Reef: « Shoot Me Your Ace »

6 mai 2022

Au fil des ans, Reef a toujours été un groupe de rock, avec des influences indie, britpop, funk, gospel et même un peu de folk, mais au fond, il a toujours été un groupe de rock et ce nouvel album est la preuve de la pureté de cette offre. Shoot Me Your Ace  » est un album triomphant, sans prétention et glorieux qui prend des influences de toute l’histoire du rock et prouve, une fois pour toutes, que Reef a sa place spéciale dans cette chronologie.  

L’album s’ouvre sur la chanson titre et, honnêtement,  » Shoot Me Your Ace  » est un début d’album aussi vital et palpitant qu’on puisse l’espérer. Lorsque le pré-chorus commence à résonner, vous pouvez presque sentir l’essence dans l’air et lorsque ces guitares superposées commencent vraiment à s’empiler, les poils de votre nuque se dressent. When Can I See You Again  » fait référence à l’album  » Glow  » du groupe avec des lignes telles que  » when I wake up and you are naked in your make up  » (quand je me réveille et que tu es nue dans ton maquillage) sur une tranche d’Americana avec un accent de Glastonbury. Notre morceau préféré de l’album est sans doute « Refugee », où l’on retrouve le frontman Gary Stringer dans une forme vocale brillante et mélancolique, tandis que le groupe crée un tourbillon de bruit à la Rolling Stones autour de lui en chantant « I am a refugee, a reckless heart being set free ».

Sur « Best Of Me », on retrouve des éléments des Who alors que les garçons s’agitent dans une ambiance bluesy, mais avec une mélodie entraînante qui maintient l’énergie juste. De même, « Wolfman » est une chanson primitive avec une ligne de guitare hargneuse de Jesse Wood qui vous donne envie de vous pavaner dans le bar le plus proche et de faire des ravages. Le jeu de basse légendaire de Jack Bessant introduit  » Hold Back The Morning  » avant que la voix de Stringer ne s’y joigne et que le reste du groupe n’intervienne pour créer un son à la Lynyrd Skynyrd et Black Sabbath. 

« Right On  » est une composition plus douce, écrite par Bessant, qui offre un moment de répit, mais qui comporte toujours une guitare tranchante et le genre de vibration qui vous donne envie de conduire jusqu’à la côte juste pour regarder le soleil se lever. L’intro de la basse et du chant se retrouve sur « Everything Far Away », qui se transforme en une chanson qui pourrait facilement figurer sur une bande originale de film, avant d’exploser dans un flou de voix graveleuses et de tambours qui s’écrasent. Stringer, qui se pavane, est de retour sur le morceau  » I See Your Face « , imprégné de funk, qui se rapproche le plus du son original du premier album  » Replenish  » (un groupe peut-il être sa propre influence s’il reste assez longtemps dans les parages ?) L’album se termine par un épice de six minutes, ‘Strange Love’, qui ramène le son des Rolling Stones avec une jam glorieuse et libre avant l’une des plus longues outros que vous ayez jamais entendues. Reef n’est pas de retour, ils n’ont jamais disparu, ils ont juste fait leur truc jusqu’à ce que le moment soit venu et que les gens aient besoin d’un album de rock pour s’éclater. C’est cet album. 

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Bellows: « Next of Kin »

1 mai 2022

Bellows est l’un des groupes les plus sous-estimés de la dernière décennie. Avec leur son unique soulignant l’écriture vive d’Oliver Kalb, il y a peu d’artistes avec des discographies aussi convaincantes et vivifiantes. De Blue Breath, en 2014, à The Rose Gardener, en 2019, le son de Bellows a évolué de manière significative. Il a également reflété les changements dans la vie et la carrière de Kalb, ainsi que ceux qui l’entourent.

Sur Next of Kin, l’approche de Kalb semble presque apprivoisée, surtout dans les premiers moments du disque. « Marijuana Grow » est un morceau folk assez simple, Kalb étant accompagné au chant par Alenni Davis (Another Michael) et Lina Tullgren, qui joue également du violon. Si sa sonorité chaleureuse peut désarmer les auditeurs, Kalb ne s’éloigne pas du thème principal du disque, la perte. « No One Wants to Be Without a Person to Love » commence par un synthé vocal sauvage mais amusant. Grâce aux paroles de Kalb et à l’utilisation du bruit de fond, une image vivante de la solitude est peinte.

