Interview de Alexandra Savior: « Un Triomphe sur l’Anxiété »

La mélancolie ne semble pas avoir de prise sur une Alexandra Savior aussi énigmatique que le sont ses deux albums, Belladonna of Sadness et son successeur The Archer. La muscienne et plasticienne fait figure de mystère, elle est calme et mesurée, presque timide quand elle se déprécie.

Au sujet de son dernier disque, il est difficile d’imaginer qu’elle soit fière. « Je n’aime pas beaucoup ce que je fais », sourit-elle, « J’ai des poussées d’inspiration et si je me concentre pour entrer en transe à l’intérieur de ça, alors il est facile de ne pas penser à quel point je déteste tout ce que je fais. »

The Archer est un paysage sépia intelligent et sombre de touches hantées, de guitares cinématiques et de voix précieuses qui chuchotent et s’enflent avec les agonies d’aimer, d’être aimé et de souffrir de la manipulation. Comme son prédécesseur, c’est l’empreinte d’un parolier inventif et d’un musicien émotif. Pourtant, il devient clair – lorsqu’il est combiné avec une personnalité auto-proclamée pessimiste – pourquoi Savior pourrait être si timide sur sa production.

« Mon label a perdu tout intérêt et j’ai fini par me faire larguer », dit-elle lentement, racontant le long pont qu’elle a parcouru entre son premier et son deuxième disque, « personne ne me répondait et mon manager a démissionné ».

Craignant que l’opportunité de devenir musicien n’ait disparu à jamais, Savior est allée à l’école pour étudier la psychologie et la littérature. « J’ai commencé à faire la nounou et à essayer de trouver ce que je pouvais faire d’autre dans ma vie « , dit-elle à propos de cette époque. En l’espace de quinze jours, elle a été reprise sur le dos de démos pour The Archer, mais elle a encore peur maintenant : « ma carrière est terminée. »

Il est difficile de voir comment on peut confirmer cette assertion. Sa production est cohérente, peignant des tableaux furieux à partir des nuances d’une âme intriguée par le beau, le damné et la façon dont les deux se croisent.

« Je suis vraiment intéressée par les tactiques de manipulation et les relations qui sont psychologiquement abusives », dit-elle à propos des paroles distinctives et émouvantes qu’elle écrit. « Tu m’as mordu la tête avec ta petite bouche, et j’ai léché le sang de tes lèvres », chante-t-elle sur le titre « The Archer », qu’elle a écrit la veille de Noël pour son petit ami de l’époque : « Je pensais que c’était une chanson d’amour… et puis j’ai réalisé que c’était à propos d’une relation épouvantable. » Elle rit, silencieusement, timidement. Cette frontière douloureusement mince entre l’amour et la manipulation est devenue le thème du disque.

Les chansons de Savior et leurs vidéos sont également issues d’une fascination pour les années 20, 30, 60 et en général, pour les « choses qui sont vieilles ». Ainsi, ses compositions sonnent comme un appel au futur, comme un fantôme, à travers le temps. Mais cette douleur et ces histoires viennent directement de Savior elle-même, une vieille âme bien qu’elle n’ait que vingt-quatre ans.

The Archer est le deuxième disque d’Alexandra Savior, mais le premier qui lui appartient – du moins dans la conscience du public. Belladonna of Sadness de 2017 a été écrit aux côtés d’Alex Turner, un détail qui a attiré beaucoup d’attention sur son premier effort, mais aussi, dit-elle, « beaucoup d’idées fausses ».

Elle poursuit : «  Je sais quelle a été mon expérience avec le dernier disque… mais en tant que femme, votre expérience est toujours assombrie par les attentes de la société » dit-elle, en se référant à des suggestions selon lesquelles Turner était principalement responsable de la direction – et du succès global – de Belladonna of Sadness. Sur The Archer, »il y a toujours eu cette hypothèse qu’un homme l’a fait pour moi. »

Sa persévérance est difficile à ne pas admirer. Sachant trouver le temps entre les épisodes d’insécurité paralysante et les périodes d’anxiété et de dépression, Savior porte finalement des fruits succulents. En plus de ses paroles langoureuses et picturales, Savior a écrit toutes les lignes de guitare qu’on entend – sauf sur « The Phantom ».

Elle a également réalisé les visuels de « singles « qui se résument désormais à une petite pochette de courts-métrages séduisants. Dans les visuels de « Howl », Savior capture avec précision la débilitation vide de l’anxiété et de la dépression en s’allongeant, en se recroquevillant ou en se couchant à divers endroits, comme si elle était prise par son faisceau au milieu du mouvement. « C’est ce que je ressens chaque fois que je vais en public », conclut-elle provisoirement.

Bien qu’il se traduise impeccablement en un art magnifique, évocateur et racontable, Savior se débat dans l’atelier – une autre raison pour laquelle la réalisation de The Archer est un tel cadeau. « D’habitude, le premier jour où je suis en studio, je fais une dépression émotionnelle et je pleure devant tout le monde », sourit-elle tristement , « c’est vraiment effrayant de montrer aux gens des chansons que vous avez gardées pour vous et de les présenter à des musiciens professionnels avec leurs propres goûts… »

Mais elle l’a fait, et voici l’art de le prouver. Quand on lui demande comment elle surmonte les bévues ou autres- externes et auto-générées – elle répond : « Il y a toujours une raison pour laquelle je continue à le faire ! »

Interview de Draha: « Au-Delà de l’Immédiat »

Si ça a déjà été fait, alors Drahla n’est probablement pas intéressé. Le groupe britannique, formé à Leeds et maintenant basé à Londres, fusionne l’avant-garde avec l’accessible. Leur nouvel album Useless Coordinates est un exutoire passionnant pour ce qui est de l’ordre de l’expression abstraite mais immédiate, mêlant une esthétique post-punk classique à de nouvelles structures et formes qui se rejoignent de manière intéressante. Dans un sens, ils poursuivent la tradition post-punk de Leeds telle qu’elle a été fondée à l’origine par des artistes comme Gang of Four, Au Pairs et Mekons, mais ils se taillent une place à part dans le processus, trouvant quelque chose d’amusant et de libérateur dans des créations sombres et asymétriques.

Luciel Brown, Mike Ainsley et Rob Riggs discutent de leur musique et de leur mission artistique. Il semble tout à fait naturel qu’un groupe dont l’essence même est définie par une soif de liberté créative se prélasse de manière détendue. Cela es, à cet égard, tout à fait adapté pour avoquer avec Drahla de leur nouvel album, de l’aspect visuel de leur musique et d’un désir de dépasser le familier.

Y avait-il un plan spécifique pour les chansons de Useless Coordinates ?

Luciel Brown : Nous écrivions juste les chansons au moment de l’enregistrement, donc nous n’avions pas de plan avant de commencer l’enregistrement. Nous n’avions pas beaucoup de temps pour écrire, donc nous l’avons juste mis en place quand nous avons pu. Sans véritable notion de de produit final en tête.

