Anthéne: « Collide »

27 octobre 2020

Sous le nom d’Anthéne, Brad Deschamps continue de sortir une forme de musique d’ambiance embaumante. Chaleureux et calme, Collide fait suite à Weightless(2019) et, comme son prédécesseur, les morceaux aux influences analogiques sont d’un calibre à part. Une guitare modeste et sans prétention est transmise à l’auditeur, son style ambiant étant produit par un jeu épuré et sans prétention autant que par l’utilisation de la réverbération, et ses petites notes timides sont parsemées dans toute la musique.  Les synthés sont également présents, et Deschamps est capable d’enlacer des mélodies significatives et concentrées dans la vaste étendue d’un paysage sonore ambiant sans sacrifier l’espace et l’air frais et oxygéné qu’il apporte. 

L’accent mis sur le développement mélodique et harmonique est fort et distingue anthéne de beaucoup de musiciens d’ambiance modernes, mais les développements sont toujours laissés de l’espace et de la place, de sorte que la musique ne se sent jamais encombrée ou précipitée. Au lieu de cela, Collide semble clairsemé et propre, brillant avec des tons glacés.

Deschamps est capable de conserver l’âme de la musique d’ambiance tout en poursuivant des idées plus mélodiques, et la musique qui en résulte brille comme un bijou ; il en comprend le style.

Les sonorités sont douces comme la brise et aussi bienveillantes qu’elles le sont. Le disque est accueillant, malgré son titre. Si certaines collisions peuvent provoquer de l’anxiété, avec des images de dévastation et de ruines, elles peuvent aussi être des œuvres d’art étonnantes, tout droit sorties des mains de l’Univers. Un jour, la Voie lactée entrera en collision avec la galaxie d’Andromède, mais alors que beaucoup verraient cela comme l’apocalypse, certains y voient une nouvelle création spectaculaire, et les collisions peuvent donner naissance à une nouvelle beauté. C’est exactement le cas de ce disque, car Collide est cool, rafraîchissant et proche du sacré. 

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Chronovalve: « Light »

10 octobre 2020

L’un des points positifs de cette année misérable a été la réémergence d’un certain nombre de musiciens qui ont sorti de nouveaux albums pour la première fois depuis longtemps. Parmi eux se trouve Chronovalve, un projet de l’artiste sonore et musicien Mike Engebretson. Présenté une fois de plus par Home Normal, Light est la suite tant attendue de ses débuts sur le label en 2013 et c’est une chose de toute beauté. Prenant son titre très à cœur, il s’agit d’une suite de musique lumineuse débordante d’optimisme.

Fusionnant des atmosphères ambiantes ondulantes avec des synthés orchestraux, des voix de chœur et des mélodies entraînantes, les compositions de Light évoquent une sorte de calme euphorique et de silence aux yeux écarquillés. C’est à cela que doit ressembler le fait de perdre tout son lest et de s’élever dans la troposphère. Dans des temps aussi sombres que celui-ci, une musique aussi claire et ouverte est vraiment la bienvenue.

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Body / Negative: « Fragments »

9 octobre 2020

Sous le pseudonyme de body/negative, Andy Schiaffino imagine une forme d’ambient fragile, où une voix calme, éclaboussée de réverbération, hante l’air ambiant, et où une mélodie floue gazouille dans une atmosphère lo-fi. Enveloppé dans le miel texturé du sifflement de la bande, Fragments est l’œuvre d’Andy Schiaffino, vingt-deux ans, un artiste (queer et non binaire pour qui ça intéresse), multi-instrumentiste et producteur.

Schiaffino a été élevé dans une famille d’immigrants catholiques hispanophones, apprenant d’abord le piano avant de s’éloigner des confins et de la claustrophobie de la musique classique traditionnelle au piano et de prendre un virage à gauche vers un terrain plus ambiant, en utilisant des enregistrements sur le terrain et en expérimentant ce nouveau son envoyé par le ciel. « Catholic Guilt », en particulier, enregistre un traumatisme personnel, infligé par d’autres ou par un dogme, et l’aspect personnel ne fait de Fragments qu’un enregistrement plus intime. Schiaffino utilise une expérience négative de manière positive, semblant exorciser les pressions et les préjugés, et le piano est suffisamment léger tout au long de l’album pour se sentir tout à fait innocent, se tournant vers la lumière au lieu de l’obscurité.

