Roxanne De Bastion: « You & Me, We Are The Same »

12 septembre 2021

En ce qui concerne les titres d’ouverture d’albums, « Molecules » est aussi intense et volontaire que possible. Roxanne De Bastion ne plaisante pas avec un morceau qui s’attaque à la religion et aux opinions qui se font passer pour des faits, sur une bande sonore de guitares nerveuses et de voix glacées. You & Me, We Are The Same  » démarre sur les chapeaux de roue et ce n’est pas une surprise car il s’agit du nouvel album d’une des artistes les plus accomplies et les plus dévouées du moment. En effet, « I Remember Everything » est le titre suivant, avec une ambiance qui nous rappelle Dubstar ou St Etienne, grâce aux voix rêveuses et aux mélodies chatoyantes qui créent un peu de lumière par temps pluvieux. 

« Delete Forget Repeat » » continue sur le thème de l’écriture grandiose et discrète, et c’est vraiment la clé du succès de cet album : des chansons qui, à première vue, pourraient sembler être de la pop indé standard, révèlent rapidement leur gloire intérieure avec un plaisir triomphant. Les tons sombres de « Eras » » ont un soupçon de performance théâtrale à la Florence Welch, tandis que « Heavy Lifting » a une nature magique qui pourrait être utilisée dans une comédie musicale sur quelqu’un qui se tire d’une existence morose pour briller – Cinderalla mais à Sheffield au milieu des années 90. 

Le récent « single », « Ordinary Love », réconfortant et exaltant, fonctionne à merveille au milieu de cette collection, comme une chanson qui cherche à rassurer et à célébrer tous ceux qui traversent des moments difficiles dans leur relation. La douce combinaison de piano et de guitare sur « Smoke » évoque une chanson écrite dans la grisaille d’un malaise matinal, tandis que « I Know You » est probablement le meilleur exemple de la voix froide mais empathique de De Bastion, qui cherche à la fois à prendre le contrôle et à demander votre soutien à chaque respiration. 

L’avant-dernier morceau, « London, I Miss You », nous parlera de l’inévitable passage du temps, et la combinaison du chant et du piano lui donne une tristesse d’avant Noël tout bonnement splendide. L’album se termine par « The Weight », une confession autant qu’un appel à l’aide dans la confusion de l’âge adulte, accompagné de guitares tendres et ondulantes, toujours présentes et parfaitement adaptées à leur rôle de soutien sur cet album. Sur cet album, Roxanne De Bastion capte une énorme quantité d’émotions et parvient à les emballer soigneusement dans dix petits paquets au cœur lourd, mais, plus important encore, les paquets sont disposés en ligne, traçant une ligne nette sur ce passage de sa vie. Tout à fait magnifique.

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The Shadracks: « From Human Like Forms »

12 septembre 2021

Les noms de groupes intrigants sont rares, mais les Britanniques font mieux. Si vous n’avez pas entendu parler de The Shadracks, assurez-vous de réparer cette erreur. Shadrack est un nom d’origine babylonienne qui signifie littéralement « Commandement d’Aku », le Dieu Lune. Shadrack était l’un des trois captifs hébreux qui furent jetés dans une fournaise ardente et en sortirent indemnes. Punk comme l’enfer ! Quel nom parfaitement approprié pour un groupe qui porte ses influences primitives comme une couronne et ne tourne pas autour du pot.

Ce trio possède une chimie électrisante et des voix puissantes portées par son charismatique frontman et guitariste Huddie Shadrack. Sa voix peut vous rappeler celle de l’artiste prolifique Billy Childish, son père, qui a également produit leur dernier album From Human Like Forms. Par moments, sa gamme vocale polyvalente présente aussi quelques bizarreries à la Eddie Argos (Art Brut). La section rythmique est tout aussi compétente avec l’extraordinaire batteuse Elisa Abednego et le bassiste impérial Rhys Webb, mieux connu comme membre de The Horrors. 

Originaires du Kent, The Shadracks élaborent des hymnes acérés qui jettent un regard sec sur les relations humaines, dans la lignée du groupe de Birmingham des années 80, The Au Pairs. Y a-t-il quelque chose de plus récurrent dans la musique rock ‘n’ roll que de désirer quelque chose ou quelqu’un que l’on ne peut avoir ? C’est la pierre angulaire du matériel du groupe, résumée dans leur chanson « You Can’t Lose » ». Il s’agit de vouloir quelque chose que l’on ne peut pas avoir, de courir après l’inaccessible et de se retrouver à la merci de ses poursuites.