Il y a beaucoup de groupes qui font une sorte de son « post-punk », mais il semble que l’approche de Drahla soit un peu différente. Qu’est-ce qui vous attire dans l’esthétique que vous intégrez à votre musique ?

LB : Je pense que nous sommes conscients de faire quelque chose de différent de ce que font nos contemporains, des groupes qui sont à la pointe de la popularité en ce moment. Nous sommes classés dans des catégories comme Idles, qui, je ne sais pas, j’ai juste l’impression que nous faisons quelque chose de différent. Mais je suppose que tout le monde dit qu’ils font ça. En Angleterre, le genre de musique populaire est la guitare, la musique politique et nous voulions nous éloigner de ça. Nous voulions tous créer quelque chose d’expérimental et nous sommes intéressés par l’écriture. Nous voulions aussi juste développer les sorties précédentes.

Il y a une présence très importante du saxophone sur le disque. Est-ce que cela a été délibéré dès le début ?

Mike Ainsley : La première fois que nous avons mis du saxophone sur le disque, c’était notre deuxième « single ». Et nous aimons tous le jazz et nous aimons écouter le son du saxophone. Et puis quand nous avons rencontré Chris [Duffin], ça a tellement bien marché qu’il semblait avoir tout simplement ce que nous recherchions. Nous voulions tout naturellement qu’il soit là et qu’il en fasse partie parce que nous aimons ce qu’il fait.

LB : Chris peut apporter quelque chose dont nous sommes incapables aux chansons. Nous avons joué pas mal de chansons avec lui avant, donc c’était un processus naturel pour lui d’être plus impliqué.

Drahla semble être autant un exutoire pour l’art visuel que pour la musique. Dans quelle mesure est-il crucial pour votre vue d’ensemble ?

LB : Oui, c’est assez ironique, nous avons passé plus de temps sur l’artwork et la réalisation des vidéos que sur l’écriture de l’album. Le temps qu’il faut y consacrer est un peu fou. C’est une partie importante de l’album dans ce sens. A travers la musique, nous avons cette plateforme pour mettre notre artwork en avant et l’intégrer à la musique, ce qui est assez incroyable. Avoir le contrôle sur le côté créatif de la musique est vraiment important et c’est quelque chose que nous aimons tous faire.

Vous avez fait une déclaration quand vous avez sorti la vidéo de « Stimulus for Living » qui, selon vous, « remet en question le format et la perception standardisés. » Est-ce que cette idée s’étend à tout ce que vous faites ?

LB : Oui, je dirais que oui. Cela s’est développé avec l’interview au début de la vidéo, nous étions un peu fatigués de nous faire poser les mêmes questions encore et encore. Et il y a tellement de choses différentes à explorer. Je suis vraiment intéressé à aller au-delà de l’immédiat, à aller plus loin et à trouver les choses intéressantes. Beaucoup de paroles sont basées sur des observations que je viens de voir, ou sur des scénarios que je vivrais. Il y avait quelque chose au-delà de l’immédiat dans lequel nous nous trouvons actuellement.

Quel a été le plus grand changement que le groupe a subi depuis sa fondation ?

Rob Riggs : Probablement notre déménagement à Londres. En ce moment, nous aimons voyager jusqu’à Wakefield et pratiquer pendant quelques jours solides. Mais quand nous étions à Leeds, nous ne pratiquions qu’après le travail. Nous sommes en train de voir comment ça se passe, mais c’est probablement le plus grand changement.

LB : On a tous dû quitter notre travail pour faire la tournée américaine l’année dernière. C’était un gros changement. Quitter le confort de son travail.

Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez qu’on oublie d’entendre sur Useless Coordinates ?

RR : Si ça peut inspirer les autres à faire quelque chose de créatif, ce serait vraiment bien.

Interview de Wilco à propos de “Ode to Joy”: « Simple et Brutal »

 Onze albums dans sa carrière, et le combo de Chicago a été étiqueté de tout, de « héro de l’alt-country » à  » »Radiohead américain » sans oublierles licences de chansons et les publicités de VW. Peu importe le surnom, le groupe travaille toujours pour son propre agenda, explorant les mélodies qu’il trouve les plus intéressantes et emmenant ses fans dans d’incroyables aventures sonores.

Leur dernier disque, Ode to Joy, a été enregistré après que le groupe ait pris une pause pendant toute l’année 2018 et une partie de 2017. Chaque membre a travaillé sur ses propres projets, avec le frontman Jeff Tweedy qui a enregistré deux albums solo (WARM l’année dernière et WARMER cette année) et a publié un mémoire intitulé Let’s Go (So We Can Get Back). Malgré toutes leurs activités pendant la pause, il était naturel pour eux de se réunir en studio pour enregistrer la suite de Schmilco 2016.

« Nous avions un plan assez clair sur la durée de la pause », dit Tweedy. « Nous nous sommes quittés en nous sentant bien entre nous et avec le groupe et en appréciant ce que nous avons. Le temps qu’on se remette ensemble, ça n’a fait que renforcer ce sentiment. C’était génial de jouer de la musique avec ces gars à nouveau. Tout le monde a une si grande énergie pour ce qu’on fait. »

Selon Tweedy, lui et le batteur Glenn Kotche ont commencé à travailler sur le nouveau lot de chansons en décembre dernier, avant que le groupe ne se réunisse à nouveau en studio. Comme pour le morceau d’ouverture « I Am Trying to Break Your Heart  » de Yankee Hotel Foxtrot, Tweedy et Kotche ont exploré des rythmes percussifs qui ont bouleversé les attentes des compositeurs.

« Nous avons tracé les grandes lignes du disque et nous avons travaillé dur pour déchirer une batterie et ne pas la faire sonner comme une batterie de rock » , explique Tweedy. « Nous avons travaillé dur pour que la batterie ne sonne pas comme une batterie de rock », explique Tweedy, « en essayant juste d’éviter certains rockismes qui font partie de notre vocabulaire ». « Bright Leaves » était probablement la première tentative réussie de distiller quelque chose de simple et de brutal à partir des chansons sur lesquelles nous travaillions ».

Ode to Joy a été enregistré et produit par Wilco et le producteur/collaborateur de longue date Tom Schick au studio Loft du groupe à Chicago. Les chansons vont de « Quiet Amplifier », un titre spacieux, à « One and a Half Stars », où Tweedy livre des paroles de deux syllabes par ligne, en passant par l’appel et la réponse à la guitare acoustique et électrique de « Love Is Everywhere (Beware) » » Et malgré le kitsch de Star Wars 2015, Tweedy espère être pris un peu plus au sérieux avec le titre de ce dernier album.