La musique est le moyen d’expression et de libération de Schiaffino, les signaux radio rayonnant vers l’extérieur comme un champ d’enregistrement de l’œil de l’esprit. L’album est en douceur, mais il y a des sous-courants de lutte et d’angoisse mentale, car les interférences musicales occasionnelles se signalent par le regard déformé de la culpabilité et de la honte, alors qu’en réalité il n’y a pas à avoir honte. Au fond, la musique d’Andy Schiaffino est profondément humaine et merveilleusement ouverte ; un antidote à la prévalence moderne de la haine, quel que soit le masque qu’elle choisit de porter.

Le son lo-fi ne fait qu’ajouter à son aspect brumeux, et au lieu de se sentir à moitié achevée, la musique est belle dans ses imperfections et ses changements de tonalité légèrement ivres, rappelant une vieille cassette qui a déjà été jouée à mort, grâce à son attachement à l’auditeur, à sa résonance et à son amour de la musique. Comme un être humain, les imperfections les rendent proches de la perfection.

***1/2


Silent Vigils: « Wake »

26 septembre 2020

Wake est le dernier volet d’une trilogie du duo Silent Vigils, et il en constitue une coda appropriée avec des paysages sonores succulents qui absorbent l’auditeur ; point de trucs ou de ficelles tirés – juste des sons édifiants.

L’album dure un peu moins de 40 minutes, avec quatre chansons qui se fondent les unes dans les autres. Il n’y a rien qui secoue l’auditeur de l’immersion, l’expérience de l’écoute est semblable à celle d’un réservoir de privation sensorielle. Certains repères sont donnés, certains sons familiers, mais jamais assez pour s’en saisir. La chanson titre ouvre l’album avec des houles qui ne cessent de s’accumuler sans jamais se submerger – ces houles se résorbent ensuite pour former la base du morceau suivant. « Mokugomi » a une structure similaire, avec ce qui ressemble à de puissants pads de synthétiseur, le morceau laisse une impression.

« Munhitsu » est le titre le plus sombre de l’album, il commence par des pulsations mesurées qui s’atténuent ensuite pour donner une lumière vacillante. Le morceau laisse l’auditeur prêt pour la dernière composition de l’album. Pour conclure la trilogie, « Unborn » sera le morceau qui demande le plus de patience à l’auditeur, mais aussi le plus gratifiant. Les sons sont subtils et c’est la chanson la plus calme de l’opus mais le titre s’épanouit aux trois quarts, terminant l’album avec des sonorités lumineuses et luxuriantes.

Malgorzata Lapsa-Malawska fournit l’artwork de l’album, comme elle l’a fait pour les deux précédents albums de Silent Vigils, et il rend justice en tant que contrepoint visuel. L’artwork n’impose, en effet, aucune interprétation particulière capturant ainsi parfaitement le sentiment que créent Silent Vigils. Wake est, à cet égard, un album honnête, il joue cartes sur table et demande à l’auditeur s’il souhaite une lueur d’espoir.

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Ekin Fil: « Coda »

25 septembre 2020

La musique d’Ekin Fil est capable de créer une réponse émotionnelle profonde et durable, et l’atmosphère épuisée et squelettique de Coda est imprégnée d’un ensemble lugubre de mélodies mélancoliques et d’harmonies fantomatiques. Sa voix calme flotte sur la vague d’une harmonie froide, dont la force est balayée par celle-ci. L’harmonie, tout comme sa voix, est à peine présente – une sorte de fantôme qui plane en arrière-plan. Récemment, et avec beaucoup de succès, la musicienne turque s’est concentrée sur l’art et la forme de composition de la musique de film, et les ombres du cinéma sont visibles quand on observe Coda, se penchant dans sa lumière et l’obscurcissant dans des silhouettes et des sons profonds et inquiets.

Les harmonies floues et délavées sont imprégnées de réverbération, et on se sent seul, comme coupé des choses, et désynchronisé par rapport à l’époque actuelle ; un étranger dans une foule de couples souriants. La musique semble agitée et mal à l’aise, malgré les lignes vocales apaisantes qui répètent les mots et les phrases juste au-delà d’un murmure, presque à elles-mêmes, soit comme un mantra personnel et rassurant, soit comme l’indication d’un esprit en détresse, à la recherche d’un exutoire ou d’un soulagement quelconque.

