Eternell: « Imagined Distances »

De nombreux fans de ce qui relève généralement des différents genres de musique électronique comme leur genre préféré y sont proprement et strictement cloisonnés. D’autre part, un certain nombre d’artistes électroniques eux-mêmes aimeraient s’étendre sur quelques genres, tout en respectant les goûts des fans. Une façon d’y parvenir est de prendre autant de pseudonymes que nécessaire. Ils peuvent couvrir autant d’idées musicales qu’ils le souhaitent et les fans peuvent avoir leurs propres catégories intactes en même temps. Le musicien suédois Ludwig Cimbrelius est l’un de ces artistes. Il a enregistré sous son propre nom mais aussi sous les noms d’Alveol, Surr, Rust, Illuvia, Ziyal, Xpire. Mais ses projets les plus connus sont réalisés sous le nom de Purl (une techno d’ambiance/dub très habile) et Eternell.

Il semble que ce dernier soit son préféré, puisqu’il dirige sous ce nom une maison de disques qui propose des ambiances longues, profondes et méditatives. Aucune exception à cet effet sur son dernier album Imagined Distances pour les spécialistes grecs de l’ambient Sounds In Silence.

Si quelqu’un qui n’est pas familier avec le genre devait relier le titre de ce classique de The Orb, « Little Fluffy Clouds », ce serait l’un des six titres de ce disque. Pour ceux qui sont plus impliqués dans l’ambient, les excursions de Chuck Johnson à la guitare ambient pedal steel sont la comparaison la plus proche.

Pour certains, les nuages ambiants d’Eternell sont peut-être un peu trop pelucheux. Souvent, ce genre de musique d’ambiance peut dériver dans la catégorie New Age, que beaucoup redoutent. Franchement, il n’y a rien de mal au New Age, tant que vous ne mettez pas trop de sucre dans votre thé à la camomille (musical).

Mais la musique de Imagined Distances a une sensation naturelle et ne se transforme jamais en sucre d’orge musical. Elle est conçue pour être exactement ce que dit le titre, des espaces imaginés, plus agréables, à une distance plus grande de certains des faits les plus cruels de la réalité autour de l’auditeur.

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Less Bells: « Mourning Jewelry »

Mourning Jewelry est drapé d’argent et d’or, leurs objets décoratifs sont suspendus au cou ou serrés au poignet, portés en souvenir d’un être cher perdu. Less Bells qui accompgnant Julie Carpenter ont été décrits comme « créant de la beauté à partir du chagrin », et ses chants étincelants et éthérés sont magnifiques, émanant d’au-delà des portes rouillées d’un cimetière tout en essayant de revendiquer quelque chose de plus élevé que le sol et la terre. Les sons sombres sont presque gothiques, et son ornementation classique se détache sur les pierres moussues de la musique.

Avec une instrumentation variée, comprenant des synthétiseurs, des chœurs et des cordes, l’atmosphère générale est composée d’ombres et de toiles d’araignée, mais des éclats de lumière du soleil traversent par intermittence pour éclairer un paysage sonore spacieux. Des tranches d’Americana ambiant sont entrelacées avec les bourdons étincelants teintés de soleil, s’élevant au-dessus des forêts et brillant sur des vallées sonores éparses, semblables à des arènes. En tant que tel, le Bijou de deuil est un disque de contrastes. La lumière de la vie abandonne le fantôme et passe dans les ténèbres et la mort, mais une plaque de soleil plus fraîche, éclipsée au milieu de la journée, renverse les passages nocturnes.

Des drones mystiques et des mélodies chatoyantes créent un mirage de chaleur intense, et des cordes droites se marient à des paysages sonores ouverts et lucides. Des arrangements vocaux dispersés enveloppent la musique de temps en temps, et le résultat est obsédant, gracieux et beau. Elle n’est pas trop lourde et ne choisit pas de s’habiller de noir pour le deuil. Comprenant que la vie est temporaire, sa musique voit la beauté de sa fugacité, appréciant les temps passés. Ils ont amélioré la vie, transformé le laiton en or raffiné. Les bijoux de deuil sont une musique de calme et de grâce intermittente, qui met en valeur un visage courageux même dans la tourmente du deuil. Dans certains endroits, la musique donne l’impression d’être une célébration. Il y a de la beauté dans la tristesse, et Julie Carpenter a puisé dans une expérience universelle. Cinématique, élégant et d’une qualité qui correspond à celle de la royauté, lMourning Jewelry suinte la classe et le calme.