« L’autre titre de travail était » «  The Trouble with Caring », mais cela semblait un peu trop lourd et trop direct », dit Tweedy. « Mais Ode to Joy était sérieux et pas ironique, même si je savais que certaines personnes le prendraient comme ça et que cela semblerait être une sous-estimation de l’originalité du disque, pour reprendre le titre. Mais rien n’a jamais semblé aussi adéquat que de coller que ce titre. »

Les Profondeurs de l’Apprentissage: « Interview de The Slow Show »

Issu de Manchester, Slow Show a toujours été une entité unique parmi les groupes indés. Engagés à créer des expériences auditives et non entravés par les tendances dominantes du jour, les quatre membres de Rob Goodwin, Frederick’t Kindt, Joel Byrne-McCullough et Chris Hough font œuvre et marque avec leur puissante musique minimaliste depuis près de dix ans maintenant. Qu’il s’agisse du baryton profond et percutant de Rob Goodwin qui frappe le premier ou de l’œuvre instrumentale incroyablement émouvante de ses compagnons de route, The Slow Show est (et a toujours été) un groupe qu’il vaut la peine de bien connaître ; leur musique est le genre de musique qui répare un cœur brisé et apaise une âme en peine. Cette année, ils ont lancé leur œuvre la plus ambitieuse et la plus élégante à ce jour dans leur troisième album Lust and Learn, un pastiche émotionnel immersif plein de chaleur, de douleur et de tout ce qui se trouve entre les deux.

Lust and Learn annonce le retour au premier plan de The Slow Show après une interruption de près de trois ans. Le premier album du groupe, White Water, sorti en 2015, a placé la barre très haut où sa volatilité reflète les aspects les plus bruts de l’expérience humainee, en particulier la voix profonde où le minimalisme rencontre l’opulence, et les deux se fondent ensemble dans une fusion organique. L’obscurité et la lumière se heurtent gracieusement comme des amants perdus depuis longtemps.

Le deuxième album de 2016, Dream Darling, semble continuer là où White Water s’est arrêté, avec des chansons comme le « singl e»e épique « Ordinary Lives », qui s’enflent d’une force obsédante.

Les trois années suivantes ont vu des changements au sein et autour de The Slow Show avec changement de label de disque, et un bon dix-huit mois passés à peaufiner ce qui allait finalement devenir le troisième album studio complet du groupe.

« Nous avons passé de longues périodes à travailler sur des idées seules, puis nous nous sommes rencontrés pour de courtes et intenses périodes pour peaufiner des choses ensemble, » explique Goodwin. « Cet espace et cette distance ont eu une influence positive sur le disque. »

Ces sorts intenses se jouent à travers une expression gracieuse et sophistiquée de thèmes aussi nuancés et profondément humains que le deuil et la guérison. « J’aimerais dire que je suis mieux maintenant que je suis à la maison, mais je suis encore dans les basses eaux », chante Goodwin au milieu d’un piano sombre, d’une section rythmique qui bat et de l’époustouflante Halle Youth Choir. Ses paroles se fondent dans le paysage comme un seul morceau d’un plus grand récit sonore qui fait mal avec une grâce rédemptrice. Comme dans beaucoup de créations de ce groupe, « Low » dépasse largement les limites habituelles d’une chanson dans ses efforts pour faire ressentir au public.

« The Fall » semble être la chanson qui fait le plus mal et qui guérit le plus. Pour le groupe, ils ont écrit « The Fall » après qu’un efan leur ait envoyé un courriel « pour dire comment leur chanson lui a sauvé la vie. » . Elle était sur un pont d’autoroute quand une chanson du Slow Show est arrivée. » »Elle est dans une meilleure situation maintenant, et son expérience a inspiré une chanson qui capture vraiment tout ce qu’il y a à aimer de ce groupe. Ses paroles capturent à la fois les profondeurs de la dépression et du désespoir, ainsi qu’une sorte de processus de guérison et de rédemption qui sort de l’obscurité pour aller vers la lumière. »

Bien qu’il serait négligent de ne pas mentionner le poids évocateur de chansons comme « Eye to Eye », « Exit Wounds » et « Places You Go », ou l’incroyable prouesse vocale de la chanteuse invitée Kesha Ellis, ces aspects sont finalement des morceaux d’un ensemble profond. Lust and Learn est une bande son cinématographique, à couper le souffle, qui donne des frissons aux moments qui comptent le plus dans notre vie. C’est un caméléon complexe plein d’émotions enchevêtrées ; une entreprise brute et épique de 47 minutes qui peut vous épuiser à court terme, mais qui vous laisse mieux et plus épanoui à long terme.

Interview de Emma Ruth Rundle: « La Dualité de l’Art et de l’Artiste »

Emma Ruth Rundle ne se prête pas à l’écoute passive. Son dernier album, On Dark Horses, trouve l’artiste partageant des luttes personnelles, combinant une instrumentation atmosphérique et émotionnellement prenante. Rundle explore des terrains difficiles et compliqués, comme les défis posés par la maladie mentale ; en créant ce disque, elle a cherché à présenter une œuvre musicale qui serait galvanisante et qui donnerait de l’espoir.

L’art de Rundle contient un équilibre remarquable entre le sentiment et la technicité. Elle tisse des mélodies dans des moments lumineux de mélancolie avec ses inflexions vocales, en maintenant un ton de guitare sombre qui permet une fusion captivante. Rundle dit qu’elle cherche à explorer les sons qui lui viennent naturellement à l’esprit et les sentiments qu’ils véhiculent.

« J’ai tendance à prendre la guitare et à jouer jusqu’à ce qu’il y ait quelque chose qui me touche », dit-elle. « C’est presque comme un processus thérapeutique, qui me permet d’extraire ces idées et ces symboles et de commencer à en esquisser les paroles.

La musique que je fais est le résultat de toutes les influences que j’ai eues en grandissant dans les années 90 » ajoute-t-elle. « Elle est affectée par l’état émotionnel dans lequel je me trouve lorsque je l’écris. Le processus est en quelque sorte l’aboutissement de l’histoire de ce à quoi j’ai été exposée et qui a formé mon style d’écriture et ce que je ressens. Je pense que ce que je fais est plus un courant de conscience dans ses étapes de formation. »

On Dark Horses incarne une dualité fascinante ; le flux de l’instrumentation offre une présence à la fois obsédante et douce alors que Rundle exhale une voix chaude, parlant du pouvoir de se déplacer à travers la lutte. La douleur et l’honnêteté s’accrochent à la limite de chacun de ses mots, offrant un élément intime d’introspection personnelle. La création d’une telle œuvre est exigeante ; pour Rundle, il y a une dualité dans le processus créatif. L’équilibre entre le fait de trouver l’œuvre stimulante et cathartique. Elle dit : «  Chaque disque a été différent, mais avec Marked For Death en particulier, je pense que j’ai ressenti une telle libération après l’avoir enregistré. Je n’ai pas joué de la guitare pendant environ trois mois après ça ; j’ai senti que ma vie avait changé pour le mieux. Mais quand j’ai commencé à tourner pour la musique, ça m’a en quelque sorte ramené psychologiquement là où j’étais quand je l’ai fait ».

