Sufjan Stevens: « The Ascension »

27 septembre 2020

Vingt ans après et, si on considère le catalogue de Sufjan Stevens, on ne peut toujours pas prédire ce qu’il apportera ensuite. Ses disques, bien que toujours très conceptuels, restent éparpillés dans leurs sujets, leurs genres et leur fréquence. La dernière d’une série d’expériences, The Ascension, n’est pas différente. Mais quelque chose a changé de manière significative dans son approche. Bien qu’il partage des points communs avec l’épopée électronique de 2010, Age of Adz, et l’autobiographie de 2015, Carrie & Lowell, The Ascension se présente comme quelque chose qui dépasse la comparaison sonore du premier et a pris un énorme recul par rapport aux intimités de la seconde.

À l’inverse, Stevens se tourne activement vers le chaos du monde et notre expérience collective en temps réel. Il ne s’intéresse plus aux concepts abstraits et fantaisistes comme les planètes, les 50 états ou le zodiaque chinois. The Ascension fait appel à quelque chose de tout à fait différent : les politiques, les conventions et les plans émotionnels qui nous lient au sein de notre humanité et dans le monde – et les problèmes qui y sont inhérents. Ici, il agit en tant que messager pour des sujets plus larges et existentiels. S’étant retiré de l’équation dans ce nouveau projet énorme, Stevens s’adresse à l’ensemble, à une génération et à une civilisation au bord de la destruction économique, environnementale et politique pour demander : « Où allons-nous à partir de là ? »

C’est une question qui donne lieu à des théories révolutionnaires. En l’état actuel des choses, il n’y a pas grand-chose que même une critique étudiée et valable puisse faire dans la voie d’un changement tangible ; il ne suffit plus de simplement pointer nos problèmes et de dire « cela suffit ». Nous devons – il le faut – tracer une voie pour aller de l’avant si nous voulons survivre.

C’est exactement ce que fait The Ascension avec ses 15 titres et sa durée d’exécution gargantuesque. Se débarrassant de sa sensibilité plus ésotérique, Stevens fait appel à une base plus large, utilisant son intellect pour faire avancer les idéaux universels par le biais de dispositifs nouvellement employés. En rassemblant des segments de l’esprit du temps et de l’inconscient collectif, des références à la culture pop low-art, ainsi qu’une éthique de piste de danse hardcore, il arme le statu quo pour une pensée radicale et provocatrice. 

Mais ce n’est pas une agression. En tant que collection équilibrée de critique (« Sugar » » », « Ativan », « Video Game », « America ») et de compassion (« Run Away with Me », « Tell Me You Love Me, « The Ascension »), le disque se trouve à donner la priorité à la valeur dans l’intersection entre la prise en charge de soi et le progrès. C’est une entreprise polarisante qui est à la fois apocalyptique et optimiste, et à la fois extrême et urgente. La résolution est claire. Nous avons tous – y compris Stevens – beaucoup de travail à faire sur nous-mêmes et entre nous. Nous devons réévaluer nos systèmes et structures actuels. Comment servent-ils à nous protéger, à élever notre culture et à préserver notre avenir ? Comment la compassion mutuelle est-elle prise en compte dans le capitalisme ? Le fait-elle ?

En l’absence d’une véritable réponse, la seule façon d’avancer est l’amour. Selon les mots essentiels de RuPaul, « Si vous ne pouvez pas vous aimer vous-même, comment diable allez-vous aimer quelqu’un d’autre ? » C’est cette déclaration de mission qui se glisse dans le travail de Stevens depuis des années. Il en a assez d’être silencieux. Il en a fini avec la subtilité. Il est grincheux comme l’enfer avec l’état de tout ça et il ne va pas se taire à ce sujet. 

L’antithèse de la corruption omniprésente – l’amour radical – est à l’avant-plan du dossier, et le plus apparent dans « Tell Me You Love Me ». Dans ses premières lignes, Stevens chante : « Mon amour, j’ai perdu ma foi en tout / Dis-moi quand même que tu m’aimes » (My love, I’ve lost my faith in everything / Tell me you love me anyway . La chanson s’achève sur le refrain écrasant, « Je vais t’aimer / Je vais t’aimer à chaque jour » (I’m gonna love you / I’m gonna love you every day). Même en émergeant de l’obscurité de l’anxiété de l' »Ativan », il chante « Je fais de mon mieux (avec ce que je suis) ». Ce sont deux des nombreux cas où ses plans d’ascension collective se révèlent. Rencontrer l’obscurité avec la lumière.

