Joanna Mattrey: « Dirge »

29 septembre 2021

Il y a un passage dans « Tryst », le premier morceau de Dirge, où Joanna Mattrey se libère d’une boucle hypnotique en étirant les notes de son violon Stroh dans le ciel nocturne. Dérivant paresseusement, tenant le grain des cordes en admiration, tournant en boucle sans but dans l’air comme une graine de samara prise dans un invité du vent, Mattrey finit par revenir sur terre. « Tryst », aussi mémorable et satisfaisant qu’il soit, n’offre qu’un avant-goût de ce qui est à venir.

Le premier solo de Mattrey pour alto, Veiled, a montré une concentration et une intensité tactiles. Elle extrait les sons de l’air comme s’ils étaient tirés d’un autre temps. Ce spectacle est encore plus éclatant sur Dirge. Des titres comme « Kamiza » et « En Caul » coulent avec une énergie classique, comme si Mattrey avait communié avec les parchemins désintégrés pour faire passer un message ancien dans le temps. La dernière combine des étendues calmes d’espace méthodiquement arquées avec des éclats de lumière, une catharsis construite dans les accalmies pour se propager sans avertissement. « Kamiza » est spacieux, son énergie imprègne ses boucles sonores lentes et pensives. Comme le morceau qui suit, « Heart Murmur », une urgence descend dans les fissures, maintenant des liens douloureux et empêchant cette musique de nous déchirer.

Le jeu de Mattrey a une puissance dure et cette approche se prête à la teinte métallique du violon de Stroh. Les cris hurlent comme une tempête alors que « Heart Murmur » continue de s’étendre, en spirale, sans s’arrêter. C’est un train de marchandises auditif. Des hurlements frénétiques transpercent toutes les zones de confort restantes que Dirge n’a pas encore déchiquetées, Mattrey devenant une supernova crachant des cascades émotionnelles sur tout. C’est un rituel de purification étrangement beau. 

Dirge bourdonne de vie et le violon de Stroh est un conduit sublime pour Mattrey et son arsenal de techniques pour sculpter une série de couplets lustrés interconnectés. Les plumes sur « Last Dance » agissent comme des griffes qui sortent du sol, une dissonance grattée qui n’est pas prête pour son dernier souffle. C’est une musique qui veut exister dans la permanence de l’essence du monde. De minuscules détails gravent chacune de ces pièces d’histoires personnelles et de subtilités qui ont toujours été et seront toujours présentes. Joanna Mattrey est en train de devenir une force de la nature.

***1/2

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Naaljos Ljom: « Naaljos Ljom »

29 septembre 2021

Parfois, les musiciens expérimentent et tordent le matériel musical au point de le faire sonner tout à fait différemment. Le duo norvégien Naaljos Ljom – le guitariste Anders S. Hana et le joueur de synthétiseur Morten Joh, tous deux connus des groupes bruitistes MoHa ! et Ultralyd, a mis au point un nouveau concept : la musique de danse électronique microtonale norvégienne traditionnelle, ar acid folk. Cet album est le troisième d’une série de projets initiés par Motvind Records, Perspektiv på norsk folkemusikk, visant à offrir une large sélection d’expressions du riche héritage de la musique folklorique norvégienne, qui, espérons-le, inspirera d’autres écoutes et réflexions.

Les transformations que Naaljos Ljom opère sur les tons et les rythmes de la musique folklorique norvégienne sont en grande partie identiques aux originaux et s’inspirent du travail du compositeur et théoricien de la musique norvégien Eivind Groven et de sa façon de construire des instruments à tempérament égal. Mais le résultat sonore est filé dans une atmosphère de science-fiction et de futurisme et accueille de nouveaux auditeurs dans la chaleur de la tradition de la musique folklorique norvégienne.

Hana et Joh ont vissé ensemble six morceaux traditionnels – cinq airs et une chanson. Hana Hana a fait un grand effort pour apprendre à la fois le langeleik, la cithare à bourdon, et la harpe à bouche, et joue de la guitare électrique modifiée avec des micro-frettes. Joh joue les mélodies et les grooves sur ses synthés analogiques vintage, et il cherche aussi à exprimer la magie, c’est-à-dire tout ce qui se trouve entre les beats, les tons et les phrases. Naaljos Ljom accueille le violoniste Hardnger Olav Christer « Laffen » Rossebø et le chanteur Kenneth Lien. L’album a été enregistré à Stavanger en 2021.