L’un des principaux thèmes de Next of Kin est la connexion que Kalb trouve avec ses amis, ses collaborateurs, sa famille et même ses animaux domestiques. La chanson « My Best Friend » en est un exemple frappant. En décembre 2021, Montana Elliot, le guitariste de Bellows, est décédé. Elliot était un géant de la scène musicale new-yorkaise, travaillant dans divers lieux et jouant dans de nombreux autres groupes, dont Sharpless. Le clip met en scène les amis d’Elliot faisant tous des choses qu’ils aimaient faire ensemble. À la fin, la vidéo montre le local de répétition de Bellows et le groupe qui joue avec un espace vide à la place d’Elliot.

« Rancher’s Pride » est un autre single d’inspiration folk, capturant les vastes étendues en dehors de la ville où se déroule une grande partie de l’album. « Death of Dog » a un ton nostalgique, car Kalb chante la maison de son enfance et le décès de son chien bien-aimé, Loubie. Kalb chante comment être dans la maison lui donne l’impression d’être un enfant et comment il peut encore entendre Loubie quand il est là. C’est un rappel que ces souvenirs sont inestimables et qu’il faut apprécier le présent tant qu’il est là.

« McNally Jackson » est un autre exemple de la gamme de sons dont Bellows est capable. Il s’agit d’un morceau un peu pop, avec un excellent échantillonnage vocal et un rythme de batterie électronique contagieux. Elle est aussi animée que son cadre, une librairie de New York.

« Biggest Deposit of White Quartz » commence par une voix vocodée de Lillie West (Lala Lala), mais elle cède la place à la narration captivante de Kalb. Se mettant en scène dans un bar Kava à Asheville alors qu’il était en tournée, Kalb évoque des souvenirs de ses voyages et des personnes avec lesquelles il a partagé la scène. Il y a un moment dans ce morceau où Kalb chante la tournée 2016 de Bellows, Fist & Palm. À ce moment-là, l’arrangement change brusquement, devenant plus lourd et plus urgent. Cependant, la chanson continue et parle de la façon dont le monde a changé. Cela va du banal (par exemple, le retour des Patriots au Super Bowl) au bouleversement de la vie (par exemple, la perte d’un ami), et comment ces moments pourraient être liés à un avertissement entendu dans cette mesure.

***1/2


Jerry Paper: « Free Time »

18 avril 2022

Les deux premiers albums de Jerry Paper pour Stones Throw étaient un raffinement du son et du personnage que l’artiste énigmatique né Lucas Nathan développait depuis le début des années 2010, alors qu’ils évoluaient d’un projet pop lo-fi quelque peu ironique à un interprète et un auteur-compositeur plus accompli. Free Time les trouve en train de se lâcher et d’expérimenter davantage que sur leurs quelques albums précédents, abordant un plus large éventail de genres tout en abordant des sujets plus personnels. L’album est apparu peu de temps après que Nathan se soit déclaré non-binaire, et les chansons reflètent leur parcours ainsi que la joie et la libération d’être soi-même. « Kno Me « , le rocker aux accents d’Elvis Costello qui ouvre l’album, a été directement inspiré par la première fois où Nathan a décidé de porter une robe en public. Après avoir réalisé que la plupart des gens ne réagissaient pas d’une manière ou d’une autre, il a trouvé la liberté en ne se souciant pas de ce que les autres pensent de lui. Dans cette optique, Nathan ne semble pas vouloir s’en tenir à un son cohérent sur Free Time, et les chansons sont plus unifiées par l’énergie ou l’esprit que par le style. « Just Say Play » est plus proche du synth funk doux et pétillant des précédents albums de Jerry Paper, tandis que « Shaking Ass » est plus proche de la samba.

