« La Dissipation des Nuages »: Interview de Waxahatchee

28 mars 2020

Sobre et et ayant pris une longue période de repos pour se recalibrer, c’est avec un esprit clair et une perspective nouvelle que Waxahatchee revient avec son nouvel album, un Saint Cloud nimbé de musique country.

Cela fait un peu plus de dix-huit mois que Katie Crutchfield a joué pour la dernière fois à Londres à guichets fermés. Juste avant de monter sur scène, elle avait appelé son manager et son petit ami, avec le même message aux deux : elle ne se sentait pas capable de continuer. « J’avais fait le tour de la terre « , dit-elle de cette époque, aujourd’hui. Elle s’est ressaisie et a réussi à refaire des spectacles en se rendant compte qu’il fallait donner quelque chose d’elle : « J’étais vraiment au début de mon sevrage ; je venais d’arrêter de boire un mois plus tôt », se souvient-elle. « Je savais que si j’allais prendre cela au sérieux – si j’allais donner la priorité à ma santé – je devais rentrer chez moi pendant un certain temps, rassembler mes forces et trouver les outils dont j’avais besoin pour que les choses fonctionnent à nouveau ».

Lorsqu’elle reprendra bientôt la route sous le nom de Waxahatchee, la chanteuse aura passé quatorze mois sans tournées – sa plus longue période depuis l’âge de seize ans. Aujourd’hui âgée de 30 ans, ce n’est que depuis un an qu’elle a eu le temps et l’espace de réfléchir à une décennie tumultueuse qui a commencé par l’écriture et l’enregistrement de American Weekend en 2012 chez ses parents en Alabama et s’est terminée par un maelström de critiques élogieuses pour Out in the Storm (2017), un disque qui est un hurlement de colère face aux dégats auparavant créés et qui, après réflexion, lui a permis de fixer un préavis sur la façon dont dix années de travail acharné l’avaient conduite au bord du gouffre.

« J’ai adoré faire Out in the Storm, c’était tellement viscéral et cela me semblait tellement nécessaire. Je savais simplement que ce n’était pas un son durable », explique Crutchfield . Au lieu de cela, sur Saint Cloud, son nouvel album, beau et très populaire, elle a fait un revirement complet, la fureur qui grillait auparavant cédant la place à un doux frémissement contemplatif. Les luttes contre la dépendance et la codépendance qui ont défini le dernier album de Waxahatchee restent au cœur de son écriture mais, cette fois-ci, elle embrasse ses cicatrices, et se remet lucidement du traumatisme personnel qu’elle a mis à nu il y a trois ans. C’est un album étourdissant, chaleureux et magnifiquement mélodieux – un éloge au pouvoir du prendre soin de soi.

« J’ai toujours aimé Lucinda Williams, Linda Ronstadt et Emmylou Harris », poursuit-elle en évoquant la sainte trinité de l’Americana dont l’influence pèse lourdement sur le disque. « Venant du Sud et grandissant sur la musique country, cela a été vraiment formateur pour moi, mais quand je regarde mes premiers disques maintenant, je me battais tout le temps avec mes propres tendances. J’étais un punk qui aimait la musique indie, et je m’empêchais de chanter d’une certaine façon ou de me pencher sur certaines mélodies, même si c’était ce qui me venait naturellement. Maintenant, je suis plus âgée, plus mûre, et je me sens plus sûre de mes intérêts et de mes influences. Je me suis rendu compte que j’avais supprimé ces instincts dans le passé parce que je n’étais pas certaine qu’ils soient cool ou qu’ils me conviennent. Mais ils me conviennent vraiment désormais. ».

Une partie cruciale du retour à la maison pour prendre du temps pour le chanteur était de savoir où se trouvait réellement la maison. Après des années passées sur la côte est, d’abord à Brooklyn puis à Philadelphie, elle s’est installée à Kansas City, MO, avec son petit ami et collègue musicien Kevin Morby ; « Fire » décrit un trajet lent depuis sa ville natale de Birmingham, Alabama en passant par Memphis. Ce sentiment d’appartenance est profondément ancré dans Saint Cloud, un album qui porte le nom de la ville natale de son père en Floride et qui a été enregistré en grande partie au Texas, mais qui, au sens figuré, s’arrête aussi à New York, au Tennessee et à Barcelone.

On a aussi l’impression que le nouvel état de la chanteuse– qui est restée sobre depuis la mi-2018 – a levé un peu du brouillard qui l’entourait auparavant. « Une grande partie de cet album est consacrée à la guérison et à la douceur envers moi-même. Je pense que j’ai trouvé un moyen de continuer à faire mon autocritique, mais d’une manière qui est aimante pour moi », acquiesce-t-elle. « Cela a été un processus délicat – la sobriété est une chose précaire – mais j’ai vraiment l’impression d’avoir fait le travail sur moi-même pendant le temps libre. J’ai beaucoup souffert dans ces histoires, c’est pourquoi j’ai parlé plus ouvertement de la dépendance : elle est à la base de l’album, et on ne peut pas vraiment parler des chansons sans parler de ce que la guérison a signifié pour moi ».

Avec un retour imminent aux tournées à grande échelle, et une nouvelle programmation live promettant de réinventer le catalogue de Waxahatchee, elle est optimiste quant à sa sérénité retrouvée qui se transférera en douceur sur la route. « J’ai l’impression que la conversation autour de la sobriété entre les musiciens est différente maintenant, même par rapport à ce qu’elle était il y a quelques années, honnêtement », explique-t-elle. « Vous savez, nous sommes en 2020 ; beaucoup de gens traversent ce que j’ai vécu, et j’ai tellement d’amis qui ne participent plus à la folie qui accompagne les tournées. Les temps ont changé, et j’ai changé aussi. J’ai beaucoup grandi, ma vie est différente. J’ai maintenant toutes les pièces pour le genre de vie que je veux mener – j’ai juste besoin de les mettre en place ».


Interview de Bethany Cosentino (Best Coast): « Le Changement est Possible »

22 mars 2020

Beaucoup de choses ont changé pour Bethany Cosentino de Best Coast depuis qu’elle et son compagnon Bobb Bruno ont sorti leur précédent album, California Nights, en 2015. Leur nouvel opus, Always Tomorrow, reflète ce changement : non seulement Best Coast est passée d’un rock flou qui se situe entre le surf et la pop à un rock maximaliste, mais elle ne chante plus sur son chat adoré Snacks, son adoration de LA ou l’herbe. L’insécurité et le doute de soi la rongent encore, mais elle s’accepte mieux et est plus reconnaissante de la place qu’elle occupe dans la vie.

Il lui a fallu beaucoup de travail personnel pour en arriver là, mais, comme elle le dit, aucun événement n’a entraîné ce changement – si ce n’est le simple fait de vieillir. « Je pense que c’était probablement à l’époque où j’ai eu 30 ans. J’ai commencé à regarder certains des choix que je faisais et certaines des personnes avec lesquelles je m’entourais ». Elle sait que 30 ans, c’est encore jeune, mais elle sait aussi que c’est généralement considéré comme un âge charnière. « Je pense que c’est juste un chiffre qui vous frappe d’une manière qui vous fait commencer à réévaluer les choses par nature ».

La fête a occupé une grande partie de sa vingtaine. Après tout, comme le veut le cliché, c’est ce que les jeunes de 20 ans sont censés faire, surtout quand ils sont aussi des musiciens professionnels en tournée. Mais même sur une chanson comme « Why I Cry », qui date d’aussi loin que l’album The Only Place, sorti en 2012 chez Best Coast, Cosentino souhaitait déjà laisser derrière elle ses jours brumeux et gâchés. Aujourd’hui, sur des morceaux comme le deuxième « single » de Always Tomorrow, « Everything Has Changed », elle oppose sa vie passée, où elle ne buvait que de l’eau et du whisky, à une vie plus tranquille, où elle promenait son chien, vivait dans une grande maison et faisait la cuisine pour deux chaque jour.

« Quand j’ai commencé ce groupe, j’avais 22 ans, et j’en ai 33 maintenant. Ces dernières années, j’ai beaucoup travaillé sur moi-même, en particulier dans le cadre d’une thérapie, je suis devenue sobre. J’ai fait beaucoup d’auto-réflexion qui m’a fait grandir d’une manière dont je ne savais pas que c’était possible pour moi ».

