Tim Minchin: « Apart Together »

23 novembre 2020

Quel était votre film préféré quand vous étiez enfant ? Avez-vous chanté chaque mot lorsque la comédie musicale est apparue ? Qui ne l’a pas fait ? et, à cet égard, nous devons remercier Tim Minchin pour cela. Roi de l’écriture musicale, Minchin a décidé de sortir de sa zone de confort et de sortir son premier album pop solo. Il a peut-être vendu le Royal Albert Hall, mais peut-il vendre son nouveau disque ?

Apart Together est un album qui restera certainement dans le cœur de Minchin, avec de nombreuses références personnelles et des histoires tirées de ses expériences de vie. Il n’y a pas de personnages derrière lesquels se cacher et les paroles de ses récits expliqueront certainement chaque centimètre de ses pensées.

Beaucoup de ces morceaux sont raisonnablement longs pour des chansons pop, la plupart d’entre eux allant de 4 à 6 minutes. Cependant, vous pouvez entendre les capacités musicales de Mangin dans chacune d’entre elles car l’orchestration produit une atmosphère qui ne peut être imaginée qu’en direct et crée des souvenirs édifiants qui non seulement empêchent la possibilité d’une trop grande répétitivité causant l’ennui mais vous emmènent dans un monde d’émerveillement.

On se surprend presque à se demander comment on a pu écouter une chanson de cinq minutes sans vérifier combien de temps il restait. « I’ll take Lonely Tonight » et « The Absence Of You « en sont deux exemples clairs, car ils commencent par de belles mélodies pour piano, à la fois mûres et simples, qui se transforment en de magnifiques chefs-d’œuvre d’atmosphère orchestrale. 

Malgré l’orchestration de ses instruments qui chantent magnifiquement tout au long de chaque morceau, sa force vocale n’est peut-être pas à la hauteur de ce que l’on attendrait. Avec une touche country unique, son falsetto dans « Leaving LA » et « If This Plane Goes Down » n’est pas exactement celui d’une personnalité comme Sam Smith. Cependant, la chanson « If The Plain Goes Down » elle-même détourne notre attention de ce sujet car elle vous fait vraiment réfléchir à la façon dont vous voulez que votre héritage vive après votre départ, en remettant en question votre moralité et la façon dont les gens vous perçoivent. 

Cet album n’est pas seulement rempli de grands instruments et de jolis accompagnements au piano, Minchin s’exprime parfois à travers des lignes de basse et de synthétiseur funky qui nous donnent une pause bien méritée et nous montrent comment s’amuser. « Talk Too Much », « Stayed Too Long » et « Airport Piano » font exactement cela, donc si vous voulez quelque chose qui vous fasse lever, alors ce sont certainement les chansons qui vous aideront. Même dans le morceau  « Apart Together », la ligne de trompette produit une aura douce pour nous. Il est toujours audacieux pour quelqu’un de sortir de sa zone de confort, mais Tim Minchin a prouvé une fois de plus qu’il est un touche-à-tout, zone de confort ou pas. 

***1/2


Palace Winter: « …Keep Dreaming Buddy »

14 novembre 2020

Le son élégant et jeune de Palace Winter est exactement le genre de chose qui calme les nerfs alors que la nuit approche et que la chaleur de l’air se libère pour un temps qui nécessite de se couvrir. Heureusement, le groupe a le bon nom pour correspondre à la musique de son dernier album Keep Dreaming, Buddy, sorti chez Tambourhinoceros en vinyle, CD et téléchargement.

Leur musique capture des morceaux électro trippés, apparemment assemblés de manière habile avec une production propre comme un sifflet, tout en capturant des basses profondes, des refrains colorés et de larges constructions de chansons qui plairont sans aucun doute à l’élite du rock dans la foule. « Monument Phase » se fraye un chemin jusqu’à la première place grâce aux comparaisons de Spacemen 3, alors que des claviers à décalage progressif illuminent le développement de la chanson, « Won’t Be Long » répète l’exploit posé devant lui avec un refrain hypnotique et doux tout en fredonnant des motifs de guitare floue qui ajoutent une couche supplémentaire de sophistication à la piste.

