Smoke & Tea: « Oceans On Mars »

4 octobre 2021

Le son de Smoke & Tea peut présenter une surface douce, ces formes sont maintenues en place par une arête vive. Le duo Bernard Farley et Patrick Blinkhorn provoque une prise de conscience émotionnelle avec des intonations lourdes qui tranchent dans l’éther chatoyant. Oceans On Mars est d’une portée cinématographique, mais il est teinté d’une vulnérabilité qui met les nerfs à vif. Dans ces moments austères, cependant, se trouve une beauté tranquille qui s’étend au-delà du cosmos et jusqu’aux confins du temps.

La chanson titre est coincée dans une boucle temporelle, avec des houles de synthé résonnantes qui roulent dans des vallées de gris. Des chuchotements désincarnés soufflent à travers l’électricité statique tandis que des souvenirs éphémères défilent, toujours hors de vue et hors d’atteinte. Avec l’impression que le moment est passé, des notes aiguës pleuvent sur des champs en dents de scie sécurisés pour nous rappeler de continuer à chercher la cible. Des appareils électroniques minimaux parsèment l’horizon, de petits points lumineux renfermant un million de mondes différents où pourraient vivre des réponses.

Un éclat cristallisé s’étend sur la surface de « Blueshift », ces souvenirs enfouis désormais submergés et enfermés dans la glace. Des conjectures sonores ascendantes retenues par une ligne de basse immersive orchestrent le dégel tonal. La voix de Farley est la hache, brillante et lisse, qui ouvre la surface avec des gestes vocaux mobiles qui laissent s’écouler le sang longtemps enfoui. C’est envoûtant. Sa voix enveloppe complètement l’espace vide, les synthés glacés devenant une flaque sonore. Les batailles durement gagnées contre la tourmente intérieure sont exprimées dans des tons amples, mais les cicatrices transparaissent toujours.

Avant de sombrer dans l’oubli, Smoke & Tea tend une main secourable. L’épopée de 43 minutes « Kauai »ouvre un portail, une chance de s’échapper dans des champs célestes où rien ne fait mal et où tout est doré. Il avance prudemment, les tons se déplaçant doucement comme des mers colorées de pierres précieuses, une reconnaissance du bord dentelé en dessous. « Kauai » est un monde en soi, qui englobe tous les éléments d’Oceans On Mars dans une sorte de transcendance escherienne où tout est chamboulé et où on ressent cette musique au plus profond de nos os.

***1/2


Chihei Hatakeyama: « Late Spring »

4 octobre 2021

Late Spring de Chihei Hatakeyama est un rêve ambiant placide. La musique est douce et se déploie aussi délicatement qu’une fleur fraîche, drapée dans des tons profonds, lavés au synthétiseur, et des guitares électriques chatoyantes, noyées dans la réverbération. Des boucles mélodiques discrètes et des courants de drone plus profonds se trouvent dans les voûtes creuses de la cathédrale. Une partie de sa musique aurait pu venir de sous l’eau, perdue, comme l’Atlantide, dans sa mer sombre et texturée. Certaines notes brillent faiblement dans les profondeurs, tandis que d’autres sont capables de briller avec plus de clarté et de lumière, s’entrechoquant grâce à la guitare électrique tranchante, semblable à du cristal.

Chihei s’est inspiré de la beauté du mouvement circulaire dans les paysages, la nature et le changement des saisons, mais Late Spring est également conçu pour donner l’impression d’un vieux film, et sa musique semble flotter d’une scène à l’autre, les boucles pluvieuses prenant naturellement un mouvement circulaire.

Tout au long de sa longue création (Hatakeyama a commencé à travailler sur le disque en 2018 et l’a terminé à la fin de 2020), le musicien ambient japonais s’est penché à nouveau sur le processus d’enregistrement, choisissant un nouvel amplificateur et une nouvelle configuration de microphones pour dépouiller et simplifier davantage le son. Hatakeyama a utilisé un seul type d’instrument pour chaque piste, l’une n’utilisant que du synthé et une autre ne comportant que de la guitare électrique, et cela a également contribué à différencier les pistes. Certains d’entre eux se couchent dans des tombes aqueuses, mais d’autres sont plus ouverts à la faible lueur du soleil. Ce qui ne fait jamais de doute, c’est la beauté qui s’offre à nous, éternellement présente dans la nature et dans la musique ambiante de Chihei, qui continue de couler dans un mouvement circulaire sans fin. Tout comme une chute d’eau ambiante, la boucle est à la fois complète et sans fin.

