Nightshift: « Zoë »

31 mars 2021

Les supergroupes ne sont pas toujours la meilleure idée. En parcourant les listes des « meilleurs supergroupes de tous les temps », seuls un ou deux nous semblent être de véritables réussites (Nick Cave and The Bad Seeds, Crosby, Stills, Nash & Young). Il y a tellement d’accidents de voiture prétentieux et de combinaisons grand public qu’il est rafraîchissant de voir arriver un groupe qui fonctionne vraiment. Nightshift, originaire de Glasgow, est composé d’un casting brillant issu de la scène underground britannique : Andrew Doig (Robert Sotelo, Order Of The Toad), David Campbell (anciennement de I’m Being Good), Chris White (Spinning Coin), Eothen Stern (2 Ply) et Georgia Harris. Compte tenu de l’exode massif de ces dernières années de Londres vers Glasgow, la ville est un creuset croissant de créatifs exceptionnels.

Formé en 2019, nous avons complètement manqué leur premier opus autoproduit l’année dernière et nous le visiterons certainement rétrospectivement.

Nightshift a assemblé Zöe pendant le confinement de 2020, enregistrant séparément dans des home studios, se passant des boucles et superposant des idées folles par-dessus. D’une certaine manière, cela semble incroyablement cohérent et très bien produit.

Le premier morceau, « Piece Together », est délicat et presque méditatif. Il tourne autour d’un simple groove de basse semblable à celui de DEUS et nous trompe quelque peu sur ce à quoi nous devons nous attendre. « Spray Paint the Bridge » est fabuleusement tordu. La séquence d’accords simple et bancale et la voix rythmée proviennent de l’école de pop de Terry. Les touches de clarinette jazzy sont fantastiques. Cela rappelle Kaputt, un autre groupe de Glasgow, mais sans le strut.

Les premiers sons de style dEUS (bien sûr, c’est juste notre cadre de référence) reviennent sur « Outta Space ». Les légères courbes et harmoniques bizarres rappellent des morceaux comme « A Shocking Lack Thereof » et « Great American Nude ».

Mais la comparaison s’arrêtera là. En effet, les voix spatiales et les grandioseseffets en pâmoison des synthés créent une sensation presque trip-hop. Et elle est subtilement ludique.

« Make Kin » est plus optimiste. Le son sale de la basse crée une texture satisfaisante dans une sorte de groove no-wave « Need New Body ». C’est le morceau le plus « in your face » jusqu’à présent et Nightshift prend alors un virage légèrement plus pop avec le morceau « Fences » de Doig. Le son y est glorieux presque baîllantet offre oujours un plaisir à entendre, surtout avec des mélodies qui rappeleront Harry Nilsson. Musicalement, il approndira alors tune sensation de jam ouverte qui se marie bien avec le reste de l’album.

« Power Cut » est une composition absolument magnifique. Le drone du synthétiseur et la section rythmique des Talking Heads s’étendent jusqu’à un merveilleux point culminant optimiste et euphorique qui comprend des mélodies feel good à la Sacred Paws, le mur de son de My Bloody Valentine et une ligne de synthétiseur triomphante des années 80 de Springsteen. La voix du refrain nous rappellera étrangement le « Prince Charming » d’Adam Ant ( !).

Il est suivi par le scintillement sinistre d’ « Infinity Winner » arboranr un soupçon de The Sea et de Cake. Les touches staccato et la superbe ligne de guitare soutiennent la voix de Doig, qui semble presque endeuillée. « Romantic Mud » est éparpillé et fusionné, à l’image de Tortoise, avec un chant presque culte et un son de synthétiseur bizarre et guêpier dans le refrain. Cette approche hachée se poursuit dans la chanson titre « Zöe ». Le rythme 5/4 devient lentement méditatif, tandis que la guitare en sourdine et le rythme de la batterie s’installent comme un hamster qui tourne constamment sur une roue.

Le chant se situe quelque part entre la beauté de Bas Jan et le plaisir chantant de Sacred Paws, déjà mentionné. Comme toutes les bonnes choses, cela doit avoir une fin, et Nightshift va, ici, ermr boutique avec le sobre et rêveur « »Receipts ».

Savoir que tout cela a été réalisé en vase clos est remarquable. Tout au long de Zöe, le groupe semble complètement en phase les uns avec les autres. Chaque chanson se développe d’une manière tellement organique qu’on a l’impression qu’elle est le produit de plusieurs sessions de jam en groupe. C’est un album vraiment spécial réalisé par un e réunion de musiciens fantastiques qui, à chaque écoute, nous immergentdavantage dans leur monde cyclique. Un must absolu !

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Lost Horizons: « In Quiet Moments »

31 mars 2021

Dans une interview accordée au média britannique Loud and Quiet en 2014, l’ex-propriétaire du label Cocteau Twins et Bella Union, Simon Raymonde, se souvient d’un simple voyage à New York pour obtenir un inhalateur pour son asthme, qui a donné lieu à un bilan de santé compliqué concluant qu’il aurait dû, à l’époque, être mort. Lles médecins se sont trompés car pisque, six ans plus tard, l’homme a surmonté une pandémie, enregistré un disque incroyable et signé autant d’artistes qu’il a pu faire entrer dans l’immeuble de bureaux de Bella Union.