Rempli à ras bord d’énergie brute, d’assurance sans effort et d’un style intemporel, From Human Like Forms vous garde comme un chat sur un toit d’étain chaud tout au long de ses quatorze paysages d’humeur. Huddie utilise pleinement sa voix comme un instrument pour compléter ses paroles aiguës et sans complaisance. Les chœurs dégagent une aura plus candide qui résonne chez l’auditeur. Les chansons franches et féroces peuvent être suivies de chansons plus douces et sentimentales comme « You Like It Then », sans que cela ne semble incongru.

Dans leurs atmosphères les plus sinistres, The Shadracks peuvent également rappeler The Fall dans l’époque de This Nation’s Saving Grace, comme sur le brumeux et sinistre « Delicate Touch », l’un des sommets de cet album. Ils sont capables d’évoquer l’ambiance glaciale de la Grande-Bretagne des années 80 tout en s’appropriant intelligemment leur son.

À une époque où la musique se prend trop au sérieux et dans un océan de groupes sosies, quoi de plus valorisant qu’un groupe qui nous ramène aux valeurs fondamentales et à l’essence du rock ‘n’ roll brut et effronté ?

***1/2


Maisie Peters: « You Signed Up For This »

7 septembre 2021

Le premier album de Maisie Peters, You Signed Up For This, est un aperçu de ce que représente pour des jeunes personnes et leurs premières relations le passage à l’âge adulte tant les chansons qui le contituent semblent tout droit sorties du journal intime d’une adolescente.

Après avoir travaillé avec des artistes tels qu’Ed Sheeran et James Bay ainsi qu’avec les producteurs Afterhrs (Niall Horan) et Brad Ellis (Jorja Smith, Little Mix), il est aisé de constater que Peters est pleine de talent et que ses influences sont évidentes dans sa musique.

La voix délicate de « Hollow », associée à une guitare folk scintillante et à une section de cordes douces, crée un environnement fragile, surtout si on le juxtapose au morceau précédent, beaucoup plus massif,  « Boy ». La façon dont Peters parvient à transmettre l’émotion à travers ses mélodies signifie que certaines des chansons pourraient être tout aussi efficaces en tant qu’instrumentales. Beaucoup de ces chansons pourraient faire partie de la bande originale d’un film sur le passage à l’âge adulte d’une adolescente de l’ère Angus, Thongs, and Perfect Snogging.

Coécrit avec Ed Sheeran et Steve Mac, le « single » « Psycho» est un point culminant de l’album. De loin le morceau le plus lourd et le plus dansant, il apporte en effet apporte un répit bienvenu par rapport à ses prédécesseurs acoustiques et, avec sa mélodie joyeuse et entraînante, c’est un morceau ideal pour vous faire vraiment du bien si vous sortez d’une rupture ou et vous remonter le moral.

Le plus gros problème de cet album est que, fondamentalement, beaucoup de chansons tournent autour de la même relation et de sa rupture – et elles se ressemblent beaucoup les unes les autres. Pour quelqu’un qui traverse une rupture, cet album sera une bonne écoute de réconfort, mais à part « Brooklyn » qui se concentre sur des vacances à New York avec sa sœur, toutes les chansons de l’album de 14 titres semblent suivre le même sujet.

Pourtant, mélodiquement, chaque morceau est magnifique. Ce n’est pas un mince exploit d’avoir sorti la bande originale d’un spectacle et un album la même année, même si You Signed Up For This peut avoir tendance à être répétitif.

