Bachelor: « Doomin’ Sun »

29 mai 2021

Bachelor est la nouvelle collaboration de deux des auteurs-compositeurs indie les plus expressifs et les plus acclamés de ces dernières années : Melina Duterte de Jay Som et Ellen Kempner de Palehound. Les fans ont sans doute déjà compris qu’il s’agissait d’un mariage parfait. Après tout, les projets de collaboration ont quelque chose de spécial. La rencontre de divers instincts créatifs peut faire apparaître de nouveaux angles dans la musique d’un artiste et repousser les limites stylistiques dans des directions inattendues. Mais même parmi les partenariats d’écriture de chansons, Duterte et Kempner ont quelque chose d’unique : une amitié florissante qui porte leur alchimie créative. Ensemble, cette amitié fait de Bachelor et de leur premier album, Doomin’ Sun, non seulement le nouveau projet des poids lourds de l’indie, mais aussi quelque chose de vraiment spécial.

Bachelor s’inscrit, à certains égards, dans la lignée d’autres collaborations indé de haut niveau, comme BUMPER (Michelle Zauner de Japanese Breakfast et Ryan Galloway de Crying) et Better Oblivion Community Center (Phoebe Bridgers et Conor Oberst). Duterte elle-même a également contribué à la tendance, en rejoignant son ami Justus Proffit pour un EP en 2018 et sa partenaire, la bassiste de Chastity Belt Annie Truscott, pour un EP plus tôt cette année sous le nom de Routine.

Pourtant, alors que dans une collaboration comme Better Oblivion Community Center une partie de l’attraction est de voir comment deux artistes différents s’accordent, Bachelor retient moins la surprise. Kempner et Duterte agissent presque comme des miroirs stylistiques, mêlant leurs styles de manière instantanée et transparente. C’est comme si les deux artistes écrivaient ensemble depuis des années. Les guitares sinueuses et les voix de fausset de Palehound prennent le dessus sur « Sand Angel » et la touche country de « Sick of Spiraling ». En même temps, « Went Out Without You » et « Moon » portent les traces du style de production brumeux de Jay Som et des mélodies en écho dès les premières notes. Ensemble, les deux artistes réalisent une synthèse de styles sans effort, soutenue par une chimie mutuelle sans effort.

D’une certaine manière, le disque semble moins lourd et moins réfléchi que le travail solo du duo, peut-être en raison des sessions d’enregistrement spontanées. Après tout, le disque a été écrit et enregistré à la volée en moins de deux semaines, alors que le duo partageait une location à Topanga, en Californie. Des petits moments comme le badinage en studio qui ouvre « Anything At All » (« Today is vocal day, not horny day ») ont la même énergie qu’un projet de groupe à l’école primaire où vous et votre meilleur ami traînez toute la journée sans rien faire.

Mais pour Bachelor, c’est clairement le contraire. En fait, le groupe semble désinhibé, prêt à se lancer dans du rock indé explosif et noueux, des ballades austères, des passages ambiants inquiétants et des morceaux acoustiques dépouillés. Cette approche insouciante donne lieu à des moments d’une réelle intensité cathartique lorsque le duo se lâche vraiment. Le pastiche des Pixies que le duo déploie sur « Stay in the Car » atteint un sommet de théâtralité avec des guitares distordues, mais le groupe ne fait que surpasser l’instrumentation sauvage du morceau quelques chansons plus tard avec l’apogée viscérale de « Anything At All ». Au moins en termes d’indie rock décomplexé, la synthèse des styles du duo n’a jamais sonné aussi fort.

Mais cette ouverture d’esprit qui est à la base de l’album permet également de déterrer des moments de douleur honnête. « Spin » et « Doomin’ Sun » pointent vers l’anxiété climatique avec un esprit sombre et mordant : « Nous avons donné nos corps aux oiseaux et aux abeilles / Et maintenant ils tombent du ciel / Par trois » (We gave our bodies to the birds and bees/And now they’re falling from the sky/In threes). Ailleurs, le duo raconte des histoires éminemment pertinentes sur l’introversion anxieuse des gays dans « Went Out Without You » : «  Je suis sortie sans toi… J’ai essayé de me faire de nouveaux amis mais j’étais trop embarrassé/Quand j’y suis allée seule. » (I went out without you…Tried to make new friends but/I was too embarrassed/When I showed up there alonee) et sur les problèmes de santé mentale dans « Sick of Spiraling ». Mais ces moments plus sombres ne font qu’ajouter à l’écrasante sensation de catharsis qui se cache derrière ce disque, un épanchement presque thérapeutique réalisé avec le soutien étroit d’amis.

Melina Duterte et Ellen Kempner ne manquaient déjà pas d’éloges avant la création de Bachelor. Ce qu’elles ont accompli avec Doomin’ Sun est donc d’autant plus impressionnant, offrant un travail à la hauteur des meilleurs efforts séparés du duo et mariant aisément leurs différentes approches du rock indépendant. Parfois, les duos d’auteurs-compositeurs sont célèbres autant pour leur conflit que pour leur collaboration. Ce n’est pas le cas de Bachelor, car l’amitié et l’alchimie créative palpable entre Duterte et Kempner sont à la base de certaines de leurs meilleures productions à ce jour.

