Lisa Gerrard & Jules Maxwell: « Burn »

11 mai 2021

Jules Maxwell a rejoint le groupe de tournée Dead Can Dance en tant que claviériste il y a quelques années, lorsque le groupe faisait son retour avec Anastasis (2012). Il semble que leur travail ensemble ait allumé les étincelles créatives qui ont conduit à cette collaboration de jeu prolongé. 

Lisa Gerrard a travaillé avec de nombreux musiciens au fil des ans, mais les sept titres de cet album voient les idées de Gerrard et de Maxwell coalescer et s’entremêler en un magnifique ensemble envoûtant. Les aspirations du duo pour cet album semblent être très étroitement alignées et chacun complète et amplifie intuitivement ce que l’autre fait pour un effet maximal.

Burn nous aborde avec un air de mystère, offrant des morceaux qui sont une chimère d’influences exotiques. De l’électronique ambiante, de la musique folklorique du monde entier, avec un accent particulier sur les sons du Moyen-Orient, des opéras gothiques et des moments orchestraux joyeusement bouleversants sont mélangés et tissés les uns aux autres pour créer le tissu richement texturé de cet album. Une esthétique profonde et presque spirituelle guide cet album alors qu’ils commencent à travailler des notions de musique de transe dans ces airs. 

Le duo utilise une multitude de références culturelles comme point de départ mais semble synthétiser ces influences en quelque chose qui sonne étrangement nouveau et quelque peu étranger. Burn crée un espace de réflexion dans lequel les auditeurs peuvent s’immerger et méditer sur les sons les plus rêvés. 

Officiellement sexagénaire cette année, la voix de Gerrard est aussi puissante et séduisante qu’elle l’a toujours été. En ces temps incertains, c’est rassurant pour les fans de la vieille école Dead Can Dance. Burn est aussi essentiel que n’importe quelle autre chanson du répertoire unique de Gerrard.

***1/2


Natura Est: « Real Seasons »

11 mai 2021

Natura Est était un nouveau projet ; celui de deux visages bien connus de la scène électronique et industrielle, le britannique Tony Young d’Autoclav1.1 et Andreas Davids d’Allemagne, connu pour Xotox. Ont mis leurs talents au service d’une trajectoire dark ambient explorant les thèmes de la nature et de la vie sur notre planète. Compte tenu des compositeurs, on peut s’attendre à ce que le matériel soit d’un niveau élevé et c’est le cas.

Les sons et les textures sont chauds, pleins et sains dans les basses fréquences. Le mouvement est assuré par des changements de tonalité plutôt que par un quelconque support rythmique, comme les sons produits par le vent et l’océan, éléments naturels qui évoluent naturellement avec le temps. Les résultats sont donc réconfortants et contemplatifs. Même s’il y a des éléments abrasifs dans le champ sonore, ils reflètent leurs contreparties dans la nature et me suggèrent qu’ils doivent être acceptés comme faisant partie d’un tout inébranlable, éternel et nécessaire. Leur premier album éponyme contienait 5 titres et dait environ 40 minutes était idéal car beaucoup de matériel de ce genre peouvait ainsi atteindre des durées difficiles à consommer en une seule fois, il était ainsi concis mais expansiff, rappelant les moments plus ambiants des premiers albums de Delirium mélangés à la dynamique de quelque chose comme Sleep Research Facility.

Sur Natura Est, Tony Young (Autoclav 1.1) et Andreas Davids (Xotox), poursuivaient leur voyage dans les profondeurs d’un dark ambient envoûtant, aux couches denses et aux atmosphères brumeuses.

Real Seasons, troisième opus du duo, est doté d’effluves vénéneux, traversé par des vocaux lyriques en arrière-plan, conférant à l’ensemble une aura de mystère.

Natura Est nous invite à un sabbat de sorcières et de magiciens, revêtant leurs costumes de ténèbres pour affronter les affres d’un macrocosme tourmenté par les assauts d’une humanité dépravée.

L’album est déchiré entre des forces souterraines et célestes, luttant pour attirer l’autre dans son camp, une lutte charnelle chargée d’énergies flottantes et de glissements venteux entre les strates d’une terre retournée par l’immobilisme. Captivant et, par conséquent, recommandé.