Sur le plan sonore, The Ascension est très lourd  à digérer, mais sa sévérité intentionnelle joue en sa faveur. Elle est remplie de sons bruyants et inconnus et sa cohésion vocale varie. Il est rempli à ras bord de contradictions et de dualités. Doux et agressif, déroutant et réconfortant, l’album est à la fois un exorcisme et un exercice. C’est d’ailleurs à la fois une distillation de ses nombreuses sonorités de marque et une rupture massive avec ses précédents travaux.

The Ascension exige une écoute multiple et active, mais il en vaut la peine. Sous ses couches complexes se cache un puits sans fin de nouvelles modalités, d’interprétations critiques et d’idées puissantes. Le dernier album de Stevens ne se contente pas de demander un amour inconditionnel et un changement parmi nous tous, mais il représente également une métamorphose dramatique pour l’artiste. Ce n’est pas un album que l’on aurait pu espérer en 2020, mais c’est celui que nous méritons. Ce pourrait bien être son entreprise la plus difficile et la plus ambitieuse à ce jour, ainsi qu’un signe de la nouvelle ère de Stevens à venir.

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Stuart Moxhan & Louis Philippe : « The Devil Laughs »

5 août 2020

Stuart Moxham faisait partie des légendes indie-folk Young Marble Giants dont l’approche minimaliste a gagné de nombreux fans, ; parmi lesquels on pouvait noter – Kurt Cobain, dont pourtant la musique était peut-être à des millions de kilomètres en termes de volume et de puissance, mais les similitudes étaient là dans les sentiments et l’attitude. Lorsque les Young Marble Giants se sont séparés en 1980 (et à nouveau en 2015 après une brève réforme), Moxham a continué à sortir de la musique sous de nombreuses formes. Cet album, enregistré il y a quelques années mais qui ne voit que la lumière du jour aujourd’hui, voit Moxham faire équipe avec Louis Philippe, une légende de l’indie français, qui parvient à mélanger des sons de chamber-pop avec une ambiance underground tout en étant journaliste et chanteur de football. Philippe apporte l’espace et l’épique carburant ouvert au minimalisme de Moxham. Sur le papier, cela ne devrait pas marcher, mais d’une certaine manière, ces deux-là collaborent depuis le milieu des années 90 et leur dernier album, The Devil Laughs, arrive, à cet égard, juste à temps pour les climats estivaux.

Le disque tout entier semble avoir été écrit en pensant à des journées ensoleillées et reposantes. Le premier titre, « Tidy Away », est l’un des morceaux estivaux les plus décontractés que vous entendrez toute l’année. C’est une explosion de folk doux, avec des riffs de guitare électrique et des harmonies vocales luxuriantes qui donnent un air de bonheur psychologique folk. « Love Hangover » a des rythmes subtils qui sous-tendent sa sensibilité pop et n’est pas une reprise de la chanson de Diana Ross, mais la délicate prise de Moxham et Philippe sur un air pop, alors que « Fighting To Lose » baigne dans de fragiles lignes folkloriques estivales « Dans mon esprit, je me bats pour perdre l’habitude que j’ai de ne pas choisir », précise Moxham, et comme beaucoup d’œuvres de du tandem, des courants sous-jacents plus sombres et subtils, sont dissimulés dans une brume folklorique psychique pour remonter le moral. Les harmonies brillent vraiment sur « Singing Out » qui semble être un air des Beach Boys perdu depuis longtemps, avec une touche folk, toutes les harmonies et de douces mélodies de guitare, en abondance.

En ces temps étranges, il est bon d’avoir un album de douces mélodies relaxantes dans lequel on peut se plonger. Il a peut-être mis six ans à voir le jour, mais The Devil Laughs a valu la peine d’attendre. Une belle bande-son psycho-folk d’été pour se détendre et laisser les soucis du monde disparaître, même si ce n’est que pour un court instant.

***1/2


Mare Berger: « The Moon is Always Full »

22 juin 2020

The Moon is Always Full de Mare Berger est une combinaison de folk mélodique et de chamber-pop, issue de l’esprit d’un musicien qui pratique cet art depuis trois ans. Berger a commencé à jouer du piano dès son plus jeune âge, ce qui lui a permis d’obtenir des résultats musicaux plus importants. Après avoir étudié le piano de jazz, ils ont fait leurs premières armes dans de nombreuses salles de concert et ont joué de divers instruments dans des pièces de théâtre et des spectacles musicaux. Berger est également un défenseur actif des LGBTQ+, ayant fondé The Moon Choir, qui est une chorale composée de personnes queer et trans plus des alliés, et aussi organise une série de performances, « The Moon Show », qui promeut les artistes queer, trans et autres mouvances sous-représentées.

