Painted Zeros: « I Will Try »

À travers cette pandémie, une part de l’humanité est revenue à ceux qui ont oublié son existence et l’auteure-compositrice de Brooklyn Katie Lau a profité de cette période pour apporter la touche finale à son nouvel album When You Found Forever, son premier projet à sortir en cinq ans sous le nom de Painted Zeros. Il s’agit d’un voyage sans compromis traitant d’une personne frappée par un combat psychique, qui surmonte une relation tumultueuse avec l’alcool et se libère des griffes d’un ancien amour. Lau n’a pas peur de montrer les douleurs de la dépendance mélangées à la belle palette de couleurs qui revient une fois qu’elle a été abandonnée. Sur son dernier « single » que nous sommes ravis de présenter en première, « I Will Try », Lau prend les différentes nuances qui nous composent pour créer un hymne doté d’une affirmation restaurée de son identité et tirant le meilleur parti de l’avenir.

Une lueur d’espoir s’élève alors que la guitare toujours aussi gracieuse de Lau tire sur les cordes de votre cœur, soutenue par une batterie attachante qui la guide tout au long du chemin. Une vague d’émotion se déverse alors que le morceau se fraye un chemin à travers des paroles étincelantes, enhardies par l’honnêteté de Lau, « When it comes, I’m still here / The dark dissolves, to stay another year ». Comme le précise Lau, « j’ai écrit cette chanson en canalisant le sentiment de gratitude que j’éprouve pour ce qui me donne vraiment l’impression d’avoir une seconde chance dans la vie grâce à la sobriété, et de me mettre de l’autre côté d’une période difficile sur le chemin de la santé émotionnelle/mentale en général. »

Chaque jour qui passe donne volonté de faire ce qu’il faut pour vivre une vie honnête et utile et d’aider les autres. Elle précise ainsi ; «  Lorsque je buvais et consommais encore, la vie était devenue si sombre et misérable, et maintenant, après trois ans de convalescence, ma vie a changé au-delà de toute reconnaissance ; elle est meilleure que ce que j’aurais pu imaginer ».

Ce titre signifie que nous devons accepter les démons de notre passé et apprendre à accepter nos défauts parce qu’en fin de compte, nous ne sommes qu’un être humain. Par nature, nous sommes imparfaits, mais c’est dans ces soi-disant « imperfections » que nous devrions embrasser la doublure de nos étoiles. Un final empreint d’optimisme, où Lau revient à une habileté oubliée, celle de taper du doigt, pour créer une réalisation harmonieuse de la vérité imprégnée de passion.

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Owen Pallett: « Island »

À ce stade de sa carrière, Owen Pallett a tout fait discrètement, gagnant un profond respect et devenant un collaborateur très recherché, travaillant à la fois avec ses pairs et des stars pop internationales. Qu’il s’agisse d’être le joueur de cordes de longue date d’Arcade Fire, de fournir des arrangements orchestraux pour un grand nombre d’artistes comme Taylor Swift, Linkin Park, Pet Shop Boys, Fucked Up, et tout ce qui se trouve entre les deux, ou de co-écrire la bande originale du film Her de Spike Jonze, nominé aux Oscars, Owen Pallett n’aime pas se mettre très souvent sous les feux de la rampe.

Près de six ans après son dernier album, Pallett revient avec son cinquième LP, Island, un disque qui existe dans un monde imaginaire somptueux construit sur des luttes d’identité et des orchestrations parfaitement mûres – des qualités que l’on est en droit d’attendre du multi-instrumentiste. La première œuvre de Pallett, Final Fantasy, a donné naissance à une imagerie fantaisiste pleine de désirs frémissants et de fruits défendus, et Heartland and In Conflict a montré sa magie musicale avec des percussions acérées et une électronique vacillante. Sur Island, Pallett fait reculer sa pop baroque en nourrissant de subtils changements de tonalité et les pétrit doucement pour leur donner vie.

