Sud Adult Books est facile à entendre, mais c’est à peu près tout ce qu’il a à offrir. Le disque flotte sur un post-punk rêveur inspiré du surf-rock, mais il n’a rien d’original. Les vocaux principaux et les chants de fond donnent des frissons dès la première composition « Innocence » et, sur « Receiver », les guitares et les mélodies vocales baignées de soleil sont si accessibles qu’elles font presque mal.

La chanson titre est le premier moment où l’album vous accroche les oreilles, avec une basse synthétisée pulsée qui donne le rythme du morceau. Ici, le son de la guitare brille discrètement tandis que la batterie et la basse se positionnent fermement au premier plan. Le chant n’a rien de spécial, mais il s’intègre parfaitement. Les riffs de guitare sont intéressants, mais ils pourraient être positionnés plus haut dans le mix. Bien qu’il s’agisse apparemment d’un choix stratégique pour faire plus de place à la section rythmique, le synthétiseur pulsé de l’introduction évoque des accords de guitare entraînants qui ne viennent jamais. Les guitares pourraient utiliser un peu de fuzz pour compléter les autres sons brillants.

La meilleure partie de cet album est sans doute la production claire et nette d’Erol Ulug de Bright Lights Studios. Il n’y a aucun problème avec les performances ou même l’écriture des chansons, mais il y a des problèmes de choix. L’album n’est tout simplement pas excitant. Il y a pas mal de fondus enchaînés paresseux au lieu de choisir de terminer les chansons de manière plus créative. Rien n’est spécial ou original dans cette version.

Bien que les mélodies de guitare et de voix de « Holiday » soient agréables, elles sonnent tellement comme The Cure qu’il est difficile de les ignorer. « Florence » n’est pas non plus remarquable et la seconde moitié de l’album est encore plus ennuyeuse (« Dreams » » et un « Apologies » aseptisé, comme s’il s’agissait d’une tentative délibérée d’obtenir un tube pop rappelant les Beach Boys). Ailleurs, les backing vocals et les paroles de « Cassy » font problème et, enfin, « Sparrows On the Razor Wire » présentere l’archétype de ces intros clichés et de ces voix comme étouffées qui n’offrent plus rien d’intéressant depuis quinze ans.

Le plus gros problème de cet album est que le groupe a choisi de faire de ce type de son quelque chose de particulier. La vie étant si courte de nos jours, il faut beaucoup de temps et d’efforts pour la mettre dans une musique oubliable et non artistique. Les riffs peuvent être agréables. Le son de la guitare est jangly et joli. Les rythmes de batterie et les lignes de basse sont solides, mais il n’y a presque rien de nouveau dans cet album et pas grand-chose d’excitant. Mais si vous aimez le post-punk jangly et surf, vous apprécierez peut-être Grecian Urn un peu plus que celui que vous lisez.

**1/2


Colleen Green: « Cool »

30 octobre 2021

Colleen Green est infiniment cool, comme elle l’a prouvé au fil de trois albums, tous ornés de ses éternelles lunettes de soleil et de références à de vieux disques des Descendants. I Want to Grow Up, sorti en 2015 son dernier disque de pop à guitare teintée de punk, a suscité des attentes élevées pour son suivi, attentes que Green a été trop heureuse de mettre de côté. À l’exception de la reprise de « Dude Ranch » de Blink 182 en 2019, Green a été très discrète pendant les six années qui ont suivi. Heureusement, ce temps d’absence porte ses fruits. La Colleen Green que nous trouvons sur Cool se sent plus sûre d’elle que les questionnements existentiels trouvés sur I Want to Grow Up, le nouveau disque la trouvant contente, à l’aise, etcomme d’habitudecool.

L’ouverture, « Somebody Else », indique l’ambiance décontractée du disque, ouvrant l’album sur des lignes de guitare rock universitaire scintillantes, une ligne de basse entraînante et un chant facile. Dès les premiers instants, Green se situe entre la légèreté et la confiance, confrontant une relation unilatérale sur le premier morceau avant de plonger dans un absurde bienvenu avec les accroches tranchantes de « I Wanna Be Your Dog ». Green imagine qu’elle abandonne ses propres névroses pour l’insouciance de la bonne vie en devenant littéralement un chien, sans doute avec toutes les tapes sur la tête et les bonnes filles qui vont avec. Cette même énergie insouciante et ensoleillée réapparaît plus tard dans la liste des titres avec « It’s Nice to Be Nice », accompagné à la fois d’harmonies agréables à l’oreille et d’un solo de guitare explosif. Les accroches et l’instrumentation enjouée sont accompagnées d’un message tout aussi positif, résumé dans le titre de la chanson.