Lost Horizons est le fruit de la collaboration entre Simon Raymonde et l’ancien membre de Dif Juz Richie Thomas, une relation qui remonte à l’époque où ils étaient frères d’armes au sein de l’emblématique label londonien 4AD, qui a accueilli Cocteau Twins et Dif Juz dans les années 80 et au début des années 90, dans le cas du premier. Cependant, ce n’est pas comme si le plan avait été mis en route à ce moment-là. En fait, les deux musiciens étaient en hiatus depuis 20 ans lorsqu’ils se sont retrouvés en 2017 pour la conception et la sortie du premier album de Lost Horizons, Ojalá. Avec un nouvel espoir dans la musique, fortement soutenus par le formidable roster de Bella Union, les deux ont commencé à poser les bases d’une suite. Le projet a connu son premier coup dur lorsque la mère de Raymonde est décédée, ce qui a fait de Lost Horizons un catalyseur de son chagrin. Seize titres instrumentaux sont écrits de manière improvisée et envoyés à une vaste sélection de chanteurs et de compositeurs, la plupart appartenant au label de Raymonde, qui feront partie de ce deuxième disque.

Le thème de In Quiet Moments a été fixé par la débâcle qu’a été 2020, l’année de Covid-19. En essayant de discerner les petits feux inébranlables qui alimentaient encore chaque cœur humain dans le monde, Raymonde et Thomas ont réalisé que si quelque chose de bon était sorti de la pandémie, c’était que, en général, tout le monde avait pris du recul et s’était arrêté pour contempler et réfléchir. C’est une partie des paroles écrites par le légendaire chanteur de Portland Ural Thomas, qui joue sur la chanson titre, qui a créé l’ambiance sombre mais contemplative des seize morceaux qui forment le deuxième recueil de chansons de Lost Horizons, et qui lui a également donné le titre nécessaire pour représenter cette idée.

Il faudrait beaucoup de temps et d’espace pour entrer dans le détail de chaque morceau de In Quiet Moments, et les points forts seront très probablement différents selon la personne qui se trouve de l’autre côté des enceintes. C’est pourquoi il faudra aborder brièvement la plupart des chansons incluses, en me concentrant sur celles qui, pour une raison ou une autre, peuvent le plus résonner en nous, tout en énumérant, sans ordre particulier, certains des noms qui ont contribué au deuxième album de Lost Horizons. Comme on peut s’y attendre, compte tenu du cursus de Raymonde et Thomas, la base de tous les morceaux et une bonne partie de l’écriture leur est revenue, Raymonde étant en charge de la basse, des guitares et des claviers et Thomas s’occupant de la batterie et, occasionnellement, des claviers et des parties de guitare supplémentaires. Avec Raymonde crédité comme seul producteur et Matt Colton derrière le mastering, l’album a été enregistré dans les studios Bella Union à l’est de Londres et il a été confié à quinze chanteurs différents et quelques musiciens supplémentaires pour lui donner les touches finales et définitives qui ont abouti à l’une des sorties les plus intéressantes de 2021 jusqu’à présent.

La première moitié deu disque sorti en décembre de l’année dernière, s’ouvre sur « Halcyon », un morceau lent et psychédélique, interprété par KookieLou et Jack Wolter, membres des Penelope Isles de Brighton. Peu après, l’album passe rapidement du psychédélisme au funk lo-fi de The Hempolics et à la remarquable performance vocale de Nubiya Brandon dans « I Woke Up With An Open Heart ». C’est un changement de rythme rapide et risqué, qui semble décousu au début, mais au fur et à mesure que le disque avance, on se rend compte que le lien entre eux est plus fort qu’il n’y paraît. Après deux pistes, certains détails commencent à faire surface : la production, qui laisse beaucoup d’air aux chanteurs pour respirer et briller, et l’instrumentation très subtile mais délicieuse de chaque piste de cet enregistrement. L’une de nos chmpositions préférées, la troisième, « Grey Tower », met en scène l’ex-Midlake Tim Smith qui offre l’une des performances les plus émouvantes de l’album. Elle est immédiatement suivie de « Linger », un morceau dark wave broyant et groovy mené par la voix de la sensationnelle Gemma Dunleavy de Dublin.

La première moitié de l’album comprend également des éléments tels que Dana Margolin du groupe post-punk Porridge Radio au chant et Paul Gregory, de Lanterns on the Lake, à la guitare dans « One For Regret », la chanteuse suédoise Kavi Kwai qui fait revivre l’esprit de Cocteau Twins avec « Every Beat That Passed », et John Grant, des Czars, croonant sur le lynchien « Cordelia » sur un arpège de guitare fantôme et les cordes de Fiona Brice (Gorillaz, Placebo) embrassant le morceau comme un manteau d’ombres.