***1/2


Beatriz Ferreyra: « Canto+ »

11 mai 2021

On a entendu la musique de Beatriz Ferreyra pour la première fois au début ou au milieu des années 2000, à l’occasion d’un traveil avec l’équipe de commissaires de Liquid Architecture. Étant donné l’orientation du festival à l’époque, le GRM et la musique concrète en général constituaient un point de mire.

Cela dit, ce n’est qu’au cours de la présente décennie que son oeuvre a fait l’objet d’une attention particulière qui a permis de rendre compte de son incroyable concentration et de la vision qu’elle maintenues tout au long de sa vie sonore.

Beatriz Ferreyra est l’une des rares compositrices concrètes qui ont été actives de la seconde moitié du XXe siècle à nos jours. Son travail, qui est toujours en cours de recherche, est à la fois complexe et d’une élégante simplicité.

S’appuyant souvent sur des objets singuliers, Ferreyra utilise des bandes magnétiques et d’autres formes de manipulation qui reconfigurent radicalement les matériaux sonores qu’elle a choisis, les ouvrant vers l’extérieur.

Canto+ rassemble des œuvres issues de près de 40 ans de sa vie musicale et rend hommage à ses intérêts infaillibles pour le dynamisme, le rythme, la voix et les potentiels morphiques des matériaux concrets. Deux des œuvres sont également des dédicaces à des amis proches : « Jingle Bayle’s « (à François Bayle) et « Au revoir l’Ami « (à Bernard Bashet). Cette édition reprend là où Echos+ s’arrête et nous ouvre encore davantage ses univers sonores.

***1/2


Vapour Theories: « Celestial Scuzz »

11 mai 2021

Les frères Gibbons sont de retour avec un nouvel album, mais ce ne sont probablement pas ceux auxquels vous pensez. John et son frère Michael ne viennent pas du Texas, mais de quelque part en Pennsylvanie. Lorsque les frères s’éloignent de temps en temps de leur travail à plein temps qui consiste à créer un chaos psychédélique dans le groupe culte Bardo Pond, ils n’aiment rien de plus que de créer encore plus de chaos psychédélique sous le nom de Vapour Theories. Et, à l’instar des chemtrails auxquels leur nom fait allusion, ces cinq morceaux de heavy psych qui se tiennent précairement en l’air, évoquent les retombées troposphériques empoisonnées d’un titan de l’aéronautique qui passe.

La pochette de l’album, un mur tourbillonnant de tuiles caustiques dans des ors et des verts boueux, fait référence à la face avant de E2-E4 de Manuel Gottsching, si cette fascinante déclamation krautrock avait été traînée à l’envers dans une haie hérissée. Et c’est un résumé assez juste du son incarné sur les 13 minutes d’ouverture d’ « Unoccupied Blues ». De lentes résonances de basse en écho planent tandis qu’une guitare singulièrement pragmatique égrène un solo foudroyant. Découpé à partir de milliers d’heures d’enregistrements de répétitions, c’est une première manifestation intrigante, humble et absorbante de leur esthétique floue habituelle. Toujours sur le point d’exploser, il se contente de s’éroder avec un abandon éphémère avant de se dissiper dans l’air.

Des grattements acoustiques sonores marquent le début du morceau suivant, « High Treason », tiré d’un modèle similaire, tandis que des cordes chaudement pincées fredonnent et que des rubans de bande magnétique inversée se rétroagissent sur eux-mêmes, exposant la dépendance caractéristique du duo aux riches textures prophétiques et sa dévotion à l’éternel balancement de la pédale de sustain. L’expérience qui en résulte est un continuum de l’humeur et du rythme mesuré de la première piste, s’approchant d’un état presque tantrique alors que les Gibbons travaillent à l’unisson pour fournir une couche reconstituée de souplesse physiologique mouchetée de folk.

Privilégiant une cohésion déterminée à un chahut débridé, vous abordez le reste de l’album sur une trajectoire ascendante de nirvana auditif. Par la suite, l’agitation provoquée par « Breaking Down (The Portals Of Hell) » donne à l’album une impression de densité et d’étroitesse, le bourdonnement incessant étant contrebalancé par des spasmes rythmiques de sons libres. Ses atmosphères embrassent un air de malaise pernicieux, dénué de compassion, après les propositions intimes des 20 minutes précédentes. Le shoegaze en fusion s’effrite, presque inaudible sous sa tonalité obscure, et laisse apparaître une sensibilité ambiante qui renvoie à l’œuvre de Brian Eno, un artiste qu’ils sont souvent amenés à interpréter.