En revanche, « Myopitopia » conserve un peu de cette humeur douce, mais est principalement construit à partir de synthés robotisés, rappelant les premières expériences de pop électronique des années 1960 jusqu’à l’ère de la culture des cassettes des années 1980. Le lent et timide « Duumb » est une réflexion sur le doute de soi, et son pont est inexplicablement rempli d’un collage rythmique d’effets sonores cartoonesques, de cris et de voix éthérées. « DREEMSCENES » est une jam house funky, avec des vocodeurs, des guitares grattantes et un saxophone sautillant, le tout sur un rythme régulier et des nappes de synthé luxuriantes. Comme une grande partie de l’album, c’est un peu désordonné, mais Nathan semble plus confiant que jamais pour plonger dans de nouveaux territoires et embrasser des sons différents, ce qui fait de cet album l’un des plus ambitieux et libres d’esprit.

***1/2


Sandra Boss, Jonas Olesen, Anders Lauge Meldgaard: « SOL OP: Music For Midified & Modified Pipe Organs »

7 avril 2022

En utilisant uniquement des orgues à tuyaux, le trio composé de Sandra Boss, Jonas Olesen et Anders Lauge Meldgaard crée un monde construit sur la fantaisie et l’air. À l’aide d’un ensemble d’orgues à tuyaux modifiés (et midifiés – ou plutôt MIDIfiés), Boss, Oleseon et Meldgaard assemblent un univers réticulé où des possibilités infinies naissent d’un instrument simple et déconstruit. En utilisant de petits orgues portables, le trio ouvre de nouvelles et innombrables facettes où de petits mondes sonores peuvent se développer.

Avec un éventail diversifié de composants sonores flottant à travers chaque couche de SOL OP, ce sont les sons animaliers qui m’ont le plus frappé. Des oiseaux gazouillent sur des lits de sons dansants sur « Fuglene ». Il y a une sensibilité aqueuse dans la cascade de notes qui se déplacent en cercles concentriques autour des bourdons creux sous-jacents. C’est l’un des nombreux timbres surprenants que le trio utilise tout au long de SOL OP. En utilisant tous les aspects des orgues – du système de soufflerie d’air lui-même aux diverses pièces mécaniques de l’orgue et à l’incorporation du contrôle MIDI – le potentiel de pousser dans tous les plans sonores que ces orgues peuvent offrir devient une réalité.

Les sons animaliers se poursuivent tout au long de SOL OP. Des marmonnements rythmiques gutturaux donnent à « Maskinerne » une colonne vertébrale tactile. Des formes plus aiguës scintillent comme la lumière se réfractant à travers des verres remplis d’eau, le rythme rapide des répétitions imitant les ailes d’un colibri. Les hiboux font la sérénade à la lune dans un chœur de minuit sur « Skovene », les différentes textures bougeant toutes conjointement pour donner à la pièce une impression de mouvement ascendant. C’est hypnotisant.

Même dans les passages ténus où les tons étirés semblent coincés dans les airs, comme dans l’ouverture « Sol Op », les passages allongés sont pleins de tension et d’enjouement. Lorsqu’un orgue glisse vers le haut sur les arrangements hurlants au loin, la dichotomie est intéressante et amusante. Bien que le morceau finisse par s’installer dans une zone plus contemplative, la gamme de sentiments ajoute à sa nature séduisante. « Vindene » fonctionne de la même manière, bien que je ne puisse m’empêcher d’imaginer un monde où les trains ont des conversations et, dans ce cas, ils sont clairement ennuyés, mais le trio construit ces pièces avec ces points de vue et structures originaux qui me donnent envie de tout savoir sur chaque note, chaque arrangement.

SOL OP est une exposition qui consiste à prendre un instrument et à en trouver les limites perçues, puis à les repousser. Il y a tellement d’éléments dans SOL OP qui ne ressemblent à rien de ce que j’ai pu entendre d’un orgue à tuyaux. Plus encore, la façon dont Boss, Olesen et Meldgaard combinent ces sons avec les ronflements et les chuchotements plus familiers élève cette musique à quelque chose de vraiment spécial.

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Wet Leg: « Wet Leg »

6 avril 2022

Il y a suffisamment de répliques sardoniques sur le premier album éponyme de Wet Leg pour remplir un numéro de comédie musicale. C’est un sens de l’absurde qui a été mis en évidence sur leur tube viral de l’année dernière, « Chaise Longue ». Avec ses guitares post-punk et ses paroles à mi-voix, qui faisaient référence à « Mean Girls », il semblait taillé dans la même étoffe qu’un autre succès récent, « Dry Cleaning ». 