Son énergie positive a continué à prendre de l’ampleur. « Même pas intentionnellement, mais j’ai commencé à graviter davantage vers les personnes mûres qui avaient leurs trucs plus ensemble…. Si vous faites des changements dans votre vie, votre énergie change, et ensuite les gens qui gravitent vers vous, je pense que tout s’aligne de cette façon où ce que vous avez mis dehors, vous le récupérez. »

Nulle part ailleurs, Cosentino n’a l’air plus lucide et renouvelé que sur le premier « single » de Always Tomorrow, « For the First Time ». Élastique et fantasque, la chanson est aussi loin qu’elle est allée des plus bas qu’elle a divulgués dans ce titre :

« J‘allais chercher ma mère à l’aéroport, et je me sentais bien », dit-elle en réfléchissant au moment inspiré qui se cache derrière « For the First Time ». « J’étais dans un endroit où j’avais surmonté certaines choses et j’ai littéralement eu cette idée d’inspiration j’étais sur le point d’aller chercher ma mère à l’aéroport ; je me suis juste assis dans la pièce et j’ai écrit ce morceau Je crois que pour être capable d’écrire des mots comme ceux-ci et de les penser réellement, ma vie se devait être très différente, de changer, pour que je puisse chanter des choses a sérieusement ».

Malgré l’optimisme radieux de la composition, elle n’a pas été immédiatement frappée par celle-ci. « Je vivais déjà cette vie différente et j’expérimentais la vie d’une manière différente, donc ce n’est pas comme si j’avais remarqué le changement en moi à travers la chanson. J’étais très éveillée à l’idée que ma vie avait beaucoup changé à ce moment-là ». Ce n’est que lorsqu’elle a réécouté l’enregistrement qu’elle a accordé beaucoup d’attention à l’équipe. Mais même à ce moment-là, elle était plutôt perplexe. « Quand j’enregistre la chanson, j’entends les paroles et je me dis : « Oh, d’accord, c’est bien. Je suis contente de me sentir comme ça maintenant ». Mais ce n’est pas comme si je l’avais écrite, puis que je m’en étais éloignée et que j’avais changé radicalement de perspective. La chanson a ainsi été inspirée par un changement de perspective ».

Avant ce nouvel album, Cosentino n’avait jamais eu peur de ses vices – ni dans ses chansons, ni dans les médias. Par conséquent, elle a acquis une réputation de fêtarde. Mais elle ne s’est jamais sentie motivée ou mise sous pression pour jouer ou même afficher sa personnalité. « Je n’ai jamais vraiment eu l’impression de jouer un rôle », dit-elle.

D’une autre manière, cependant, elle avait l’impression de porter un masque. « J’ai toujours essayé d’agir comme si je n’étais pas du tout affectée par tout, mais en fait je ne l’étais pas, et je pense que c’est en partie pour cela que je consommais de la drogue et de l’alcool comme je le faisais, parce que j’essayais tellement de tout mettre en sourdine et de tout engourdir ».

Et lorsqu’elle a décidé de devenir sobre, elle a pris en compte sa personnalité – brièvement. « À un certain moment, je me suis dit : « Et si les gens n’acceptaient pas cela ? » Et puis j’ai réalisé, qu’est-ce qui m’intéresse vraiment ? Ma propre santé mentale, ma propre santé, ma propre vie et ma survie sont ce qui est nécessaire, et je ne me soucie pas vraiment de savoir si les gens aiment ou non. Je dois le faire pour moi-même… J’ai dû laisser tomber les attentes des autres à mon égard et me concentrer sur ma propre vie ».

Cosentino est bien consciente de la façon dont sera perçu Always Tomorrow . « Quand nous avons fait ce disque, je n’arrêtais pas de dire que tout le monde allait faire ce disque sur ma sobriété. Chaque citation sera comme : « Je suis devenu » sobre. » Mais elle souligne que l’album ne parle pas explicitement de sobriété, car elle ne veut pas exclure quiconque n’est pas sobre.

« Il s’agit en fait d’un voyage et d’une vie et de la façon dont elle change et évolue et dont nous sommes souvent les personnes qui se maintiennent dans nos voies et se bloquent pour grandir ». Et cette croissance peut être n’importe quoi : s’engager dans la sobriété, traverser une rupture, passer moins de temps en ligne, suivre une thérapie intensive. « Quel que soit le changement dans leur vie, je sens qu’ils peuvent faire le lien entre leurs propres expériences et celles dont je parle dans cet album ». En fin de compte, Cosentino n’a qu’un seul objectif avec Always Tomorrow : « Je veux montrer aux gens que le changement est possible, quoi que cela puisse vous paraître. Il faut juste travailler dur pour cela ».


Interview de The Orielles: « L’Espace e(s)t la Place »

13 mars 2020

Interview de The Orielles L’Espace e(s)t la Place

Du jazz de Sun Ra et Alice Coltrane à la disco cosmique de la Riviera orientale italienne, l’espace a souvent été une inspiration centrale et récurrente pour des générations d’artistes et de fans de musique. The Orielles sont un exemple rare des deux. Inspirés par des genres aussi variés que le funk turc, les bandes-son italiennes, le jazz cosmique, la pop française, la samba et le disco brésiliens, mais aussi l’acid house et l’électronique expérimentale, le trio d’Halifax – dont les membres comprennent les sœurs Esme (basse, chant) et Sidonie (batterie et percussions) Hand-Halford et Henry Carlyle Wade (guitare) – se sont lancés des défis et ont repoussé leurs limites jusqu’à l’espace pour enregistrer une suite impressionnante à leur premier LP, l’acclamé Silver Dollar Moment

Disco Volador est le portrait d’un groupe mature s’envolant dans le cosmos pour faire du boogie dans une discothèque intergalactique.  L’odyssée spatiale des Orielles dans la samba est un jam kaléidoscopique où les membres du groupe ont exploré le potentiel du studio dans le style du Sound Workshop de Piero Umiliani aux côtés de la productrice Marta Salogni. Comblant courageusement le fossé entre l’indie pop et le jazz, The Orielles se révèlent être une exception dans la musique britannique. Un O.F.U. espacé et groovy qui maintient simultanément l’héritage de Stereolab et de Broadcast en vie et offre une alternative indispensable à l’inflation post-punk actuelle. Lorenzo Ottone discute avec le groupe du processus créatif de l’album, fait la fête avec Altın Gün et explique pourquoi l’espace est le lieu. 

Était-il difficile, venant de la musique pop, d’embrasser l’écriture du jazz ?

Sidonie Hand-Halford : C’était une progression naturelle pour nous, je suppose. Nous voulions paraître plus mûrs et avoir plus que de la pop indépendante. Nous avons écouté beaucoup de nouvelles choses.

Est-ce que cela vous est venu naturellement de mélanger les nouvelles influences avec votre son indie caractéristique ?

Henry Carlyle Wade : Pour moi, c’était aussi basé sur certaines des critiques que nous avions reçues pour notre premier album. Je voulais m’étendre. C’était surtout en rapport avec les structures des chansons. Cette fois-ci, nous avons trouvé de nouveaux accords jazzy. Nous avons dû les écrire pour que notre clavier puisse les lire, ce qui montre à quel point certains étaient complexes.

Avez-vous ressenti une sorte de pression de fidélité envers vos fans qui vous a fait renoncer à enregistrer un album purement jazz ?

SHH : C’était plus une pression de notre part que des critiques. Nous voulions nous remettre en question et trouver quelque chose de différent de notre précédent album.

Avez-vous été tenté, tout au long du processus de création, de sortir un album de jazz purement cosmique ?

Esme Hand-Halford : Les sorties sont à peu près comme ça. Cependant, le jazz n’est qu’une des nombreuses influences du disque. Quand nous avons réalisé l’album, nous nous sommes rendu compte que certaines chansons étaient plus disco, d’autres plus pop. 

SHH : J’aime l’idée de faire quelque chose avec les prises. Parfois, je les réécoute et je trouve des morceaux que j’aime vraiment. 

Stereolab a été une source d’inspiration constante pour vous, mais dans votre playlist il y a beaucoup de pop française. Comment cela a-t-il donné forme à votre album ?

EHH : Je pense que nous avons toujours été dans ce domaine. Surtout pour moi, en tant que chanteuse, c’est une grande inspiration. Il n’y a pas que le son, l’image dans son ensemble est brillante. 

Bien que vous veniez de l’indie pop, vous l’avez mélangé avec des genres aussi différents que le jazz ou le disco. Pensez-vous que cela amènera votre jeune public à découvrir des sons rétro ?

SHH : Je pense que c’est finalement l’un de nos objectifs. C’est bien que nous puissions faire entrer des jeunes dans des groupes comme Stereolab, A Certain Ratio et ce genre de groupes.

EHH : Nous oartageons cet intérêt surtout quand nous sommes DJ à Londres au Social, il y a une vraie ambiance de fête.

Qu’est-ce qui vous intéresse le plus en ce moment, quand vous êtes DJ ?

HHH : Je suis plutôt dans le disco soviétique en ce moment. Récemment, nous sommes allés voir Altın Gün en train de jouer à Vienne. Ils étaient si bons que nous les avons rejoints à Budapest aussi et nous avons fait le DJ à leur after-party. Ils apportent une telle ambiance de fête.

Les nouveaux morceaux ont-ils été pensés pour faire danser le public ?