Après s’être attaqués à Here Come The Warm Jets et Music’s In Every Dream Home A Heartache tout en liant dans le Bardo, ils s’attaquent ici aux possibilités mythiques de « The Big Ship », tiré de l’album solo Another Green World d’Eno (1975). Constamment utilisé pour souligner les reprises émotionnelles enflées dans les films indépendants modernes, c’est un morceau de musique aussi inextricablement lié au pathos des grands écrans que « On The Nature Of Daylight » de Max Richter. En ajoutant des couches de perturbations spontanées pour oblitérer sa base sonore reconnaissable, les frères y convergent dynamiquement en opposition, produisant collectivement quelque chose d’invinciblement fort qui conserve le sens corporel de la profondeur de l’original.

Enfin, pour conclure, il y a « Soul Encounters », un morceau économique sur le plan textuel, dont le cadre minimaliste se rompt de manière articulée au cours des deux minutes, dispersant des incantations floues dans le ciel. Combinaison animée de rock ancestral et d’ambiance démonstrative, Celestial Scuzz offre de nouvelles directions dans l’abstraction et devrait inconditionnellement éveiller la curiosité de toute personne intéressée par l’écoute profonde.

****


A Winged Victory For The Sullen: « Invisible Cities »

11 mai 2021

En 2019, après 5 ans d’une présence continuelle sur la scène ambient Dustin O’Halloran et Adam Wiltzie s’étaient manifestés, avec un troisième album The Undivided Five. Et aujourd’hui, ils sont de retour dans l’actualité, et chaque fois que ces deux messieurs décident de produire quelque chose, il faut, pour eux, réécrire le mètre étalon et le déplacer de quelques centimètres supplémentaires.

Inspirés par l’artiste Hilma af Klint pour leur précédente production, cette fois-ci la source de créativité est l’œuvre de Calvino. En effet, cet album, titré Invisible Cities, tire son nom du livre éponyme du conteur italien du XXe siècle, et constitue la bande-son d’une production théâtrale multimédia de 2019 commandée par le Manchester International Festival et mise en scène par Leo Werner, pour une représentation théâtrale de l’œuvre de Calvino.

Les Villes Invisibles, publié en 1972 fait partie de la période combinatoire de l’auteur, la fiction combinatoire prévoit que la position centrale est celle du lecteur, qui « joue » avec l’auteur, à la recherche des combinaisons interprétatives cachées dans son œuvre et son langage. Chaque chapitre est un dialogue entre Marco Polo et l’empereur tatar Kublai Khan, qui demande à Marco Polo de décrire des villes de son empire, parfois réelles, parfois imaginaires.

Dans les descriptions faites par l’explorateur, les villes représentent la complexité et le désordre de la réalité, la sensation que nous avons en lisant ce que Marco Polo raconte est que son intention est de rétablir l’ordre dans le « chaos de la réalité ». Mais ces villes sont aussi des rêves, dont les fondements sont des désirs et des peurs, dans cette réalité décrite par les mots que Calvino a inculqués à Marco Polo, le défi du lecteur est de pouvoir saisir les règles et les perspectives trompeuses de ces histoires.

Comme toujours, les chirurgiens O’Halloran et Wiltzie parviennent dans leur production à rendre le sens de ce voyage à travers des villes invisibles, réelles ou simplement construites dans nos esprits. Nous devrions faire un exercice pour entraîner notre imagination, mettre les écouteurs, lancer l’album, pas en lecture aléatoire, et marcher dans les rues de notre ville, réelle ou imaginaire.

Cet album est un crescendo d’émotions, un rideau qui s’ouvre timidement aux premières lueurs des jours de mars, il semble demander la permission de nous prendre par la main pour nous accompagner là-bas, dans ces lieux de nos villes que nous aimons mais aussi et surtout dans ceux que nous détestons. Les accords de piano et les atmosphères douces et tourbillonnantes entraînent l’auditeur dans l’exploration, les sons de l’orchestre semblent se fondre, comme liquéfiés, derrière le rideau poussiéreux, de l’hiver tout juste passé, que nous avons déplacé au début de l’album.

