Daniel McCagh: « Altered States »

Même si vous n’avez pas entendu parler de Daniel McCagh, il y a de fortes chances que vous ayez entendu son travail. En tant que concepteur sonore et compositeur, il a travaillé avec des marques telles que Volkswagen, Huawei et Acura – des noms qui « véhiculent » tous un sentiment de modernité rationnelle, mais aussi d’impitoyabilité corporative. Sur son premier disque, Altered States, McCagh déploie les compétences qu’il a acquises en travaillant dans de tels environnements professionnels et nous donne une déclaration artistique plus personnelle.

Il y a un contraste immédiat entre le piano et les pinces délicates du morceau d’ouverture « Twisting and Turning » et le motif lourd et déformé du coup de pied et de la caisse claire de « Leviathan Spine », le morceau suivant. Immédiatement, nous comprenons que l’accent de cet album va être mis sur le son, la façon dont il peut être conçu, la façon dont il peut remplir l’espace. Les violons se frôlent les uns les autres avec une fébrilité contenue. La caisse claire frappe sans relâche dans le fond. Plus tard, sur « Untitled », ces violoncelles, libérés de la base rythmique, vont essaimer et bourdonner comme des abeilles dans une salle de concert.

L’album est principalement composé de morceaux plus courts, la moitié d’entre eux étant inférieurs à quatre minutes, et plusieurs d’entre eux sont inférieurs à deux minutes. De la même manière. Les idées musicales sont concises, variées, et ne dépassent pas le cadre de l’accueil qui leur est réservé. Lorsque des morceaux plus longs sont joués, comme la chanson titre ou le morceau le plus proche (« Remnants », l’effet est accentué – bien qu’il ne s’agisse pas de paysages sonores ambiants d’une heure, nous sommes toujours transportés dans leurs grands espaces. Ce que nous entendons dans le morceau « Altered States » résume assez bien la mission de l’album : il y a un sens langoureux de la mélodie, de longues notes soutenues qui s’étendent, tandis que sous un beat industriel moussu se déplace avec la régularité et le poids des roues carrées.

Ce contraste entre le lourd et l’apesanteur s’estompe au cours de ce disque, non seulement entre les morceaux (la libération harmonique et la simplicité de « Subsume » après « Epoch I ») ou entre les fréquences, ou le choix des sons et des instruments, mais aussi entre les différentes approches de la composition. Il y a ici des profondeurs invisibles. Un disque à écouter lentement, une écoute à la fois, mais beau et gratifiant.

Il y a ici des profondeurs invisibles. Un disque à écouter lentement, une écoute à la fois, mais beau et gratifiant.

***1/2

akisai: « Travelers »

Ce duo japonais sort actuellement son troisième album sur un label, nippon lui aussi, qui a réuni sous un même toit des compositeurs et des musiciens exceptionnels ces dernières années. Travelers tisse divers genres musicaux en un tapis sonore sphérique, avec une influence marginale de la philosophie et de la tradition extrême-orientales.

Ce projet audiovisuel des deux musiciens Yo Suzuki et Koichi Nakaietoujours a été utilisé comme un lieu d’activités créatives libres, et les œuvres ont été publiées de manière irrégulière, tandis que les expressions expérimentales ont été poursuivies. Le premier album Colors a vu le jour en 2014, suivi un an plus tard par l’album Images. Cette troisième œuvre, est accompagnée d’un lien de code (version CD) permettant de s’immerger dans son travail visuel « re : Consideration », afin que l’auditeur puisse profiter de l’ensemble de l’album avec tous ses sens. Mais aussi seule l’acoustique diffuse une expérience d’écoute cinématographique, un presque voyage à travers les différentes dimensions d’un état méditatif avec des facettes romantiques tout autant que des vibrations vivifiantes facilement accessibles

Aujourd’hui, en particulier en ces temps troublés, la musique d’akisai est prédestinée à vous aider à trouver d’autres pensées et humeurs. Généralement situés dans le genre ambient, les deux musiciens japonais encadrent leurs structures sonores avec des traits progressifs et expressionnistes. La musique est facilement accessible, a des facettes romantiques et des vibrations vivifiantes. Des éléments de la musique néoclassique, de la dream-pop ainsi que des nuances du jazz trouvent leur harmonie dans une structure homogène, qui est complétée par des paysages sonores électroniques. Vous ne trouverez pas de sentimentalité, mais plutôt des sentiments d’harmonie, de familiarité et de mélancolie asiatique. Surtout lorsque la nature ou les bruits de la vie quotidienne sont inclus. Le résultat est une atmosphère sensuelle et détendue qui réchauffe le cœur de l’auditeur. Même si l’on n’a pas accès à l’œuvre visuelle, Travelers agit comme une toile où l’auditeur balance le pinceau imaginaire dans sa tête.

