Fleet Foxes: « Shore »

23 septembre 2020

Rien n’est plus évocateur de l’automne qu’un nouveau disque de Fleet Foxes. Voyez les choses en face : l’été est passé, les températures baissent, les feuilles commencent à tomber et le groupe de Robin Pecknold vous invite à écouter la bande son de la collection de vêtements que vous vous préparez à enfiler pour la saison.

Cela ne veut pas dire, toute fois, que Shore n’est pas le bienvenu. Loin de là – en fait, peu de personnes sont mieux adaptés que le combo pour construire ces moments indie-folk mielleux, avec la nostalgie des yeux de rosée inhérente à un son qui tire sur les cordes du cœur d’une manière qu’aucun autre groupe ne peut faire.

Avec une sortie surprise, Shore s’ouvre sur le duo « Wading In Watt-High Water » et « Sunblind ». Nous sommes immédiatement en terrain connu – la mélancolie heureuse du chant, l’accent mis sur la performance du groupe plutôt que sur l’audace individuelle. Pourtant, l’ensemble s’aventure en terrain inconnu : l’instrumentation ondulante, la douce montée de la mélodie qui rappelle celle des Cocteau Twins si ceux-ci avaient pris un virage folk.

La voix magnifique et entêtante du morceau « Can I Believe You » dément la complexité tranquille des rythmes sous-jacents, une chanson en perpétuel mouvement. A » Long Way Past The Past » fait paraître l’introversion automnale merveilleusement enivrante, tandis que « Young Man’s Game » est la réflexion subtile d’un groupe qui a toujours sonné plus vieux que son âge.

Ce qui est remarquable dans Shore, c’est à quel point tout est naturel, sans hâte. Cette sortie surprise met fin à trois ans d’attente pour du nouveau matériel dans un certain style, un vaste disque d’une réelle profondeur qui contient des moments d’une beauté saisissante. Prenez ces contre-mélodies sur « Jar » » – presque brésiliennes dans leur merveille lumineuse – des douces affirmations qui courent à travers le majestueux « I’m Not My Season ».

Cela dit, lorsque les Fleet Fox jouent pour former, ils assument le trône indie-folk avec une réelle affirmation. Ainsi, « Quiet Air / Gioia » est un coup de maître, tandis que l’atmosphérique « Going-to-the-sun Road » pourrait bien apaiser les nombreuses inquiétudes suscitées par cette année chaotique.

Produit par Pecknold lui-même, Shore est un disque consciemment « grand » – en effet, en parlant de ce processus, l’auteur de la chanson n’a-t-il pas comparé cet opus à « 15 big ones » ? C’est une collection de panoramas de plusieurs kilomètres, d’horizons infinis, une vision de l’Americana comme une étendue infinie, une source perpétuelle de confort personnel et de réinvention esthétique.

C’est un disque qui met l’épaule à la roue, un souffle de lumière dans les moments les plus sombres. Qu’il s’agisse du simple unisson choral de la miniature médiévale « Thymia » ou de l’émotion angoissée de « Cradling Mother, Cradling Woman », il s’agit d’une collection de compositions qui dominent leur rôle de manière emphatique.

Aussi naturel et invitant que le frisage des feuilles, Shore montre les Fleet Foxes à leur meilleur : une voix de réconfort pour une génération modernisée, c’est moins un album qu’un coffret empli de trésors.

****


Phoebe Bridgers: « Punisher »

14 juin 2020

Une façon de décrire Phoebe Bridgers est qu’elle est une artiste très prolifique. L’auteure-compositrice-interprète et productrice basée à Los Angeles travaille sans relâche depuis la sortie de son premier album, le transcendant Strangers In The Alps, en 2017. En 2018, elle s’est associée à Julian Baker et à la tout aussi érudite Lucy Dacus pour un EP, puis en 2019, elle a surpris en laissant tomber l’étonnant Better Oblivion Community Centre avec Conor Oberst de Bright Eye et a récemment produit lson ami et compagnon de route sur le lumineux premier album de Christian Lee Hutson, Beginners. Bridgers a enregistré et tourné à plusieurs reprises et elle est enfin de retour avec sa suite de Strangers, Punisher, un album à la texture magnifique, émotionnel etcomplexe.

