Pinkcourtesyphone: « Leaving Everything To Be Desired »

26 septembre 2020

Et maintenant, vous pouvez vous asseoir… La suite de la précédente collection de musique d’ambiance négative de Pinkcourtesyphone, Indelicate Slices, est arrivée et elle est encore plus sonore que son prédécesseur. Leaving Everything To Be Desired est une somptueuse sérénade révélant avec franchise l’essence des nombreux adjectifs prudents utilisés pour décrire des situations.

Les écarts de Pinkcourtesyphone s’étendent d’un intérieur à l’autre, allant de brillants chatoiements de cordes douces comme un rêve, d’arrangements crémeux, de bourdons à la dérive, à des cha chas disséqués. Tantôt charmant et flamboyant, tantôt sombrement nostalgique, tantôt mortellement apaisant, tantôt abrasivement tendre, mais toujours engageant et finalement engloutissant de nous.

Cet enregistrement d’extravagances temporelles est destiné à mettre en valeur avec toute la richesse coussinée de la haute fidélité pour vous apporter toutes les nuances fascinantes du son. Son esthétique « soft focus » berce l’oreille de l’esprit dans un état d’ivresse étourdissante, confortablement instable sous les pieds.

C’est peut-être l’album auquel vous pensez avoir droit, conçu pour être conservé à proximité. Le temps du rêve est venu et reparti, nous laissant avec l’inconfortable prévisibilité que, soudain, nous ne pouvons plus nier le choc de chaque instant.

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Drift: « Symbiosis »

5 août 2020

Le premier album est difficile, quel que soit le niveau auquel on se trouve, parfois on le réussit bien et parfois c’est juste une courbe d’apprentissage.

D’après ce que l’on sait, l’artiste nommée Drift ne voulait pas que e disque soit rempli de « singles » et elle souhaitait que le projetdonne l’impression d’avoir été tissé « ensemble ». Même si cela sonne prometteur, nous obtenons toutefois quelque chose d’assez terne. La plupart des morceaux de l’album semblent se fondre dans un ensemble étrange, encombré et répétitif. Ces morceaux sont indiscernables, n’évoquant aucune réponse sur le plan émotionnel et encore moins en termes de plaisir.

Un seul titre se dégage, « Raytheons Raider », un morceau électro-synthétique qui bourdonne avec des voix (légèrement) plus vivantes et qui se démarque du reste de l’album. Le seul autre morceau qui se démarque est « Human », qui se construit progressivement avec des synthés bourdonnants et des voix samplées, mais qui s’effondre dans le néant.

Sylbiosis ‘est une expérience certes, pas une expérience passionnante. Les morceaux sont assez cohérents, mais avec d’étranges fioritures dans lesquelles il est assez difficile de s’investir sur le plan emotionnel ou de choisir un morceau qui se démarque du lot.

**1/2


Dogs Versus Shadows: « This Crow Wears A Wire »

15 juillet 2020

Dogs Versus Shadows est le surnom de Lee Pylon probablement plus connu comme l’animateur de l’excellente émission de radio « Kites and Pylons  ». Une émission hebdomadaire sur Sine FM et Mixcloud, et dont le slogan est « Otherworldly Electronica ». Lee est est un avocat d el’ étrange et merveilleux au sein de la musique électroniqu, que ce soit en tant que compositeur de musique de chambre ou comme bidouilleur en studio. L’émission est essentiellement créée autour de la grande oreille de Lee pour une musique intéressante, éclectique et inventive. A la hauteur de ses vastes connaissances et de son enthousiasme sans borne, « Kites And Pylons » est un petit plaisir radiophonique.

Et This Crow Wears A Wire est la première incursion de Lee Pylons au jeu sur une musique qui embrasse son amour et sa passion pour l’électronique hors nomes ou les paysages sonores ambiants, le son radiophonique, l’onde de synthèse et la musique expérimentale brillent de tous leurs feux.