Island poursuit librement l’histoire de Lewis, un fermier violent introduit sur Heartland, qui est aux prises avec un sentiment de perte de but et une existence misérable. Cette fois-ci, Lewis est bloqué sur une île particulière, se déplaçant entre une conscience confuse et des visions oniriques. Un sentiment de légèreté et de détermination se dégage tout au long de l’album, parsemé de guitare acoustique fleurie sur des chansons comme « Transformer », avec le chant de Pallett, « Ce vide est un cadeau, je suis libre d’écrire l’avenir, un homme vide et invaincu » (I’m free to write the future, an empty man undefeated)- des mots qui parlent d’un certain niveau d’acceptation d’une vie imparfaite mais épanouie.

Le fidèle violon de Pallett, qui figure en bonne place sur l’album He Poos Clouds, lauréat du prix Polaris en 2006, n’est pas le point central de l’album Island, qui est plutôt occupé par de longs coups de piano et une guitare acoustique en arpèges. Sur « Paragon of Orde » », la délivrance de l’espoir de Pallett est illuminée par une grandiosité argentée, avec des cordes et des bois, grâce à l’Orchestre Contemporain de Londres. De même, « Polar Vortex » est distillé avec soin par la voix du chanteur, toujours jeune et de formation classique, et sa guitare cristalline.

L’abondance de l’espace et la clarté d’Island rendent la sagesse mélancolique de Pallett si magnifiquement apparente avec quatre intermèdes instrumentaux nostalgiques, chaque accord percolant gracieusement ces sentiments avec une belle réalisation. De l’autre côté du spectre, « A Bloody Morning » sert de sommet sonique à Island, porté par des tambours au trot et des cordes qui soufflent en faisant allusion au chemin orageux de Lewis avant de s’échouer violemment sur les rivages de l’île.

L’album restera en général discrètement bas et duscret jusqu’à ce que « Lewis Gets Fucked into Space » – une chanson qui porte le sens de l’humour toujours aussi effronté de Pallett avec un clin d’œil affectueux à son œuvre précédente.

Au cours des deux décennies de sa carrière, Pallett a créé de grands mondes expansifs – et avec Island, il se concentre sur les brefs moments de douleur et de plaisir avec son intuition intemporelle. Island représente un chapitre tendre et plus mélancolique du répertoire du chanteur, mais qui lui offre une perspective encore plus raffinée.

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Jeremy Ivey: « The Dream and The Dreamer »

Jeremy Ivey sort de l’ombre proverbiale pour sortir son premier LP en solo. L’idée qu’il ait suivi la carrière de sa femme s’évanouit après un premier tour de piste. Ivey s’y connaît certainement en mélodies, il écrit de superbes paroles et possède les qualités vocales nécessaires pour les mettre en valeur. À 41 ans, Ivey a une voix chaude et chaude qui vous fait du bien quand vous la pompez dans vos oreilles.

Inspirée par Dylan, Neil Young et Leonard Cohen, les neuf titres d’Ivey font l’affaire pour un après-midi dans le jardin. L’album s’ouvre avec « Diamonds Back to Coal, » une sorte d’appel aux armes sur ce que nous faisons à notre terre.

La voix d’Ivey est presque suppliante à certains moments, ce qui semble approprié à notre situation actuelle. Margo Price, qui a produit l’album, rejoint son mari pour un joli duo sur « Greyhound ». Le titre « Road Weary » donne le coup d’envoi d’une ambiance rappelent Shovels & Rope le duo folk, composé, lui aussi, d’un maret de son épouse. L’album se termine sur la jolie chanson titre, un morceau au piano qui vous ramène là où nous devons d’être, une maison où il fait bon se percher et, en même temps, se nicher.

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Sailing Stones: « Polymnia »

 « Je voulais vraiment entrer dans le côté sombre de ce avec quoi nous luttons en tant qu’êtres humains, et qu’il n’y a pas de solution facile », dit Jenny Lindon à propos des chansons de Polymnia.

De la pop brillante à la production plus expérimentale, Sailing Stones apporte habilement ses influences d’auteurs-compositeurs des années 70 vers de nouveaux territoires plus ambitieux. Produit par TJ Allen, les morceaux se déroulent à un rythme dramatique et progressif alors qu’elle explore le thème de la consolation dans l’obscurité.