La seconde moitié de In Quiet Moments, est également de très bon goût, avec le titre précédemment mentionné magnifiquement interprété par Ural Thomas, laissant place aux performances de l’auteur-compositeur écossais C Duncan sur  » »Circle » », de Ren Harvieu, nominé 2012 pour le BBC Sound, sur le cinématique «  Unraveling in Slow Motion » et de Laura Groves (alias Blue Roses) sur l’un des morceaux les plus doux de l’album, « Blue Soul », qui comprend également la guitare de Petur Hallgrimsson, musicien de session de Sigur Ros et Kylie Minogue. Lorsque « lutter » arrive, mené par la voix de Rosie Blair, chanteuse de l’école de ballet de Berlin, l’ambiance s’est profondément installée. La deuxième œuvre de Lost Horizons est fortement marquée par un sentiment mélancolique dont il est impossible de se défaire. Les notes de piano disparaissent dans la réverbération tandis que les cordes les guident aux côtés des belles mélodies de Blair, rappelant les compositions d’Akira Yamaoka pour la série Silent Hill. L’un des noms les plus populaires du label, la diva américaine du dark folk, Marissa Nadler, est présente sur « Marie », qu’elle transforme facilement en un morceau à part entière, Richie Thomas livrant également une performance magistrale à la batterie. L’album s’achève sur deux titres interconnectés, la pop onirique de « Heart of a Hummingbird », menée une fois de plus par la voix de Penelope Isles, KookieLou, suivie par le piano endeuillé qui mène « This is the Weather » » qui accompagne le dernier morceau, la voix toujours incroyable de Karen Peris, membre de The Innocence Mission.

In Quiet Moments rappelle un album qui a marqué une génération d’artistes pendant la seconde moitié des années 80, un projet connu sous le nom de This Mortal Coil introduit par un album intitulé It’ll End In Tears, qui a été inspiré par le directeur de 4AD, Ivo Watts-Russell, et auquel Raymonde a participé en tant que membre de Cocteau Twins, aux côtés de membres des Pixies et de Dead Can Dance pour n’en citer que quelques-uns. Après l’une des pires années de l’histoire moderne, Raymonde et Thomas ont rendu possible une célébration différente mais en même temps très similaire. Une célébration qui se réjouit de Bella Union et de sa magnifique liste d’artistes, et en plus, une célébration de la renaissance, de l’espoir, et un doux rappel que la musique traversera les ténèbres les plus épaisses pour vous retrouver de l’autre côté. Une pensée apaisante, bien nécessaire après les trop nombreux moments de calme de 2020.

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Ben Howard: « Collections From The Whiteout »

29 mars 2021

Ben Howard s’est depuis longtemps imposé comme le meilleur auteur de compositions mélancoliques de Grande-Bretagne. Son premier album Every Kingdom – sorti il y a dix ans – est arrivé à un moment où la pop folk acoustique atteignait son apogée. Plein de ballades joyeuses et sincères et de chansons boisées pimpantes, il a lancé Howard dans le grand public et lui a valu deux Brit Awards (Best Male et Breakthrough).

Bien qu’extrêmement réussi, ce n’était pas un indicateur de l’étendue, de la complexité et de la profondeur des émotions que sa musique allait devenir. L’album suivant, I Forget Where We Were, s’éloigne du son acoustique commercialisé et s’oriente vers un monde plus sombre, plus obscur et plus profond, tant dans ses paroles que dans ses mélodies plus complexes. Noonday Dream, sorti en 2018, a une fois de plus orienté Howard vers une direction plus progressive et expansive, dans laquelle la voix de Howard ne fait plus qu’un avec un buzz désormais électronique et distordu, un autre instrument dans une brume encombrée.

Cela nous amène à son nouvel album, Collections From The Whiteout, qui, pour une fois, au lieu d’entraîner l’auditeur dans une nouvelle direction stimulante, se penche sur sa discographie et la fusionne en un bel ensemble. Il est logique qu’à un moment aussi important de sa carrière, Howard ait réfléchi à ce qui l’a précédé, pour créer ce qui pourrait bien être son œuvre la plus intéressante à ce jour. La production du disque a été confiée à l’omniprésent Aaron Dessner de The National, connu pour son incroyable travail d’orchestration, de composition et de production avec le groupe alternatif acclamé par la critique, ainsi que pour ses récentes collaborations avec Taylor Swift et son partenariat avec Bon Iver (sous le nom de Big Red Machine). Son empreinte se fait sentir dès l’ouverture avec un un  « Follies Fixture » enveloppée d’un tournoiement de flûtes électroniques, avec au cœur une belle série de bips, Howard et sa guitare émergeant lentement, comme s’il sortait de son hibernation. De même, l’excellent « Sorry Kid » va se développer à partir d’un battement de tambour de synthétiseur 808, pour devenir une sublime pop-song alternative.

Le premier « single » « What A Day » est tout simplement incroyable : ce n’est pas seulement le point culminant de l’album, mais un exemple fantastique de la vision de l’album dans son ensemble. Le falsetto occasionnel, mais toujours percutant, de Howard est le point focal de ce magnifique morceau acoustique, presque sarcastiquement rhétorique, alors que Howard se demande fréquemment « Où va le temps ? ». Sa magnifique mélodie sous-jacente tirera à la fois sur votre corde sensible et sur votre cerveau pendant des semaines.