SHH : Nous visons un engagement émotionnel de la part du public, donc nous espérons qu’ils feront danser les gens. Nous aimons improviser sur scène avec des jams prolongés, ce que nous avons déjà fait dans le passé. 

EHH : J’aime l’idée que le concert devienne un rituel collectif, comme une piste de danse, même si la musique n’est pas forcément de la musique de club. 

Y a-t-il un thème conceptuel derrière l’album ?

EHH : Il y a définitivement un thème existentialiste tout au long de l’album et une attention aux questions climatiques. Pendant que nous étions en studio, l’anniversaire de l’alunissage s’est également produit et cela a donné naissance à une idée de coïncidence en soi. Un thème récurrent est la temporalité et la façon dont l’inspiration est tirée du passé et transformée en espaces liminaires. 

Le morceau « Euro Borealis » doit-il être considéré comme une référence au débat en cours sur Brexit ? 

EHH : On pourrait l’interpréter de cette façon, mais il s’agit en fait d’une chanson sur les tournées et les voyages. 

Vous avez choisi Raissa Pardini pour la pochette de l’album. Comment cette collaboration a-t-elle vu le jour ?

EHH : Je pense qu’elle était la seule personne qui pouvait faire le travail. Nous avions déjà travaillé avec elle auparavant et elle a parfaitement réussi. C’était un processus d’envoi et de retour d’idées et d’inspirations de pochettes, en particulier de nombreux albums de la bibliothèque musicale et de quelques albums du Stereolab. 


Interview de The New Pagans: « Religion Rock »

11 mars 2020

The New Pagans de Belfast proposent une combinaison de rock indie et d’alt-pop qui est un must pour ceux qui ont mal après une nouvelle ère de groupes influencés par les Pixies. Le groupe est sur la route au Royaume-Uni pour présenter les morceaux de leur nouvel EP Glacial Erratic qui fera certainement parler les gens grâce à ses riffs entraînants et ses paroles dynamiques. La bassiste Claire Miskimmin parle de leurs origines et de leurs attentes pour l’avenir.

Comment vous décririez-vous à quelqu’un qui n’a jamais entendu de New Pagans auparavant ?

5 personnes d’horizons musicaux très différents se réunissant pour écrire notre propre marque de punk rock, racontant des histoires de voix féminines oubliées, d’art, de colère, de parentalité, de nature et d’amour, le tout filtré par une conscience irlandaise.

Comment le groupe s’est-il formé ?

Cahir et Lyndsey avaient parlé de commencer à écrire de la musique ensemble depuis un moment mais je ne pense pas qu’ils avaient nécessairement un groupe en tête. Conor était un bon ami à eux et est un batteur incroyable, donc c’était une évidence. Quant à moi, j’étais en train de jouer sur une basse installée dans leur cuisine un soir, j’ai enregistré une ébauche et je n’y ai plus pensé jusqu’à ce qu’elle me soit renvoyée un peu plus tard, entièrement étoffée par Cahir et avec la voix de Lyndsey, et ça m’a époustouflé. C’était donc moi ! Allan était la dernière partie du puzzle. Il est arrivé à la guitare quand nous avons commencé à avoir de plus grandes ambitions pour les chansons et il arrondit parfaitement le son.

Quels sont vos projets pour l’avenir ?

Début mars, nous avons entamé notre première tournée au Royaume-Uni. Notre premier EP, « Glacial Erratic », sortira le 6 mars sur un magnifique vinyle. L’écriture de l’album est déjà en cours, donc à la fin de la tournée, nous allons nous atteler à sa finition. Puis le 25 septembre, nous jouons à Porto pour Post Punk Strikes Back Again 4.

Quels sont les nouveaux groupes que vous écoutez en ce moment ?

J’écoute en ce moment le nouvel album d’Angel Olsen, Big Thief, U.S. Girls, Careerist, Problem Patterns, Gross Net, la partition « Monos » de Mica Levi est incroyable.

Quels sont les groupes auxquels vous aspirez et pourquoi ?

Je pense que nous sommes tous d’accord sur un groupe, Sonic Youth. L’ampleur de leur travail est stupéfiante. L’inventivité et l’ingéniosité de leur musique. Ils sont aussi très cool. Iconiques.

Quel est le moment le plus marquant de votre carrière jusqu’à présent ?

Je pense que jouer à guichets fermés au Roundhouse de Camden dans le cadre des « Lost Evenings »pour notre troisième spectacle… C’est sans aucun doute le moment le plus bizarre de notre carrière. J’espère que ce n’est pas la dernière fois que nous sommes sur cette scène.


Interview de Smoke Fairies: « Pas de Fumée sans Fées »

11 mars 2020

Ceux qui pensent qu’il n’y a tout simplement plus de bonne musique, n’ont manifestement pas entendu Smoke Fairies. Composées de Katherine Blamire et Jessica Davies, ces deux dames ne se préoccupent pas de la nature toujours jetable de l’industrie musicale, mais se concentrent plutôt sur la production de la musique en laquelle elles croient. Depuis plus de 14 ans, leur approche leur a valu le succès dans leur pays d’origine, l’Angleterre. Pourtant, n’est-il pas temps que le reste du monde soit davantage exposé à cette talentueuse équipe d’auteurs compositeurs ? 

Leur nouvel album, Darkness Brings The Wonders Home, est une collection de chansons naturellement envoûtantes avec des guitares irrésistibles, une production de rêve et des voix de nature à charmer. Mettant tout leur cœur et leur âme dans la musique, les dames ont récemment pris le temps de parler de leur époque en tant que groupe, de leur approche sur Darkness Brings The Wonders Home, et de bien d’autres choses encore. 

Smoke Fairies est établi depuis plus de 14 ans maintenant. Avec la sortie de six albums studio au cours de cette période, vous avez atteint un succès international et des singles très appréciés. Tout d’abord, dites-nous, comment décririez-vous le parcours du groupe ?

Katherine Blamire – En 14 ans nous avons beaucoup changé pendant cette période en termes de relation à la musique. Essayer de progresser dans l’industrie de la musique est une véritable montagne russe, avec beaucoup de hauts et de bas. Il y a des moments où l’on se sent si reconnaissant que la musique ait permis de voyager et de vivre des expériences incroyables, mais d’autres fois, on se sent comme un outsider.

Jessica Davies – Je ne pense pas qu’il y ait un groupe qui dirait que sa carrière a été facile et que nous ne sommes pas différents. C’est une route rocailleuse pleine de rebondissements.

Vous avez surmonté le voyage ensemble et la musique qui en est sortie a été merveilleuse. Certains diraient que le son de Smoke Fairies est obsédant ou enchanteur ; un mélange de Folk, d’Alternative et de Rock, vous avez certainement votre propre son. Qu’est-ce qui a inspiré votre direction musicale et quelle a été la progression au fil des ans ?

Katherine Blamire – Je suppose que nos goûts ont évolué et changé depuis les premiers jours, lorsque nous écoutions beaucoup de groupes de guitare et d’harmonie des années 70, comme Crosby, Stills et Nash et America, ainsi que les classiques Led Zeppelin, Jimi Hendrix et ce genre de choses. Nous avons grandi au milieu de la Brit Pop et nous avons toujours été attirés par ce genre de composition. Aujourd’hui, c’est un grand mélange, mais en gros, tout ce qui est psychédélique, basé sur des riffs, émotionnel ou brut est bon. J’ai récemment participé à Endless Boogie. Le nouveau disque de Chelsea Wolfe est également intéressant. La direction musicale du dernier album a été inspirée par le fait d’essayer de revenir à ce que nous pensions être le meilleur et de garder les choses simples.

Eh bien, votre style est rafraîchissant et unique par rapport à ce que font les autres en ce moment. Les belles harmonies et les chants en duel sont peut-être les qualités les plus distinctives de la musique. Quelle est l’alchimie entre vous deux lorsque vous écrivez, enregistrez et jouez des chansons ?

Katherine Blamire – La création d’harmonies est l’une de mes parties préférées du processus, nous l’abordons comme un instrument principal – et elles sont examinées à la loupe – nous devons réfléchir – que font les harmonies et pourquoi ? – Comme si vous vous approchiez d’une section de cordes. Parfois, nous voulons que les deux voix soient proches, et d’autres fois, nous voulons que les voix se mélangent pour créer une atmosphère changeante derrière tout cela. D’autres fois, il est bon qu’une voix chante seule, qu’elle raconte l’histoire, qu’elle sonne peut-être plus isolée ou plus directe. La chanson nous dirige.

Vous avez récemment sorti un nouvel album intitulé Darkness Brings The Wonders Home. Comment s’est déroulé le processus d’écriture et d’enregistrement ?