Rembobiner l’horloge avec un morceau intitulé « 1996 » pourrait faire réfléchir à des jours plus vertueux, des jours d’innocence et d’exploration. Il semblerait donc que cette année, le groupe l’ait fait avec un morceau apparemment influencé par les vibrations de l’heure d’été qui impliquent un saxophone soul. « Keep Dreaming Buddy » est un morceau électro-instrumental acoustique aux claviers lisses qui mène joliment au morceau qui tue sur l’album The Deeper End. Sonnant comme un croisement entre Primal Scream, les Spacemen 3 mentionnés ci-dessus et le chant de Jason Lyttle, le morceau se construit doucement en un crescendo de coeur, alors que des cloches d’église peuvent être entendues au milieu du masterblast qui brûle lentement.

L’un des derniers morceaux de l’album, « Rose », semble avoir été influencé par un autre groupe légendaire qui a utilisé des synthèses de moog à son avantage,  « World Of Twist » et leur délicat et mystérieux morceau « The Lights ». Il semblerait que Palace Winter soit en bonne compagnie avec leur première sortie depuis plus de deux ans. Les efforts qu’ils ont déployés pendant de longues années ont été salués par tous, ce qui devrait leur permettre de se faire une place de plus sur la carte rythmique des merveilles mélodiques de haute performance.

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Catherine Anne Davies & Bernard Butler: « In Memory Of My Feelings »

1 novembre 2020

Comme le dit le vieil adage, les meilleures choses valent la peine d’être attendues. En ce qui concerne In Memory Of My Feelings, cette attente s’est étendue sur six longues années.

Catherine Anne Davies enregistre de la musique sous le nom de The Anchoress depuis 2013, et a collaboré et tourné avec des artistes tels que Simple Minds, Paul Draper et Manic Street Preachers (c’est Davies qui joue en duo avec James Dean Bradfield sur la chanson Manics Dylan & Caitlin). Bernard Butler, bien sûr, est l’ancien guitariste de Suede devenu producteur réputé, et quand il a rencontré Davies pour la première fois il y a un peu plus de dix ans, les deux hommes ont commencé à écrire quelques chansons ensemble.

Et puis… silence. La grande majorité des chansons que le couple a achevées ont été enregistrées en 2014, mais après une succession de contretemps de la part de diverses maisons de disques, l’album semblait destiné à rester sur les tablettes. Ce n’est que lorsque le radiodiffuseur et journaliste Pete Paphides a créé son propre label Needle Mythology que le projet a été relancé, et In Memory Of My Feelings est maintenant devenu la première sortie officielle du label.

Il n’est pas surprenant pour quiconque connaît les précédents travaux de Davies et de Butler que cette rencontre particulière semble tout à fait naturelle. Les riffs de guitare de Butler n’ont jamais sonné aussi fougueux depuis les débuts de Suede, et les chansons de Davies sont intenses, passionnées et intemporelles. Il n’est pas exagéré de dire que l’alchimie musicale que le duo produit sur cet album est proche de l’alchimie.

Il commence avec « The Breakdown », un premier titre au rythme lent et à l’atmosphère sombre, mais c’est lorsque les riffs insensés de Butler donnent le coup d’envoi de « Ten Good Reasons » que l’album prend vraiment son envol. Il y a une rage contrôlée qui pullule à travers ce morceau et les suivants « Sabotage (Looks So Easy) » qui saisit vraiment l’auditeur par la peau du cou dès les premières notes.

Il y a aussi de merveilleux arrangements musicaux à écouter tout au long du disque – la chanson titre a de glorieuses mélodies plongeantes et des changements de temps soudains, tandis que le superbe « I Know, » l’un des meilleurs morceaux de l’album, a une touche vintage et pleine d’âme qui rappelle le travail de Butler sur le premier album de Duffy. La voix de Davies est ici à son meilleur, tandis que la guitare douloureuse de Butler lui sert presque de chorale.