Il se passe beaucoup de choses sur Punisher. Ce sont des chansons qui vous feront rire et pleurer dans votre oreiller et souvent en même temps. Si le disque était un film, il serait décrit comme interminable et vous et vos amis porteriez des t-shirts ornés des paroles de toutes les autres strophes. La production, offerte par Bridgers elle-même avec Tony Berg et Ethan Gruska, est luxuriante, dense, hypnotique et complète parfaitement le ton des paroles ouvertes et honnêtement directes de Bridgers. Tout cela ne devrait surprendre personne qui a suivi la carrière de Bridgers jusqu’à ce jour mais, en tant qu’artiste sur Punisher, elle a réussi à faire un tel bond en avant créatif par rapport à son oeuvre déjà exceptionnelle qu’elle est, très franchement, bouleversante. Son travail a déjà été décrit comme « Indie Folk », et bien que certains éléments de cette description s’appliquent, les chansons créées pour cet album sont plus intéressantes, pleines d’une profondeur émotionnelle qui, parce que tout cela vient de Bridgers elle-même, se révèle tout à fait authentique. Cette authenticité donne aux chansons une qualité sincère que peu d’artistes sont capables de saisir. Même si l’album regorge d’invités spéciaux, comme les membres du groupe de génie de Bridgers Baker et Dacus, Conor Oberst, Nick Zimmer de Yeah Yeah Yeah et Jenny Lee Lindberg de Warpaint, parmi tant d’autres, c’est la voix unique de Bridgers qui ressort. Il est rare qu’un album puisse vraiment tout avoir, mais nous sommes là.

Punisher commence avec un  « nettoyeur de palais » tonificateur, « DVD Menu ». Il s’agit d’un instrumental lunatique, avec des cordes délicieusement tristes, qui vous prépare immédiatement à ce qui va suivre. Les « singles » « Garden Song » et « Kyoto » qui font suite à cet « opener », vous entraînent instantanément dans le monde que Bridgers a créé. « Garden Song » est porté par la mélodie vocale discrète et dynamique de Bridger qui flotte sur une guitare en arpèges et une grosse caisse assourdissante.

L’un des thèmes récurrents qui revient sans cesse dans Punisher est l’idée que Bridgers a tout ce qu’elle pourrait vouloir, qu’elle se sent mal à ce sujet ou qu’elle décide, peut-être à cause de cela, qu’elle n’en veut pas vraiment. Sur « Garden Song », elle chante « Non, je n’ai pas peur de travailler dur/Et j’ai fait tout ce que je voulais/j’ai tout ce que je voulais » ( No I’m not afraid of hard work/And I did everything I want/I have everything I wanted) et elle le fait d’une manière si triste qu’il est difficile de savoir si elle le pense vraiment. « Kyoto » est le morceau le plus optimiste de l’album, avec des arrangements de cuivres vraiment joyeux. Malgré le son fringant de la chanson, il contient des paroles très intenses sur le ressentiment personnel. Dans le refrain, Bridgers chante « I don’t forgive you/But please don’t hold me to it/Born under Scorpio skies/I wanted to see the world/Through your eyes until it happens/Then I changed my mind » (Je ne te pardonne pas/Mais s’il te plaît ne m’y oblige pas/Bnée sous les cieux du Scorpion/Ije voulais voir le monde/Au travers des tes yeux jusqu’à ce qu’arrve Ce qui m’a fait changer d’avis) le résultat est plus que déchirant. Ce motif revient dans « I See Yo » », avec sa batterie pulsée et son bruit de guitare aigu, elle y chante : « J’ai joué la mort toute ma vie, et j’ai cette sensation, chaque fois que je me sens bien, ce sera la dernière fois ». (I’ve been playing dead my whole life, and I get this feeling, whenever I feel good, it’ll be the last time) Elle déplore une relation qui, bien qu’elle ressente quelque chose en voyant cette personne, le fait qu’elle déteste sa mère et la façon dont « J’avais l’habitude de te te provoquer/Maintenant, je ne peux même pas t’avoir/Pour jouer de la batterie » (I used to light you up/Now I can’t even get you/To play the drums), qui est hilarante mais qui s’oppose à un « Parce que je ne sais pas ce que je veux/jusqu’à ce que je foire » (Cause I don’t know what I want/Until I fuck it up), qui est spécifiquement bouleversante.

Le titre « Punisher » flotte sur un riff de piano et est basé sur ses expériences avec les gens qui se réunissent autour de sa table de après les spectacles. « Et si je vous disais que j’ai l’impression de vous connaître/Mais qu’on ne s’est jamais rencontrés/Mais c’est mieux ainsi. » (What if I told you/I feel like I know you/But we’ve never met/But it’s for the best )Le sentiment est doux mais il est suivi de la révélation de cette personne ne sachant pas comment entamer une conversation et, de façon dévastatrice, ne sachant pas quand l’arrêter. Dans le saisissant « Halloween » » elle raconte qu’elle vit à côté d’un hôpital et qu’elle est constamment ennuyée par les sirènes. A tel point que sa réflexion sur « Être surpris de ce que je ferais par amour/Quelque chose à laquelle je ne m’attendrais jamais » (Being surprised on what I’d do for love/Something’s I’d never expect) se transforme en une déclaration impavide sur la visite d’un fan de sportbattu à mort à l’extérieur d’un stade.