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Red Fang: « Arrows »

29 mai 2021

« Tu n’as rien à dire quand tu es vieux, fatigué et gris ». Ce sont les mots fatalistes de Red Fang, un combo de Portland, Oregon, sur la pièce maîtresse de son album Arrows, « Fonzi Scheme », et pas nécessairement si l’on considère les mèches poivre et sel qui apparaissent maintenant dans la barbe collective de l’unité généralement hirsute. Aussi gris qu’ils puissent être – et, après 16 ans de carrière, sans doute un groupe de métal plus âgé à ce stade – Arrows est certainement un retour bienvenu de ces marchands de riffs vétérans. Le groove punk-métal puissant de ce disque est la preuve que les Red Fang sont plus que jamais en forme.

Cela fait quatre ans et demi que le groupe a sorti son précédent album, Only Ghosts. Une éternité, en ce qui concerne les cycles d’albums. Nous aurions pu entendre le disque plus tôt, mais, comme la vie en général, COVID-19 a mis les plans de Red Fang en pause l’année dernière. Lorsqu’ils ont refait surface au printemps avec le titre « Arrows », l’esthétique ouvertement loufoque du groupe était de nouveau à l’honneur. Dans ce clip très drôle, le groupe a accidentellement dépensé son budget vidéo pour acheter une épée, et a commencé à nous montrer toutes les choses qu’elle peut trancher : des bouteilles de boisson gazeuse, des pastèques… et, apparemment, le sternum d’un homme. Plus important encore, le single met en évidence le talent de Red Fang à combiner des sons métalliques corrodés par le fuzz avec des accroches pop lugubres.

Arrows commence cependant sur une note plus expérimentale, avec l’introductif « Take it Back » qui arrive comme une concoction sans percussion de doom de basse, de « white noise » à fendre la tête et de hurlements effrayants. Le producteur Chris Funk, de retour derrière les platines pour la première fois depuis Whales and Leeches en 2013, est crédité d’avoir amené le groupe dans certaines de ces directions plus sauvages, mais dans l’ensemble, Red Fang se comporte toujours comme s’il était le lointain cousin de la côte ouest du boom du Georgia metal du milieu des années 2000 (pensez à Mastodon, Kylesa). En effet, le groupe de Portland, qui s’attaque au métal du 21ème siècle à mains nues, est très percutant. Prenez le stomp-out particulièrement hargneux éMy Disasteé », ou éRabbits in Hivesé, un pétard à gains avec un riff de refrain à tête de lâche exquis. éAnondyneé, quant à lui, est une version plus mordante du rock des Queens of the Stone Age, un amalgame de glam et de sludge.

Le rebondissement le plus étrange d’Arrows est également sa plus brève interruption. « Interop-Mod » est une aberration à base de flanger et de sable, avec quelques écorchures ambiantes à la guitare qui s’élèvent au-dessus de quelques fills de batterie de John Sherman, membre du groupe. Inessentiel, peut-être, mais cet interlude d’une minute est finalement un nettoyage de palette inoffensif avant l’impressionnant « Fonzi Schem » ». Le riff d’introduction de ce morceau est puissant, la poussée des haut-parleurs de Red Fang est capable de renverser deux bons hectares de vieux pins de l’Oregon. Le morceau devient plus capiteux lorsqu’une guitare déformée par la distorsion et le retard fait place à un arrangement de cordes classique de la violoniste Kyleen King et de la violoniste Patti King. Symphonique et rocailleux, c’est l’un des morceaux les plus marquants d’Arrows. Vieux et gris, certes, mais pas du tout fatigué.

***1/2

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Guided By Voices: « Earth Man Blues »

29 mai 2021

Le 33° album de Guided By Voices, Earth Man Blues, est l’un des disques les plus synchronisés que les membres Pollard, Gillard, Bare Jr, Shue et March aient sorti ensemble. Pour ceux qui ne sont pas aussi familiers avec le groupe, vous pourriez vous demander comment cela est possible puisque tant de groupes ont été mis à l’écart de leurs compagnons depuis plus d’un an maintenant. Pour beaucoup d’artistes, l’arrêt de la pandémie a paralysé leurs activités normales d’écriture, d’enregistrement et de collaboration, mais pour GBV, c’est comme d’habitude ! Pollard a un CV rempli d’albums qui ont été créés avec des contributeurs dans différents états et Earth Man Blues n’est pas différent.

La façon dont nous en sommes arrivés là n’est pas aussi importante que les transitions fantastiques de Earth Man Blues, les changements internes de chansons, l’expérimentation sans peur, les accroches accrocheuses et suffisamment de riffs durs pour occuper votre meilleure air guitar. L’album se déchaîne avec une liberté qui n’était pas aussi évidente sur certains des albums plus récents de GBV avec cette formation. Ils ont tous eu une direction et un groove, mais EMB bouge rapidement et sort parfois du champ gauche avec une injection spectaculaire de rock Pollard. C’est le morceau auquel les fans de longue date et les nouveaux fans s’identifieront et diront qu’il s’agit du meilleur album depuis Alien Lanes. On ne pourra pas formular la même appréciation sur Earth Man Blues mais pn peut toutefois être d’accord pour dire que c’est l’un des albums les plus agréables que cette formation ait sorti et qu’il contient des transitions et des inserts qui ne lassent jamais.