L’album est composé de douze chansons qui s’inscrivent librement dans le genre de la musique électronique ambiante et peut-être plus spécifiquement Hauntronica. En commençant par la chanson d’introduction « Try Not To Hate Them » » il est immédiatement évident que Lee a pris des notes détaillées sur la scène actuelle. Toutefois, dès le début de la deuxième chanson « Lima Papa», il est tout aussi évident de constater que Lee compose plus qu’un hommage, à un genre qu’il joue volontiers dans son émission de radio où« Lima Papa » donnera, à cet égard,cle ton dystopique de l’album. Les perscussions sont d’une qualité délicieuse prpore à qui ancrer la chanson, tandis que les synthés et les effets flottent sur le rythme. « Chop Chop (Must Dash) » s’ouvre sur le bruit d’un hélicoptère, presque instantanément accompagné d’un rythme métalliquefracturé, avant de dériver dans des signaux radio brisés, mélangés et déformés. « Myopic Is Not Bionic » est animé par des tambours presque bombardés et une pulsation sale, autour de laquelle des synthés poignardent et un effet de type thérémine hante de manière rêveuse.

« Founder’s Point » est l’interlude sombre du chaotique et délicieusement désorientant « Mumpsimus Rex », qui est plein de notes poignardantes et d’un crochet à moitié caché, en constante augmentation.

« Shadows Of The State » utilise des chants arrachés qui dérivent sur de sombres nappes de synthétiseur chargées de malédiction. « Six Kilometres » est une minute et demie de bleeps sur une pulsation profonde et contrôlée. « The Things We Know Didn’t Hurt Us » se glisse dans un paysage sonore ambiant doux, chaud et étonnamment positif, avant de s’écraser sur les tambours déformés et le discours à moitié despotique, prononcé par un effet de tannage déformé sur « Nebulous Upland » tandis que « Look Where It Got Me » fserpentera utour d’un criff simple et efficace. La chanson titre complète l’album avec des nappes de synthétiseurs crépitants, tandis que d’autres s’enchaînent, comme des débris électroniques.

The Crow Wears A Wire est un premier album très intéressant et intriguant. Il est le fruit d’un animateur radio qui a une oreille naturelle pour la musique de qualité. Il rappelle parfois une bande-son imaginaire à petit budget. Un monde musical orwellien, où chaque bâtiment est construit dans le style du brutalisme et recouvert d’une télévision en circuit fermé. Des hommes en longs imperméables sales et en chapeaux à larges bords qui projettent des ombres sur leur visage et qui fument de façon menaçante dans des ruelles mal éclairées. C’est un monde atmosphérique de malaise et de paranoïa douce, mais insistante. Un monde où l’on redoute de plus en plus ce qui pourrait nous attendre au prochain tournant. Un monde où même les oiseaux portent des dispositifs d’écoute.

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She Hates Emotions: « Melancholic Maniac »

22 juin 2020

Chris Pohl a trouvé le temps, dans son calendrier chargé avec son combo electronica allemend Blutengel, de fonder son projet de synthpop She Hates Emotions et d’enregistrer son premier album Melancholic Maniac. En théorie, ce n’est pas la pire des idées ; le calendrier de sortie de son projet principal (sérieusement, ils ont sorti deux albums complets rien que l’année dernière) a vu ses rendements diminuer en termes de qualité, et il est évident que faire quelque chose d’un peu différent pourrait aider Pohl à se débarrasser d’une partie de son inertie créative.

En pratique, cependant, Melancholic Maniac est assez peu convaincant. Bien que la saveur synthpop soit jouée par endroits – regardez la programmation de batterie vintage et la basse à l’octave sur le remarquable « The Final Danc » » et les arpèges classiques qui mènent « City Lights » – beaucoup de ces chansons ne semblent pas pleinement réalisées. Un morceau comme « Edge of the Night » commence de façon assez prometteuse avec un gros synthé et une programmation de boîte à rythmes rapide, mais n’est jamais vraiment à la hauteur du drame de la voix de Pohl, qui perd de son élan et finit par s’arrêter. « Cry Wolf » connaît un sort similaire : malgré sa ligne de basse charnue et un crochet new wave amusant, il tourne en rond du point de vue de l’arrangement, ne s’installant jamais vraiment dans un groove pop.

