Jeff Beck: « Riff in Peace » (1944-2023)

27 janvier 2023

Quand Eric Clapton décida de quitter Les Yardbirds, la raison, pour lui, était simple pour lui ; le groupe était devenu trop « pop » et s’était éloigné de ses racines blues. Jeff Beck, fut, à cet égard, plus qu’un remplaçant, de luxe ou pas.

Puisque dans les mid-sixties, la pop-rockétait en pleine déconstruction, le guitariste apporta au combo une patte indéniable mâtinée d’énergie et de psychédélisme.Il se débarrassa ainsi des oripeaux traditionnels par la version épileptique de « Stroll On » où, dans le film d’Antonioni, Blow Up, on le voit, aux côtés de Jimmy Pages !, massacrer consciencieusement massacrer sa six cordes et son ampli  à l’instar de Pete Towshend, son « collègue » des Who. Du Hendrix avant l’heure.

Il ajouta ensuite une palette qui lui était plus propre, nimbée des courants avang-ardistes de l’époque et gorgée d’effets spéciaux (sustain, distorton, wah wah) tout en restant concis, direct et nerveux comme en témoignent certains des titres légendaires que furent « Shapes of Things »,, « Over Under Sideways Down », « Psycho Daisies » ou « Happening Then Years Time Ago ».

Passage rapide mais prolifique en terme de qualité avant que notre homme ne sorte en solo Blow By Blow puis ne forme The Jeff Beck Group avec dans un premier opus, Rough and Ready, puis un autre, éponyme, avec des artistes aussi renommés que Rod Stewart, Ainsley Dunbar,Nicky Hopkins ou Ron Wood.Page, de son côté, fut plus chanceux et avisé puisqu’il décida de former Led Zeppelin.

Beck, lui, partit très vite vers une nouvelle aventure, on ne peut pas encore dire « expérience » puisqu’il forma ce qu’on appelait alors un super-group, Jeff Beck, Time Bogert Carmine Appice (issus de Vanilla Fudge) , (B.B.A), au même titre que West Bruce & Laing, ou E.L.P (Emerson Lake and Palmer), trois « power-trios » aux registres quelque peu différents.

B.B.A vécut peu de temps et Beck s’orienta peu à peu vers un répertoire qui correspondait plus à sa versatilité, dans un genre qu’on pouvait qualifier de jazz-rock ou rock fusion.

Pour nous, et en toute subjectivité, on gardera à l’esprit le souvenir de celui qui incendiait les salles de concert comme The Marquee Club à Londres, lui aussi disparu et, s’il est un tribut que nous lui prêtons, ce sera celui du coeur, celui que beaucoup d’autres guitaristes s’accorent à qualifier de « guitariste des guitaristes comme un témoignage hommage non usurpé à quelqu’un qui fut bien plus qu’un technicien de la guitare,  mais un maître expert en la manière de faire vibrer les âmes tout autant que les cordes.


Robert De Leo: « Lessons Learned »

26 octobre 2022

Si un rocker a mérité le droit d’appeler son premier album solo Lessons Learned, c’est bien Robert De Leo. Au cours de sa carrière, De Leo a connu des hauts et des bas, qui se sont parfois entremêlés au même moment, comme lorsque Stone Temple Pilots était au sommet de sa forme à l’apogée du rock alternatif dans les années 1990. Pendant l’un des hiatus de STP, De Leo s’est éloigné du groupe pour former Talk Show, un congé d’absence qui lui a permis d’exploiter une veine similaire à celle de son concert principal. Il a répété ce schéma au fil des ans, et c’est ce qui fait que l’aspect chaud et bruni de Lessons Learned est un peu surprenant : De Leo s’aventure ici en territoire inconnu. S’appuyant sur le country-rock décoloré par le soleil du début des années 1970, De Leo ancre son album solo dans les instruments acoustiques, élargissant suffisamment ses horizons pour englober un psychédélisme doux et tourbillonnant qui rappelle vaguement Led Zeppelin dans son mode folk.

De Leo invite une foule de chanteurs – dont Jimmy Gnecco de Ours, Kara Britz, Tim Bluhm de Mother Hips, Pete Shoulder et Gary Wright – pour mieux exprimer l’humeur d’une chanson particulière. De Leo lui-même chante la chanson murmurante « Is This Goodbye ». Malgré ce large éventail de personnages, Lessons Learned semble unifié grâce au fait que De Leo se concentre sur l’émotion, la transmettant à travers des chansons et une production calmement texturée, des sons qui mettent l’accent sur une chaleur douce et enveloppante autant que sur la mélodie. C’est un album discret mais pas léger : c’est un disque riche et réfléchi, qui sert de réconfort dans les moments de contemplation.

