Lucidvox: « We Are »

27 octobre 2020

Après une série de maxis, le premier album du groupe russe Lucidvox marque une étape importante. Lucidvox est, en effet, porteur d’une proposition intrigante. À première vue, il s’agit de quatre femmes vivant à Moscou, qui ont un jour créé un groupe à partir de rien, pour rire. Et maintenant, après quelques EPs fougueux et turbulents, elles se retrouvent à sortir leur premier album, We Are,une sortie qui n’est cependant pas une histoire de calcul préconçu, ni de mœurs commerciales de la musique. Il s’agit plutôt d’un témoignage de la façon dont la vie se déroule souvent, des éléments fortuits qui se mettent soudainement en place alors que même les acteurs eux-mêmes n’étaient pas conscients de ce qui se passait. Et We Are est littéralement cela, un disque de quatre jeunes rockeuses vivant dans la Russie moderne et essayant de donner un sens à tout cela.

Il ne s’agit pas de présenter le groupe comme des ingénues ; en tant que Moscovites, elles sont inévitablement, et de manière compréhensible, des débrouillardes. Certains membres du groupe font partie de la foule qui est devenue la caractéristique de la branche moscovite de la « Pain Generation », des fêtards nostalgiques et des fans de musique toujours à la recherche du prochain frisson culturel. Mais ce sont bien plus que des têtes de scène. Comme beaucoup de jeunes Russes, ils sont à la fois très hospitaliers et fêtards et pourtant très réservés, ou timides, peu enclins à cracher le morceau. Comme beaucoup de leurs pairs musiciens, leurs chansons traitent de sujets difficiles auxquels ils se sont habitués depuis leur plus jeune âge, des drames individuels qui éclairent les zones de transition entre la société et l’État. Comme tant d’autres groupes russes (Shortparis, Inturist, Electroforez, Mirrored Lips, Glintshake), les chansons de Lucidvox abordent ce qui est considéré comme acceptable dans la société russe moderne, que ce soit en privé ou en public. Ce faisant, ils jettent un trapèze musical glorieusement multicolore entre les états opposés (personnels) de décision et d’incertitude. Le « single » « Knife », une sombre histoire de violence domestique, est le meilleur exemple de ce type de musique, qui est animée par une étrange colle sonore faite de lignes de guitare raga et de quelques motifs de batterie insistants et légèrement jazzy. Leur musique est également construite de la manière dont vous imaginez beaucoup de choses construites en Russie ; directe, voire brutalement émoussée, mais investie d’un arrière-pays émotionnel considérable.

Bien que We Are soit reconnaissable, inéluctablement, Lucidvox pour ceux qui les ont suivies, ce disque marque un grand pas en avant pour le groupe. On l’entend dans le magnifique morceau d’ouverture, « My Little Star », une pagode luxueuse sous forme d’un morceau qui ne pourrait être personne d’autre et qui est pourtant le son d’un groupe se débarrassant de sa vieille peau créative. L’auditeur aguerri reconnaîtra un nouveau sens de la créativité et de la compréhension, de la façon dont la dynamique musicale peut mieux refléter les émotions que les groupes veulent faire passer. On peut en dire autant du « single » « Runaway », un morceau hypnotique qui évoque un problème familial que l’un des membres du groupe a eu avec l’État. « Runaway » fait montre d’une patience et une force émotionnelle jamais remarquées auparavant dans leur musique. Et c’est toujours un morceau qui s’obstrue, avec des chants et des lignes de guitare sinueuses. Le groupe semble s’être ouvert, être devenu plus heavy et pourtant plus accessible dans sa musique.

De temps en temps, la tête de fête Lucidvox, celle qui est alimentée à la vodka et qu’on peut dans un sous-sol de la vieille ville de Tallinn, fait surface. Les rockers vertigineux, « Body » et « Knife » sont de glorieux tourbillons de claquettes ; le son d’Amon Düül II rencontrant Souxsie Sioux pour une petite clope entre deux sets. Mais ils sont beaucoup plus durs, plus concentrés, et font sortir le drame pour ce qu’il vaut. Toutefois, avec We Are – et contrairement à leurs précédents EP, qui donnaient l’impression d’avoir été enregistrés sous l’effet de l’adrénaline – Lucidvox semble essayer de mettre la main sur un son qui peut faire bien plus que se faire remarquer dans les clubs de Moscou comme l’Agglomerat.