La progression au piano de « Burn Up » est d’autant plus rare qu’elle est brève et claire, donnant à la musique l’apparence (ou l’illusion) de devenir plus distincte, au moins temporairement, mais une queue de réverbération est toujours attachée aux notes qui passent, et les toiles d’araignée n’ont pas été complètement dégagées. La piste suivante est « Grand Illusion », où la musique se retire une fois de plus dans un nid d’ombres, revenant dans différentes nuances de gris, évitant la saturation des couleurs. La distorsion granuleuse de « On Sand » provoque une soudaine augmentation de la dynamique et du volume, ce qui pourrait indiquer un changement d’humeur inattendu, passant du découragement à la rage pure et simple en un clin d’œil, et il y a des épisodes violents parmi les moments plus calmes. Coda fait allusion à des fins – non seulement dans son nom mais aussi dans ses souffrances léthargiques et ce sont des sons fatigués.

***1/2


Al Riggs & Lauren Francis: « Bile & Bone »

23 septembre 2020

Bile and Bone est le nouvel album de l’auteur-compositeur Al Riggs et de l’annihilatrice de guitare Lauren Francis. Après deux ans de travail, entre d’innombrables projets parallèles, « singles » et albums, et une première au festival de musique de Hopscotch en 2019, Al et Lauren ont enregistré cet album de neuf chansons dans deux appartements différents à New York, un appartement à Durham, une maison de l’autre côté de Durham, et d’autres enregistrements dans une autre maison de l’autre côté de Durham.

Le morceau-titre représente une approche quelque peu différente de l’écriture pour Al, comme elles l’expliquent, « la chanson était une collection de lignes et d’idées que j’avais pour d’autres compositions »… J’ai commencé à les assembler et j’ai eu l’impression de créer une friperie ou un prêteur sur gages à partir de ces idées, alors la chanson est devenue l’histoire d’un prêteur sur gages ». Après un scepticisme initial quant à son originalité, Lauren Francis en est venue à aimer le morceau, « au début, je me suis dit, bon sang, ça ressemble à « This Year » des Mountain Goats, mais c’est une bonne chose. Je voulais en faire notre propre chanson… c’est depuis lors devenu mon morceau préféré parce qu’il est si simple.

Musicalement, comme les meilleures collaborations, cela ressemble à la rencontre de deux mondes musicaux. Le parcours d’Al en tant qu’auteur-compositeur acoustique se confond avec les contributions de Lauren à la guitare, au piano et, comme elle l’explique, après que les deux hommes aient débattu de l’introduction d’une batterie complète, « j’ai ajouté la boucle de grosse caisse juste pour lui donner un peu d’élan ». Le morceau qui en résulte semble exister à deux rythmes différents, la voix facile d’Al et les méandres du piano semblent regarder le monde tourner, tandis que la pulsation de la grosse caisse ajoute une certaine urgence aux débats.

Les cordes et le piano électrique sont coupés par une guitare acoustique qui vacille parfois sur l’intrus. Les flirts avec le soft rock (« Werewolf »), la motorik pop (« Boyfriend Jacket ») et la ballade d’ambiance Eno-esque (« Apex Twin ») s’asseyent confortablement contre les fantômes de Fahey (« Dying Bedmaker Variations ») et les restes encombrés de poussière d’un prêteur sur gages (« Love Is An Old Bullet »).

Le morceau titre est un point culminant de fureur retenue, résumant l’air général de l’album avec un lyrisme volatile : « Je ne devrais pas être à un endroit/où je suis à genoux chaque soir/prier pour mes dirigeants/être abattu à vue » (I should not be in a place/where I am on my knees each night/praying for my leaders/to be shot down on sight) avec des harmonies pop classiques fournies par Rook Grubbs (Vaughn Aed).

« Love is An Old Bullet » sera pour certains une belle introduction, et pour ceux qui le savent déjà, un rappel supplémentaire que la combinaison d’Al et Lauren vient peut-être de commettre ici un disque convaincant de chez convaincant.

***1/2


Sarah Davachi: « Cantus, Descant »

13 septembre 2020

Le mot latin « cantus » fait référence au chant, et l’expression qui en descend signifie une mélodie dans le registre aigu, généralement chantée ou jouée sur une mélodie de base. Il s’agit d’un procédé polyphonique à deux voix développé en France et en Italie il y a près de mille ans. Inspirée par ce concept ancien, Sarah Davachi propose 17 pistes qui sont contemplatives, méditatives, sensuelles, propices à la méditation et à la relaxation. À quelques exceptions près, le nouveau projet de la Californienne évoque la musique sacrée des époques baroque et pré-baroque… ou peut-être pas, à y regarder de plus près. L’utilisation fréquente d’orgues à tuyaux conduit à cette perception, mais il apparaît rapidement que la linéarité minimaliste des propositions, la nature de leurs structures harmoniques et la superposition d’autres sources électroniques ou instrumentales (mellotron, piano, synthétiseur modulaire, voix) témoignent d’une pensée compositionnelle véritablement contemporaine.