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Robyn Hitchcock: « Shufflemania! »

25 octobre 2022

Avec un titre d’album comme Shufflemania ! commençant par une chanson nommée « The Shuffle Man », l’auteur-compositeur-interprète Robyn Hitchcock nous demande-t-il de faire l’impensable – d’ignorer l’ordre de passage de son disque ? Pour la plupart des artistes qui prennent leurs tracklists très au sérieux, l’existence d’une fonction de lecture aléatoire sur les lecteurs de CD, les lecteurs MP3 et les logiciels de lecture de musique est probablement considérée comme un luxe maléfique. En effet, alors que la première chanson de Shufflemania ! cède la place à la deuxième et que la deuxième chanson cède la place à la troisième, on a l’impression que le Syd Barrett moderne préféré de tous a séquencé ces dix chansons dans la tradition des albums classiques où les marées montent et descendent au fur et à mesure que le fil conducteur persiste.

Mais Hitchcock a été si merveilleusement constant au fil des ans que cela n’a pas d’importance. Selon la façon dont on les compte, il a sorti au moins 22 albums studio depuis 1981, et aucun d’entre eux n’a été un échec. Écoutez ces albums dans leur intégralité, et vous ne rencontrerez pas de mauvais morceaux, même si vous pouvez tomber sur quelques bizarreries qui vous feront perdre la tête, comme « Wafflehead » sur Respect. Avec une discographie aussi riche que celle de Robyn Hitchcock, la fonction « shuffle » n’est pas une menace. Alors, que l’homme tolère ou non l’acte,nous disons « shuffle away ». Peu importe l’ordre, vous aurez toujours un aperçu de sa profondeur.

« The Shuffle Man » donne le coup d’envoi de Shufflemania ! avec une jubilation égalée par d’autres morceaux d’ouverture d’Hitchcock comme « Adventure Rocketship » et « The Yip Song ». Le refrain implacable de « Oh yes, oh yes, oh yes, oh yes, oh yes ! » sur un riff à deux accords gauche-droite-gauche-droite est si magnétique qu’il est impossible de l’ignorer. La tendance Lear/Carroll d’Hitchcock à s’adresser à ce mythique « Shuffle Man » comme à une comptine pour enfants ajoute au plaisir : « Fais-toi une faveur / N’oublie pas la confiture / Il faut une offrande pour le Shuffle Man » (Do yourself a favor / Don’t forget the jam / You need an offering for the Shuffle Man). C’est un peu la ruée, et Hitchcock vous donne la plupart du reste du disque pour reprendre votre souffle en vous servant une piste de pop kaléidoscopique très complexe après l’autre.

« The Sir Tommy Shovel  » relance le rythme avec des promesses de consommation responsable et un écho vocal à faire frémir. « The Raging Muse » suit, avec des retours de guitare qui sont inhabituellement boueux pour Hitchcock. Le refrain fait une tentative d’envolée, mais il reste enlisé dans un endroit où l’absurdité hitchcockienne pourrait être confondue avec le désespoir : « Je regarde dans tes yeux / Et il y a des poissons dans le verre / Nageant dans des bols / De parfaits yeux rouges / C’est l’heure du thé / Et les poissons ont tous faim / Et les poissons frémissent » (l look into your eyes / And there’s fish in the glass / Swimming in bowls / Of perfect red eyes / It’s getting to teatime / And the fish are all hungry / And the fish are all shuddering). Et si vous vous demandez « Pourquoi les poissons frémissent-ils ? », alors c’est clairement votre premier rodéo.

Entre les deux, on trouve quelques-unes des meilleures chansons d’Hitchcock, dont « Socrates in This Air », un morceau essentiellement acoustique qui se lit comme une défense étonnamment sérieuse du philosophe au moment de son exécution : « Socrate est allé dans le futur / Il a laissé tout ça derrière lui / Oui, Socrate, il n’avait pas besoin / de ces esprits médiocres » ( Socrates went to the future / He left that all behind / Yeah, Socrates, he didn’t need / Those mediocre minds). Musicalement, tout est assez simple pour laisser les mots briller et pour que l’outro résonne dans le cerveau de chacun longtemps après la fin de la première partie : « Plus un petit navire de sagesse / Sur un lac de fous instantanés / Plus n’importe quel bourreau / Il dira ‘Je ne fais pas les règles » ( Plus a little ship of wisdom / On a lake of instant fools / Plus any executioner / He’ll say ‘I don’t make the rules). Ce n’est qu’une partie de ce que Shufflemania ! a à offrir.