Sur le plan thématique, le disque est intriguant et existentiel. « Crowhurst’s Meme », par exemple, est une exploration du côté universel non documenté de l’histoire de Donald Crowhurst, un homme d’affaires britannique mort en mer à la fin des années soixante. Howard, comparant ses parties de guitare synthétiques bancales à un sentiment de mal de mer, fait dériver son esprit vers l’histoire de Crowhurst. Le morceau qui en résulte vous laisse bercé par les synthés ondulants, guidé par l’incroyable lit vocal d’Howard. « The Strange Last Flight Of Richard Russell » reflète, lui, le voyage d’un ingénieur malhonnête qui a détruit un avion et sa propre personne il y a quelques années, une histoire sombre contrastant fortement avec la légèreté et l’impression d’espace de la chanson, on a presque l’impression d’être à des milliers de pieds dans les airs en écoutant la voix ardente de Howard sur la production glaciale et presque spatiale de Dessner.

Collections est l’album le plus paisible qu’Howard ait jamais produit, et même si cette observation peut paraître étrange, elle a un impact significatif sur l’auditeur. Cela commence symboliquement sur la pochette – où Howard est simplement affalé sur une chaise – se poursuit avec son sourire insaisissable dans le clip sombre et comique de « What A Day », et enfin, dans le son, car sa voix semble légère et presque dépourvue d’effets vocaux, flottant au-dessus de la production électronique et expérimentale plutôt que de se cacher sous elle. Le xôté buggé de « Finders Keepers » et le folky blues de « Far Out » en sont des exemples parfaits en s’insinuant lentement à l’esprit. C’est un disque véritablement émouvant, qui s’imprègne de vous, et qui mérite un casque pour en profiter pleinement.

Il y a quelques morceaux, pourtant, qui manquent légèrement leur but, « Rookery » est une chansonnette à la Joni Mitchell, avec un son jovial et piquant qui, bien que joli, semble plus adapté à un café de petite ville qu’au grand paysage sonore expansif qui a été soigneusement créé ici. « Unfurling », quant à lui, a aussi ce petit côté désaccordé qui entre en conflit avec le monde électronique onirique dans lequel vous avez été plongé pendant la majeure partie du disque.

Il aura fallu attendre aussi longtemps pour entendre l’association de Howard et Dessner, un mariage apparemment parfait. Howard offre à Dessner quelque chose de tout à fait différent à travailler, un auteur-compositeur plus intéressé par l’exploration du monde que par lui-même, tandis que la production électronique et les boucles de Dessner mettent au défi et freinent l’envie de Howard de développer ses chansons à l’infini (comme il l’a fait sur Noonday) afin de présenter un mélange irrésistible de folk progressif et d’électronique qui est suffisamment étrange et complexe pour les fans de longue date, mais captivant et accueillant pour les nouveaux auditeurs qui veulent découvrir un son d’un autre monde.

***1/2

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Francisco Sonur: « Morning Trials »

29 mars 2021

Commençons par « l’éléphant dans le magasin de porcelaine ».  Cet album ressemble beaucoup à Sigur Rós, plus précisément à la période médiane mélodique du groupe.  Mais nous aimons Sigur Rós, et le groupe a depuis déserté ce son, tandis que Jónsi est devenu vocal avec une tendance à l’art-pop. Sigur Rós s’est séparé de son batteur, et Jónsi s’est séparé d’Alex, de sorte que nous n’entendrons peut-être plus jamais de tels sons… de leur part.  Aujourd’hui, l’artiste argentin Francesco Sonur, basé en Australie, a repris avec insolence ~ mais avec succès ~ le modèle abandonné et l’a fait sien.  Grâce à Time Released Sound, il a également obtenu un emballage de luxe, bien que l’album soit également disponible dans une édition standard (mais toujours assemblée à la main).

Le caractère intercontinental de l’artiste, associé à l’influence islandaise, alimente le thème des rêves de voyage.  Le monde entier a envie de se rendre ailleurs en ce moment, dans l’attente de la levée des restrictions, dans l’espoir de revoir des êtres chers et d’enrichir son expérience globale.  Les tickets de métro, les pages d’atlas, les cartes des étoiles et les instantanés de l’édition de luxe suscitent des associations, tandis que la musique est à la fois terre-à-terre et aérienne.  Les voix de la famille sont parsemées dans l’ensemble ; l’artiste admet que l’album a été enregistré entre deux périodes d’enseignement à domicile.  Combinez le fait main et l’enregistrement à domicile, et Morning Trials devient un album intensément personnel, chaleureux et engageant.  Si ce sont des « épreuves », elles ont été surmontées.

L’album commence par l’enregistrement sur bande d’une boîte à musique jouant  » »Jingle Bells » ~ une double forme de retrait qui sonne néanmoins intime.  La boîte à musique est rangée et le piano commence à jouer.  Des instruments qui tremblent et des jouets d’enfants entrent en scène ; nous lisons que Francesco est un père, et nous apprécions le fait qu’il ait fait de la composition une affaire de famille.  Lorsque les cloches, les sons aigus et les persussions apparaissent, nous sommes transportés dans le monde éthéré que nous appelions autrefois Hopelandic.  L’album entier ressemble à une évasion, ou au rêve d’une évasion, comme prévu.  C’est de la musique pour s’évader, en insistant sur l’évasion.  Pendant ce temps, Sonur a travaillé sur son bus Spirit, anticipant l’opportunité de faire une tournée dans son pays d’adoption.