Il y a une touche de Du Blonde dans l’arrogance terreuse de « Judas », tandis que le duo se montre tout aussi habile à manipuler les émois u coeur dans « The Patron Saint Of Lost Causes, » le genre de chanson qui est parfaite pour s’asseoir et se vautrer quand on s’apitoie sur son sort. Ce dernier morceau comporte également une section de cordes qui rappelle les vieux amis de Davies, Manic Street Preachers.

On ne sait pas encore si nous verrons un jour une autre collaboration Davies/Butler (bien qu’un nouvel album d’Anchoress soit prévu dans un avenir pas trop lointain). Si cela doit être le seul résultat de ce partenariat, les deux parties peuvent être assurées d’avoir produit l’un des albums qui compteront pour le bilan de l’année et ce, malgré sa longue période de gestation.

***1/2


The Moons: « Pocket Melodies »

30 octobre 2020

Depuis leur « arrivée sur terre », The Moons ont plongé leurs oreilless dans le genre des groupes de guitare indie des années 60 et ont bâti leur réputation autour de chansonnettes de 3 minutes tout en regardant la partie la plus pimpante en sifflant et en jouant de la flûte. Leur dernier album,Pocket Melodies, voit le groupe poursuivre avec enthousiasme sa quête pour devenir des experts de leur art

Le morceau d’ouverture « Today » est un merveilleux classique de la dream-pop. Sorti à l’origine via le projet parallèle Crofts and Gordelier avec le reste des membres du groupe live de Paul Weller intitulé The Songbook Collective, le morceau ne serait pas déplacé sur Something Else des Kinks, il possède des harmonies idylliques et rêveuses et un scintillement aigu des touches de clavier avec des paroles pittoresques qui vous éloignent de la normale pour vous emmener dans les prés et les champs d’émerveillement et d’excitation.

Le reste de l’album suit dans la même veine, « Riding Man » a un air de « Love The One Your With » avec des harmonies façon Manfred Mann des années 70 ; « Old Brigade » affiche des similitudes avec « Dead End Street », « Far Away » galope en vue avec abondance de percussions qui donnent le rythme de cet adorable air lyrique et « Maybe I’m The Perfect Man For You » affiche des similitudes avec les Beatles période guitares Rickenbacker en flambeaux.

Le morceau-phare de l’album est « Lone Wolf », qui mélange ce qui ressemble à un orchestre complet avec le BBC Tomorrows World moog, tout en sonnant comme un cousin éloigné du du « It’s Not The End Of The World » des Super Furry Animals, un titre craquant absolu. Il y a aussi du temps pour un morceau co-écrit avec Paul Weller, « Tunnel Of Time », mais dans l’ensemble, le moment appartient aux Moons Une sortie pastorale avec des touches de folk, pop, library et blues, le genre de sortie qui conviendra parfaitement à tout amateur des Beatles, des Kinks et de la Jam.

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Kevin Morby: « Sundowner »

26 octobre 2020

On peut être assez cynique pour le dire tout de suite : Kevin Morby veut désespérément être Leonard Cohen. Il suffit de vous je vous mettre au d’écouter Sundowner, le nouvel album de l’ancien front-man des Babies et de se dire qu’il ne ressemble pas à la dernière légende. Lisez dans cette remarque une sorte de compliment détourné que Morby a presque réussi à faire.

« Valley » et lest un titre simple et puissant, mais « Campfire » va n peu plus loin, avec une légère touche de poésie. Ailleurs, « A Night at the Little Los Angeles » ajoute un travail délicat à la guitare, tandis que l’élégant « Velvet Highway », et un bel instrumental, où il lâche tout pour le ipano.

On aurait pu souhaiter que Sundowner soit plus proche de ce nmorceau mais Kevin Morby est profondément en phase avac sa muse sur ce disque, de sorte que même une excellente composition, comme « Provisions » menace d’être oubliée lorsqu’elle est entendue à côté d’une douzaine d’autres compositions de même facture.

Sunowner n’est pas le genre de chose qur laquelle se précipiterait autant que n’importe quelle autre sortie de The Babies, mais il est assez bien fait dans le registre qui est le sien. Votre degré d’appréciation peut dépendre de la façon dont vous abordez ce disque, et si vous lui accordez toute votre attention il vous permettra de vous y laisser prendre.