Parmi ces succès, Mare Berger a étudié de multiples genres de musique, ce qui revient à trouver un créneau dans l’écriture de ce qu’il nomme « chansons de justice rêveuses et pleines d’espoir ». Les notes de début de The Moon is Always Full introduisent l’auditeur dans une cacophonie d’instruments – cordes pincées et carillons discordants mais joviaux, et les tonalités ressemblent au sifflement du vent dans le titre d’introduction de l’album, « Even When We Forget ». Un piano coupe le bruit avec une enveloppe chaude avant que Berger ne commence à chanter « We are the ocean / We are a drop / We are a mountain / we are a rock » (Nous sommes l’océan / Nous sommes une goutte d’eau / Nous sommes une montagne / Nous sommes un rocher). Ils professent ces déclarations avec certitude, exprimant une parenté avec la terre et comment, parfois, nous oublions peut-être notre grandeur et notre influence.

Le reste des morceaux chante avec autant d’espoir et se noie dans la sincérité. Ils rappellent qu’on nous raconte un conte populaire avant de nous coucher, alors que Berger submerge les auditeurs de récits sur l’estime de soi et l’existence à travers des fables sur la lune, le soleil, les arbres et les étoiles. Même en passant du chant à la parole dans certains morceaux, les voix de Berger – à la manière de Julie Andrews façon Sound of Music – sont mélodieuses et accueillantes. J’ai l’impression que la seule bonne façon d’écouter cet album serait de s’asseoir au sommet d’une colline baignée de soleil pendant que Berger me rappelle acoustiquement ma signification existentielle.

À mi-chemin de l’album, le morceau « Stardust » nous offre des berceuses et des croassements de moments où nous devrions « respirer la lumière dans notre poitrine  (inhale the light in our chest)». L’accompagnement au piano est particulièrement envoûtant dans ce morceau, suivant rapidement et régulièrement les voix soyeuses de Berger. C’est un morceau-phare de l’album, plus naïvement curieux, comme si jon écoutait des pensées venant directement d’un enfant. Dans Throughout The Moon is Always Full, Berger semble également se concentrer sur les principes de l’amour, de la vie, de la perte, de l’interconnexion et de l’amélioration. Le morceau de clôture « You are Within » met en scène une voix d’invité qui, combinée à celle de Berger, devient hypnotique. Les instruments à cordes jaillissent et se connectent de manière fluide alors que les chanteurs chantent « You are within my soul / I am within your soul » .

Dans un climat aussi déchirant et déroutant que celui dans lequel nous nous trouvons actuellement, l’album de Berger se sent vital. Il est difficile d’expliquer cet album d’une manière qui ne rabaisse pas le son qu’il crée. On ne peut pas comparer continuellement le fait de chanter paisiblement pour dormir alors qu’une rivière s’agite à votre gauche et qu’une rafale d’animaux de la forêt gazouille à votre droite, mais, en revanche, on ne peut pas demander beaucoup plus à un album que de vous apporter une sorte de chaleur et de réalisation de soi.

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NOVA ONE: « lovable »

29 avril 2020

Sur son premier album, NOVA ONE, membre de Roz Raskin, l’interprète solo examine ici la « queernes »s, la féminité et le genre à travers un prisme pop magnifiquement inspiré des années 60. Après la sortie de secret princess, un EP six titres, l’artiste originaire de Providence revient, dévoilant une collection de joyaux musicaux qui brillent pratiquement de tous leurs feux, en grande partie grâce à un esprit de sincérité constante et une tendre audace.

Enregistré sur six mois, lovable, est une ode aux processus et aux épreuves de la vie qui nous rendent humains. Avec des instruments délicats souvent enveloppés d’un flou et la luxuriante soprano de Raskin, l’album explore la nécessité d’honorer la lenteur de la guérison. lovable examine l’importance de l’acceptation de soi, et le processus de voir et de comprendre sa sexualité et la présentation de son genre. Pour l’enregistrement, Raskin a été rejoint aux instruments par le batteur Casey Belisle, et les ingénieurs et producteurs Bradford Krieger et Chaimes Parker du Big Nice Studio .

Des sujets aussi importants sont traités avec une grâce absolue, et la présentation par l’interprète d’une pop de rêve donne l’impression qu’on vous a confié des secrets passionnés et sincères. Sur les morceaux « feeling ugly » et « somebody », Raskin explore la queerness et célèbre le désir continu d’aimer et d’accepter son corps. Elle développe ce récit pour des performances live, et est rejoint par une équipe de musiciens qui jouent en travesti en hommage à la force de la féminité affichée par les groupes de filles d’hier et d’aujourd’hui. 