La pièce maîtresse de l’album, « Chinese Satellite », est la chanson la plus hymnique que Bridger ait jamais enregistrée. Sa voix est claire et déterminée, sur des guitares en mode chorus, une batterie qui s’écrase et de belles cordes. Bridger’s fait preuve ici d’un sens de l’arrangement magistral. Là où la plupart des groupes poussent, elle tire, créant ainsi une tension dans les moments plus calmes, et retient son groupe, optant pour quelque chose d’un peu plus spécial que les moments typiques du « plus légers dans l’air » . « Moon Song » est entièrement imprégné de synthés luxuriants, de subtiles batteries électroniques et de lignes comme « We hate Tears In Heaven/But it was sad that his baby died » (Nous détestons « Tears In Heaven »/Mais il est triste que son bébé soit mort) qui capture le ton de ces simples confessions de fin de soirée partagées entre amants et amis. « Saviour Complex » est une chanson sur l’amour des jeunes, interprétée avec franchise, élevée par la main habile de Bridger à des harmonies vocales à résonance émotionnelle, qui se termine sur un rebondissement complètement discordant. Lorsque nous sommes arrivés à l’album, « I Know The End », d’une durée de presque six minutes, nous aurons témoignange incroyablement dense et passionnément chargé d’une Bridgers qui a orchestré un récit très personnel de ce que c’est que d’être une jeune personne qui essaie de naviguer dans le monde dans lequel nous vivons.

Punisher est un album rare. Un album qui a été très attendu et qui répond également aux attentes à tous les niveaux. Il y a une charge discrète qui élève chaque moment des chansons de Bridger au point où elles sont presque atrocement racontables. Oui, Phoebe Bridgers peut être décrite comme prolifique, mais il est plus juste de dire qu’elle et sa musique sont déchirantes, hilarantes, humaines et nostalgiques d’une époque que nous avons tous vécue et de moments que nous avons encore vécus.

****1/2


Christian Lee Hutson: « Beginners »

1 juin 2020

Sous sa forme magistrale, Beginners de Christian Lee Hutson a une profondeur et une accessibilité qui en font un album adapté à de nombreuses expériences d’écoute.

Fusionnant la chaleur de la campagne, les arrangements classiques et l’écriture de chansons du cœur, c’est un disque plein de caractère. Produit et interprété par Phoebe Bridgers, le récit est vif – et mêlant la pensée rationnelle à une émotion exagérée, Hutson documente un chemin de progression vers l’âge adulte qui résonnera aux oreilles de beaucoup. Le développement du timbre, associé à la candeur lyrique de Hutson, fait naître un lien d’amitié.

Poli dans son introduction, le premier numéro offre une incursion constante. Habillés d’une douce sérénade de guitares enfantines, « Atheist » et « Talk » évoquent un sentiment de nostalgie digne d’une production de Pixar dirigée par Sufjan Stevens. Mais malgré le prologue du conte de fées, des relents de ténèbres apparaissent bientôt dans « Lose This Number ». Les interjections vocales de Bridgers et les percussions imminentes font apparaître le regret d’un morceau que Hutson décrit comme « une fixation sur le passé ».

Au fur et à mesure que l’album grandit, l’intrigue s’amplifie. Ce qui a commencé par un jeu presque enfantin s’ouvre bientôt aux épreuves et aux tribulations de l’angoisse adolescente. Northsiders en est l’exemple parfait. Alors que Hutson se remémore ses passe-temps communs, comme apologistes de Morrissey et psychologues amateurs, le véritable génie de son art lyrique est mis en valeur. De la flottaison à la larme au bout d’un interrupteur, son esprit discret est mis en évidence.

Bien que cela ne soit pas évident à la première écoute, avec le recul, « Twin Soul » est un rafraîchissement bienvenu. D’une tonalité nautique, il offre une immersion dans l’album dont je ne savais pas que j’en avais besoin. Lorsque vous flottez sur le morceau éclairé par le corail, sa série de bips sonar vous met dans un état de tranquillité – avec l’ajout de trompettes colorées qui font le paon sur le morceau, un sentiment de bien être est instillé.

Pourtant, l’album ne suit pas le chemin direct vers la fermeture auquel « Twin Soul » a peut-être fait allusion. Dans ce qui fut personnellement l’un des spectacles vocaux les plus intenses de l’année, l’avant-dernier morceau, « Keep You Down », offre une réémergence brute dans la réalité. Magnifique mais presque traumatisant, Hutson et Bridgers s’engagent dans un chant du cygne de pure émotion. Rappelant Michael Stipe, ce morceau ajoute une dimension inédite à l’ensemble des compétences déjà impressionnantes de Hutson. Non filtrée, provocante et profondément intime, elle est vraiment touchante.