L’album les établit dans leur propre droit et justifie amplement le battage médiatique : de la citation d’Iggy Pop à la deuxième place du Sound Of 2022 de la BBC. C’est tout un exploit pour un groupe qui s’est formé de manière impromptue, voire désinvolte, et qui n’a donné que quatre concerts avant que le monde ne s’écroule. Se retrouvant soudainement avec plus de temps libre, ce qui était au départ un passe-temps est devenu une occupation à plein temps pour Rhian Teasdale et Hester Chambers, deux amies d’université.

C’est pendant la quarantaine qu’elles ont défini leur son et se sont mises d’accord sur leur manifeste : « Tant que vous vous amusez, tout va bien se passer », ont-elles déclaré au NME. Cela leur a donné la permission d’expérimenter divers sons qui sont tous nourris par un amour de l’indie-pop des années 90. Écoutez « Ur Mum  » et  » Oh No  » et vous y trouverez des éléments de The Breeders, Pavement et Elastica.

Cette combinaison leur confère une familiarité rassurante, et pourtant leur capacité à écrire des accroches lancinantes les rend véritablement passionnants. Ce sont des morceaux qui vous donnent envie de danser, en particulier les handclaps disco sur l’infectieux « Wet Dream », tout en offrant des observations pince-sans-rire sur la vie moderne. Je n’ai pas besoin d’une application de rencontre pour me dire si j’ai l’air d’une merde » (I don’t need no dating app to tell me if I look like crap), lance Teasdale sur « Too Late Now ».

Le duo n’ignore pas le désordre ou la confusion d’être un jeune adulte, mais sur leur premier album, ils distillent les émotions dans des chansons de deux minutes qui sont des actes communautaires de joie.

***1/2


Stereophonics: « Oochya ! »

4 mars 2022

Alors que les préparatifs de l’album Greatest Hits célébrant le 25e anniversaire du groupe commençaient, Kelly Jones, le leader et principal auteur-compositeur de Stereophonics, s’est retrouvé, au lieu de regarder en arrière, à découvrir une foule de morceaux qui, pour une raison ou une autre, étaient tombés dans l’oubli. Inspiré par l’idée de rassembler et d’améliorer les idées qui n’avaient pas été retenues, Jones a commencé à écrire l’album le plus vivant du groupe gallois depuis plus de dix ans, Oochya !

Motivé par la volonté de faire découvrir Stereophonics aux nouvelles générations, Jones a estimé qu’il y avait encore du travail à faire et qu’une compilation de best-of pouvait attendre. Ils ont, selon leurs dires, toujours cherché à trouver de nouveaux publics avec de la nouvelle musique, et on eu la sensation qu’une compilation aueait été trop facile. 

Oochya ! est le résultat de ces nouveaux objectifs. Le « single » (et morceau phare) « Hanging On Your Hinges «  donne ainsi le ton de l’album ; un riff soigné, une batterie qui martèle, et le râle caractéristique de Jones – tout cela ressemble beaucoup à leur travail précédent, ce qui ne peut être qu’une bonne chose si le but est de trouver un écho auprès de nouveaux publics. Sur le plan des paroles, c’est d’une simplicité sans fioritures mais suffisamment percutant. Jones se dispense des doubles sens et s’appuie davantage sur des descriptions directes de l’évasion sur un « Forever » perclus de lamentations : « I‘d like to know/where I’m supposed to go/wish I could fly away forever » (J’aimerais savoir/où je suis censé aller/je voudrais pouvoir m’envoler pour toujours). Tout cela est assez direct, mais ne s’écarte pas beaucoup des attentes que l’on a du groupe.