***1/2


Christopher Otto: « Rag’sma »

3 octobre 2021

Rag’sma peut être apprécié de deux manières différentes. À première vue, l’album est un ensemble irrésistible de drones fournis par le JACK Quartet. Mais en creusant un peu plus, on s’aperçoit que la structure de ces sons soutenus et sinistres suit des règles mathématiques précises.

Otto est violoniste et membre fondateur de JACK, une formation surtout connue pour ses interprétations de morceaux de musique difficiles et exigeants. Ici, Otto demande à son groupe d’utiliser l’intonation juste afin d’obtenir des variations de tonalité si infimes qu’il est peu probable qu’elles soient perçues consciemment. De plus, la base de la pièce est constituée de deux enregistrements combinés de JACK qui se rapprochent et s’éloignent très légèrement l’un de l’autre.

Là encore, il faudrait une oreille remarquable pour s’en rendre compte, et la plupart d’entre nous (y compris cet auditeur) doivent se contenter du sentiment d’inquiétude que procurent les bourdons de cordes qui en résultent. Mais une deuxième variation de Rag’sma est également incluse, ajoutant un troisième enregistrement de JACK aux autres. Ce nouveau motif va et vient entre les deux originaux, les unifiant dans une certaine mesure.

Selon Otto, la variation du double quatuor peut se suffire à elle-même ou servir de piste de fond à un troisième quatuor qui improvise en fonction de ses contraintes. Rag’sma se prêterait certainement à une interprétation en direct de cette manière, mais pourrait aussi fonctionner comme une installation sonore. Indépendamment des détails techniques, cet album est vivement recommandé à tous ceux qui s’intéressent aux drones à cordes à 8 ou 12 voix.

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Darian Donovan Thomas: « Florida Water Lake »

1 octobre 2021

Le compositeur, multi-instrumentiste et leader en tout genre Darian Donovan Thomas se connecte avec les mondes extérieurs sur le lumineux Florida Water Lake. Son œuvre est toujours transcendante, comme si elle existait dans une autre dimension, téléportée ici depuis un lointain au-delà. Thomas possède un étrange sens du mouvement au sein de sa musique, transformant de subtils changements en affirmations grandioses, enveloppant les auditeurs dans un cocon sonore hypnotique. 

Sur le morceau titre, les dévotions s’élèvent comme des marées éthérées, la combinaison du jeu de violon enivrant de Thomas et des voix en boucle, invitantes, nous invitant à entrer dans une autre dimension. Les premières notes scintillent dans le lac arc-en-ciel, la lumière dansant tranquillement sur la surface. L’atmosphère est délicate, mais des intrusions plus profondes se profilent dans les profondeurs. Les cordes dorées chantent des souvenirs enchantés tandis que le travail du violon de Thomas plante ses griffes, s’élevant au-dessus comme un écho céleste.

Allongé dans l’herbe, les yeux fermés, ainsi on s‘évade. Des drones maximaux explosent, mais la lourdeur est fantomatique et la voix de Thomas un appel de sirène spirituel. La basse profonde est exorcisante, physique. Les fardeaux se soulèvent et s’évanouissent dans le néant tandis que Thomas chante la chanson de tous les temps, envoyant des réverbérations à travers le temps et l’espace. Florida Water Lake est stupéfiant, magique.

« Pith of Crepuscule » est l’endroit où aller une fois que les problèmes ont été éliminés et que la charge se sent en apesanteur. Une lente construction de piano doux et de synthés scintillants sert de toile de fond à la voix céleste et étagée de Thomas. Saturées d’une sincérité exaltante, ses paroles élèvent tout le monde vers le ciel. L’électronique passe d’un scintillement à un flottement tandis que le piano ralentit et que la voix doublée de Thomas monte en puissance avant que, après une pause et un signe, « Pith of Crepuscule » n’explose des berges. Soutenu par le groove progressif de Ben Sloan, Thomas chante : « Cette chanson n’est pas pitoyable, elle est purement dialectique » (This song isn’t pitiful it is purely dialectic).


Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

7 septembre 2021

Avec A Mirror Holds The Sky, Lawrence English a créé un album fascinant. Le compositeur a enregistré en 2008 un catalogue d’enregistrements de terrain en Amazonie. Après avoir passé au crible 50 heures de sons amazoniens, English a superposé et classé tous les sons pour vous offrir un voyage immersif.

L’album est divisé en zones. Vous commencerez par la jungle, puis vous passerez à la rivière, à une île peuplée de grillons, au doux clapotis du rivage, à une tour pour observer la faune volante et à une tempête de pluie. Les pistes sont disponibles sous forme de sections individuelles ou jouées comme un morceau continu de 37 minutes. La façon dont les sons sont assemblés donne l’impression que l’Amazonie vit autour de vos oreilles. Des cris d’animaux aux grondements hydrosoniques d’un dauphin Boto Rosa, en passant par le bruissement du vent et les gouttes d’eau, rien ne s’arrête. C’est comme si on avait laissé un microphone capturer la nature dans toute sa splendeur.

La clé du succès de l’album est de reproduire ce ton naturel tout en veillant à ce que rien ne reste statique ou stable pendant plus de deux secondes. Lawrence English a soigneusement fusionné et superposé tous les différents enregistrements de terrain comme s’il s’agissait de l’Arche de Noé de l’Amazonie. Pas besoin de tambours tribaux ou d’interaction humaine – le vent ou l’eau fournissent un rythme et un timbre global. Les mélodies proviennent du chant des oiseaux ou des cris et stridulations des insectes. Ce n’est jamais calme – tout est fort, d’une manière qui semble hyperréaliste. Lawrence a fait fleurir les sons de telle sorte que le moindre bruissement peut donner l’impression de faire trembler le ciel. La meilleure façon de le décrire est de regarder la bande-annonce ci-dessous, mais je vous conseille vivement de l’écouter avec des écouteurs et d’entendre le monde chanter en stéréo autour de vous.

En tant qu’enregistrement de terrain ou morceau d’ambiance, c’est l’une de mes découvertes préférées de ces deux dernières années dans le genre. Si vous avez décidé d’acheter l’album physiquement, il est accompagné d’un livre de 48 pages de photographies prises sur place. Il est difficile de décrire à quel point l’Amazonie semble vivante ici – éteignez les lumières et sentez-vous comme si vous étiez dans le moment. C’est la chanson de Mère Nature, qui a été conservée.

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Bon: « Pantheon »

6 septembre 2021

Pantheon est une expérience visuelle et immersive. Bon – un partenariat de production, de composition, d’écriture et d’art entre Yerosha Windrich et Alex Morris – est curieux d’aller au-delà, affichant un intérêt qui confine à la passion pour tout ce qui touche à la culture populaire, à la nature, à la philosophie et aux perceptions normalisées et acceptées. À cet égard, la musique de Pantheon est un miroir qui renvoie directement à leurs propres perceptions et philosophies sur l’inclusion, le respect et la souveraineté personnelle.

Bien que le duo ait des racines britanniques, il est issu d’un héritage métis et, par conséquent, Bon jette un regard plus profond sur la contre-culture et « la perception de ce que la musique signifie et représente dans la société ». Leur approche réfléchie et orientée vers la nature est également naturelle, car le duo a toujours considéré ses sorties musicales comme étant saisonnières. Chaque chose a sa saison et son temps ; la musique s’épuise, hiberne et se renouvelle. Ils font également preuve d’une certaine fluidité en ce qui concerne les genres, se débarrassant de leurs restrictions potentielles en évitant leurs conventions.