Au milieu de l’album, un segment mère-fille-xylophone brise le troisième mur.  C’est l’équivalent auditif de regarder à travers un viseur la famille heureuse qui boucle ses bagages et prépare le bus.  Le titre « Sunflowerchild » est parfaitement choisi ; c’est l’été en Australie en ce moment, et Spirit sonne comme le « Magic Bus » des Who.

Alors que l’on pense que l’album a partagé toutes ses surprises, le cor de Juan Aout apparaît sur « Friend Like Oars », chassant le froid.  Bientôt, il y aura un feu, et des grillons, et « Medias De Lana ».  Les leçons ont été rangées.  Papa joue près du feu de camp.  Si nous ne pouvons pas partir tout de suite, il y a toujours moyen de faire d’un jardin une aventure, tout en rêvant à toutes les aventures que nous aurons, il était une fois, dans pas longtemps.

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Julien Baker: « Little Oblivions »

28 mars 2021

Bien qu’on puisse adorer la musique de Julien Baker, jon doit souvent être dans une certaine humeur pour l’écouter. Son style particulier de musique d’auteur-compositeur-interprète brutalement honnête n’est évidemment pas adapté à une fête ou à une promenade en voiture, elle l’est aussi le plussouvent, pour une écoute même occasionnelle. Habituellement, la musique de Baker accompagne le genre de moments de désolation et de recherche qu’elle a elle-même explorés sur Turn Out the Lights en 2017 et Sprained Ankle en 2015. Cependant, cet aspect pourrait avoir changé avec son travail le plus récent. Julien Baker semble réinventée avec ceLittle Oblivions, employant un son élargi qui est instantanément gratifiant et « hymnesque », vous attirant avant de vous frapper avec toute la force de son poids émotionnel écrasant.

Alors que les premiers instants de Turn Out the Lights sont discrets et méditatifs, s’ouvrant sur une porte grinçante et un instrument de piano atmosphérique, Baker annonce son retour de manière spectaculaire sur Little Oblivions. Les tonalités gonflées, voire ampoulées, du début de « Hardline » ne ressemblent à rien de ce que l’on a pu entendre jusqu’à présent dans sa discographie, avec des batteries qui s’écrasent et des guitares distordues, rendant son son plus riche et vibrant que jamais.

Baker a déjà plaisanté dans des interviews au sujet de cet album, le décrivant comme son moment « Dylan goes electric », et la comparaison est pertinente dans le choc initial des synthétiseurs poignardants de « Hardline ». Bien sûr, les antécédents sont là depuis longtemps chez elle, à la fois dans les moments forts de Turn Out the Lights et à l’époque où Baker faisait partie de groupes punk. Une comparaison plus proche de l’un des contemporains de Baker pourrait être My Woman d’Angel Olsen, et Baker se fond parfaitement dans le moule du chanteuse/compositrice rock. Les hauteurs étonnamment magnifiques de « Relative Fiction » ou « Ringside » n’ont jamais l’air d’un gadget cynique et ne font que renforcer l’impact de ballades déchirantes comme « Crying Wolf ».

Malgré une palette instrumentale élargie, Little Oblivions est peut-être aussi l’album le plus sombre de Baker. Pour une artiste connue depuis longtemps pour ses œuvres à l’émotion décourageante, ce n’est pas un mince exploit. Ses réflexions autodestructrices sont tout aussi présentes et tranchantes que sur ses précédents travaux, et ne sont en rien atténuées par la grandeur instrumentale du disque. Ce n’est pas surprenant, étant donné que le disque a été écrit dans une période immensément turbulente pour Baker personnellement, puisqu’elle a annulé sa tournée de 2019 pour des raisons de santé et s’est éloignée de la musique pour terminer son diplôme.

Les démons de Baker sont une présence constante, tout comme son inexorable attirance pour eux. « Faith Healer » examine le désir de s’abandonner à l’évasion de l’addiction avec une honnêteté dévastatrice, comparant les substances à la fausse paix d’un guérisseur de foi grivoise. Dans ce disque, Baker est au plus bas, mettant à nu ses pires impulsions et ses moments les plus brisés. « Bloodshot » marie ainsi les éléments acoustiques et complets du disque, mettant en évidence sa plus grande confession avec un accompagnement minimal au piano, tandis que Baker chante : « Je fais n’importe quoi en sachant que tu me pardonnerais / Il n’y a pas de gloire en amour / Seulement le sang de nos cœurs » (I do anything knowing you would forgive me/There’s no glory in love/Only the gore of our hearts).