Et – contrairement à leurs précédentes incarnations, plus désordonnées – ils ont porté le rock à onze. « Amok » est une chanson si simple à bien des égards, du rythme standard à la répétition des voix en passant par les plectres de guitare Sabbath-lite. Il est intéressant de mentionner les Sabs, car vous commencez à être agacé par la combinaison de ces coups de guitare en staccato et du rythme sans cesse métallique. C’est aussi audible sur des morceaux comme « Around » et « Sirin », les guitares de milieu de gamme conduisent souvent une mélodie que les vagues incantations vocales prennent ailleurs. Même si je sens le souffle chaud et déclamatoire d’un Osbourne, je pense que certaines coupures sur ce morceau trahissent un lourd culte de C21st Sabbath. La flûte de la chanteuse Alina ajoute un peu de punch des années 70 pour faire bonne mesure.

Cette nouvelle approche, cependant, donne toujours l’impression d’être transmise par un ensemble de messages et de gestes codifiés et spécifiquement russes. D’une manière ou d’une autre, le flirt ouvert du groupe avec l’imagerie s’infiltre également dans la conscience de l’auditeur. Lucidvox prend plaisir à se déguiser, à créer et à confondre les tropes et les traditions visuelles russes. Des morceaux tels que « You Are » et « Around » évoquent brillamment cet état ; des intrigues délibérément lentes et secrètes qui fonctionnent également comme des images. La musique fonctionne comme un cinéma pour l’œil intérieur. Ce disque pourrait (si vous le souhaitez) sonoriser les photographies de danseurs prenant la pose pour les représentations d’ouverture des Rites du printemps, ou de femmes soviétiques des années 1930 peintes par Alexandre Deyneka. Ou encore les glorieux dessins de Bilibin sur le folklore slave, Kikimoras et Russalki gravés à l’encre à jamais sur le papier, vous menaçant de toutes sortes d’ennuis si seulement ils pouvaient sauter de la page. Faites votre choix. Ce ne serait pas vraiment un disque Lucidvox si ces éléments ne jouaient pas un rôle.

Lucidvox sonne comme une nouvelle venue de nulle part, un juste avertissement de choses horribles à venir. Mais comme ils enrobent le message avec douceur. Qu’ils l’aient construit ou non à ce degré, leur musique a un caractère apocalyptique, comme une sirène. Des morceaux comme « Body » et « Sever » semblent saisir le sentiment que d’énormes pans de Sibérie s’enfoncent et brûlent. Qu’ils l’aient voulu ou non n’a aucune importance, c’est un simple fait que leur son reflète l’époque. Ils sont un curieux exemple de groupe qui n’existent que comme amis et qui parviennent néanmoins à filtrer un ensemble disparate de sentiments plus larges à travers le maelström de leur musique.

****1/2


Magik Markers: « 2020 »

27 octobre 2020

The Magik Markers sont un anachronisme. Ils ne se sentent redevables à aucune tendance musicale actuelle ; on ne retrouve aucune trace du revival alt-rock des années 90 ou du pastiche des années 80 sur 2020 sur leur premier nouvel album en sept ans. Les vétérans du noise-rock de la Nouvelle-Angleterre font des gribouillis spontanés et tentaculaires aussi indéfinissables que vivifiants. On a plutôt l’impression de tomber sur le genre de choses que l’on peut trouver dans un magasin de disques, de la musique punk bricolée d’un groupe qui fait cela depuis une époque où l’on pouvait sérieusement tomber sur eux dans un magasin de disques. C’est délicieusement décalé, mais la musique de Magik Markers est intemporelle.