Bien que ses efforts aient consisté à créer des paroles et une musique habilitantes pour On Dark Horses, Rundle partage également qu’elle se trouve dans une situation difficile, faisant face à des sentiments contradictoires concernant son processus créatif et son interprétation.

« J’ai l’impression qu’avec On Dark Horses, j’ai essayé d’écrire des idées et des thèmes plus forts sur la façon de surmonter les obstacles dans les paroles et la musique, pour pouvoir renforcer cela en moi pendant la tournée, la performance et le soutien du disque. En interprétant cette musique, j’espérais qu’elle serait plus puissante. Mais je suis actuellement à la croisée des chemins et j’ai du mal à jouer en ce moment. Je sens que lorsque je ne suis pas dans une bonne position, je commence peut-être à associer un peu trop mon instrument à la confrontation de choses qui peuvent être difficiles à gérer pour moi. Cela m’a conduit à me battre avec l’écriture et la volonté de jouer même. »

Elle poursuit : « Cela s’ajoute aussi à beaucoup d’anxiété que je ressens à l’idée de me produire sur scène. Je n’ai jamais eu envie de me tenir devant les gens et de chanter mes sentiments. La musique et la performance ont un effet sur moi ; je pense que j’en souffre en ce moment. »

Rundle se lancera dans une tournée avec Thou, un groupe d’avant-garde de la Nouvelle-Orléans, en soutien à l’album. En préparant cette tournée, compte tenu de ces conflits, Rundle reconnaît qu’il y a beaucoup de choses à attendre avec impatience. Non seulement elle est excitée de tourner avec Thou, mais elle est aussi captivée par leur talent artistique. « Je suis une grande fan de leur musique depuis quelques années. Ils ont juste cette lourdeur dans leur musique qui fait quelque chose pour moi ; elle allume la sérotonine dans mon cerveau. J’écoute vraiment beaucoup ce groupe, et il y a beaucoup de diversité dans leur catalogue. C’est mon groupe préféré en ce moment. »

Contrairement à la vulnérabilité qui vient avec un spectacle solo, Rundle trouve que c’est une opportunité de jouer avec un groupe complet. Pour entreprendre cette tournée, elle a besoin de la force qu’elle a démontrée dans son travail ; à bien des égards, sa perspective du bien représente les thèmes que l’on retrouve dans On Dark Horses. Même lorsque les temps sont compliqués, et que nous sommes conscients des défis qui nous attendent, il y a un moyen de continuer à aller de l’avant. Rundle prend la route en cherchant à établir des liens avec les autres et à partager sa musique.

« Il y a eu une certaine positivité lors de la prestation en direct et le fait de jouer avec le groupe a été très énergisant. Il y a eu beaucoup de commentaires positifs de la part des gens lors des spectacles, et il y a eu beaucoup de grande énergie. Je pense que la nature de cette musique crée un lien avec certaines personnes d’une manière qui me semble significative, et cela signifie beaucoup pour moi de rencontrer des gens comme ça lors des concerts et de voir comment la musique et les concerts peuvent être efficaces ».

« Déconstruction de la Dépravation »: Interview de Lingua Ignota

Kristin Hayter est l’une des voix les plus fascinantes de la musique contemporaine aujourd’hui, mais ne la reconnaîtrait probablement pas de son vrai nom. Elle joue et enregistre sous le nom de Lingua Ignota, qui vient de la mystique allemande Hildegard de Bingen, signifiant « langue inconnue ». Et son travail est à la fois fascinant et époustouflant ; du bourdon à l’industriel, en passant par le doom, le classique et même certains éléments de style gospel, Hayter explore et combine une vaste gamme de styles dans des compositions intrigantes. Son LP de 2017, All Bitches Die, est un disque remarquable qui subvertit les idées du public vers des genres musicaux durs, tout en explorant également les thèmes de l’abus et de la violence.

Ce mois-ci, Hayter sort son disque suivant, Caligula. Et encore une fois, le nom évoque quelque chose de spécifique – pour la plupart d’entre nous, Caligula peut rappeler l’empereur romain, avec une réputation d’être horriblement corrompu et violent. Pour Hayter, cependant, le disque représente une exploration plus large des thèmes relatifs à la violence et à la cruauté.

« Le disque lui-même est une sorte de grand labyrinthe », dit-elle, « et je pense que pour moi, Caligula a pris de nombreuses significations. À l’origine, je pensais au terme  » Caligula  » en ce qui concerne la folie et la dépravation – en regardant ma propre folie et dépravation souffrant de SSPT (stress post traumatique). Je voulais apporter dans ce disque toutes ces questions récurrentes que j’avais ; et j‘ai en quelque sorte adopté cette approche pour le concept d’une fugue psychotique que je vivais. Mais finalement, Caligula a pris toutes ces autres connotations et est devenu un concept moins centré sur moi, et plus intéressant pour traiter de la survie dans le monde dans lequel nous vivons, ainsi que par rapport au climat politique dans lequel nous évoluons ».

En embrassant ces thèmes plus larges, Hayter présente un disque qui est de portée universelle. Elle transmet les horreurs du pouvoir corrompu, et comment il peut affecter les gens à travers le monde. En s’appropriant ces concepts, elle offre une atmosphère éthérée et existentielle, offrant un poids d’agonie à la fois contemporain et ressenti à travers l’histoire.

«  Ce dossier explore la dépravation dans un sens plus large, » dit-elle, « par exemple la dépravation des personnes au pouvoir sur le plan politique mais aussi la dépravation des personnes au pouvoir dans nos communautés et nos relations intimes. Caligula est devenu comme ce genre de monstre énorme et je l’ai beaucoup moins axé sur l’historique ; à savoir Caligula, l’empereur romain. Il est devenu cet archérype de la dépravation monstrueuse, de la solitude, de la trahison et de la violence. »

Étant donné le sujet difficile de son matériel, Hayter analyse attentivement la façon dont elle se lance dans une pièce musicale, en tenant compte des tons et des émotions qu’elle cherche à susciter. Son esprit académique à l’égard de la musique permet au matériau de dégager sa présence brillante et obsédante ; par ses mélanges de genres, son utilisation intrigante de « sampling » et par sa prise en charge de la structure compositionnelle et de l’écriture, son processus est remarquable. Parmi les « samples » utilisés sur Caligula, Hayter en évoque un qui implique une histoire unique et la façon dont elle a voulu la mettre en valeur.

«  La marche funèbre pour la reine Mary, originellement par Henry Purcell, a été recontextualisée par Wendy Carlos pour A Clockwork Orange de Stanley Kubrick « , dit-elle. «  Donc, étant une marche de la mort pour une femme, elle a été recomposée et réinterprétée par une femme trans pour exprimer la violence insensée et la dépravation faite par les hommes, pour être ensuite reprise par quelques autres artistes … Je la prends et lui donne ma propre bravado et ma propre emphase de manière à ce que l’histoire culturelle de ce passage demeure plus prégnant ».