Stereophonics a eu tendance à servir des ballades moyennes ces derniers temps et s’est retrouvé dans le domaine de la prévisibilité. Oochya ! est un projet beaucoup plus robuste et énergique que les albums précédents. Animé par un rock’n’roll au tempo élevé, il permet au groupe de s’imprégner du groove des années soixante-dix sur l’énorme et amusant « Running Round My Brain », qui fait penser à AC/DC. Le sentimental « Close Enough To Drive Hom » », bien que cliché, est doux, et son message pertinent sur la lutte contre l’amour à distance est exécuté de manière satisfaisante. « When You See It » est une composition multicouches qui déborde d’optimisme mélodique et d’un message positif de confiance en soi, ce que beaucoup d’autres morceaux gagneraient à adopter. La tendance de Jones à se concentrer sur l’amour, tout en travaillant principalement, pour le bien de la variété, vous laisse vouloir qu’il s’essaye à autre chose. 

Comme on pouvait s’y attendre, avec un album qui se concentre principalement sur les relations difficiles, la thématique devient lassante. Le modèle de cœur brisé et de nostalgie qui traverse l’album s’essouffle vers la moitié. Sa longueur de quinze pistes semble quelque peu malvenue, mais les vrais moments de plaisir sont suffisants pour satisfaire les fans occasionnels et les adeptes dévoués.

Oochya ! est une bête singulière à cet égard : il est agréable et s’intégrera parfaitement dans la collection d’un fidèle de longue date, mais il refuse de prendre de nombreux risques. Stereophonics, après un quart de siècle d’une carrière impressionnante, remplit des cases sur Oochya ! avec des saupoudrages occasionnels et bien nécessaires de zeste moins inspiré qu’il ne le voudrait.

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Armstrong: « Happy Graffiti »

2 février 2022

On imagine très bien Julian Pitt (alias Armstrong) comme étant une personne énigmatique. Il se pourrait bien qu’il ne le soit pas. Il pourrait bien être un livre complètement ouvert, vivant sa vie avec une exubérance parfumée, racontant à tout le monde sa vie, ses réalisations musicales et ses déboires avec l’énergie d’un ami perdu depuis longtemps…

Cependant, cela ne conviendrait pas à notre esprit, car cela ne correspondrait pas à une essence intégrale de sa musique. En effet, chaque fois que vous écoutez un morceau ou un album d’Armstrong, vous avez le sentiment d’être submergé par une introspection et une délibération intensément personnelles, qui vous permettent de faire un séjour temporaire dans sa confiance. C’est une émotion subtile et magnifique.

Au départ, une telle esthétique est créée par de subtils changements de tempo qui traversent une pop sophistiquée, dépouillée, sans extravagance, mais imprégnée de fioritures pop étonnantes et d’une appréciation aiguë de ce que chaque note ajoute à l’ensemble.

Au départ, les titres mid tempo tels que « Disinformation », « When We Were Young », « Happy Someone » et « Rock Star Rock Star » ressemblent à un amalgame des meilleurs éléments de Grant McLennan, Prefab Sprout et Aztec Camera. Des mélodies douces et arrondies qui invitent à taper du pied sur des rythmes magnifiques et des comparaisons avec tout ce qui était si merveilleux dans le meilleur de la guitare-pop du milieu des années 80.

Cependant, le meilleur de l’album se trouve dans « Songbird », « Eyes Open Wide » et « In A Memory ». Tous ces titres se situent dans des sous-médiums luxueux, où la réduction de l’intensité permet à la voix de Pitts, légèrement frémissante et imparfaite, de résonner avec l’émotion de tout un chacun. C’est Armstrong dans ce qu’il a de meilleur et de plus unique, où son son ne rentre pas facilement dans les comparaisons évidentes, que les amateurs de musique comme moi semblent vouloir imposer dans chaque explication. Dans ce cas, je ne peux pas et ne voudrais jamais le faire.

Après chaque album d’Armstrong, on a toujours le sentiment que celui-ci pourrait être son dernier. Encore une fois, c’est peut-être le personnage énigmatique que j’ai créé pour lui ? Cependant, une grande partie de la beauté de sa musique est qu’il y a l’essence qu’il sort la musique pour son propre plaisir ou besoin inné et non pas le nôtre (encore une fois que l’invitation temporaire dans sa confiance) et avec cela il y a toujours le danger qu’il pourrait ne plus avoir besoin de nous »… Espérons que non, car il est vraiment l’un des grands « actes » méconnus de nos temps récents.