Appeler leur album 2020 et contextualiser leur musique dans une année extrêmement chaotique ressemble presque à une blague – un clin d’œil à l’idée que dans cette ligne temporelle, il n’y a pas de place logique pour que cette musique existe, mais elle continuera d’exister de toute façon. Le fait que les Magik Markers soient toujours là et aient un débouché pour faire leur truc en 2020 est peut-être l’une des rares bonnes choses de cette année.

Les Magik Markers ont commencé à sortir de la musique à un rythme alarmant. Ils ont commencé dans un sous-sol de Hartford en 2001 et ont sorti une longue série de disques d’improvisation difficiles à saisir qui avaient la fureur d’une fête dans un entrepôt d’art, avec un spectacle en direct rauque et interactif à la clé. Avec BOSS en 2007 et BalfQuarry deux ans plus tard, ils ont maîtrisé certains de leurs éléments les plus frénétiques. Et au fil du temps, leur production s’est considérablement ralentie. Au cours de la dernière décennie, ils n’ont sorti que deux opus : Surrender To The Fantasy en 2013 et, maintenant, 2020.

Les membres du groupe sont partis mener une vie relativement normale. Elisa Ambrogio s’est installée sur la côte ouest ; Pete Nolan est retourné à l’école pour sa maîtrise et a appris à faire de la pizza ; John Shaw s’est lancé dans l’apiculture. Leurs vies ne sont plus centrées sur la musique comme elles l’étaient autrefois. Le fait qu’ils aient une existence plus tangible semble faire partie de l’attrait des Magik Markers. Enregistrée de façon sporadique ces deux dernières années, 2020 sonne comme un événement vécu et luxueusement urgent – la musique ressemble plus à une évasion de la vie quotidienne qu’à quelque chose qui s’y définit.

Il y a quelques mois, le groupe a annoncé son retour sans prétention avec un EP bref mais gratifiant intitulé Isolated From Exterior Time : 2020, une sorte de suite à leur cassette Isolated From Exterior Time datant de 2011. Le titre ne semble que trop approprié pour un groupe qui ne se préoccupe pas de se sentir nouveau. Et en étant si éloigné des machinations générales de l’industrie, ils ont réussi à faire un album qui se sent frais et excitant. Si un groupe peut sonner comme un fanzine, alors Magik Markers est le groupe qu’il faut – tout ce qu’ils font est amoureusement cousu, coupé et collé comme un collage et ne comprend que ce qui les intéresse. Rien sur le disque n’est surchargé ou pointilleux ; il s’agit juste de trois personnes qui jouent du rock ensemble depuis deux décennies et qui font ce qu’elles font le mieux. C’est une musique très naturaliste et résolument old school.

2020 est un fouillis d’idées qui s’égarent surtout du côté du scuzzy et de l’indistinct. Ce qui lui manque en termes de cohésion, il le compense en étant constamment captivant. Il s’ouvre sur « Surf’s Up », un beach-pop langoureux qui donne l’impression que lorsqu’il commence à pleuvoir sur la plage, il faut vite remballer toutes ses affaires et partir. La chanson est livrée dans des vagues nauséesuses, s’étirant sur huit minutes alors que le groupe improvise et réclame pour trouver de nouveaux grooves dans lesquels se glisser. C’est un microcosme de l’album dans son ensemble – frémissant et se tordant à la fois, un bourdonnement prolongé qui est généralement ennuyeux mais qui a des éclats de lumière qui semblent rendre l’obscurité digne d’intérêt.