Cela dit, ces œuvres ne sont pas très dissonantes, s’inscrivant généralement dans des gammes mélodiques pré-contemporaines. Leur traitement textural n’a cependant pas grand-chose à voir avec le Moyen Âge ou la Renaissance. En outre, ces dernières années, il est devenu évident que l’orgue fait un retour en force dans le monde de la musique contemporaine (instrumentale ou électronique), et Sarah Davachi fait certainement partie de ce mouvement, tout comme le compositeur canadien Kara-Lis Coverdale, par exemple. Une fois de plus, nous pouvons constater l’étonnante affinité entre la musique ancienne et la musique contemporaine, et Sarah Davachi en fournit une preuve lumineuse.

***1/2


Hekla: « Sprungur »

1 septembre 2020

Sprungur est le deuxième disque de la musicienne de thérémine islandaise Hekla. Parfois glacé et rongé par l’obscurité, et toujours comme une écoute hantée, Sprungur est un disque envoûtant qui s’inscrit dans la continuité de son prédécesseur, adapté à l’automne puis à la descente imminente vers l’hiver. Avec son climat subpolaire, Hekla capture l’atmosphère de l’Islande. Le disque a été écrit et enregistré dans son home studio à Reykjavik alors qu’elle était en congé de maternité.

Le thérémine d’Hekla se transforme lentement en fantôme, comme une apparition, planant, vacillant avec un vibrato, glissant vers le bas, puis s’effondrant. Le son spectral du thérémine continue à résonner longtemps après que sa voix se soit calmée, comme s’il jouait pour un public absent dans une pièce vide. Le timbre obsédant donne naissance à un son incroyablement sinistre, empreint de mystère et de mémoire, tandis que les synthés tourbillonnent dans des bassins de texture de plus en plus profonds. Le thérémine est magique, envoûtant, et Hekla est une virtuose ; à tel point que l’instrument devient une extension d’elle-même. Sur ce disque, elle est capable d’accroître la portée de son son et de réaliser de nouvelles possibilités.

La musique a la sensation d’un lourd enchantement, d’une berceuse, d’une Belle au bois dormant qui repose pendant des années, piégée dans un château à l’orée d’une forêt. Mais Sprungur est un album calme et insidieux, d’une grande élégance et d’une grande sérénité.

 D’autres sons flottent dans ses eaux troubles : des fantômes de piano et sa propre voix éthérée, qui danse, qui apparaît fugitivement dans l’ombre et qui se dissipe tout aussi rapidement. Ces autres sons montrent qu’Hekla tient à prolonger et à élargir sa fable musicale, et si le thérémine s’empare de tous les titres, le piano, les cordes, les synthés et d’autres éléments sont tout aussi importants dans la création d’un album équilibré.

Dans ses mains, l’instrument couvre de multiples sentiments et émotions. Sa gamme dynamique est impressionnante. Elle couvre aussi beaucoup de terrain tout en parvenant à maintenir une atmosphère stable et froide qui ne serait pas déplacée par un matin d’octobre froid et brumeux. Comme dans un sombre conte de fées, sa voix berce l’auditeur, lui racontant peut-être une histoire qui lui est propre. En fait, l’un des morceaux de Sprungur est un arrangement d’une berceuse islandaise traditionnelle, qui faisait peur à Hekla quand elle était petite. Ses paroles se traduisent par « Dans le glacier gronde de profondes fissures mortelles », et c’est de là que vient le titre de Sprungur, qui explore l’imagerie des grandes bêtes mythiques qui peuplent la terre et provoquent de profondes fissures par leurs mouvements grondants. Il y a quelque chose de fantastique dans sa musique, qui résonne dans la longue nuit. Sa voix commence l’enchantement, et le thérémine répète la mélodie, la terminant.

***1/2


This Valley Of Old Mountains: « This Valley Of Old Mountains »

29 août 2020

Les plus fervents parmi les fans de musique électronique ambient et minimaliste connaissent probablement le label 12k de New York. Il a été fondé en 1997 par Taylor Deupree, qui voulait réaliser sa vision d’une musique électronique organique avec une philosophie selon laquelle le public ne doit pas être mené par le bout du nez. Absence de promotion, pochettes épurées, univers sonores sereinement abstraits – au 12k, tout est pensé avec un objectif précis : laisser le champ libre à l’imagination de l’auditeur.