En parlant de son processus, elle explique que son travail ne vise pas directement la catharsis, mais que, dans un sens, il peut en être un sous-produit.

« Je ne sais pas si créer une œuvre cathartique erait quelque chose que je serais capable de faire si j’essayais de le faire. Je pense qu’il y a un plus grand type de traitement qui se produit dans la musique, le projet et le travail « , dit-elle.  » »a façon dont je fais les choses de façon déconstruite et très fragmentée, en séparant différents éléments, est ma façon de séparer les morceaux de mes expériences, et ensuite je les rassemble d’une manière qui me convient. Et c’est un peu comme un processus thérapeutique. J’essaie d’évoquer différentes humeurs et atmosphères, et de susciter des réponses différentes avec la musique. Mais je ne sais pas si je cela va être un élément de catharsis pour ma personne. »

Caligula embrasse la folie déchirante, et parfois enchanteresse, qui a été trouvée sur All Bitches Die. Cependant, Hayter élève son art, présentant une instrumentation viscérale. En plus de la collection de composantes instrumentales du disque, Hayter apporte à la table sa gamme vocale intrigante. De la rodomontade de sa voix, qui dégage une tension éthérée et des cris terrifiants, son phrasé devient un instrument à part entière. Hayter explique ainsi la direction vocale qu’elle adésirée tout au long de Caligula, en abordant certains aspects plus techniques de sa préparation vocale.

« Avec ce disque, je voulais travailler avec un ton très particulier », dit-elle. « C’était en fait l’un des plus grands défis pour moi parce que j’ai travaillé très dur pour m’assurer que ma voix ne soit pas magnifique. Techniquement parlant, je garde mon larynx très très bas tout au long du disque, et il sonne un peu écrasé, étranglé, très large et grave, et c’est un peu masculin. Je voulais me débarrasser de toute sorte de féminité et de respiration qui aurait été présente sur les précédents disques. »

Quand elle écrit, Hayter construit son œuvre à partir de fragments. « Surtout pour ce disque, j’ai eu une approche vraiment bizarre de l’écriture des chansons », dit-elle. « La plupart des chansons ont commencé par l’utilisation seule dema voix et de mon piano, juste pour avoir des progressions d’accords et de la structure. Parfois, je n’utilise pas de paroles pour établir une ligne de chant. Mais ensuite, une grande partie du matériel a été prise et totalement déconstruite ; le disque bouge moment par moment, par opposition au fait de le faire chanson après chanson.

« Je pense à ce qu’est le texte à un moment donné et à la progression des accords, puis à la façon dont la dynamique et toute sorte de texture ou d’harmonie supplémentaire vont augmenter ce texte à ce moment, et puis je construis les choses presque à la verticale « , poursuit-elle. « J’aurai cette petite structure de base du genre : « Voici la progression d’accords, voici le texte ». Ensuite, j’aurai tous ces différents fragments de genre, « Oh, juste ici, je veux qu’il y ait un morceau de mélodie de cette chanson du 11ème siècle qui corresponde exactement à ces paroles. C’est donc un processus très déconstruit qui amalagame et met tout ensemble. »

Caligula est un disque unique, l’un des plus intrigants de l’année. Hayter tisse ensemble ses fascinations académiques et son voyage personnel dans l’art pur et viscéral, libérant ses émotions à travers des compositions intenses et puissantes. En tant qu’artiste, Hayter est déterminée à créer des œuvres qui semblent nouvelles, élaborées et peu orthodoxes, tout en étant authentiques et sincères. Elle cherche à prendre des thèmes dans l’air du temps culturel, à les retourner et à les voir d’une manière différente. Mais peut-être plus important encore, elle est également motivée par une seule question qui la pousse à creuser plus profondément et à analyser son matériel.

« L’une des questions que je me pose constamment est  » pourquoi « , et je pense que beaucoup d’autres artistes devraient se poser la même question » , dit-elle. «  Parce qu’être un artiste, c’est en fin de compte une question de montage ; de choix de montage et de choix. Donc, tout ce que je fais, tout ce que je fais sur le plan artistique, ou tout ce que je mets dans mon travail, il y a toujours une raison pour laquelle. Je me demande toujours :  » Pourquoi y a-t-il une raison ? Pourquoi ai-je fait cela ? Ça peut être un peu exaspérant parfois. Mais je pense que c’est une des choses qui m’a vraiment aidée à rester sur la bonne voie. »

Interview de Weyes Blood: « Le Retour du Mystique »

Combinant le traditionnel et le mystique, Weyes Blood (Natalie Meyers), basée à Los Angeles, évoque sa quatrième sortie,un Titanic Rising qui marque sa progression s’avère être le point culminant de ses années d’écriture et de tournée en un disque méditatif et touchant, une grande révélation remplie de moments subtils et tranquilles. Meyers explique ici sa fascination pour les films et comment elle les incorpore dans sa musique au regard de l’attention déficiente de notre société pour la culture.

Comment est née votre collaboration avec Sub Pop Records, votre nouveau label, et quelle a été votre relation avec eux jusqu’à présent en ce qui concerne Titanic Rising ?

J’ai toujours été une grande fan depuis mon enfance et j’ai toujours considéré que Sub Pop étaient intéressants rdans ce qu’ils représentent et ce qu’ils font. C’est plutôt par hasard que tout s’est bien passé. Quand j’ai parlé à d’autres labels, j’ai reçu beaucoup de sollicitations de différents labels mails n’étaient pas particulièrement attrayants. Sub Pop avait la meilleure vibe et les gens y étaient les plus amicaux. C’est vraiment un bon équilibre entre l’éthique indie et le fait de ne pas être un label trop important, mais aussi d’avoir quelqu’un capable de s’occuper des affaires et de ne pas être une situation de bricolage. Je pcrois que c’est bon pour moi et pour quelqu’un qui vient d’un monde musical plus underground,

Pouvez-vous m’en dire un peu plus sur le processus de réalisation de votre premier clip pour « Movies » ?

C’était en fait le quatrième clip que j’ai réalisé, mais c’était vraiment amusant. J’ai filmé beaucoup de mes propres vidéoclips, je suis vraiment à fond dans la réalisation. C’est la première fois que j’ai fait un casting et que j’ai tout donné, que j’ai été à fond sur Hollywood ; j’ai trouvé des acteurs pour jouer dedans et j’ai tourné plusieurs jours, donc c’était peut-être l’effort le plus ambitieux à ce jour. Le concept m’est venu si clairement et cela m’a aidé d’avoir des amis proches qui croient vraiment en ce que je fais et qui m’ont aidé en étant dedans ou en m’aidant au montage. Si je voulais faire un clip pour chaque chanson de mon disque, il n’y a pas assez d’argent pour le faire, donc je dois être créatif et créer autant que possible avec le peu d’argent dont je dispose.