Chris Pohl est un assez bon producteur et possède un certain charisme vocal, et son meilleur travail, tant dans Blutengel que dans le défunt Terminal Choice, a toujours consisté à aller loin, bien au-delà. La synthpop n’est pas le genre de musique le plus subtil, mais elle privilégie généralement le minimalisme en termes d’arrangement, en s’appuyant sur de gros crochets ou des voix et des arrangements distinctifs pour porter un morceau. Pohl n’est tout simplement pas ce genre d’artiste et les tentatives d’associer ce style à sa marque distinctive de fromage de vampire n’ont jamais abouti. « Leaving » aurait pu être une bonne ballade de Blutengel dans une autre incarnation, mais dans la version actuelle, elle est anémique, avec un arrangement et un mélange trop fins. Pour souligner le problème, le meilleur moment du disque est certainement le morceau « Ghosttown », dont les attaques chorales collantes et les sons de thérémine sont moins de bon goût mais plus charmants que la production des morceaux environnants.

En toute justice, il n’y a rien de véritablement inconséquentsur Melancholic Maniac, mais il n’y a pas non plus grand-chose qui vaille la peine de donner plus qu’une simple écoute. Il a l’air de quelque chose de jeté, peut-être une tentative de preuve de concept ou de Pohl sentant différents styles de musique (le morceau bonus « LIEBEN » étant un étrange morceau hybride old-school EBM semblerait soutenir ces théories). Quelle qu’ait été la motivation, l’album est surtout interprété comme une synthpop européenne moderne, compétente mais oubliable, avec quelques touches de production des années 80. La fanbase de Pohl pourrait trouver plus à apprécier, mais il est peu probable que les auditeurs occasionnels lui accordent trop d’écoute au-delà de la première.

**1/2


Green Day: « Father of All Motherfuckers »

14 février 2020

Green Day vante ce nouvel effort comme un disque de rock sans prétention, de rock dans sa plus pure définition. Venant d’un groupe qui a passé le plus clair des 20 dernières années à se compliquer la vie en montant des opéras punk rock conceptuels et orchestraux, ça aurait été un vent de fraîcheur, pour vrai. Si on n’arrête pas de nier que le rock est mort et s’il faut se fier à Green Day pour tâter le pouls du style, mettons que le cadavre serait à un stade avancé de putréfaction.

Selon le combo donc, un disque de rock pur, en 2020, en est un qui recycle les riffs les moins stylés des 40 dernières années pour les mêler à l’ADN déjà vieillissant des hits de groupes comme les Strokes, les White Stripes Qyeens of the Stone Age, ou les Black Keys, le tout dans une production hyperléchée et faussement nonchalante. Une réécriture complète et avouée de Dookie aurait été plus satisfaisante que cette bouillie rock à numéro. Au sein de cette catastrophe concise, une seule chanson nous rappelle l’énergie du Green Day des débuts (« Sugar Youth »).

Étant donné que le contact avec le reste de l’album est aussi peu agréable que cette resucée on ne m’attardera pas trop dessus. Disons simplement que la chanson titre, qui ouvre l’album, est une version «pub de iPhone» édulcorée des White Stripes, que « Oh Yeah! » repique des éléments de la pièce « Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah) » de Gary Glitte et de « My Sharona de The Knack. Le groupe prend clairement son public pour une bande d’ignares avec des références aussi marquées. American Idiot contenait lui aussi son lot de repiquage de classiques, mais c’était quand même fait avec plus de subtilité. Là, c’est juste du mauvais goût.

Il semblerait que le trio californien a eu beaucoup de plaisir à enregistrer ce disque-là ; on peut coir cette affirmation-là comme un désir de ne plus être Green Day, tout simplement.

Le « plagi-hommage » continue de plus belle avec « Meet Me on the Roof » et ses handclaps et ses harmonies vocales hautes perchées. Encore une chanson qui pourrait facilement jouer avant les bandes-annonces de film au cinéma. Pensez aux chansons rock les plus génériques que vous avez entendues dans votre vie et vous n’êtes pas loin de la vérité.

« I Was a Teenage Teenager » nous rappelle un autre combo sur lequel on s’interroge, à savoir Weezer ce qui tombe bien vu que les deux groupes partent en tournée ensemble cet été.  En 2020, sur la planète mainstream, les rockeurs font du recyclage ; on peut avoir mal au coeur et aussi au rock.