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Joe James Boyle: « Abraham Smoothe »

29 août 2021

Joe James Boyle a engendré un double fictif basé dans l’ouest sauvage, son nom est Abraham Smoothe. Cet individu est le hors-la-loi ultime, à savoir qu’il remplit toutes les cases nécessaires : solitaire, flingueur, fugitif, buveur de whisky à la chaîne, son cœur saigne de ressentiment et de vengeance. L’album s’ouvre sur « The Ballad of Abraham Smoothe », avec des touches qui évoquent un saloon digne d’un film, vous pouvez aussi bien imaginer la bande locale, son amour aux yeux espagnols et où les ennemis d’Abraham pourraient se cacher, puis en un clin d’œil, l’entendre tirer plus vite que son ombre. Attention, sa main est rapide comme l’éclair. Ce disque raconte son histoire plutôt captivante, sinueuse et pourtant attachante. Qu’est-ce qui fait d’un homme un hors-la-loi ? Y a-t-il un Jesse James dans chaque homme qui ne veut pas être enchaîné au droit chemin ? Écoutez la complainte chantante du narrateur. Il porte son cœur sur sa veuve, Dans « The Ballad of Abraham Smoothe », ce dernier remet les pendules à l’heure. Il voulait être un rêveur mais la société ne l’a pas laissé être et l’a corrompu, c’est pourquoi il est en fuite et son but est de rester inatteignable. Il a créé une légende en défiant les normes sociales. Il se vante de son statut de fugitif oublié de tous, son sens du destin est-il astucieux ou sa bonne étoile va-t-elle l’abandonner ?

La narration de l’album est aussi tranchante qu’un couteau, alors que ses chansons sont apparemment dépouillées, son récit est habilement agrémenté de gimmicks importants et de rebondissements accrocheurs. « They Treat You Like A Fugitive » donne à sa grandeur de western spaghetti une résonance plus profonde. Il réaffirme et élargit ici sa devise de vie. Le Londonien Joe James Boyle a un don pour les ambiances de cow-boys remplies de poudre à canon, un faible pour les gars sentimentaux devenus méchants et il écrit des paroles qui font vibrer une corde sensible pour vous inviter à la Suite Deluxe de son héros.

La voix mélodieuse et virile de Boyle est captivante lorsqu’il raconte les aventures de son double fictif, il peut vous raconter bien des histoires… Dans le registre le plus doux de sa gamme vocale, il peut rappeler à certains Pip Proud qui a été un jour considéré comme le Syd Barrett australien, bien que ses disques soient sortis avant les sorties en solo du poète anglais.

Parmi ses nombreuses armes, l’arme de prédilection d’Abe est son style de guitare polyvalent, qui suit la trame de son histoire comme un serpent.

qui suit la trame de son histoire comme une ligne serpentine. Il cède ses six cordes aux moments les plus appropriés de son récit pour donner à ce dernier une puissante poussée d’adrénaline qui maintient l’auditeur accroché. Ce portrait sonore constitue une ode à la vie de bandit, chic et séduisante. C’est la devise d’Abraham si vous souhaitez rejoindre son équipage : « Ne croyez pas les conneries / Croyez plutôt un fugitif / Si vous utilisez juste votre initiative / Vous pouvez changer le récit » (« Don’t believe the bullshit / Best believe a fugitive / If you just use your initiative / You can change the narrative).

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The Cleaners From Venus: « Penny Novelettes »

19 juillet 2021

Penny Novelettes est la toute nouvelle version et le dernier joyau à ajouter à la couronne de The Cleaners From Venus, alias Martin Newell, dont les récits intemporels sur la vie provinciale, de l’amour et de tous les points intermédiaires ont fermement établi son travail dans la grande tradition des auteurs-compositeurs-interprètes anglais. 

S’inspirant de thèmes contemporains mais familiers aux adeptes de ce pionnier de l’underground DIY, l’album regorge d’histoires nostalgiques d’amour perdu et d’observations sur la vie quotidienne des Anglais. Comme le titre de l’album l’indique, les chansons de cette collection contiennent des histoires racontées de manière classique qui peuvent être considérées comme des vignettes individuelles de l’existence d’une petite ville ou comme un commentaire sur la société britannique moderne.

Le titre « Penny Novelettes » est le récit poignant mais léger d’un livreur démodé qui est « un retour à une époque bien antérieure » (a throwback to some much earlier time) et qui s’habille comme « le père de son père » (his dad’s dad), qui finit par trouver le grand amour avec une fille du coin, comme l’auraient fait les générations précédentes de sa famille. Évoquant la mélancolie de la meilleure œuvre de Ray Davis, l’acceptation par les personnages du fait que leur mariage ne doit pas être comparé à celui de Meghan et Harry met en évidence une acceptation sans réserve de leur chemin de vie et une incapacité à envisager que cela puisse changer un jour.