Katherine Blamire – Eh bien, l’enregistrement a été très intense. Nous avions décidé de toutes les parties et nous les avions démossées, puis nous avons passé un mois à Seattle pour enregistrer avec Phil Ek et cela faisait longtemps que nous n’avions pas mis les pieds dans un studio. Phil nous a vraiment poussés à jouer chaque partie avec une clarté totale et il nous a donné un petit coup de pied aux fesses. C’était dur par moments et nous avions beaucoup de cocktails de mezcal le soir pour décompresser. Comme il y avait un peu de décalage entre les disques, nous avons vraiment pu affiner la collection de chansons jusqu’à ce que nous pensions être les meilleures. C’était bien d’être poussé.

L’album a une atmosphère très rêveuse et sombre tandis que la production est chaleureuse et sonne vintage. Aviez-vous une idée précise de la façon dont vous vouliez que cet album sonne ?

Katherine Blamire – Nous voulions que chaque partie soit claire et que rien d’inutile ne soit ajouté. L’accent devait nous revenir en tant que duo, et nous avons donc joué toutes les parties – sauf la batterie, mais nous avons été très clairs sur la façon dont nous voulions qu’elles sonnent. Nous désirions que les chansons soient très axées sur les riffs.

Cela montre que vous avez consacré beaucoup de temps au processus de création de chaque morceau. Au-delà de la musique, les paroles sont aussi très engageantes. Quelles ont été les inspirations derrière les textes?

Jessica Davies – Toutes sortes de choses ont inspiré le disque. Le sentiment de malheur dans l’air en ce moment, le manque de connexion humaine à l’ère numérique et les relations ratées. Nous avons essayé d’utiliser des références à la nature pour raconter ces histoires : des mouches piégées dans des ampoules fluorescentes, des insectes vivant dans des étangs stagnants, des créatures étranges tapies à l’abri des regards. Et les gens, les interactions, bonnes ou mauvaises, ont eu une influence énorme.

Il semble vraiment y avoir un sentiment d’anxiété autour de nous en ce moment, n’est-ce pas ? L’approche que vous avez utilisée est efficace parce qu’elle vous incite à écouter profondément. Vous avez également mis à la disposition des auditeurs une liste de podcasts sur votre site web qui donnent un regard personnel et introspectif sur votre musique. Comment se sont déroulés les podcasts et qu’est-ce qui a conduit à la décision de les diffuser ?

Katherine Blamire – Notre musique est vraiment sérieuse et un peu sombre, mais le podcast était une chance de montrer un côté totalement différent. L’industrie de la musique nous semble complètement ridicule, c’est toujours un processus qui consiste à être englouti et craché, ou à se battre pour un objectif impossible à atteindre. La sortie de ce disque était un défi en soi, alors c’est amusant de se défouler complètement sur tout ça. C’était bien de laisser notre côté stupide s’exprimer et de donner à notre chat Stanley un peu de temps d’antenne, il mérite un plus grand nombre de fans que nous.


Interview de Hilary Woods: « Une Tempête Parfaite »

10 mars 2020

Hilary Woods explique que, en dehors de chez elle, dans l’ouest de l’Irlande, c’est la tempête. De fortes pluies tombent et des vents violents soufflent à l’extérieur, ce qui distrait bruyamment d’une conversation par ailleurs agréable. C’est suffisant, selon elle, pour interrompre le fil de ses pensées et cela semble étrangement approprié au genre de musique folk gothique aux accents industriels que Hilary Woods crée. En 2018, elle a sorti son premier album solo, Colt, plus de dix ans après l’éclatement de son groupe précédent, JJ72. Cet album, bien que sombre, existait dans un domaine plus vaste, incorporant des traces de darkwave et de dream pop dans des chansons folkloriques. Sa suite, Birthmarks, porte à un degré plus élevé la terreur viscérale de ses textures épineuses. Il semble apocalyptique d’autant que les circonstances dans lesquelles il a été écrit étaient tout sauf idéales.

Pendant les deux ans qu’a duré la rédaction de Birthmarks, Woods était enceinte. Et parallèlement à cette phase de sa vie et de sa carrière, elle a commencé à explorer un concept qu’elle décrit comme la « naissance du soi », une sorte de processus participatif de réalisation de soi. Aujourd’hui, à la fin de la trentaine, avec deux enfants et une vie qui concilie famille et activités artistiques, Woods se trouve dans une situation bien différente de celle qu’elle connaissait lorsqu’elle était adolescente et qu’elle partait en tournée pour la première fois. Et elle a pris son temps pour l’explorer.

« Des choses surgissent en vous, et des rêves, que vous voulez articuler, faire et créer », dit-elle. « Le processus qui consiste à voyager dans ces choses et à trouver un but et un sens à sa vie, je suppose que cela a un coût parfois, pour celui qui le fait. C’était les sentiments qui se trouvaient derrière le disque, et en termes de création d’une vie pour soi-même et de ce que l’on veut faire, et de persévérance pour vivre une vie créative ».

Sur Birthmarks, Woods a collaboré avec l’artiste de bruit norvégien Lasse Marhaug, dont les textures menaçantes et intenses donnent un contrepoint plus poignant à son écriture sinistrement mélodique. L’album est, pour le dire simplement, orageux. L’influence de Marhaug est souvent subtile – beaucoup de ces chansons sont aériennes et spectrales, plus des allusions à quelque chose de menaçant qu’une menace pure et simple. Mais le plus souvent, le bruit remonte à la surface, colorant parfois une chanson plus intensément, comme dans le premier « single » de l’album, « Tongues of Wild Boar », ou le drone de jazz industriel apporté par le saxophone distorsif et disruptif de « Mud and Stones ».

Cet élégant équilibre entre la dureté et les sons plus délicats, comme la guitare ou le violoncelle ou les propres pistes vocales obscurcies de Woods, le distingue de son prédécesseur. Ce n’était pas, au départ, un effort conscient pour réconcilier les deux extrêmes. Mais à mesure que Woods et Marhaug en sont venus à construire les éléments de l’album, certains sons s’emboîtent tout simplement sans effort.

« En entrant dans ce disque, je savais qu’il y aurait des éléments contrastés, mais je n’allais pas essayer de les contenir tous dans un son particulier », dit-elle. « J’ai simplement senti qu’il y avait d’autres fils sur le disque qui lui donnaient une continuité et le maintenaient ensemble. Je n’ai pas hésité à aller vers les deux extrêmes. Cela ressemble plus à un voyage, d’une certaine manière ».

En décrivant l’esthétique qui l’a attirée, Woods se réfère spécifiquement à l’art visuel, en particulier celui du peintre Francis Bacon et de la photographe Francesca Woodman, qui a éclairé sa propre direction artistique. « Moi-même et Lasse avons tous deux parlé de l’art visuel dans le processus d’enregistrement, des textures que nous aimions tous deux dans la photographie japonaise d’après-guerre et presque de ce gros grain dense et brumeux », dit-elle. » »Dans ce genre d’art visuel, on peut presque l’entendre – c’est très bruyant. »

Même si la « naissance de soi » que Woods décrit l’a amenée à l’un de ses ensembles musicaux les plus intenses et chaotiques à ce jour, elle se trouve attirée par un style de vie moins frénétique et moins rapide. Ayant fait une tournée mondiale à 20 ans, puis étant devenue mère peu après la fin du groupe, son retour à la musique n’a pas été immédiat. Elle s’est retrouvée à faire des enregistrements chez elle – pas chez elle, en particulier, mais dans un immeuble abandonné – et a trouvé un rythme et une flexibilité qui lui ont permis de faire de la musique à nouveau, non seulement de manière attrayante mais aussi pratique.

Pour ajouter à cette méthode plus pratique de faire de la musique, Woods ne se lance plus dans de grandes tournées. Ce qui, selon elle, est bien mieux pour la vie qu’elle mène actuellement. « Je ne pense pas être faite pour faire beaucoup de tournées », dit-elle. « J’aime choisir les dates, et la qualité plutôt que la quantité. La priorité est donc de sentir que je fais avancer ma propre vie créative à la maison ».

Woods a changé, comme tout le monde en 20 ans, mais le paysage commercial de la musique a également évolué depuis qu’elle a commencé à sortir de la musique à la fin des années 90. Elle n’était pas totalement à l’aise avec cela à l’époque, mais c’était avant que l’industrie ne devienne plus turbulente et que le fond ne s’écroule – les médias physiques étant remplacés par le streaming, la consolidation des entreprises et un modèle commercial déterminé par algorithme. Cela peut sembler sombre, mais Woods s’accroche à quelque chose de précieux au milieu de tout cela : la liberté.

« Le groupe dans lequel j’étais adolescente avait l’impression que nous faisions partie de l’industrie musicale, mais ça n’a pas commencé comme ça », dit-elle. « Nous n’étions que trois enfants dans un garage, mais on pouvait sentir les rouages de l’industrie. Aujourd’hui, je fais de la musique, mais je ne me sens pas poussée par qui que ce soit. C’est juste mon expérience personnelle. Je ne m’intéresse pas vraiment à l’aspect industriel des choses, parce que plus je lis à ce sujet, plus c’est déprimant ».