***1/2

T. Gowdy: « Therapy With Colour »

Le titre de l’album décrit clairement l’intérêt principal de T. Gowdy dans ce domaine, bien que la musique qui s’y trouve adopte une approche discrète de l’atteinte d’états thérapeutiques. Trop souvent, les disques qui cherchent explicitement à être méditatifs me donnent l’impression d’être un sujet chirurgical, avec toute la musicalité fortement penchée vers l’objectif premier qui est de trafiquer les ondes cérébrales. De tels efforts peuvent me sembler prédateurs dans leurs tentatives de me recâbler la tête, ce qui me rend réticent à accorder à ces énergies sans visage un accès aux signaux les plus intimes de mon être. Malgré les techniques clairement maniées qui s’inspirent des expériences de T. Gowdy avec la Nova Pro 100 Light and Sound Mind Machine (comme un scintillement stéréo persistant qui fait osciller notre attention), il s’agit avant tout d’un beau disque, dont la priorité est de savourer les courbes et les joies tactiles de ses matériaux.

Même dans les passages manifestement hypnotiques, comme le bourdonnement de gauche à droite sur « Depse », les sons sont un délice à tenir dans la tête ; flottants comme un ballon de plage et en trois dimensions, suspendus dans les échos d’espaces modestes et sans prétention, ornés d’harmonies de synthétiseur qui couvrent la surface du disque comme des lichens. Les textures migrent au fil de répétitions persistantes, mais pas par une transformation linéaire d’une forme à une autre.

Au contraire, elles s’inclinent vers de nouveaux états puis se balancent doucement, comme des fleurs qui obéissent brièvement à la brise avant de reprendre leur trajectoire photosynthétique. La chanson titre en est un exemple particulièrement beau, avec un synthétiseur de bavardage qui donne l’impression qu’un petit doigt tape sur le sommet du crâne, le ton s’amincissant et s’élargissant comme s’il modulait le point d’impact entre le bord pointu de l’ongle et le nœud du doigt lui-même. Tout comme pour la meilleure musique de danse – et l’album comporte certainement des moments qui frôlent la techno minimale – le mouvement est exécuté sans contrainte ni artifice. L’élégance est la clé, et Therapy With Colour réussit à nous guider vers des états de conscience plus riches sans avoir l’air d’essayer.

***1/2

Kim Myhr & Australian Art Orchestra: « Vesper »

Si penser un son pour les len demains est un exercice captieux et surtout stérile, cela ne signifie pas qu’il est interdit ou qu’il n’est pas intimement légal. Imaginez-le pour exorciser l’inconnu qui nous attend, comme un viatique de réconfort pour rassurer les futurs publics et la musique qui, ici et maintenant, ne peut être divine. Idéalement, je on voudrait qu’il ressemble au son de la suite Vesper composée et interprétée par le guitariste norvégien Kim Myhr avec l’Australian Art Orchestra dirigé par Peter Knight.

Le label norvégien Hubro capte la performance en direct pendant le Festival international de jazz de Melbourne en juin 2018 et la transfère sur disque, nous faisant ainsi assister à un moment de passage extraordinaire : l’idée de composition et d’improvisation que nous avons l’habitude de comprendre comme contemporaine est déséquilibrée vers une hypothèse futuriste, praticable et navigable. L’ensemble de Kim Myhr se lance dans un voyage qui tire parti des cartes des explorateurs pionniers, pour ouvrir de nouvelles routes, armés d’une confiance folle, et si tout cela devait aboutir à un tour du monde menant au port d’où l’on part, le voyage en vaudrait la peine. Mais pourquoi insister sur de telles similitudes maritimes ? Car le sentiment le plus vif qu’on éprouve est celui d’une mer nocturne, une mer intime, isolée et privée de toute notion de rivage ou de débarquement. En racontant la genèse de cette composition, le guitariste norvégien a fait référence au temps apaisé que la nuit apporte avec elle (les Vêpres du titre sont le moment de la journée qui mène à la soirée) et à la perception lâche qui est propre à l’obscurité et à ce moment intime du jour. Une musique à écouter le soir, la nuit, quand tout le monde se calme. L’antécédent est  identique au suivant : mais on continue à entendre le clapotis des vagues !