Il y a de nombreux points forts sur cet opus et certains d’entre eux ont vraiment retenu motre attention. 45 secondes après le titre d’ouverture, « Man Made », le rock se transforme en orchestre et se termine par une belle accroche. Le registre vocal bas de «  The Disconnected Citizen » vous fera également remarquer que cette ballade plus légère dans l’air se termine par une fantastique harmonie superposée. « The Batman Sees The Ball » et « Trust Them Now », eux, s’orientent tous les deux vers le rock et se connectent, tandis que « Sunshine Girl Hello » et « Dirty Kid School » sont un peu plus expérimentaux et comprennent un échantillon, une reprise et le dernier donne quelques claquements de doigts musicaux comme un West Side Story des temps modernes. Le stomp new wave de « Ant Repellent », de son côté, vous fera également chanter en un rien de temps. La liste de ce type de moments peut donc continuer car ils constituent, au final, l’ingrédient spécial qui fait briller Earth Man Blues.

Il y a beaucoup de choses à aimer sur cet album donc et, étant donné le large catalogue de GBV, ce sera un disque difficile à oublier lorsque le prochain projet sortira. C’est la clé, car, si on aime la nouvelle musique, elle a toujours de l’éclat, même, et cela arrive souvent, quand le battage initial d’un album s’estompe lorsque le « prochain » grand album du moment est lancé. C’est en cela que Earth Man Blues réussit ; son exécution aérée et mémorable vous fera le réécouter tant il y a à chaque fois quelque chose de nouveau et de différent qui vous ramène à l’excitation initiale. C’est une victoire, car Guided By Voices est verrouillé et créatif, et peu importe ce qu’ils sortiront ensuite (et nous savons qu’ils le feront), Earth Man Blues sera une référence pour les années à venir.

***1/2

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Lord Huron: « Long Lost »

29 mai 2021

Être critique musical c’est pouvoir écrire avec ferveur et conviction sur tout ce qui touche profondément, mais c’est aussi être capable de tempérer cet enthousiasme pour tenir compte de toutes les choses qui diminuent naturellement l’impact d’un album avec le temps. Pour nous, la musique a toujours été liée au moment présent : la valeur d’un album ne réside pas dans ses prouesses instrumentales, mais dans l’investissement émotionnel qu’il suscite. Quand on regarde ses albums préférés, ils sont le produit de souvenirs à la fois déchirants et joyeux que chacun pourra emporter jusqu’à son lit de mort. Peu importe qu’il s’agisse de métal complexe/progressif ou de pop-punk simplement accrocheur, si on peut y associer un souvenir essentiel qu’aucun autre morceau de musique ne peut revendiquer, alors il s’est taillé une place permanente dans notre cœur. Quand on regarde en arrière et que j’additionne ses expériences, elles sont nombreuses : la preuve d’une vie avec de nombreux hauts et bas que l’on peut feuilleter comme un album photo en cliquant simplement sur « play ».

Long Lost pourrait bien êtrela dernière photo de cet album, une image légèrement décolorée par le soleil associée à d’autres s’éclipsant de notre tourne-disque presque constamment le week-end.Plus jeune, on avait l’habitude de définir la vie par ses plus grands moments ; maintenant, on trouve du réconfort dans le quotidien. Dans cette veine, Long Lost va être un autre album de ces albums qui tournera en boucle les week-ends… c’est chose indéniable. C’est en partie parce que certains partagent une affinité pour le folk mélodique, et aussi parce que le nouveau Iosonouncane n’est pas exactement propice à des journées placides. Aujourd’hui, la musique ne se limite plus à soi, mais plus à vouloir partager un album avec son entourage et à le regarder avec tendresse. Après tout, il n’y a qu’un nombre limité de souvenirs que l’on peut se forger seul dans sa voiture, ou confiné au PC de sa cave à jouer quelque chose de sombre/dissonant/profane pendant que la vie continue savec ou sans vous.

Le dernier album de Lord Huron est tout le contraire de cela. Ce n’est pas seulement leur meilleur album (oui, encore meilleur que « Lonesome Dreams) », mais aussi le plus riche et le plus absorbant sur le plan émotionnel. Les guitares acoustiques scintillent comme des diamants à la surface d’un lac tranquille, tandis que les couplets mélodiques de Ben Schneider font écho à un mélange magique de nostalgie et de romance. Au milieu de toute cette beauté, des cordes passionnées se mêlent à chaque note comme une brise légère qui s’empare de ses mots et les emporte dans les airs. Long Lost possède la beauté terrestre de Helplessness Blues de Fleet Foxes, mais elle est encore plus sereine – la campagne ouverte aux forêts brevetées de Pecknold. Dans ces plaines, Schneider alterne entre la contemplation de chaque brin d’herbe et le fait de baisser la tête, de tout laisser tomber, et de simplement abandonner son âme au dôme bleu qui l’entoure.

D’un point de vue atmosphérique, Long Lost incarne le genre de beauté à couper le souffle que nous avons tendance à percevoir comme commune (en partie grâce aux pionniers du genre qui, il y a des décennies, ont établi le son dans le courant dominant) ; pourtant, on peut compter sur une main le nombre d’artistes contemporains qui écrivent un folk aussi esthétiquement magnifique et simultanément mémorable que Lord Huron. On ne peut qu’être complètement conquis par cet album, qui s’est immédiatement imprimé dans l’esprit lors de la première écoute, entouré d’une fdans l’environnement le plus agréable qui soit comme pour nous tirer de ce beau rêve qu’est le déroulement de cet album.

