The Cleaners From Venus: « Penny Novelettes »

19 juillet 2021

Penny Novelettes est la toute nouvelle version et le dernier joyau à ajouter à la couronne de The Cleaners From Venus, alias Martin Newell, dont les récits intemporels sur la vie provinciale, de l’amour et de tous les points intermédiaires ont fermement établi son travail dans la grande tradition des auteurs-compositeurs-interprètes anglais. 

S’inspirant de thèmes contemporains mais familiers aux adeptes de ce pionnier de l’underground DIY, l’album regorge d’histoires nostalgiques d’amour perdu et d’observations sur la vie quotidienne des Anglais. Comme le titre de l’album l’indique, les chansons de cette collection contiennent des histoires racontées de manière classique qui peuvent être considérées comme des vignettes individuelles de l’existence d’une petite ville ou comme un commentaire sur la société britannique moderne.

Le titre « Penny Novelettes » est le récit poignant mais léger d’un livreur démodé qui est « un retour à une époque bien antérieure » (a throwback to some much earlier time) et qui s’habille comme « le père de son père » (his dad’s dad), qui finit par trouver le grand amour avec une fille du coin, comme l’auraient fait les générations précédentes de sa famille. Évoquant la mélancolie de la meilleure œuvre de Ray Davis, l’acceptation par les personnages du fait que leur mariage ne doit pas être comparé à celui de Meghan et Harry met en évidence une acceptation sans réserve de leur chemin de vie et une incapacité à envisager que cela puisse changer un jour.

« Estuary Boys » dresse un tableau saisissant de la culture « dépensez comme vous gagnez » (spend as you earn) de la société britannique moderne. À la fin de chaque semaine, la vieille couronne ternie au-dessus de la ville brille sur ses habitants qui parlent de voyages en Thaïlande ou à Berlin et trouvent des clients pour le « Paco Rabanne à l’arrière de la camionnette » garée sur le parking du pub. La voix vive de Newell et l’instrumentation enjouée illustrent l’attitude joyeuse et insouciante de tous ceux qui ont l’expérience de cet élément de la vie britannique.

A l’opposé, « Flowers of December » est une évocation onirique de l’amour perdu, avec un thème instrumental insistant, des riffs de guitare qui s’entrechoquent et une voix éthérée. Le « cygne sans espoir » de la chanson qui nage dans la rivière semble incapable d’échapper aux souvenirs du passé qui laissent un désir ardent de jours meilleurs. Les effets et l’instrumentation tout au long de la chanson font penser à un morceau perdu depuis longtemps, extrait d’une session d’enregistrement inédite de Revolver.

Le commentaire social de « Statues » est couplé à un son qui rappelle l’apogée de la power pop. Les solos de guitare classiques et les harmonies vocales se combinent pour aborder des questions contemporaines telles que la pandémie de grippe, l’agitation sociale et l’aide financière aux pauvres. Les plaidoyers persuasifs de l’auteur en faveur du changement sont mis en valeur par une mélodie accrocheuse caractéristique et un arrangement dynamique. 

Sur les 14 pistes de cet ajout bienvenu au catalogue considérable de Newell, Penny Novelettes capte l’imagination de l’auditeur en peignant une image des temps passés et présents, chaque chanson mettant en scène des personnages différents et dépeignant des événements à la fois exceptionnels et banals, afin de mettre en lumière les parties de la Grande-Bretagne que nous avons aimées et perdues et celles qui, pour le meilleur ou pour le pire, demeurent.

***1/2


Wavves: « Hideaway »

14 juillet 2021

Nathan Williams n’est probablement pas assez reconnu pour son talent d’auteur-compositeur. Il a très tôt catalogué Wavves avec des hymnes de punk mollasson aux titres tels que « So Bored » et « Idiot » – mais il a également montré un talent pour les imitations étourdissantes d’Animal Collective, les harmonies des Beach Boys, les chansonnettes de cirque bizarres et les projets secondaires axés sur le rythme.

Ce talent caméléonesque pour les différents styles est mis en avant sur Hideaway, qui atténue au moins quelque peu le crunch pop-punk des albums récents You’re Welcome et V. Cette fois-ci, Williams – avec le bassiste Stephen Pope et le guitariste Alex Gates – se frotte au classicisme pop des années 60 sur la valse « Hideaway » et le cahotant « sha-la » qui remplit « Honeycomb ». Ils expérimentent égalementavec le galop country traditionnel sur le twangy « The Blame », et concluent l’album sur le slow chaloupé qu’est un »Cavia » mené au clavier.

Avec « Sinking Feeling » le groupe fait enfin honneur à toutes les fois où il a été qualifié à tort de surf rock (car chanter sur la plage n’est pas la même chose que faire du surf rock) en superposant des leads de guitare à la Ventures avec des strums acoustiques vifs et des arpèges réverbérés.