Et comme pour « Surf’s Up », le groupe ne reste jamais trop longtemps au même endroit. Chaque chanson est indépendante. « Born Dead » est un autre point fort, un magnifique balancement mélancolique et l’un des morceaux les plus calmes de l’album. C’est une vitrine pour la prestation empathique d’Ambrogio, une lettre d’amour à ses camarades du groupe et un argument en faveur du pouvoir réparateur de la musique. « Je suis née morte/ Pendant 15 minutes, je n’ai pas respiré » (I was born dead/ For 15 minutes, I didn’t breathe), chante-t-elle. « J’étais bleue/ Je suis née morte/ Jusqu’à ce que je te rencontre » (I was blue/ I was born dead/ ‘Til I met you). Ce simple sentiment est suivi de « You Can Find Me », un joyau noise-pop parfaitement décalé qui se dirige vers une raclée furieuse et semble justifier leur précédent témoignage du pouvoir de la musique. C’est le groupe qui tourne à plein régime, avec des paroles artistiques d’Ambrogio. « Marcher jusqu’au centre commercial sur Benadryl/ Regarder à travers les rideaux, pas de frissons de sommeil » (Walk down to the mall on Benadryl/ Peeping through the curtains, no sleep thrills), sont les premières paroles du groupe. « Je me tue dans une loge de Sears/ Je veux juste dormir près d’un miroir/ Je veux juste m’allonger là où tu peux me trouver » (“Kill myself in a Sears dressing room/ Just want to sleep near a mirror/ Just want to lie where you can find me).

Ce genre de poésie évocatrice se retrouve tout au long de l’album. Sur « CDROM », Ambrogio se met en mode yeux nus ou morts, où elle fait peut-être allusion à la seule collègue du groupe, sa compagne Erika M. Anderson. Au fil de la chanson, Ambrogio raconte un trip hallicinogène qui mène à de lourdes prises de conscience sur la vacuité potentielle de la vie avec des avertissements de type « Ne les laissez pas vous dire que la faim est une vertu » (Don’t let them tell you hunger is a virtue) et « Ne passez pas votre vie à tourner dans votre tombe . (Don’t spend your life spinning in your grave .

C‘est ce qui se rapproche le plus de l’éloquence de Magik Markers. La plupart du temps, ils se contentent de laisser leur musique délirante et droguée créer une ambiance avec laquelle vous vibrerez ou non. Ainsi, leur « Hymn For 2020 », qui est de toute évidence le moment décisif du disque, est le morceau le plus laconique et le plus épars de l’album. Le groupe n’a pas l’intention de faire de grandes généralisations sur l’état du monde. « Hymn » n’est pas un résumé cinglant, mais plutôt une déflation du bruit, de l’aridité du plein air et des chants de chorale lointains qui sont tous de la texture, sans signification.

En guiqee de conclusion, que sire si ce n’est que la façon dont le groupe aborde son art et sa vie échappe une fois de plus à toute catégorisation facile. Bien que l’on ait l’impression qu’il aurait pu venir de n’importe quand, 2020 sonne particulièrement bien en 2020. Peut-être qu’ils ne font que rencontrer le moment présent. Comme les gens sont plus réceptifs à la musique qui ressemble à un coup de pied au cul quand on est coincé dans un endroit sans fin apparente, Magik Markers n’a jamais sonné aussi éblouissant.

****1/2


Loma: « Don’t Shy Away »

27 octobre 2020

Ce deuxième album de Loma poursuit son incursion dans le son indie rock impressionniste et spectral qu’ils ont d’abord défini sur leur premier album éponyme de 2018 – un son approuvé par le seul et unique Brian Eno. Il s’avère qu’un ami a informé la chanteuse Emily Cross qu’Eno avait été entendu sur la radio de la BBC faire l’éloge de « Black Willow » sur son « debut album », le groupe a donc décidé de l’inviter à participer à un nouveau titre plus proche, « Homing », auquel Eno a répondu.

« Homing », ainsi que les 11morceaux qui le précèdent, sont une excursion à travers diverses itérations de rock indé mystique, qui s’écoule avec un ventre luxuriant de sons intrigants et la belle voix de Cross. Les pierres de touche sonores comprennent la pop fraîche et texturée de Karen O et Danger Mouse et le rock indie ornemental et lunatique de Bat For Lashes et Goldfrapp.

Si « Homing » porte les empreintes méditatives d’Eno, ce sont les morceaux les plus entraînants qui rendent Don’t Shy Away si agréable. Les rythmes glissants et les battements trippants de chansons telles que « Ocotillo », « Half Silences » et « Given a Sign » sont les points forts de l’album qui transforment des paysages sonores rêveurs en chansons space-pop luxueuses et glissantes. D’autres titres comme « I Fix My Gaze », « Thorn » et « Jenny » changent de vitesse et se promènent dans une direction moins captivante avec des arrangements plus durs.