Ailleurs sur l’album, NOVA ONE explore les nombreuses facettes de la romance. « lovable » et « let’s party » jettent un regard d’une beauté dévastatrice sur la nature compliquée de l’amour d’une personne qui lutte contre l’alcoolisme, tandis que « light years » et « down » envisagent l’acte de tomber amoureux de quelqu’un qui finit par vous laisser tomber.

Dans la vie, on a souvent l’impression d’être une personne unique qui vit un combat ou une transition que personne ne peut comprendre. Cependant, l’amour est la plus douce des forces qui célèbre la beauté des douleurs de croissance et l’acte de continuer. Pour les cas où vous vous sentez seul, où vous n’êtes pas sûr de votre propre identité ou que vous souhaitez partager les désirs les plus profonds de votre cœur avec quelqu’un, NOVA ONE vous propose ce disque comme réponse. lovable est une main à tenir dans l’obscurité, un ami sincère qui, pour un instant, bien trop bref, comprend tout à fait ce que vous vivez.

***1/2


Johanna Glaza: « Exile »

11 avril 2020

SI Kate Bush et Joanna Newsom avaient libéré leur Cocteau Twin intérieur et découvert qu’elles étaient un peu gothique, elles auraient peut-être donné naissance à Johanna Glaza. Cette dernière crée de la musique envoûtante depuis plusieurs années et Exile se rappelle à notre bon souvenir, celui des trésors uniques dans le monde de la musique. Sa voix s’envole et s’élève comme issues d’une galaxie autour de ses arrangements de chamber-pop à la délicatesse infinie. Exile marque un changement de direction car de plus en plus d’instruments se joignent à la fanfare. Cette fois-ci, Glaza n’a pas peur de sonner laidement.

Il est clair, d’après le titre qui ouvre l’album, que le champ d’action de Glazas’est élargi. Ici, nous avons des boîtes à rythmes épiques qui écrasent les cymbales comme des titans qui s’affrontent. La vocaliste elle-même gémit comme un guerrier blessé et le morceau lui-même oscille comme s’il s’éloignait d’une bataille sanglante. Avec la pochette de l’album, elle met en scène le fait que si le piano et la voix sont au centre, ce monde est en expansion. Cela se poursuit dans « Dear Life » qui commence par une pointe heureuse et un geyser avant de descendre dans une folie grondante. Glaaz répète « ne m’abandonne pas » à mesure que la musique s’intensifie, puis le rêve fiévreux s’arrête et les choses reprennent leur cours normal. C’est une utilisation intelligente de progressions à deux accords et d’une rage d’émotions qui peut submerger un morceau.

« Isabella » continue de puiser dans cette crise existentielle avec ce qui est un titre fantastique. Les monstres que nous avons à l’intérieur ne nous trouveront pas ici aujourd’hui » déclare Glaza alors que la musique passe d’un brouillard brumeux à une séquence de poursuite hitchcockienne. Le piano vous traque activement avec ses sonorités de film de série B et les percussions s’agitent aussi. L’album a pour thème récurrent le sentiment d’être chassé de votre zone de confort et différentes chansons en ressortent en se balançant de diverses manières. « Lonely Island » part du principe que votre lieu de sécurité ne doit pas être un lieu de solitude. Le piano, la batterie et divers effets sonores métalliques s’associent pour créer un sentiment de cirque décalé. Vocalement Glaza sonne comme un croisement entre Elizabeth Fraiser et Joanna Newsom, mais lorsqu’on l’associe à l’aspect cabaret de la musique de cette chanson en particulier, vous apprécierez les vibrations de Kate Bush.

Plus proche du psychédélisme des années 70, « King’s Alive » est un doux motif de danses au piano, de sifflements, de percussions enneigées et c’est le morceau mage blanc de l’album. Il est gracieux et élégant tout en gardant une part de hantise dans le cocktail musical en arrière-plan. La chanteuse utilise sa voix pour créer une variété de bruits de fond qui ne sonnent pas de ce monde. Il vaut la peine de mettre des écouteurs pour ce seul morceau. Le court morceau folk « Catch and Escape » semble reconnaître que toutes les batailles ne peuvent pas être gagnées et il ouvre la voie au final « Albion ». Cette épopée de huit minutes reprend un élément de tout ce que nous avons connu jusqu’à présent et l’écrase en un opus magnum d’un morceau. Il met en scène Johanna Glaza à son meilleur niveau, tant au niveau de la voix que de la composition un titre cathartique qui englobe l’album dans son ensemble. Vous avez travaillé pour toutes ces pauses et ces marches dramatiques. Vous vous êtes donné à fond avec chacun des morceaux au préalable et puis « Albion » en est le point culminant.