Aussi profondément qu’Hilary Woods est encline à plonger dans les aspects les plus sinistres du son ou à dépeindre une percée personnelle comme quelque chose de poignant, il y a une positivité et une générosité qui sont au cœur de tout ce qu’elle fait. Ce sont des explorations personnelles, et parfois des expériences intenses, mais en fin de compte, c’est un cadeau. En tant que musicienne et artiste, et en tant que personne qui a passé une grande partie de sa vie à se nourrir de cet art, Woods veut simplement rendre la pareille. « Il s’agit simplement de relayer des sentiments sous une forme ou une autre », dit-elle. « Je rends ce que l’art m’a donné. »


Interview de Corky Laing : « Né pour Cogner »

7 mars 2020

Drumming legend Corky Laing performed at the Bay Street Theater on Saturday, May 18th, 2013

Pour certains, le Rock-n-Roll est le sang qui coule dans leurs veines et constitue la bouée de sauvetage qui les maintient en vie. Pour le légendaire batteur Corky Laing, le Rock-n-Roll fait partie de son identité depuis son plus jeune âge, ce qui l’a conduit à devenir célèbre en tant que batteur de longue date de Mountain. Il a travaillé avec une tonne d’artistes, dont Jack Bruce de Cream, Ian Hunter, Mick Ronson, et bien d’autres encore, et il a toute une vie d’expérience et d’histoires à raconter.

À ce propos, il a récemment publié un livre très personnel intitulé Letters to Sarah. Compilation de lettres qu’il a écrites à sa mère pendant des années de tournée, ce livre est très différent de ce que d’autres musiciens de rock ont publié et est un livre à lire absolument. Poursuivant sa tournée, et ayant récemment sorti son nouvel album Toledo Sessions, Laing s’est assis pour discuter de son voyage imprévisible et passionnant dans le monde de la musique.

Vous avez été impliqué dans la musique professionnellement pendant plus de cinq décennies, et vous avez obtenu un grand succès avec Mountain, ainsi que de nombreuses autres collaborations. Tout d’abord, dites-nous brièvement, comment décririez-vous votre carrière dans la musique ?

La chance – le mot magique. Ce n’est pas seulement ma carrière : pour réussir dans notre domaine, il faut avoir beaucoup de chance. Et puis, bien sûr, il faut être préparé. Quoi que vous fassiez, vous allez recevoir des coups, avoir des antécédents, être à 10 000 heures, puis la chance arrive. Je crois que le timing est essentiel. Je dirais qu’il faut faire beaucoup de choses et avoir de la chance.

J’ai eu de la chance : je suis en bonne santé, cela fait plus de cinq décennies que je suis un professionnel, mais je ne le sens pas. Je ne ressens pas de cicatrices, je sais qu’il y a beaucoup de gens qui sont des personnages bien équilibrés, et ils ont la même taille de puce sur les deux épaules, mais je n’y crois pas. Je pense que c’est un endroit dans la vie où si vous avez la chance de gagner votre vie, d’avoir un toit au-dessus de votre tête, d’avoir de bons amis et des fans et, avec un peu de chance, un bon répertoire, pour moi c’est à peu près tout !

Et vous pouvez faire ce que vous aimez en suivant votre passion.

Exactement. Je ne peux pas dire que j’ai planifié tout ça. J’aimerais être audacieux et vaniteux, mais non, c’est spontané. Ce sont toutes les choses qui vont avec qui donnent un enchantement et du mystère. Je ne voudrais jamais détruire le mystère de ce que nous ne connaissons pas.

Vous avez collaboré avec beaucoup de personnes uniques en leur genre dans le domaine de la musique au fil des ans. Chacun a quelque chose de différent à offrir et à enseigner, quelles ont été vos expériences ?

C’est une bonne question. J’aime collaborer parce qu’en tant que batteur, en général, vous êtes toujours en train de communiquer – vous êtes toujours en train de toucher et de sentir ce qui se trouve dans le récipient de quelqu’un d’autre et comment il s’y prend.

Il fut un temps et une époque où beaucoup de gens interagissaient ; je ne parle pas des réseaux sociaux et des ordinateurs, je parle de la rencontre en personne, quand vous vous réunissez, prenez une bière, ou vous vous réunissez et parlez. Beaucoup de choses se sont transformées en rencontres délibérées. Tout a commencé avec mon bassiste George Gardos dans mon premier groupe Energy – nous avons écrit des chansons qui sont devenues des titres phares de Mountain comme « For Yasgur’s Farm » et « Sitting on a Rainbow ».

Il faut être en contact avec les gens. En tant que batteur, dès les premiers jours de l’homme des cavernes, vous frappiez sur des tambours pour communiquer avec une tribu de l’autre côté de l’océan ou quoi que ce soit d’autre ; vous frappez des tambours et vous communiquez. D’ailleurs, une grande partie de mon écriture vient de la batterie ; ma musicalité se limite à la batterie et à un peu de guitare. Une grande partie de mon travail se fait dans le domaine des paroles. Au fil des ans, que ce soit Meatloaf, Ian Hunter ou John Sebastian, j’ai eu la chance de croiser des gens à un moment où ils voulaient un collaborateur. Il y a de grands écrivains qui n’en ont pas besoin et je respecte totalement cela.

Quand j’arrive dans différentes situations, les gens me disent : « Qu’est-ce que tu veux que ce soit ? Que voulez-vous dire ? » Je pense que ce que vous voulez dire est très important. Dans mon cas, j’aime raconter des histoires en paroles. Quand j’étais à Nantucket, j’avais de bons amis écrivains – le Benchley qui a écrit Jaws (1975), Frank Conroy, lauréat d’un prix littéraire – alors on traînait ensemble. Vous parlez de l’écriture, de la courbe et de l’histoire ; je suis tombé dans le panneau. Je suppose que j’ai eu la chance d’entrer en contact avec des gens différents, comme « Easy Money » avec Ian Hunter.

Ces écrivains que j’ai rencontrés ont écrit des romans, donc ce serait amusant pour eux de venir jouer du piano et de dire : « Pourquoi ne pas prendre un roman et le mettre dans une chanson ? » Frank Conroy était formidable de cette façon. Avec Leslie West, il n’y avait pas trop d’histoires, il voulait aller droit au but, s’envoyer en l’air, se saouler, et se lancer dans la décadence du Rock-n-Roll. Je ne veux pas inclure Jack Bruce là-dedans, il était beaucoup plus ésotérique. Pete Brown, qui a écrit avec Jack, était brillant à ce sujet. Je tombe là-dedans parce que j’aime le faire et que je me sens à l’aise. Quand vous démarrez dans une histoire, c’est un dialogue. Je ne sais pas si je peux en dire plus sur les collaborations, elles sont aussi bonnes que les personnes avec qui vous travaillez. Si vous vous mettez en contact avec les bonnes personnes, ça marche.

Vous enlevez quelque chose à tous ceux avec qui vous travaillez – que ce soit positif ou négatif – et vous l’appliquez ensuite à tout ce sur quoi vous travaillez ensuite.

Oui, c’est bien dit. C’est ce qui est intéressant : toutes les personnes avec lesquelles j’ai écrit, il y a quelque chose qui en ressort tout le temps. Je me suis assis avec Gregg Allman, nous avions tous les deux un buzz, nous parlions de choses différentes, mais rien n’est jamais sorti de la chanson, sauf la première partie des paroles. Gregg est un écrivain brillant, mais les gens ont une idée précise de ce qu’ils veulent dire et de la façon dont ils veulent le dire. La façon dont ils veulent le dire a beaucoup à voir avec la piste musicale de base. Dans mon cas, je suis toujours allé à la batterie pour ce qui est du phrasé entre la grosse caisse, la caisse claire et entre le manège.

Il s’agit essentiellement de faire correspondre la substance de la musique aux paroles. Si c’est une chanson sombre, c’est une chanson sombre. Certains écrivains écrivent un titre joyeux pour une chanson sombre. Paul Simon fait cela tout le temps. Il y a une dynamique qui, je pense, fonctionne – vous pouvez avoir un rythme lent, le garder très sinistre, et ensuite parler des plus belles choses du monde sur ce rythme. C’est très intéressant à tous les niveaux. Tout a déjà été dit, toutes les chansons ont été écrites. La seule différence est ce que la personnalité apporte à ces chansons lorsqu’elles sont enregistrées. C’est ce qui est vraiment amusant et intéressant, chaque génération a son propre thème sur sa vie.

C’est très vrai et c’est ce qui rend la musique très intéressante. Vous avez mentionné votre groupe Energy. Vous avez quitté Energy pour rejoindre Mountain, qui a eu beaucoup de succès. Comment s’est passé votre participation à Mountain ?