Les connaisseurs apprécieront l’analogie avec Emma Ruth Rundle sur une échelle plus légère. Le grondement à basse fréquence et les rythmes faciles du rythme et de la tonalité de « Free As I’m Gonna Be » saturent les neuf morceaux suivants.

Une pulsation façon « Albatross » viendra étayer le doux « Comfort » avec quelques bruissages rêveurs de son spatial ; cette dernière ambiance servant de lit à quelques lignes de basse fluides sur « The Fire Escape ». La douleur de l’amour et l’amour perdu sont accompagnés d’un subtil ajout de cuivres de deuil.

« Emmanuel » peut très bien apparaître comme l’un des morceaux les plus rares, ce qui ajoute au thème de la fixation sur le répit pendant l’isolement. Cependant, il y a aussi le sentiment très bref qu’il pourrait se transformer en gospel avec l’arrachement des chœurs.

Le morceau le plus emblématique est sans doute « Wasted Moon », qui offre un contraste sublime avec le plus radiophonique « Receive » qui suivra. Le premier est magnifiquement formulé, avec un accompagnement tellement décontracté qu’il est presque statique. L’obscurité, les fenêtres de nuit pluvieuses et la lumière des bougies évoquent une atmosphère nostalgique.

Un autre morceau qui se consume progressivement en drame est le morceau-titre avec des saxophones et des guitares électriques qui s’entrechoquent sur son outro. Le rideau se referme sur des réflexions sur la façon d’échapper aux hauts et aux bas du quotidien. Un « I’ll be free and I’ll survive » provocant et de plus en plus confiant, qui figure sur la dernière chanson, est le message central de l’album.

Le producteur et multi-instrumentiste TJ Allen (Bat For Lashes, Laura Groves) est chargé de la production et de la basse, Dan Moore des claviers et des synthés et Daisy Palmer de la batterie et des boîtes à rythmes. À eux deux, ils ont aidé Jenny Lindon à créer et à peaufiner un ensemble de paysages sonores éthérés et luxuriants. Polymnia est tout simplement un très bel album, un exutoire à son travail qui sonne ici naissance à une collection assurée et confiante.

***1/2

Tim Burgess: « I Love The New Sky »

Il a été suggéré que Tim Burgess reçoive une sorte de récompense pour avoir rassemblé les fans de musique pendant leconfinement, des idées ont été avancées, dont celle de Godlike Genius aux NME Awards de l’année prochaine.

Il ne fait aucun doute que ses « Twitter Listening Parties » sont une très belle initiative, englobant un large éventail de choix d’albums, dont certains ont servi d’hommages émouvants à Little Richard et Florian Schneider, et d’autres ont donné aux nouveaux artistes l’occasion de présenter leur musique à un public plus large.

Grâce à la nature organique et amateur de cette initiative, les idées peuvent s’épanouir ; le site web Listening Party dirige les spectateurs vers des magasins de disques indépendants, et un festival complet est en cours. Cependant, il y a de bonnes raisons pour que Burgess reçoive une certaine forme de reconnaissance, même sans ces soirées d’écoute.

Avec treize albums de charleston et son cinquième album solo, Burgess est clairement animé par une passion pour la musique, comme en témoignent ses incursions dans la gestion de labels et l’écriture. Ses albums solo se distinguent par leur éclectisme : I Believe était quasi américain ; Same Language, Different Worlds était un album électronique ; Oh No I Love You était un album indépendant au tempo lent. Aujourd’hui, Burgess est passé à la vitesse supérieure en enregistrant un album qui offre d’énormes variations sonores dès le premier titre.

Le gospel rockabilly d’ouverture et le premier « single » « Empathy For The Devil » contient une guitare de style chic et un solo de violon en plus du désormais tristement célèbre chapardage de l’ouverture de The Cure sur « Boys Don’t Cry « et du titre hommage aux Stones. « Comme D-Habitude » déborde également d’idées. Le reggae léger, le music-hall et l’avant-jazz se disputent l’attention avant qu’un saxophone de rêve ne nous emporte. Ailleurs, le « Sweet Old Sorry Me » de Los Angeles fusionne la guitare blaxploitation avec Elton John du milieu des années 1970, tandis que l’élégante tristesse de « Undertow » est un point fort de l’album. Le meilleur de tous est « The Warhol Me », un morceau de New York endetté qui crie New York avant de se transformer en un jam pulsé et quasi-prog. Le morceau a la sensation extatique de la musique de club et est un véritable best of de la carrière.