« Estuary Boys » dresse un tableau saisissant de la culture « dépensez comme vous gagnez » (spend as you earn) de la société britannique moderne. À la fin de chaque semaine, la vieille couronne ternie au-dessus de la ville brille sur ses habitants qui parlent de voyages en Thaïlande ou à Berlin et trouvent des clients pour le « Paco Rabanne à l’arrière de la camionnette » garée sur le parking du pub. La voix vive de Newell et l’instrumentation enjouée illustrent l’attitude joyeuse et insouciante de tous ceux qui ont l’expérience de cet élément de la vie britannique.

A l’opposé, « Flowers of December » est une évocation onirique de l’amour perdu, avec un thème instrumental insistant, des riffs de guitare qui s’entrechoquent et une voix éthérée. Le « cygne sans espoir » de la chanson qui nage dans la rivière semble incapable d’échapper aux souvenirs du passé qui laissent un désir ardent de jours meilleurs. Les effets et l’instrumentation tout au long de la chanson font penser à un morceau perdu depuis longtemps, extrait d’une session d’enregistrement inédite de Revolver.

Le commentaire social de « Statues » est couplé à un son qui rappelle l’apogée de la power pop. Les solos de guitare classiques et les harmonies vocales se combinent pour aborder des questions contemporaines telles que la pandémie de grippe, l’agitation sociale et l’aide financière aux pauvres. Les plaidoyers persuasifs de l’auteur en faveur du changement sont mis en valeur par une mélodie accrocheuse caractéristique et un arrangement dynamique. 

Sur les 14 pistes de cet ajout bienvenu au catalogue considérable de Newell, Penny Novelettes capte l’imagination de l’auditeur en peignant une image des temps passés et présents, chaque chanson mettant en scène des personnages différents et dépeignant des événements à la fois exceptionnels et banals, afin de mettre en lumière les parties de la Grande-Bretagne que nous avons aimées et perdues et celles qui, pour le meilleur ou pour le pire, demeurent.

***1/2


Wavves: « Hideaway »

14 juillet 2021

Nathan Williams n’est probablement pas assez reconnu pour son talent d’auteur-compositeur. Il a très tôt catalogué Wavves avec des hymnes de punk mollasson aux titres tels que « So Bored » et « Idiot » – mais il a également montré un talent pour les imitations étourdissantes d’Animal Collective, les harmonies des Beach Boys, les chansonnettes de cirque bizarres et les projets secondaires axés sur le rythme.

Ce talent caméléonesque pour les différents styles est mis en avant sur Hideaway, qui atténue au moins quelque peu le crunch pop-punk des albums récents You’re Welcome et V. Cette fois-ci, Williams – avec le bassiste Stephen Pope et le guitariste Alex Gates – se frotte au classicisme pop des années 60 sur la valse « Hideaway » et le cahotant « sha-la » qui remplit « Honeycomb ». Ils expérimentent égalementavec le galop country traditionnel sur le twangy « The Blame », et concluent l’album sur le slow chaloupé qu’est un »Cavia » mené au clavier.

Avec « Sinking Feeling » le groupe fait enfin honneur à toutes les fois où il a été qualifié à tort de surf rock (car chanter sur la plage n’est pas la même chose que faire du surf rock) en superposant des leads de guitare à la Ventures avec des strums acoustiques vifs et des arpèges réverbérés.

Bien sûr, il y a toujours les habituels bangers pop-punk : Williams imite parfaitement le Billie Joe Armstrong de l’époque d’American Idiot sur le morceau d’ouverture « Thru Hell » alors que « My Prize » arborera un rebondissement heureux qui rappelle les vieux copains de Wavves, Best Coast. Comme d’habitude pour Wavves, les paroles traitent de paranoïa, de dépression et d’un sentiment de malaise qui est faible en détails spécifiques et lourd en lignes comme « Hiding hate away / It’s like a river wants to drown, drown, down me » (Cacher la haine / C’est comme si une rivière voulait me noyer, me noyer, me descendre.).

Mais même lorsque les Wavves s’aventurent en terrain connu, l’album de neuf chansons est si court et en traînant qu’il passe comme une brise océanique rafraîchissante. Plutôt bien pour ce sous estimé combo.