La conception fraîche de Naaljos Ljom de la musique folklorique norvégienne offre un voyage dans des vallées et des fjords imaginaires, dont beaucoup ne sont pas ceux typiquement norvégiens. Le morceau d’ouverture « Gorrlaus » et « Uppstaden » invitent l’auditeur dans un paysage de danse exotique, atmosphérique et hallucinogène avec des pulsations hypnotiques jouées par des harpes à bouche. Ces morceaux rappellent de bons souvenirs des lutins colorés des premiers albums de Gong. « Langeleikslått » et « Galne Visten » associent les mélodies nordiques froides aux danses sensuelles et vaporeuses du Moyen-Orient, tandis que le langeleik explore les sonorités en quatuor du qanun. Le violon de Rossebø ancre « Homslien » dans la tradition mais Naaljos Ljom transforme ces sons familiers avec des couches luxuriantes de synthés atmosphériques. La dernière chanson, dramatique, « En venn jeg havde meg en tid », oscille entre un hymne de deuil norvégien et un mystérieux rituel de derviches du Moyen-Orient. À ce titre,Naaljos Ljom révèle la surprenante magie sise dans la tradition toujours vivace de la musique folklorique norvégienne.

***1/2

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Angels & Airwaves: « Lifeforms »

26 septembre 2021

Cela fait sept ans qu’Angels & Airwaves ont sorti The Dream Walker, leur cinquième album. Dix titres de rock alternatif à base de synthétiseurs, à la fois grandiloquents et ambitieux : les chansons de ce nouvel opus s’inscrivent ici dans un récit beaucoup plus vaste, couvrant plusieurs médias.

Dire que beaucoup de choses se sont passées au cours de ces sept années serait un euphémisme. À la fois sur le plan personnel pour le membre fondateur et leader Tom DeLonge, mais aussi à une échelle beaucoup plus large et mondiale. Ce sont ces thèmes que DeLonge cherche à explorer sur Lifeforms, ce très attendu sixième adisque du groupe, en trouvant un équilibre entre le personnel et le profond comme il ne l’a jamais fait auparavant.

S’éloignant de son prédécesseur, tant sur le plan sonore que thématique, l’album ressemble et rassemble le disque qu’Angels and Airwaves promettait depuis ses débuts. Complexe, mais facile à digérer, il affiche clairement ses influences.  « Automatic », par exemple, recèle toute la mélodie mélancolique de The Cure, tandis que l’angoissant « Euphoria » pourrait presque être un morceau de retour de Box Car Racer. Cependant, pas une seule fois, ces morceaux ne donnent l’impression d’être moins qu’Angels and Airwaves. – Et c’est là le facteur important.

Bien que le groupe ait toujours entretenu une certaine esthétique électronique à base de synthétiseurs, elle a parfois semblé étouffante, ou pire, éphémère. Sur le LP, cependant, elle a été aiguisée, affinée, permettant aux émotions opposées de l’angoisse et de l’optimisme de briller à travers, à la fois musicalement et littérairement, beaucoup plus tangiblement que sur les offres précédentes.

Et c’est bien le cas. Au fond, Lifeforms est un album qui s’articule autour de la condition humaine, et de la façon dont nous interagissons non seulement entre nous, mais aussi avec le monde qui nous entoure. En tant que tel, on y trouve des idées que DeLonge a déjà abordées auparavant, comme les théories du complot et les interactions sociales, mais aussi des thèmes qu’il a évités, comme le racisme (« Losing My Mind ») et la violence armée (« No More Guns »). Cela ne veut pas dire que le disque est déprimant ou négatif, c’est sans doute l’album le plus optimiste du groupe à ce jour, ce qui peut être attribué au fait qu’Angels & Airwaves se sent également plus confiant et plus libéré.

C’est compréhensible. Entre deux albums, DeLonge s’est séparé de Blink-182, le groupe qu’il a cofondé, et a divorcé de sa femme. Il a également trouvé une justification sous la forme de son travail de fondation de To The Stars, une entreprise qui ne fera que renforcer les ambitions déjà élevées d’Angels & Airwaves. Ces ambitions ne montrent aucun signe de ralentissement non plus. Et Angels & Airwaves n’est qu’un point d’entrée dans la production déjà prolifique de DeLonge. En ce qui les concerne, il n’y a pas mieux que Lifeforms. Grand, audacieux et ambitieux, c’est à la fois un retour bienvenu et une déclaration d’intention plus que correcte.