Cela nous ramène au point de départ, à savoir que vous pouvez soner disharmonieux. Souvent, quand vous avez des sirènes musicales, elles aiment tirer une ligne éthérée. C’est génial, mais cet album n’a pas peur de casser une batterie sous le coup de la colère. Glaza est très franche lorsqu’elle fait la moue et crache des vérités domestiques comme si elle possédait tous les coupons de la clarté mentale. Il est rafraîchissant d’entendre quelqu’un dont la capacité vocale est axée sur le sentiment et la mélodie et Glaza n’est pas du genre à se laisser aller.

Exile est un album gratifiant qui se donne autant de fois que vous le souhaitez. Vous pouvez l’apprécier comme un morceau de conte avec une belle voix et une prestation musicale originale et pour beaucoup, cela suffira. Si vous voulez vraiment creuser plus loin, Johanna Glaza a une caverne de secrets prête à vous faire découvrir la Sorcellerie du cœur et de l’esprit qu’elle véhicule.

****1/2


The Saxophones: « Eternity Bay »

8 mars 2020

Alexi Erenkov a commencé comme étudiant en jazz, mais il s’est tourné vers l’écriture de chansons à la guitare dans le but de s’exprimer davantage. Pour dire les choses simplement, il a trouvé cette nouvelle approche plus libératrice que de travailler sur des arrangements pour Big Band. Il est donc intéressant de rappeler que les guitares étaient simplement tolérées et plutôt enfouies dans la section rythmique à l’époque de l’apogée du Big Band, jusqu’à ce que des gens comme Charlie Christian contribuent à changer tout cela.

Le nouveau projet d’Erenkov, The Saxophones, a vu le jour en 2018 avec son premier album Songs Of The Saxophones, une vision presque fantasque de la pop des années 1950 et du jazz de la côte ouest. Intime et sournoisement trippant, il annonce Erenkov comme un artisan sérieux ayant un penchant pour la nostalgie musicale. Il a également déclaré que le facteur le plus important dans le choix des membres du groupe était l’amour, ce qui pourrait expliquer pourquoi sa femme Alison Alderdice joue de la batterie pour ce duo basé à Oakland. L’amour sous ses différentes formes semble également être au cœur d’Eternity Bay, la deuxième sortie du groupe, écrite après que le couple ait eu son premier enfant et en ait anticipé un autre.

Cette fois-ci, les chansons sont plus ensoleillées, car le lounge et le jazz rencontrent la pop italienne des années 1970 dans une ambiance de surf. Ajoutez un peu de mambo, de popcorn et de guitare bebop, peut-être un peu de torche de Memphis et de twang aussi. De surcroît, des nuances d’Astrud Gilberto, Donald Fagen, Michael Naura, Paul Desmond avec Jim Hall, Cal Tjader et le quintet exotique de Göteborg Ìxtahuele. Si tout cela ressemble à un mélange de musique, sachez qu’Erenkov utilise des jeux d’esprit lyriques. La surface calmé de l’album dissimule des émotions rocailleuses. « La vie est courte, mais il faut tellement de temps pour expliquer mon point de vue » (Life is short, but it takes so long to explain my point of view), soupire-t-il sur le morceau d’ouverture, « Lamplighter », au son d’un saxophone lent et sexy et des guitares maigres.

La voix séduisante d’Erenkov se laisse souvent aller et venir comme s’il revenait d’un étourdissement. « Dans « New Taboo », il chante avec un sourire complice : « Je cherche à découvrir un nouveau tabou/ Tu sais ce que je ne devrais pas faire ? » (‘m looking to uncover a new taboo/Do you know anything I shouldn’t do?) Le souffle d’une flûte holistique dans le refrain de la chanson se répand également sur « Forgot My Mantra », dans un brouillard de guitare. « Take My Fantasy » est un morceau de bossa aux harmonies riches en échos, tandis que « Anymore » est un mélange polynésien de spirales de guitare et de bois. La brève méditation « Zendo » s’enfoncera dans un tourbillon spirituel et « Flower Spirit » atteindra un rayonnement presque surnaturel, avant que « Living In Myth » ne s’épanouisse dans une étincelante réverbération de guitare et la précision du saxophone d’Erenkov. L’énergique « You Fool » porte de jolies couleurs psychiques, le morceau-titre faisant écho au blues loungey de l’album précédent. Dans un tourbillon de réflexions, la chanson cherche à exprimer notre empathie pour nos regrets sans fin : « Pensez à la différence que vous pourriez faire/au lieu de toutes vos petites erreurs/je sais que vous vouliez être tellement plus/vous voyez maintenant à quoi a servi tout ce temps » (Think of the difference you could make/Instead of all your small mistakes/I know you wanted to be so much more/Now you see what all that time was for).