***1/2


Maddy Jane: « Not All Bad Or Good »

14 octobre 2020

La guitare de Tassie, qui déchire et raconte des histoires, parvient à nous faire faire instinctivement danser le twist à chaque fois que nous l’entendons. Enfin, le premier album de Maddy Jane, Not All Bad Or Good, est là, et nos hanches sont prêtes.

Une partie du charme de Maddy Jane vient de sa capacité à partager son honnêteté couveuse avec un généreux service d’impertinence. « Crazy Jane Talks To The Bishop », par exemple, est un récit intime et sombre de détachement, contenant certains de ses vers les plus poignants. Pourtant, dans ses dernières secondes, elle devient étonnamment enjouée. Cette attitude brisée, mais méchante, rayonne sur l’ensemble de l’album, apportant un spunk et une excitation sans fin. « Femme » est un plaidoyer spirituel et flagrant pour l’égalité, montrant une maturité nouvelle dans l’écriture des chansons de Jane. « The Other Day » est la chanson classique de la fin de l’album, pleine d’audace et de riffs accrocheurs.

L’album est plus proche, mais les tubes de « Always Saying What They All Can’t Say » sont différents. C’est un morceau solennel sur la fragilité d’une famille brisée et cette attitude traditionnelle de Maddy Jane disparaît complètement et de manière appropriée dans ce cas.

Maddy Jane et son groupe ont une façon de créer des sons qui leur sont propres, en créant une magie indie rock avec un son pop authentique. Un « debut album » magique, compilant des histoires intimes mais universelles dignes d’être répétées en mille mouvements de danse chaloupés.

***1/2


Mary Lattimore: « Silver Ladders »

12 octobre 2020

La harpiste contemporaine Mary Lattimore fait équipe avec Neil Halstead de Slowdive pour livrer un disque vivant à la spontanéité organique. Ce qui se rapproche le plus d’une harpe, c’est le récit biblique qui se joue sur les fresques de la Renaissance, ou la harpe celtique sur une pinte froide de Guinness. Le triste fait est qu’il vous faudra faire un effort pour voir un spécimen du Lyon & Healy Concert Grand de 6 pieds joué de votre vivant, car ils viendront rarement à vous. Même la harpe en général est une race rare, l’instrument étant généralement réservé comme une simple vrille du grand organisme philharmonique. Dans la politique de la musique de harpe moderne, entrez dans le chœur de femmes Mary Lattimore, qui a pris la responsabilité de faire passer la harpe de l’au-delà à l’ici et au présent. Des concertos live allant du classique conventionnel au cool contemporain.

Lattimore y parvient de plusieurs façons. Tout d’abord, et c’est le plus important, elle ne joue pas avec un esprit classique, même si elle a reçu une formation classique. Ses arrangements sont fluides, organiques et libres des coutumes des compositions de concerto basées sur des formules. Deuxièmement, elle fait un usage intensif d’effets et de synthétiseurs pour compléter les bases et les harmoniques de sa harpe. Dans Silver Ladders, elle ajoute des guitares à cette liste d’acteurs de soutien grâce au travail de guitare artisanal de Neil Halstead de Slowdive. Ensemble, ils emmènent l’auditeur dans une promenade de minuit pieds nus le long d’eaux sereines et étoilées et de plages balayées par le vent, avec l’équipement des surfeurs, que l’on ne reverra plus jamais.

Tout au long du disque, Lattimore et Halstead utilisent leurs instruments comme des outils pour traduire les nuances les plus subtiles de l’émotion, les humeurs qui chevauchent le véritable royaume des ombres du sentiment. Non pas les sentiments élémentaires qui sont si clairement identifiés et présentés comme des émotions caricaturales lorsqu’ils sont chantés, les gazouillements de l’amour ou le meuglement de la tristesse, mais les arrière-plans émotionnels plus profonds que les mots peuvent souvent ne pas transmettre avec lucidité.