Utilisant une panoplie d’instruments et de styles musicaux, et une approche particulière de l’écriture de chansons, Loma colle ensemble des fragments mélodiques avec une mystérieuse vapeur de sons intrigants. Mais ce qui les distingue et leur donne une certaine originalité, c’est le style vocal cabaretier de Cross. Sa poésie sensuelle ajoute un étrange savoir faire qui rappelle Twin Peaks (la série télévisée, pas le groupe). Le groupe comprend également Dan Duszynski et le chanteur de Shearwater, Jonathan Meiburg.  

Don’t Shy Away est peut-être un peu moins enchanteur que le premier album hypnotique de Loma, mais il s’avère être un disque agréable à la première écoute et mérite d’être joué à plusieurs reprises malgré ses quelques défauts mineurs.

***1/2


Goldmund: « The Time It Takes »

27 octobre 2020

Grâce à sa musique d’ambiance minimale, centrée sur le piano, Goldmund (alias Keith Kenniff, de Pennsylvanie) a créé un son instantanément reconnaissable sans jamais avoir l’impression d’être recyclé. The Time It Takes est un autre album émotionnel, qui rappelle la perte et le deuil – non pas à une échelle personnelle, mais mondiale – et qui est également capable de briller d’espoir, en attendant patiemment des jours meilleurs.

Un seul piano suffit à approfondir les eaux du chagrin, mais un synthétiseur rayonnant est là pour le soulever, le soutenir et le remettre sur pied ; le synthétiseur et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui parcourent toute la musique. Le synthé et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui courent tout au long de la musique. Des accords aussi brillants que la lumière du soleil traversent et se libèrent, et Kenniff est un maître dans l’art de développer l’atmosphère. Les compositions se déroulent à leur propre rythme, mais elles cherchent toujours à grandir, à se dresser de plus en plus haut, comme un tournesol qui cherche sa source de lumière. De la même manière, les accords boivent dans la lumière comme si elle contenait des nutriments vitaux, non seulement pour soutenir la musique mais aussi pour lui donner vie.

« Day In, Day Out » donne le ton pour le reste du disque, où un magnifique piano rougeoyant est rendu plus lourd, plus riche et plus plein par le traitement. La musique de Goldmund se développe à partir d’un seul point, à partir d’une seule phrase ou mélodie, pour finalement brûler de plus en plus fort et s’envelopper dans une atmosphère teintée d’ambiance. Le piano est une constante, et il semble vieux, lui aussi. La musique peut rappeler à l’auditeur une certaine époque, en lui faisant revivre des souvenirs, des visages et des lieux. La nostalgie est émotionnellement puissante, et la musique y sera toujours liée, mais la musique de Goldmund évoque le passé de manière naturelle, sans sursaturation et sans clichés. Tout cela revient dans un esprit vieillissant grâce aux réminiscences du piano.

Les morceaux de musique sont plutôt des vignettes, des épisodes pour un esprit en retrait, et les grottes de réverbération aident également à approfondir l’expérience. On peut toujours s’attendre à la plus haute qualité de la musique de Goldmund, et The Time It Takes n’est pas différent ; il y a des morceaux vraiment frappants sur cet album, peut-être pas plus hauts que le final, « The Valley In Between », qui termine l’album sur une note incroyable, et un à peine au-dessus d’un murmure. Epuré et atmosphérique, ses échos sont éternels.

****


Anthéne: « Collide »

27 octobre 2020

Sous le nom d’Anthéne, Brad Deschamps continue de sortir une forme de musique d’ambiance embaumante. Chaleureux et calme, Collide fait suite à Weightless(2019) et, comme son prédécesseur, les morceaux aux influences analogiques sont d’un calibre à part. Une guitare modeste et sans prétention est transmise à l’auditeur, son style ambiant étant produit par un jeu épuré et sans prétention autant que par l’utilisation de la réverbération, et ses petites notes timides sont parsemées dans toute la musique.  Les synthés sont également présents, et Deschamps est capable d’enlacer des mélodies significatives et concentrées dans la vaste étendue d’un paysage sonore ambiant sans sacrifier l’espace et l’air frais et oxygéné qu’il apporte. 

