Moor Mother: « Black Encyclopedia Of The Air »

23 septembre 2021

Parfois, nous devons simplement nous asseoir, fermer notre gueule et écouter (et lire). Nous ne parviendrons jamais à rendre le monde meilleur en nous battant pour attirer l’attention sur les médias sociaux avec des petits carrés noirs, à moins de nous écarter, de donner une plateforme et d’honorer l’action des autres.

Nous serons toujours dans un cycle d’impérialisme culturel qui proclame fièrement que la suprématie blanche est naturelle, à moins que nous ne reconnaissions les privilèges que nous possédons, construits sur le dos brisé des autres.

Nous reproduirons perpétuellement les conditions du pouvoir si nous n’écoutons pas les voix qui s’expriment rarement.  Dans un premier temps, nous devons prendre le temps d’écouter.

Sous le nom de Moor Mother, Camae Ayewa sort un hip-hop stimulant, tordu et afrofuturiste depuis Fetish Bones en 2016, le premier album qui l’a annoncée comme une artiste digne de votre attention. Ses concerts incendiaires – portez des bouchons d’oreille – élèvent eu summum dit-on, les sensations l’expérience un autre niveau, niveau que peu d’artistes étant capables d’atteindre, et encore moins de maintenir, en matière d’intensité vitriolique et affirmative de la vie. Ayewa le pense vraiment. Dans un genre étouffé par une gamme limitée de types de personnalités et de biographies que les gens veulent percevoir comme « authentiques », l’assaut sonore intellectualisé de Moor Mother n’est rien d’autre qu’un bonheur et une libération intellectuelle.

Black Encyclopedia of the Air est un enchevêtrement serré de messages politiques et spirituels qui n’oublie pas d’être divertissant en même temps. Oui, c’est toujours expérimental, mais, contrairement à la plupart des productions de Moor Mother, c’est aussi un hommage à la culture musicale avec laquelle elle est le plus souvent en phase, à savoir le hip-hop. Sa musique précédente a exposé la folie des idées de genre, d’étiquettes et de restrictions créatives, mais sur ce disque, les rythmes, les collaborations et le clin d’œil insolent à Missy Elliott sur « Rogue Waves » se combinent pour faire de cet album le plus hip-hop d’Ayewa.

Le premier titre, « Temporal Control of Light Echoes », est la composition la plus sinistre de Moor Mother, ; elle est aussi a plus bouillonnante et la plus dissonante. Plutôt que d’être un avant-goût des choses à venir sur l’album dans son ensemble, il agit comme un prologue faisant le lien entre ses précédents disques et celui-ci. Le paysage dystopique de la réalité alternative de Confederate, qui sous-tend une grande partie de la narration de l’album, est mis en évidence sur « Mangrove », une collaboration avec Elucid et Antonia Gabriela, qui place un rap agitateur sur des lignes de clavier R&B jazzy distendues et perturbées, qui vont et viennent de manière achronologique et chaotique. Il s’agit d’une narration ahistorique dans le sens où ce ne sont que des histoires de pouvoir et d’oppression, d’opposition et d’incarnation idéologique hégémonique d’une physicalité abusive, comme cela a toujours été le cas. La musique comme mémoire. La musique comme apprentissage.

Le Londonien Brother May occupe le devant de la scène sur « Race Function Limited », soulignant la nature globale du besoin d’unir et de rendre audibles les voix conscientes de la lutte contre les déséquilibres sociaux construits. Pour paraphraser Bell Hooks, les régimes terroristes utilisent l’isolement pour briser l’esprit des gens, et l’endoctrinement nationaliste du capitalisme tardif est peut-être le summum de la division innée des humains, qui cherchent des boucs émissaires qu’on leur envoie. Pink Siifu, Maasai, et BFLY, entre autres, font de ce disque une exploration complète d’un éventail de voix et de perspectives, unies par une indignation intelligente et juste face à l’état des choses. 

Bien qu’enraciné dans le hip hop, il y a encore beaucoup d’excursions sonores qui soulignent ces points de vue, en particulier dans les dernières étapes. « Zami » revisitera l’amour de Moor Mother pour le bruit, tandis que « Clock Fight » utilise des inflexions jazz avec des percussions d’Afrique de l’Ouest pour un effet délirant. « Tarot » est, de son côté, un point culminant cosmologique, Sun Ra-esque, avec des voix flottantes qui entrent et sortent du champ, racontant des histoires de « blackface democracy / Slave house Senate » avec une intonation qui frise l’ennui – ou peut-être la fatigue qui vient avec l’observation de l’inévitable.