Tout au long de l’album, Baker demande à un auditeur inconnu de lui pardonner, mais ne cache pas qu’elle ne pense pas le mériter. Les moments les plus crus du disque s’accompagnent de confessions brutales, dont la plus déchirante se trouve dans la douleur tranquille de « Song In E ». Connue des fans sous le titre « Mercy », Baker nie qu’elle mérite la sympathie ou la grâce, chantant «  J’aimerais que tu me fasses du mal. C’est la pitié que je ne peux pas prendre. » (I wish you’d hurt me/It’s the mercy I can’t take). Étant donné que Baker n’a jamais caché sa foi chrétienne, cet aveu a presque une double signification. Il est encore plus difficile de savoir à qui elle fait appel sur le morceau plus proche « Ziptie » lorsqu’elle demande « Quand vas-tu tout arrêter ? Descends de la croix et change d’avis » (When you going to call it off?/Climb down from the cross and change your mind). Il pourrait s’agir de Jésus, d’un être cher qui se sacrifie, ou même d’une attaque amère contre l’objectif musical solipsiste de Baker. Dans tous les cas, les paroles de Baker sont plus profondes que jamais.

En fin de compte, sa récente période de silence artistique et d’épreuves personnelles donne lieu à l’œuvre la plus magistrale de Julien Baker à ce jour. La palette sonore élargie réimagine les possibilités de sa musique et en fait l’œuvre la plus dynamique de Julien Baker à ce jour. De plus, l’impact de son lyrisme déchirant ne se perd pas dans la transition. Entre les piques qu’elle s’inflige à elle-même, il y a un triomphe tranquille du fait que Baker soit là pour les délivrer sur Little Oblivions. Baker met à nu le pire de ce que 2019 lui a réservé, mais sort de l’autre côté en hurlant sa douleur aux cieux. Le hurlement de Baker est finalement le son d’une survie durement gagnée et il y a toujours un puissant sentiment d’espoir et de catharsis dans cela.

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Pierce With Arrow: « Shatter »

27 mars 2021

Les débuts de la collaboration entre le pionnier américain de la techno minimale Troy Pierce et l’artiste audiovisuelle colombienne Natalia Escobar aka Poison Arrow ont été conçus à l’envers : ils ont d’abord créé une collection d’obscures vidéos surréalistes, puis ont écrit une musique inspirée par celles-ci. Ce processus inversé s’est avéré remarquablement fructueux. Shatter est une odyssée noire frémissante, à combustion lente, inspirée du mythe grec d’Echo et de Narcisse, traversant des nuances subtiles de dub somnambule, de lamentation métallique, de rythmes brisés et d’espace négatif érotique. C’est une évocation effectivement troublante du thème central de la légende : Il n’y a rien de plus complexe qu’un coeur brisé, ou un coeur qui ne peut pas aimer. Si l’on considère leur passé commun de trafiquants de pistes de danse sombres, ce qui frappe le plus dans le partenariat de Pierce with Arrow, c’est sa retenue rythmique.

Les 10 titres de l’album bouillonnent et frissonnent entre glamour et morosité, avec seulement de temps en temps des métronomes au rythme effrayant qui cartographient le malaise sur une grille. Ils parlent de poursuivre une « approche spatiale » avec ce projet, ce qui se manifeste dans la conception immersive et l’exécution patiente de la musique, chaque cliquetis confus et chaque bassin de basse ondulante pouvant réverbérer toute sa forme d’onde vacillante. Les apparitions du producteur techno austère Konrad Black (« Obsidian Glas » ») et de l’institution de la drum n bass dBridge (« It’s A Love Story, After Al » ») s’intègrent parfaitement à l’ensemble, subtils accents sculpturaux dans une descente faiblement éclairée à travers les purgatoires de la nostalgie et du désir. Mais les ombres se dissipent pour le dernier morceau du disque, « Narcissus », qui s’enfle élégamment dans une masse de drones dévotionnels sur un battement de cœur sourd, comme Narcisse contemplant son reflet dans une sainte crainte : la vraie beauté insaisissable, enfin contemplée, par elle-même.

***1/2

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For Those I Love: « For Those I Love »

27 mars 2021

En 2018, Paul Curran, l’ami le plus proche et ancien compagnon de groupe de David Balfe, est décédé. Peu après, Balfe s’est retiré dans son studio (le hangar de sa mère à Donaghmede, au nord de Dublin), et a enregistré près de 80 titres sous un nouvel alias solo, For Those I Love. Neuf de ces titres ont été intégrés à son étonnant premier album éponyme.

En proie à un chagrin incessant, l’écriture est devenue une catharsis vitale pour Balfe ; For Those I Love est un hommage à Curran, à l’amour et aux amitiés réparatrices, des réflexions sur la mort et le bouleversement qu’elle laisse dans son sillage, et des réflexions sur une enfance passée dans une partie de l’Irlande décimée par la récession.

Avec une manière de parler qui rappelle Mike Skinner, et un accent irlandais lourd, lephrasé de Balfe est puissante et tranchante. Sur « Top Scheme », il déborde de rage, condamnant l’État sur un rythme de mi-temps lourd, « le monde est foutu », crache-t-il. À l’inverse, un refrain de l’ouverture, « I Have A Love » apparaît dans différentes itérations tout au long du disque : « I have a love/ And it never fades ». De nombreuses autres proclamations d’amour suivent, dans les paroles de Balfe et dans les notes vocales et les messages WhatsApp qui parsèment l’album, archives émouvantes de sa relation avec Curran.