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The Reptaliens: « Multiverse »

27 janvier 2022

Ce duo de Portlannd qu’est The Reptaliens s’est éloigné des synthés oniriques de ses deux précédents albums pour prendre une basse et des guitares et revenir à ses influences alt rock des années 90. En raison de l’isolement nécessaire de la pandémie, les auteurs-compositeurs et collaborateurs mariés, Bambi et Cole Browning, se sont éloignés de leurs explorations synth pop passées des idées de la science-fiction, des cultes religieux et des théories de la conspiration pour se tourner vers l’environnement plus immédiat de leur quartier de banlieue, qu’il s’agisse de la faune qui apparaît dans « In Your Backyard » ou de leur compagnon à quatre pattes, « Like a Dog ».

Les albums précédents et les performances « live » ont inclus d’autres musiciens de Portland, mais ici le duo joue tous les instruments, les puissantes lignes de basse mélodiques de Bambi donnant forme aux chansons, tandis que sa voix flotte toujours avec un espace psychédélique aérien au-dessus des guitares et des accents de batterie trippants des chansons.

Enregistré et produit par eux deux, entièrement chez eux dans leur garage, l’album parvient à équilibrer la rêverie de la voix de Bambi, « Do You Know You’re Sleeping ? », avec les rythmes plus ancrés de la batterie et les effets de guitare inquiétants.

Dans le passé, ils auraient pu se concentrer sur une perspective philosophique alternative, ou tenter de donner vie à un personnage d’un roman de Philip K. Dick, mais aujourd’hui, ils veulent juste que vous sachiez que même si « mon esprit (et mon corps) est parti en couille » (my mind (and body) has gone to shit), « jI Feel Fine » . Beaucoup d’entre nous, qui traversent cette longue pandémie, peuvent sûrement s’identifier, mais The Reptaliens facilitent les choses avec des chansons pop accrocheuses qui tendent à se connecter sans effort, tout en s’insinuant subtilement dans des vers d’oreille mémorables qui persistent longtemps après que vous ayez éteint la stéréo.

***1/2


Miles Kane: « Change The Show »

26 janvier 2022

Miles Kane revient avec son album le plus abouti à ce jour dans la mesure où il représente une habile fusion des genres. Change The Show est, en effet, une plongée profonde dans ses réflexions sur la vie, l’amour et tout ce qui se trouve entre les deux, et démontre une approche plus réfléchie de la vie de la part de Kane.

Réenregistré après une collaboration impromptue avec les voisins de son duo psycho-rock Sunglasses for Jaws, Change The Show ressemble à une version musicale de Kane en train de muer et à l’album que Miles attendait depuis longtemps.

Oui, il y a encore des flashs de son passé indé, mais il s’agit davantage d’un son poli, sophistiqué, plus mature et plein d’âme qui semble correspondre à son approche plus détendue de la vie. Cependant, il ne faut pas croire que c’est un album pour se détendre. Il y a toujours beaucoup d’ardeur, surtout dans « Don’t Let It Get You Down », où Paul O’Grady fait une apparition inattendue.

Des sentiments et de l’amitié à la politique et au vieillissement, Miles Kane navigue comme un pro dans son quatrième album, avec sa propension à faire des écarts et à s’adapter. Bien qu’il se livre à un examen de conscience assez poussé, on retrouve aussi l’humour d’observation qui a fait la réputation de Miles. Chaque titre de Change The Show démontre son amour de la Motown / northern soul et son influence sur l’écriture de ses chansons. Le titre « Tell Me What You’re Feeling » est un titre véritablement époustouflannt à même de faire vibrer la foule des concerts festivaliers.

Le morceau d’ouverture «  Tears Are Falling » donne le ton et fait allusion à son penchant pour la théâtralité «  …Tired of breaking all the rules ». En parlant de briser les règles, Miles fournit des commentaires et ses idées sur la politique dans le morceau titre qui a été écrit en regardant les nouvelles un matin, sur le canapé après avoir été continuellement désenchanté par l’injustice et la négativité qui entoure l’agenda politique.

L’un des titres les plus marquants, « Nothing’s Ever Gonna Be Good Enough », en duo avec l’exemplaire Corinne Bailey Rae, est un morceau délicieux, inspiré des années 60, qui mettra tout le monde sur la piste de danse.