Black Encyclopedia of the Air est une œuvre en constante évolution, délibérément dépourvue de structure musicale, tout en restant centrée sur le thème du pouvoir hégémonique. La voix d’Ayewa est souvent étirée, la plaçant comme un narrateur hors du corps, un signifiant voyageant dans le temps au milieu de forces divergentes d’agence et de subordination.  Voici une œuvre fremarquable et importante ; l’écouter est une nécessité

****1/2


Frode Haltli: « Avant-Folk II »

22 septembre 2021

Le titre de l’album est assez précis, mais les cyniques pourraient penser : oh, je sais à quoi cela va ressembler.  Après tout, il y a pas mal de groupes scandinaves qui font ce qu’on pourrait appeler de l’ »avant-folk ». Et dans une certaine mesure, les cyniques auraient raison.

L’accordéoniste Frode Haltli et ses collaborateurs – parmi lesquels Erlend Apneseth aux violons Hardanger, Ståle Storløkken à l’harmonium et Hans P Kjorstad au violon – évoluent confortablement entre ce que les journalistes appellent des genres (folk traditionnel, jazz, composition contemporaine, improvisation, musique du monde) et ce que les musiciens appellent à juste titre « juste de la musique ».

Cet album n’évolue pourtant pas de manière tout à fait habituelle. Pour commencer, ils sont rejoints par Hildegunn Øiseth à la trompette et à la corne de chèvre, Rolf-Erik Nystrøm aux saxophones, Juhani Silvola et Oddrun Lilja Jonsdottir aux guitares, Fredrik Luhr Dietrichson à la contrebasse et Siv Øyunn Kjenstad à la batterie et au chant. La trompette et le saxophone apportent de nouvelles textures au son folk, tandis que les guitares et l’électronique l’étirent davantage.

Et s’il y a une bonne part de mélodie traditionnelle (et même réellement traditionnelle) soulignée par des harmonies parfois jazzy, il y a aussi des choses plus originales. Prenez Kingo, basé sur un hymne féroïen. Il commence par un accordéon et un harmonium qui grondent sur un rythme bas et insistant, les harmonies prenant une teinte moyen-orientale. Les violons chantent par-dessus et le rythme devient plus groove, puis une guitare électrique apparaît dans un solo qui rappelle Ali Farka Toure et le blues du désert ouest-africain.

« Grâta’n » incorpore un fond d’atmosphère synthétisée, tout en noirceur et en gouttes, en échos, en souterrain et en étirement vers le noir (Sarah Lund de The Killing est-elle descendue dans une autre caverne souterraine, armée seulement d’un pull scandinave et d’une torche mourante ?) Lorsqu’un joli air de violon émerge par-dessus, c’est une véritable surprise, tout en étant étrangement approprié. L’ambiance est initialement maintenue dans le dernier morceau, Neid, mais elle se déploie lentement au cours de ses 13 minutes pour inclure des improvisations de jazz prolongées au-dessus d’un groove de plus en plus lent, créant au passage, comme les quatre morceaux précédents, une véritable profondeur. Il se fond dans un riff répété et majestueux qui sous-tend un solo de saxophone passionné, avant de se dissiper dans quelque chose de plus libre et de moins tangible, pour finalement revenir à la terre avant-folk.

Le mérite de la diversité de l’album revient non seulement à Haltli mais aussi à son coproducteur, l’artiste sonore d’avant-garde Maja S.K. Ratkje. Il ne s’agit donc pas d’un album avant-folk ordinaire,mais d’une expérience fascinante et sombrement charmante.