Vesper est une suite en trois mouvements séparés (mais organiquement contigus) qui représentent près d’une heure de son. On ne sait pas très bien combien de pièces ont été composées et écrites et combien d’improvisations ont été réalisées, et cela ne présente pas non plus d’intérêt compte tenu de la cohésion de l’ensemble. Certes, dans la partition soumise aux sept éléments de l’Australian Art Orchestra, il y a des indications de calme, de lenteur, comme un rythme amniotique qui commence à fluctuer dès la première des trois parties : l’orchestre clignote avec des vagues d’accords élastiques et cadencées comme pour constituer une marée placide sur laquelle la 12 cordes de Kim Myhr (plus qu’un accord ouvert) tisse une série d’arpèges liquides à laisser bouche-bée La masse sonore se déplace, s’obscurcit par des traînées électroniques, se stratifie en une apparente immobilité liquide. Seize minutes abondantes qui semblent trouver un atterrissage sur le final, où une tempérance harmonique mène l’écoute, calme et sédentaire, dans l’espace entre l’éveil et le sommeil.

La deuxième partie de la suite s’ouvre sur des crépitements électro-acoustiques qui inversent le cours : cette fois, c’est la guitare qui scanne des accords aqueux surchargés de retard, un phrasé dédaigneux sur lequel l’orchestre monte une surcharge de débris, de déchets acoustiques et de faux mouvements. Le cours n’est perdu qu’en apparence. Le cœur de la composition est saturé d’électronique, comme pour créer un crash de l’ordinateur de bord, une tempête sonore qui touche presque le bruit, une tension qui se fond dans la bonne humeur lorsque la guitare revient aux arpèges initiaux doublés par une autoharpe qui réintroduit l’orchestre, mené par les percussions de Tony Buck, qu’ils caracolent et rejettent, se tournant vers le minimalisme avant de rentrer au port. Evanescence, ombrage, amarrage.

Le troisième mouvement s’ouvre sur un quatrième mouvement folklorique pour célébrer un ensemble choral transnational, comme un gamelan enivré. L’harmonie se développe sur un ostinato d’accords condescendants et hostiles au point d’envoyer l’équipage de l’orchestre en sortie libre pour ponctuer les digressions de la guitare par des carabattole ethniques.

La fin de la nuit ou les premières lueurs de l’aube ? La marée revient, les vagues se balancent, elles se réconcilient, et la guitare se berce, elle ralentit. Tout s’amincit, se calme dans un baume de son. Les timbres des instruments sont flous. Dernières indications sur la partition : dilater, humidifier, décolorer ! Un disque extraordinaire qui indique une voie possible pour la musique de demain. Il ne reste plus qu’à s’y embarquer.

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Grotta Veterano: « Talbot Bells »

Les tonalités aériennes du Talbot Bells de Grotta Veterano produisent un son calme, mais le ciel y est définitivement teinté. Assombri par des éléments plus jazzy, des grattements et des sabords subtils, et des microsons assortis, Talbot Bells existe dans un climat changeant.

Ces minuscules sons tentent d’émerger, sortant de leur coquille un par un et scintillant dans la lumière du jour, plus brillante, après le verrouillage et l’hibernation, mais ils sont timides et introvertis par nature, et un bourdonnement les noie bientôt. Le disque est influencé par la lenteur du jour, qui passe du matin à l’après-midi couvert et revient dans son cocon de l’aube. Les cloches et les carillons sont doucement réglés et l’atmosphère est optimiste… au début, du moins.