Bien sûr, il y a toujours les habituels bangers pop-punk : Williams imite parfaitement le Billie Joe Armstrong de l’époque d’American Idiot sur le morceau d’ouverture « Thru Hell » alors que « My Prize » arborera un rebondissement heureux qui rappelle les vieux copains de Wavves, Best Coast. Comme d’habitude pour Wavves, les paroles traitent de paranoïa, de dépression et d’un sentiment de malaise qui est faible en détails spécifiques et lourd en lignes comme « Hiding hate away / It’s like a river wants to drown, drown, down me » (Cacher la haine / C’est comme si une rivière voulait me noyer, me noyer, me descendre.).

Mais même lorsque les Wavves s’aventurent en terrain connu, l’album de neuf chansons est si court et en traînant qu’il passe comme une brise océanique rafraîchissante. Plutôt bien pour ce sous estimé combo.

***1/2


Cormac O’Caoimh: « Swim Crawl Walk Run »

19 juin 2021

L’un des principaux plaisirs de la critique musicale est de voir comment un artiste évolue et trouve sa voix. Il est certain que celle d’O’Caoimh (et quel instrument séduisant et doux) et ses talents de compositeur ont découvert une riche veine de forme sur ses derniers albums, alors que les premières offres avec The Citadels et son premier album solo étaient un peu inégaux. La collaboratrice régulière et choriste Aoife Regan est de nouveau présente, ainsi que Martin Leahy, qui semble être crédité de jouer d’à peu près tous les instruments et de s’occuper de la production.

« You Won’t Break Me » est une façon légère et lumineuse d’introduire le nouvel album, mais des chansons plus satisfaisantes et plus profondes suivent. « When My Kids Grow Too Old To Hold Hands » est l’un de ces exemples ; la simplicité des arrangements, des touchers grattés de guitare et de la voix toujours intime d’O’Caoimh est une formule gagnante et plus tard, la chanson éclate dans une belle séquence de cordes. « Desire Lines » est un autre point culminant ; des guitares countrifiées et des percussions brossées donnent à la mélodie beaucoup d’espace pour respirer et s’accrocher à l’auditeur.

Alors que l’album arrive à mi-parcours, l’effacé « Pocketful Of Doodling » s’orientera dans une direction plus jazzy qui est un délice, surtout lorsque Regan s’y joint. En même temps,le non moins excellent « When Did I Get So Cold ? » est un autre morceau qui évoque le charme des après-midi pluvieux (pour mémoire, la voix de la chanteuse n’a sans doute jamais sonné aussi chaude). Ces morceaux plus mélancoliques contrastent parfaitement avec le rythme soutenu de la chanson-titre et la dynamique calme et bruyante de «  Untitled » . Le mérite en revient à «  Slow Love », où les rythmes en staccato expérimentaux offrent une injection de cadence quelque peu inattendue (étant donné le titre).

Swim Crawl Walk Run est un album charmant et cohérent, qui met en valeur l’une des voix les plus attachantes de la pop/folk moderne actuelle. Pour les fans de Kings Of Convenience, ce disque méritera les trente-huit minutes d’isolement qu’il saura induire en nous.

***1/2


Crowded House: « Dreamers Are Waiting »

9 juin 2021

Les chansons de Neil Finn dégagent une chaleur agréable qui ressemble à l’étreinte d’un père. Appelez cela la nostalgie d’une enfance lointaine, si vous voulez – Dieu sait que j’ai passé suffisamment de temps assis devant des téléviseurs défraîchis, à regarder les vidéos de « Don’t Dream It’s Over », « Something So Strong » et « It’s Only Natural » jusqu’à ce qu’elles soient gravées au fond de mes yeux. Je n’oublierai jamais cet après-midi innocent où j’ai regardé Neil Finn jouer pour Paul Hester – malheureusement décédé par suicide – et où j’ai eu ma première idée de ce qu’étaient la perte et le chagrin, alors que je n’avais encore aucune idée de la dureté du monde, ni des hypothèques, des pandémies et des dettes d’études. La musique de cet homme me donne l’impression d’être à nouveau un enfant, comme tous ceux qui ont grandi en Australie ou en Nouvelle-Zélande avant le tournant du millénaire : un sentiment si inestimable qu’il est impossible de le quantifier ou de le mettre en mots. Mais ce n’est sûrement pas tout, après des décennies, des projets parallèles et deux groupes aux discographies enviables – il y a sûrement plus ?