C’était un processus d’apprentissage. Bizarrement, j’ai récemment déménagé à Toronto et mon fils a trouvé des cassettes du groupe Energy qui ont 50 ou 60 ans. Nous avons perdu la trace de ces bandes, nous les avons juste trouvées, mon pote George les a transférées d’un quart de pouce. Le groupe était au milieu de la tournée, c’était un groupe de pop. Les chansons que j’écrivais avec Energy étaient des chansons pop très élaborées. Je n’étais pas habitué à jouer du heavy et la seule chose qui me convenait, c’est que personne n’était très doué pour la batterie à cette époque, à la fin des années 60. La basse électrique est apparue dans les années 60, ce qui a permis au batteur de commencer à jouer du heavy sans s’inquiéter de la disparition de la stand-up bass. C’est ce qui a donné naissance au Rock, qui a rendu le batteur agressif – vous pouviez jouer fort et ce que vous vouliez.

Au fil des ans, l’entrée à Mountain a été une expérience d’apprentissage. Nous n’avons pas eu de micro important pendant les deux dernières décennies. Je devais jouer et couper à travers ces énormes amplis et tout ce que j’avais, c’était quelques micros. Pour couper, j’avais ces timbales et j’utilisais beaucoup ma cloche de vache parce qu’elles étaient en métal et qu’elles coupaient beaucoup des chansons que nous commencions à écrire. C’était un processus d’apprentissage qui m’a obligé à battre physiquement ces tambours pour pouvoir être littéralement entendu. Puis, bien sûr, il m’a fallu des morceaux, que j’espérais originaux, qui se résumaient littéralement à une intro à la cloche de vache dans « Mississippi Queen » ». J’imagine qu’à ce stade, j’ai le privilège d’être appelé le roi de la « cloche de vache » ; bien sûr, depuis lors, la cloche de vache a été présente dans de nombreuses chansons.

L’aventure de la montagne, l’escalade de cette montagne, c’était génial. C’est comme quand les États-Unis se sont posés sur la lune : J’ai atterri sur le trône dans la montagne. Deux moments très propices, c’était des choses très importantes, j’aimerais les considérer comme un espace et un autre espace. J’étais dans l’espace à Mountain, c’est là qu’était le plaisir. Felix Pappalardi était adorable parce qu’il m’a permis de jouer à peu près tout ce que je voulais dans beaucoup de ces chansons, même s’il était chef d’orchestre. Il savait ce qu’il voulait de la musique, mais il m’a dit : « Corky, dis-moi ce que tu ressens à propos de ça. » C’est un véritable honneur d’avoir cette possibilité, sans piste de clic !

Je n’ai pas eu à suivre quoi que ce soit. J’ai pu vraiment apprécier et exécuter certains des partenaires. Mountain a été le début de tout ça et bizarrement, en Europe, même aujourd’hui, on me considère comme un batteur de Heavy Metal. Je ne pense pas que je l’ai jamais été, mais j’ai eu de longues discussions avec Bill Ward de Black Sabbath qui m’a dit : « Tu ne comprends pas, tu jouais si fort. » J’ai répondu: « Je n’avais pas le choix ! J’avais Felix et Leslie à 11 ans à chaque spectacle ». Dieu merci, quand vous êtes mis au défi, c’est là que ça marche.

Quid de votre nouveau livre Letters to Sarah qui est sorti le jour de la fête des mères en 2019 ? Ce livre a été inspiré par les lettres que vous avez écrites à votre mère pendant trois décennies. Qu’est-ce qui vous a amené à écrire ce livre ?

C’est une bonne question. Je travaillais avec un professeur en Finlande, Tuija Takala. Elle m’a dit entre autres, en consultant mon Wikipédia, « Il n’y a rien de vraiment intéressant sur vous ici, je peux peut-être vous aider à l’améliorer ? » Nous avons donc discuté de quelques idées de mémoires, mais entre vous et moi, tout le monde écrivait des mémoires, alors j’ai dit que je ne savais pas. J’ai rangé toutes les affaires de ma mère quand elle est décédée, et elle a trouvé une boîte de 150 à 200 lettres que j’avais écrites à ma mère et qu’elle a gardées à mon insu. Tuija Takala les a trouvées et m’a dit : « Attends une seconde, ces lettres décrivent 30 à 40 ans d’écriture sur la route ».

Tout au long de ma carrière, j’écrivais beaucoup à ma mère parce que je me sentais seul sur la route. Je vous le dis, quand vous jouez dans un trou à rats ou au Carnegie Hall, quand vous rentrez à l’hôtel, c’est en gros juste vous et votre conscience. Tuija a dit : « Et si nous travaillions les lettres comme une horloge temporelle sur les 30 à 40 ans où vous écrivez à votre mère, où et comment vous vous êtes sentie ? Je veux enrichir cette lettre avec des pensées supplémentaires et une rétrospective ». Tuija a été brillante ! Elle est professeur à l’université d’Helsinki. Elle était très intéressée par la vie que j’avais, alors ça a marché. Elle et moi avons vraiment collaboré de façon magnifique sur le livre. Je n’avais pas prévu que ce serait ce genre de livre, mais elle a eu une vision. Elle l’a prise et en a fait un livre, j’en suis très, très fier.

C’est un livre très convaincant. En voyant que ces lettres ont été écrites sur une période de plus de trois décennies, comment était-ce de revenir sur ces moments très personnels que vous avez partagés avec votre mère ?

J’ai eu des sentiments variés à ce sujet. Tuija a choisi la plupart des lettres ; il y avait des lettres très personnelles, j’avais des sentiments mitigés. Certaines d’entre elles me rappelaient de très bons souvenirs, mais il y avait aussi des périodes vraiment difficiles, des moments difficiles dans cette industrie. Je n’étais qu’une enfant de Montréal, qui commençait à 13 ou 14 ans, et je n’avais même pas prévu de devenir musicienne ; j’aimais juste jouer de la batterie et écrire. Dans le livre, je pense que Tuija a pris les pensées les plus substantielles et les plus poignantes que j’avais et elle a fait en sorte que cela fonctionne en embrassant d’autres pensées en cours de route. J’avais des sentiments variés et mélangés ; je dois vous dire que certains d’entre eux étaient très doux-amers.

C’est vrai, et en vieillissant, nos opinions et nos pensées changent ; nous changeons en tant que personnes.

Tout change, même les changements changent. La dernière moitié du siècle dernier a connu tellement de changements, surtout dans le domaine de la musique. Il suffit de penser aux différents formats qui sont venus et sont partis. À ce stade, tout est jetable.

Malheureusement, cela semble être le cas. Au-delà du livre, vous êtes toujours là à jouer en direct. Qu’est-ce que ça fait de jouer en live ?

C’est une joie, une joie absolue. À ce stade, j’ai laissé toute la paranoïa et la névrose dans les chansons/albums du passé. Je profite vraiment de la liberté que j’ai maintenant. J’ai l’impression que la seule chose que j’ai à prouver, c’est à moi-même, je n’ai rien à prouver à personne d’autre en ce qui me concerne. Je me considère assez critique à cet égard.

À ce stade, mon public se compose en partie de grands-parents, en partie de personnes qui font la sieste, mais certains nouveaux publics sont très intéressés. C’est presque une chose historique. En Europe, ils considèrent cela comme un mode de vie ; c’est une leçon d’histoire culturelle des 40 à 50 dernières années. La seule chose qui reste claire dans ma vie, c’est la musique – le downbeat, le backbeat, le début et la fin. C’est une vie simple et je profite de cette partie de ma vie.


Interview de Gladie: » Gladie but Sadie »

5 mars 2020

Le groupe indépendant de Philadelphie Gladie a sorti son premier LP Safe Sins, un album a été conçu à partir d’une série d’entrées de journal écrites par la chanteuse Augusta Koch (anciennement Cayetana). « Je voulais vraiment que cela ressemble à la lecture d’un journal intime (I really wanted it to sound like reading a diary), a déclaré Koch. Intime, il l’est comme epu d’autres le peuvent être. Enregistrant les différentes étapes du deuil, Safe Sins est une représentation sonore de la façon de surmonter l’angoisse.

Composé de : Augusta Koch (Cayetana), Matt Schimelfenig (Three Man Cannon), Ian Farmer (Modern Baseball) et Pat Conaboy (Spirit of the Beehive), le groupe est une véritable centrale électrique, qui joue sur les forces de chacun pour créer un étonnant paysage sonore collaboratif comme l’explique ici Augusta Koch.

Safe Sins est un récit sur le traitement du deuil, d’où vous est venue l’idée de ce projet ? Le concept s’est-il présenté naturellement, alors que vous continuiez à écrire ?