Dans votre clip pour « Everyday », on peut apprécier la combinaison d’une nature contradictoire en termes d’éléments d’horreur et de musique optimiste. Y a-t-il un message que vous voulez faire passer en termes de juxtaposition de thèmes de films d’horreur avec un morceau optimiste ?

Oui, absolument. Je pense que c’est symbolique de la façon dont nous abordons les relations amoureuses de nos jours dans notre culture ADD où c’est presque comme un film slasher. Le nombre de personnes qu’on peut rencontrer par hasard via Tinder ou le nombre de personnes qui se glissent dans les DM ici et là de manière très décontractée, c’est presque comme un slasher. C’est comme si à tout moment, vous pouviez simplement attraper des sentiments, et puis avoir les tripes répandues sur le sol de nulle part.

Oui, on peut voir ça comme une lecture de la façon dont un film d’horreur/slasher peut traverser tant de victimes une par une, et puis en termes de scène de rencontre sur Tinder ou OKCupid et aussi en traversant les gens un par un, en ayant un mécanisme plutôt que des connexions réelles.

Oui, c’est un peu ce qu’est un film slasher. Tous ces gens vont mourir. (rires.) J’essaie de faire un film aussi campagnard que possible parce que je n’essaie pas de promouvoir la violence ou la mort.

En ce qui concerne la pochette de l’album Titanic Rising, on a l’impression qu’elle dépend de ce moment fini où tout est sous l’eau, où l’on capture quelque chose de vraiment beau et significatif plutôt que de le laisser se reproduire encore et encore. Est-ce que cette idée est liée à votre image de la façon dont nous utilisons les médias sociaux dans notre société aujourd’hui ?

Oui, je pense que la fragilité est certainement la façon dont je me rapporte aux médias sociaux. Pour moi, la couverture parle plutôt de la chambre à coucher et du subconscient, mais je pense que la fragilité et la brièveté du moment sont très poignantes pour ce à quoi nous avons affaire maintenant. Les choses changent tellement vite que nous ne pouvons même pas suivre le rythme au point où je pense que nous ne savons même pas ce qui se passe avant que cela ne soit déjà arrivé. C’est donc presque comme si notre culture, surtout la façon dont l’économie a changé, accusait un retard. L’économie des pigistes a des répercussions négatives que nous ne pouvons même pas vraiment prévoir et ce sont toutes des choses qui se produisent de plus en plus rapidement, qui s’accélèrent au point où nous ne savons même pas ce qui se passe. Même dans l’industrie de la musique, c’est comme si on ne savait même plus comment les gens entendent la musique, donc je pense qu’en général, nous ne pouvons pas suivre, et c’est certainement une partie de cela.

Est-ce que cela a affecté la façon dont vous choisissez d’enregistrer et de promouvoir votre travail et est-ce que cela a changé d’une sortie à l’autre ?

Non, je n’ai pas changé, mais l’industrie de la musique a changé. Je n’arrive pas à dire :  » OK, on est en 2019, il est temps de faire ça « . Je fais juste des vidéos et des chansons, et je surfe sur les vagues pour moi-même, mais je ne suis pas un homme d’affaires et je ne prends pas le temps d’essayer de répondre aux besoins des tendances modernes. Je me démarque de tout cela, mais je sais que ça change et je regarde ma musique passer par une machine différente chaque fois que je sors un disque.

Et cela semble être lié à la façon dont vous travaillez avec Sub Pop et au fait qu’il a une esthétique large plutôt que d’être un label qui se sent trop commercial.

Tout à fait !

Quels aspects des médias sociaux trouvez-vous positifs dans notre utilisation quotidienne ou qui pourraient être utilisés pour notre plus grand bien collectif ?

Je pense que le terme « réveillé » et le fait de donner une plateforme à des gens qui n’en avaient pas auparavant ont aidé beaucoup de gens et ont aussi exposé la sombre scène de haine de l’alt-right qui est en train de se développer dans notre pays depuis toujours. Je pense qu’à bien des égards, l’exposition a vraiment permis de prendre la température de ce que les gens ressentent vraiment à l’intérieur et je pense que j’ai vu les choses changer si radicalement au cours des cinq dernières années avec le mouvement Me Too et avec les vidéos virales, la brutalité policière, ces choses sont si vitales et si importantes. Le simple fait de savoir que ces gens bien existent et de savoir qu’il y a des nazis en Amérique qui, je pense, se sentent à l’aise de faire leur coming out parce que la plupart des vétérans de la Seconde Guerre mondiale qui se seraient écrasés le cul sont maintenant morts. C’est vraiment intéressant et important pour nous tous d’être éveillés. Je pense que d’une certaine façon, après des années d’un sommeil étrange dans lequel beaucoup de gens sont encore, je pense que certaines personnes se réveillent vraiment.

Interview de Adam Cohen: « Adam et Leonard Cohen: une ultime étreinte »

Leonard Cohen a poussé son dernier souffle il y a trois ans, mais sa voix ne s’est pas éteinte. Son fils Adam lui avait promis de finir les chansons en chantier. Les voilà sur Thanks for the Dance, magnifique album habité par la présence unique de son illustre paternel.

Vous avez travaillé sur Thanks for the Dance sur plus de deux ans. Vous aviez besoin de prendre votre temps ?

J’ai mis des mois avant d’être prêt à retravailler avec mon père, à passer du temps en sa compagnie, à entendre sa voix, à étudier ses mots, à trouver le moyen d’accompagner sa voix avec des musiques dignes de lui et qui correspondraient à là où il était exactement à la fin de sa vie.

Pendant qu’on faisait You Want It Darker, un thème s’est présenté : la mort, l’idée de Dieu. Les chansons plus romantiques, plus sensuelles, ne convenaient pas à ce thème. On ne les a pas finies, mais pas parce qu’elles n’étaient pas bonnes. Comme il s’est éteint trois semaines après la sortie de You Want It Darker, il a pu voir la réaction à sa dernière œuvre. Alors, il m’a demandé de finir ce qu’on avait commencé…

Quand je me suis retrouvé dans mon petit studio, avec sa voix qui tonnait dans les haut-parleurs, je me suis retrouvé exactement là où j’étais pendant les 18 derniers mois de sa vie : en conversation avec lui. C’était douloureux et délicieux en même temps.

L’album commence par la phrase « I was always working, never called it art » et se termine sur « listen to the hummingbirds, don’t listen to me ». Comme un pied de nez au mythe pour mieux montrer l’homme derrière l’artiste…

On voulait construire une histoire, que le disque lui ressemble, que ce soit un voyage à travers le meilleur de Leonard Cohen. Comme quand Feist et Jennifer Warnes font des « la la la » sur Thanks for the Dance pour retrouver l’atmosphère de Dance Me to the End of Love. On a trouvé des mouvements, des accords, des accompagnements, pour le ramener à la vie, pour qu’on le sente de manière multidimensionnelle : son sens de l’humour, la sensualité de certains disques, les clins d’œil qu’on remarque si on connaît son œuvre.