***

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Sufjan Stevens & Angelo De Augustine: « A Beginner’s Mind »

26 septembre 2021

A Beginner’s Mind de Sufjan Stevens et Angelo De Augustine est aussi brillant dans son exécution que dans sa conception. Stevens et Angelo De Augustine, qui a la même voix, se sont installés dans le nord de l’État de New York et ont écrit des chansons inspirées de films qu’ils ont regardés la veille. Les films allaient des premiers classiques hollywoodiens (All About Eve) aux films d’horreur de série B (Night of the Living Dead), en passant par un film de surfeur et de braquage (Point Break). Le matériel source des chansons, associé à l’approche à cœur ouvert des artistes, qui rappelle le plus sérieux des chants de Noël de Stevens, donne lieu à un mélange génial de paroles aussi sincères qu’hilarantes. L’exemple le plus frappant est « Fix it all, Jonathan Demme », au milieu de la superbe « Cimmerian Shade », qui utilise Silence of the Lambs comme point de départ.

En tant qu’auditeur, c’est à vous de décider si vous essayez de comprendre les références cinématographiques ou si vous vous contentez de flotter le long d’une douzaine de chansons de folklore de chambre impeccablement conçues. Sur le papier, la perspective de deux voix plus aiguës (celle de Stevens a un micron de raucité en plus) peut sembler une proposition à haut risque, mais comme le duo l’a prouvé sur « Blue » et « Santa Barbara » de De Augustine il y a quelques années, cela fonctionne étonnamment bien. Garfunkel & Garfunkel si vous voulez. Il n’y a pas si longtemps, De Augustine enregistrait des albums dans sa salle de bains (de bons albums, d’ailleurs), alors le voir se produire comme un pair aux côtés du fondateur et doyen de son label, sur un album complet, est pour le moins encourageant.

A Beginner’s Mind bénéficie de l’approche brevetée de Stevens pour structurer des compositions apparemment simples, mais aux couches infinies. Le morceau d’ouvertur, « Reach Out », présente l’approche vocale de l’artiste, qui consiste à couvrir de près le public, et s’épanouit musicalement dans une multitude d’endroits. De la même manière, la beauté auditive des dons de ces artistes est mise à profit dans des joyaux de l’album tels que le doux murmure de « Murder & Crime », la délicatesse du piano et des cordes martelées de « (This Is) The Thing », et le chœur aux cordes de nylon de « Lacrimae ». Mais en plus de ces moments plus doux, il y a des prises plus rapides tout aussi efficaces, comme la puissance de la batterie sur « Back to Oz ». Les répliques enfouies qui s’accordent parfaitement avec les films dont elles sont tirées ne sont que la cerise sur le gâteau. Dans « Lady Macbeth in Chains », Stevens révoquera lle personnage de Bette Davis sur All About Eve : « juste une opportuniste dans l’âme » (just an opportunist at heart). Les zombies de l The Night of the Living Dead prenndront, eux, quelques coups dans le titre ironique dqu’est « You Give Death a Bad Name », tandis que le personnage principal de Hellraiser III bénéféciera d’un rare avant-goût d’empathie dans « The Pillar of Souls » : « ma peau est ablatée avec des incisions saignantes » (my skin is ablated with bleeding incisions ).

À l’instar de la tentative de Stevens d’enregistrer un album pour chacun des 50 États, l’exercice d’écriture de chansons dans lequel lui et De Augustine se sont lancés sur A Beginner’s Mind pourrait facilement donner lieu à plusieurs albums de matériel prometteur. Avec un peu de temps et l’accès à un abonnement à la chaîne Criterion, une multitude infinie de résultats sont évidents. Un « pourquoi as-tu fait ça » au Travis Bickle de Robert DeNiro ou un conseil de voyage opportun à Janet Leigh de Psycho ne seraient que la partie émergée de l’iceberg du Titanic. Comme l’art engendre l’art, A Beginner’s Mind est à la fois une véritable source d’inspiration et un témoignage de ce que l’on peut obtenir en faisant son shopping musical avec des artistes de premier plan.