Regal et relaxant, l’album est un portrait honnête et romantique de l’adolescence et des histoires qui l’accompagnent. Alors que l’album se dirige vers son coucher de soleil sous la fanfare du dernier morceau, « Single for the Summer », il y a un véritable sentiment d’espoir – l’album mûrissant en quelque chose de bien plus complexe que ce qui semblait à première vue, et ironique pour un album intitulé Beginner. Malgré la douceur du récit de Hutson, ce qui est si particulier dans cette œuvre, c’est sa polyvalence. Pas une seule fois on ne se sent obligé de suivre sa trace. Hutson trace la voie, tout en encourageant l’aventure. Ce qui, au début, semblait être un album simplement agréable, devient vite un aliment émotionnel de base.

***1/2


Brigid Mae Power: « Head Above the Water »

29 mai 2020

« J’ai été nommé d’après toi. Oh, où est la force que je suis censée tirer de toi » (I was named after you. Oh, where’s the strength that I’m meant to get from you), chante Brigid Mae Power sur « I Was Named After You ». Dans une leçon d’empathie et de pouvoir de changement, l’auteure-compositrice-interprète de Galway nous apprend en trois courts vers que les grands obstacles émotionnels peuvent être renversés : « Et maintenant, je ne doute pas de la raison pour laquelle j’ai été nommé d’après toi, car c’est la vulnérabilité qui a finalement remédié à la situation. » (And now I’ve no doubt why I was named after you, cos it’s the vulnerability that did mend the situation in the end)

Head Above the Water est le troisième album semi-autobiographique de la chanteuse folk-country. Il a été enregistré à Glasgow et produit aux côtés du musicien folk écossais Alasdair Roberts et du mari de Power, Peter Broderick, ancien membre du groupe indie danois Efterklang. Power prend les détails intimes de sa vie – les petits moments qui changent tout – et leur donne une certaine grandeur. Son amant lui demande : « Lumières de la ville ou ciel de la campagne la nuit, que préfères-tu ? » (City lights or country skies at night, which do you prefer?) sur le morceau d’ouverture « On a City Night ». Une question si simple dans sa réponse que le couple décide où vivre ensemble en équipe – « La ville te va bien une nuit de ville » (The city suits you on a city night) – leur union cimentée.

D’un œil avisé, elle peut prendre les décisions – souvent difficiles à prendre – qui mènent à une vie plus saine. « I Had to Keep My Circle Small » est une histoire d’auto-préservation stoïque, et sa reprise de la chanson traditionnelle « The Blacksmith » montre les répercussions catastrophiques du mensonge. « Not Yours to Own » est rempli de conseils pour lutter pour votre place dans le monde et pour vous assurer que votre voix est entendue, qu’il s’agisse d’un murmure ou d’un cri.

Sur le plan des textes, elle fait preuve d’une incroyable prudence en examinant non seulement ses propres sentiments, mais aussi ceux des autres. Les chansons « We Weren’t Sure » et « You Have a Quiet Power » démontrent les vertus de la patience quand il s’agit de questions de coeur. Sa voix balayée par le vent ouvre toujours la voie dans des chansons qui ne sont jamais poussées au-delà d’un doux timbre de guitare ou d’un pinceau de bodhrán, ce qui signifie que le poids de ses paroles atterrit sans aucune confusion.

Comme le suggère le titre de l’album – et le morceau de clôture -, la vie est rarement facile pour quiconque, mais c’est la façon dont on affronte les difficultés qui compte. Même si elle se sent parfois dépassée, Power reste concentrée. Aucune décision n’est prise à la hâte et les conclusions sont tirées de manière organique. Délivrées en douceur, ce sont des leçons difficiles que nous devrions tous apprendre à temps.

***1/2


Vetiver: « Up on High »

25 mai 2020

Andy Cabic de Vetiver a une voix douce – c’est un peu comme Iain Archer (ex-Snow Patrol, ne sonne pas comme Snow Patrol). C’est mélodique et mélodieux, mais le style de chant de Cabic ne comporte pas beaucoup de variations. Comme les albums solo d’Archer (tous recommandés), c’est un son apaisant et chaleureux.

Il chante sur la vie ; l’ouverture, « The Living End « semble porter sur le vieillissement, « Une course pour la ligne d’arrivée / En retard mais je sais que je suis / Plus proche maintenant » (A race for the finish line / Late though I know that I’m / Nearer now), bien qu’il soit difficile à dire. « To Who Knows Where » est le suivant, et nous rappelle un vieux morceau acoustique des années 70, Traffic ou Blodwyn Pig peut-être, et encore une fois il semble parler de ce voyage connu sous le nom de vie, « Quel est ce fantasme / Cette longue route qui m’appelle / Vers qui sait où » (What’s this fantasy / This long road calling me / To who knows where), sa guitare acoustique accompagnée d’une douce guitare d’acier.