Si les « singles » de l’album font appel au penchant bien établi de Green pour les mélodies accrocheuses, elle s’éloigne également de ses racines punk sur le reste de l’album. Les charmantes guitares floues de I Want to Grow Up sont en grande partie remplacées par un indie rock détendu et languissant. Cela peut avoir pour conséquence que l’album traîne un peu, comme avec la ballade downtempo « I Believe In Love ». Bien que le rythme tranquille manque parfois le charme distinctif de la meilleure musique de Green, son approche déambulatoire et désinhibée permet également à Green d’explorer de nouvelles subtilités.

Certains des meilleurs moments lyriques de l’album surviennent lorsque la disposition ensoleillée de l’album se brise et permet de jeter un coup d’œil derrière le cool sans effort de Green, montrant un côté plus âgé et peut-être plus sombre de Green. Dans « How Much Should You Love Your Husband « », Green explore le mariage, imaginant le stress et l’ennui d’être avec un comédien ou un avocat, ainsi que l’effort constant pour faire fonctionner l’amour. Pendant ce temps, les grooves de basse, les harmonies superposées et les solos de guitare distordue de « You Don’t Exist » accompagnent un regard sur l’anonymat dans notre monde toujours en ligne« Si j’avais un million de followers/alors peut-être qu’ils diraient, ‘CG si populaire’/Plus je vois de choses, plus j’appelle à la connerie/Tu sais que rien n’a d’importance quand tu n’existes pas » (f I had a million followers/Then maybe they would say, ‘CG so popular’/The more and more I see the more I call bullshit/You know that nothing matters when you don’t exist).

Mais même dans les rythmes émotionnels les plus lourds de l’album, Green semble calme et posée, donnant à chacun beaucoup d’espace pour respirer. Elle explore des chemins de traverse inattendus, comme dans le lent brûlot hypnotique de « Highway » ou les synthés spacieux et les rythmes motorisés de « Natural Chorus ». Ce dernier titre et « You Don’t Exist » restent enfermés dans leurs grooves d’ouverture pendant près de deux minutes avant même que la voix de Green n’entre en scène. L’ensemble des structures de chansons tordues, des chuchotements vocaux et des mélodies étonnamment collantes montrent qu’un auteur-compositeur réfléchi se cache derrière le vernis sans effort de ce disque.

Après six ans d’absence, le dernier effort de Green est aussi vif, spirituel et amusant que jamais. Elle semble facile à vivre et à l’aise, peut-être même plus sophistiquée en apparence, ses influences punk passant au second plan. Le disque qui en résulte montre une autre facette de Green, qui peut ne pas plaire à tout le monde. Mais elle offre plus qu’assez de vers d’oreille pop à guitare ensoleillés pour satisfaire ceux qui recherchent son oreille bien aiguisée pour les accroches, tout en pénétrant dans un nouveau territoire. Green s’est toujours contentée de suivre son propre chemin, et elle le fait une fois de plus avec style sur ce Cool.

***1/2


Gretta Ray: « Begin To Look Around »

24 octobre 2021

À 23 ans, beaucoup d’entre nous sont encore en train d’essayer de comprendre la vie et de trouver leur place dans le monde qui nous entoure, souvent en tâtonnant dans le domaine des dettes d’études, des premiers emplois et/ou des premières peines d’amour. Et ce sont ces zones grises uniques, où l’on se débat avec son identité, ses relations et où l’on se débarrasse pour la première fois de son statut de jeune fille, qui animent et intensifient avec enthousiasme le premier album de cette artiste issue de Melbourne, Begin To Look Around.

Après avoir gagné des cœurs et le prestigieux concours d’écriture de chansons de Vanda & Young en 2016, dans la foulée de sa victoire légendaire de triple j Unearthed High la même année, les plans initiaux de Ray pour son tout premier long-métrage étaient bel et bien déjà en marche avant même qu’elle n’ait vraiment dit adieu à son adolescence. 

Mais armée d’une voix pleine de sagesse et de force (et d’un talent insatiable d’auteur-compositeur), il n’est pas étonnant que ce nouvel album soit un voyage si authentique et affable ; Begin To Look Around est, au fond, l’apogée ultime du passage à l’âge adulte, conçu honnêtement en fonction de chaque obstacle et de chaque chagrin d’amour que Ray a dû affronter en cours de route, tout en étant soigneusement emballé pour compléter le voyage personnel de l’auditeur vers l’âge adulte.