Silver Ladders n’est pas non plus prémédité dans sa capacité à inspirer ces réflexions. Le premier titre « Pine Trees » ne pèse pas sur le suspense ou le drame pour planter le décor, mais il se lance tête première dans une douce et sans prétention valse de cordes légères et lâches qui ressemble à une chaleureuse accolade d’une tante musquée depuis longtemps disparue. Enfin, les notes les plus aiguës sont jouées alors qu’un organe subtil commence à respirer, souillant le fond de lointaines taches de son flou.

Les cordes de la chanson titre sonnent comme une berceuse céleste. Une comptine sans paroles pour apaiser l’angoisse existentielle de la renaissance finale d’un bébé bodhisattva. Vers la fin, les cliquetis de l’un des mouvements des cordes se condensent et vibrent jusqu’à ressembler à une fleur de cerisier au sommet enneigé qui perd ses pétales dans une grande rafale de rose et de blanc. L’air lui-même vibre avec les fortes harmoniques et le retard atmosphérique généré par la harpe de Lattimore.

Dans « Til A Mermaid Drags You Under », d’une durée de dix minutes, les tics pastoraux de Halstead, jumelés à ses accords mantriques, posent un tapis de velours pour l’entrée éventuelle du chatouillement des notes de Lattimore, saupoudrées de diamants. La harpe génère une subtile électricité de mouvement sur les gémissements et les contorsions de Halstead, aspirant l’auditeur dans un tourbillon de belle mélancolie. Ces rôles sont inversés dans « Sometimes He’s In My Dreams » et « Don’t Look », les grattements séraphiques de Lattimore formant un ponton sonore d’où Halstead peut faire ses plongées nocturnes. Ses accords retardés sont ensuite laissés à nager dans un océan de verre noir alors que la harpe en arrière-plan forme une lumière de surface qui parvient à percer ses profondeurs.

Aucun élan ni aucune force ne pousse Silver Ladders vers l’avant. Aucune direction dans ses agitations d’humeur et de sons qui battent et palpitent comme une feuille prise entre des murs de vent. La beauté de l’album réside dans ce sentiment de spontanéité organique, dans les mouvements qui s’éloignent soudainement et se retirent dans des grottes sans lumière avant de s’assimiler à nouveau dans leurs harmonies glacées. Dans Silver Ladders, Mary Lattimore ramène la harpe sur terre encore couverte de nuages, mais aussi enfilée de veines de ténèbres qui marbrent son éclat argenté.

****1/2


Lawn: « Johnny »

6 octobre 2020

Après une interruption de deux ans et demi, Lawn a finalement ajouté son deuxième opus apres ses débuts acclamés par la critique,Blood on the Tracks,et, bien qu’il puisse y avoir de subtils changements de nuances, l’esthétique générale reste parfaitement cohérente.

Au départ, les riffs de Pavement servent toujours de base pour apporter une « atténuation non dramatique » à l’ensemble. Dans les mains de Lawn, ces riffs sont plus humides, plus sombres et un peu plus rasants, offrant une suggestion post-punk qui n’est jamais tout à fait réalisée au milieu de la vibrance/du tempo dominant.

Au lieu de cela, la fondation est renforcée par un sentiment de semi-manie contrôlée et spasmodique, alors que le son se transforme en une bombe indie-rock frénétique comme « Playing Dumb » et « Talk of the Town », qu’il s’attaque aux riffs obliques et aux délibérations sur les mots à demi parlés de la stylistique de Lewsberg dans « Summertime », ou qu’il plonge tête baissée dans le rock artistique déchiré de Jane Ryan. Tout cela est très Lawn, parfaitement éclectique et nonbstant aventureux.

Au début, ces numéros étaient au mieux lorsqu’ils poussaient les paramètres de l’obtus comme on le voit dans les morceaux précités. Cependant, dans « Johnny, » ce sont les morceaux avec un sens de la mélodie plus poussé qui traversent le bizarre, qui brillent vraiment.