« The Inner Life of Scorpio » fait appel à la grandeur des Pet Sounds, « Noirer Than Noir » fait appel à un vibraphone cool de fin de soirée, et « Midnight Tram to Nowhere » ressemble à une ode écrite et interprétée par des fantômes qui vous emmènent dans l’au-delà. Comment expliquer autrement un couplet qui dit : « Le tramway de minuit pour nulle part / Il descend les rails / Il prend toutes sortes de gens, mais / Il ne les ramènera jamais. » (Midnight tram to nowhere / It’s rolling down the tracks / Takes all kinds of people, but it / Never bring ’em back?). Ne vous effrayez pas trop, car Shufflemania ! se termine sur une note joyeuse avec le doux numéro « One Day (It’s Being Scheduled) ». Hitchcock prédit que « la race humaine ne sera pas dirigée par des brutes ». Comme dans sa chanson de 2017 « I Want To Tell You About What I Want », il plaide pour l’empathie avec la simple ligne « Un jour / La couleur de votre peau ne sera pas la grande division / Un jour / Vous vous soucierez de ce que les autres ressentent à l’intérieur »(( One day / The color of your skin won’t be the great divide / One day / You’ll care about how other people feel inside).

« C’est probablement l’album le plus cohérent que j’ai fait », a déclaré Hitchcock à propos de Shufflemania ! Deux choses peuvent être déduites de cette citation. Premièrement, assembler toutes ces chansons au hasard n’est pas une idée si controversée. Deuxièmement, le fait que Shufflemania ! soit probablement le titre le plus cohérent parmi au moins 22 enregistrements studio n’est pas une mince affaire. Quiconque a écouté le travail d’Hitchcock avec les Egyptians ou son retour au jangle-pop avec les Venus 3 peut en témoigner. Pourtant, dire que Shufflemania ! appartient à l’échelon supérieur de l’homme devient moins hyperbolique à chaque rotation. Les concepts de « constance » et de « qualité » sont relatifs, mais un nouvel album de Robyn Hitchcock est toujours bon pour rappeler ce qui est vraiment « fantastique », et Shufflemania ! ne fait pas exception.

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Sloan: « Steady »

22 octobre 2022

Trente ans après leurs débuts, les grands noms de l’Indie Pop canadienne, Sloan, sont de retour avec leur 13e album studio. Heureusement, peu de choses ont changé au cours des trois dernières décennies. Les quatre membres fondateurs sont toujours dans le groupe et ils continuent de marteler un mélange intelligent de power pop qui mélange une variété d’influences allant des Beatles à Cheap Trick en passant par les Pixies. Steady n’est pas différent. Sur une douzaine de titres, le quatuor – qui s’échange toujours les voix – s’en tient à son mélange caractéristique de pop rock intelligent, drôle et souvent ensoleillé, avec des guitares pointues et une batterie rapide. 

Le nouvel album s’ouvre sur « Magical Thinking », une chanson clairement inspirée par certaines théories en ligne ineptes apparues ces dernières années, qui montrent des personnes confrontant leurs sentiments et leurs théories personnelles à la science réelle. C’est une chanson amusante qui semble musicalement agnostique à une époque spécifique.

On peut dire la même chose de « Spend The Day », l’un des premiers singles de l’album et malgré les paroles centrées sur le guitariste/chanteur Patrick Pentland qui est au plus bas après la rupture de son mariage, la chanson est étonnamment dynamique. Deux des meilleurs moments de l’album tournent autour de sujets plus banals, comme dans « Human Nature », une chanson amusante et addictive sur les ragots. « Nice Work If You Can Get It », une chanson sur les inconvénients des tournées, est aussi étonnamment satisfaisante, en partie grâce au fait qu’ils se plaignent d’une situation que beaucoup endureraient volontiers. 

Sloan est un groupe qui est souvent cité par d’autres musiciens et qui s’est certainement construit un public fidèle au fil des ans, mais qui, inexplicablement, n’a jamais été très connu en dehors de son Canada natal. Steady ne fera probablement pas grand-chose pour changer cela, mais il est certain que même les fans les plus occasionnels du groupeen seront d’autant plus heureux.