Musicalement, une grande partie de For Those I Love est une ode à la vie nocturne de type « every night we’d dance ’til five », la production rappelant les heures de grande écoute dans les raves, lorsque vous et vos amis atteignez l’euphorie pure. Les moments de tendresse sont soutenus par un simple riff de piano, des bribes de chants d’oiseaux ou une section de cordes, et les observations plus cinglantes de Balfe sont soutenues par des basses lugubres et des rythmes dubstep plus sombres.

Sur « You Live / No One Like You », David Balfe énumère les sons, les images et les expériences dans lesquels vit son meilleur ami : coupes de cheveux, Joy Division, matelas abandonnés, raves dans des entrepôts, dans son amour qui ne s’éteindra jamais. Le chagrin est un monstre capricieux, et, dans For Those I Love, Balfe capture la bête avec une clarté viscérale.

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The Antlers: « Green to Gold »

27 mars 2021

Avec Green to Gold, le premier album de The Antlers depuis sept ans, Peter Silberman documente deux années de sa vie, sans envelopper les thèmes de la chanson de mystères et de métaphores : « Je pense que c’est le premier album que j’ai fait qui ne soit pas sinistre. Je me suis mis en tête de faire de la musique du dimanche matin ».

L’ouverture instrumentale, « Strawflower », est pleine de sons de guitare emo et d’échantillons de sons de la nature, tandis que les couches d’instrumentation ajoutent sans effort au son pour créer quelque chose de beau et de profond. Il est suivi par le récent « single « , « Wheels’ Roll Hom »’, qui montre une fois de plus un côté plus chaleureux du groupe avec sa basse bancale, ses mélodies douces et ses paroles positives mais mélancoliques : « Don’t go before you leave, every second we got, we gotta make believe » (Ne pars pas avant d’être parti, chaque seconde que nous avons, nous devons y faire croire). « Solstice » » est basé sur le jour le plus long et sur la façon dont nous savons que nous entrons dans l’été quand il arrive avec des textes de type « The week went slow, the year flew by from the end of June back to last July » (La semaine s’est écoulée lentement, l’année a filé à toute allure de fin juin à juillet dernier)qui résumant involontairement l’étrange calendrier que nous avons tous vécu au cours des 12 derniers mois. Il y a des éléments de Sparklehorse ou de Julien Baker dans le son, tandis que le message sur le fait de s’accrocher à ces moments spéciaux est résolument plein d’espoir : « We can see in the dark with our sunset sight. We delay the dusk, keepin’ bright bright bright » (Nous pouvons voir dans l’obscurité avec notre vue du coucher du soleil. Nous retardons le crépuscule, en restant brillants, brillants, brillants).

Sur « Stubborn Man », Silberman évalue son propre comportement : Maybe I’m strong-willed, settled at a standstill. Maybe I’m headstrong, iffy, but rarely wrong’; ‘My overgrown comfort zone, my narrow mind is mine alone » (Peut-être que j’ai une volonté de fer, que je suis installé dans une impasse. Peut-être que je suis têtu, incertain, mais rarement dans l’erreur » ; « Ma zone de confort envahie, mon esprit étroit n’appartient qu’à moi). Ainsi, partant de cette constatation, cela lui permet de voir comment il peut changer pour le mieux, tandis que « Just One Sec » continuera dans cette veine d’introspection par le biais dun climat retenu et raffiné avec des moments d’arrêt et des harmonies vocales qui se mélangent et où Silberman s’autorise alors de se poser la question : « Do you think you could free me from the man I’ve been? » (Penses-tu pouvoir me libérer de l’homme que j’ai été ? ). « It Is What It Is » évoque le changement des saisons, la beauté de la nature et la façon dont elle continue à tourner, quelles que soient les circonstances personnelles, et aborde même le thème de la mortalité – un thème que nous connaissons tous et que les Antlers couvrent si bien : « This is the first day our friend is free from pain. Voyaging on while the rest of us remain » ( C’est le premier jour où notre ami est libéré de la douleur. Continuant de voyager alors que le reste d’entre nous est toujours sur place).

« Volunteer » vous emmènera dans un voyage de découverte : « Galloping, inhabiting, nothing inessential. Scattering, wondering, ‘am I incidental ? » (Galoper, habiter, rien d’inessentiel. Se disperser, se demander si je suis accessoire) sur un son qui se situe entre Phil Elverum et Spiritualized, tandis que « Green to Gold », une pièce maîtresse de 7 minutes, se concentrera à nouveau sur les différences entre les saisons et sur la façon dont les promenades matinales vous donnent la chance d’admirer ces moments merveilleux, tout en comprenant à quel point nous sommes tous petits : «  Sun is climbing out from underneath, lighting up and roasting tired leaves green to gold » (Le soleil sort des sous-bois, éclaire et fait griller les feuilles fatiguées qui deviennent vertes et dorées). Le chanteur fait également référence au gel et à la glace, avant de revenir au printemps suivant : «  eager bits of green start peeking through » (des bouts de verure impatients commencent à apparaître) et à l’été, où, inévitablement, «  We sit in front of fans and wait for rain »(Nous nous asseyons devant des ventilateurs et attendons la pluie).