Dans ces sillons de joie, il y aura beaucoup de contemplation profonde sur les relations humaines. Eternity Bay n’est peut-être pas la bande-son du paradis qu’on pourrait croire au premier abord, mais cet album est clairement un triomphe stylistique.

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Destroyer: « Have We Met »

30 janvier 2020

Vingt-quatre ans après la sortie de son premier album sous le nom de Destroyer, Dan Bejar trouve toujours de nouvelles façons d’explorer la conscience à travers sa poésie abstraite. Have We Met, le 13e album studio de Destroyer, sonne comme un compagnon du Kaputt de 2011, tant dans le style que dans le fond. Combinant des paroles sans prétention sur l’ennui à Vancouver avec des synthés parmi les plus magiques que Destroyer est capable de concevoir,Have We Met est un opus qui nous fait découvrir ce que pourrait être le confort d’un séjour chez quelqu’un au sommet de son art.

Au départ, Bejar avait prévu que la suite de Ken serait un album concept sur l’hystérie autour l’an 2000, mais après avoir eu du mal à s’engager sur ce thème, Have We Met est devenu l’un des disques les plus intimes de Destroyer. Cette intimité ne réchauffe pas les cœurs, mais ce disque sonne souvent comme les derniers mots de réconfort murmurés avant la fin de la civilisation. Au lieu du cauchemar de l’an 2000 qui n’en était pas un, Have We Met sert de bande sonore à une catastrophe imminente dont la voix sinistre de Bejar vous convaincra qu’elle est réelle. « Je voulais que les gens sachent que c’était un disque sombre, » a expliqué Bejar, « ou peut-être un disque sans espoir. »

Have We Met s’ouvre avec « Crimson Tide », qui est déjà devenu un point fort du catalogue prolifique de l’artiste. Semblable aux meilleures chansons de Destroyer, le titre se dévoile lentement pendant ses six minutes, élevant constamment l’auditeur à un autre niveau sonore au moyen de couches de crescendos sétayant sur d’autres crescendos. Destroyer a toujours eu la capacité de vous faire rebondir sur des soliloques sur la morbidité, et guidé par des battements de cœur pulsés, des vérités comme « you can follow a salary to the bottom of the ocean » sonnent plus facilement à l’oreille. Sur le méditatif « Kinda Dark », Bejar est délicat et personnel dans son discours vocal avant que la chanson ne s’envole avec un solo de guitare flamboyant, gracieuseté du guitariste Nic Bragg.

Le magicien derrière les rideaux de Have We Met est le producteur de longue date et collaborateur fréquent de John Collins, qui est responsable des irrésistibles moments de beauté au synthétiseur qui scintillent entre les prose de Bejar. La sensibilité de Collins pour les textures simples est parfaitement illustrée dans « The Raven », qui est la chanson idéale pour se réveiller tard par une journée ensoleillée. Malgré le feeling de la chanson, les sentiments de Bejar restent sombres lorsqu’il déplore que «the Grand Ole Opry of death is breathless » . Les paroles de Bejar ont tendance à être plus fortes lorsqu’elles sont particulièrement morbides, ce qui peut être lié au processus d’enregistrement vocal. Il a ainsi capté les voix de l’album sur la table de sa cuisine uniquement la nuit, seul, en utilisant un microphone connecté à son ordinateur portable.

Bien que construit autour d’un riff accrocheur, « Cue Synthesizer » est plus remarquable pour permettre à l’humour conscient de Bejar de s’exprimer grâce des paroles nonchalantes à la Silver Jews, cette même approche qui alimente les détracteurs de Destroyer.

En effet, bien que lesdites paroles soient ambitieuses, l’écriture des chansons de Have We Met est brillantemais parfois ennuyeuse : pour chaque « Crimson Tide » ou « The Raven », il y a une « University Hill » »ou un « Television Supervisor ». La différence de ton est peut-être due à ses méthodes d’écriture de chansons non conventionnelles. Bejar a expliqué qu’il écrivait par vagues de paroles et de mélodies qui lui venaient au fur et à mesure de ses journées. Malgré ces quelques moments où il berce l’auditeur dans une paralysie d’apathie, Have We Met est l’un des albums les plus forts de la fructueuse carrière de Destroyer et beaucoup de ces compositions feront certainement partie des chansons-phares de son répertoire pour les années à venir.