***1/2


Cormac O’Caoimh: « Swim Crawl Walk Run »

19 juin 2021

L’un des principaux plaisirs de la critique musicale est de voir comment un artiste évolue et trouve sa voix. Il est certain que celle d’O’Caoimh (et quel instrument séduisant et doux) et ses talents de compositeur ont découvert une riche veine de forme sur ses derniers albums, alors que les premières offres avec The Citadels et son premier album solo étaient un peu inégaux. La collaboratrice régulière et choriste Aoife Regan est de nouveau présente, ainsi que Martin Leahy, qui semble être crédité de jouer d’à peu près tous les instruments et de s’occuper de la production.

« You Won’t Break Me » est une façon légère et lumineuse d’introduire le nouvel album, mais des chansons plus satisfaisantes et plus profondes suivent. « When My Kids Grow Too Old To Hold Hands » est l’un de ces exemples ; la simplicité des arrangements, des touchers grattés de guitare et de la voix toujours intime d’O’Caoimh est une formule gagnante et plus tard, la chanson éclate dans une belle séquence de cordes. « Desire Lines » est un autre point culminant ; des guitares countrifiées et des percussions brossées donnent à la mélodie beaucoup d’espace pour respirer et s’accrocher à l’auditeur.

Alors que l’album arrive à mi-parcours, l’effacé « Pocketful Of Doodling » s’orientera dans une direction plus jazzy qui est un délice, surtout lorsque Regan s’y joint. En même temps,le non moins excellent « When Did I Get So Cold ? » est un autre morceau qui évoque le charme des après-midi pluvieux (pour mémoire, la voix de la chanteuse n’a sans doute jamais sonné aussi chaude). Ces morceaux plus mélancoliques contrastent parfaitement avec le rythme soutenu de la chanson-titre et la dynamique calme et bruyante de «  Untitled » . Le mérite en revient à «  Slow Love », où les rythmes en staccato expérimentaux offrent une injection de cadence quelque peu inattendue (étant donné le titre).

Swim Crawl Walk Run est un album charmant et cohérent, qui met en valeur l’une des voix les plus attachantes de la pop/folk moderne actuelle. Pour les fans de Kings Of Convenience, ce disque méritera les trente-huit minutes d’isolement qu’il saura induire en nous.

***1/2


Crowded House: « Dreamers Are Waiting »

9 juin 2021

Les chansons de Neil Finn dégagent une chaleur agréable qui ressemble à l’étreinte d’un père. Appelez cela la nostalgie d’une enfance lointaine, si vous voulez – Dieu sait que j’ai passé suffisamment de temps assis devant des téléviseurs défraîchis, à regarder les vidéos de « Don’t Dream It’s Over », « Something So Strong » et « It’s Only Natural » jusqu’à ce qu’elles soient gravées au fond de mes yeux. Je n’oublierai jamais cet après-midi innocent où j’ai regardé Neil Finn jouer pour Paul Hester – malheureusement décédé par suicide – et où j’ai eu ma première idée de ce qu’étaient la perte et le chagrin, alors que je n’avais encore aucune idée de la dureté du monde, ni des hypothèques, des pandémies et des dettes d’études. La musique de cet homme me donne l’impression d’être à nouveau un enfant, comme tous ceux qui ont grandi en Australie ou en Nouvelle-Zélande avant le tournant du millénaire : un sentiment si inestimable qu’il est impossible de le quantifier ou de le mettre en mots. Mais ce n’est sûrement pas tout, après des décennies, des projets parallèles et deux groupes aux discographies enviables – il y a sûrement plus ?

Nous savons qu’il y a plus, mais n’avons pas ide de comment l’expliquer à quelqu’un qui lirait cette critique avec un faible souvenir d’avoir aimé « Don’t Dream It’s Over » et aucune autre idée de qui est Neil Finn. En dehors de la Nouvelle-Zélande – son propre lieu de naissance et celui des art-rockers devenus des new-wavers Split Enz – et de l’Australie – lieu de naissance et lieu de fin, plus d’une fois, de Crowded House – la base de fans de Finn est suffisamment petite pour qu’on puisse raisonnablement la qualifier de culte. Nous méritons certainement ce titre : tous les membres du petit cercle auquel j’ai parlé, des vieux briscards qui râlent encore parce que les Enz sont devenus pop aux nouveaux convertis, sont à peu près d’accord pour dire que Neil Finn est l’un des plus grands auteurs-compositeurs de sa génération, sinon le meilleur. Sa voix semble résonner avec une clarté parfaite, simple mais claire comme un ruisseau de montagne, convoquant une marée sans fin de mélodies et de mots nets, simples et magnifiques. Il fut un temps où les diamants semblaient se déverser, entièrement formés, des mains de Neil Finn pour atterrir étincelants dans la lumière du soleil.