***1/2

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Lawrence English: « Observation of Breath »

24 septembre 2021

Le monde est devenu célèbre pendant le confinement. Lawrence English, quant à lui, en a profité pour se déchaîner. Lorsqu’il ne dirigeait pas son label Room40, un lieu de rencontre pour des musiciens expérimentaux comme David Toop, Merzbow et Beatriz Ferreyra, ou qu’il ne montait pas des enregistrements de terrain dans la forêt amazonienne, Engels passait de nombreuses heures derrière un orgue à tuyaux de 132 ans dans sa ville natale de Brisbane, en Australie, et l’alimentait en air jusqu’à ce que les murs tremblent.

Ce n’était pas la première fois qu’il jouait de l’orgue. English avait déjà inclus des enregistrements du même instrument dans son album de 2014 Wilderness of Mirrors et 2017 Cruel Optimism, son matériel source est numériquement sablé pour obtenir un fuzz noirci semblable au travail de Ben Frost et Tim Hecker. Mais pour 2020 et Slowness, il a emprunté une voie différente. Plutôt que d’envelopper ses sons dans des couches de distorsion, il a simplement laissé les sons suivre leur cours, remplissant la salle de concert vide d’accords tenus si longtemps qu’ils ressemblaient à des systèmes météorologiques plutôt qu’à des compositions. Au lieu de motifs ou d’événements musicaux – figures mélodiques, motifs rythmiques, même quelque chose d’aussi simple qu’un pas audible entre les notes – la lenteurLes deux pièces de 20 minutes restent en suspens, hargneuses comme le silence entre deux personnes qui ne se parlent plus.

Enregistré au cours des mêmes sessions, Observation of the Breath passe du minimalisme au maximalisme, augmentant le volume et appréciant le grondement. Il ne se passe toujours pas grand-chose dans ces morceaux. « And a Twist », de loin le morceau le plus court avec moins de trois minutes, est le seul qui contienne quelque chose qui ressemble à une mélodie : La main droite, qui cherche, trébuche de manière incertaine sur des clusters de médiums frémissants, et réfléchit à de petites secondes en fronçant les sourcils. Sur les trois autres morceaux, Engels exerce une pression plus ou moins forte, s’appuyant sur ses sons massifs comme on serre lentement la manivelle d’un étau de fer. Ces trois morceaux ont la même forme que les drones spectraux de Slowness, mais ils diffèrent par leur puissance.

« A Torso » pourrait être Sunn O))) unplugged : Ancré par un ton de pédale incandescent pendant toute son étendue de 10 minutes, c’est une brume de basse charbonneuse. Mais en s’habituant à l’obscurité, on commence à percevoir un monde de détails. Le son de la basse pulse lentement, comme la respiration d’une bête au repos. Dans les régions plus élevées, un léger sifflement perce l’air et est progressivement rejoint par des parents qui crient doucement, une confédération de bouilloires à thé. Les bourdonnements, semblables à ceux des porcs-épics, créent, comme une couche tonale, des impulsions secondaires, une superposition moirée d’air vibrant. C’est un son physique écrasant, un son qui vous oriente dans les particularités de l’espace dans lequel vous écoutez. Bougez votre tête et la pièce tourne.

« A Binding », qui dure six minutes, est plus simple : un seul accord consonant qui semble briller de l’intérieur, comme la lumière dans une forêt ; des tons fantomatiques surgissent doucement de nulle part avant de disparaître dans l’obscurité. C’est doux, apaisant. Le morceau final « Observation of Breath », en revanche, renoue avec l’ambiance lugubre de la lenteur. Pendant vingt et une minutes, c’est la partie la plus patiente de l’album ; extérieurement, elle ressemble à une seule note tenue. Elle commence par être étouffée, comme une tonalité enveloppée dans un coton-tige. Mais, comme pour « A Torso », elle prend vie avec le temps et s’épaissit de manière presque inaudible. Des points lumineux percent l’obscurité, les harmoniques se déploient en rayons scintillants. Le bord du mixage crépite comme une chose en feu. Le changement est si progressif qu’il est presque imperceptible, mais en sautant d’un morceau à l’autre, on entend immédiatement comment il évolue, les sections s’accumulant comme une poignée de nuanciers Pantone de différentes nuances de gris.