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Turnover: « Altogether »

26 novembre 2019

Le premier morceau du nouvel album deTurnover, « Still In Motion », fait penser penser à un croisement entre Peripheral Vision et Good Nature, deux superbes albums et deux ambiances complètement opposées, l’uen automnale, l’autre bien plus ensoleillé.Cette intro ne peut que plaire. Pourtant, les morceaux présentés en amont de la sortie de Altogether laissait présager d’un album encore plus apaisé, chill, et beaucoup moins évident au niveau de l’immédiateté des morceaux.

Malheureusement, c’est bien là que le bât blesse car c’est finalement le seul titre de l’album qui permet à l’auditeur de se raccrocher au passé deu groupe. Ce n’est pas grave, peut-on se dire. Le combo n’est-il pas, à l’image du titre de ce nouvel opus, en constante évolution ?

Si « Much After Feeling » »(avec son groove et sa basse bondissante), « Parties » (et ses guitares lancinantes) ou encore « Number On The Gate » (avec son refrain) arrivent à nous faire un peu dodeliner de la tête, on arrive très vite à lassitude voire ennui. On sent quee groupe na peut ou ne veut pas se concentrer, au final, sur un son et qu’il s’évertue à chercher ailleurs ce qui n’y est pas.

Ainsi, « Ceramic Sky » et son saxophone fleurera les années 80 et Turnover ne fera que ralentir le tempo avec des morceaux comme « Valley Moon » ou encore l’insipde « Temporary Love »,. Les chansons ne sont même pas mauvaises mais il ne s’y passe rien et, passée la moitié de l’album, on s’englue dans des expérimentations jazzy, dansantes, groovy à souhait certes, mais pas d’accroche au niveau des refrains, pas de frissons. Altogether est une franche déception pour un album aussi attendu. Pas bon, pas mauvais non plus, juste dans la moyenne, et pour un groupe ayant sorti trois superbes disques, on va dire que c’est le droit à l’erreur. Altogether est un disque vers lequel on ne revient pas, sauf pour quelques morceaux.

**1/2


Tiger Army:  » Retrofuture »

20 septembre 2019

Tiger Army fait dans le psychobilly, du moins du temps de ses deux premiers albums. La suite n’a pas été à la hauteur du renouveau que les Californiens apportaient au genre, aussi ce sixième opus risquait de ne pas avoir droit de cité.

L’écoute renforce ce sentiment de déception tant le répertoire du groupe est plutôt mou du genou ; ainsi, « Prelude : tercio de muerte » ne pourrait moins mériter son nom. Pas le moins du monde menaçant, il se contente d’amener un riff des plus classiques vers une conclusion un peu plus enlevée mais pas enthousiasmante pour autant.

Apres « Beyond the Veil » et « Last Ride » l’ambiance retomnera tout comme sur un « Valentina » sans fièvre. « Death Card » nous fera croire à un léger sursaut, tout comme « Sundown » qui donnera le change. « Eyes of the Night » est le titre le plus psycho, mais pas le meilleur et « Mi Amor la Luna », sera l’habituelle ballade latin rock. Le tout est cliché et, au même titre que linstrumental « Night Flower », soporifique. On dit que la chance ne sonne pas plusieurs fois à la même porte ; on pourrait craindre ici que Tiger Army ait presque totalement épuisé ses jetons.

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Spellcaster: « Inventory »

1 mai 2019

Issu de la scène expérimentale danoise, Holger Hartwig alias Spellcaster propose un premier album, Inventory, qui n’a de définissable  que sa propre singularité.

Faisant se collapser vocaux trafiqués et instrumentaux possédés, Spellcater nvente un langage à la croisée des genres, entre slow post-punk expérimental et noise r’n’b, spoken word défiguré et arabesques free à l’abstraction ambient conceptuelle.

S’il a hérité du déconstructivisme de sa formation Synd Og Skam, il a par ailleurs développé un sens du chaos qui doit autant au bouillonnement d’idées, qu’à l’acharnement de collages minutieux, intégrant la participation de plusieurs musiciens ou chanteurs à la création de son projet aux allures de magma en fusion.