Dès le premier morceau, bien qu’en quête de calme, Wiltzie et O’Halloran défient l’auditeur de la même manière que Calvino défie le lecteur. Ce voyage entre les villes de Marco Polo et les nôtres commence avec « So That The City Can Begin To Exist », dont le refrain est une combinaison de piano et de synthétiseurs, parfaite, simple et linéaire, comme les premiers horizons que nous voyons dès que nous commençons à voyager. Chaque piste de cette œuvre se lie à la précédente, comme pour rappeler la structure de l’œuvre de Calvino où chaque chapitre se termine par un dialogue entre les protagonistes, ainsi chaque son se lie à un autre, composant un nouveau son qui à son tour se décompose pour créer des nuances auxquelles l’oreille ne cesse de s’habituer.

C’est comme un fil rouge qui prend l’auditeur dès la première note et le conduit jusqu’à la dernière, en passant par des scénarios qui dérangent dans « Thirteenth Century Travelogue » et qui laissent place à des visions surréalistes sur « The Celestial City ». L’électronique ne manque pas et on ne peut qu’apprécier cette inflexion car, comme pour tout voyage qui se respecte, xhaque promenade dans nos villes est faite de moments de réflexion, d’écoute et de redémarrage.

« There Is One Of Which You Never Speak » ouvre le bal avec des cordes et un piano, imaginez une longue avenue bordée d’arbres, dont vous ne voyez pas la fin, vous la longez et à chaque pas à côté de vous il y a des maisons, des magasins, des musées, des théâtres, des gymnases et des parcs, tout ce que vous aimeriez, tout ce qui pourrait faire de votre ville la vôtre, le tout accompagné par un crescendo d’électronique qui construit chaque mur de votre ville.

A Winged Victory For The Sullen est le duo dont le précédent album était un traité musical sur la notion de quinte parfaite, nous ne pouvions, ni n’imaginions, nous attendre à mieux. Leur musique rassemble drame et douceur dans chaque note, arrangement, distorsion et fusion. Accompagner une œuvre de Calvino sur une scène de théâtre est un pari à fort enjeu, mais malgré la délicatesse de l’œuvre, leur production est infaillible, presque éthérée, tout comme l’album précédent. Il serait agréable de pouvoir profiter pleinement de son intégralité dans un théâtre où les voix des protagonistes d’aujourd’hui représentent un chef-d’œuvre, d’hier certes, mais plus actuel que jamais.

****


Art d’Ecco: « In Standard Definition »

11 mai 2021

Il semble que le genre glam-rock s’éteigne lentement depuis quelques années, ce qui est bien dommage car il s’agit de l’un des domaines musicaux les plus uniques et qui offre tant de possibilités. Bien que le son ne soit plus aussi populaire qu’il l’était, le musicien et auteur-compositeur canadien Art d’Ecco a pour objectif de le revitaliser et de lui redonner sa gloire d’antan.

Il est intéressant de noter que d’Ecco n’a pas toujours été le glam-rockeur que l’on connaît aujourd’hui. À ses débuts, il avait un son soft-rock plus traditionnel. On peut l’entendre sur son album Day Fevers de 2016, mais d’Ecco a vite senti que cela ne correspondait pas au mieux à son style musical. C’est donc en 2018 qu’il a finalement décidé de secouer drastiquement les choses au niveau de son son. Se débarrassant du look standard de monsieur tout le monde, optant plutôt pour un accoutrement à la Rocky Horror Picture Show, et changeant son son pour se rapprocher de David Bowie et David Byrne, il sort Trespasser, qui est une amélioration monumentale de son précédent album.

Cela fait deux ans et demi que nous n’avons pas entendu d’Ecco chanter, mais heureusement, il est de retour et meilleur que jamais sur In Standard Definition, qui s’avère être une brillante démonstration de sa voix unique, de son talent impressionnant d’auteur-compositeur et d’instrumentaux qui sonnent transformés et purement hypnotiques.

L’album s’ouvre en fanfare avec « Desires », un morceau méticuleusement conçu qui donne parfaitement le ton aux 11 autres à venir. On retrouve des éléments de synth-pop et d’alternatif dans « Desires », tandis que le battement régulier de la batterie et la guitare ravageuse font de cette chanson une attraction immédiate. Mais l’instrument le plus puissant de la chanson – et de l’album dans son ensemble – est la voix de d’Ecco, qui est plus audacieuse que tout autre instrument réel.