Filmé à Londres, Pantheon oscille entre perceptions altérées et intérieures, et fait office d’ode à la nature. Sous sa surface, cependant, l’oeuvre est bien plus qu’une ode à la nature. Ses seize morceaux portent le nom de déesses et couvrent de multiples cultures et époques, et une féminité parfume les paysages sonores. L’utilisation d’échantillons de leurs propres enregistrements a produit, selon leurs propres termes, « quelque chose d’usé par le temps… avec l’esprit d’une cassette bien aimée mais en utilisant des techniques de production de pointe ». Les enregistrements évoluent naturellement, mais ils ont reçu un peu d’aide en cours de route. Le processus reflète ainsi pour eux « la nature cyclique et évolutive de tout processus créatif ».

Le morceau d’ouverture, « Flora », présente une harmonie chaude et gonflée et un chant d’oiseaux ; le matin est là et promet beaucoup. Le morceau se développe, les notes se déversent et débordent. Les horizons illimités de Bon sont évidents dès le début.

N’ayant pas peur de s’aventurer dans de nouveaux domaines sonores audacieux tout en conservant son esthétique classique moderne et ambiante, Pantheon n’est pas un album comme les autres. Son son frais et expansif est prêt à briser toute idée préconçue de ce que l’on pourrait attendre. Le registre inférieur des cordes semble fournir le gravier, la terre, dans la musique, tandis qu’à un niveau microscopique, des notes douces et carillonnantes semblent indiquer des gouttes de pluie fraîches, ou une dispersion de rosée du matin.

Le bruit, le léger sifflement et la distorsion sont des éléments intentionnels et vitaux de la musique, à tel point qu’ils sont traités comme des instruments à part entière. Le duo cherche à explorer la question suivante : qu’est-ce que la qualité, la perfection et le caractère, et que signifient ces mots pour nous ?

Sur Pantheon, Bon est également rejoint par Laraaji, Maxwell Sterling et Lucinda Chua, et la portée de l’album s’élargit encore avec l’ajout de ces artistes. L’album est une merveille de la nature, qui se déploie doucement et rayonne à mesure qu’il le fait. Tout comme le monde naturel, la musique ne peut être précipitée. Elle a son propre temps et son propre lieu – sa propre saison – et Bon développe le son doux comme la pêche avec patience, sans nécessairement affecter directement la musique qui en résulte, car elle semble pousser d’elle-même, développant des branches et des racines au fil du temps.

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Geneva Skeen: « Universal Building Supply”

1 septembre 2021

L’immobilité absolue est l’un des sentiments les plus effrayants. L’air devient vicié, chaque petit bruit au loin se répercute dans l’espace vide, comme un poignard dans l’obscurité. Universal Building Supply capture cette accalmie fantomatique et la canalise dans un dossier sonore captivant sur les esprits qui habitent des lieux spécifiques et la façon dont ces espaces deviennent finalement des épaves.

Enregistré à Red Hook durant l’été 2021, l’album marie des enregistrements de terrain suffocants d’un fossé de drainage rempli de grenouilles coassantes et d’eau croupie avec un accompagnement musical éphémère. Des drones synthétiques s’opposent constamment, embrassant l’environnement sans air tandis que le monde naturel hurle des avertissements sans fin sur la fin des temps. En capturant ces sons, Geneva Skeen transforme ce moment fugace en quelque chose de permanent, ce qui soulève la question de savoir quels moments nous devons capturer et quels moments nous devons laisser à l’éther.

La capacité de Skeen à équilibrer la dualité de ces idées d’une manière cohérente et envoûtante. Je vis dans un endroit chaud, humide et immobile, et je déteste ça. Pourtant, j’ai envie de m’aventurer dans ce monde sonore. C’est une musique qui a une qualité tactile, un environnement sonore avec une température et une odeur. C’est inconfortable avec un but, familier sans être fade. Dans le malaise, les espaces inhospitaliers, une attention soutenue émerge comme une fleur transformatrice qui apporte paix et réconfort dans la dure réalité. Universal Building Supply est une méditation pour et sur la chute.