This Valley Of Old Mountains est le nom du duo que Deupree forme avec le musicien sud-américain Federico Durand, un des artistes qui sont dans son écurie depuis quelques années. Selon le site web du label, la musique de leur premier album en tandem est le folklore d’un pays imaginaire, un échange de sons racontant des histoires inspirées par les montagnes qui séparent les deux artistes. Le disque a en effet été conçu à distance, les deux créateurs vivant respectivement dans l’État de New York, aux États-Unis, et dans la province de Córdoba, en Argentine.

En écoutant l’album, il est facile d’imaginer les deux chercheurs de sons glanant des sons dans la nature. Vous pouvez entendre des bribes de chants d’oiseaux dans le bucolique « Honii », le morceau de musique au programme. Fermez les yeux, et vous pouvez visualiser les bulles dans lesquelles chacun des artisans a placé ces sons trafiqués, pour voyager d’un hémisphère à l’autre. Puis, une par une, ces bulles électroniques éclatent, et racontent leurs histoires sibyllines. This Valley Of Old Mountains est une merveille de délicatesse, un poème ambient si confortable qu’on ne saurait l’abandonner.

***1/2


Arms And Sleepers: « Memory Loops »

7 août 2020

Tout au long de leur carrière musicale de plus d’une décennie, le duo électronique américain Arms and Sleepers, composé de Mirza Ramic et Max Lewis, s’est transformé au fil des ans en un captivant métamorphe sonore ; des artistes en constante évolution, avec une volonté d’explorer les multiples facettes des genres dans le domaine de la musique électronique.

Ils sont connus pour leur traversée des territoires électroniques : des morceaux de trip-hop brillants d’un minimalisme amoureux – qui parviennent toujours à mettre en valeur les subtilités de leurs techniques de production – aux luxuriants mélanges d’ambiances introspectives, les influences de genres multiples se manifestant dans un design sonore conceptuel soigneusement tissé dans lequel on peut se perdre. Arms and Sleepers présente aux auditeurs de nouvelles idées, de nouveaux thèmes et de nouvelles expériences à chaque sortie, et dans leur dernier album – le troisième volet d’une série de six, nous sommes présentés avec Memory Loops

D’une durée de 65 minutes, avec des titres dont les noms ne sont volontairement pas contextuels, le duo revient à ses racines cinématographiques post-classiques et ambiantes, l’album étant davantage conçu comme une expérience de réflexion et de méditation.

Memory Loops. est davantage axé sur un voyage d’auto-réflexion, un album qui offre des moments de calme afin de traiter leurs pensées et leurs expériences plutôt que de les distraire. À une époque où l’on peut dire que beaucoup d’entre nous se sentent plus dépassés que jamais, l’approche thérapeutique de Memory Loops est une surprise bienvenue.

En raison de la nature de cet album en particulier et du concept qui le sous-tend, il ne serait ni exact ni approprié dans ce contexte d’isoler des morceaux spécifiques et d’en parler séparément. 

En parlant de l’album dans son ensemble, l’expérience d’écoute donne l’impression d’avancer tranquillement, peut-être même prudemment, dans un rêve lucide ; un processus dans lequel, dans l’atmosphère de chaque morceau, nous sommes capables de regarder en profondeur ce qui nous entoure à travers le domaine cinématographique que le duo a créé.

Une aura de méditation transcendantale court tout au long de l’album et il est évident que Arms and Sleepers ont atteint leur but avec Memory Loops. Soudain, tout comme on remarquerait et commenterait l’utilisation des instruments et des textures délicates utilisés pour sculpter les pistes hautement atmosphériques, on commence à remarquer la complexité de leurs propres pensées. C’est une expérience éthérée à laquelle il faut fermer les yeux et se perdre – avec des touches étoilées et vacillantes qui ponctuent le flux et le reflux des synthés imprégnés de réverbération ; l’utilisation d’échantillons naturels, tels que les vagues qui caressent le rivage et les oiseaux qui gazouillent joyeusement au loin – même la statique familière d’une vieille radio, qui marmonne depuis une autre pièce.

L’accent que Arms and Sleepers a mis sur la nature profondément atmosphérique de chaque morceau convient à une partition, mais sans contexte, car les changements de tonalité – qu’il s’agisse de mélancolie, de nostalgie, d’un sentiment de chaleur ou de gentillesse – façonnent un récit ouvert, qui est plus que susceptible d’affecter chaque auditeur d’une manière différente et profondément personnelle.

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