Mais l’histoire ne se répète jamais, comme le dit le proverbe, et nous nous retrouvons avec Dreamers Are Waiting trois foutues décennies après le magnum opus de Crowded House, Woodface. Cela fait également onze ans que Crowded House n’a pas sorti son dernier album, le fragmenté Intriguer : là où cet album était trop orienté et enterrait ses gagnants dans la surproduction, Dreamers Are Waiting est tout le contraire. C’est un album fonctionnellement très sûr et agréable, écrit et mixé pour offrir un maximum de confort. Il n’est pas nécessaire de chercher bien loin pour trouver la raison de cette sortie – c’est un câlin chaleureux à un monde qui souffre, nous enveloppant tous de cette même chaleur que celledécrite au début. « My wife is wild in quarantine » (Ma femme est sauvage en quarantaine), chante Neil Finn de façon hilarante dans « Playing With Fire », avant d’adopter un ton très réconfortant à la Crowded House avec « pretend it’s alright, we’ll make it with time » (prétendre queça va bien ; cele, nous le ferons avec le temps). Ce blues de l’enfermement imprègne l’album à tous les niveaux, des sessions d’enregistrement et de mixage à distance à la décision de refondre Crowded House en un projet explicitement familial. Les fils talentueux de Finn, Elroy et Liam, sont respectivement à la batterie et à la guitare/clavier, avec le légendaire Nick Seymour toujours à la basse, mais l’Américain résident et homme-orchestre aux multiples talents, Mark Hart, a malheureusement été laissé de côté. C’est une décision compréhensible, étant donné que le rapport de Neil avec ses fils et Seymour (qui peuvent aussi bien être de la famille après plus de 30 ans dans le groupe) est facile et instinctif. Mais ça pique un peu de voir qu’une partie vitale de l’ère plus complexe et stratifiée de Crowded House a été enlevée, et il est difficile de ne pas ressentir l’absence de Hart sur des morceaux moins importants et squelettiques comme « Whatever You Want ».

Finn a parlé franchement de faire un autre album de Crowded House parce que le moment était venu, parce qu’il voulait aussi le confort et la familiarité de son ancien groupe. Cela explique en grande partie pourquoi cet album réservé et simple porte le titre de Dizzy Heights, plus éclectique, réaffecté en album solo de Neil au milieu de l’enregistrement. Il n’est en fait pas très difficile de tracer une ligne entre Dreamers… et Out of Silence, l’étonnante excursion chamber-folk que Neil a publiée en 2017. Les deux albums s’appuient largement sur les sons de la talentueuse famille Finn, avec même des coécritures d’un Tim Finn à la limite de la reclusivité ; tous deux observent le monde complexe et endommagé qui les entoure depuis un espace familial sûr. Mais Out of Silence était obsédé par le silence, le silence entre les notes presque aussi important que la musique richement texturée elle-même. Dreamers Are Waiting, c’est Crowded House, nom de Dieu – un patronyme qui porte non seulement le confort mais aussi le poids de l’attente pour les auditeurs de longue date.

Le besoin d’une pop puissante s’avère en partie payant ; le funky « To an Island » et un « Playing With Fire » qui se pavane sur fond de cuivres sont clairement les premiers points forts, tandis que le bluesy « Sweet Tooth » et la douce synthpop « Love Isn’t Hard at Al » sont destinés à être des morceaux profonds qui rugissent à la vie lors des concerts. Et comme toujours, le don inné de Finn pour associer une narration suggestive à une mélodie indélébile prend toute son ampleur sur un morceau à combustion lente comme « Show Me the Way ». C’est entre ces deux modes que l’album s’essouffle un peu : les auditeurs occasionnels auront probablement du mal à faire la différence entre des morceaux au rythme lent comme « Goodnight Everyone » et  « Too Good For this World » après plusieurs écoutes, et sur l’échelle de Crowded House, « Deeper Down » n’est pas à la hauteur. Il est amusant de constater que la cohérence de l’écriture de Neil Finn peut presque jouer contre lui. L’homme produit des classiques depuis au moins 1978 et n’a pratiquement jamais commis d’erreur, mais le fait de savoir qu’il est capable d’écrire certaines des plus grandes chansons de tous les temps (« Better Be Home Soon », pour lancer une fléchette sur un mur très enviable) ou même d’excellentes chansons de fin de carrière (« English Trees » ou « Falling Dove »), peut rendre l’agréable affabilité de Dreamers Are Waiting presque indescriptible.