Les paroles du disque proviennent de notes de journal que j’ai écrites au cours des deux dernières années. Elles ont toutes commencé comme un courant de conscience. Une fois que j’ai pu les voir regroupées et élaborées, il était clair de voir le récit. Écrire des chansons est drôle comme ça parce que c’est comme si on se tenait un miroir de son passé, du genre « bon sang, c’est donc à ça que tu pensais ? Ma vie a beaucoup changé ces dernières années. J’ai ressenti un immense chagrin, me retrouvant constamment pris dans des boucles négatives. Ce disque est en fait une recherche d’optimisme au milieu de tout cela et de la façon dont le chemin n’est jamais linéaire. 

Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur l’inspiration qui se cache derrière ce disque ?

Je voulais vraiment que cela ressemble à la lecture d’un journal intime. Je voulais aussi me lancer des défis comme je ne l’avais jamais fait auparavant. J’écoutais beaucoup de Sharon Van Etten, David Bazan, Lorde et Granddaddy au moment où j’ai écrit le disque. Nous voulions qu’il y ait une plus grande palette de sons électroniques. 

Que voulez-vous que les auditeurs retirent du contenu de l’album ?

Il y a tellement de bonne musique que si quelqu’un prenait le temps de l’écouter, je serais flatté. Si cela les réconfortait d’une certaine façon, cela en vaudrait la peine pour moi. 

Quels conseils donneriez-vous à ceux qui ont du mal à gérer leur chagrin ?

Pourquoi avez-vous décidé de rééditer « Twenty Twenty » sur cet album ?

« Twenty Twenty » a été la première chanson que j’ai écrite pour Gladie. J’ai senti qu’elle correspondait vraiment au thème du disque et qu’elle servait en quelque sorte de morale à l’ensemble. De plus, avec l’état du monde aujourd’hui, il y a une anxiété généralisée. Cette chanson parle absolument de la dépression optimiste. 

Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans l’enregistrement de Gladie par rapport à vos autres projets ?

Matt me lance des défis comme personne ne l’a jamais fait. Je suis une personne extrêmement impatiente avec d’horribles problèmes de confiance. Ce disque m’a permis d’affronter de front ces deux qualités épouvantables. Si je pouvais enregistrer et sortir une chanson le jour où je l’ai écrite, je le ferais. Matt est tout le contraire. Il a une attention incroyable aux détails et son cerveau créatif me sidère. Il en veut toujours plus. J’ai vraiment du mal à ralentir. Nous avons pris beaucoup de temps pour enregistrer, modifier et développer cet album. C’était dur au début, mais c’était une grande leçon à apprendre.

Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans votre collaboration ? Quels sont les points forts que vous tirez les uns des autres ?

Je suis une personne qui aime les paroles et les sentiments, et Matt peut entendre et manifester tous ces beaux paysages sonores. La magie se produit pour moi lorsque ces deux-là s’alignent l’un sur l’autre et qu’il y a une confiance aveugle dans les forces de l’autre. 

Avez-vous des objectifs pour cette sortie ?

Si je pouvais faire plus de spectacles plutôt que rester serveuse dans un bar ce serait parfait pour moi.


Interview de Robbie Krieger: « Derrière la Porte »

3 mars 2020

Légende vivante, Robby Krieger est sans doute l’un des noms les plus encensés de l’histoire du Rock-n-Roll. Mieux connu comme coauteur et guitariste principal de The Doors, Kreiger a un style bien à lui où le Rock-n-Roll, le Blues et le Jazz fusionnent en un hybride unique.

Actif dans le monde de la musique depuis plus de cinq décennies, il a collaboré avec les plus grands noms de la musique, a fait des tournées mondiales et se prépare à sortir de la musique nouvelle en 2020. Artistiquement libre et inspiré… il semble que rien ne puisse s’emparer de cette force créatrice. Excité par l’avenir, Robby Krieger a récemment pris le temps de parler du maintien de la longévité dans la musique, de sa peinture, de la nouvelle musique, et de bien d’autres choses encore.

Vous avez été impliqué dans la musique professionnellement pendant plus de cinq décennies, atteignant le statut légendaire de guitariste principal des Doors. En tant que musicien de scène, quelle a été, selon vous, la clé de votre longévité ?

C’est une bonne question. Je dirais que lorsque vous débutez, vous avez de très bonnes chansons qui sont capables de durer éternellement. Quand vous regardez Mozart ou Bach, je suis sûr qu’ils pensaient que leur musique ne durerait pas plus de 5 ou 10 ans ; et nous non plus. Quand nous avons commencé, nous nous sommes dit : « Cette musique est vraiment cool, mais quelque chose d’autre va prendre le relais », tout comme nous avons repris la musique des années 50. Je pense que si la musique est assez bonne, elle dure pour toujours. Cela m’a vraiment aidé à me faire remarquer que je peux vraiment faire ce que je veux musicalement et que les gens continueront à l’apprécier.

Et vous avez fait de grandes choses au fil des ans, que ce soit avec The Doors, en solo ou en collaboration avec d’autres. Au-delà de la musique, vous avez aussi fait de l’art. Qu’est-ce qui vous inspire dans le domaine de la peinture ?

Ma mère aimait beaucoup peindre. Elle n’était pas une pro ou quoi que ce soit, mais elle prenait tout le temps des cours d’art. Nous avions un atelier chez nous où elle peignait, et je m’amusais toujours avec ses affaires. Ensuite, je n’ai pas vraiment fait d’art pendant des années, jusqu’aux années 80 peut-être ; les Doors étaient terminés, j’avais quelques projets, mais il y avait une sorte de creux, alors j’ai commencé à peindre. J’ai commencé à expérimenter avec différents types de médiums.

Ce que j’aime vraiment faire maintenant, c’est de peindre sur du plexiglas avec de la peinture acrylique. Je peins sur un côté du plexiglas et je prends un autre morceau quand la peinture n’a pas séché, je mets un autre morceau par-dessus. Vous pouvez le déplacer et obtenir des effets bizarres, c’est un peu psychédélique.

C’est une approche très différente et intéressante. L’une de vos compositions intitulée « Light My Fire »,voit les recettes de sa vente vont à diverses associations caritatives, et l’une d’entre elles est Rock Against MS. Comment avez-vous commencé à vous impliquer dans cette association caritative ?

Un de mes amis a une association caritative appelée Art For A Cause. Je ne vendais pas vraiment mes peintures. Je voulais les montrer, mais elle m’a convaincu de faire ce truc appelé Art For A Cause, où nous faisions des reproductions de mes peintures, nous les vendions et l’argent allait à diverses associations caritatives. Elle s’appelle Barbara Hollander et a rencontré Nancy Sayles, de la fondation Rock Against MS. C’est ainsi que cela s’est passé.

Against MS va organiser des expositions d’art dans le futur. Allez-vous y assister ?

Cela dépend de l’endroit et du moment où elles auront lieu, mais j’espère que j’y serai. Si je n’y suis pas, au moins mes œuvres d’art y seront.

Peut-être serez-vous disponible pour assister aux spectacles. Vous avez récemment sorti une excellente interprétation de Sleepwalk de Santo & Johnny, mais vous avez également un nouvel album qui va sortir. Que pouvez-vous nous dire sur cette nouvelle musique ?

J’ai un album prêt à sortir, mais Sleepwalk n’est pas sur cet album. J’ai un album sur lequel je travaille depuis deux ans avec certains des gars du groupe de Frank Zappa. Parmi eux, Arthur Barrow, qui a joué de la basse et a été le leader du groupe de Frank Zappa pendant un certain temps, Tommy Mars qui a joué des claviers, ainsi que les cornistes Jose Salvador Marquez et Jock Ellis. Cela va sortir vers le début de la nouvelle année.

Nous allons faire un autre projet qui est une sorte de Reggae instrumental, c’est Sleepwalk mais, si vous écoutez bien c’est vraiment du Reggae. Ce sera un autre disque qui sortira l’année prochaine.

C’est génial à entendre, donc il y a beaucoup de nouvelles musiques qui sortent. Vous avez été très constants en live au fil des ans. Au-delà des quelques dates annoncées pour 2019, avez-vous d’autres concerts prévus pour 2020 ?

Oui, nous venons de nous rendre sur la côte Est et nous y avons fait quelques concerts, notamment à New York et dans le New Jersey. Vous pouvez consulter mon site web pour en savoir plus.

J’espère que d’autres concerts suivront bientôt. Comme mentionné brièvement, vous avez collaboré avec une longue liste d’artistes au fil des ans. Chacun d’entre eux a quelque chose de différent à offrir en tant qu’artiste et en tant que musicien créatif. Que retirez-vous de toutes ces collaborations ?

C’est toujours amusant de jouer avec d’autres personnes, de voir ce qu’elles font et de voir si je peux faire en sorte que mon style s’intègre au leur. Pendant longtemps, je n’ai pas fait cela : Je ne jouais que la musique des Doors. Puis je me suis tourné vers le jazz et le jazz fusion, je pense que cela m’a plus ou moins ouvert en tant que musicien. Je voulais essayer de jouer avec d’autres personnes et voir si je pouvais m’intégrer.