La deuxième piste, « Colliding Tones », se déplace vers un territoire plus sombre, et c’est là que l’atmosphère commence à glisser ; les nuages se rassemblent et, progressivement, le jour se transforme. L’innocence est en train de s’effriter. Comme un jour de juillet à Londres, un ciel gris et nuageux se profile à l’horizon.

Les notes s’agglutinent, créant une bande, un bouclier, réduisant la visibilité et confinant la musique, l’amenant dans des zones de nuages denses. La musique passe d’un amas de notes obstinées à des éclaircies éparses, mais peu importe le changement ou la direction, la musique est toujours en mouvement ; elle ne s’arrête pas.

Le piano introduit doucement l’aube dans le « Morning Tom » et, bien qu’il reste dans le registre grave, les notes lentes et somnolentes sont colorées par la lueur pâle, mais renforçante, d’un matin qui approche. Bien que lent, un rythme métronomique est une injection de vivacité et permet de passer à un mode de vie plus rapide et plus actif. Talbot Bells est capable de le mélanger, et cela lui donne un visage unique dans la foule.

***1/2

Zoe Polanski : «Violent Flowers »

Dans les quelques secondes que prend le traitement d’une image Polaroid, on ne sait jamais vraiment comment la photo va se dérouler – telles sont les variables que la lumière et le mouvement peuvent jouer. L’image qui orne le nouveau disque de Zoe Polanski, Violet Flowers, se trouve dans cet état de flux même – ses tons sourds ne sont pas complètement développés – qui reflète les deux côtés distinctifs de cet album.

La première chose qui frappe dans le morceau d’ouverture et de titre est sa boucle de synthétiseur colorée – qui, associée au chant d’oiseaux voltigeant – donne l’impression d’un mariage parfait lorsque la voix douce de Polanski apparaît. L’auteure israélienne chuchote presque : « Montre-moi le chemin du retour… » (Show me the way back home…) avant que la boucle ne prenne de l’ampleur et ne s’élargisse, offrant juste un aperçu de la vibrante pop électronique hybride qui nous attend.

Comme dans les expérimentations de Coldplay avec le producteur Brian Eno, des percussions maladroites, des guitares qui font trébucher et des boucles vocales de chorale fleurissent sur « Closer », marquant l’apogée mélodique du disque. Le meilleur exemple des collaborations de l’actuel résident de New York avec le concepteur sonore et ami, Aviad Zinemanas, est peut-être le plus proche de la traversée totale de Polanski – mais cela montre que l’auteur n’a pas peur de fusionner les mondes de l’avant-garde et du commerce.

Au fur et à mesure que le disque avance, la chaleur initiale se disperse pour prendre des teintes plus froides : les tambours programmés sont un peu plus durs, les paysages sonores sont un peu plus menaçants, la liberté mélodique est un peu plus présente. « The Willows, » un bon exemple de cela, a une onirisme analogue qui rappelle The Dream My Bones Dream de Eiko Ishibashi, sorti en 2018. Mais Polanski reste à l’aise sous cette apparence également pour un début de voyage qui est tout sauf ce que sa manche lavée sépia peut suggérer au départ.

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Aase Frejadóttir: « Music for Drifting »

Music For Drifting est le premier LP de Aase Frejadóttir, une artiste qui utilise des synthétiseurs, des enregistrements sur le terrain, des cordes et la voix, et qui, surtout, n’a pas peur de changer de sujet. D’emblée, sa musique est incroyablement expansive tout en restant intime et chaleureuse. Il ne fait aucun doute que la chaleur est due au synthétiseur et qu’elle en émane, mais ses douces houles et l’émergence d’une nouvelle mélodie contribuent également à créer une atmosphère bienveillante d’émerveillement et d’admiration qui s’accorde avec le son plus chaud. Qu’elle promène son chien, Pulsar, ou qu’elle dérive dans les forêts de la banlieue de Stockholm, la musique d’Aase semble être un esprit libre, à la recherche de quelque chose de plus : extraire des significations plus profondes de la musique, qui est un flux lumineux de lumière lointaine.