Le balancement est plus joyeux et plus présent, « Viens prendre ma main / Montre-moi où la nuit commence » ( Come take my hand / Show me where the night begins) chante-t-il, le balancement étant celui des palmiers, le son celui de REM. « Hold Tight » évoquera légèrement Steely Dan et on pourra également entendre des nuances de Tom Petty et Sniff ‘n’ The Tears.

Cabic a écrit les chansons à la guitare acoustique et a enregistré les bases dans le haut désert de Californie, et il a toujours la sensation intime d’un musicien jouant en direct et de manière détendue. Un son discret mais séduisant.

***1/2


Clem Snide: « Forever Just Beyond »

11 mai 2020

Il y a eu de nombreuses itérations de Clem Snide au fil des ans, mais il est maintenant devenu un pseudonyme pour Eef Barzelay. Forever Just Beyond le montre, lui et son ensemble actuel, dans ce qu’ils ont de plus dévastateur.

Produit par Scott Avett, qui joue également et a contribué à l’écriture de certains morceaux, cet album à dominante acoustique contient des mélodies apaisantes et des interprétations douces abordant des sujets lourds comme la vie, la mort et la transcendance.

Barzelay et Avett sont très créatifs, avec l’aide d’un excellent « support group » et les réflexions philosophiques des chansons permettent de faire des observations très mélodiques sur les circonstances de nos vies éphémères.

Comme Steely Dan, le surnom de Clem Snide est également tiré de l’œuvre de William S. Burrougmhs et fait référence à un personnage récurrent qui joue également le rôle d’un détective privé. C’est une analogie pertinente avec la curiosité de qui est véritablement  Barzelay.

« Roger Ebert » ouvre le disque sur les derniers mots du critique de cinéma – « C’est un canular élaboré » (It’s all an elaborate hoax) – et le passage d’une vie à la suivante. La chanson-titre, l’une des plus méticuleuses de l’album, tente de définir le divin comme quelque chose qui se situe en dehors des limites de la foi et de la raison : « Dieu est simplement ce qui se trouve pour toujours juste au-delà de la limite de ce que nous semblons déjà connaître » (God is simply that which lies forever just beyond the limit of what we already seem to know).

« The True Shape Your Heart » est magnifique mais il est aussid’un romantisme déchirant, et ici Barzelay sonne à mi-chemin entre Ron Sexsmith et Nick Cave. « Ballad of Eef Barzelay » renforcera cette notionque de la futilité du suicide, tandis que « Emily » proposera de son côté une recette difficile pour changer le monde – commencez par vous-même et « soyez plus gentil et courageux face à tout cela » (be more kind and brave in the face of it all .

Plus proche, « Some Ghost », co-écrit avacAvett, est un autre joyau musical atmosphérique dont les paroles tentent de donner un sens aux voix emprisonnées dans notre tête et indiquent une issue.

Né en Israël et basé à Nashville, Barzelay décrit sa dernière décennie comme une « montagne russe de désespoir profond et d’opportunités incroyables » (eollercoaster of deep despair and amazing opportunities) si on inclute son divorce, sa faillite et la généreuse donation d’un fan qui lui a permis de continuer sa carrière. Avec Forever Just Beyond, Barzelay montre qu’il a su tirer le meilleur de cette chance qui lui était offerte.

***1/2


American Aquarium: « Lamentations »

8 mai 2020

Ceux qui se sont plaints que l’album d’American Aquarium, Things Change en 201, était trop politique devraient probablement aussi ne pas écouter leur nouvel opus. Lamentations est l’œuvre la plus forte de BJ Barham à ce jour sur le plan lyrique, luttant contre les stéréotypes des « rednacks » et faisant ainsi de ce disque l’oeuvre la plus agressive et la plus brillante jamais réalisée un groupe qui porte , à cet égard, un regard lucide sur l’histoire, le présent et ce qu’il conviendra de changer.

Le programme est établi à partir du morceau d’ouverture « Me + Mine (Lamentations) », un morceau puissant sur une région exploitée par les compagnies pharmaceutiques et les candidats à la présidence (un homme politique se présente en promettant qu’il va rendre les emplois que Dieu lui-même n’a pas pu ramener) qui commence par un doux picking acoustique qui finit par se transformer en un mur de guitare déformée. 