De la magie ondulante et géniale de la chanson d’ouverture Bigger Than Me à la passion qui passe à la radio, en passant par la crémeuse Happenstance, la voix robuste de Ray est la force motrice de ses chansons intelligemment conçues, alors qu’elle voltige et gambade fermement avec autorité et, parfois, avec une chaleur étonnante. 

Et si des titres comme « Human » et « Love Me Right » mettent en valeur l’identité affirmée de Ray en 2021, des chansons comme « Cherish » et « Learning You » plongent l’auditeur dans la psyché et les capacités émotionnelles de Ray, cette dernière agissant comme un câlin chaleureux pour ceux qui ont déjà essayé et échoué dans une relation ou dans l’amour en général.

Avec le palmarès et l’histoire prolifique de Ray en tant que musicien qui s’étend bien au-delà de ses moments de percée en 2016, Begin To Look Around était toujours destiné à devenir un triomphe saillant, et une étape tant attendue par la chanteuse à cocher sur la liste. 

Les fins tristes engendrent d’insatiables nouveaux départs sur cette incroyable sortie, et le meilleur n’est bel et bien qu’à venir alors que Ray poursuit son voyage en tant que l’une des jeunes artistes les plus excitantes d’Australie.

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Parquet Courts: « Sympathy for Life »

23 octobre 2021

Quel étrange voyage ce pour ce combo originaire de Brooklyn nommé Parquet Courts. Si quelqu’un vous avait dit, il y a près de dix ans, que l’orientation du groupe s’apparenterait davantage à un DJ set d’Austin Brown qu’à un rager d’A. Savage susceptible de provoquer un mosh pit, vous l’auriez déclaré idiot. Mais, hélas, nous sommes là, heureusement (u pas). Faisant suite à Wide Awake ! qui a été acclamé par la critique et, si l’on ose dire, pouvait être qualifié d’amusant, le dernier album du groupe s’aventure sur un terrain plus funk et inspiré par la danse. S’il n’est pas aussi instantanément contagieux que Wide Awake !, Sympathy For Life témoigne de la volonté du groupe de ne pas s’arrêter.

L’album s’ouvre sur un « Walking at a Downtown Pace »,qui s’inscrit dans la lignée des meilleures chansons du groupe. Sur ce morceau, le co-leader, Savage, est presque étourdi par la perspective de vagabonder après la fermeture. Il promet de « chérir les foules qui m’ont fait agir de façon si rageuse » (treasure the crowds that once made me act so annoyed) sur un rythme swinguant qui rappelle le meilleur de la collaboration du groupe avec le compositeur italien Daniele Luppi sur Milano en 2017. Parmi les autres points forts de Savage, citons le « tuck and roll » garage/surf de « Black Widow Spider » et le plus grognon « Homo Sapien », qui rappelle une version accélérée de « What Color is Blood ? » du groupe. Et il sera, en outre, difficile de nier l’influence de la British Invasion sur l’hyper-addictif « Just Shadows », qui sonne comme un vieux morceau de Ray Davies.

Mais les trouvailles les plus intéressantes de Sympathy For Life viennent des rêveries d’Austin Brown, qui ne sont pas toujours mises en valeur. Les blips et les bleeps de « Marathon Of Anger » évoluent en une quasi-mimique de « Slippery People » des Talking Heads si la chanson était apparue sur Remain In Light au lieu du suivant Speaking In Tongues. Et comme pour les titres phares des Talking Heads, les meilleurs morceaux sont ceux qui permettent au groupe de s’étendre. Le plus important est la longue séance d’entraînement funk de Plant Life, qui est entrecoupée de bribes de conversations aléatoires. Les high hats et les snares de la chanson titre auraient bénéficié d’une durée plus longue et même « Trullo », plus abattu, aurait pu pousser dans d’autres directions s’il avait eu plus d’espace.

Dans la lignée de l’album de rupture du groupe, Sympathy For Life s’avère plus subtil dans ses efforts pour explorer de nouveaux territoires. Peut-être que le breakdown de l’époque précédente, « He’s Seeing Paths », savait depuis le début où le groupe se dirigeait. Dans cette chanson, Brown décrivait les routes alternatives que Savage empruntait chez les Burroughs pour éviter les flics en livrant de l’herbe. Aujourd’hui, le groupe amène la fête avec lui et est plus que désireux de suivre le courant de ce que demain pourrait leur apporter. L’évolution, comme il s’avère, est beaucoup plus intéressante que la révolution, après tout.