L’accent mis sur le développement mélodique et harmonique est fort et distingue anthéne de beaucoup de musiciens d’ambiance modernes, mais les développements sont toujours laissés de l’espace et de la place, de sorte que la musique ne se sent jamais encombrée ou précipitée. Au lieu de cela, Collide semble clairsemé et propre, brillant avec des tons glacés.

Deschamps est capable de conserver l’âme de la musique d’ambiance tout en poursuivant des idées plus mélodiques, et la musique qui en résulte brille comme un bijou ; il en comprend le style.

Les sonorités sont douces comme la brise et aussi bienveillantes qu’elles le sont. Le disque est accueillant, malgré son titre. Si certaines collisions peuvent provoquer de l’anxiété, avec des images de dévastation et de ruines, elles peuvent aussi être des œuvres d’art étonnantes, tout droit sorties des mains de l’Univers. Un jour, la Voie lactée entrera en collision avec la galaxie d’Andromède, mais alors que beaucoup verraient cela comme l’apocalypse, certains y voient une nouvelle création spectaculaire, et les collisions peuvent donner naissance à une nouvelle beauté. C’est exactement le cas de ce disque, car Collide est cool, rafraîchissant et proche du sacré. 

****


Elskavon & John Hayes: « Du Nord »

27 octobre 2020

Sur Du Nord, Elskavon (alias Chris Bartels) et le pianiste John Hayes respirent le climat plus froid du Minnesota, en particulier la morsure de l’hiver sous zéro dans le Midwest. Bartels et Hayes se sont liés d’amitié par leurs intérêts musicaux communs, leur point commun étant un amour partagé pour la composition ambiante et classique. Du Nord est leur premier album, et il présente un son progressif dans la veine de la composition moderne. C’est le son de leur état d’origine et de ses longs mois d’hiver, qui rugissent puis entrent en hibernation. Ces mois peuvent s’éterniser, et encore, et encore…

Le changement de saison brutal du Midwest se ressent dans leur musique, mais Du Nord reste glacé. Les températures hivernales ont des dents acérées et le froid s’infiltre dans Du Nord. Bien que les hivers du Minnesota puissent être rudes et impitoyables, la musique a toujours un œil sur l’inévitabilité du printemps, et elle est capable de trouver le confort d’un abri et d’un espace chaud et douillet même lorsque la pluie tombe à verse et que les bancs de neige profonde et molle s’accumulent ; lorsque la saison semble interminable, lorsque l’obscurité a déjà tiré un rideau sur un après-midi, et lorsque le printemps semble être une autre vie, à des millions de kilomètres. En ces heures, et les jours mornes de décembre, l’obscurité a une longue portée. Avec l’obscurité peuvent venir la futilité, la mort, la dépression et le désespoir, mais l’hiver peut être une saison contrastée, offrant le calme et la tempête, la seule constante étant les matins couverts de gel et un froid brut et pénétrant qui s’infiltre dans le squelette. Malgré cela, le renouveau n’est jamais loin, et sur Du Nord, les auditeurs ont un avant-goût de cette promesse.

Le piano dégage de la chaleur pour garder l’auditeur au chaud. Ses notes dégagent de la chaleur corporelle ; plus il y a de notes qui peuplent un morceau de musique, plus le morceau devient chaud. L’hiver est une expérience partagée, et il y a du réconfort là-dedans aussi, mais lorsque les notes se dispersent et que le vide absolu enveloppe la musique, la glace revient. Avec des titres tels que « Closer » et « Cold Is Not So Cold », la musique a un esprit combatif et résolu et un sentiment de camaraderie et de fraternité pendant un hiver morne, une communauté se rassemblant pour prendre soin les uns des autres alors qu’un blizzard continue de faire rage, sans aucun signe de ralentissement. Les notes du piano ressemblent plus à des rafales qu’à des tempêtes de neige massives, mais elles s’accumulent constamment. Les périodes d’activité accrue de Du Nord et les intervalles stériles du son ambiant, qui augmentent le sentiment d’immobilité, sont aux antipodes les uns des autres, reflétant toute une gamme de conditions météorologiques, une tempête enragée se fondant dans la beauté du sol enneigé et l’imprévisibilité de la saison.