Amoureuse de l’astronomie depuis son plus jeune âge, la musique de Frejadóttir est entrelacée avec le tissu noir de l’espace, contenant des matériaux provenant d’un au-delà infini, et elle construit sa musique spacieuse sur son socle – la lumière incandescente des étoiles mortes et quelque chose de cosmique est audible dans sa musique. Les cordes éclatent et une harmonie rayonnante fait irruption sur la scène avec l’élégance royale, la grâce et la force suprême d’une supernova en bijou. Sa musique est constamment en mouvement, elle tourne, ses réfractions et ses reflets rebondissent et se déplacent de note en note.

Tout est lié à l’Univers et à l’inconnu, mais bien que les bras ouverts et les possibilités spatiales soient présents sur Music For Drifting, Frejadóttir ne perd jamais le contact avec ce qu’elle et sept milliards d’autres personnes appellent leur foyer, comme on l’entend dans la musique plus familière et plus météorologique de la pluie. Ce déluge de pluie ouvre « Dimma Promenad », qui nous ramène au sol et à la terre, avant de se transformer en une pièce marquante, « Solemn Oath », vingt minutes de mouvements orchestrés et de drones patients. Des mélodies en cascade scintillent et oscillent doucement, et bien que la pièce soit centrée sur un groupe de notes, elle parvient à évoquer une tonne d’espace et un air révérencieux digne d’un serment sacré.

Les notes sont aussi pures et bénies que l’eau bénite. Suit « Aerial », qui, avec ses couches supplémentaires, fait immédiatement contrepoids à la pièce précédente. Elle privilégie la profondeur à la fragilité squelettique, et les notes charnues à une variante plus fine. Compagnonnage et amitié sur un coin de l’espace solitaire et oublié depuis longtemps, comme le positionnement de la Terre dans la Voie lactée. L’ambiance est à la réflexion et à la contemplation, ne cherchant pas à résoudre les problèmes avec des équations scientifiques ou des faits sur l’Univers, mais plutôt à se délecter de son existence. On peut croire à la théorie d’un Univers animé en écoutant sa musique. C’est profiter de l’existence pour ce qu’elle est : glorieuse, douloureuse, tragique, palpitante.

***1/2

Hakobune: « solitude »

On peut être débordant, rempli de choses que l’on veut dire, de sentiments que l’on veut partager, d’amour que l’on veut exprimer. C’est tellement compliqué que, souvent, ça semble sans espoir de pouvoir mettre la totalité de cette complexité, aussi amorphe et intangible soit-elle : qui est-on pour la partager ?

Dans la nature, rien n’est exigé de vous : les espaces que vous traversez, dans lesquels vous nagez ou sur lesquels vous volez n’attendent rien, sont incapables de recevoir. D’une certaine manière, il est dommage que les paysages que nous aimons tant ne puissent pas entendre ou sentir les choses que nous leur professons, et pourtant cette asymétrie présente une relation unique. Dans un monde beau mais indifférent, ce avec quoi on résonne le plus et ce avec quoi on se sent le plus à l’aise en présence, c’est la nature elle-même.

Il n’y a rien dans un endroit qui pourrait changer la façon dont nous ressentons ou modifier notre affection envers ses grâces subtiles ; elles donnent si librement et nous imprègnent d’une gratitude non réciproque. C’est l’essence de l’étonnante ouverture de 21 minutes, un arc de brillance de bourdon qui jaillit de la terre elle-même, un monde de formes et de moments déversés pour nous à travers nos yeux et dans notre cœur.

Dans sa portée, on n’est pas soi, on est plus, un entrelacement de soi et d’espace où on se sent libre de se sentir dans tout son fragile chaos. Nous sommes plus que la somme de nos parties ; le son est beau pour nous, à cause de cette connexion, de tout ce que jl’on tient en soi, de chaque moment qui a conduit à cela. En elle, on peut être n’importe quoi, ressentir cependant, exprimer tout, libre de déverser ce qui est impossible à dire.