***1/2


Andrea Cortez: « The World Is Sound”

28 août 2021

Ces derniers mois ont été difficiles, et dans des moments comme ceux-ci, on est toujours reconnaissant pour les praticiens du son comme Andrea Cortez. Sa musique est curative et transcendante, ancrée dans les cercles de la nature et dérivant dans un flux cosmique inspirant. Andrea Cortez utilise une palette lumineuse de harpe, de bols chantants et de carillons, ainsi que la musique des plantes pour créer des étreintes sonores nuageuses.

Un doux courant serpente dans l’air frais et vivifiant de « Evening Frogs », la harpe de Cortez envoyant des échos nostalgiques suspendus dans le crépuscule teinté de rose. Les grenouilles chantent avec la force tranquille de la harpe, illuminée par les rayons mourants du soleil et l’énergie pimpante. Rêves et réalité se mélangent en un tourbillon puissant, chaque note étant liée à une étincelle surnaturelle. Les carillons scintillent sans effort, captant les éclats de lumière du coucher de soleil déclinant. « Evening Frogs » est si paisible et accueillant, invitant les auditeurs à s’asseoir dans cet espace aussi longtemps que nécessaire pour trouver du réconfort.

Cortez canalise toujours un esprit plus profond, trouvant le bon courant pour créer ces cocons sonores où le temps s’arrête un bref instant. « Earth Element » est transcendé par des vagues de Raagini tanpura qui se déplacent comme une rivière auditive et recouvrent les cicatrices du monde d’un baume apaisant. La voix de Raagini est légère, passant du gazouillis des oiseaux à l’effervescence de sa harpe, comme un trait de magie sur une toile sombre. Cette musique est un endroit où je peux me perdre.

The World Is Sound est bien plus qu’une belle musique. L’énergie d’Andrea Cortez est imprégnée dans ces chansons et sa présence est un cadeau. Les enregistrements de terrain sont éparpillés dans The World Is Sound : oiseaux, grenouilles, insectes, vent, le tout accompagnant parfaitement le calme sonore langoureux de Cortez. Dans le timbre de sa voix sur l’envoûtant « A Frog’s Dream to Fly », on setrouve détaché et mis à la dérive, libéré des chaînes du monde brûlant, au moins pour un petit moment. Quel cadeau !

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Lucy Railton & Kit Downes: « Subaerial »

26 août 2021

Beaucoup de choses semblent impossibles dans Subaerial. À travers sept duos spontanés, Lucy Railton et Kit Downes jettent des sorts sonores captivants à l’aide de violoncelles, d’orgues et d’espaces vides. Enregistré à la cathédrale de Skálholt, dans le sud de l’Islande, le duo voyage à travers de vastes paysages, utilisant diverses formes de drone, d’improvisation libre et de musique classique moderne comme pierres de touche avant d’effacer toute notion de catégorisation. Subaerial est une exploration envoûtante de mondes sonores divins.

Railton et Downes ont une profonde compréhension qui agit comme un tissu conjonctif tout au long de Subaerial. Le morceau d’ouverture, « Down to the Plains » s’ouvre sur des interactions microtonales qui rappellent la lumière violette et jaune de l’aube et la finalité de ces teintes de pollution. Les notes d’orgue de Downes oscillent entre tension et catharsis, Railton alternant les bourdons texturaux gémissants à l’archet et les coups de pincement doux et rampants. Chaque fibre du titre est tournée vers l’avenir tout en prétendant ne pas savoir quelles horreurs se cachent derrière. Des moments de clarté pleine d’espoir émanent des échos modulants du violoncelle de Railton, tandis que l’orgue se lamente dans des tons pensifs et creux. 

Subaerial s’épanouit dans sa profondeur auditive. « Torch Duet » danse étrangement sans rythme, les tonalités aiguës nous avertissant que rien de bon ne nous attend. La résonance naturelle de la cathédrale retient les complaintes du violoncelle de Railton dans l’air, comme un spectre distillé dans du verre qui attend d’être libéré pour hanter à nouveau ces confins. La construction méthodique du drone et les interactions subliminales de Railton et Downes culminent dans la bourrasque sonore gothique qui est comme une libération massive de pression tirant le feu dans le dôme céleste. Il n’y a pas de place pour respirer, le duo hurle et glisse dans des couloirs à la vitesse de la lumière avant de tomber dans le noir. 