Ailleurs, dans «  Better South », Barham attaque certains de ces fantômes du Sud de manière encore plus pointue : « Ici, ils se battent encore pour toutes les mauvaises raisons/Les anciens défendent encore ces monuments contre la trahison/Pour le bon côté de l’histoire, nous sommes toujours en retard/Nous continuons à discuter de la différence entre l’héritage et la haine » (Down here they’re still fighting for all the wrong reasons/Old men still defend these monuments to treason/To the right side of history we’re always late/Still arguing the difference between heritage and hate). C’est une lignée remarquable d’un fils de Caroline du Nord qui vit là-bas depuis des générations. En référence à une phrase qu’il a manifestement entendue à maintes reprises, le refrain dit : « On dit : chantez votre chanson, mon garçon, fermez votre bouche/Mais je crois en un Sud meilleur » (They say sing your song boy, shut your mouth/But I believe in a better South).

Plus qu’un simple album politique, Lamentations laisse cependant une large place à d’autres sujets. « The Day I Learned to Lie to You », par exemple, est une chanson d’amour autodérisoire d’une poésie presque déchirante, ponctuée d’un orgue de marécage qui ferait la fierté de Leon Russell et qui sort sur une impressionnante section de cors de Memphis. Son talent d’écriture est tout aussi précis lorsqu’il se tourne vers lui-même : « Je suis le genre de gars qui touche le fond, qui rit et qui vous demande ensuite une pelle » (I’m the kind of guy that hits rock bottom, laughs and then asks you for a shovel) , chante-t-il sur le charmant « Starts With You ». Barham confronte également sa propre sobriété sur le dernier morceau « Long Haul ».Ce titre est plus qu’une réflexion après coup. Il est remarquablement approprié compte tenu des tombes que Branham et son équipe ont creusées et des émotions qui les accompagnent. Lamentations est un disque puissant, sur lequel il travaille depuis quinze ans et cela mérite d’être entendu.

***1/2


Johanna Warren: « Chaotic Good »

7 mai 2020

Le nouvel album de Johanna Warren est une réintroduction. Pour son cinquième album solo, Chaotic Good, la musicienne de Saint-Pétersbourg, en Floride, avait l’intention de choisir un nouveau nom de scène jusqu’à ce qu’elle réalise qu’en se produisant sous son vrai nom depuis si longtemps, elle avait déjà créé un personnage. Avec ce personnage à l’esprit, et inspirée par le système d’alignement de Donjons & Dragons – une sorte de boussole morale – la décision de Warren de nommer son disque Chaotic Good est appropriée. Comme les locataires de cet alignement, le disque a la conscience tranquille ; même lorsque Warren crie des choses, elle est sévère mais jamais caustique. L’album n’a pas peur de prendre de nouvelles directions et ne se laisse pas enfermer dans la tradition comme le font beaucoup d’autres disques folk.

En plus de son travail dans le domaine de la musique, Warren pratique également la médecine à base de plantes, la guérison par le reiki et le tarot. La musique est également une forme de guérison pour elle. Dans une interview Warren raconte qu’elle a combattu une migraine en s’allongeant dans la baignoire et en chantant une note correspondant à la fréquence de la douleur, en tenant cette note jusqu’à ce qu’elle s’arrête. Pour les fans de Donjons & Dragons qui remarquent cet album à cause de son titre, ne la considérez pas comme un simple barde : elle est aussi classée dans la catégorie des druides ou des clercs. 

En ouverture avec « Rose Potion », la familiarité de Warren avec la nature et sa magie inhérente est évidente. En chantant la potion faite à partir de roses cultivées dans son propre jardin, Warren réfléchit aux différences de vision du monde entre elle et un de ses proches : « Ce que vous appelez Dieu / J’appelle les mystères de l’univers » (What you call God / I call the mysteries of the universe). Sa cadence sur les couplets de la chanson est brisée et staccato, ce qui lui donne l’impression d’être un chant, pour finalement se muer un battement sur son refrain

 

Le disque prend de nombreuses chances de contourner les conventions de la musique folklorique classique, en laissant Warren jouer avec différentes ambiances et différents instruments. L’obsédant « Bed of Nails » se laisse emporter par l’auditeur d’une manière qui rappelle la musique d’artistes comme Hand Habits. En plus du son raclant prêté par la guitare acoustique, la chanson crée un paysage sonore luxuriant de synthés aériens et de touches hypnotiques. La mélancolie de son arrangement musical est agréablement accompagnée par les paroles réfléchies de Warren dans lesquelles elle confronte le déni, ainsi que la façon dont ignorer les problèmes semble parfois être la seule façon de ne pas les sentir réels. À chaque fois qu’elle répète « chaque jour, c’est un peu plus difficile à croire » (each day it’s a little harder to believe), l’impact du message devient plus réel et donne à réfléchir.