C‘est toujours intéressant de vous voir jouer avec d’autres personnes. L’année dernière encore, vous étiez sur scène avec Alice in Chains et vous avez joué avec beaucoup d’autres.

Oui, j’ai aussi joué avec Eric Burdon pendant quelques années. Chaque année, nous faisons quelque chose ici pour différentes organisations caritatives ; ces dernières années, c’était l’hôpital pour enfants St. L’année dernière, nous avons eu Alex Lifeson de Rush, nous avons eu des gars de Chicago, et bien d’autres choses encore. Nous allons le faire à nouveau cette année et nous verrons qui se présentera. (Rires) C’est toujours amusant de jouer avec ces gars.

Des artistes vont-ils faire des apparitions sur vos nouveaux disques ?

J’espère que oui, ce serait bien.

C’est quelque chose à quoi les auditeurs doivent faire attention. Étant aussi actif que vous l’avez été au fil des ans, est-il difficile de trouver une inspiration constante ? Avez-vous un blocage de l’écrivain ?

Oui,, ça va et ça vient. Parfois, vous avez juste une période où vous ne pouvez pas vraiment penser à quelque chose, puis tout d’un coup vous entendez quelque chose, ou vous avez une idée, et tout recommence à couler. Certains gars ne sont jamais à court d’idées, c’est fou, mais ça n’a jamais été aussi facile pour moi, surtout en ce qui concerne les mots. En général, je pense à des mélodies assez faciles, mais écrire des mots est la partie la plus difficile pour moi depuis que Jim Morrison n’est plus là. C’était tellement génial de travailler avec lui, il avait toujours quelque chose.

Très certainement, certaines des paroles poétiques les plus étonnantes jamais écrites dans le Rock-n-Roll.

Oui ! Un jour, il sera reconnu comme un vrai poète. Il ne l’est pas encore vraiment, parce que les gens le connaissent plus comme auteur-compositeur que comme poète. Il était les deux et cela n’arrive pas très souvent.

Il n’y a aucun doute, la poésie de Jim est vraiment fantastique et ses paroles ont donné à la musique de The Doors une dimension différente. En parlant de The Doors, avez-vous eu des contacts avec John Densmore récemment ?

Oui, John Densmore et moi avons joué récemment lors d’une collecte de fonds pour la station de radio KPFK ici à L.A. C’était plutôt cool de jouer à nouveau ensemble, nous n’avions pas fait ça depuis un moment. Vous pouvez le regarder sur YouTube.

Wow, ça a l’air fantastique. Dernière question, quels sont vos films préférés ?

C’est une bonne question. J’aime toutes sortes de films. J’aime les premiers films d’Oliver Stone comme Platoon (1987). J’aime aussi beaucoup les films de Spike Lee. Je ne vais plus autant au cinéma parce qu’on peut les voir en ligne – ce qui est dommage.


Interview de Isabell Campbell: « Le Moi Sans Autres Excuses »

3 mars 2020

Isobel Campbell quitte les problèmes de label et les luttes juridiques, de Belle & Sebastian et Mark Lanegan, pour finalement sortir son premier album solo en 14 ans. Elle parle de ses récents bouleversements et de sa recherche de la paix dans la conscience

Terminé il y a plus de trois ans, There Is No Other a enfin vu le jour récemment. Ce fut un processus turbulent d’espoirs déçus, de fermetures soudaines de labels et de batailles juridiques pour que Campbell s’empare de ce disque. L’auteure-compositrice-interprète, et parfois violoncelliste née à Glasgow, aujourd’hui basée à Los Angeles,semble soulagée, bien qu’essoufflé, maintenant que l’attente est terminée. « J’ai l’impression que cela a pris une éternité », dit-elle. « Il y a eu des moments où j’ai cru que ça n’allait jamais sortir. J’en ai tellement parlé et c’est tellement déprimant. J’ai connu des choses plus faciles. »

Peut-être plus connue pour son travail dans les premières années de Belle & Sebastian, ainqi que quand on a entendu parler d’elle pour la dernière fois aux alentours de la sortie de Hawk – le dernier d’un triptyque de collaborations fructueuses avec le crooner à la voix de papier de verre Mark Lanegan – Campbell possède un important corpus d’œuvres indépendantes, qu’il n’y a pas d’autre possibilité d’ajouter avant qu’elle ne soit plongée au milieu de problèmes dont elle n’est pas responsable.

Il est malheureusement trop fréquent que des artistes féminines solistes se heurtent à l’imprévisibilité du côté commercial de la musique, avec des artistes comme Cat Power et TORRES, peut-être un peu plus présentes dans le monde de la musique indie que Campbell ne l’était devenue, travaillant également à la demande d’une industrie qui ne tient pas compte de leurs intérêts artistiques et se heurtant à des obstacles en forme d’étiquettes. Campbell a vécu plus que la plupart des autres. « Je fais ça depuis que j’ai 19 ans. J’ai maintenant 43 ans, et je n’ai eu qu’une toute petite tache violette avec ce genre de choses. Ça a toujours été un combat. »

Il est compréhensible que Campbell veuille parler de la musique sur laquelle elle a été forcée de s’asseoir plutôt que des disputes avec son ancien label. « J’ai l’impression d’être atteinte de SSPT (stress post-traumatique )», dit-elle, ce qui serait désinvolte sans la sincérité et la lassitude avec lesquelles elle raconte ses dernières années traumatisantes. Le disque auquel elle a abouti ne contient pas la colère et le vitriol auxquels on peut s’attendre. C’est parce qu’il n’a pas été touché depuis son achèvement mais, quand elle parle, il serait difficile d’imaginer Campbell faisant de la musique infectée par l’angoisse.

Il n’y en a pas d’autre qui imprègne la légèreté, la positivité et le calme. Enregistrée avec le mari de Campbell, l’ingénieur de studio Chris Szczech, elle rayonne d’une bienveillance surprenante. Comparé aux expériences récentes de Campbell et à l’acceptation volontaire de la morosité par la musique populaire, c’est un baume total. Il serait assez facile, même pour un auteur-compositeur expérimenté comme Campbell, de revenir dans la conscience du public en essayant de reproduire ce qui a la plus grande garantie de succès. « Je voulais juste faire quelque chose qui me plaise et être fidèle à moi-même, sans m’excuser. Quand j’étais beaucoup plus jeune, j’avais un peu de peine à être doux. Maintenant, je suis comme ça, voilà ce que je suis ».

Une recherche rapide dans les anciennes revues montre le vocabulaire négatif (« twe » », « fey »), et dans certains cas subtilement genré (« winsome »), utilisé pour décrire l’art et le comportement de Campbell. Il n’y a pas d’autres adjectifs qui s’appuient sur ces adjectifs, sans aucune exclamation, liant l’ »engagement complet » de Campbell à la méditation et à la pleine conscience, incorporant d’anciens enseignements mayas et les cinq préceptes du Reiki, une technique de guérison alternative japonaise, et une couverture de Tom Petty adoucie mais relaxante.

Si la pop-philosophie et la pseudo-science semblent rebutantes (est-ce différent de la foi ou de la spiritualité d’un artiste qui dirige son travail ?), Campbell n’a aucune envie de prêcher. « Ce n’est pas quelque chose d’étrange ou de nouveau : en Ecosse, les femmes le font depuis bien avant ma naissance. J’aime ce que cela a fait pour moi. Je viens d’une longue lignée d’inquiets – cela m’a beaucoup aidé et je veux être franc à ce sujet. Si quelqu’un d’autre décide qu’il est dans le coup, c’est bon pour lui ».

L’album n’est holistique que dans un sens général, un antidote à ce qui est le plus répandu dans le monde. « Je pense que la plupart du temps, le bon art se concentre sur cette obscurité », dit Campbell. « C’était juste moi qui disait qu’il y a déjà tellement de noirceur – prenons un peu de lumière. »

La côte ouest, dit Campbell, a cultivé son intérêt pour cette pratique et l’a aidée à faire le point sur ce qui se passait autour d’elle. Nombre de ses observations – sur le sans-abrisme toujours visible et non traité dans la ville (Boulevard) et la vitesse constante d’une société qui ne dort jamais (Ant Life) – peuplent les chansons qui en résultent.

LA est sa ville natale maintenant, mais elle se languit de l’Écosse. « Le mal du pays est assez brutal. C’est amusant de voir comment il se manifeste. Quand je suis arrivée ici, je rampais sur du verre brisé, comme si j’étais une étrangère et que j’essayais de m’intégrer. Mais maintenant, je vais utiliser des mots écossais que personne ne comprend, comme « scunnered ». Je m’en fiche. » Même si l’album est antérieur, après la tourmente, il reflète la situation actuelle de Campbell : en paix avec elle-même et vivant dans le présent.