Railton et Downes savent non seulement faire ressortir le meilleur de leur jeu respectif, mais aussi ouvrir de nouvelles zones à explorer. Après le tentaculaire « Torch Duet », un court et doux goût de fantaisie séduit sur « Partitions » avant que le duo ne baisse le rideau sur les souvenirs magnétiques et obsédants qui flottent dans « Of Living and Dying ». Sur une toile de fond grise, les accords d’orgue méditatifs de Downes s’élèvent doucement tandis que le violoncelle de Railton projette des boucles émotionnelles dans le ciel. L’émerveillement tranquille à la fin de toutes choses pique. Subaerial se désintègre dans l’éther, et nous restons dans le silence à douter de nos souvenirs et à nous poser des questions.

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Yair Etziony: « Further Reduction »

26 août 2021

Aucun d’entre nous n’était prêt pour ça. Séparation, détachement, décès, frénésie médiatique incessante… Nouvelle normalité ? Nous n’avons pas eu le temps d’y réfléchir, pas vraiment : tout s’est enchaîné, et tout temps de réflexion n’a fait que déclencher un nouveau niveau d’horreur lorsque nous avons pris conscience des réalités les plus dures, non seulement du présent, mais aussi de l’avenir possible. Il y a des gens et des lieux que nous ne reverrons peut-être jamais, mais le fait d’exister dans l’instant présent ne nous a laissé que peu de temps pour assimiler réellement cette perspective. Tout l’art créé au cours de cette période a été affecté par les changements que 2020 a apportés au monde, alors pourquoi le nier ? C’est ce que se demande Etziony, et c’est une question juste : même l’art qui n’a pas été spécifiquement ou directement influencé par les événements de l’année dernière aura été affecté d’une manière ou d’une autre, et l’impact psychologique d’une année de verrouillage mondial, à l’exception des amis et des parents, prendra probablement beaucoup plus de temps à se défaire vraiment.

Dans quelle mesure vous sentez-vous ajusté pour parler aux gens ou agir normalement à proximité, sur votre lieu de travail, en public, en général ? Combien d’entre nous sont désocialisés, socialement maladroits, mal à l’aise avec les autres ? Combien de personnes souffrant d’anxiété sociale ont

Et c’est ainsi que Yair Etziony a écrit Further Reduction après être rentré d’Israël à Berlin en septembre de l’année dernière. Selon ses propres mots, quelque chose en lui a « craqué » lorsqu’il a réalisé que de nombreux endroits qu’il connaissait et aimait avaient tout simplement cessé d’exister.

L’album commence par une ambiance expansive et résonnante, et se poursuit avec la même chose : Further Reduction est, ainsi, un opus construit sur des pulsations rythmiques et des flux et reflux lents. Prenez, par exemple, « Caves of Steel », qui est un travail d’ambiance, mais qui pointe vers des structures bien définies et des sons de nature solidement percussive.

Le premier morceau, « Reploicaset » ; passe d’un son clairsemé et échoique à une houle sonore pleine, progressive et lente. Il peut évoquer des scènes de vie sous les océans, comme les méduses qui pulsent dans les eaux profondes. Il y a des passages de tranquillité prolongée, mais aussi d’agitation.

De courts échantillons vocaux font écho aux vagues dans « Polar Vortex » et « Recreate and Update », et ces moments perturbent le long et lent bourdonnement sinistre de l’ensemble de l’album – bien que ce soit très positif, ajoutant de la texture et de nouvelles couches d’inquiétude alors que des tons changeant lentement tournent et se réverbèrent. Avec Service Recovery, tout a été réduit à un grattage, un bourdon qui plane et ronronne, et les dernières étapes de l’album sont sinistres, inquiétantes, et s’amenuisent jusqu’à une lente conclusion, où nous sommes laissés avec rien d’autre que le silence pour réfléchir, tout comme ces nuits sombres où la conversation s’arrête et où nous nous retrouvons seuls au monde, nous demandant précisément quelle est notre place, qui – si quelqu’un – s’en soucie, et ce qui va se passer ensuite.

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