Nous voici de nouveau avec vous, à la limite de l’expression non réalisée et du gouffre sans limite et pourtant infranchissable. On ne peut pas distiller pour vous là où solitude nous emmène, mais cette fois on n’a pas à le faire puisque Hakobune vous y emmènera lui-même.

***1/2

T. Gowdy: « Therapy With Colour »

Le titre de l’album décrit clairement l’intérêt principal de T. Gowdy dans ce domaine, bien que la musique qui s’y trouve adopte une approche discrète de l’atteinte des états thérapeutiques. Trop souvent, les disques qui cherchent explicitement à être méditatifs me donnent l’impression d’être un sujet chirurgical, avec toute la musicalité fortement penchée vers l’objectif premier qui est de trafiquer les ondes cérébrales. De tels efforts peuvent me sembler prédateurs dans leurs tentatives de me recâbler la tête, ce qui me rend réticent à accorder à ces énergies sans visage un accès aux signaux les plus intimes de mon être. Malgré les techniques clairement maniées qui s’inspirent des expériences de T. Gowdy avec la Nova Pro 100 Light and Sound Mind Machine (comme un scintillement stéréo persistant qui fait osciller notre attention), il s’agit avant tout d’un beau disque, dont la priorité est de savourer les courbes et les joies tactiles de ses matériaux.

Même dans les passages manifestement hypnotiques, comme le drone de gauche à droite sur « Depse », les sons sont un délice à tenir dans la tête ; flottants comme un ballon de plage et en trois dimensions, suspendus dans les échos d’espaces modestes et sans prétention, ornés d’harmonies de synthétiseur qui couvrent la surface du disque comme des lichens. Les textures migrent au fil de répétitions persistantes, mais pas par une transformation linéaire d’une forme à une autre.

Au contraire, elles s’inclinent vers de nouveaux états puis se balancent doucement, comme des fleurs qui obéissent brièvement à la brise avant de reprendre leur trajectoire photosynthétique. La chanson-titre en est un exemple particulièrement beau, avec un synthétiseur en bavardage qui donne l’impression qu’un petit doigt tape sur le sommet du crâne, le ton s’amincissant et s’élargissant comme s’il modulait le point d’impact entre le bord pointu de l’ongle et le nœud du doigt lui-même. Tout comme pour la meilleure musique de danse – et l’album comporte certainement des moments qui frôlent la techno minimale – le mouvement est exécuté sans contrainte ni artifice. L’élégance est la clé, et Therapy With Colour réussit à nous guider vers des états de conscience plus riches sans avoir l’air d’ y toucher.

***1/2

Madeleine Cocolas: « Ithaca »

Madeleine Cocolas est une compositrice et productrice australienne qui crée principalement de la musique instrumentale post-classique et ambient. Son travail passe de paysages sonores luxuriants à l’électronique expérimentale, aux enregistrements sur le terrain et au piano solo.Elle a publié de la musique sur un certain nombre de labels et a collaboré avec de nombreux autres artistes sur des projets multidisciplinaires, notamment des performances de danse contemporaine, des installations de galeries spécifiques et des films.

Après avoir passé la majeure partie d’une décennie à travailler à l’étranger, Madeleine Cocolas est récemment retournée en Australie et s’est attelée à la réalisation d’Ithaca, sa lecture poétique du lieu, coulée dans le son. Ce disque, qui est en quelque sorte un journal intime audio, illustre ce sentiment d’étrange familiarité. C’est la bande sonore d’un retour au lieu qui existe surtout dans la mémoire, pour constater que ses rythmes, ses motifs et ses apparences ont changé en votre absence. Musicalement, Cocolas fait appel aux phases rythmiques pulsantes de Maggi Payne et Laurie Spiegel et les installe à côté de paysages harmoniques chargés de piano qui rappellent les moments de réflexion d’Harold Budd. Cet album est une découverte dérivante de soi dans le temps et l’espace, parée de toute la belle subtilité qu’une telle expérience, brute et cathartique, apporte.

***1/2