****


Matt Christensen: « Constant Green »

22 septembre 2021

Ayant grandi à Chicago dans les années 1970, M. Christensen se souvient avec émotion du bourdonnement constant du country rock diffusé par les autoradios. Des compositions sans nom et oubliées depuis longtemps se fondaient les unes dans les autres alors qu’il conduisait – sans ceinture de sécurité – à travers le Midwest américain. Constant Green est sa tentative de transposer cette ambiance en 2021, en la filtrant à travers le catalogue d’influences qu’il explore à la fois dans Zelienople et en tant qu’artiste solo depuis des décennies. En ajoutant des éléments de dream pop, d’ambient et de post rock, sa concoction résultante est sombre, persistante et romantique, et elle est bien plus séduisante qu’une simple nostalgie vide.

Le premier titre, « I Listen To Country Songs « , expose le message de Christensen avec une clarté absolue. La guitare slide de Brian Harding, de Zelienople, et le clavier d’Eric Eleazer sont assis sous une guitare faiblement grattée et la voix familière de Christensen. Mais l’environnement sonore que Christensen crée en studio ressemble davantage à « Spirit of Eden » de Talk Talk, « World of Echo » d’Arthur Russell ou « Souvlaki » de Slowdive. C’est de la musique country, en quelque sorte, mais saupoudrée des subtils procédés électroniques dont Tim Friese-Greene a fait sa carte de visite.

Une ambiance luxuriante et stratifiée se construit lentement sur  » »I Had A Vision That I Could Move Anywhere « , comme une sirène de police lointaine ;  » »Tenement Square » utilisera l’espace négatif comme un autre instrument, permettant aux mots de résonner comme une voiture qui passe ; Constant Green est beau et sobre, avec une distorsion suggérant le rock mais tournant l’ampli à -1. C’est une musique ineffablement charmante, qui construit un récit non sentimental enraciné dans le Midwest américain, avec tous ses défauts. 

***1/2


The Felice Brothers: « From Dreams To Dust »

22 septembre 2021

Si les frères Felice – qui en sont, croyez-le ou non, à leur quinzième année d’existence, n’ont jamais rien publié de moins qu’agréable, c’est en partie parce qu’ils sont toujours à la recherche de nouvelles façons d’améliorer leur son. Leur troisième album au titre éponyme a été, vous vous en souvenez peut-être, enregistré dans un poulailler. Pour From Dreams To Dust, le groupe s’est réfugié dans une église de 1873 au nord de l’État de New York que Ian Felice a rénovée lui-même.

Il semble qu’il ait fait un excellent travail. L’acoustique danse joyeusement dans la salle et donne à l’ensemble un aspect légèrement déséquilibré sur le single irrésistiblement ludique « Jazz On The Autobahn » et sur le morceau «  To Do List » des Violent Femmes, qui sont tous deux très amusants. Mais souvent, les frères Felice sont à leur meilleur avec leurs numéros plus ballades (musicalement du moins), et le charmant « All The Way Down » remplit certainement toutes les cases à cet égard, avant que le plus intense « Money Talks » ne vous entraîne avec une voix parlée à peine perceptible qui pourrait aussi bien avoir été posée par Dark Vador. Finalement, même ce morceau se transforme en une chanson joyeuse et festive dans son refrain avant de se terminer aussi sinistrement qu’il a commencé.

« Be At Rest » semble être la vision qu’a Ian de son propre éloge funèbre. C’est un morceau de spoken word hilarant et d’une beauté poignante qui pourrait bien être le meilleur morceau de l’album. « M. Felice, 1,80 m, 45 kg, dents molles, manque de sommeil, étudiant sous la moyenne. Propriétaire de deux costumes mal ajustés, porteur de vêtements usagés, souvent tiède et renfermé, peignoir souvent mal attaché » (Mr Felice, six-foot-tall, a hundred and forty-eight pounds, soft teeth, sleep-deprived, below-average student. Owner of two ill-fitting suits, wearer of hand-me-downs, often lukewarm and withdrawn, bathrobe often loosely tied) vous voyez l’idée, pleine d’humour incisif et d’autodérision. On ne peut s’empêcher d’applaudir.

Une autre introspection est livrée sur « Inferno », évoquant une sortie au cinéma en tant qu’adolescents pour voir Fight Club qui afficherait complet « alors on est allé voir Inferno à la place ». Tout est raconté avec des yeux nostalgiques – « Qui se bat sur les rives du Rio Grande ? Jean Claude Van Damme » (Who’s that fighting on the banks of the Rio Grande? Jean Claude Van Damme ). Les frères Felice ont quelque chose de très attachant : ils romancent le passé, qu’il soit bon ou mauvais, car, avouons-le, beaucoup d’entre nous le font.