Nous savons qu’il y a plus, mais n’avons pas ide de comment l’expliquer à quelqu’un qui lirait cette critique avec un faible souvenir d’avoir aimé « Don’t Dream It’s Over » et aucune autre idée de qui est Neil Finn. En dehors de la Nouvelle-Zélande – son propre lieu de naissance et celui des art-rockers devenus des new-wavers Split Enz – et de l’Australie – lieu de naissance et lieu de fin, plus d’une fois, de Crowded House – la base de fans de Finn est suffisamment petite pour qu’on puisse raisonnablement la qualifier de culte. Nous méritons certainement ce titre : tous les membres du petit cercle auquel j’ai parlé, des vieux briscards qui râlent encore parce que les Enz sont devenus pop aux nouveaux convertis, sont à peu près d’accord pour dire que Neil Finn est l’un des plus grands auteurs-compositeurs de sa génération, sinon le meilleur. Sa voix semble résonner avec une clarté parfaite, simple mais claire comme un ruisseau de montagne, convoquant une marée sans fin de mélodies et de mots nets, simples et magnifiques. Il fut un temps où les diamants semblaient se déverser, entièrement formés, des mains de Neil Finn pour atterrir étincelants dans la lumière du soleil.

Mais l’histoire ne se répète jamais, comme le dit le proverbe, et nous nous retrouvons avec Dreamers Are Waiting trois foutues décennies après le magnum opus de Crowded House, Woodface. Cela fait également onze ans que Crowded House n’a pas sorti son dernier album, le fragmenté Intriguer : là où cet album était trop orienté et enterrait ses gagnants dans la surproduction, Dreamers Are Waiting est tout le contraire. C’est un album fonctionnellement très sûr et agréable, écrit et mixé pour offrir un maximum de confort. Il n’est pas nécessaire de chercher bien loin pour trouver la raison de cette sortie – c’est un câlin chaleureux à un monde qui souffre, nous enveloppant tous de cette même chaleur que celledécrite au début. « My wife is wild in quarantine » (Ma femme est sauvage en quarantaine), chante Neil Finn de façon hilarante dans « Playing With Fire », avant d’adopter un ton très réconfortant à la Crowded House avec « pretend it’s alright, we’ll make it with time » (prétendre queça va bien ; cele, nous le ferons avec le temps). Ce blues de l’enfermement imprègne l’album à tous les niveaux, des sessions d’enregistrement et de mixage à distance à la décision de refondre Crowded House en un projet explicitement familial. Les fils talentueux de Finn, Elroy et Liam, sont respectivement à la batterie et à la guitare/clavier, avec le légendaire Nick Seymour toujours à la basse, mais l’Américain résident et homme-orchestre aux multiples talents, Mark Hart, a malheureusement été laissé de côté. C’est une décision compréhensible, étant donné que le rapport de Neil avec ses fils et Seymour (qui peuvent aussi bien être de la famille après plus de 30 ans dans le groupe) est facile et instinctif. Mais ça pique un peu de voir qu’une partie vitale de l’ère plus complexe et stratifiée de Crowded House a été enlevée, et il est difficile de ne pas ressentir l’absence de Hart sur des morceaux moins importants et squelettiques comme « Whatever You Want ».

Finn a parlé franchement de faire un autre album de Crowded House parce que le moment était venu, parce qu’il voulait aussi le confort et la familiarité de son ancien groupe. Cela explique en grande partie pourquoi cet album réservé et simple porte le titre de Dizzy Heights, plus éclectique, réaffecté en album solo de Neil au milieu de l’enregistrement. Il n’est en fait pas très difficile de tracer une ligne entre Dreamers… et Out of Silence, l’étonnante excursion chamber-folk que Neil a publiée en 2017. Les deux albums s’appuient largement sur les sons de la talentueuse famille Finn, avec même des coécritures d’un Tim Finn à la limite de la reclusivité ; tous deux observent le monde complexe et endommagé qui les entoure depuis un espace familial sûr. Mais Out of Silence était obsédé par le silence, le silence entre les notes presque aussi important que la musique richement texturée elle-même. Dreamers Are Waiting, c’est Crowded House, nom de Dieu – un patronyme qui porte non seulement le confort mais aussi le poids de l’attente pour les auditeurs de longue date.

Le besoin d’une pop puissante s’avère en partie payant ; le funky « To an Island » et un « Playing With Fire » qui se pavane sur fond de cuivres sont clairement les premiers points forts, tandis que le bluesy « Sweet Tooth » et la douce synthpop « Love Isn’t Hard at Al » sont destinés à être des morceaux profonds qui rugissent à la vie lors des concerts. Et comme toujours, le don inné de Finn pour associer une narration suggestive à une mélodie indélébile prend toute son ampleur sur un morceau à combustion lente comme « Show Me the Way ». C’est entre ces deux modes que l’album s’essouffle un peu : les auditeurs occasionnels auront probablement du mal à faire la différence entre des morceaux au rythme lent comme « Goodnight Everyone » et  « Too Good For this World » après plusieurs écoutes, et sur l’échelle de Crowded House, « Deeper Down » n’est pas à la hauteur. Il est amusant de constater que la cohérence de l’écriture de Neil Finn peut presque jouer contre lui. L’homme produit des classiques depuis au moins 1978 et n’a pratiquement jamais commis d’erreur, mais le fait de savoir qu’il est capable d’écrire certaines des plus grandes chansons de tous les temps (« Better Be Home Soon », pour lancer une fléchette sur un mur très enviable) ou même d’excellentes chansons de fin de carrière (« English Trees » ou « Falling Dove »), peut rendre l’agréable affabilité de Dreamers Are Waiting presque indescriptible.