***1/2


Sam Fender: « Seventeen Going Under »

10 octobre 2021

Ce « guirar hero » issu du nord-est de l’Angleterre qui a pour nom (on ne l’invente pas) Sam Fender est de retour avec son deuxième disque Seventeen Going Under – un album qui s’appuie sur les bases établies avec son premier numéro un et crée une œuvre imposante.

Hypersonic Missiles, le premier album de Fender sorti en 2019, a été un triomphe pour la musique moderne à la guitare – et cette guitare triomphante inspirée de Springsteen, associée à la voix angélique de Fender, se poursuit avec grâce sur Seventeen Going Under. Lorsqu’il s’agit de son jeu de guitare, Fender est sans aucun doute l’un des meilleurs guitaristes de l’ère moderne. Des morceaux comme le titre d’ouverture, le récent « single » « Get You Down » et le point culminant de l’album, « Spit of You » ont des riffs qui dégagent de l’émotion – un jeu de guitare tout simplement puissant.

Sur l’ensemble du disque, Fender peint une toile de fond sombre mais optimiste du nord-est de l’Angleterre. L’image y est claire, racontable et tristement nostalgique; imaginez, en effet, que vous traversez et observez une ville grise, ordinaire et appauvrie, abandonnée par ceux qui auraient pu l’améliore : voici le parcours, la toile de fond de Seventeen Going Under. Cependant, Fender fait preuve d’optimisme en pensant que cet endroit sombre et misérable a le potentiel d’être meilleur et qu’il devrait l’être.

En gardant à l’esprit ce sombre tableau du nord-est, il est clair que les 11 morceaux de l’album sont profondément personnels pour le guitariste. Outre se pencher sur sa ville natale morose, il fait un bilan des regrets qui ont marqués sa vie et réfléchit à la possibilité d’être un homme meilleur ou pire si les choses étaient différentes. Ceci est démontré par un lyrisme magistral et réel, prenez les paroles simples mais puissamment réalistes de la chanson titre où il déclare : « J’avais bien trop peur de le frapper / mais je le ferais sans hésiter maintenant. » ( I was far too scared to hit him / but I’d hit him in a heartbeat now.) Fender élabore ainsi sur sa propre moralité, et nous offre ainsi unechanson dont l’écoute coupee le souffletant son tableau y est saisissant.

Même s’il n’est pas aussi enjoué et plein de tubes instantanés que son premier album, Seventeen Going Under permet à Sam Fender d’emmener l’auditeur dans un nouveau voyage personnel et émotionnel, centré sur la toile de fond de son adolescence et son propre sens de la moralité. Ce disque est une véritable œuvre d’art qui a le pouvoir d’hypnotiser l’auditeur et de l’amener à s’interroger sur ses démons intérieurs. Il y parvient simplement grâce à sa voix angélique, à son lyrisme magistral et à son jeu de guitare puissamment émotionnel, ce qui fait de lui l’un des plus grands auteurs-compositeurs de cette génération.

***1/2


Joel St. Julien: » Empathy »

7 octobre 2021

Il y a un certain pouvoir à affronter la tristesse en la retournant et en créant un endroit chaud et sûr hors de sa portée. Le compositeur haïtien-américain Joel St. Julien a construit son propre univers sonore au plus profond de l’année 2021, lorsque la pandémie faisait rage et qu’il était difficile de savoir ce que chaque jour apporterait. Empathy est luxuriante, pleine de teintes vibrantes et de panoramas magnifiques où les possibilités sonnent comme une harmonie imprégnée dans le paysage lui-même. L’acte de St. Julien de traiter les horreurs rampantes de la vie américaine est défiant et transcendant alors que s’ouvre l’album

Des sonorités saisissantes se succèdent dans ces pièces, interconnectées par une palette commune construite principalement sur un système modulaire et un ordinateur portable. Les complexités abondent dans cette musique, mais St. Julien utilise des mélodies douces et des phrases transitives pour capter l’attention des auditeurs et nous inviter dans ce monde. Le morceau-titre en quatre parties offre toute une gamme d’émotions, avec « Empathy I » qui contient des parts égales de trépidation et d’espoir, représentées par les arpèges sous-jacents et bouillonnants et par le rythme lancinant. Les fréquences sont filtrées à travers un prisme passe-bas, puis renversées : « Empathy II » brille d’une présence accrue et se poursuit avec « Empathy III », alors que le monde extérieur tente de percer le linceul par le biais d’explosions sonores répétitives et de boucles disjointes. St. Julien tire les ficelles, permettant à des formes disparates et incalculables de se mouvoir dans un doux unisson. Cela pourrait être accablant, mais comme Empathy est totalement immersif, on n’a jamais l’impression que c’est trop.