L’album est largement autobiographique, Burgess ayant écrit les chansons soit à Los Angeles (comme en témoigne le titre « Lucky Creatures », gorgé de soleil), soit chez lui dans le Norfolk, notamment sur le morceau « Timothy » qui semble servir de conseil à son jeune âge (« il faut qu’on sorte d’ici, quand la musique commence, elle me remplit le cœur »), bien que Burgess ait rapidement laissé entendre que tout n’est pas comme il semble.

Malgré des moments de mélancolie et d’apparente introspection, l’optimisme qui caractérise le Charlatan est toujours présent ; le clin d’œil complice de « Only Took A Year « (une référence à la période de gestation de l’album, par opposition à l’attente de près d’une décennie pour le précédent album As I Was Now) est une pure brise, tandis que « I Got This » est la positivité dans sa forme la plus pure.

Tim Burgess ne cache pas ses défauts (bien qu’il ait écrit les chansons lui-même pour la première fois). Il a notamment fait appel à Nik Void et Daniel O’Sullivan de Factory Floor, qui ont tous eu la liberté de contribuer à l’esthétique musicale du disque. Tous ont joué leur rôle en livrant le meilleur album solo que Burgess ait fait, avec des points forts qui correspondent à son travail quotidien dans The Charlatans.

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I’m Glad It’s You: « Every Sun, Every Moon »

Vers la fin de son récent livre Egress : On Mourning, Melancholy and Mark Fisher, Matt Colquhoun considère l’expérience personnelle de l’écriture du livre, en grande partie comme un travail de critique culturelle, celle-cifaisant partie intégrante de son processus de deuil de son professeur, le théoricien de la culture Mark Fisher. « Le processus d’écriture de ce livre a toujours été personnel, fonctionnel et thérapeutique », écrit Colquhoun. « C’est une tentative névrotique d’un para-académicien de surmonter son deuil de la seule manière qu’il connaisse ». Dans les moments de perte profonde, vous vous tournez vers les outils dont vous disposez pour lui donner le plus de sens possible. 

Pour Colquhoun, ces outils se sont manifestés dans une analyse et une rumination prolongée sur le travail de Fisher, ancrée dans la politique de la communauté. On pense beaucoup à cette idée quand on coute Every Sun, Every Moon, le nouvel album de I’m Glad It’s You, aussi lourd qu’il soit avec son propre sentiment de perte.

Écrit à la suite d’un accident de camion qui a coûté la vie à Chris Avis, ami proche et mentor du groupe, Every Sun, Every Moon dépeint le chagrin en temps réel, accablant et constamment en mouvement. C’est le son d’un groupe qui traverse une perte profonde en utilisant les outils à sa disposition, et qui émerge avec un album de chansons pop-rock mélodiques, cathartiques et variées.

Pour un album qui place la mort et la perte au centre de son petit monde, Every Sun, Every Moon sonne souvent de façon exubérante. La première véritable chanson, « Big Sound » » est un merveilleux rush, construit sur un riff gémissant qui vous vrille l’oreille et s’accroche fermement. Le refrain (« I know there’s no coming back from this one, back from this one ») est simple et répétitif dans le meilleur sens du terme, instantanément chantable et plein d’énergie. 

La luminosité perçue du « Big Sound » n’est pas exactement un acte de poudre aux yeux, mais l’image complète se rassemble lentement, les petits détails se superposant pour former un paysage terrible – une ambulance, un livre de cantiques, du sang dans le désert. Le changement arrive à sa fin, lorsque la phrase de la chanteuse Kelley Bader » »you left a Big Sound moving through my spirit » incite le groupe derrière lui à se calmer, son dernier mot résonnant sur les murs lointains, les paroles prenant une tournure plus pointue. « Maintenant je peux sentir que ça marche, c’est dans tout ce que je vois / un avenir peint par le chagrin » (Now I can feel it work it’s way into all that I see/ a future painted by grief), chante-t-il plus tard, apportant une nouvelle intensité à un refrain sur le fait de ne jamais pouvoir revenir à la situation antérieure. 