Ce sont plus que des points faibles, bien sûr, mais un peu moins que des trous dans la moustiquaire qui détruisent l’album. Pris en tant que tel – en tant qu’album conçu par une unité familiale, jouant dans un espace familier alors que le monde faisait rage autour d’eux – Dreamers… est en grande partie génial et adorable dans ses défauts. A ce stade, Neil Finn devrait être un ancien de la scène musicale, apparaissant de temps en temps pour faire la bande originale d’un obscur spectacle de théâtre (ce qui est en fait une description de la façon dont son frère aîné Tim opère ces jours-ci). Mais de manière inhabituelle, brillante, l’homme refuse de disparaître. Tous les trois ans au maximum, il revient avec un nouvel album sous un nom de projet, rempli de brillantes perles d’observation et de mélodie, que le support soit du soft rock, de la pop de chambre ou même de la contemplation arty ambiante (comme dans l’injustement sous-estimé Lightsleeper en 2018 avec Liam Finn). Neil Finn mérite tous nos éloges pour sa fiabilité, à défaut d’autre chose : les légendes de la pop sont censées briller et vaciller dans le noir, mais il reste un bastion de simplicité et de chaleur réconfortante, ce qui est vraiment tout l’éloge que Dreamers Are Waiting doit recevoir.

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Sarah Neufeld: « Detritus »

23 mai 2021

Connue à l’origine pour son travail au sein d’Arcade Fire, les projets solo de Sarah Neufeld reflètent constamment le talent divers et obscur qu’elle dégage en tant que multi-instrumentiste. Si le violon est son instrument de prédilection, la façon dont elle exprime sa voix sur cet album est un instrument en soi.

Ses harmonies envoûtantes s’intègrent parfaitement à tous les aspects de l’album et créent un ensemble d’œuvres captivantes tant sur le plan sonore que visuel. L’album plonge dans les mondes atmosphériques de l’exploration sonore et cherche à trouver la tonalité et le but de tous les instruments utilisés.

En commençant l’album avec « Stories », Neufeld crée une expérience cinématographique tout au long de l’album qui peint continuellement une scène pour accompagner sa musique. Sans aucun texte sur l’album, sa musique doit raconter une histoire par elle-même ou être suffisamment vivante pour permettre à l’esprit de l’auditeur d’explorer. Sur « Stories », le décor est celui d’une nuit de tempête perdue en mer. On peut pratiquement sentir l’odeur du sel dans l’air alors que les voix dramatiques et l’influence celtique de la chanson créent une sensation étrange qui finit par mijoter dans le reste de l’album.

Par moments, l’album ressemble davantage à une longue partition de film qu’à un disque ordinaire. Des morceaux comme « Tumble Down The Undecided » commencent par des sous-entendus plus sombres et mystérieux avant de se transformer en un véritable cri de guerre. D’une durée de plus de 9 minutes, le morceau ne fait que s’accumuler jusqu’à son arrivée enthousiaste, sans aucune pause ni moment d’hésitation. Autre tentative cinématographique de l’album, « Shed Your Dear Heart », qui met en valeur les contributions des synthétiseurs et des percussions de l’album. Comme pour le morceau précédent, les thèmes intenses de la guerre ou du conflit semblent être le fil conducteur de ces chansons, les moments forts de l’album ne cessant de s’accumuler jusqu’à sa conclusion compliquée.

Alors que la seconde moitié du disque illustre des aventuriers sonores de grande envergure, Neufeld a décidé de conclure l’album sur un ton plus ambiant et discret. La chanson titre, « Detritus », ne se construit jamais jusqu’à une conclusion à grande échelle et adopte plutôt une approche poétique pour terminer l’histoire. L’intensité lente de la chanson ressemble à un battement de cœur qui s’éteint. Il est difficile pour les auditeurs de savoir où le morceau se dirige et, avec sa fin abrupte, l’ensemble de l’œuvre se termine par un cliff hanger tranquille mais soudain. Sur le papier, la fin du disque peut sembler insatisfaisante, mais les décisions prises par Neufeld tout au long de l’album sont tout à fait logiques sur le plan sonore. Bien que l’histoire ait été racontée, elle laisse encore de la place pour que les chapitres suivants se déroulent.

***1/2


Weezer: « Van Weezer »

17 mai 2021

En l’espace de 5 mois, Weezer – Rivers Cuomo (chant), Patrick Wilson (batterie), Brian Bell (guitare) et Scott Shriner (basse) – s’apprête à sortir son deuxième album studio de l’année, Van Weezer, le vendredi 7 mai 2021 via Crush Music/Atlantic.