Observation of Breath met en évidence l’intérêt de English pour le pouvoir combiné de la densité et de la durée : des tons si denses qu’on peut à peine les distinguer, prolongés jusqu’à ce qu’ils éclipsent tous les autres apports. Ces idées ne sont peut-être pas particulièrement originales ; les musiciens de drone et de doom s’attaquent à des techniques similaires depuis des années. Et d’autres enregistrements récents, comme ceux de FUJI||||||||||TA et de Kali Malone, ont davantage exploré la dimension expressive de l’orgue. Mais ces comparaisons n’enlèvent rien à la force brute d’Observation of the Breath – surtout lorsqu’on l’écoute bien et fort, de sorte que le sol et que les murs vibrent, exactement comme prévu.

***1/2

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Moor Mother: « Black Encyclopedia Of The Air »

23 septembre 2021

Parfois, nous devons simplement nous asseoir, fermer notre gueule et écouter (et lire). Nous ne parviendrons jamais à rendre le monde meilleur en nous battant pour attirer l’attention sur les médias sociaux avec des petits carrés noirs, à moins de nous écarter, de donner une plateforme et d’honorer l’action des autres.

Nous serons toujours dans un cycle d’impérialisme culturel qui proclame fièrement que la suprématie blanche est naturelle, à moins que nous ne reconnaissions les privilèges que nous possédons, construits sur le dos brisé des autres.

Nous reproduirons perpétuellement les conditions du pouvoir si nous n’écoutons pas les voix qui s’expriment rarement.  Dans un premier temps, nous devons prendre le temps d’écouter.

Sous le nom de Moor Mother, Camae Ayewa sort un hip-hop stimulant, tordu et afrofuturiste depuis Fetish Bones en 2016, le premier album qui l’a annoncée comme une artiste digne de votre attention. Ses concerts incendiaires – portez des bouchons d’oreille – élèvent eu summum dit-on, les sensations l’expérience un autre niveau, niveau que peu d’artistes étant capables d’atteindre, et encore moins de maintenir, en matière d’intensité vitriolique et affirmative de la vie. Ayewa le pense vraiment. Dans un genre étouffé par une gamme limitée de types de personnalités et de biographies que les gens veulent percevoir comme « authentiques », l’assaut sonore intellectualisé de Moor Mother n’est rien d’autre qu’un bonheur et une libération intellectuelle.

Black Encyclopedia of the Air est un enchevêtrement serré de messages politiques et spirituels qui n’oublie pas d’être divertissant en même temps. Oui, c’est toujours expérimental, mais, contrairement à la plupart des productions de Moor Mother, c’est aussi un hommage à la culture musicale avec laquelle elle est le plus souvent en phase, à savoir le hip-hop. Sa musique précédente a exposé la folie des idées de genre, d’étiquettes et de restrictions créatives, mais sur ce disque, les rythmes, les collaborations et le clin d’œil insolent à Missy Elliott sur « Rogue Waves » se combinent pour faire de cet album le plus hip-hop d’Ayewa.

Le premier titre, « Temporal Control of Light Echoes », est la composition la plus sinistre de Moor Mother, ; elle est aussi a plus bouillonnante et la plus dissonante. Plutôt que d’être un avant-goût des choses à venir sur l’album dans son ensemble, il agit comme un prologue faisant le lien entre ses précédents disques et celui-ci. Le paysage dystopique de la réalité alternative de Confederate, qui sous-tend une grande partie de la narration de l’album, est mis en évidence sur « Mangrove », une collaboration avec Elucid et Antonia Gabriela, qui place un rap agitateur sur des lignes de clavier R&B jazzy distendues et perturbées, qui vont et viennent de manière achronologique et chaotique. Il s’agit d’une narration ahistorique dans le sens où ce ne sont que des histoires de pouvoir et d’oppression, d’opposition et d’incarnation idéologique hégémonique d’une physicalité abusive, comme cela a toujours été le cas. La musique comme mémoire. La musique comme apprentissage.