***1/2


Todd Rundgren: « Space Force »

12 octobre 2022

Quand on a les références de Todd Rundgren, on peut faire à peu près ce qu’on veut quand il s’agit de sortir de la musique. Tout le monde peut sortir ce qu’il veut… mais peu le font comme Rundgren.

Space Force propose un éventail de titres issus d’un large éventail de genres et mettant en vedette un large éventail d’invités spéciaux. « The Roots » participe à la très funky et très fluide « Godiva Girl ». « Questlove » et ses coéquipiers nous livrent une jam lounge qui est comme de la soie auditive. Rundgren chante pour montrer son large éventail vocal avec des lignes suintant l’émotion et la passion. Thomas Dolby ajoute à la sinistre chanson « I’m Not Your Dog » ; une ligne de basse hypnotique synthétise la chanson qui se transforme en une voix accrocheuse et cacophonique du duo.

Le bruit est un sujet que Todd Rundgren a déjà abordé avec bonheur sur ses disques (voir Arena en 2008). « STFU » fait appel à Rick Nielsen, de Cheap Trick, sur un rocker blasphématoire. « STFU » a une ligne de guitare brillante et simple qui est encore une fois incroyablement accrocheuse. Il est difficile de ne pas chanter en même temps et de ne pas ressentir un sentiment de rébellion dans les paroles.

A l’opposé, il y a le plus doux « Artist In Residence » qui met en vedette l’homme de Crowded House, Neil Finn. Le tempo plus lent et le ton plus tendre montrent bien qu’il y a vraiment un artiste en résidence sur Space Force. Todd passe sans effort d’un genre et d’un style à l’autre. Un autre exemple de cela se trouve dans « Espionage », avec le rappeur irakien Narcy. Les couplets rap dominent mais l’ombre de collaborateurs précédents comme Lindstrøm plane sur la chanson dans l’élément électronique. L’électronique grésille également sur Puzzle, avec Adrian Belew de King Crimson. Ce morceau ouvre l’album et a plus qu’un soupçon de David Bowie dans sa livraison.

Il y a un peu plus de 50 ans, Todd Rundgren produisait le premier album de Sparks. Sur Space Force, les légendaires rockeurs de Los Angeles prêtent leur main à « Your Fandango », une chanson qui existe depuis un certain temps déjà. La chanson est typiquement excentrique et ajoute à la toile toujours plus grande de l’album. L’excentricité abonde avec Todd Rundgren qui fait appel au puissant Steve Vai pour le dernier morceau de l’album,  « Eco Warrior Girl ». Esthétiquement, le titre évoque une ambiance cinématographique et le titre pourrait certainement ajouter à ce sentiment. On y retrouve la gymnastique typique de la guitare à laquelle on peut s’attendre et le morceau donne une fin superbement rebondissante à un disque brillant d’un véritable maître en la matière.

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Daniel Lanois: « Player, Piano »

24 septembre 2022

Daniel Lanois ? On pense guitares pas trop propres, trempées dans les eaux boueuses du Mississippi (ou d’un lac pas loin de Gatineau, terre d’origine). On pense réalisation, pour Dylan, U2, Gabriel, longue liste. Qui aurait dit : Lanois, pianiste ? Personne. Sauf Lanois. On le savait capable de tâter de tout. Peur d’avoir l’air amateur ? Au contraire. Ce que dit ce premier album à l’enseigne de BMG — et le rapatriement de son catalogue —, c’est qu’il n’a pas à refaire du Lanois. Occasion saisie, mode de création renouvelé.

Piano ? Va pour le piano. Pas fluide mais futé, Lanois compense : il enregistre la main gauche, puis la droite. Ou le contraire. Un contrariant chronique, le Daniel. Ainsi naît un pianiste pas vraiment pianiste. Un peu de programmation en sus. D’autres claviers. Ressort un album un peu artificiel. Pas du Lanois en prise directe, ni du Lanois enraciné. Plutôt Lanois en pleine expérimentation, fin mélodiste tout de même. Pas tellement ce que le titre Player, Piano annonce. Esprit de contradiction, va !