La large instrumentation de l’album est frappante, puisqu’elle va de la guitare, du piano et de la flûte à quelques autres instruments. Cela crée une ambiance dynamique et structurée avec de la poésie asiatique dans certains morceaux. Mais l’album a aussi un visage de musique du monde à offrir. De bons exemples se trouvent dans les pistes que sont « crepavane », « ecossaise » ou « allemande ». Très sphérique comme un lever de soleil, des passages sonores comme « entrance, où l’acoustique se niche autour de l’auditeur comme une douce couverture de laine. La rythmique « unitverge » procure, elle, une aura de positivité et de joie de vivre. Ici, les deux musiciens japonais mettent vraiment toutes les chances de leur côté pour comprendre la musique. Cela s’applique également à la dernière chanson « islands, où le degré de mélancolie se resserre à nouveau et où une atmosphère de paix et de tranquillité est suggérée à l’auditeur, comme si on était assis à la mer la nuit et perdu dans les étoiles du firmament.

En conclusion, ce nouvel album apporte tous les outils pour être un compagnon acoustique qui vous changera les idées et vous aidera. L’atmosphère et les émotions positives en sont les piliers, ainsi que la durée de jeu de plus de 40 minutes sont idéales pour se plonger dans cette esthétique sonore. Les amis de l’ambiance asiatique avec de nombreux emprunts expérimentaux devraient rendre les « voyageurs » très heureux d’être captifs de cette écoute extrême-orientale faite pour rêver.

***1/2

Svarte Greiner: « Five Hundred Fink Experience »

Five Hundred Fink Experience se compose de trois drones – « des drones pour rester sain d’esprit » comme le dit Erik K Skodvin, alias Svarte Greiner. Alors que le verrouillage mondial se poursuit nous avons tous besoin d’un peu de bon sens mais les drones de Five Hundred Fink Experience sont dangereusement proches de la frontière entre l’avant et l’après et, une fois qu’ils auront quitté l’état précédent, ils ne reviendront jamais. On peut s’enfoncer dans les drones de la même manière qu’on peut sombrer dans la folie et ne jamais refaire surface, ne plus jamais être tout à fait le même. Certaines expériences laissent des cicatrices permanentes.

Les drones allongés restent en l’air pendant des minutes, ne dégageant pas vraiment de déviation, mais c’est précisément le but : il aidera à éloigner l’esprit des tueurs invisibles parce qu’il en garde un dans la zone, fixé sur le son, regardant son point fixe jusqu’à ce que tout le reste soit effacé, rendu absent et informe. Comme une méditation consciente, la musique est capable de zoomer sur la texture et le ton, offrant un gros plan extrême afin d’effacer tout le reste. Le médicament fonctionne.

Five Hundred Fink Experience est un sédatif temporaire contre le flot constant de nouvelles négatives, les tremblements d’anxiété et l’augmentation de la pression sanguine pendant environ cinq mois en 2020. Baptisé « Syringa », « Wisteria » et « Hellebore » chaque morceau en présente un différent, distinct, vivant dans un registre dissembleble dans une autre partie du monde, éloignés l’un de l’autre mais se rejoignant également, et chaque morceau offre une tonalité différente. Le premier est perçant, le second est plus profond et émerge après que la pluie soit tombée et que l’air soit clair, et le troisième oscille entre ses prédécesseurs. Elle vibre soit en raison d’une augmentation du stress, soit d’une instabilité mentale provoquée par l’isolement, faisant lentement basculer la musique au-dessus de la ligne d’état et au bord du gouffre. Quelle que soit la façon dont vous le considérez, Five Hundred Fink Experience est un aller simple vers l’oubli.

***1/2

Green-House: « Six Songs for Invisible Gardens »

Commencer un album avec des sons d’eau en commun est une entreprise risquée. Mais au début de l’instrumental Invisible Gardens, Green-House combine ces murmures liquides avec un peu de malléophone, et pendant près de 30 minutes, jette un sort d’autant plus remarquable que les clichés new age qui l’accompagnent sont nombreux (oui, il y a aussi des oiseaux, beaucoup d’oiseaux). De même, le tissu musical, composé de tropes ambiants de bon goût et intemporels, est superficiel, euh, superficiel.