Comme « Big Sound », beaucoup des titres de Every Sun, Every Moon sont jouées comme si le groupe ne pouvait pas s’empêcher d’écrire une pop-rock puissante, comme s’ils faisaient ce qui leur semble naturel, ne réalisant le sens de la chanson que lorsqu’ils sont trop loin pour revenir en arrière. « Ordinary Pain » s’ouvre sur un assaut vertigineux de guitares scintillantes et s’enorgueillit d’un refrain gigantesque. Mais au moment où Bader livre la phrase la plus poignante de la chanson – « Je donnerais tout ce que j’ai pour quelques minutes de retour » (I’d give everything that I have for just a few minutes back) – la chanson s’étire vers l’avant dans un final nébuleux et doux. 

De même, la brillante « Silent Ceremony » est une composition rock fervente et déterminée qui renonce à une dernière interprétation de son refrain brillant et exaltant pour se terminer par la poursuite d’un sommet de pummeling. La chanson se termine en tourbillon lorsque les harmonies de Bader avec la Sierra Aldulaimi se fondent en une longue question dirigée vers un vide sans fin : « Est-ce que je te verrai bientôt ? »

Mais Every Sun, Every Moon ne passe pas son temps à déployer les mêmes tactiques pour aborder et comprendre son sujet. L’album a tout d’un classique de l’emo, en prenant une vue kaléidoscopique de certains genres clés pour créer quelque chose de distinct et bien défini. De nombreuses chansons plus pop de l’album rappellent le traité pop-punk de Valencia sur la mort et la perte, We All Need a Reason to Believe. Les traces d’Hostage Calm et de Tigers Jaw brillent à travers des chansons comme « Silent Ceremony » et « Ordinary Pain ». La stature hymnique de chansons comme la chanson titre et « The Things I Never Said » rappelle les meilleurs moments de Nothing Feels Good de The Promise Ring, un album qui a également été produit par J. Robbins, qui apporte à ces chansons une sensibilité pop brute qui leur permet de se sentir grandes mais imparfaites, véritable manifestation d’une expérience encore vécue.  

Mais, de tous les points de référence que Every Sun, Every Moon m’apporte, celui qui est privilégié est le premier album de Copeland, Beneath Medicine Tree, qui a fait ses grands débuts en 2003. C’est un album qui a donné l’impression d’être le tout début d’une carrière riche en histoire, avec de nombreuses casquettes différentes, sans jamais perdre de vue ce que le groupe voulait faire. Les balançoires les plus intéressantes de cet album rappellent le délicat interlude au mellotron « Death is Close » et la lente combustion vacillante de « Lazarus ».

Beneath Medicine Tree de Copeland médite également sur la tragédie à travers la lentille constamment changeante du deuil en cours, et comme cet album, Every Sun, Every Moon, on a l’impression d’être le produit d’un changement abrupt et dévastateur. Le point culminant et le point focal de l’album est le « single » principal « Myths », qui porte un poids thématique spécial à l’avant-dernier endroit. Une guitare acoustique paresseusement grattée tourbillonne dans un air mid-tempo élégiaque mais coloré qui mène à la seule résolution possible d’une expérience traumatisante qui, à bien des égards, ne peut pas se conclure correctement. « Il y a un alléluia, et j’apprends à chanter » (There’s a hallelujah, and I’m learning how to sing), chante Bader avec un calme émerveillé.

De la même manière que la réaction instinctive de Matt Colquhoun à la perte a été de se tourner vers son travail comme langage pour patauger dans l’après-guerre, Bader et I’m Glad It’s You montrent avec Every Sun, Every Moon que, après que l’impensable se soit produit, nous continuons notre chemin de la même manière que celle que nous connaissons.