L’inclusion de Jesske Humme (qui fait partie du groupe depuis Undress en 2019) semble orienter le groupe dans de nouvelles directions et il y a sans aucun doute des touches de son ancien groupe Bright Eyes sur des morceaux comme « Silverfish », tandis que « Blow Him Apart » est un titre beaucoup plus jazz, tout en brosses douces et en guitare country larmoyante, qui rappelle Dylan dans sa période de résurgence post-1997.

Dans l’ensemble, c’est encore un album captivant des New-Yorkais et ici, ils commencent à ressembler à de vieux amis favoris qui viennent d’arriver sur le pas de votre porte mais qui veulent parler de la mort. Malgré cela, on s’amuse toujours autant avec eux, et on souhaite que cela continue.

***1/2


Amyl & The Sniffers: « Comfort To Me »

12 septembre 2021

Après leur premier album éponyme (2019), Amyl est revenu avec un style et un bruit considérables. Leur deuxième album, Comfort To Me, s’ouvre sur le « single » principal, « Guided By Angels », un titre qui suit le modèle Amyl tout en montrant un niveau de maturité et de croissance par rapport au premier album.

Le thème du punk qui fait vibrer les oreilles se poursuit à un rythme soutenu. « Freaks To The Front » est un morceau de moins de deux minutes avec des riffs colossaux et un solo de guitare dont Angus Young serait fier. Amyl ne vous laisse pas une seconde pour vous rattraper avant de se lancer dans « Choices », un titre dont le couplet ressemble à un morceau de Queens of The Stone Age et dont le refrain pourrait être celui de Chubby and the Gang : c’est un mélange fantastique de post-rock lugubre et de mullet-punk féroce.

Le deuxième « single », «  Security », est un véritable point fort : Amyl n’a pas trop modifié son son pendant les dix-huit mois qui ont séparé les deux albums, mais il y a certainement un réel sentiment de maturité et de conscience de soi au sein du groupe maintenant – il est clair qu’ils ne se prennent pas trop au sérieux et qu’ils sont ici pour passer un putain de bon moment. Hertz  » est un morceau funky avec un autre groove à la QOTSA, avant qu’Amyl ne lâche son solo. Le son de la guitare pour les solos sur ce disque est quelque chose d’autre ; ce groupe est composé de musiciens tellement talentueux et Comfort To Me donne à chaque membre une chance de vraiment briller.

Comfort To Me s’intégrera parfaitement dans les concerts d’Amyl. « Capital » est le morceau suivant et probablement le meilleur du groupe, Taylor s’en prenant au monde moderne et à la vie moderne, comme tout groupe punk digne de ce nom.

Amyl passe à la vitesse supérieure : « Don’t Need A Cunt Like You » est implacable et percutant… du vrai punk pub à fond la caisse. Taylor crache ses paroles sur le mur de guitares d’une manière dont seul Amyl est capable (de plus, il n’y a pas assez de nouvelles chansons punk qui ont le mot « cunt » » dans leur titre, donc des points supplémentaires).

La chanson « Snakes » est un autre point culminant d’un album plein de points culminants. Amyl and the Sniffers sont vraiment les rois de tous les groupes punk à mulets qui émergent d’Australie en ce moment – Comfort To Me est furieux par endroits, mais aussi vulnérable et carrément hilarant à d’autres. C’est à peu près le disque de punk moderne parfait : le groupe a un talent non dissimulé, ainsi qu’un feu sacré dans le ventre. Superbe.

***1/2


Anushka Chkheidze, Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, Lillevan, Robert Lippok: « Glacier Music II »

12 septembre 2021

Glacier Music II est la rare suite d’un premier opus et elle mérite d’être découverte.  Cinq ans après son prédécesseur, l’album continue de suivre les effets du changement climatique sur l’une des ressources les plus précieuses de la planète.  Un livret d’information accompagne le disque et fournit des informations précieuses (ainsi que des photographies étonnantes) à ceux qui s’intéressent à cette question cruciale.