Sur la deuxième partie d’Empathy, la douceur de St. Julien brille vraiment. « Where I Am » est béat et contemplatif. Il se tient au sommet, regarde sa création et trouve du réconfort dans la chaleur et la beauté laissées dans son sillage. De doux motifs de synthétiseurs sont lents mais déterminés, chaque changement subtil étant un bûcher qui protège. Des embellissements en boucle résonnent dans des champs d’or, projetant des éclats de lumière jusque dans les plus profondes crevasses. C’est un monde où il est possible de flotter librement.

Empathy est, à ce titre, un voyage, séquencé de manière à ce que St. Julien ne révèle pas trop de choses trop tôt. Les premiers moments préparent le terrain et lorsque le duo final de « The World Is Ending (Again) » et « Released » résonne dans le ciel sans nuage, une détermination d’acier a été gravée de façon permanente dans le verre. Comme l’indique le titre de l’album, le cycle de la destruction ne connaît pas de fin qui échappe à notre contrôle, mais en créant des espaces comme Empathy, miroirs d’un monde où le mieux est possible, Saint-Julien prend des mesures pour nous pousser à réaliser cette intention.

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Roxanne De Bastion: « You & Me, We Are The Same »

12 septembre 2021

En ce qui concerne les titres d’ouverture d’albums, « Molecules » est aussi intense et volontaire que possible. Roxanne De Bastion ne plaisante pas avec un morceau qui s’attaque à la religion et aux opinions qui se font passer pour des faits, sur une bande sonore de guitares nerveuses et de voix glacées. You & Me, We Are The Same  » démarre sur les chapeaux de roue et ce n’est pas une surprise car il s’agit du nouvel album d’une des artistes les plus accomplies et les plus dévouées du moment. En effet, « I Remember Everything » est le titre suivant, avec une ambiance qui nous rappelle Dubstar ou St Etienne, grâce aux voix rêveuses et aux mélodies chatoyantes qui créent un peu de lumière par temps pluvieux. 

« Delete Forget Repeat » » continue sur le thème de l’écriture grandiose et discrète, et c’est vraiment la clé du succès de cet album : des chansons qui, à première vue, pourraient sembler être de la pop indé standard, révèlent rapidement leur gloire intérieure avec un plaisir triomphant. Les tons sombres de « Eras » » ont un soupçon de performance théâtrale à la Florence Welch, tandis que « Heavy Lifting » a une nature magique qui pourrait être utilisée dans une comédie musicale sur quelqu’un qui se tire d’une existence morose pour briller – Cinderalla mais à Sheffield au milieu des années 90. 

Le récent « single », « Ordinary Love », réconfortant et exaltant, fonctionne à merveille au milieu de cette collection, comme une chanson qui cherche à rassurer et à célébrer tous ceux qui traversent des moments difficiles dans leur relation. La douce combinaison de piano et de guitare sur « Smoke » évoque une chanson écrite dans la grisaille d’un malaise matinal, tandis que « I Know You » est probablement le meilleur exemple de la voix froide mais empathique de De Bastion, qui cherche à la fois à prendre le contrôle et à demander votre soutien à chaque respiration. 

L’avant-dernier morceau, « London, I Miss You », nous parlera de l’inévitable passage du temps, et la combinaison du chant et du piano lui donne une tristesse d’avant Noël tout bonnement splendide. L’album se termine par « The Weight », une confession autant qu’un appel à l’aide dans la confusion de l’âge adulte, accompagné de guitares tendres et ondulantes, toujours présentes et parfaitement adaptées à leur rôle de soutien sur cet album. Sur cet album, Roxanne De Bastion capte une énorme quantité d’émotions et parvient à les emballer soigneusement dans dix petits paquets au cœur lourd, mais, plus important encore, les paquets sont disposés en ligne, traçant une ligne nette sur ce passage de sa vie. Tout à fait magnifique.

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