« Drops in the Lake »est, à cet égard, un titre dont on adore chaque moment – tout comme la teneur hilarante et désynchronisée d’un morcea comme eMine Forever ». En ces momenst, tout semble baigner dans cette brume surréaliste. Tout brille dans la lumière du matin, et notre esprit est en ébullition. « Where Did The Time Go » fait ainsi écho à nos propres pensées » « C’était délicieux / Puisses-tu rire et chanter toute ta vie / Puisses-tu apprendre les raisons pour lesquelles / Puisses-tu vivre jusqu’à ta mort. »( It’s been delightful / May you laugh and sing your life full / May you learn the reasons why / May you live until you die) Le moment est si parfait qu’il peut donner presque envie de pleurer.

Peut-être que la musique ne devrait pas être aussi importante. Mais elle l’est. On ne peut pas écrire sur la musique sans être proche et personnel, et la vie est dépourvue de couleur sans la musique pour la remplir. C’est la raison pour laquelle Long Lost est vecteur de t’ant d’inspiration (et d’aspirations) ; c’est un album si étonnant à tous égards que mon esprit ne peut s’empêcher de dériver vers toutes les choses qui comptent le plus pour moi. Il n’y a pas si longtemps, la musique était un canot de sauvetage pour me délivrer de la solitude et de la dépression ; aujourd’hui, elle est une représentation de tout ce qui est à sa place – la preuve que les choses s’améliorent, la preuve que la vie s’arrange, et la preuve qu’on peut être une personne suffisamment chanceuse pour sortir de son introversion paralysante et trouver accidentellement le bonheur. L’avant-dernière chanson « What Do It Mean » chante alors telle une sérénade en fond sonore, et ses mots flottent dans les oreilles et le cerveau : « Toute la joie que j’ai connue / Les façons dont j’ai grandi / Les amours auxquels j’ai montré mon cœur / Je vais me ressaisir et vivre pour toujours » (All of the joy I’ve known / The ways I’ve grown / The loves I’ve shown my heart to / I’m going to get it together and live forevеr). Long Lost nous parle d’une manière presque intangible dès le moment qui s’appelrait la « première fois » et où, maintenant, plus on s‘attarde sur les paroles et les thèmes de l’album, plus on se rend compte, ou on fantasme, qu’il a été écrit pour nous – maintenant, dans ce moment précis de bonheur que l’on n’oublieracertainement jamais – même s’il provient de la banalité de son chez soi. Les quatorze minutes de cette magnifique ambiance qu’est « Time’s Blur » viennent de commencer, et la seule chose que l’on peut penser à dire maintenant est la suivante : la vie est courte – aime ce que tu aimes. Pour nous, Long Lost sera le rappel constant de faire exactement ce que nous dictent ces émois.

****1/2

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Bruit ≤: « The Machine Is Burning And Now Everyone Knows It Could Happen Again »

26 mai 2021

Les meilleurs albums sont ceux qui vous saisissent et refusent de vous lâcher. Ils vous inspirent, vous imposent et vous transportent dans un tout autre univers de pensée. Nous avons tous des exemples de ce genre de musique, des disques qui ont changé notre vie et influencé notre façon d’interagir avec le monde. Ils offrent ces moments « Je me souviens où j’étais quand j’ai enten (sic!) Bruii ≤ menacent de faire avec leur premier album, sorti aujourd’hui.

C’est un groupe qui a depuis longtemps jeté le livre des règles au feu, bien décidé à construire une musique qui défie non seulement ses propres capacités en tant que musiciens, mais qui offre à l’auditeur une expérience d’écoute unique. Dire qu’ils ont réussi est probablement l’euphémisme du XXIe siècle, car ce qu’ils ont créé n’est rien de moins que révolutionnaire.

The Machine Is Burning And Now Everyone Knows It Could Happen Again est un exemple rare d’humanité réalisant quelque chose de supérieur à la norme, dépassant ce qui est sûrement possible dans un style emphatique. Ce LP à quatre pistes, dont chaque section dure en moyenne neuf minutes, ne s’impose aucune limite et se transforme en une cacophonie de styles musicaux bien ficelés. Il commence par Industry, qui passe progressivement du calme ambiant à un rythme de trap électronique, avant de s’élancer dans une composition classique et un dialogue francophone. Voici un album qui fait tout à la fois, conçu par un groupe qui comprend non seulement comment consolider des fréquences et des sons, mais aussi comment fusionner des sons juxtaposés sans que les coutures ne soient exposées.

Le disque est sans faille, attirant constamment notre esprit d’une direction à une autre et remettant en question notre compréhension de ce qu’est la musique. Lorsque nous entrons dans le deuxième morceau Renaissance, nous sommes à nouveau exposés à l’équilibre et au contrôle de la musicalité classique, avant que le morceau ne se transforme en un autre morceau de musique dynamique et complexe. Bruit ≤ parlent de leur objectif de construire des « murs de son » et c’est à peu près tout. C’est presque trop beau pour être vrai. Comment un groupe peut-il faire autant et sonner de façon si fluide ? Comment l’électronique contemporaine fonctionne-t-elle si magnifiquement sur une toile de fond néo-classique ? Comment cet album peut-il s’améliorer sans cesse ? 