Mais ce papier peint est émouvant ! Les tons célestes s’épanouissent et se retirent à travers des couches de synthétiseurs et de marimbas plongés et pulsés et autres, tandis que les mélodies vocales reflètent le manifeste croustillant de Green-House : Invisible Gardens n’est pas conçu comme un arrière-plan, mais comme « une communication avec la vie végétale et les personnes qui en prennent soin ». Croyez-le ou pas, c’est fort bien réalisé par cette artiste, la Calfornienne Olive Ardizoni qui compose ces musiques pour clamer son amour de plantes.

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Andi Otto & F.S. Blumm: « Entangleland »

F.S.Blumm est entré dans le studio d’Andi Otto avec toute une palette de cordes et la mission de créer des paysages sonores excentriques et paisibles. Les artistes mêlent guitares acoustiques et électriques, harpes, basse électrique, psaltérion et violoncelle dans onze compositions électroniques allant de la gravité néo-classique (« Entangleland ») à des jams dub espacées (« Active Fault Map »). « Yukiyama » évolue dans des motifs multicouches tressés sur un bruit de bande chaud. « Kilani » rappelle les enregistrements ECM de Rabih Abou Khalil, avec sa gamme orientale et un rythme qui compte jusqu’à sept. Les airs brillent le plus quand le silence prend le dessus, quand les sons trouvent l’espace pour se déployer et se décomposer. Loin d’être des berceuses ambiantes triviales, ces compositions regorgent de détails : Les cloches cliquettent, une kalimba résonne et des synthés vintage induisent leur tension dans la trame acoustique. Andi Otto et F.S.Blumm collaborent en studio et sur scène entre Berlin et Tokyo depuis plus d’une décennie maintenant, l’apogée étant leur précédent album en duo The Bird And White Noise en 2014. Sur Entangleland, Andi Otto contribue à l’enregistrement des violoncelles, de la harpe et des synthés et s’occupe du mixage.

Par rapport à ses récentes sorties, ces morceaux sont moins orientés vers les pistes de danse. Le calme de cet album est un environnement florissant pour Otto, qui peut s’adonner au violoncelle acoustique que l’on entend habituellement de manière plus élaborée dans ses œuvres solo. F.S.Blumm contribue aux enregistrements de guitare et de basse ainsi qu’aux échos de percussions saturées de sa boîte à spirales qu’il a lui-même fabriquée. Blumm est célèbre pour ses productions acoustiques en solo depuis ses premières sorties sur Morr Music ou Tomlab. Il est également apparu à quelques reprises sur Pingipung, par exemple avec son album Up Up And Astray (2013) ou en tant que collaborateur de Lee « Scratch » Perry avec le projet Quasi Dub Development en 2014. Il a enregistré trois albums en duo avec Nils Frahm et est membre du puissant collectif Jeff Özdemir & Friends à Berlin. Entangleland voit les deux artistes tisser ensemble une masse de motifs acoustiques, de mélodies synthétiques, de séqyences musicales joueées à la basse et aux claviers et de jams d’improvisation où la magie émerge de la somme des parties. « Il ne s’agit pas d’accompagner un thème de violoncelle avec la guitare ou vice versa », explique Andi Otto. « L’enchevêtrement des sons signifie qu’il faut lâcher les hiérarchies, que personne n’est le premier. Notre studio n’est pas une salle de contrôle, c’est un lieu d’imagination où l’on démonte les choses et où l’on les assemble ». Dont acte.

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The Green Kingdom: « Residence on Earth »

Beaucoup se sont entichés de son album Egress, sorti en 2012 et, depuis on a toujours attendu avec impatience les nouveautés de The Green Kingdom, un projet solo de Michigander Michael Cottone. Peu d’artistes peuvent rivaliser avec son habileté à mélanger des sources organiques et électroniques tout en maintenant un équilibre délicat entre des structures mélodiques et des paysages sonores texturés. Il fait sa première apparition sur le label en plein essor Past Inside the Present avec une sortie particulièrement poignante intitulée Residence on Earth.  Sur le plan thématique, l’album retrouve la perte de traitement de Cottone et sa réflexion sur le vieillissement tout en s’inspirant du recueil de poésie du même nom de Pablo Neruda.

Traçant doucement un arc de cercle de « Dawn » à « Dusk », Cottone accorde une attention particulière aux lignes de guitare et aux textures de ce disque, leur donnant tout l’espace nécessaire pour scintiller et faire rayonner la mélancolie bleue de la musique avec une puissante subtilité.  Il convient de noter tout particulièrement l’élégiaque « Fantasma », une pièce sincère qui est aussi émotionnellement directe que tout ce qu’on a pu entendre sur un disque TGK. Ces chansons ne sont pas tant des paysages sonores ambiants que des airs plaintifs et des méditations ronflantes capables d’exhumer un souvenir oublié depuis longtemps ou d’induire une rêverie nostalgique. Pour résumer plus succinctement Residence on Earth, il suffit d’emprunter une phrase d’une autre œuvre de Neruda qui semble appropriée et de l’appeler solitude lumineuse.