In Standard Definition passe merveilleusement d’un morceau à l’autre avec une facilité et une puissance extrêmes. « TV God », la deuxièmecomposition de l’album, parle d’un personnage plus grand que nature dont il faut se méfier, décrit comme « ce visage, sur le canal » (that face, on the channel). C’est un personnage dont l’identité ne nous est pas révélée, mais c’est un puzzle intéressant à reconstituer. L’album aborde les thèmes de la célébrité et de l’obsession de la culture pop sans être trop direct. L’un des meilleurs exemples de cette approche se trouve dans la chanson titre, lorsque d’Ecco dit « Nous allons voir un film d’époque / cinéma français avec le volume éteint » (We’re turning out to an old-time movie / French cinema with the volume off).

De temps en temps, nous avons droit à quelques interludes qui nous permettent de faire une pause avec les voix fougueuses, comme « Channel 7 (Pilot Season) », qui présente un instrument de synthétiseur sinistre qui sonne d’un autre monde et tellement bizarre. C’est une façon parfaite de décrire d’Ecco. Sa musique et sa présentation ne correspondent jamais à la norme, mais c’est ce qui le rend si génial et si fascinant à écouter. Presque toutes ses chansons ont un certain sens de l’émerveillement enfantin ; vous avez une idée générale de ce qui vous attend, mais vous n’êtes jamais tout à fait sûr de ce à quoi cela va ressembler exactement. C’est un magnifique mashup des styles étranges et exotiques des années 1980 mélangés aux meilleurs et plus prometteurs sons indie/alternatifs d’aujourd’hui. In Standard Definition sera peut-être un album trop bizarre pour certains, mais ceux qui sont curieux de savoir ce que d’Ecco a à offrir devraient absolument se lancer dans cette expérience musicale loufoque.

***1/2


St. Vincent: « Daddy’s Home »

10 mai 2021

Le sixième album d’Annie Clark sous le nom de St. Vincent, Daddy’s Home, s’inspire de la sortie de prison de son père. En 2019, il a terminé une peine de 12 ans pour avoir manipulé des actions. L’album se joue comme un récit édifiant pour elle-même : réalisant qu’elle et son père partagent des personnalités et des intérêts similaires, elle se confronte à la question : est-elle destinée au même destin ?

Dans Daddy’s Home, Clark remet en question le type de pureté morale qui est si prompt à se jeter sur la première, la plus petite erreur des gens. Une telle moralité scrutatrice, qui tient tout le monde sous un microscope, ne laisse aucune place à l’empathie ou au développement personnel. « Il y a beaucoup de gens ici qui veulent vous faire du mal » (There’s a lot of people here who want to do you harm), prévient-elle sur la chanson « Live in the Dream ».

L’ambiance de Daddy’s Home s’inspire de la poussière et de la crasse du New York du début et du milieu des années 1970. La plupart des 14 chansons sont lassantes. Le sitar électrique ajoute une patine psychédélique et la lueur de l’album scintille comme les néons usés devant lesquels les narrateurs délabrés se traînent.

Dans Daddy’s Home, Clark s’en prend également à l’œil hypercritique de la nouvelle pureté morale d’aujourd’hui. Ce n’est pas parce que quelqu’un traverse des difficultés qu’il n’est pas digne de respect. Ce message est clair sur des chansons comme « Pay Your Way in Pain », une jam funk sédative dans la veine de Prince ou David Bowie. Sur un synthé décalé, elle illustre le fait que, trop souvent, les gens doivent choisir entre la dignité et la survie.