Inventory demande une écoute attentive pour en apprécier ses diverses textures et sa richesse intrinsèque, bifurquant constamment sur des routes glissantes, désaxant ses mélodies de leurs axes pour leur offrir une beauté à l’usage du temps. Un opus inclassable aux atmosphères intrigantes. Très fortement recommandé.

***1/2


Laura Meade: « Remedium »

4 décembre 2018

Si le nom de Laura Meade n’évoque pas forcément de souvenirs immédiats, celui du groupe au sein duquel elle évolue va sans nul doute attirer l’attention puisqu’elle est ni plus ni moins qu’une des voix de Izz, groupe plusieurs fois salué pour la qualité de son rock progressif inventif et foisonnant.
Evoluant cette fois-ci en solitaire, bien qu’accompagnée d’une part par la quasi-totalité de son groupe d’origine, mais également par quelques pointures au sein desquelles nous retrouvons notamment Jason Hart (Renaissance), l’artiste nous propose un concept album autobiographique narrant son combat personnel contre la sclérose en plaques qui l’affecte, le tout avec des paroles dotées d’une très forte puissance évocatrice.
Sur le plan musical, l’univers de Laura Meade est bien éloigné de celui de Izz et ne présente que peu d’accointances avec le rock progressif. Pourtant, le splendide « Sunflowers at Chernobyl » va nous démontrer le contraire, avec ses claviers introductifs qui renvoient à Marillion, avant que la suite ne se rapproche de Magenta : intonations vocales à la Christina Booth, basse chantante très présente et un magnifique tricotage basse/claviers pour finir placent d’entrée de jeu cet album sur de très bons rails.
Passée cette première plage, la suite va nous proposer des titres plutôt courts, où Laura Meade évolue dans un univers situé entre Kate Bush et Tori Amos, non seulement sur le plan vocal, mais également au niveau instrumental puisque l’on retrouve le piano très présent dans l’esprit de la seconde (« The Old Chapel at Dusk », « Irradiation’» et le côté parfois expérimental de certaines mélodies et orchestrations de la première. 


A cet ségard, il faut également souligner que les accompagnements instrumentaux sont souvent dépouillés, offrant une belle mise en valeur de la voix de l’interprète. C’est ainsi qu’un simple ukulélé suffit à venir habiller de manière on ne peut plus élégante une mélodie aussi simple qu’accrocheuse (« Home Movies ». Mais, loin de simplement singer ces deux illustres aînées, Laura Meade introduit beaucoup de sonorités modernes et notamment quelques touches d’electro voire trip-hop, comme par exemple sur « Dragons’ » deuxième titre epic de l’album, qui s’ouvre par une mélodie poignante rendue sur un mode acoustique, avant que le titre ne prenne de l’ampleur et un rythme entraînant que même la batterie électronique ne parvient pas gâcher.
Les dix morceaux présents sur Remedium sont autant de pièces finement ciselées, rendues par des instrumentistes et une interprète de premier plan et ce, dans un style vraiment original. Un opus qui constitue un vrai remède.

****1/2


Okkervil River: « In The Rainbow Rain »

26 octobre 2018

In The Rainbow Rain présente la nouvelle mouture de Okkervil River puisque c’est le premier album sorti par son leader, Will Sheff avec les nouveaux musiciens qui l’ont accompagné depuis 2017 quand il a commencé à ouvrir pour le tournée de The War on Dugs.

Cette collaboration n’est pas étrangère au nouveau son du groupe même si celui-ci demeure toujours rivé dans un folk-rock rock combinant climats west-coast américain, rock FM et pop britannique héritée des années 80.

En revanche une grande partie de la hargne explosive qui caractérisait le combo a désormais disparu, remplacée qu’elle est par une atmosphère beaucoup plus édulcorée voire lénifiante.

« Don’t Move Back to L.A » passera un peu la rampe et un seul moment d’émotion se produira quand Sheff s’époumonera dans la dramaturgie en crescendo qui accompagne « Human Being Song ».

L’instrumentation, elle-même est quelque peu inappropriée en particulier un saxo indigent (« Family Boy ») et l’on a trop souvent l’impression que le disque est interprété par un « cover band » qui aurait repris tous les tics de Okkervill sans les maîtriser.

In The Rainbow Rain est l’album inassimilable d’un combo devenu émasculé.

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