Ce sont toutes des questions qui n’ont pas nécessairement besoin de réponse. Le fait est que le groupe a créé quelque chose que nous n’avons pas besoin de comprendre. Nous pouvons laisser derrière nous la tentation d’essayer de trop le disséquer, et ne pas nous soucier d’essayer de le comparer à d’autres albums et groupes. Il n’y a pas de bonne réponse. Comme Amazing Old Tree continue de le montrer, Bruit ≤ ont fabriqué quelque chose que probablement eux seuls peuvent faire. C’est leur son, et il mérite d’être considéré comme tel. À son plus puissant, il peut totalement remplir nos poitrines d’un sentiment de grandeur écrasante, et pourtant, à d’autres moments, il est si délicatement équilibré.

Alors que nous entrons dans le morceau final « The Machine Is Burning », il est difficile de croire que Bruit ≤ puisse se mettre en scène. Et pourtant, ils l’ont fait. Ce morceau est probablement les douze meilleures minutes de musique que vous entendrez jamais. C’est finalement un crescendo de bruit brillant. Alors que la splendeur orchestrale ouvre le morceau, elle s’épanouit et enfle, menant à un final qui ne vous laissera rien de moins qu’abasourdi. C’est une musique de très haut niveau. Cet ensemble discret de musiciens toulousains a créé ici quelque chose dont on parlera et qu’on vénérera pendant longtemps. Cet album est le début de quelque chose de spécial. La musique change aujourd’hui.

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black midi: « Cavalcade »

25 mai 2021

Pour tous ceux qui ont découvert Schlagenheim, le premier album abrasif et tentaculaire de black midi, vous savez déjà que le groupe londonien n’est pas du genre à rester en place ou à se répéter. Le combo s’est, en effet, rapidement lassé de la musique de son premier album et il s’est également fatigué de l’étiquette d’improvisation qui lui a été collée. Au cours de leurs premières années, ils se sont délectés de la spontanéité des jams en live et dans leur salle de répétition, mais au bout d’un certain temps, et en particulier pendant les concerts, ils se sont retrouvés dans des voies sonores éprouvées.

Ils ont vite compris qu’il n’y a pas d’improvisation si l’on refait ses propres pas chaque soir. En cultivant les facettes de leur deuxième sortie, le groupe) a pris la décision de générer des idées indépendamment, en vue de se réunir pour planifier méticuleusement ce qui allait devenir Cavalcade avec l’accent sur une structure de chanson définie mais également avec un penchant pour l’expérimentation.

Ne nous méprenons pas ici, ce n’est pas parce que Cavalcade n’a pas été improvisé ou inventé sur place que le dernier opus de black midi n’est pas un voyage étrange et abstrait à travers des paysages sonores toujours changeants et une soif de bruit acerbe et de calme troublant. C’est exactement cela. Le trio composé de Geordie Greep (chant/guitare), Cameron Picton (basse/chant/synthés/échantillons) et Morgan Simpson (batterie) a été rejoint par Kaidi Akinnibi (saxophone), Seth Evans (claviers) et Jerksin Fendrix (violon), qui ont tous contribué à élargir leur palette sonore déjà aventureuse à d’autres saveurs aléatoires. Le groupe a consciemment voulu élargir la gamme de sons sur son nouvel opus, Morgan déclarant : « Le premier album était assez étroit sur le plan des sons. Nous voulions vraiment élargir la gamme de sons et de couleurs. Non content d’avoir ajouté des cuivres et des cordes, black midi a également introduit le piano, le violoncelle, la flûte, un instrument du 19ème siècle appelé marxophone, des bouzoukis et… un wok, qu’ils ont utilisé en conjonction avec un archet de violon.

Cavalcade est un ldisque qui se tord et se contorsionne avec une tendance malléable, un moment une chanson peut être une éruption gonflante et furieuse de noise rock, avant de plonger dans le quasi néant et de revenir. Avec l’inclusion de cuivres et de cordes combinés aux voix de Greep et Picton, l’album prend par moments un aspect théâtral, avec des fioritures dramatiques pirouettant entre le chaos et le calme. Il est intéressant de noter que pour un groupe qui est devenu blasé de faire des choses à l’improviste, une grande partie de leur dernier opus sonne exactement comme ça, ce qui, je suppose, fait partie de l’ADN de la formation. Sur le plan des textes, c’est comme si un flot de conscience s’échappait de la bouche des chanteurs interchangeables, Greep proclamant, de manière plutôt prophétique, « il n’y a pas d’échappatoire à ce vacarme infernal » (there’s no escape from this infernal din) pendant les excentricités math-rock de « John L ». Sur « Marlene Dietrich », une chanson qui partage le même nom que l’actrice américaine d’origine allemande, le même chanteur déclare « notre reine à la voix douce pisse sur la scène » (our soft spoken queen takes a piss on the stage) au cours d’une élégante concoction qui ressemble à de la pop lounge des années 60. Pendant le tremblement complexe et menaçant de « Slow », un morceau qui passe de la guitare et de la batterie à du jazz lfree-form, puis à un silence presque absolu, Picton murmure « chercher/continuer à chercher/lentement il se faufile/lentement il meurt » (searching/still searching/slowly it creeps/slowly it dies) tandis que les bourrasques de saxophone renforcent le sentiment d’anxiété.

Pour leur nouvel album, black midi ont l’air d’un ensemblequi a trouvé un passe-partout pour déverrouiller toutes les possibilités infinies de la musique. Il s’agit d’une expérience intense, qui donne des frissons au cerveau et qui a été créée par un groupe qui se moque de l’idée de frontières et d’attentes.