Ce sont plus que des points faibles, bien sûr, mais un peu moins que des trous dans la moustiquaire qui détruisent l’album. Pris en tant que tel – en tant qu’album conçu par une unité familiale, jouant dans un espace familier alors que le monde faisait rage autour d’eux – Dreamers… est en grande partie génial et adorable dans ses défauts. A ce stade, Neil Finn devrait être un ancien de la scène musicale, apparaissant de temps en temps pour faire la bande originale d’un obscur spectacle de théâtre (ce qui est en fait une description de la façon dont son frère aîné Tim opère ces jours-ci). Mais de manière inhabituelle, brillante, l’homme refuse de disparaître. Tous les trois ans au maximum, il revient avec un nouvel album sous un nom de projet, rempli de brillantes perles d’observation et de mélodie, que le support soit du soft rock, de la pop de chambre ou même de la contemplation arty ambiante (comme dans l’injustement sous-estimé Lightsleeper en 2018 avec Liam Finn). Neil Finn mérite tous nos éloges pour sa fiabilité, à défaut d’autre chose : les légendes de la pop sont censées briller et vaciller dans le noir, mais il reste un bastion de simplicité et de chaleur réconfortante, ce qui est vraiment tout l’éloge que Dreamers Are Waiting doit recevoir.

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Sarah Neufeld: « Detritus »

23 mai 2021

Connue à l’origine pour son travail au sein d’Arcade Fire, les projets solo de Sarah Neufeld reflètent constamment le talent divers et obscur qu’elle dégage en tant que multi-instrumentiste. Si le violon est son instrument de prédilection, la façon dont elle exprime sa voix sur cet album est un instrument en soi.

Ses harmonies envoûtantes s’intègrent parfaitement à tous les aspects de l’album et créent un ensemble d’œuvres captivantes tant sur le plan sonore que visuel. L’album plonge dans les mondes atmosphériques de l’exploration sonore et cherche à trouver la tonalité et le but de tous les instruments utilisés.

En commençant l’album avec « Stories », Neufeld crée une expérience cinématographique tout au long de l’album qui peint continuellement une scène pour accompagner sa musique. Sans aucun texte sur l’album, sa musique doit raconter une histoire par elle-même ou être suffisamment vivante pour permettre à l’esprit de l’auditeur d’explorer. Sur « Stories », le décor est celui d’une nuit de tempête perdue en mer. On peut pratiquement sentir l’odeur du sel dans l’air alors que les voix dramatiques et l’influence celtique de la chanson créent une sensation étrange qui finit par mijoter dans le reste de l’album.

Par moments, l’album ressemble davantage à une longue partition de film qu’à un disque ordinaire. Des morceaux comme « Tumble Down The Undecided » commencent par des sous-entendus plus sombres et mystérieux avant de se transformer en un véritable cri de guerre. D’une durée de plus de 9 minutes, le morceau ne fait que s’accumuler jusqu’à son arrivée enthousiaste, sans aucune pause ni moment d’hésitation. Autre tentative cinématographique de l’album, « Shed Your Dear Heart », qui met en valeur les contributions des synthétiseurs et des percussions de l’album. Comme pour le morceau précédent, les thèmes intenses de la guerre ou du conflit semblent être le fil conducteur de ces chansons, les moments forts de l’album ne cessant de s’accumuler jusqu’à sa conclusion compliquée.