Si vous êtes à la recherche de sensations fortes par une froide matinée d’hiver, Change The Show vous réchauffera le cœur et vous fera regretter l’insouciance et la brume qui présidaient aux festivals d’été.

***1/2


The Chills: « Scatterbrain »

10 janvier 2022

Le groupe néo-zélandais The Chills a sorti son premier album, Kaleidoscope World, en 1986. Plein de mélodies rythmées et de thèmes cultes, il a bouleversé le monde. Près de quarante ans plus tard, en 2021, leur septième album studio, Scatterbrain, témoigne de la longévité du groupe et de sa capacité à conserver son style, sans être trop terne ou ancré dans des rythmes ou des bruits répétitifs. Martin Phillipps, le moteur du groupe, écrit des chansons à la thématique puissante comme « Monolith » et « Worlds Within Worlds » avec des textes squelettiques au sein de cet opus.

Laissez donc à un groupe basé en Nouvelle-Zélande le soin d’écrire un disque débordant de sonorités uniques. Chaque chanson fait appel à des instruments différents, ce qui évite à l’album de se reposer sur un son particulier. Des cuivres et des tambours de « You’re Immortal » aux percussions douces de « Safe and Sound », Scatterbrain offre une collection de paysages sonores différents, dans le plus pur style de Dunedin. Les Chills sont considérés comme l’un des groupes fondateurs du Dunedin sound, un style de pop indé bourdonnant et sautillant originaire de la ville de Dunedin, dans le sud de la Nouvelle-Zélande. La chanson titre « Scatterbrain » est un chef-d’œuvre psychédélique et réverbérant qui porte bien son nom, tandis que le morceau suivant, « The Walls Beyond Abandon », mêlera trompettes triomphales et paroles désespérées comme du miel et du citron.

« Et je me fiche de savoir à quel point tu es courageux / Personne n’échappe aux murs au-delà de l’abandon » (And I don’t care how brave you are / No one escapes the walls beyond abandon), chante Phillipps. La plus grande caractéristique de l’album, comme c’est l’habitude pour ce groupe kiwi, ce sont peut-être les thèmes. Les paroles sont souvent sombres et cultissimes, ce qui les rapproche d’autres groupes comme Arcade Fire. « Dark times, nothing left to say / Black holes, draining all the light away » (Périodes sombres, rien à dire / Des trous noirs, qui drainent toute la lumière) introduit l’acoustique « Hourglass » ; Phillipps et compagnie présentent les thèmes de la perte et du désespoir tout en restant constamment optimistes. La répétition des refrains rend l’écoute sombre, mais Phillipps parvient toujours à reprendre le dessus avec un couplet hors des sentiers battus ou en laissant les instruments parler.

À la première écoute, il est facile de ne pas considérer l’album comme une tentative de recréer des éléments de titres et de formules passés, mais c’est très simpliste. Oui, Scatterbrain nécessite une certaine dose de ver d’oreille pour que les répétitions s’accrochent ; une fois que cela se produit, cependant, tout le reste ne fait que rebondir et bourdonner dans votre tête comme des lucioles la nuit. Avec ses 31 minutes sur 10 pistes, cet album n’est pas aussi grandiose que la plupart des autres albums de la discographie du groupe, mais chaque seconde est chargée d’intensité, passant de la confusion à la sensibilité et à l’énergie positive. « La logique est terminée, la simplification / pas de place pour la répétition, et pas d’illustration » So logic is over, simplification / no room for repeating, and no illustration), chante Phillipps sur « Scatterbrain », associé aux drones endiablés comme un avertissement sur l’expérience de la rêverie.

En tant que personne ayant connu de nombreuses luttes et tragédies dans sa vie, personne ne peut reprocher à Phillipps d’avoir créé un album si timidement positif qu’il en est sinistre et sombre – Phillipps a perdu un ami à cause d’une leucémie et a lutté contre l’hépatite C. La vérité est que c’est un album brillamment singulier, qui correspond parfaitement au style de The Chills tout en étant frais et vibrant. Scatterbrain est un testament de l’intemporalité du groupe et de sa capacité à créer des œuvres d’art sur plusieurs décennies sans jamais perdre le contact avec qui ils sont ou s’étioler.

***1/2