Le 28 janvier 2021, Weezer a surpris ses fans en leur présentant un nouvel album, OK Human, composé de piano et d’orchestre, annoncé quelques jours seulement avant sa sortie. Comme prévu, les sons touchants d’OK Human ont été un succès parmi les fans de Weezer qui attendaient le prochain album du quatuor depuis que le monde a basculé il y a un peu plus d’un an. Agréable surprise, OK Human serait le prédécesseur de Van Weezer, qui devait initialement sortir en mai 2020, mais qui a été mis en attente à cause de la pandémie. Produit par Suzy Shinn (Panic ! At The Disco, Fall Out Boy), Van Weezer est prêt à sortir en 2021 avec l’arrivée d’une nouvelle année et des cieux plus ensoleillés.

En apprenant quelque chose de nouveau chaque jour, l’inspiration initiale de Van Weezer est en fait venue de ce qui pourrait être un endroit inattendu pour le quatuor Pop Rock, le Hard Rock et le Heavy Metal. En creusant un peu plus, on s’aperçoit que le Hard Rock et le Heavy Metal font partie des racines musicales de Weezer, Cuomo étant un grand fan de KISS, Bell adorant Black Sabbath, Wilson vénérant Van Halen et Shriner aimant Slayer et Metallica. Il est certain que les garçons de Weezer ont grandi en se tapant la tête sur certains des morceaux les plus rock qui soient. Et nous savons ce que vous pensez, Weezer a-t-il vraiment écrit un album de Metal ? Eh bien, écoutons-le et découvrons-le.

Le puissant Van Weezer commence par le titre « The End of the Game ». Commençant par un riff intentionnellement similaire à « Eruption » de Van Halen (1978) en guise d’intro, ce morceau inclut également une pincée d’harmoniques de guitare d’Eddie Van Halen dans le cadre du riff principal accrocheur. Dans l’ensemble, la chanson est très proche de la marque de fabrique de Weezer, douce et adolescente. En gardant le même rythme, « All The Good Ones » est une autre chanson jeune de Weezer sur le fait de ne jamais être capable de trouver la bonne fille et de la trouver quand même. Avec une attaque de batterie addictive « Hero » est le suivant, suivi de « I Need Some of That », inspiré du pop rock des années 1980, qui vous fera bouger la tête.

Avec ce qui ressemble à un solo de guitare inspiré d’Eddie Van Halen, « Beginning of the End » précède « Blue Dream » qui est essentiellement une reprise musicale du « Crazy Train » d’Ozzy Osbourne, mais avec des paroles différentes. Ensuite, Weezer espère « 1 More Hit » qui mélange le Pop Rock avec un pont Rock très lourd. En fin de partie, Weezer délivre le son d’une moto en guise d’intro à « Sheila Can Do It » avant « She Needs Me » et se termine par un solo de Cuomo sur une guitare acoustique pour « Precious Metal Girl ».

Alors, Weezer a-t-il écrit un album de Metal ? Eh bien non, pas du tout. À l’exception de quelques moments inspirés du Heavy Metal ici et là, Van Weezer est bien plus un album pop rock amusant que du Metal. En substance, ce que vous obtenez sur Van Weezer est du Weezer et avec des chansons accrocheuses comme « I Need Some of That », «  The End of the Game » et  » »Precious Metal Girl » », les fans de Weezer seront heureux.

***1/2


Paul Weller: « Fat Pop (Volume 1) »

16 mai 2021

Bien qu’il soit loin d’égaler les prolifiques Van Morrison ou Willie Nelson en termes de production, le pop rocker britannique Paul Weller a incontestablement le vent en poupe ces derniers temps. Sa seizième sortie en solo (sans compter les travaux antérieurs avec The Jam ou The Style Council) depuis 1992 arrive moins d’un an après On Sunset (2020), qui a atteint le sommet des charts dans son pays. Il s’agit de son cinquième album studio en six ans (il y a également eu un double album « live »), ce qui est remarquable, non seulement en raison de la quantité de musique mais aussi de la qualité fiable de son matériel.

L’album Fat Pop (Volume 1), au nom étrange et humoristique, n’aurait peut-être pas vu le jour aussi rapidement si l’auteur-compositeur-interprète ne s’était pas mis à la recherche d’un projet lorsque sa tournée 2020 a été annulée. Les enregistrements personnels ont été transmis aux membres du groupe par voie électronique. Ils ont ajouté des parties jusqu’à ce qu’ils se réunissent en personne l’été dernier pour produire les chansons, dont beaucoup en direct dans le studio. L’ensemble est censé être une compilation de « singles », comme le laisse entendre le titre (on ne sait pas encore s’il y aura un volume 2) et tous les morceaux, sauf trois, de la douzaine de morceaux durent moins de quatre minutes.