Ainsi, le morceau titre, « Honest to God / Paper, Sunshine and Smile », flirte avec les mélodies sombres et douces qui rappellent Young Guv et Nap Eyes et donne une impression surprenante debizarrerie qui n’était peut-être pas totalement en accord avec leur son précédent. Pour ceux d’entre vous qui sont branchés, cela peut être considéré comme un clin d’œil à un son plus commercial, mais d’une certaine manière, le sentiment d’être « étrange » évite complètement toute accusation de mercantilisme.

Lawn reste sans effort et brillamment obtus sur cette deuxième année, mais il se pourrait bien qu’ils aient ouvert une toute nouvelle fanbase avec leur nouveau sens du «  single qui décoiffe.

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Declan McKenna: « Zeros »

6 octobre 2020

« Nous allons nous faire tuer » (We’re gonna get ourselves killed) ; voici un sentiment que l’on peut retrouver et éprouver dans le nouvel album de Declan McKenna, Zeros. Un disque qui utilise la dystopie comme un miroir pour exprimer les préoccupations des temps modernes, atteignant des proportions épiques de malheur imminent.

Dans un chaos époustouflant, vous vous retrouvez en orbite au-dessus de la Terre, esquivant les coups de laser du synthétiseur, essayant de trouver vos repères entre les sections de piano et les riffs qui gonflent comme des supernovas. Pour couronner le tout, un astéroïde est venu nous achever pour de bon et ce n’est que la première piste. L’influence de Bowie sur Declan est évidente, avec des moments sur les « Zéros » nés de la poussière spatiale laissée derrière quand Ziggy Stardust a navigué dans le système solaire.

Il y a un moment très cow-boy de l’espace (space cowboy) avec la chanson « Twice Your Size », qui a pris un air de Nashville, la ville où l’album a été enregistré. Les riffs flottent après avoir été imprégnés d’un swing country, avec des montées soudaines d’intensité qui ont donné lieu à certains des accroches les plus fortes du disque. Observateur intelligent des questions et préoccupations sociétales auxquelles est confrontée une génération de jeunes à ses débuts, Declan a tourné son regard vers l’humanité dans son ensemble.

Combinant l’apocalypse du passé (un déluge de proportions bibliques) et l’un des futurs théorisés (un gros rocher spatial),Zeros observe non seulement les temps modernes mais nous sert aussi de mise en garde sur la responsabilité. Après tout, nous sommes souvent distraits par les médias sociaux qui nous offrent une gratification instantanée, nous plongeant dans les profondeurs de l’internet pour trouver la meilleure conspiration qui soit et nous enfermant dans le confort du consumérisme. La Terre nous envoie des signaux sérieux sur la nécessité d’éviter un changement climatique catastrophique, mais l’apathie du capitalisme pour les actions non rentables est clairement illustrée par les paroles suivantes : « Je vais acheter un sac de crocs et des baskets Nike, un confort que vous pouvez ressentir » (I’m off out to buy a bag of quavers and Nike trainers, comfort you can feel).

SurZeros Declan McKenna a relevé la barre pour contextualiser le discours actuel, en se retirant entre-temps du récit principal. À presque tous les égards, c’est plus grand que ses débuts, il y a urgence aux instrumentaux et aux crescendos de l’opéra, tout cela pour essayer d’observer la folie. Hélas, il est temps de s’installer, de mettre ses lunettes 3D et de regarder tout cela se terminer en glorieuse haute définition.

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The Jaded Hearts Club: « You’ve Always Been Here »

3 octobre 2020

En 1966, sur fond de protestations, d’émeutes, de violence et de milliers d’Américains morts sans raison, les Four Tops ont sorti leur chanson « Reach Out I’ll Be There », qui a marqué un monde en proie à l’anxiété et à la douleur. Sur cette chanson, Levi Stubbs crie à un ami dans le besoin pour le rassurer, mais il semble que ce soit lui qui s’accroche à la vie. En grattant le haut de son registre vocal et au-delà, on n’entend plus que les larmes dans ses yeux. Un demi-siècle plus tard, la chanson jette toujours une longue ombre sur la culture américaine. C’est une de ces chansons qu’il faut être fou pour ne serait-ce qu’essayer de reprendre. De Michaels de la variété Bolton-et-McDonald, à Gloria Gaynor et même Diana Ross- elle rend humble tous ceux qui essaient de la marquer.