***1/2

Slow Reels: « Farewell Islands »

Slow Reels a commis un disque d’amour. La passion d’Ian Hawgood pour les magnétophones à bande et les synthés vintage se combine avec l’amour de James Murray pour le mélodisme fort et les textures profondes. Farewell Islands dérive sur des drones soutenus et endormis et des atmosphères brumeuses qui évoquent le grand air, s’élevant comme de la fumée au-dessus d’une forêt. Le duo a sorti la musique de l’autre sur ses propres labels respectifs, Home Normal et Slowcraft, mais leur collaboration musicale n’a commencé que récemment. Alors qu’il vivait à Varsovie, Hawgood a passé de longues nuits avec sa collection de machines à bobines, à déverser sur le son et la sonorité particulière qu’il produit ; le son magique. Il semble que les objets brisés – les instruments et les personnes – produisent une musique spéciale et sincère. Une musique qui, à sa manière, est éternelle ; une musique magique.

À Londres, Murray a ajouté du piano, de la guitare et des synthétiseurs, contribuant ainsi à créer une atmosphère obsédante. Le disque rappelle également une ambiance fragile, semblable à celle que l’on trouve au Japon, en grande partie due à la nature plus fine et délicate de sa texture et à la profondeur infinie de la bande. Rien d’autre ne peut vraiment égaler cela, pas même l’original, à la limite du format numérique stérile (bien qu’il soit utile de souligner que le disque n’existerait pas sans la technologie numérique).

La technologie plus ancienne donne à la musique un aspect un peu plus ancien : des décennies, voire même un recul par rapport à ce siècle, un recul par rapport au passé. La musique reflète ce sentiment de vieillissement progressif. Alors que les échos en boucle continuent de tourner avec des respirations fines et vaporeuses, ils continuent de voyager, venant d’un endroit ancien mais aussi apparemment éternel. Des cliquetis et de vagues clics se forment comme une poussière qui tombe sur la surface du disque. La même poussière tombe sur les bobines. Des tons chatoyants et romantiques offrent de belles textures qui se replient sur l’environnement. Farewell Islands est un disque de transparence, mais c’est aussi un disque de surprises. Les tons clairs sont parfois ancrés par des tons plus lourds, grondant comme un tonnerre lointain parmi les autres forces élémentaires de la musique, et bien que certains tons soient aussi légers que l’air, Slow Reels parvient à afficher une impressionnante densité tonale.

Ces îles sont « des lieux qui ont un sens pour nous deux dans nos vies, qui ne se trouvent plus que hors du temps… hors de portée » (places of meaning to both of us in our lives, found now only out of time…out of reach).

***1/2

Ross Downes: « Stacked Up At Zero »

L’artiste Ross Downes, basé à Londres, a proposé ici un LP instrumental qui explore l’art de l’électronique, dans un style très proche de la bande-son. Les éléments familiers de l’electronica cinématographique sont tous là : des coups de basse profonds, des beats lents et lourds en réverbération, de longs accords creux atmosphériques et des pads de style choral, des bleeps et des mélodies plus excentriques. C’est une recette potentiellement trop familière, illustrée par des morceaux comme « Iron Cloud », mais elle est exécutée avec un polissage et un professionnalisme qui font plus que compenser.

Il y a suffisamment de diversité pour que cela ne soit pas trop dérivé. Différentes scènes d’un film de science-fiction sont prévues, allant de la révélation d’un grand monde industriel étranger dans « Hiding In History » aux grondements plus sinistres et pleins de suspense dans « Border Boarders ».

L’abstraction ambiante est plus présente dans des morceaux comme  » »n Island Hijacked », en contraste avec des morceaux plus mélodiques comme « Face To Face To Fac » ». Les sons de respiration légèrement paniqués dans « Apophany » apportent, eux, une belle touche distinctive.

En ce qui concerne l’approche cinématographique, un des points remarquables de cet album est que tous les morceaux, sauf un, durent moins de quatre minutes. Cela a donc le fâcheux effet secondaire de le faire ressembler à un album de musique de bibliothèque – une série de courtes pièces musicales composées hors contexte, qui flottent dans l’espoir que quelqu’un voudra tisser une image à côté d’elles.

Ce n’est en aucun cas un album révolutionnaire, mais tout art de qualité ne doit pas l’être. Il est bien exécuté, richement produit, et plaira certainement aux personnes qui aiment leur électronique profondément cinématographique et menaçante.