Alors que la seconde moitié du disque illustre des aventuriers sonores de grande envergure, Neufeld a décidé de conclure l’album sur un ton plus ambiant et discret. La chanson titre, « Detritus », ne se construit jamais jusqu’à une conclusion à grande échelle et adopte plutôt une approche poétique pour terminer l’histoire. L’intensité lente de la chanson ressemble à un battement de cœur qui s’éteint. Il est difficile pour les auditeurs de savoir où le morceau se dirige et, avec sa fin abrupte, l’ensemble de l’œuvre se termine par un cliff hanger tranquille mais soudain. Sur le papier, la fin du disque peut sembler insatisfaisante, mais les décisions prises par Neufeld tout au long de l’album sont tout à fait logiques sur le plan sonore. Bien que l’histoire ait été racontée, elle laisse encore de la place pour que les chapitres suivants se déroulent.

***1/2


Weezer: « Van Weezer »

17 mai 2021

En l’espace de 5 mois, Weezer – Rivers Cuomo (chant), Patrick Wilson (batterie), Brian Bell (guitare) et Scott Shriner (basse) – s’apprête à sortir son deuxième album studio de l’année, Van Weezer, le vendredi 7 mai 2021 via Crush Music/Atlantic.

Le 28 janvier 2021, Weezer a surpris ses fans en leur présentant un nouvel album, OK Human, composé de piano et d’orchestre, annoncé quelques jours seulement avant sa sortie. Comme prévu, les sons touchants d’OK Human ont été un succès parmi les fans de Weezer qui attendaient le prochain album du quatuor depuis que le monde a basculé il y a un peu plus d’un an. Agréable surprise, OK Human serait le prédécesseur de Van Weezer, qui devait initialement sortir en mai 2020, mais qui a été mis en attente à cause de la pandémie. Produit par Suzy Shinn (Panic ! At The Disco, Fall Out Boy), Van Weezer est prêt à sortir en 2021 avec l’arrivée d’une nouvelle année et des cieux plus ensoleillés.

En apprenant quelque chose de nouveau chaque jour, l’inspiration initiale de Van Weezer est en fait venue de ce qui pourrait être un endroit inattendu pour le quatuor Pop Rock, le Hard Rock et le Heavy Metal. En creusant un peu plus, on s’aperçoit que le Hard Rock et le Heavy Metal font partie des racines musicales de Weezer, Cuomo étant un grand fan de KISS, Bell adorant Black Sabbath, Wilson vénérant Van Halen et Shriner aimant Slayer et Metallica. Il est certain que les garçons de Weezer ont grandi en se tapant la tête sur certains des morceaux les plus rock qui soient. Et nous savons ce que vous pensez, Weezer a-t-il vraiment écrit un album de Metal ? Eh bien, écoutons-le et découvrons-le.

Le puissant Van Weezer commence par le titre « The End of the Game ». Commençant par un riff intentionnellement similaire à « Eruption » de Van Halen (1978) en guise d’intro, ce morceau inclut également une pincée d’harmoniques de guitare d’Eddie Van Halen dans le cadre du riff principal accrocheur. Dans l’ensemble, la chanson est très proche de la marque de fabrique de Weezer, douce et adolescente. En gardant le même rythme, « All The Good Ones » est une autre chanson jeune de Weezer sur le fait de ne jamais être capable de trouver la bonne fille et de la trouver quand même. Avec une attaque de batterie addictive « Hero » est le suivant, suivi de « I Need Some of That », inspiré du pop rock des années 1980, qui vous fera bouger la tête.

Avec ce qui ressemble à un solo de guitare inspiré d’Eddie Van Halen, « Beginning of the End » précède « Blue Dream » qui est essentiellement une reprise musicale du « Crazy Train » d’Ozzy Osbourne, mais avec des paroles différentes. Ensuite, Weezer espère « 1 More Hit » qui mélange le Pop Rock avec un pont Rock très lourd. En fin de partie, Weezer délivre le son d’une moto en guise d’intro à « Sheila Can Do It » avant « She Needs Me » et se termine par un solo de Cuomo sur une guitare acoustique pour « Precious Metal Girl ».

Alors, Weezer a-t-il écrit un album de Metal ? Eh bien non, pas du tout. À l’exception de quelques moments inspirés du Heavy Metal ici et là, Van Weezer est bien plus un album pop rock amusant que du Metal. En substance, ce que vous obtenez sur Van Weezer est du Weezer et avec des chansons accrocheuses comme « I Need Some of That », «  The End of the Game » et  » »Precious Metal Girl » », les fans de Weezer seront heureux.

***1/2