Quand le super groupe The Jaded Hearts Club s’y attaque avec You’ve Always Been Here, il apporte toute la folie et aucune humilité. C’est peut-être l’intrépidité combinée à des conditions culturelles similaires de troubles mondiaux et de désespoir qui rendent cette version si passionnante. Quelque chose d’aussi vital est la dernière chose que l’on puisse attendre de ce qui est essentiellement un groupe de musiciens blancs d’âge moyen jouant de la musique des Baby Boomers. Cette chanson et l’album dont elle fait partie devraient être un gâchis embarrassant. Et pourtant, par miracle, c’est 31 minutes de pur bonheur.

Créé dans un moment d’inspiration frugale en 2017 – lorsque le guitariste Jamie Davis ne voulait pas payer 30 000 dollars pour engager un groupe de reprises des Beatles -, le Jaded Hearts Club est principalement composé des amis musiciens qui ont répondu au téléphone lorsque Davis a appelé avec son idée folle. Ces amis qui se sont pointés pour tordre le coup et crier ? Nul autre que Matt Bellamy de Muse, Graham Coxon de Blur, Nic Cester de Jet, Miles Kane des Last Shadow Puppets et le batteur Sean Payne de Zutons. Après quelques années de concerts privés et caritatifs de haut niveau – dont un où Sir Paul McCartney lui-même a pris d’assaut la scène pour chanter avec le groupe – le Jaded Hearts Club a décidé d’amener en studio son lot croissant de fans et de raretés de la Northern Soul.

Malgré ses origines de groupe fêtard, The Jaded Hearts Club est très sérieux quant aux bons moments qu’il passe sur You’ve Always Been Here. Il n’y a pas d’allusion à la généalogie ou à un détachement ironique et négligé, imprégné de bière. Les tâches vocales sont réparties entre Kane et Cester qui jouent selon les dons particuliers de chaque chanteur. Le style R&B de Kane convient parfaitement à des morceaux comme « Love’s Gone Bad » de Chris Clark et « Nobody But Me » des Isley Brothers. Le chant de Cester semble canaliser à parts égales Sam Cooke et Roger Daltry alors qu’il déchire « Long and Lonesome Road » de Shocking Blue, le susnommé « Reach Out I’ll Be There » et surtout « This Love Starved Heart of Mine (It’s Killing Me) » de Marvin Gaye.

Le manque de pression convient parfaitement à Coxon – qui s’amuse manifestement comme un fou – car il ne fait que voler la vedette à Cester dans « I Put a Spell on You » de Jay Hawkins. Matt Bellamy, qui n’est pas connu pour ses conneries, brille vraiment dans son rôle de bassiste et il convient parfaitement à la batterie de Payne. Lorsque Bellamy joue de la basse, les résultats sont prévisibles au 23e siècle, mais l’approche moderne de la section rythmique tient constamment cet album à l’écart des pentes glissantes de la nouveauté.

Le plus grand raté est le morceau de clôture, où Bellamy se lance en solo sur « Fever » »de Peggy Lee. La tentative de « sexy smolder » n’atteint pas tout à fait son but, ressemblant plutôt à un appel de grincheux effrayant. Il y a aussi des moments sur l’album où l’approche bombastique de Bellamy dans la production est en contradiction avec la joie et la spontanéité – deux mots rarement associés à son groupe Muse- du matériel d’origine. Mais même dans ces moments-là, l’alchimie et l’enthousiasme de ses compagnons d’orchestre continuent de faire la différence pour que la fête continue.

Cet album n’est probablement pas destiné à définir les moments que nous vivons autant que les chansons qui l’habitent. Mais avec tout ce qui peut nous échapper de nos jours, il est difficile de reprocher au Jaded Hearts Club de se perdre si complètement dans ce concept. Alors qu’un groupe de fêtards ne va pas sauver le monde, les 31 minutes de bonheur que l’on retrouve dans You’ve Always Been Here ressemblent à un acte de pure rébellion à la fin de l’année 2020. et, en effet, la fête continue.

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