Il s’agit d’une offre diversifiée, la voix profonde et soul de Weller faisant la différence entre Bowie dans sa phase Thin White Duke sur le morceau titre funky et sinueux (vérifiez la clarinette savoureuse et décalée), le R&B jazzy sur le morceau « Testify » rehaussé de flûte et la power pop croustillante pas très éloignée de la période ultérieure de Jam sur « True ». Sur ce dernier, on retrouve le saxo et la voix de la jeune chanteuse de Liverpool, Lia Metcalfe.  La connexion avec Bowie est soulignée sur « Cobweb Connections », largement acoustique, qui sonne comme un extrait des sessions de Hunky Dory.

L’ouverture techno électronique rappelle les débuts de XTC, mais dès que les guitares montent en puissance, le rythme palpitant en fait un hit naturel pour les clubs, même si la sélection se termine brusquement. Weller renoue avec le groove de Style Council avec les cordes lourdes et l’ambiance rétro de « The Pleasure », une tranche de soul douce de style Philly International qui recèle des paroles encourageant à s’élever contre les atrocités sociales, comme « Get up and get involved/It’s now or never/It’s time to make that change/Get in this together/Lose your hypocrisy » (Levez-vous et engagez-vous / C’est maintenant ou jamais / Il est temps de changer les choses / Faites-le ensemble / Perdez votre hypocrisie. ). Weller se lance dans le pop rock sur le bondissant « Failed », une autre sélection qui cache un concept plus sombre : « What kind of person have I really been?/I never took it, I just follow a dream…I failed) » (Quel genre de personne ai-je vraiment été ? /Je ne l’ai jamais pris, j’ai juste suivi un rêve… J’ai échoué) derrière un refrain accrocheur et des accroches sympas.

La ballade finale « Still Glides the Stream » », avec ses cordes vives et pulsées, est un moment fort. Le morceau met en valeur la voix de Weller sur une partition mélodramatique qui palpite et scintille. C’est un final approprié pour une autre tranche de la vision éclectique de Paul Weller, une vision qu’il a développée tout au long de sa longue et remarquablement cohérente carrière de quarante-quatre ans. C’est un parcours incroyablement impressionnant qui ne montre aucun signe de ralentissement.

***1/2


Matt Berry: « The Blue Elephant »

13 mai 2021

Matt Berry, musicien, acteur, voix-off et écrivain, est sans aucun doute une sorte d’homme de la Renaissance. Pour le grand public, il est peut-être mieux connu pour son travail à la télévision dans le rôle de personnages tels que Toast of London, Sanchez de Darkplace ou Beef de House of Fools. Cependant, Berry a également publié avec assiduité des albums très inventifs et riches en détails depuis Jackpot en 1995. Il a sans doute trouvé et établi son rythme avec Witchazel en 2011 et son mélange envoûtant de folk acide et de psych progressif, agrémenté de touches savantes qui font référence à une riche tapisserie d’artistes allant de Vangelis et Jean Michel Jarre à Pentangle et Genesis de l’ère Gabriel. Des sorties successives ont suivi sur le label Acid Jazz Records, qui a offert à l’éclectisme de Berry une base bienvenue pour suivre sa muse, qu’il s’agisse des sons synthétiques vintage de Music For Insomniacs en 2014, ou de Television Themes de 2018 (sur lequel, de façon mémorable, la chanson thème de Rainbow est transformée en un classique psych folk à la Donovan). L’album précédent de Berry, Phantom Birds (2020), dépouillait son travail habituel, richement orchestré, et était tout aussi fascinant par son intimité. Cependant, il est agréable de constater qu’avec son nouvel album, The Blue Elephant, Berry revient à ses récits plus étagés et embellis ; en effet, il s’agit de son œuvre la plus finement et baroquement ornée à ce jour, peut-être délibérément. Une grande partie de la joie dans sa musique vient des sons et des styles finement travaillés, souvent vintage, que Berry essaie, un peu comme M. Ben dans un Madame Tussauds musical, plutôt que dans un magasin de costumes. Constamment inventif, intéressant et étrangement touchant, Blue Elephant est tour à tour nostalgique, mélancolique, troublant et passionnant.

L’album s’ouvre sur une brève introduction, faite de roulements de timbales dramatiques et de flûtes de mellotron cinématographiques, avec de forts échos de l’opus prog atmosphérique de Steve Hackett, Voyage of The Acolyte. Une basse terreuse sert de point d’ancrage, avant que les guitares au carillon urgent de « Summer Sun » et les tons chauds de Berry n’émergent et ne propulsent les choses quelque part entre Deep Purple de l’ère « Hush », The Moody Blues et The Left Banke. Cette approche éclectique de pie est la force de Berry, car les tropes musicaux familiers du folk, de la pop, du funk et du rock des années 60 et 70 fusionnent avec des synthés analogiques bouillonnants et vrombissants pour créer quelque chose qui devient un hommage inspiré, plutôt qu’un pastiche. Ce style ou ce son est également en train de devenir une signature propre à Berry, il est maintenant possible de décrire un morceau de musique comme étant Matt Berry-esque, ce qui n’est pas une mauvaise chose ; en fait, c’est une recommandation.