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Zeuk: « Crow Spanner

25 mai 2021

Zeuk, alias Marc Roberts, troubadour psychédélique basé à Cardiff, a poursuivi un chemin artistique toujours curieux et créatif depuis la sortie de son premier album,, Zeuk,, en 2013 . Il s’agissait d’un mo opus glorieux, intime et très personnel d’acid folk peint dans des couleurs sauvages et romantiques et orné d’images d’hippocampes et d’améthystes, Zeuk était magnifiquement hors du temps et du lieu, et il a été accueilli avec vénération par ceux qui ont rencontré ses charmes. Depuis, il y a eu le projet spectaculaire et théâtral Starlings Planet, qui a injecté une sensibilité gothique dans un mélange agréablement dérangé de Peter Hamill et d’electronica vintage, ainsi que I See Horses, un deuxième effort ambitieux qui a vu un album entier de matériel mixé (par Melmoth The Wanderer) en une seule suite composite avec un grand succès. La capacité de Roberts à canaliser un certain nombre d’influences dans un ensemble cohérent et engageant, tout en sonnant tout à fait différent de n’importe qui d’autre, est une caractéristique qui rapporte et récompense à plusieurs reprises. Sa voix distinctive, immédiatement identifiable, peut évoquer un drame authentique, tout en étant aussi à l’aise pour chuchoter des secrets étouffés. C’est cet ensemble de compétences, parfois ludiques, souvent troublantes, et cette approche singulière qui confèrent au nouvel album, Crow Spanner,, une allure véritablement excitante et addictive. La variété bienvenue de sons, de styles et de croisements de genres est présente, mais tout cela reste résolument Zeuk. L’album a donc un point commun et un flux distinctif, tout en offrant une sorte de visite magique et mystérieuse, avec une imprévisibilité agréable et de nouveaux plaisirs étranges à chaque coin ou tournant.

Un dialogue répété de « thank you and goodbye » donne une ouverture excentrique et engageante, avant de se dissoudre rapidement dans les rythmes électroniques et les éclats de guitare new wave de « Crow Time » ». Rappelant à la fois Current 93 et Wire (comment réussit-il cette combinaison improbable ?), le mantra répété du titre de la chanson et l’étrangeté de l’écho et de la réverbération sont immédiatement envoûtants et intrigants, nous invitant à descendre dans le terrier du lapin personnel de Zeuk. « If I Were A Clock adopte également une approche stridente sur  » »Chairs Missing « , avec une boîte à rythmes et une attaque de guitare lo-fi et dépouillée, mais le morceau sonne toujours aussi énorme, dramatique et stratifié. Des rugissements et des hurlements étranges et à rebours imprègnent l’arrière-plan ; avec Zeuk, ces détails sont placés de manière experte pour un maximum d’étrangeté, projetant des ombres et des formes inhabituelles. I »’m Mad As Hell » tisse un motif de clavecin/sitar dans le style de Ipcress File sur une électronique et des cordes frémissantes, le protagoniste proclamant qu’il est fou à lier et qu’il n’en peut plus(, tandis qu’unchant de castrat façon Klaus Nomi s’harmonise derrière. Inquiétant et excitant, il y a peu de choses qui sonnent comme ça. Si l’acid folk de la fin des années 60 et du début des années 70 prenait des formes de chansons et des genres reconnus (comme le folk ou le folk rock) et les tordait de manière lysergique avec ses propres sensibilités et valeurs, ceci est un équivalent moderne, et c’est glorieusement inventif.

À partir de cela, «  Tides » nous ramène au monde de la psycho-folk, et à un Zeuk particulièrement nostalgique et croisé. Une belle tristesse plane sur la chanson, mettant en vedette Roberts et sa guitare accompagnés de percussions discrètes ; le résultat est calmement et doucement puissant dans son attraction émotionnelle. « A Northern Shining » suit le même chemin, mais avec un sourire plus espiègle à la Syd Barrett, tandis que  » « Doppelganger » prend une autre direction, ajoutant une touche électronique infusée de dub et une basse Jah Wobble à une tranche gothique effrayante d’expérimentalisme, plus proche de « Metal Box » de PIL que de The Incredible String Band. Cependant, nous sommes ensuite ramenés dans les prairies d’été pour l’exquise et folklorique « One Way Ticket (Oh Man !) », une agréable torsion entre différents paysages. Ce sont les nombreuses facettes de Zeuk, qui reçoivent toutes l’attention qu’elles méritent. Ensuite, « I Am A Cloud (Oh Yes) ! » est une œuvre insistante et urgente d’electronica vintage, avec un soupçon de Bauhaus dans le sang, et « Webs » » une comptine délicate et tordue, remplie d’enregistrements de terrain, de chants d’oiseaux et d’éclats subtils de mellotron. « Twilight of Ice » entrera dans le domaine de l’ambient, avec des synthés à la dérive, des échos de guitare à retardement et une voix d’enfant qui entonne impassiblement à travers les étoiles, dans les vastes cieux. Imposant et d’une beauté chaleureuse, ce morceau démontre encore un autre attribut ou une autre facette de l’univers singulier de Zeuk, et il est le bienvenu. La dernière chanson, «  Looking for Huxley « , est un morceau vintage de psychédélisme parfait, une chanson folk de chambre mélancolique qui combine fantaisie et mélancolie séduisante pour constituer un point culminant de l’album.