***1/2


Suede: « Autofiction »

20 septembre 2022

Suede a réalisé sans doute la reformation et le retour les plus réussis de ces dernières années. Le groupe a choisi de mettre un terme à sa carrière après que son cinquième album, A New Morning, sorti en 2002, n’ait pas répondu aux attentes, mais il s’est regroupé sept ans plus tard pour donner des concerts et, peu après, pour sortir Bloodsports, son album de retour en 2013. Cette démarche n’a pas seulement porté ses fruits, elle a également consolidé leur statut de groupe le plus constant de ces 25 dernières années, tout en leur faisant découvrir un nouveau public.

Autofiction, leur quatrième album depuis leur reformation (et leur neuvième album au total), est plus qu’à la hauteur des normes établies par ses prédécesseurs. Déjà décrit dans des interviews par le vocaliste et auteur-compositeur en chef Brett Anderson comme le disque punk du groupe, Autofiction représente un vaste départ musical par rapport au dernier disque de Suede, The Blue Hour en 2018. Pourtant, en même temps, il s’identifie facilement comme un album de Suede.

Enregistré aux Konk Studios de Londres, avec Ed Buller à la production, Autofiction est aussi vivant et direct qu’un disque de Suede puisse l’être. En effet, cette approche de retour aux sources fonctionne à merveille en termes de flux de l’album. L’album s’ouvre sur le post-punk guttural de « She Leads Me On », une sorte de parenté sonore avec « Ceremony » de Joy Division/New Order. Les tout aussi tapageurs « Personality Disorder » et « 15 Again » suivent, tandis que « The Only Way I Can Love You » et « That Boy on the Stage » poursuivent le contexte autobiographique d’Autofiction.

La chanson « Drive Myself Home », au milieu de l’album, est peut-être la chanson la plus évidente du disque pour ceux qui connaissent le vaste catalogue du groupe. Mais c’est vers la fin d’Autofiction que le disque prend de l’ampleur, notamment sur « It’s Always the Quiet Ones » – qui rappelle le Killing Joke de l’époque de Night Time – et le couplet final « What Am I Without You » et « Turn Off Your Brain and Yell ». La déclaration d’intention grandiose de ce dernier assure presque certainement la présence d‘Autofiction dans les échelons supérieurs de la liste des Best Of de 2022.

***1/2


Shaylee: « Short-Sighted Security »

14 septembre 2022

Sous le nom de Shaylee, l’auteur-compositeur-interprète Elle Archer, de Portland (Oregon), rend un véritable hommage  » Do-it-yourself  » à la musique qui l’a inspirée au départ, à savoir les œuvres du début du siècle de groupes de rock alternatif comme Flaming Lips, Wilco et Radiohead. Bien sûr, la plupart des groupes de rock alternatif qui l’ont inspirée font des clins d’œil évidents aux influences mélodiques du rock classique qui les ont inspirées, la power-pop jangly et le rock classique qui continuent de toucher les fans à ce jour. Profitant pleinement de la fermeture de la pandémie, Archer a concentré ses considérables talents sur la création d’une musique qui honore ce passé, tout en livrant une déclaration personnelle conçue pour passer l’épreuve du temps. Multi-instrumentiste, elle joue de tous les instruments, sauf quelques-uns, présentés dans cette collection de chansons – du moins toutes les guitares, la basse, la batterie et les synthétiseurs, mais elle remercie un ami, Matt, qui a fourni un peu d’orgue, de violoncelle et de violon sur quelques morceaux.

Comme la plupart des grandes œuvres d’art, les chansons de Shaylee racontent une histoire personnelle de lutte, le désir d’amour et ses échecs, et ses tentatives de vivre, de grandir et de développer des relations significatives en tant que femme transgenre, étant donné que « le monde change autour de nous ». Le fait que son histoire soit liée aux questions intérieures et à l’inquiétude de tous ceux qui se demandent quelle est leur place dans le monde rend ses chansons d’autant plus universelles ; elle raconte une histoire fondamentalement humaine. Et comme dans la musique pop, ce sont ses sensibilités mélodiques accrocheuses qui attirent l’auditeur dans son expérience, et c’est l’impressionnante collection de sons qu’elle réunit qui fournit le tissu conjonctif sur lequel repose toute grande musique.

Le fait de savoir qu’Archer a dû assembler ces hymnes power-pop longs et parfois très élaborés, une couche à la fois, ne vous empêchera pas d’imaginer un groupe complet en train de jammer sur des morceaux comme « Stranded Living Room », « Audrey » et « Oblivion », qui ont tendance à se construire pour permettre des solos de guitare majestueux, un domaine dans lequel elle excelle. Dans « Ophelia », elle inclut un breakdown noise classique pour exprimer le chaos qui peut survenir lorsqu’une attraction brève et rapide s’épanouit rapidement avant d’imploser.