Glacier Music I a commencé par l’enregistrement de la fonte des glaciers à Tujuksu, puis s’est étendu à un projet audiovisuel.  Lillevan est le directeur du projet, responsable des projections qui donnent aux concerts un impact supplémentaire.  Pour ce nouveau chapitre, le Goethe-Institut a recueilli des enregistrements sonores sur un glacier du Kazakhstan, qui n’a déjà plus qu’un tiers de sa taille mesurée à l’origine.  Les possibilités d’intervention se réduisent à une vitesse alarmante.  Mais tous les sons ne sont pas si lointains : Robert Lippok apporte les sons de la neige enregistrés par la fenêtre d’une voiture et des branches ramassées sur le sol.  L’astuce consiste à faire le lien entre le lointain et le proche.  Comme l’écrit Eto Gelashvili, « nous devons réaliser que si nous continuons à vivre ainsi, la beauté de la nature peut se transformer en quelque chose de très dangereux et de moins beau. »  À part Anushka Chkheidze et Hayk Kiroyi, ces artistes font un album qui vaut la peine d’être écouté afin d’attirer l’attention sur des informations qui valent encore plus la peine d’être écoutées.

La variété des sons est un attrait principal, de l’enregistrement sur le terrain à la musique en passant par la chanson folklorique.  Le premier son est de l’eau qui coule, introduisant « m3⁄s », qui fait référence au débit d’un glacier.  La musique est tendre, douce et grave. «  Infinite » envoie les cuivres vers les étoiles, mais fait référence à « une infinité en nous-mêmes » », et se tourne bientôt vers l’intérieur avec des tons de piano et de clavier réfléchis.  Puis les douces tonalités chantées de la berceuse écossaise « Sleeping glacier », projetant une pure sérénité.  Le collectif ne perd jamais de vue l’attrait esthétique du glacier ainsi que son importance environnementale.  Mais au-dessus de ces douces tonalités se cache une menace omniprésente, véhiculée par le grésil de « Ais » et les gouttes de « Numbers Drop », accompagnés d’un compte réel.  Il est possible de compter les gouttes d’un glacier qui fond, mais ces gouttes ne sont pas infinies ; une fois que les glaciers auront disparu, nous disparaîtrons probablement aussi.

Mais cela ne doit pas forcément se terminer ainsi.  Les efforts de Lillevan, de Lippok et d’un grand nombre de personnes partageant les mêmes idées sont la preuve que de nombreuses personnes se soucient suffisamment de cette question pour y investir leur vie.  Si le disque incite d’autres personnes à tourner leur regard vers les glaciers, nous pourrons peut-être encore préserver cette beauté ~ et cette stabilité ~ pour les générations futures.

****


Roxanne De Bastion: « You & Me, We Are The Same »

12 septembre 2021

En ce qui concerne les titres d’ouverture d’albums, « Molecules » est aussi intense et volontaire que possible. Roxanne De Bastion ne plaisante pas avec un morceau qui s’attaque à la religion et aux opinions qui se font passer pour des faits, sur une bande sonore de guitares nerveuses et de voix glacées. You & Me, We Are The Same  » démarre sur les chapeaux de roue et ce n’est pas une surprise car il s’agit du nouvel album d’une des artistes les plus accomplies et les plus dévouées du moment. En effet, « I Remember Everything » est le titre suivant, avec une ambiance qui nous rappelle Dubstar ou St Etienne, grâce aux voix rêveuses et aux mélodies chatoyantes qui créent un peu de lumière par temps pluvieux. 

« Delete Forget Repeat » » continue sur le thème de l’écriture grandiose et discrète, et c’est vraiment la clé du succès de cet album : des chansons qui, à première vue, pourraient sembler être de la pop indé standard, révèlent rapidement leur gloire intérieure avec un plaisir triomphant. Les tons sombres de « Eras » » ont un soupçon de performance théâtrale à la Florence Welch, tandis que « Heavy Lifting » a une nature magique qui pourrait être utilisée dans une comédie musicale sur quelqu’un qui se tire d’une existence morose pour briller – Cinderalla mais à Sheffield au milieu des années 90. 

Le récent « single », « Ordinary Love », réconfortant et exaltant, fonctionne à merveille au milieu de cette collection, comme une chanson qui cherche à rassurer et à célébrer tous ceux qui traversent des moments difficiles dans leur relation. La douce combinaison de piano et de guitare sur « Smoke » évoque une chanson écrite dans la grisaille d’un malaise matinal, tandis que « I Know You » est probablement le meilleur exemple de la voix froide mais empathique de De Bastion, qui cherche à la fois à prendre le contrôle et à demander votre soutien à chaque respiration. 