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A Girl Called Eddy: « Been Around »

26 janvier 2020

À l’automne 2018, après plus d’une décennie de silence, l’auteur-compositeur-interprète Erin Moran (alias A Girl Called Eddy) a refait surface avec un tout nouveau projet de collaboration avec le musicien français Medhi Zannad (Fugu), sous le titre The Last Detail. Cette élégante collection de joyaux indie-pop chatoyants (« Talk to Me »,  « Fun Fair ») a marqué le retour de l’un des pourvoyeurs de pop mélancolique les plus séduisants de ce siècle. Elle a également offert aux fans une lueur d’espoir que Moran puisse enfin fournir ce ce deuxième effort rn latence depuis longtemps. Ce mois-ci, il’attente impatiente est enfin récompensée avec la sortie de Been Around, un classique en devenir que la plupart des musiciens ne peuvent que rêver d’offrir dans une vie.

Tout ce qui a fait le charme instantané de ses débuts éponymes en 2004 est à nouveau mis sur la table de façon éblouissante. Cette voix douce et chocolatée est toujours teintée de tristesse, et ces chorus parfaitement travaillés et faits de contrastes remarquables et intelligents continuent de séduire. Le don pour la narration de Moran est ,ici, en pleine effervescence ici, avec des paroles d’une honnêteté dévastatrice qui peignent des scènes si vives que l’on peut en sentir le chagrin monter de chaque page. Seize ans plus tard, l’orchestration luxuriante a été réduite au profit de cuivres éclatants, de passages introspectifs au piano, de riffs de guitare entraînants et d’harmonies vocales étroitement imbriquées. Tout au long de ces 12 titres époustouflants, le producteur Daniel Tashian of the Silver Seas, lauréat d’un Grammy Award, s’adonne à une variété d’ambiances et de textures disparates, tirant leur chapeau à des artistes légendaires comme Tom Waits, Van Morrison, Steely Dan et Laura Nyro, sans jamais sembler dériver.

Le premier single « Been Around » donne le coup d’envoi avec la phrase « Girl, where you been ? » et bien que cette question puisse sembler appropriée compte tenu de l’absence prolongée de Moran, dès qu’elle lance une réponse du genre « Carrying around the weight of a lifetime of dreamin » (Porter le poids d’une vie passée à rêver), c’est comme si le temps s’était arrêté. Tout comme Jackie DeShannon rencontre Karen Carpenter avec une touche du XXIe siècle, cette ouverture sage et nostalgique présente une section de cor en plein essor, des chants de fond plarmoyants et un solo de harpe chromatique, avec la gracieuse participation du virtuose Jim Hoke, sideman à Nashville, de célèbrités comme Emmylou Harris ou Paul McCartney. Cet homme est une légende à lui tout seul mais cet l’album en regorge. Moran a courtisé une série de musiciens invités de premier plan, comme les Watson Twins, Bill DeMain, Viktor Krauss et le trompettiste de jazz Michael Leonhart, pour donner vie à ses récits poignants.

Le titre « Jody » est captivant ; il s’agit d’ une ode à l’un des plus anciens et des plus chers amis disparus de Moran, et c’est est une véritable demonstration de ce quepeuvent être des nuances, avec cette alternance de climats à la fois débordant de vie et souffrant face au deuil ; une joyeuse célébration de l’amitié qui fait place à un postlude de synthétiseur calme et triste. Un poignant aveu de vulnérabilité qui persistera longtemps après la dernière note de la chanson.

Les moments forts seront nombreux. « Someone’s Gonna Break Your Heart » ressemblera à un tube que The Pretenders auraient rêvé d’ecrire, ELO rencontrera Neil Hannon en une composition britpop charmeuse, abrupte et ludique sur « Two Heart » et « Pale Blue Moon », avec son piano jazzy, nous prouvera une fois encore que moins égale plus. On ne pourra pas en dire trop sur la chamber-pop qu’est « Charity Shop Window » écrit avec le compositeur oscarisé Paul Williams ; un chef-d’œuvre de nostalgie, à la manière de Bacharach. S’il y a une critique à formuler à l’égard de ce disque, c’est que le deuxième morceau, « Big Mout » », charmant mais langoureux et qui menacrae d’étouffer l’élan de la première moitié de l’album, alors qu’il aurait pu avoir plus d’impact s’il avait été placé ailleurs.

Vers la fin du disque sur « Finest Actor », Moran chante ra magnifiquement des clichés aux couleurs indigo sur l’amour et la pert et on comprendra immédiatement pourquoi A Girl Called Eddy a suscité un véritable culte au fil du temps pour ceux qui apprécient profonfeur lyrique et émotionnelle et qui sont, également, mélomanes avertis.