Le Londonien Brother May occupe le devant de la scène sur « Race Function Limited », soulignant la nature globale du besoin d’unir et de rendre audibles les voix conscientes de la lutte contre les déséquilibres sociaux construits. Pour paraphraser Bell Hooks, les régimes terroristes utilisent l’isolement pour briser l’esprit des gens, et l’endoctrinement nationaliste du capitalisme tardif est peut-être le summum de la division innée des humains, qui cherchent des boucs émissaires qu’on leur envoie. Pink Siifu, Maasai, et BFLY, entre autres, font de ce disque une exploration complète d’un éventail de voix et de perspectives, unies par une indignation intelligente et juste face à l’état des choses. 

Bien qu’enraciné dans le hip hop, il y a encore beaucoup d’excursions sonores qui soulignent ces points de vue, en particulier dans les dernières étapes. « Zami » revisitera l’amour de Moor Mother pour le bruit, tandis que « Clock Fight » utilise des inflexions jazz avec des percussions d’Afrique de l’Ouest pour un effet délirant. « Tarot » est, de son côté, un point culminant cosmologique, Sun Ra-esque, avec des voix flottantes qui entrent et sortent du champ, racontant des histoires de « blackface democracy / Slave house Senate » avec une intonation qui frise l’ennui – ou peut-être la fatigue qui vient avec l’observation de l’inévitable.

Black Encyclopedia of the Air est une œuvre en constante évolution, délibérément dépourvue de structure musicale, tout en restant centrée sur le thème du pouvoir hégémonique. La voix d’Ayewa est souvent étirée, la plaçant comme un narrateur hors du corps, un signifiant voyageant dans le temps au milieu de forces divergentes d’agence et de subordination.  Voici une œuvre fremarquable et importante ; l’écouter est une nécessité

****1/2

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Frode Haltli: « Avant-Folk II »

22 septembre 2021

Le titre de l’album est assez précis, mais les cyniques pourraient penser : oh, je sais à quoi cela va ressembler.  Après tout, il y a pas mal de groupes scandinaves qui font ce qu’on pourrait appeler de l’ »avant-folk ». Et dans une certaine mesure, les cyniques auraient raison.

L’accordéoniste Frode Haltli et ses collaborateurs – parmi lesquels Erlend Apneseth aux violons Hardanger, Ståle Storløkken à l’harmonium et Hans P Kjorstad au violon – évoluent confortablement entre ce que les journalistes appellent des genres (folk traditionnel, jazz, composition contemporaine, improvisation, musique du monde) et ce que les musiciens appellent à juste titre « juste de la musique ».

Cet album n’évolue pourtant pas de manière tout à fait habituelle. Pour commencer, ils sont rejoints par Hildegunn Øiseth à la trompette et à la corne de chèvre, Rolf-Erik Nystrøm aux saxophones, Juhani Silvola et Oddrun Lilja Jonsdottir aux guitares, Fredrik Luhr Dietrichson à la contrebasse et Siv Øyunn Kjenstad à la batterie et au chant. La trompette et le saxophone apportent de nouvelles textures au son folk, tandis que les guitares et l’électronique l’étirent davantage.

Et s’il y a une bonne part de mélodie traditionnelle (et même réellement traditionnelle) soulignée par des harmonies parfois jazzy, il y a aussi des choses plus originales. Prenez Kingo, basé sur un hymne féroïen. Il commence par un accordéon et un harmonium qui grondent sur un rythme bas et insistant, les harmonies prenant une teinte moyen-orientale. Les violons chantent par-dessus et le rythme devient plus groove, puis une guitare électrique apparaît dans un solo qui rappelle Ali Farka Toure et le blues du désert ouest-africain.

« Grâta’n » incorpore un fond d’atmosphère synthétisée, tout en noirceur et en gouttes, en échos, en souterrain et en étirement vers le noir (Sarah Lund de The Killing est-elle descendue dans une autre caverne souterraine, armée seulement d’un pull scandinave et d’une torche mourante ?) Lorsqu’un joli air de violon émerge par-dessus, c’est une véritable surprise, tout en étant étrangement approprié. L’ambiance est initialement maintenue dans le dernier morceau, Neid, mais elle se déploie lentement au cours de ses 13 minutes pour inclure des improvisations de jazz prolongées au-dessus d’un groove de plus en plus lent, créant au passage, comme les quatre morceaux précédents, une véritable profondeur. Il se fond dans un riff répété et majestueux qui sous-tend un solo de saxophone passionné, avant de se dissiper dans quelque chose de plus libre et de moins tangible, pour finalement revenir à la terre avant-folk.