L’avant-dernier morceau, « London, I Miss You », nous parlera de l’inévitable passage du temps, et la combinaison du chant et du piano lui donne une tristesse d’avant Noël tout bonnement splendide. L’album se termine par « The Weight », une confession autant qu’un appel à l’aide dans la confusion de l’âge adulte, accompagné de guitares tendres et ondulantes, toujours présentes et parfaitement adaptées à leur rôle de soutien sur cet album. Sur cet album, Roxanne De Bastion capte une énorme quantité d’émotions et parvient à les emballer soigneusement dans dix petits paquets au cœur lourd, mais, plus important encore, les paquets sont disposés en ligne, traçant une ligne nette sur ce passage de sa vie. Tout à fait magnifique.

****


The Shadracks: « From Human Like Forms »

12 septembre 2021

Les noms de groupes intrigants sont rares, mais les Britanniques font mieux. Si vous n’avez pas entendu parler de The Shadracks, assurez-vous de réparer cette erreur. Shadrack est un nom d’origine babylonienne qui signifie littéralement « Commandement d’Aku », le Dieu Lune. Shadrack était l’un des trois captifs hébreux qui furent jetés dans une fournaise ardente et en sortirent indemnes. Punk comme l’enfer ! Quel nom parfaitement approprié pour un groupe qui porte ses influences primitives comme une couronne et ne tourne pas autour du pot.

Ce trio possède une chimie électrisante et des voix puissantes portées par son charismatique frontman et guitariste Huddie Shadrack. Sa voix peut vous rappeler celle de l’artiste prolifique Billy Childish, son père, qui a également produit leur dernier album From Human Like Forms. Par moments, sa gamme vocale polyvalente présente aussi quelques bizarreries à la Eddie Argos (Art Brut). La section rythmique est tout aussi compétente avec l’extraordinaire batteuse Elisa Abednego et le bassiste impérial Rhys Webb, mieux connu comme membre de The Horrors. 

Originaires du Kent, The Shadracks élaborent des hymnes acérés qui jettent un regard sec sur les relations humaines, dans la lignée du groupe de Birmingham des années 80, The Au Pairs. Y a-t-il quelque chose de plus récurrent dans la musique rock ‘n’ roll que de désirer quelque chose ou quelqu’un que l’on ne peut avoir ? C’est la pierre angulaire du matériel du groupe, résumée dans leur chanson « You Can’t Lose » ». Il s’agit de vouloir quelque chose que l’on ne peut pas avoir, de courir après l’inaccessible et de se retrouver à la merci de ses poursuites.

Rempli à ras bord d’énergie brute, d’assurance sans effort et d’un style intemporel, From Human Like Forms vous garde comme un chat sur un toit d’étain chaud tout au long de ses quatorze paysages d’humeur. Huddie utilise pleinement sa voix comme un instrument pour compléter ses paroles aiguës et sans complaisance. Les chœurs dégagent une aura plus candide qui résonne chez l’auditeur. Les chansons franches et féroces peuvent être suivies de chansons plus douces et sentimentales comme « You Like It Then », sans que cela ne semble incongru.

Dans leurs atmosphères les plus sinistres, The Shadracks peuvent également rappeler The Fall dans l’époque de This Nation’s Saving Grace, comme sur le brumeux et sinistre « Delicate Touch », l’un des sommets de cet album. Ils sont capables d’évoquer l’ambiance glaciale de la Grande-Bretagne des années 80 tout en s’appropriant intelligemment leur son.

À une époque où la musique se prend trop au sérieux et dans un océan de groupes sosies, quoi de plus valorisant qu’un groupe qui nous ramène aux valeurs fondamentales et à l’essence du rock ‘n’ roll brut et effronté ?

***1/2


Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

11 septembre 2021

Pour sa dernière épopée, le compositeur Lawrence English a évité tout ce qui est faabriqué par une main humaine et a choisi de tisser une série de morceaux à partir de sons enregistrés pendant une période passée en Amazonie.