Clark est souvent plus frappante lorsqu’elle ralentit le tempo. La plus grande partie de l’album se déroule à cette vitesse. L’étourdie « Down and Out Downtown » imite sa narratrice, qui se traîne chez elle après une nuit de beuverie : « Les talons de la nuit dernière / Dans le train du matin / C’est un long chemin de retour en ville » (Last night’s heels / On the morning train / It’s a long way back downtown). Des touches brumeuses, une guitare acoustique et peu d’autres éléments habillent la chanson-titre, qui raconte comment elle ramène son père de prison. « Je signe des autographes dans la salle de visite / Je t’attends pour la dernière fois, détenu 502 » (I sign autographs in the visitation room / Waiting for you the last time, inmate 502), chante-t-elle. Elle parvient à voir l’humour dans cette situation absurde, puis se demande : « Où peut-on s’enfuir quand le hors-la-loi est en nous ? » (Hell, where can you run when the outlaw’s inside of you?). Son anxiété éclate à nouveau sur l’onirique « The Laughing Man » : « Si la vie est une blague, je meurs de rire » (f life’s a joke, I’m dying laughing).

Daddy’s Home brille également par des reprises comme « My Baby Wants a Baby », avec des harmonies doo-wop, et « … At the Holiday Party ». Ce dernier titre est facile à interpréter grâce à de douces percussions et des cuivres, ainsi qu’à un refrain mélancolique, qui révèlent la lutte qui se déroule sous la surface : « Pilules, bijoux et speed / … / Tu te caches derrière ces choses / Pour que personne ne voit que tu n’obtiens pas / que tu n’obtiens pas ce dont tu as besoin / Tu ne peux pas te cacher de moi… » (Pills and jewels and speed / … / You hide behind these things / So no one sees you not getting / Not getting what you need / You can’t hide from me).

Avec peu d’élements propres à vous remonter hormis « Pay Your Way in Pain » et « Down » (à ne pas confondre avec « Down and Out Downtown »), Daddy’s Home peut cependant s’assoupir par moments. La chanson « Somebody Like Me », aérienne et directe, est magnifique, mais sa délicate guitare pincée au doigt, ses ornements en acier à pédale et ses tambours qui claquent ressemblent à la Wilco la moins aventureuse. Mais la chanson se distingue par le fait qu’elle reflète l’un des thèmes majeurs de l’album, l’amour inconditionnel : « Ça ne fait pas de toi un ange ou une sorte de monstre de croire en quelqu’un comme moi » (Doesn’t make you an angel or some kind of freak to believe in somebody like me).

Daddy’s Home est autant révélateur que Clark l’a jamais été de sa vie familiale. L’album est aussi une vaste critique des normes morales injustes que la société impose aux gens. Entre ces deux extrêmes, Daddy’s Home met en accusation le système judiciaire américain. Lui aussi impose des normes injustes aux gens, notamment aux Noirs et aux Latinos. Clark rappelle aux auditeurs que l’incarcération n’est pas une histoire propre à sa famille. De nombreux prisonniers ne sont pas libérés comme son père l’a été. Sa famille est heureuse qu’il soit de retour, mais comme elle le montre dans Daddy’s Home, de telles retrouvailles peuvent être un processus émotionnel. Mais ces sentiments ne sont pas à fuir, et Annie Clark les affronte de front.

****


Matthias Puech: « A Geography of Absence »

10 mai 2021

On ne peut qu’être heureux d’avoir l’occasion d’écouter cet opus, non pas simplement parce qu’il est excellent mais aussi dans la mesure où il devrait être sur les radars de plus de gens afin qu’ils puissent apprécier l’album entier une fois qu’il sera sorti. D’après son dossier de presse, Matthias ne semble pas étranger à la musique générée par ordinateur, puisqu’il est chercheur en informatique théorique et ingénieur chez GRM. Cela dit, A Geography of Absence ne se résume pas aux bits et aux octets de la musique informatique. Il utilise habilement des enregistrements de terrain environnementaux pour superposer (ou sous) les drones plus synthétiques qu’il fait tourner.

Cet amalgame très créatif de naturel et de machine est vraiment la sauce secrète de ce disque. Les synergies sont assez uniques et expressives et peuvent être attribuées au fait que Puech est aussi un constructeur de synthétiseurs. Sur cet album, en utilisant des technologies telles que l’Oscillator Ensemble et le Tapographic Delay… des machines qu’il a développées lui-même, il a créé quelque chose de rafraîchissant, en dehors de l’album de drone standard à la dynamique croissante.