L’espionnage instrumental à l’orgue de Ray Manzarek et du John Barry de Safe Passage se fond dans le breakdown funk de « Now Disappear » avant que la voix distinctive de Berry ne fasse une réapparition bienvenue sur Alone. Les morceaux de Blue Elephant sont soigneusement conçus pour être écoutés comme un tout ; ils s’enchaînent les uns aux autres et suivent une sorte d’atmosphère narrative, avec des passages instrumentaux ponctués de chansons ou de moments plus dramatiques ou cinématographiques. Chaque pièce de cette « suite » est accompagnée de ses propres détails et rebondissements, tissés de main de maître. Par exemple, les chœurs angéliques au mellotron d’Alone se mêlent à la section parlée de style Warrior on The Edge of Time du morceau en trois parties « Blues Inside Me », qui se transforme ensuite progressivement en électronique analogique chargée de funk. Par contraste, on assiste ensuite à une métamorphose en orgue Farfisa Floydien et en breakdowns à la Syd Barrett, évoquant un dimanche après-midi brumeux aux motifs paisley.

Cependant, l’élément central de « Blues Inside Me » est un classique pop plus conventionnel des années 60, une variation soignée et attentive qui équilibre les morceaux plus outrés de la bande-son. Il glisse ensuite sans transition vers « I Cannot Speak », une tranche parfaitement lancée de Matt Berry en mode classique, avec des guitares wah wah, un refrain triomphant mais curieusement mélancolique, ponctué de cuivres, et un sentiment sous-jacent d’ailleurs. Le monde de Berry n’est jamais sinistre, mais il est étrange et peut être étrangement bizarre.

Sur la deuxième face, le piano nerveux et la guitare de « Spanish Caravan » de la chanson titre sont recouverts d’un passage de spoken word vraiment lysergique, ajoutant un exotisme dérangé aux procédures. Les passages de claviers scintillants et descendants de Life Unknown sont à la fois transportants et cosmiques, sans être voyants ou tape-à-l’œil, malgré l’évidence des musiciens présents ; Berry se concentre sagement sur l’évocation de l’ambiance et de la texture. Ensuite, les effets désorientants de Safer Passage mènent à un passage de flûte et de guitare plaintive, alternant entre le folk psyché et un entraînement prog complet, agrémenté de synthés de science-fiction vacillants, de chants extraterrestres et d’un orgue plus proche de celui de Doors. « Like Stone » offrira une tranche de funk plus conventionnelle, bien qu’agrémentée d’effets de flange et de sitar sauvages. « Story Told » commence par les cris d’un éléphant (bleu) avant de s’épanouir dans un morceau de piano magnifique et délicat, se tissant et s’entrelaçant à travers des passages instrumentaux chaleureusement mélancoliques et des ruptures d’orgue jazzy avant de se terminer de manière véritablement épique à la Pearl and Dean, tandis que les effets de guitare à l’envers et le piano majestueux de « Forget Me » en font une ballade baroque parfaitement formée. L’album se termine par une reprise de » Now Disappear (Again) », un thème d’espionnage pour un film de Le Carre qui n’a pas encore été réalisé.

En effet, l’album dans son ensemble évoque souvent une atmosphère d’espionnage des années 60, une ambiance ou une atmosphère typiquement Harry Palmer. Il y a un sentiment vintage, poussiéreux et légèrement triste d’hier, ainsi qu’un sentiment de fraîcheur et d’intrigue. Le fait que tous les composants, les styles et les instruments apparemment disparates s’écoulent aussi facilement que l’eau et s’intègrent sans effort et avec autant d’émotion témoigne du génie de Berry. Écouter, c’est entrer dans sa vision unique et, on le sent, dans sa façon de voir le monde qui l’entoure. Pourquoi ne pas lui rendre visite pour un moment, et découvrir The Blue Elephant dans toute son étrange beauté.

****1/2


Iceage: « Seek Shelter »

6 mai 2021

Iceage sont de retour, et sur leur cinquième album, le groupe de Copenhague s’éloigne encore plus des sons plus lourds et plus proches du hardcore qui prévalaient dans leurs travaux précédents, poursuivant une progression visible sur le succès critique de leur Beyondless en 2018 .

Désormais à cinq, avec l’arrivée d’un autre guitariste en la personne de Casper Morilla Fernandez, ils évitent à nouveau le hardcore et la no wave en faveur de ce qui pourrait être décrit comme du post-punk avec des caractéristiques britpop. Les chansons sont plus longues, une seule ne dépasse pas les quatre minutes, et le disque n’en compte que neuf. Ils ont fait appel à Sonic Boom (Peter Kember, anciennement du groupe culte Spacemen 3) pour la production, et le Lisboa Gospel Collective apparaît sur quelques titres également.