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Elizabeth: « the wonderful world of nature »

Bienvenue dans le monde de rêve d’Elizabeth. Certains la connaissent peut-être comme la chanteuse principale de Totally Mild. Aujourd’hui, Elizabeth est une artiste solo et elle a sa propre petite façon de décrire son premier album, le monde merveilleux de la nature, « si vous aimez le divorce mais que vous le voulez gay ». Sur son site web, elle est décrite comme « une tragédie glamour, une antihéroïne pop queer tenant un rideau de mélodies scintillantes sur des vérités laides ». Cette déclaration est la meilleure façon de la décrire, elle et le monde merveilleux de la nature (the wonderful world of nature). L’album est plein de mélodies rêveuses et de paroles mélancoliques. Il y a des milliards de chansons sur les peines de cœur, mais Elizabeth y met son grain de sel, ce qui rend les chansons plus personnelles et plus sincères. Même si l’album doit définitivement surmonter la douleur de son divorce, il est indeniablement racontable et il pourrait même faire mal.

« beautiful baby » prépare la mise en scène de l’album et sa mélodie invite à la danse lente, tandis que les paroles suggèrent au public à pleurer un bon coup. C’est un beau mélange d’émotions. « partie » », est une de ces chansons qui peut donner plaisir à être racontées. Elle parle de ce sentiment de perdre l’être cher, d’être en état de choc et d’essayer de surmonter la douleur avec des fêtes qui n’ont aucun sens, cachant un cœur brisé. Elizabeth capture le sentiment d’espoir et de menace de revoir leur ex dans la rue.

« don’t let my love (bring you down) » montre la grande palette vocale de la chanteuse, tout comme « here », les deux titres montrant qu’une relation est parfois différente à l’extérieur qu’à l’intérieur. « death toll » commence sur un rythme lent, semblable à celui du cœur. La capacité d’Elizabeth à être si ouverte émotionnellement dans ses chansons atteint un point culminant sur « want you ». Cependant, une ligne spécifique ressort le plus, « la colère est un bleu et une fois qu’elle est épanouie, elle est lumineuse » (anger is a bruise and once it’s blooming, it’s bright) la chanson est aussi le point focal de l’album sur le plan émotionnel. Le son et la voix d’Elizabeth entourent l’auditeur comme un nuage d’émotions, ce qui rend la chanson si intime et si spéciale que « meander » en devient presque un choc. Plus fort et plus rapide.

« I’ve been thinking » parle de cette situation bizarre et équivoque avec des amis ; ils sont juste un peu plus que des amis, même s’ils ne devraient pas franchir la ligne. La luxure peut, de ce point de vue qui est le sien,être plus puissante qu’autre chose. « Imagining the changes » commence comme une chanson douce, qui n’a besoin que d’un piano et du chant d’Elizabeth. La première ligne est également assez forte, « falling out of love is wondering if you were ever in ». Plus tard dans la chanson, des chants forts à la guitare interrompent le son paisible et mélancolique du piano. C’est tellement surprenant qu’on a presque peur pendant une seconde, mais cela met merveilleusement en valeur les paroles. « burn it all » fait preuve de force énorme, tant au niveau des paroles que du son, même si elle commence plutôt lentement. C’est un autre morceau de l’album qui est très mérite qu’on s’y attarde. La ligne de force est la suivante : « comment aimer quelqu’un qui a grandi/ tu dis que tu as fait de moi quelqu’un de nouveau. » (how to love someone who you outgrew/ you say you made me into someone new).

Le dernier morceau sur the wonderful world of nature, « take me back », est sombre et d’une émotion troublante. Un sentiment profond d’être déchiré et plein de doutes sur soi-même. Le son est obsédant et soutient parfaitement le chant et les paroles. Ce premier album d’Elizabeth montre magnifiquement les émotions déroutantes qui entourent une rupture. Ce monde n’est pas seulement en noir et blanc, et ses chansons ne le sont pas non plus. Parmi le million de chansons sur les ruptures, les compositions d’Elizabeth se distinguent, de la meilleure façon possible. Même les paroles en sont la preuve, cet album a été écrit par un être humain, qui a un large éventail d’émotions. Préparez-vous à un voyage émotionnel profondément intime.