Tout au long de cet album de 37 minutes, les 7 morceaux s’enchaînent de manière très organique. Comme dans la plupart des albums drone, l’ambiance est quelque peu sombre et A Geography of Absence ne fait pas exception. Ce qui est un peu différent ici, c’est que l’ambiance change d’un morceau à l’autre. Même si chaque chanson s’enchaîne naturellement à la suivante, on a néanmoins l’impression d’être lâché dans un paysage sonore résolument différent, mais cela s’effectue en douceur, comme si l’on passait par une porte ouverte pour arriver au tableau suivant sans aucun événement sonore gênant.

On pourra ainsi apprécier les variations des enregistrements de terrain utilisés. Des cloches de vaches qui sonnent, des sons de la faune de la forêt profonde et d’autres événements plus opaques m’ont donné l’impression d’une scène nocturne continue… rendue plus menaçante grâce à la couche électronique qui se fond sur ces sons. Comme le font la plupart des grands albums de drone, ces sons électroniques sont d’abord mélangés à des niveaux faibles pour être ensuite habilement et progressivement augmentés en volume, ce qui donne lieu à des textures et des tensions grandioses.

Enfin, il conviendra de mentionner son utilisation des beats. Ceux-ci sont utilisés très parcimonieusement sur quelques morceaux et on a pris soin de ne pas les faire sonner comme des rythmes techno standard faciles à compter. Pendant la courte période où ils sont déployés, ils ont réussi à magnifier la nature sombre et quelque peu cosmique de l’ensemble du paysage sonore. Pour notre part, on aura, à cet égard, apprécié les rythmes quelque peu saccadés de la programmation. Différents, et bien sûr inattendus.

Le dernier morceau de l’album, Homeostasis, a été préenregistré et peut être écouté sur sa page Bandcamp où vous pouvez également le précommander… ou vous pouvez le découvrir en cliquant sur le lien ci-dessus.

Cet album est plus que recommandé. Si vous êtes à la recherche d’une approche quelque peu différente de l’écoute du drone, A Geography of Absence répond parfaitement à vos attentes en vous faisant rencontrer un artiste qui suscite une seule envie: le mieux connaître.

****1/2


Observatories (Ian Hawgood & Craig Tattersall): « Flowers Bloom- Butterflies Come »

10 mai 2021

Iikki Books se spécialise dans la création de dialogues entre musiciens et artistes visuels, un projet qui a débuté en 2016 – il s’agit de la 14e édition. Vous pouvez écouter la musique, vous pouvez étudier le livre d’œuvres d’art ; soit ensemble comme une seule entité, soit séparément. Comme cette dernière œuvre est tirée à 750 exemplaires (qui comprennent un téléchargement numérique) contre 300 exemplaires vinyles autonomes, avec une variété d’autres options, dont le CD, également disponibles, il est raisonnable de conclure qu’ils anticipent que certaines personnes voudront juste se concentrer sur la musique. C’est ce qui nous intéresse aussi, mais il vaut la peine de prendre le temps d’apprécier également les visuels. Les photographies de Miho Kajioka que nous avons vues sont magnifiques : des aperçus aux teintes monochromes de la fragilité de la nature, de brefs moments capturés pour l’éternité. Son travail évoque à la fois la force de la vague sur le rivage et la délicatesse des graines de pissenlit ou d’un papillon se posant sur un poignet.

Ces images sont accompagnées par les très actifs Ian Hawgood et Craig Tattersall, qui forment le duo Observatories. Vous connaissez probablement déjà leur travail : Tattersall a été membre de Hood, The Boats et Remote Viewer (parmi beaucoup d’autres) et enregistre maintenant sous le nom de The Humble Bee. Hawgood dirige l’excellent label Home Normal, et a une série de crédits aussi longue que votre bras (même si vous avez des bras très longs). Flowers Bloom, Butterflies Come est, pour autant que l’on puisse dire, le premier exemple de collaboration en duo entre les deux artistes, mais cela valait la peine d’attendre.

Il y a une atmosphère poussiéreuse perceptible sur ce disque, qui convient parfaitement aux photographies : même sans les images réelles comme guide, il y a un sentiment de souvenirs teintés de sépia, peut-être avec le grain et l’altération qui se produisent avec les vieilles photos et cartes postales. Des grains de poussière pris dans la lumière du soleil, dans un grenier, est une image qui réapparaît dans mon esprit à l’écoute de l’album. Étant donné le titre du projet et sa date de sortie proche de l’équinoxe de printemps, on pourrait s’attendre à des compositions animées par le son de la nature qui éclate pour célébrer le printemps, mais bien qu’il y ait une certaine légèreté dans le travail, la sensation générale est plus tranquille et introspective.