****


The Pretty Things: « Bare As Bone, Bright As Blood »

26 octobre 2020

L’histoire de la musique pop est parsemée de groupes qui ont eu une grande influence, mais qui n’ont jamais vendu autant de disques que les groupes inférieurs, et The Pretty Things était l’un d’entre eux malgré la création de leur opéra rock, S.F. Sorrow, en 1968.

Révélés par leurs contemporains – Jimmy Page était réputé pour écouter leurs nouveaux morceaux lorsqu’ils ont été signés sur le label Swansong de Zeppelin – ils ont eu une bonne carrière selon la plupart des standards, et cet album de standards de blues est un indicateur clair de la raison pour laquelle ils ont été si bien notés. Il s’agit de leur propre chant du cygne puisque le chanteur Phil May est mort le 15 mai dernier dans un tragique accident, mais c’est un disque aussi bon que tout ce que lui et son partenaire de longue date Dick Taylor ont enregistré.

Les deux hommes sont en pleine forme, mais avec la dimension supplémentaire de vétérans confrontés à leur propre mortalité, ce qui donne toujours au blues en tant que forme un avantage supplémentaire. Ce format acoustique dépouillé est atypique par rapport à leur son, mais, malgré les nouveaux défis, May s’y attaque avec un œil sur la mort de la lumière sur le jeu subtil et précis de Taylor. « Can’t Be Satisfied » donne le ton à la perfection avec une savoureuse glissade de delta blues avant que l’harmonica ne fasse une apparition précoce sur l’inquiétant « Come Into My Kitchen », qui met en scène May à son meilleur. « Faultline », moins funèbre, a des relents de maîtres modernes de l’Americana comme John Mellencamp ou The Boss.

Vous n’entendrez pas de chanson plus appropriée et plus honnête sur le plan émotionnel que « Redemption Day », qui a un ton légèrement country, et quand May chante « there’s a train that’s heading straight for heaven’s gate », il vous frappe droit entre les yeux. Elle résume parfaitement la majesté brisée de la version de Johnny Cash façon « Hurt ». La chanson la plus instantanément réconciliable est la traditionnelle « Black Girl », que Nirvana a reprise dans son légendaire set acoustique MTV, mais les décennies supplémentaires d’expérience de vie de May et Taylor lui donnent une résonance beaucoup plus profonde. « To Build A Wall » est le morceau le moins bluesy de la série – et peut-être le plus typique de leur son – mais il semble être la bonne façon de dire au revoir.

Il serait trop facile de faire l’éloge de ce disque touchant et magnifiquement joué parce que quelqu’un est mort, mais ce serait une insulte. The Pretty Things sont sortis sur un plan créatif et selon leurs propres termes en tant qu’artistes. La quête de l’album de blues britannique de l’année est, ci-devant, officiellement terminée.

***1/2


Young Girl: « The Night Mayor »

26 octobre 2020

S’inspirant clairement des pionniers de l’électronique expérimentale, Autechre et Aphex Twin, cet ensemble australien évoque un paysage de rêve surréaliste semi-éponyme sur The Night Mayor à travers une musique complexe et parfois déroutante.

La première moitié de cet album est une affaire constamment en panne qui semble incapable de rester en place ou de contenir sa propre masse d’idées. Des bips désorientants et des rafales de percussions chaotiques accompagnent des synthés sauvages et ludiques sur le morceau d’ouverture « Vomit Nightmares », qui ressemble à un ordinateur rétro qui essaie de gagner en sensibilité sans y parvenir. Même lorsque les choses deviennent un peu plus atmosphériques sur « The Low Men » pa rexemple, avec des synthés à la fois chauds et troublants, les rythmes énergiques et entraînants restent.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie tremblante n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé.