Crow Spanner est donc une mosaïque ou une tapisserie en technicolor d’étrangeté, de tristesse, de joie et d’étrangeté, un collage de couleurs à la fois enivrant et constamment captivant ; ces chansons vous collent à la peau et se logent dans vos pensées et votre imagination. Bien qu’elles puissent présenter une armoire à curiosités, elles sont également très mélodiques, Zeuk ayant une oreille attentive pour les harmonies et les accroches. Ils sont également émouvants ; parfois, la chaleur et l’honnêteté des enregistrements peuvent ressembler à une conversation intime entre Roberts et l’auditeur. Tout à fait unique et hautement recommandé.tant chaque maisonnée a besoin des bricolages addictifs d’une clé à molette (crow spanner).

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Publié par rockdecibels

Dinosaur Jr.: « Sweep It Into Space »

24 mai 2021

Les parrains du rock alternatif fuzz sont de retour avec douze nouvelles chansons sur un album qui ravira les fans de longue date et incitera les nouveaux auditeurs à se précipiter sur l’imposant catalogue de Dinosaur Jr.

Dinosaur Jr. s’est formé dans le Massachusetts en 1984 en tant que groupe à trois, composé de J Mascis (guitare/voix), Lou Barlow (basse/voix) et Murph (batterie). Ils ont réalisé certains des albums de rock alternatif les plus influents de la fin des années 80 et du début des années 90, tels que Your Living All Over Me, Bug et Green Mind, avant que des tensions ne conduisent au départ de Murph puis de Barlow. Barlow a formé Sebado, et Mascis a continué avec quelques albums de grandes marques jusqu’à la dissolution du groupe en 1997. Le trio original s’est reformé en 2005 pour des apparitions à la télévision et une tournée, puis a enregistré son album de retour triomphal Beyond en 2007. Depuis, le second souffle de Dinosaur Jr  « chchote » droit et vrai.

Sweep It Into Space a été enregistré en 2019, après que le groupe ait terminé sa tournée, et les douze chansons ont un indéniable côté de concordance de leurs éléments. Le groupe a fait appel à l’auteur-compositeur-interprète Kurt Vile comme coproducteur, et il apporte un style plus soigné à la production de l’album.

Le disque s’ouvre sur « I Ain’t », dans lequel Mascis confesse être au mieux quand il est en compagnie. Dès le départ, Sweep It Into Space est ainsi composé de compositions mélancoliques, un terrain familier pour Dinosaur Jr. Mascis s’abstient de ses solos de guitare caractéristiques sur « I Ain’t », laissant les mélodies et les accords de guitare prendre le dessus. Cependant, la majorité de l’album trouvera Mascis dans une forme excellente et souvent féroce. Sur « I Meet The Stones », son solo se pavane et rugit sur la batterie de Murph qui martèle etsSur le morceau presque pop-rock « And Me », Mascis pose un autre solo foudroyant qui ne peut être que de lui. Alors que Kurt Vile jouera d’innombrables plans tout au long de « I Ran Away », laissant Mascis faire un solo pour le dernier tiers de la chanson.

Comme cela semble être le cas sur les albums récents de Dinosaur Jr., Lou Barlow prend les fonctions de chanteur principal sur deux compositions:la chanson de clôture, maladroite et soft rock « You Wonder » et le « single » hymnique « Garden » récemment sorti. Un C’est un titre qui parle de revenir à l’essentiel et de se concentrer sur ce qui compte vraiment et, à cet égard, Il est facile d’imaginer que si « Garden » était sorti au milieu des années 90, il aurait été un énorme tube alternatif.

Il y aura aussi une surprise très inattendue et étrangement agréable dans le rebondissement du clavier mellotron de « Take It Back » où Dinosaur Jr. y fait presquedu reggae. Sweep It Into Space est un album solide de Dinosaur Jr. Il y a quelques surprises, surtout agréables, malheureusement il n’est pas aussi punk et brut que les albums précédents, mais il a toujours la fantastique signature sonore criarde du combo.

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Publié par rockdecibels

Jess And The Ancient Ones: « Vertigo »

24 mai 2021

Lorsque l’on parle de rock occulte, le nom du groupe finlandais Jess And The Ancient Ones en est un exemple flagrant. Le combo s’est, en effet, fait un nom en l’exécutant d’une manière qui semble tout droit sortie de la fin des années soixante. Leur précédent album, The Horse & Other Weird Tales, a reçu de nombreux éloges et est rapidement devenu un incontournable de leur catalogue. Ils reviennent aujourd’hui avec Vertigo, le frère autoproclamé de son prédécesseur.

En ouverture de l’album, « Burning Of The Velvet Fires » signale instantanément ce que le groupe a mentionné, à savoir que Vertigo est relatif à The Horse & Other Weird Tales. Il est teinté d’un soupçon de nostalgie de ce qu’ils nous ont servi il y a quatre ans, les riffs et le jeu d’orgue offrant des couches rythmiques excitantes pour que la voix de Jess enivre les auditeurs.

Cette ambiance se poursuit tout au long de l’album, mais sur une note plus profonde et plus sombre par rapport à ce que nous avons l’habitude d’entendre d’eux. Alors que l’orgue est toujours une caractéristique importante, la façon dont Jess travaille avec les sous-entendus chargés de doom que l’on entend dans des morceaux tels que « What’s On Your Mind », apporte ce sentiment sinistre au premier plan de leur son global.