Le point médian de l’album, et le sommet expérimental, est atteint avec « Twisted ». La voix stellaire de Warren y occupe le devant de la scène, atteignant des sommets d’émotion incroyables. Qu’il s’agisse d’un effet vocal ou que sa voix puisse vraiment atteindre un ton aussi puissant n’a aucune importance avec une prestation aussi touchante. À la fin de la chanson, sa voix commence à s’effriter, comme si elle se dissolvait dans la fumée. Il n’y a pas vraiment de refrain dans la chanson, mais chaque ligne suit le même schéma, montant et descendant, puis montant haut. Elle crée des raz-de-marée d’émotion avec sa voix. Le son de la guitare de Warren porte la moindre nuance de flou, comme s’il avait été arraché à une des premières chansons de Liz Phair. 

En embrassant les aspects du jeu de rôle inhérents à la vie, Warren a créé son œuvre la plus fraîche et la plus inventive à ce jour. Sa présence se fait sentir dans chaque note, et chaque chanson est drapée dans une ambiance parfaitement choisie pour elle. La musique de Warren a un aspect envoûtant, et qu’elle vienne de son timbre de voix délicat et frémissant ou de l’effet de boucle dans ses arrangements, chaque chanson est unique. Dès la première écoute, il est évident que personne d’autre n’aurait pu faire ce disque.

****


Matt Holubowski: « Weird Ones »

26 février 2020

L’auteur-compositeur-interprète québécois Matt Holubowski vient de sortir son troisième album Weird Ones, la suite tant attendue de son disque d’or Solitudes de 2016. Weird Ones est une extension captivante du son et de l’écriture de Holubowski, avec des revisitations de ses racines folkloriques tout au long de l’album.

Le disque s’ouvre sur la chanson-titre qui reprend là où Solitudes s’est arrêté.Elle se concentre sur la voix et la guitare acoustique de Holubowski, puis introduit lentement les nouveaux sons et éléments de production qui viendront plus tard façonner le disque. Elle fait place ensuite à « Two Paper Moons » où la nouvelle direction de Holubowski se déploie complètement. La basse et la batterie sont au premier plan de la piste et de courtes lignes de synthétiseur sont tracées à gauche et à droite, surgissant de façon inattendue. Avec les nouveaux éléments électroniques introduits, l’album flotte, si ce n’est librement, du moins d’une manière très différente des travaux passés du musicien.

La basse et la batterie de cet album sont, en effet, dissemblables de celles sur Solitudes dans le sens où elles ne soutiennent pas seulement la fondation de la composition mais sont devenues des éléments indépendants avec des moments où elles brillent. Il y a des parties puissantes de l’album où tous les instruments sont construits puis soudainement étouffés par le doux doigté d’une acoustique.

La voix de Holubowski est étonnante et elle est délivrée d’une manière qui permet aux chansons de respirer. Sur les morceaux plus atmosphériques, il ne chante que lorsque c’est nécessaire, et c’est d’autant plus puissant lorsqu’il le fait enfin. Cet album contient quelques-unes des meilleures compositions de Holubowski à ce jour. Il y a des refrains folkloriques accrocheurs sur des chansons comme « Greener » ainsi que des voix plus soul et insistantes sur des titres comme « The Highlands ». Holubowski écrit ses mélodies de manière à ce que ses notes soient imprévisibles mais toujours accessibles et invitantes à chanter. La mélodie d’ouverture de « Weird Ones » en est, à ce titre, un exemple emblématique du disque lorsqu’elle réapparaît dans « Weird Ones II ».

Parmi les autres moments mémorables de l’album, citons la fin de « Around Here » », où le chant héroïque s’estompe et où l’on n’entend plus qu’un cri d’oiseau. Le dernier refrain de « 

« Down the Rabbit Hole » est un autre moment profond avec la section des cordes qui s’élève au-dessus du morceau et la brève ligne de guitare qui arrive aussi vite qu’elle part. L’avant-dernier titre , « Mellifluousflowers », reviendra au son dépouillé de Solitudes et sera est le parfait précurseur du final de près de dix minutes « Love, The Impossible Ghos » ».

Weird Ones est une expérience éthérée qui marque un nouveau territoire pour Holubowski sans pour autant laisser derrière elle l’esprit des Solitudes ou d’Ogen ; c‘est juste un autre paysage qui, à l’écoute, vous récompensera de l’avoir exploré.