Le mérite de la diversité de l’album revient non seulement à Haltli mais aussi à son coproducteur, l’artiste sonore d’avant-garde Maja S.K. Ratkje. Il ne s’agit donc pas d’un album avant-folk ordinaire,mais d’une expérience fascinante et sombrement charmante.

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Matt Christensen: « Constant Green »

22 septembre 2021

Ayant grandi à Chicago dans les années 1970, M. Christensen se souvient avec émotion du bourdonnement constant du country rock diffusé par les autoradios. Des compositions sans nom et oubliées depuis longtemps se fondaient les unes dans les autres alors qu’il conduisait – sans ceinture de sécurité – à travers le Midwest américain. Constant Green est sa tentative de transposer cette ambiance en 2021, en la filtrant à travers le catalogue d’influences qu’il explore à la fois dans Zelienople et en tant qu’artiste solo depuis des décennies. En ajoutant des éléments de dream pop, d’ambient et de post rock, sa concoction résultante est sombre, persistante et romantique, et elle est bien plus séduisante qu’une simple nostalgie vide.

Le premier titre, « I Listen To Country Songs « , expose le message de Christensen avec une clarté absolue. La guitare slide de Brian Harding, de Zelienople, et le clavier d’Eric Eleazer sont assis sous une guitare faiblement grattée et la voix familière de Christensen. Mais l’environnement sonore que Christensen crée en studio ressemble davantage à « Spirit of Eden » de Talk Talk, « World of Echo » d’Arthur Russell ou « Souvlaki » de Slowdive. C’est de la musique country, en quelque sorte, mais saupoudrée des subtils procédés électroniques dont Tim Friese-Greene a fait sa carte de visite.

Une ambiance luxuriante et stratifiée se construit lentement sur  » »I Had A Vision That I Could Move Anywhere « , comme une sirène de police lointaine ;  » »Tenement Square » utilisera l’espace négatif comme un autre instrument, permettant aux mots de résonner comme une voiture qui passe ; Constant Green est beau et sobre, avec une distorsion suggérant le rock mais tournant l’ampli à -1. C’est une musique ineffablement charmante, qui construit un récit non sentimental enraciné dans le Midwest américain, avec tous ses défauts. 

***1/2

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The Felice Brothers: « From Dreams To Dust »

22 septembre 2021

Si les frères Felice – qui en sont, croyez-le ou non, à leur quinzième année d’existence, n’ont jamais rien publié de moins qu’agréable, c’est en partie parce qu’ils sont toujours à la recherche de nouvelles façons d’améliorer leur son. Leur troisième album au titre éponyme a été, vous vous en souvenez peut-être, enregistré dans un poulailler. Pour From Dreams To Dust, le groupe s’est réfugié dans une église de 1873 au nord de l’État de New York que Ian Felice a rénovée lui-même.

Il semble qu’il ait fait un excellent travail. L’acoustique danse joyeusement dans la salle et donne à l’ensemble un aspect légèrement déséquilibré sur le single irrésistiblement ludique « Jazz On The Autobahn » et sur le morceau «  To Do List » des Violent Femmes, qui sont tous deux très amusants. Mais souvent, les frères Felice sont à leur meilleur avec leurs numéros plus ballades (musicalement du moins), et le charmant « All The Way Down » remplit certainement toutes les cases à cet égard, avant que le plus intense « Money Talks » ne vous entraîne avec une voix parlée à peine perceptible qui pourrait aussi bien avoir été posée par Dark Vador. Finalement, même ce morceau se transforme en une chanson joyeuse et festive dans son refrain avant de se terminer aussi sinistrement qu’il a commencé.

« Be At Rest » semble être la vision qu’a Ian de son propre éloge funèbre. C’est un morceau de spoken word hilarant et d’une beauté poignante qui pourrait bien être le meilleur morceau de l’album. « M. Felice, 1,80 m, 45 kg, dents molles, manque de sommeil, étudiant sous la moyenne. Propriétaire de deux costumes mal ajustés, porteur de vêtements usagés, souvent tiède et renfermé, peignoir souvent mal attaché » (Mr Felice, six-foot-tall, a hundred and forty-eight pounds, soft teeth, sleep-deprived, below-average student. Owner of two ill-fitting suits, wearer of hand-me-downs, often lukewarm and withdrawn, bathrobe often loosely tied) vous voyez l’idée, pleine d’humour incisif et d’autodérision. On ne peut s’empêcher d’applaudir.