Sur ce troisième album, Shaylee capitalise sur des années d’étude des chansons qui ont représenté le monde pour elle et apporte tout ce savoir à ce beau projet de bricolage, qui la place en bonne compagnie des efforts d’enregistrement solo de Paul McCartney et Todd Rundgren. Tout au long de Short-Sighted Security, les chansons d’Archer semblent demander s’il y a de la place dans le monde pour elle et sa musique, alors même qu’elle se taille un espace unique enraciné dans la démonstration de ses nombreux talents.

***1/2


Catherine Graindorge, Iggy Pop: « The Dictator »

9 septembre 2022

Voilà ici, collaboration passionnante entre la célèbre compositrice et instrumentiste belge Catherine Graindorge et le toujours aussi iconique Iggy Pop. Des textures électroniques et des cordes obsédantes se mêlent au baryton d’Iggy et à ses récits édifiants. Une plongée profonde au cœur de ces temps troublés. Tout a commencé avec la radio. Ensemble, ils ont forgé une rencontre des esprits qui a donné naissance à The Dictator, un opus qui combine leurs talents : sa musique, sa voix. Iggy Pop a joué deux de mes morceaux dans son émission sur BBC 6 Music et Graindorge a envoyé, sans trop y croire, un courriel adressé à Iggy et au producteur de l’émission, pour lui dire qu’elle aurait été honorée de travaillér avec lui. À son incrédulité et à sa grande joie, elle a reçu une réponse deux jours plus tard. Il faut dire que, en plus de son travail en solo et de son appartenance au groupe Nile on WaX, elle a travaillé avec des artistes comme Nick Cave, Hugo Race et l’estimé producteur/musicien John Parish.

Pourtant, elle n’attendait rien de plus que d’ajouter son violon à une de ses chansons. Au lieu de cela, elle se souvient que Iggy lui a demandé de lui envoyer un morceau, composition sur laquelle elle a commencé à improviser avant de composer trois morceaux à la maison. Après avoir communiqué et échangé des idées, on souhait s’est transformé en un rêve fiévreux de créativité. Pendant les fêtes de Noël, elle a enregistré un autre morceau qui était plus rock et qui a séduit le chanteur. Il a écrit les paroles de « The Dictato »’ deux mois avant que la Russie n’envahisse l’Ukraine, source d’inspiration qui est venue de ses sons et structures musicales, et du monde qu’il y voyait en ce moment précis. Ainsi est née une maçonnerie gothique à l’œuvre ici, conjuguée à une force très ancienne soutenue par des structures très rusées en contraste à la musique de Graindorge. Une ontribution qui consiste, de ce fait, à rendre compte, par les mots et les sons, de la menace actuelle, et de l’aspiration au bonheur et à la paix.

***1/2


Kiwi Jr.: « Chopper »

14 août 2022

Il existe un accord tacite entre un groupe et ses auditeurs lorsqu’il se prépare à enregistrer son troisième album. Un excellent deuxième album peut vous aider à oublier la première impression maladroite d’un premier album. Mais si un groupe reçoit le public pour un troisième album, il peut vraiment construire sa réputation – ou la faire dérailler – comme il l’entend. L’album Cooler Returns (2021) du combo torontois Kiwi Jr. n’avait pas vraiment la charge de justifier le modus operandi « jangle-pop-meets-gen X indie rock » des années 90 de leur voyage inaugural, Football Money. À bien des égards, il a fait mieux que cet album, avec des arrangements plus urgents et l’assurance d’un vélociraptor en cage trouvant un point faible dans la clôture électrique de Jurassic Park. Avec Chopper, le groupe ne fait pas exactement de la polka, pour ainsi dire, mais il y a une progression notable dans leur son qui pointe vers un raffinement subtil et de bon goût.

Avec la production de Dan Boeckner, maître de Wolf Parade et Handsome Furs – et membre actuel d’Arcade Fire – Chopper voit le cliquetis de la 12-cordes du chanteur et compositeur Jeremy Gaudet s’effacer au profit de lignes de synthé épaisses et harmonieuses. En 2022, un changement vers ce type d’instrumentation peut graver « These sellouts jumped the shark » sur la pierre tombale d’un groupe indie-rock. C’est loin d’être le cas ici. L’album est plein de pop plastique, comme le single « Night Vision » qui évoque les sons new wave claustrophobes et extraterrestres des Cars avec beaucoup d’effet. C’est un son qui convient merveilleusement au groupe, qui choisit de renforcer les accroches qui étaient déjà abondantes dans ses chansons, plutôt que de rechercher la grandiloquence.