Il ne sera pas facile de donner une suite à un album comme Beyondless, qui a été acclamé par la critique de tous les coins de la presse musicale, mais Iceage a clairement relevé le défi avec cet album, qui poursuit sa croissance, mais pas au détriment de l’originalité du groupe.

C’est peut-être leur album le plus accessible à ce jour. Le premier titre, «  Shelter Song », déjà sorti en « single », est une déclaration d’intention de cinq minutes et vingt-neuf secondes, qui mêle des guitares grinçantes et une atmosphère presque funèbre à un refrain hymnique de pintes en l’air : une sorte de post-punk du sud de Londres fusionné avec Oasis, et traîné par Jamie T de l’ère Carry On the Grudge. Il est suivi de « High & Hurt « , un titre plus frénétique – mais tout aussi agréable – avec un refrain scandé et des rythmes façon « math-rock ».

« Vendetta » » est l’un des morceaux les plus longs de l’album, mais il ne risque pas de s’éterniser. Elle possède un groove dance-punk contagieux, la voix d’Elias Bender Rønnenfelt maîtrisant l’assurance des légendes britanniques de l’indé passées et présentes, tandis que sur « Gold City », nous nous dirigeons vers le territoire du rock d’arène. Des lignes de basse qui s’entrechoquent et des percussions incessantes en font le genre de morceau fait pour les festivals, fusionnant post-punk et blues-rock. Il y a une vraie pureté brute dans ce morceau, le groupe ajoutant des harmonicas à leur son pour quelque chose de différent.

L’avant-dernier morceau, « The Wider Powder Blue », est un garage-rock rauque plus direct, à la manière des Strokes/Libertines, qui contraste avec le dernier morceau de l’album, « The Holding Hand », un morceau beaucoup plus lent, mais qui imite l’apogée d’un concert avec un final enthousiaste.

Bien qu’il ne soit pas aussi lourd que leurs premiers travaux, et que l’ambiance Britpop soit indéniable, Iceage n’a pas adopté les aspects les plus turgescents du genre ; ce n’est pas du papa-rock de festival. Cependant, il est beaucoup trop simpliste de l’appeler simplement post-punk. C’est un disque qui est sûr de garder leurs fans actuels à bord, tout en attirant quelques nouveaux.

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Sarah Klang: « Virgo »

6 mai 2021

Chacun qui s’intéresse à la pop/rock se devrait de connaître les voix et les compositions étonnantes de la Suédoise Sarah Klang. Cet album est donc plus une arrivée bienvenue qu’une surprise. Quoi qu’il en soit, Virgo est là pour que nous nous y délections, alors arrêtons le préambule et passons aux choses sérieuses. 

S’ouvrant sur « 17 pounds », Klang nous offre une introduction à l’album aussi lunatique et scénique qu’on puisse l’espérer, avec des synthétiseurs brumeux rejoints par un rythme entraînant et cette voix – pleine d’âme, de tristesse, de détermination, d’expérience et, bien sûr, de vie. Le récent « single », « Fever Dream » nous propose ensuite une ambiance plus country, avant de laisser place à « Canyon », une chanson qui surgit à l’horizon du désert avec tout l’espoir et l’optimisme d’un road trip improvisé suggéré par Fleetwood Mac et Miley Cyrus. La douce mélodie de « Anywhere » se transforme progressivement en une chanson réconfortante, tandis que « Girls » met en scène une mélodie de piano rouillée et la voix de Klang dans ce qui est la plus intime des chansons de cette collection.

Le véritable talent de Klang est d’être ouverte et apparemment vulnérable, mais sans jamais paraître vaincue, comme le montre l’énergie de  « Ghost Killer », où elle chante et décrit un cœur  « rempli de rêves » avec une voix qui, bien que soul, ne vous gifle pas vraiment. « Youth » est tout aussi fragile et les comparaisons avec First Aid Kit sont inévitables, mais « Blue » aura un peu plus d’allant et la voix de Klang prend une qualité crépusculaire, presque croonante. Les ondulations folkloriques obsédantes de la guitare acoustique sur « Spell » » se transforment sans effort en quelque chose de plus électronique, puis « Love So Cruel » retentira avec des notes de piano claires qui nous font le coup d’Elton John. 

L’avant-dernière chanson, « Love Bliss », est un morceau rêveur et décalé qui fait vagabonder votre esprit et votre cœur sans vous soucier du monde. Le titre de clôture, un « The End » qui porte bien son nom, nous emmène vers le coucher du soleil, avec une série de synthétiseurs et de rythmes subtils inspirés des années 80. Sarah Klang a une voix incroyable et un réel talent pour créer des chansons qui deviennent des paysages sonores capables de modifier votre humeur en l’espace de trois minutes. Une beauté fragile avec un bord cinématographique…. et plus encore.

***1/2