Plutôt que de poser un enregistreur et de lui permettre de capter tout ce qui se passe et de le libérer, il a sélectionné, parmi cinquante heures de matériel, de créer des pièces autonomes qui mettent en valeur une certaine créature, ou une certaine ambiance qui est compensée par une toile de fond chargée de sons immersifs, ces sons plaçant l’auditeur au cœur de la jungle.

Réparti en sept sections sur A Mirror Holds The Sky, l’auditeur est submergé par des oiseaux inconnus et le bruissement latent des insectes. Des rythmes accidentels sont brièvement capturés et interagissent les uns avec les autres avant de disparaître en toile de fond. On a l’impression d’un lent mouvement panoramique et avant à travers la jungle, la direction du son changeant constamment et la variété et l’intensité augmentant et diminuant. Par moments, on a l’impression d’une cacophonie libre, d’une composition de joueurs mystérieux juxtaposés pour un effet maximal, jouant tous à fond sans se rendre compte de leur place dans le grand plan de Lawrence.

Un drone sinueux les accompagne presque constamment, se déplaçant subrepticement, un véritable fourmillement de sons, l’air rempli et vibrant. Il pourrait s’agir de coups frappés sur le flanc d’un bateau ou d’un afflux de crapauds qui ressemblent à quelqu’un jouant des woodblocks. La toile de fond pérenne monte et descend, son intensité donnant l’impression qu’on la dirige. Ces différents aspects d’un habitat aussi diversifié sont fascinants à écouter chez soi et, sur une piste, le son d’un orage traversant la jungle et entraînant des trombes d’eau dans son sillage vous aide à apprécier le fait d’être bien au sec à l’intérieur.

Il est étrange de constater que certains des sons sont presque synthétiques en raison de notre manque de familiarité, je n’ai jamais entendu un dauphin bota rosa ni un piha hurlant, et le fait que ces sons exotiques soient transportés dans ma propre maison, puis superposés à d’autres et construits dans un paysage sonore animé dépasse mes attentes. Les compétences de Lawrence en la matière sont impressionnantes et sa capacité à injecter un son particulier que l’on considère comme une constante, puis à le retirer progressivement pour laisser un vide notable est formidable. Cette sculpture complexe pour produire un flux diversifié mais constant témoigne de son amour pour le matériau et de son désir de créer un fac-similé idéal.

Si voyager en Amazonie vous semble un effort trop important, mais que vous aimez l’idée d’expérimenter la production sonore de cet endroit extraordinaire, A Mirror Holds The Sky est parfait. Chaque foyer devrait en avoir un exemplaire, juste pour montrer à quel point le monde est vraiment diversifié.

***1/2


Low: « Hey What »

11 septembre 2021

Le dernier album de Low, Double Negative, était rempli de musique désintégrée et corrodée, de chansons hantées par de mauvais esprits et des affaires inachevées, consumées par les tempêtes et le feu. Les mélodies et les voix – piégées sous une cacophonie d’instruments indéchiffrables, alors que les morceaux s’imbriquent les uns dans les autres – luttaient pour remonter à la surface avant de s’éteindre. C’était un virage à gauche de la dégradation de leur slowcore mélodique, et une des musiques les plus originales depuis des lustres.

Hey What est une progression naturelle, se nourrissant de la même énergie chargée. Cependant, les fantômes se sont échappés et reprennent le refrain de manière aussi claire et percutante qu’ils peuvent le faire. Le grondement qui sous-tend ces hymnes de foi dévotionnels – et parfois douteux – crépite maintenant en place plutôt que de se dissoudre.

La statique de l’ouverture de « White Horses » se transforme presque en un rythme. Quand il y a des percussions, ce ne sont pas seulement des tambours, mais un fracas biblique tonitruant. Lorsqu’il y a de l’électronique, ce ne sont pas seulement des guitares et des synthés – c’est la seule transmission claire d’un autre plan. Cela donne au disque un aspect plus lumineux que son prédécesseur (même si l’obscurité reste menaçante), même s’il a été réalisé avec les mêmes outils, quels qu’ils soient.  Faire de la musique qui peut vraiment vous surprendre après 13 albums et 28 ans de carrière est un témoignage du dévouement continu d’Alan Sparhawk et de Mimi Parker à leur art.

***1/2