« The Red Birds » est un voyage malicieux dans un monde sonore psychédélique, et « Toilet Nightmares » continue de s’entasser dans tous ses interstices malgré son pouls plus lent. « Codeine » »est un peu comme un tournant, qui ramène les choses à une simple boucle hypnotique qui laisse place à un passage de guitare joyeux, qui agit comme un pic parmi les vallées de bizarrerie de l’album, et qui ouvre un chemin pour les morceaux restants.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie agitée n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé. Il y a encore des bords effilochés sur des morceaux comme « Frustration Nightmares » »et des sous-entendus perturbés de façon appropriée aux sons ambiants apaisants du duo de clôture « Sleep Paralysis » et « wake up… », mais, à ce stade-là, on a l’impression générale qu’un certain calme médicamenteux a été atteint.

***1/2


X-Marks The Pedwalk: « Transformation »

26 octobre 2020

Le nouvel album de X-Marks The Pedwalk commence avec l’un des morceaux les plus forts que le duo de Münster ait enregistré jusqu’à présent. « If I Stay » est un titre qui évolue lentement, qui sonne sombre, qui est instantanément sournois et qui devient de plus en plus rythmé vers la fin, ce qui montre à quel point il faut peu de moyens pour créer une musique fascinante lorsqu’elle est utilisée efficacement.

Ensuite, Transformation deviendra, à ce peopos, le travail le plus varié du groupe à ce jour. Cela va des sons ambiants sombres avec une touche industrielle et EBM pulsante (« Walk Away »), aux remplissages de pistes de danse presque légères pour l’électro-disco. Le « Voodoo Lounge » est volontiers visité en « lundi bleu ». La techno s’impose, des chœurs pour chanter et se balancer sont proposés (« Transformind »), et « Waiting » est une autre ballade atmosphérique à effet de profondeur. Le dernier morceau, « Shadows », sera, pour terminer de manière plus frappante, un peu plus percutant et encore plus intense.

Les compositions sont présentées tantôt éparses, tantôt opulentes (le multicouche « Talking », avec un synthétiseur estampillé Gary Numan), en restant toujours nettes et claires dans le son, sans que l’électronique ne gèle dans le froid glacial. Les voix bien équilibrées et parfaitement complémentaires d’Estefaniá et de Sevren Ni-Arb y contribuent. « Shadow », également divisé, est un exemple à écouter tant il est La conclusion réussie de cette Transformation quientreprend un voyage éblouissant à travers son propre cosmos sonore influencé par l’électronique. À écouter fort.

***1/2


Kevin Morby: « Sundowner »

26 octobre 2020

On peut être assez cynique pour le dire tout de suite : Kevin Morby veut désespérément être Leonard Cohen. Il suffit de vous je vous mettre au d’écouter Sundowner, le nouvel album de l’ancien front-man des Babies et de se dire qu’il ne ressemble pas à la dernière légende. Lisez dans cette remarque une sorte de compliment détourné que Morby a presque réussi à faire.

« Valley » et lest un titre simple et puissant, mais « Campfire » va n peu plus loin, avec une légère touche de poésie. Ailleurs, « A Night at the Little Los Angeles » ajoute un travail délicat à la guitare, tandis que l’élégant « Velvet Highway », et un bel instrumental, où il lâche tout pour le ipano.

On aurait pu souhaiter que Sundowner soit plus proche de ce nmorceau mais Kevin Morby est profondément en phase avac sa muse sur ce disque, de sorte que même une excellente composition, comme « Provisions » menace d’être oubliée lorsqu’elle est entendue à côté d’une douzaine d’autres compositions de même facture.

Sunowner n’est pas le genre de chose qur laquelle se précipiterait autant que n’importe quelle autre sortie de The Babies, mais il est assez bien fait dans le registre qui est le sien. Votre degré d’appréciation peut dépendre de la façon dont vous abordez ce disque, et si vous lui accordez toute votre attention il vous permettra de vous y laisser prendre.

***1/2