****1/2


Tindersticks: « No Treasure But Hope »

14 novembre 2019

Depuis The Waiting Room paru en 2015, Stuart Staples, en groupe ou en solo, n’a pas chômé. Après la bande son du documentaire Minute Bodies – The Intimate World Of F. Percy Smith, l’album solo Arrhythmia et plus récemment, toujours fidèle à la réalisatrice Claire Denis, la bande originale du film High Life, le voici de retour avec un « véritable » album des Tindersticks : No Treasure But Hope, treizième disque studio du groupe.
D’entrée, ce qui frappe à l’écoute de ce comeback, c’est l’atmosphère qui règne sur l’ensemble de l’album. On ressent une véritable osmose, comme une libération tout au long des dix compositions. A commencer par cette ouverture joliment intitulée « 
For The Beauty », qui vous pénètre avec ce piano majestueux et cette voix toujours aussi parfaitement posée. Dès l’entame, on sent déjà la grâce qui pointe le bout de son nez. Le premier single qui avait annoncé l’album en septembre dernier, « The Amputees », était une véritable surprise de par le côté enjoué que la chanson dégage malgré une thématique loin d’être amusante.
La musique des Tindersticks n’a jamais connu de côté facétieux et le reste de l’album est là pour l’attester une fois encore. Car à l’exception de ce titre, les musiciens de Nottingham délivrent tout au long des quarante-six minutes de
No Treasure But Hope une harmonie musicale posée, très subtile qui n’a nullement à voir avec un quelconque amusement.
« 
Trees Fall », tragédie à la beauté immense, en est une parfaite illustration pendant ses trois cent cinq secondes divines. A ce moment de l’album, on se dit que cela fait tellement longtemps qu’on n’a pas entendu les Tindersticks à un tel niveau. D’autant qu’ils n’ont pas fini de nous émouvoir sur ce disque.
« 
Pinky In The Daylight » et son coté ensoleillé vient à son tour illuminer le disque. Le fait que Stuart Staples soit parti vivre en Grèce ne doit pas y être étranger. « Carousel » possède pour sa part plutôt une atmosphère feutrée et s’associerait à merveille en musique de fin de soirée. Tout est magnifique dans cet album, on a le sentiment que les Tindersticks sont peut-être en passe d’avoir sorti là un des plus beaux voire le plus beau disque de leur discographie.


Si la mélancolie du somptueux « 
Take Care In Your Dreams » ou la délicatesse « The Old Mans Gait « confirment ce sentiment, il n’en demeure pas moins que le choc de No Treasure But Hope figure bien dans « See My Girls, » chanson incroyablement folle avec ce piano qui la débute, sur lequel une basse vient s’accoupler avant que Stuart Staples ne s’aventure dans un chant presque chamanique lui-même renforcé par cette guitare parfaitement immiscée avant que les chœurs des autres membres du groupe ainsi qu’une une série de cordes la remplissent également. En 1993, « Jism » venait marquer à jamais le premier album du groupe. En 2019, « See My Girls » lui rend la pareille. Comment se remettre d’une telle gifle ? Eh bien avec des moments apaisés et apaisants, tels que « Tough Love » ou le superbe final, No Treasure But Hope, comparable à un au revoir ou un adieu.
Vous l’avez compris, les Tindersticks signent là un des très grands disques de cette fin d’année, et probablement l’un des tous meilleurs de leur carrière. Superbe de bout en bout
No Treasure But Hope est un monument d’une grande intensité vocale et musicale. On n’espérait plus connaître un tel bonheur de la part d’un groupe qu’on suit et aime pourtant depuis plus de vingt-cinq maintenant. Et pourtant, s’accrocher à cet espoir nous a permis de trouver un trésor, un joyau qu’on se devra de chérir longtemps.

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Girl In Red: « Beginnings »

2 novembre 2019

Girl In Red a, jusqu’à présent, un parcours fulgurant. Il y a un an et demi quasiment personne n’avait entendu parler de cette jeune norvégienne qui enchaîne désormais les concerts à guichets fermés dans des salles de plus en plus grandes. Avec ses chansons composées dans sa chambre, elle a séduit à une vitesse fulgurante grâce aux réseaux sociaux un public de grands ados qui se sont retrouvés dans ses textes, mais pas seulement.

Beginnings est la synthèse de ses deux premiers EPs ; on remarque d’ailleurs une évolution sonore dans la seconde moitié du disque, mais aussi des titres de plus en plus forts, « Dead Girl In The Pool » et « I’ll Die Anyway » en tête. Comme quoi parfois l’authenticité ça paie.

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