Une autre introspection est livrée sur « Inferno », évoquant une sortie au cinéma en tant qu’adolescents pour voir Fight Club qui afficherait complet « alors on est allé voir Inferno à la place ». Tout est raconté avec des yeux nostalgiques – « Qui se bat sur les rives du Rio Grande ? Jean Claude Van Damme » (Who’s that fighting on the banks of the Rio Grande? Jean Claude Van Damme ). Les frères Felice ont quelque chose de très attachant : ils romancent le passé, qu’il soit bon ou mauvais, car, avouons-le, beaucoup d’entre nous le font.

L’inclusion de Jesske Humme (qui fait partie du groupe depuis Undress en 2019) semble orienter le groupe dans de nouvelles directions et il y a sans aucun doute des touches de son ancien groupe Bright Eyes sur des morceaux comme « Silverfish », tandis que « Blow Him Apart » est un titre beaucoup plus jazz, tout en brosses douces et en guitare country larmoyante, qui rappelle Dylan dans sa période de résurgence post-1997.

Dans l’ensemble, c’est encore un album captivant des New-Yorkais et ici, ils commencent à ressembler à de vieux amis favoris qui viennent d’arriver sur le pas de votre porte mais qui veulent parler de la mort. Malgré cela, on s’amuse toujours autant avec eux, et on souhaite que cela continue.

***1/2

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Amyl & The Sniffers: « Comfort To Me »

12 septembre 2021

Après leur premier album éponyme (2019), Amyl est revenu avec un style et un bruit considérables. Leur deuxième album, Comfort To Me, s’ouvre sur le « single » principal, « Guided By Angels », un titre qui suit le modèle Amyl tout en montrant un niveau de maturité et de croissance par rapport au premier album.

Le thème du punk qui fait vibrer les oreilles se poursuit à un rythme soutenu. « Freaks To The Front » est un morceau de moins de deux minutes avec des riffs colossaux et un solo de guitare dont Angus Young serait fier. Amyl ne vous laisse pas une seconde pour vous rattraper avant de se lancer dans « Choices », un titre dont le couplet ressemble à un morceau de Queens of The Stone Age et dont le refrain pourrait être celui de Chubby and the Gang : c’est un mélange fantastique de post-rock lugubre et de mullet-punk féroce.

Le deuxième « single », «  Security », est un véritable point fort : Amyl n’a pas trop modifié son son pendant les dix-huit mois qui ont séparé les deux albums, mais il y a certainement un réel sentiment de maturité et de conscience de soi au sein du groupe maintenant – il est clair qu’ils ne se prennent pas trop au sérieux et qu’ils sont ici pour passer un putain de bon moment. Hertz  » est un morceau funky avec un autre groove à la QOTSA, avant qu’Amyl ne lâche son solo. Le son de la guitare pour les solos sur ce disque est quelque chose d’autre ; ce groupe est composé de musiciens tellement talentueux et Comfort To Me donne à chaque membre une chance de vraiment briller.

Comfort To Me s’intégrera parfaitement dans les concerts d’Amyl. « Capital » est le morceau suivant et probablement le meilleur du groupe, Taylor s’en prenant au monde moderne et à la vie moderne, comme tout groupe punk digne de ce nom.

Amyl passe à la vitesse supérieure : « Don’t Need A Cunt Like You » est implacable et percutant… du vrai punk pub à fond la caisse. Taylor crache ses paroles sur le mur de guitares d’une manière dont seul Amyl est capable (de plus, il n’y a pas assez de nouvelles chansons punk qui ont le mot « cunt » » dans leur titre, donc des points supplémentaires).

La chanson « Snakes » est un autre point culminant d’un album plein de points culminants. Amyl and the Sniffers sont vraiment les rois de tous les groupes punk à mulets qui émergent d’Australie en ce moment – Comfort To Me est furieux par endroits, mais aussi vulnérable et carrément hilarant à d’autres. C’est à peu près le disque de punk moderne parfait : le groupe a un talent non dissimulé, ainsi qu’un feu sacré dans le ventre. Superbe.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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