***1/2

The Sounds: « Things We Do For Love »

Voici de la pop efficace et astucieuse. Elle est puissante, radiophonique, divertissante et pleine d’énergie. Le groupe suédois The Sounds peut s’appuyer sur deux décennies d’expérience, puisqu’il s’est formé en 1998 et a sorti son premier album en 2002.

The Sounds n’a pas été prolifique musicalement au fil des ans, et cet opus est leur premier deouis Weekend qui date de 2013. Ils y ramènent la puissance dudit album bien meilleure que celle des précédents qui s’appuyaient fortement sur les claviers. Les guitares sont plus présentes ici, et le rythme se fait sentir piste après piste. La chanson titre et le « single » « Things We Do For Love » donnent à l’album un bon rythme et augurenet du ton de ce qui est à venir. Ce morceau s’ouvre sur la ligne de basse de Johan Richter et nous rappelle qu’il s’agit d’un groupe qui bouge servi qu’il est par la chanteuse Maja Ivarsson. Il y a également beaucoup de points forts dans cet album qui, une fois la pédale d’accélérateur appuyée, ne lâche pas le pied.

On appréciera « Dim The Lights » et son « Je prends ce que je veux quand j’en ai besoin » message dans lequel , si le rythme le rythme vous fait danser, n’est pas nécessairement celui à qui on adhèrerait. Il n’empêche que son des percussions est urgent pour battre lla mesure et rester concentré.

Ce n’est, toutefois, pas que de la power pop et le groupe se diversifie en une ballade, « Changes », qui met, bienheureusement, le tempo à des cadences plus modérées Cet opus nous montre un groupe à l’aise avec lui-même dans son mélange rock/pop, conditions sine qua non pour qu’il en soit de même chez qui l’écoutera.

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Hightown Pirates: « All Of The Above »

Notre industrie préférée n’est pas juste et ne fait aucune promesse. D’innombrables actes d’une grande généalogie, même avec des catalogues de retour réussis sous d’autres noms, n’ont souvent pas d’impact : The Shining étaient un super groupe formé au début du siècle, composé d’anciens membres de The Verve et brièvement de John Squire, mais il n’a pas généré un véritable impact. De la même manière, John Frusciante ne peut pas s’extirper des des Red Hot Chili Peppers, mais il est considéré comme un rouage essentiel du combo d’où sa relation avec le groupe.

The Hightown Pirates ont un problème similaire. Les crédits de ce deuxième album comprennent des musiciens qui ont joué dans Babyshambles, Gorillaz et Shack. Le cerveau du groupe, Simon Mason, est une légende de la britpop et il a réussi un premier album très remarqué sous son nom en 2017. Pourtant, Mason exprime souvent et on peut comprendres sa frustration de ne jamais être invité à participer à des festivals ou même à des tournées, et de n’obtenir pratiquement aucune reconnaissance dans les médias.Cela ne le décourage pas – preuve évidente qu’il s’agit d’un travail d’amour, et pas seulement d’une carrière.

À l’écoute de All Of The Above, le manque de reconnaissance des Hightown Pirates est à la fois un mystère et une honte, car il y a beaucoup à admirer ici. La musicalité est exceptionnelle : des guitares mélodiques mais bruyantes, des lignes de basse souples, des chœurs pleins d’âme, le tout amorti par un fond persistant de cuivres soul du nord. Les ingrédients peuvent sembler familiers, et Mason admet volontiers que l’originalité n’est pas remarquable, mais cela n’enlève rien au talent.

La pierre de touche principale est Paul Weller, notamment en raison de la voix infailliblement similaire de Mason. « He Who Lies Flat », ce sont tous des accords qui affirment la vie, après une longue ouverture instrumentale, avec les cuivres en avant et au centre. La touche adroite du « single » « Girl From The Library » sonne comme un détournement de « Stanley Road », tandis que sur l’acoustique « Different Drums », il crie même un extrait du « English Rose » de The Jam en marque d’hommage. De ce point de vue, Mason n’est pas saveugle au point de ne pas voir où sont les comparaisons, alors il les reconnaît de face.