Le morceau d’ouverture, « Magnetic Hear » », dérive sur un lit de poussière et de craquements, avec une montée et une descente qui ressemblent plus à un gonflement des poumons qu’à un battement de cœur – à l’inverse, c’est ce battement qui ancre « The Longest Blue ». Un vieux piano usé fournit des mélodies brèves et plaintives sur ces morceaux, tandis que les textures sous-jacentes se développent et évoluent progressivement. Comme les images de Miho Kajioka vont de la douceur à la sauvagerie, il est compréhensible que la musique fasse écho à ces extrêmes, tout en restant dans un cadre atmosphérique. « Saying And Doing Are Two Different Thing » » est un moment où les deux mondes se chevauchent ; un motif de guitare chantant soutient une voix distante et indistincte, tandis qu’une tonalité en cycle rapide s’installe progressivement, non pas pour dominer par le volume, mais pour couvrir l’arrangement d’un bourdonnement écrasant.

Le chant des oiseaux fait son apparition sur la dernière piste, la nature faisant enfin sentir sa présence parmi les autres ambiances du disque. C’était peut-être inévitable, compte tenu de la période à laquelle cette musique a été créée et des sujets photographiés. Le projet a été lancé en août 2019 mais se serait poursuivi tout au long de l’année 2020, alors que les gens se sont enfermés et que la nature a commencé à reprendre timidement ses droits. Les drones industriels qui finissent par oblitérer le chant des oiseaux vers la fin de l’album indiquent avec désespoir où nous nous dirigeons une fois de plus. Pourtant, malgré les tentatives incessantes de l’homme pour dominer la nature, la vie trouve un moyen de s’exprimer : les fleurs s’épanouissent et les papillons arrivent. Ce mariage de la musique et de l’image est un rappel de ce que nous avons, et de ce que nous risquons de perdre.

***1/2


1st Base Runner: « Seven Years of Silence »

10 mai 2021

Seven Years of Silence a littéralement pris sept ans à réaliser pour 1st Base Runner. L’artiste basé à Austin a déclaré qu’il a essayé de supprimer ses idées pendant un certain temps, puis a passé quelques années à les cultiver lentement. Le résultat final est une machine goth-pop sombre et industrialisée. Les synthés oppressants, les boîtes à rythmes et les guitares floues sont omniprésents. Les fans de darkwave et de pop industrielle se sentiront à l’aise dans cette tristesse.

Il faut être honnête en disant qu’il aura fallu quelques écoutes pour se sentir à l’aise avec l’album. Jen effet, le disque est bref sans pour autant vous asséner des accroches à gauche et à droite pour vous divertir. Certains des loops de batterie ont un son volontairement bon marché. Cela donne à l’album une atmosphère miteuse faisant penser à du Soft Cell sans le côté pop ou les accroches immédiates. Si l’on ajoute à cela le fait que certains morceaux sont plutôt des ambiances industrielles avec un côté atonal, il est un peu difficile de savoir par où commencer. Les oreilles accordées aux guitares shoegazing, les paroles et les synthétiseurs, la musique se mettra en place et nous séduira.

Les titres les plus marquants en seront «  All Thoughts » avec ses couplets de synthétiseurs et ses refrains shoegazing, la marche gothique oppressante  « Ocean » et la beauté darkwave de « Break Even ». Avec ces trois titres, 1st Base Runner fait preuve d’une grande polyvalence et d’un talent certain pour créer une lenteur musicale redoutable. Les fans de Seeming se sentiront immédiatement à l’aise ici, grâce à certaines des performances vocales les plus expressives. Lorsque tout fonctionne à plein régime, cela fonctionne très bien. Certains autres morceaux, comme « Some Reasons » et « Only One «  ressembleront davantage à des collages d’idées et de sons qui ne semblent pas aussi bien étoffés. Cela fait probablement partie de leur attrait, mais pon pourra préférer que 1st Base Runner mette tous ses instruments à l’attaque. Quelques idées intéressantes donc ; ine reste plus qu’à espérer qu’on n’attendra pas sept ans de plus pour que le musicien ne donne à sa créativité libre cours pour s’épanouir.

***1/2