Un effet similaire est entendu dans l’un des « singles » du groupe sortis précédemment, « Love Zombi ». Il y a des notes qui entourent la chanson d’une manière qui conviendrait bien à un film d’horreur des années 70/80. C’est là, une fois de plus, que l’orgue est remarqué comme une caractéristique dominante de la musique, et il ajoute des couches qui constituent cette relation sans effort. Le fait de mettre l’orgue en avant de temps en temps a permis aux chansons d’avoir un peu plus d’impact, contrairement aux albums précédents où il l’emportait parfois sur tout le reste.

La voix de Jess a le don de séduire les auditeurs, et que ce soit ou non parce que les sons dominants ont été légèrement réduits, elle a vraiment eu l’occasion de prendre les choses en main. Sa voix, bien que distincte et immédiatement reconnaissable, a une certaine force sur Vertigo qui devient plus exigeante à entendre à mesure que l’album progresse. Dans le dernier morceau, « Strange Earth Illusion », vous êtes complètement perdu pour elle.

Bien sûr, la voix de Jess n’est pas la seule chose pour laquelle vous êtes tombé amoureux au final. Ce sont les transitions entre des mélodies blues époustouflantes et des riffs à nouveau teintés d’épaisses tonalités doom. Malgré sa longueur de plus de 11 minutes, la façon dont il a été produit et assemblé ne laisse aucune place à l’ennui, seulement à la curiosité de savoir où se trouve le prochain tournant. Entre le chant puissant de Jess et les sons qui créent des frissons sinistres, c’est une façon épique de terminer le voyage dans lequel Vertigo nous a emmenés.

Vertigo, c’est Jess And The Ancient Ones à son meilleur. Le groupe nous a offert à la fois son côté lumineux et son côté plus sombre, et bien que leur son soit similaire, la façon dont ils ont défini leur mode et leur ton général est impressionnante. Il rappelle son prédécesseur, comme le groupe l’a déclaré avant sa sortie, c’est comme son  » frère « , et bien qu’il le soit clairement, c’est plutôt le jumeau maléfique de The Horse & Other Weird Tales. Le groupe a toujours eu un sentiment de fraîcheur, bien qu’il ait pris des influences d’il y a des décennies, et Vertigo a, une fois de plus, exactement cela. Le rock occulte est né pour des groupes comme Jess And The Ancient Ones.

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Publié par rockdecibels

Perturbator: « Lustful Sacraments »

23 mai 2021

« C’est un album sur les mauvaises habitudes, l’insatisfaction et la dépendance. Un regard global sur la façon dont nous, en tant qu’espèce, penchons vers l’autodestruction ».Voilà ce qu’a déclaré James Kent, alias Perturbator, artiste de synthwave, à propos de sa nouvelle sortie Lustful Sacraments, un album qui marque une nouvelle maturation et une évolution musicale de ses chansons sombres et inquiétantes, fusionnant le sous-genre électronique avec des éléments gothiques, post-punk et industriels.

L’instrumental « Reaching Xanadu » sonne à la fois comme un présage et un triomphe, contribuant à donner le ton de ce qui suit, y compris la chanson titre, un numéro gothique propulsif dans la veine de The Sisters of Mercy.

« Excess » monte d’un cran : il prend de l’ampleur au fil du temps, avec des voix aboyées qui se fondent dans des guitares qui carillonnent et des synthés qui ricochent. C’est un son évocateur qui évoque une poursuite en voiture dans un futur proche à la Blade Runner tandis que « Secret Devotion (featuring True Body) » se voudra êtreun charmeur à combustion lente, avec un rythme élastique et des vocaux plaintifs. C’est un hymne new wave qui induit une transe et qui est aussi le moment le plus pop de l’album.

« Death of the Soul », en revanche, est le morceau le plus agressif de l’album, avec un riff de synthétiseurfaçon Krautrock déformé et une rythmique impitoyable. Son motif industriel austère rappelle les débuts de Nine Inch Nails et des groupes comme Nitzer Ebb et Front 242, profondément cinématographique dans son ambiance à la noirceur évocatrice.

« The Other Place », un superbe bijou scintillant, sinistre et grandiose, avec une ligne de synthé serpentine et une basse souterraine qui chatouillera d’oreille sera implacable, et pourrait être parfait pour un film d’horreur ou sur une piste de danse.

« Kent » descendra d’un cran sur les derniers morceaux de Lustful Sacraments, offrant des textures ambiantes gothiques sur le titre appropriéqu’est « Dethroned Under A Funeral Haze », une mélancolie hypnotique redevable à The Cure avec son nid de sonorités superposées.

La dernière piste procurera un autre étourdissement discre en démarrant avec ce qui ressemble au thème d’Halloween s’il était enregistré sous l’eau, avant de se transformer en vagues sonores immersives et océaniques. Lustful Sacraments est, au final, une toile sonore appropriée aux sombres ruminations de Kent, et constitue une écoute appropriée dans notre présent dystopique. C’est un album endeuillé, mais apaisant, un voyage sonore et spectral pour ceux qui cherchent à se ressourcer en une musique où la darkwave crée des paysages sonores inquiétants et chargés de riffs.

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Publié par rockdecibels

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