Lorsqu’on entend les mots « album posthume », on a une réaction cynique. C’est souvent un geste opportuniste de la famille ou de la compagnie de disques. Ce sont souvent des fonds de tiroirs. Ce disque est tellement différent : on sent Leonard Cohen. Ce n’est pas Leonard Cohen à la fin de sa vie, mais au sommet de son art.

Ce qui ressortait, sur scène, c’était sa gratitude. Il semblait remercier le public de l’avoir accompagné, alors que ses chansons ont accompagné tant de gens…

Quand il enlevait son chapeau à la fin de chaque concert, il semblait surpris, et surtout reconnaissant, oui. Ce qui le touchait le plus, c’était de voir que les gens gardaient ses chansons en vie. C’est ce qu’on est en train de faire avec ce disque. C’est une promesse que je tiens, mais c’est aussi une responsabilité que je sens.

Et ce disque boucle la boucle de manière moins sombre que You Want It Darker, n’est-ce pas ?

Exactement. You Want It Darker, c’était comme se serrer la main, se regarder dans les yeux et se dire au revoir. Thanks for the Dance, c’est le même au revoir, mais en posant doucement la main sur l’épaule… C’est l’autre facette du même dernier geste.

Interview de Joy Formidable: « Y a d’la Joie »

A moins d’être sur un label majeur et d’avoir réussi, son premier alum il est difficile d’avoir une carrière soutenue. C’est le cas de Joy Formidable qui fête ses dx ans une activité musicale pour le moins hors normes, qui a la chance de rééditer son premier album, et ce, en y ajoutant un EP bonus

Joy Formidable ont toujours eu un parcours atypique ; ils sont soumis leurs interocuteurs à édhérer à leurs propres conditions et ont creusé un sillon qui parvient à plaire à un large éventail de fans. Ils sont assez « lourds » pour être inclus dans les palmarès de Hard Rock, mais assez mélodiques pour être popilaires dans le scène Indie, ils lont énormément de aux Etats-Unis mais ils sont fiers d’être des Gallois chose qui leur a pqui ont fourni une écurie aux groupes locaux et nationaux, en particulier ceux de leur langue maternelle, et sont donc très appréciés à domicile.

Ils ont don naturellement ajouté un disque supplémentaire à leur célébration des dix ans de A Balloon Called Moaning en enregistrant une réimagination de l’EP en Gallois mais aussi en strippé et avec une orchestration luxuriante et des guitares acoustiques douces.

Lle bassiste et guitariste du combo, Rhydian Davies, vient ici discuter du nouvel EP et del leur propre festival, Formidable Fest.

La réédition du premier EP est sortie depuis quelques semaines, comment a-t-elle été reçue ?

C’est fantastique, c’est tellement encourageant car ce n’est pas seulement le public du Pays de Galles et du Royaume-Uni, c’est partout où nous recevons du soutien pour une sortie en langue galloise. Il ne s’agissait pas seulement de réenregistrer un vieux disque, nous l’avons réenregistré en gallois, mais acoustiquement, parce que nous avons eu plaisir à faire des tournées acoustiques de façon intermittente au fil des ans, donc tout est devenu clair. C’est tellement agréable de voir à quel point les gens ont été ouverts, car il est évident que certaines personnes ne comprennent pas le gallois et que nous sommes passés assez régulièrement sur des chansons en langue galloise et ils sont vraiment intrigués et ils veulent en savoir plus et c’est super.

Quand avez-vous eu l’idée de faire la réédition avec le réenregistrement en Gallois ?

Cela faisait un moment que nous parlions de faire plus de travail en Gallois, et nous avons commencé un label appelé Aruthrol, ce qui veut dire formidable, et nous avons sorti des split singles avec un single en gallois de nous et un groupe gallois de l’autre côté, pas nécessairement en gallois. Et nous voulions faire quelque chose de plus grand et ça s’est très bien passé avec le timing et nous savions que nous voulions faire quelque chose pour l’anniversaire duEP mais nous voulions faire quelque chose de nouveau plutôt que simplement un remastering.

Est-ce que les enregistrements se sont faits assez rapidement car il y a l’orchestre et les cordes qui ont pris un certain temps à s’arranger ?

Il y a peu d’enregistrements live, car nous avons eu un concert à Boston et nous avons eu un quatuor à cordes pour certaines des chansons et cela s’est avéré si bien que nous voulions que celles-ci figurent sur le disque, ce qui l’a probablement un peu fait avancer.

Etait-il nécessaire de se séparer et de recommencer avec certaines chansons lors de l’arrangement des paroles galloises car elles ne sont pas scannées de la même façon qu’en anglais ? C’était assez difficile ?

C’était un défi oui, parce que les histoires dans les paroles sont vraiment importantes pour nous, donc ça peut être une tâche parce qu’une traduction pure ne fonctionne pas toujours, bien souvent non, il y a beaucoup plus de syllabes dans la langue galloise donc ça peut être difficile à adapter avec la mélodie. Alors, où tracer la ligne si vous avez l’impression de compromettre un peu la mélodie, mais que vous voulez que le sujet y soit abordé exactement ? C’est un art en soi, la traduction. Mais nous avons vraiment aimé le faire parce que cela nous a permis de retrouver le sens de ce que nous écrivions à l’époque.

Que vous rappelez-vous de l’enregistrement original de « A Balloon Called Moaning » ? L’avoir revisité vous a-t-il rappelé beaucoup de souvenirs de l’époque ?

Ce dont je me souviens vraiment, c’est moi et Ritzy dans nos chambres, c’est ce qui a vraiment démarré le groupe, ces chansons’Austere’ et’Cradle’, nous n’avions même pas de batteur à l’époque, c’était vraiment excitant de faire de la musique à nouveau car nous avions eu une période difficile avec notre groupe précédent. C’était devenu désordonné et nous voulions juste nous évader, alors nous sommes revenus dans le nord du Pays de Galles et je me souviens juste avoir eu du plaisir à travailler sur un ordinateur et à produire ces premières démos, et ça nous ramène en arrière, la musique, c’est très puissant, ça a un effet puissant sur les sens.

Avez-vous un titre favori sur cet EP ?

C’est tellement délicat, j’ai du mal à avoir un favori car c’est quelque chose pour cette période de ma vie et tous les épisodes, mais’The Greatest Light Is the Greatest Shade’ semble intemporel mais c’est du côté triste mais j’aime les chansons plus tristes.

Est-ce que vous changeriez quoi que ce soit au sujet de l’EP maintenant ou est-ce juste un instantané de cette époque ?