Sur le plan des paroles, Mason s’insurge souvent contre les « coupables » habituels, ceux qui ont pris le référendum de 2016 comme un mandat pour faire ce qu’ils voulaient : « les Island Monkeys crient si fort que le royaume tombe sur son épée, c’est ce que nous avons décidé » (the Island Monkeys screaming so excited, as the kingdom falls on its sword that’s what we decided)). Sinon, il joue principalement le rôle de conteur : le premier rôle de « Girl In The Library » est une métaphore de la rencontre de plusieurs personnages de la vie lors de leur passage, tandis que « A Sunday Sermo »n est l’histoire triste et mélancolique d’une femme de tête et d’un soldat qui, eux aussi, regardent les montagnes russes de la vie.

La position de Simon Mason est que The Hightown Pirates offrent l’espoir et le salut à travers la musique, et il parle d’expérience. En ces temps désespérés, de tels rappels sont les bienvenus.

***1/2

Blake Mills: « Mutable Set »

Blake Mills s’est élevé au statut de musicien. En tant que guitariste de studio, auteur-compositeur et producteur estimé, Mills a travaillé avec certains des artistes les plus sophistiqués d’aujourd’hui : Fiona Apple, Alabama Shakes, Perfume Genius et John Legend. Sophistiqué ne fait que commencer à décrire les efforts de Mills en solo, surtout dans sa dernière sortie. Fusionnant folk, classique, ambient et jazz, Mills capture l’essence de l’élégance intemporelle sur Mutable Set, un paysage sonore nuancé après l’autre.

Mills s’appuie sur le son dépouillé du chanteur-compositeur avec ses compositions impeccablement détaillées et complexes. « Never Forever » ouvre l’album avec une orchestration luxuriante soutenant la guitare méditative qui devient vibrante et rebondissante sous le chuchotement de Mills, une voix calme mais passionnée. En utilisant des accords de dissonance joués par une guitare accentuée et un synthétiseur pour construire et faire avancer les phrases, Mills souligne le refrain « never ever could sever you from heart ». Dans le « single » original « Vanishing Twin », l’instrumentation active et occupée s’appuie sur un synthé rythmique pulsant pour créer un sentiment d’urgence sophistiqué qui aboutit à un climax cathartique, mais doux. 

La production de rêve de Mills et sa performance feutrée permettent à son choix idiosyncrasique de texture musicale de briller, créant des paysages sonores vraiment expansifs et immersifs. « May Later » illustre son génie dans la création d’un monde sonore. Les harmonies vocales magnifiquement superposées de Mills flottent au dessus d’une guitare silencieuse, avec des synthés d’ambiance et des carillons pour créer une atmosphère merveilleusement fantaisiste.

Des textures nuancées sont à nouveau à l’honneur dans « Summer All Over » pour mettre en évidence l’indulgence de Mills dans la réflexion sur soi. La basse inquiétante et inattendue et les synthétiseurs qui se profilent à l’horizon juxtaposent les percussions régulières, la guitare paisible et la voix douce de Mills pour créer un paysage sonore calme et poignant à couper le souffle. 

Sur les morceaux plus dépouillés de l’album, Mills parvient toujours à fusionner les genres de manière inattendue, apportant une perspective nouvelle au son de l’auteur-compositeur-interprète. « Eat My Dust » et « Farsickness » rappellent tous deux des standards de jazz avec un air de musique folk similaire à celui de Moses Sumney et de Sufjan Stevens. Ces morceaux mettent en lumière le falsetto aérien mais passionné de Mills ainsi que ses talents de guitariste. Ces éléments sont également réunis dans « Window Facing a Window », avec une subtile influence de l’époque romantique. La ballade laisse la place à son doux grattage et à sa voix contemplative, tandis qu’une vague de synthés et de piano doucement luxuriante crée une ambiance nuancée, nostalgique et mélancolique. 

La splendeur de Mutable Set ne réside pas dans les grandes instrumentations et les ceintures climatiques. L’album brille par sa chaleur subtile, son élégance et son admirable souci du détail. La douceur de Mill lie impeccablement les influences et les textures pour créer une œuvre d’art immersive et intemporelle, une perle grandeur bercée dans de la douceur.

***1/2