***

Offthesky & The Humble Bee: « We Were The Hum Of Dreams »

Si vous cherchez un peu de calme (et qui ne l’est pas), alors prêtez l’oreille à We Were The Hum Of Dreams. La musique est médicinale, et les atmosphères fragiles et teintées d’ambiance qui agrémentent le disque sont d’autant plus douces grâce à la voix chaude de Rin Howell, qui dégouline sur la cire comme du miel chaud.

Les huit offrandes rappellent le printemps, et même l’avènement d’un enfermement dystopique ne peut ni rejeter ni entraver le retournement de la saison et la douce révélation de son visage. Il y a des lambeaux de renouveau dans la musique : l’espoir après des mois de gel impitoyable, et les premières pousses après une fonte des glaces. Pressé comme du jus de citron sur la musique, un saxophone – joué par Cody Yantis – ajoute une bande de couleur supplémentaire à l’arc-en-ciel grandissant de la musique, adoucissant sa concoction globale. Offthesky et The Humble Bee font ensemble de la musique délicate, et leur deuxième sortie – qui fait suite à leur collaboration avec l’IIKKI en 2019 – est solidaire de leurs débuts et les prolonge, peut-être même en élargissant légèrement leurs bases.

Lorsqu’elles entrent, les voix sont douces, portant un doux souvenir dans le ronronnement nostalgique d’une vieille chanson et d’une pêche d’un moment. Il y a là une douleur, un profond désir de revenir, mais on va aussi découvrir, avec une réticence qui n’a pas encore été acceptée, que tout a été perdu. We Were The Hum Of Dreams flotte dans le cosmos, hors du temps et libre de ses contraintes gravitationnelles – le temps lui-même étant une forme d’enfermement, de vieillissement de la peau et d’épuisement de l’esprit. Se déroulant comme une journée avec un ensemble de plans lâches et changeants, les sons jouissent d’une élasticité et reflètent un verrouillage par la suspension du temps, ou du moins invoquent l’illusion de la suspension.

Il choisit de s’asseoir en dehors du temps, s’enfouissant plus profondément dans la musique, non pas pour s’évader, mais pour retrouver une paix perdue, un désir de retrouver la joie par la musique. Avec les bannières criardes de « Breaking New »s qui défilent au bas de l’écran de télévision, il peut être difficile de trouver la paix, mais une dose quotidienne de We Were The Hum Of Dreams vous donnera raison.

La musique est immunisée, et des mois de quarantaine peuvent offrir des opportunités de croissance créative et de changement positif. Celeda et Danny Tenaglia avaient raison – la musique est la réponse à vos problèmes.

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Endless Melancholy: « A Perception Of Everything »

Si vous aimez vos ambiances calmes et mélodiques avec un peu de piquant, voici quelque chose d’intéressant pour vous. En surface, A Perception Of Everything présente un ensemble familier de vagues d’accords chauds et expansifs, d’arpèges lents et de planéités veloutées sonores. Sous la surface, des détails bruissent, ce qui lui donne un peu plus de caractère.

« Letting The Old Dreams Die » a juste un petit défaut, un petit bord qui vient contrecarrer la simplicité ininterrompue du morceau d’ouverture, un « Damaged », qui porte mal son titre. Il y a un léger tremblement, presque une ivresse par moments, à la fois sur ce morceau et dans les sons de piano de « Arrivals and Departure ».

Le loop en trois accords de « Immersion » » est agréablement envoûtant et relaxant, sans l’ombre d’un doute, mais un artiste qui utilise le nom de Endless Melancholy est certainement obligé de proposer des morceaux plus mélancoliques ; ceux-ci d’ailleurs arrivent sous des formes comme « Across The Barren Land » qui ne fait que ruisseler de solitude.

Des crépitements, de légers désaccords, et d’autres nuances très douces par lesquelles des éléments de la réalité s’insinuent dans l’abstraction. Le court interlude « Cabo Da Roca », avec ses bruits d’ondes turbulentes et curieusement lo-fi, qui s’insinuent et contrastent avec les sons du synthé-chœur du morceau suivant « The Edge », laisse entrevoir ce qui aurait pu se passer si ces atmosphères avaient été explorées plus en profondeur.

Compte tenu des circonstances actuelles, un dernier morceau intitulé « As The World Quietly Ends » peut sembler être un sujet un peu délicat pour certains, mais cette sortie s’achèvera sur une lueur apaisante et réconfortante et une certaine assurance sonore. Si nous sortons, nous sortons paisiblement comme le titre nous le communique ainsi.

***1/2