C’est une bonne question, en fait, parce que c’est amusant de voir qu’à mesure que vous progressez et que vous regardez en arrière, vous pouvez faire quelque chose différemment. Mais je n’aime pas avoir de regrets parce que tout est un processus d’apprentissage et si nous devions l’enregistrer maintenant, nous en saurions beaucoup plus à son sujet, mais j’aime sa naïveté. Nous étions en train de nous habituer à être notre propre producteur et à ce qu’il est possible de faire avec ce côté-là peut-être, mais je reste fidèle aux chansons et comme je le dis, c’est un moment dans le temps et c’est pourquoi je pense que le remasteriser maintenant est un peu bizarre car nous ne sommes pas vraiment nostalgiques, nous aimons toujours être dans le moment ou regarder en avant. Donc dans l’ensemble, non, je ne changerais probablement rien.

Vous avez votre propre festival avec une belle brochette de groupes gallois dont Blood Red Shoes et Gwenno et d’autres, est-ce une célébration de vos groupes favoris ?

Absolument, c’est la compagnie dans laquelle nous sommes très heureux d’être, mais c’est aussi une belle extension du label, ça fait un moment que nous voulons le faire et c’est comme si nous ouvrions un peu les choses, si nous pouvons aider à attirer l’attention sur ce que nous pensons être tant de grands talents au Pays de Galles, nous voulons vraiment être impliqués et je suis vraiment encouragé. Cela n’a pas toujours été facile, surtout dans le nord du Pays de Galles avec le côté live et le réseautage, mais j’ai l’impression que ça s’améliore constamment, et la seule façon de l’améliorer, c’est que les gens soient actifs et c’est ce qu’ils pensent vraiment. Il y a aussi un grand côté artistique, il y a tellement d’art là-dedans. J’ai hâte d’y être.

Y a-t-il quelque chose qui va bientôt sortir sur le label Aruthrol ?

Nous avons été très occupés ces derniers temps en tournée, mais il y aura un CD pour le Formidable Fest qui mettra en vedette tous les groupes qui y sont, mais il y aura probablement une autre sortie officielle au début de l’année prochaine.

Pour le Formidable Fest, allez-vous séparer le groupe acoustique et le groupe live complet ?

Nous faisons deux concerts, nous commençons la soirée acoustiquement, probablement pas toutes les versions galloises, mais probablement pas mal, et puis un mélange de tous les albums dans le set principal.

Cherchez-vous à commencer le nouvel album dans la nouvelle année ?

Absolument oui, on veut retourner en studio, on finit de tourner juste avant Noël et puis on veut commencer tout de suite en janvier, on a déjà des chansons qui sont déjà très excitées.

Interview de Ian Williams(Battles): « Sons en Bataille »

« Ce groupe a toujours changé de forme », dit Ian Williams de Battles. « On a toujours fait ça, on l’a toujours su. Se retrouver dans de nouvelles situations nous garde frais, tout en nous permettant de rester cohérent avec ce qu’a toujours été notre essence. »

Pour leur quatrième album, Juice B Crypts, Battles ont de nouveau texpérimenté une nouvelle approche. Après avoir commencé sa vie comme quatuor, Battles est maintenant un duo de base : Williams à la guitare (et toutes sortes de matériel), John Stanier à la batterie. Pour l’album, le duo s’est entouré de nombreux collaborateurs, dont Shabazz Palaces, Tune-Yards, Xenia Rubinos, Sal Principato des légendes du disco-punk Liquid Liquid, et Jon Anderson des icônes prog-rock Yes.

Travailler avec des chanteurs «  soulage notre musique », explique Williams. « Quand on ne fait que des instrumentaux, on peut très vite se dire qu’on essaie d’être un virtuose, ou qu’on écrit des chansons de dix minutes qui, comme on dit, « vous emmènent où vous voulez ». Nous avons fait du bon travail sur ce disque, nous n’avons pas été épiques, nous ne nous sommes pas comportés comme des musiciens frimeurs, en revanche, nous avons souhaité garder des éléments qui sont concis et précis. »

Faire l’album – le premier depuis le départ du bassiste de longue date Dave Konopka – semblait différent, mais Williams croit que chaque disque qu’il a fait, de Don Caballero à Storm & Stress et Battles, a été une chose complètement différente. « J’ai toujours essayé de faire de la musique », dit-il avec un petit rire, « et les gens autour de moi changent un peu. Ils vont et viennent, mais je poursuis toujours cette même démarche. »

Williams parle depuis Santiago du Chili. Des émeutes ont eu lieu un soir de congé, après avoir dû annuler un spectacle à Quito, en Équateur, en raison des protestations anti-gouvernementales. Williams a eu un avant-goût des voyages à l’étranger, et dans des pays en mutation, lorsqu’il a passé une partie de son enfance à vivre au Malawi. « Enfant, c’est comme Dieu : pas de télé, pas de glaces, pas de jouets, » raconte-t-il. « Ça voulait juste dire que nous devions apprendre à nous amuser nous-mêmes. Quand je suis revenu aux Etats-Unis en sixième année, j’ai réalisé que j’avais vécu une vie beaucoup plus libre. » Williams a pris des leçons de piano en grandissant, mais il a appris la guitare et le punk rock à l’adolescence. Bien que son histoire musicale ait été saluée pour sa complexité – la moitié des albums math-rock définitifs concernent Williams – il se considère toujours comme un musicien autodidacte et punk rock. « J’ai toujours eu l’impression d’être un étranger », dit-il. « J’ai toujours été approximatif dans ma propre façon de faire les choses ; parfois c’est correct, par moments, assez maladroit. Je pense que, d’une certaine façon, c’est la raison pour laquelle j’ai pu continuer à faire de la musique. Il y a, peut-être quelques techniques que j’utilise pour générer des sons dur chaque disque. Je ne peux pas prétexter l’énergie pour le répéter sur un autre disque. C’est trop épuisant, et ça ne me rendrait pas heureux. Je suis mon meilleur quand je me retrouve en train de chercher et que je dois me trouver dans un endroit frais, et surtout quand je ne connais pas vraiment les règles. C’est un peu plus effrayant parfois[mais] les résultats sont plus honnêtes àau final, plutôt que de n’être que la répétition de votre formule. » Pour le nouveau duo de Battles, tant sur scène que sur Juice B Crypts, Williams a été au plus loin dansl’interface entre l’homme et la machine. « Je partage mes tâches entre l’Octatrack d’Elektron, les modules Eurorack et Ableton Live « , explique-t-il. « D’une certaine façon, j’essaie de rester traditionnel : je joue toujours de la guitare, comme les gens l’ont fait pendant des siècles, en travaillant avec des accords, des gammes, et dans le cadre de certaines règles mélodiques, une théorie musicale de base qui serait, genre, la même chose que les Beatles utilisent. Mais j’envoie mon audio à, disons, un filtre qui monte et descend et qui est syncopé avec le BPM, ou qui joue dans une boucle qui s’allume et enregistre deux temps tous les huit mesures, puis vous le renvoie. Je vais préprogrammer ces choses, mais c’est un peu comme si, en tant que musicien humain, je jouais de la guitare ou du clavier. Mais ensuite, je laisse le son s’échapper et je me fais massacrer. C’est vraiment le mot facile pour ça : une sonorité mélangée, malaxée, tripatouillée. »