***1/2


Syko Friend: « Fontanelle »

20 février 2020

Syko Friend est la vision solo de la musicienne et écrivaine Sophie Weil, basée à Los Angeles. Elle a créé Syko Friend en 2012 alors qu’elle vivait à Minneapolis, en enregistrant simplement sur un Tascam 244 Porta-studio. Depuis, le projet s’est transformé en une musique folk électrique, sans équivoque, qui se fait entendre au son d’une guitare légère et tonitruante, sous des chuchotements ou des hurlements de poésie. Fontanelle est le deuxième LP de Syko Friend, son premier depuis son installation à Los Angeles en 2015, et son premier pour le label Post Present Medium, qui vient de renaître. Il a été précédé de Problem Child (sorti sur le label Mind Rider de Minneapolis en 2014) et d’une myriade d’EP et de cassettes autoproduits. En six ans d’engagement infatigable dans les tournées de bricolage sonore et d’entraide, Weil est devenue un pilier de sa communauté musicale à Los Angeles, organisant des spectacles et des sorties pour une cohorte d’amis très variés et d’une grande portée sous la bannière de son label Dove Cove Records.

Elle est connue pour la lourdeur de ses concerts de sensibilisation et s’est produite en tant que Syko Friend dans des clubs underground, des centres communautaires, des sous-sols, des parcs, des parkings, des forêts et des fermes partout aux États-Unis, dans des villes à la fois peuplées et souvent négligées.

Fontanelle fait référence à la tache molle et non développée sur la tête d’un enfant. Ce disque mérite son titre surprenant, vulnérable et tectonique comme celui qui comble la brèche dans le crâne. Désireux d’être soigné, il fait preuve d’utopie et de scepticisme tout en participant à la vie de la commune. Désireux d’amour, de franchise, de communication et de nourriture gratuite. Dans cet album, Syko Friend est irradiée, clarifiée, sort de l’ombre, a soif d’air frais et l’enfer est prête à s’épanouir. Sa voix riche et humaine tourne patiemment dans l’œil d’une tempête qui fait rage juste hors champ au-delà de la coque rouillée et parfumée de son sanctuaire sous-marin. C’est une musique de conspiration, qui rappelle par moments la rafale de camarades Body/Head, l’approche avant-gardiste des Rallizes, la lucidité et la puissance discrète de Sibylle Baier.

« Liberty », le premier titre de Fontanelle, s’est étoffé lors d’une tournée sur la côte ouest il y a quelques automnes. Il s’ouvre sur une sirène malsaine de tourbillon de guitare qui établit l’espace. « Remind me how to write your name » (Rappelle-moi comment écrire ton nom). Quand la voix de Weil arrive, elle se fait entendre à travers une belle mais menaçante pastorale à Los Angeles, celle faite de fermes de mauvaises herbes, de petites villes de cabanes et de baraques, de wapitis en migration ; de sables noirs et de bords rocheux luxuriants, incroyablement verts, de soleil brumeux de fumée provenant de feux de forêt dévastateurs. « …And I can drink the juice out from your broken glass / it’s heavy when the lights get low to recognise / and all to see the elk they kneel around me in a circle / that’s mother earth she’s standing with her smoking gun. » (…Et je peux boire le jus de votre verre brisé / c’est lourd quand les lumières sont basses pour reconnaître / et tout ça pour voir les élans qu’ils agenouillent autour de moi en cercle / c’est la terre mère qu’elle tient avec son pistolet fumant.) On y trouve tour à tour des aveux, des incantations, des adresses directes, des accusations accablantes, comme les verbalise Syko Friend. « Kitten Coop », l’avant-dernier morceau du disque, est d’aspect plus doux, un simple arrangement de guitare carillonnée et triée sur le volet, suivi d’un murmure acoustique. Celui-ci est une chanson d’amour à une vie plus simple, de l’avoine trempée dans du lait et du miel, un papier d’aluminium à la fumée que nous avons toussé pour arriver jusqu’ici sur le disque. Ce n’est pas le rêve d’un pays imaginaire, mais le désir d’un lieu d’abondance modeste et réalisable. Une directive sérieuse, éclaboussée de désinvolture et couronnée d’une belle promesse : «  So find your kitten ranch / and buy your chicken coop / and I can see the fine light / that love is all around you. » (Alors trouvez votre ranch à chatons / et achetez votre poulailler / et je peux voir la belle lumière / que l’amour est tout autour de vous.)

Fontanelle a été tendrement enregistré et mixé par Robert Cody et Evan Burrows au printemps 2019. Les guitares électriques ont été suivies dans le garage de Weil. Les voix et la guitare acoustique ont été enregistrées dans son placard et sa salle de bain. Sa maison est située entre la I-5 et la rivière L.A., dans la vallée de l’Elysée. Un micro contact fixé à la porte du garage pendant le suivi de base a capté ces ambiances, qui sont mélangées dans le disque comme matériau, invitant l’extérieur à entrer. Un disque accueillant et nous souhaitant la bienvenue.

****