L’avant-dernier cmoceau, «  Porchlight », s’ouvre sur des cordes acoustiques et propose un examen de la foi : « Trying to retrace my steps to God, shining my light but my light looks odd, like it’s walling me in » (J’essaie de retracer mes pas vers Dieu, j’éclaire ma lumière, mais ma lumière a l’air bizarre, comme si elle m’enfermait à l’intérieur) au milieu d’effets de valse, avant que le son puissant et légèrement teinté d’Americana de l’instrumentale « Equinox «  ne vienne clore en beautéun Green to Gold doucement émouvant et incroyablement attachant ; un disque qui est une véritable écoute en or réalisé par l’un des meilleurs groupes du moment.

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Douglas Boyce: « The Hunt By Night »

26 mars 2021

The Hunt by Night est le deuxième enregistrement monographique de musique de chambre du compositeur Douglas Boyce. Boyce, qui fait partie de la faculté de l’Université George Washington de Washington DC, s’inspire souvent de la musique ancienne ainsi que des modes de composition contemporains. C’est ce qui ressort le plus explicitement de son Quintette l’homme armé, une pièce pour clarinette, violon, alto, violoncelle et piano interprétée ici par les membres de l’ensemble counter)induction, un groupe que Boyce a cofondé. Boyce prend la mélodie médiévale tardive L’homme armé et la soumet à une refiguration complète dans laquelle elle est transsubstantiée en quelque chose avec un son complètement contemporain.

Le morceau titre, « The Hunt by Night, Quire 9 No. 3 », est tiré du « Book of Etudes » de Boyce. La pièce est apparue précédemment sur l’album de contre-introduction Against Method ; dans la critique de cet album,elle a été décritec omme « un trio pour clarinette, violoncelle et piano qui se déroule avec une énergie vive et rapide qui rappelle l’esprit des Six ». « Stretto Perpetuo, Quire 4 No. 1 » pour violoncelle et piano, est une autre des vingt et une études de Boyce. L’objet d’étude de cette pièce vigoureuse est rythmique, d’où son fondement dans une note unique rythmiquement variée, répétée avec urgence, que le violoncelliste Schyler Slack et la pianiste Ieva Jokubaviciute se passent entre eux.

« Sails Knife-bright in a Seasonal Wind » est un trio pour la violoniste Miranda Cucskon, le guitariste Daniel Lippel et le percussionniste Jeffrey Irving. Il s’agit d’une pièce écrite en toute simplicité qui permet à chaque voix individuelle de se détacher avec clarté sur un fond d’espace ouvert ; en particulier, les tons pincés et finement gravés de Lippel contrastent de façon éloquente avec le travail de l’archet de Cuckson. The Hunt by Night contient également « Piano Quartet No. 2 », un essai de microtonalité pour cordes.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Black Nash: « Black Nash »

26 mars 2021

Il y a un sentiment de mystère autour du premier album éponyme de Black Nash. Jody Smith, la force créative derrière le projet, a terminé un séjour de cinq ans dans l’armée à la fin de 2019. Tout au long de son engagement, il a enregistré ses chansons à la maison. Lorsqu’il s’est retrouvé fraîchement libéré, sans emploi et en quarantaine chez lui en 2020, il a décidé de créer un album complet. C’est à peu près tout ce que nous avons en termes d’histoire, mais heureusement, la musique parle d’elle-même. Le premier album de Smith sonne comme un reflet direct de l’année écoulée, un ensemble serré de chansons rock claustrophobes tout droit sorties du cœur de la quarantaine.

De Taylor Swift aux exclusivités du Bandcamp Day, on entend aujoud’hui beaucoup de disques « pandémiques ». Alors que toute cette musique est née de notre situation actuelle, Black Nash est le premier album qui ressemble réellement de cette expéreince de vie. Les riffs de guitare sont fortement distordus, ils semblent presque gorgés d’eau. Les moments de catharsis (comme les cris à la fin de l’ouverture « Alligator » ou les soupirs de « Zodiac ») se noient sous leur propre poids. Des images hallucinogènes de dauphins, de serpents et de singes défilent. Smith a souvent l’air d’un animal en cage, qui grince désespérément les barreaux pour s’échapper. Comme l’année dernière, c’est un truc bizarre, effrayant et insulaire.

L’écriture de Smith est forte tout au long de l’album ; on ne peut s’empêcher de penser, à cet égard, que si Marc Bolan essayait de faire un disque dans son petit appartement de Brooklyn, cela pourrait ressembler à ça. Le glam et le psychédélisme tourbillonnent ensemble, dépouillés de toute bombance et distillés jusqu’à leur essence. Mais plus que tout, cet album est une vibration, celle que l’on pourrait ressentir après ne pas avoir été dehors pendant trois jours ou d’être incapable de se souvenir de la dernière fois que vous avez vu votre ami en personne. Et surtout, c’est un rappel que cela aussi passera. Sur la tendre chanson d’amour qui clôt l’album, « It’s You », la production s’ouvre un peu. Le sentiment de claustrophobie se dissipe, et on se pâme devant les mots doux de Smith. La porte de la cage s’ouvre et Smith nous conduit à nouveau vers la lumière du soleil. Nous n’y sommes peut-être pas encore, mais nous l’espérons.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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