Toujours au centre d’un album de Kiwi Jr., Gaudet semble être le genre de frontman indie-rock qui a été construit dans un laboratoire après des années de recherche sur certaines des personnalités les plus idiosyncrasiques et sardoniques du genre. À l’instar de Stephen Malkmus, Adam Green et David Berman, mais sans leur affinité avec les contes country, les paroles et la voix de Gaudet dégoulinent d’un esprit vif et sarcastique qui vous invite à participer à la blague. Comme ces artistes, il trouve de la poésie dans les nécessités banales de nos existences modernes. Comme Jason Lytle dans son meilleur travail dans Grandaddy, il peut mettre en lumière la profonde solitude des jeunes professionnels, qui n’ont que leurs piles de biens de consommation inutiles et leurs économies en baisse pour s’assurer que leur vie a été bien employée. Dans « Parasite II », il se demande s’il n’y a pas quelqu’un d’autre qui se faufile dans sa maison vide pour boire toute sa bière et repasser ses chemises dans la buanderie. « Il y a une ancienne crise de foi qui se construit dans la chambre à coucher / Un récit de la légende arthurienne dans le miroir de la salle de bain » (There’s an ancient crisis of faith that’s building in the bedroom / A retelling of Arthurian Legend in the bathroom mirror), chante-t-il, sachant que le coupable appelle certainement de l’intérieur de la maison.

Son écriture est remplie de métaphores qui prouvent que les humains sont d’autant plus déçus que nous innovons. Maintenant que la technologie a prouvé que rien n’est impossible, quelle est notre excuse lorsque nous ne pouvons pas faire de nos rêves des réalités ? Il fait passer ce message de manière succincte sur le morceau phare « Clerical Sleep ». « Je connais un homme qui a la prothèse robotique la plus avancée de l’histoire du monde / Construite dans un laboratoire » (I know a man with the most advanced robot prosthetic in the history of the world / Built in a lab), glapit-il alors que la chanson touche à sa fin. « Elle a coûté 2 millions de dollars, mais il la déteste, ne la supporte pas, ne la porte jamais, elle reste là » (“It cost $2,000,000, but he hates it, can’t stand it, never wears it, it just sits there).

Le thème le plus important de Chopper est peut-être le concept du « syndrome du personnage principal », ou le sentiment exagéré d’utilité que nous ressentons chaque fois que nous nous éloignons un peu des projecteurs. Mais la façon dont Gaudet aborde ce sentiment d’importance dans des chansons comme « The Extra Sees the Film » ou « The Sound of Music » n’est pas nécessairement un commentaire sur la mégalomanie. Il s’agit plutôt d’un portrait du désir désespéré qu’ont beaucoup d’entre nous d’être vus comme les stars qu’ils espèrent devenir. Dans « The Sound of Music », il zoome sur un personnage qui met sa vie en danger pour un bref moment de reconnaissance, en chantant : « Quand ils t’ont sorti du port, tu tenais un livre / Puis tu as poussé ton scénario dans ma poitrine et tu as dit : « Ne vas-tu pas au moins y jeter un coup d’oeil ? » Combien de sang faut-il verser pour se frayer un chemin dans l’esprit du temps ? (When they pulled you out of the harbor you were holding onto a book / Then you shoved your screenplay into my chest and said, ‘Won’t you at least take a look?’” How much blood would you spill to elbow your way into the zeitgeist?).

S’il y a un reproche à faire à un groupe comme Kiwi Jr, c’est que son destin était déjà écrit dès que ses ingrédients ont été partagés avec le public. Ce genre de rock indé authentique, jangly et littéraire, qui rend hommage au passé, aura toujours son cercle de fans. Si ce n’est pas votre truc, il n’y a pas beaucoup de surprises dans les 37 minutes de l’album pour convaincre les inconvertis. Mais pour ceux qui n’en ont jamais assez, Kiwi Jr. fait ce genre de musique mieux que quiconque en ce moment, et avec Chopper, Gaudet et le reste du groupe justifient leur position parmi leurs influences.

****1/2