Fergal Lawler: « All Hope Is Never Lost »

11 avril 2022

Avec un titre qui exprime un sentiment bien nécessaire en ces temps difficiles, le premier album de Fergal Lawler ne ressemble pas à son travail avec le groupe pop/rock irlandais The Cranberries. Au lieu de cela, Lawler adopte une approche introspective à travers huit morceaux instrumentaux délibérément rythmés.

Inspiré par les bandes sonores et la musique ambient, All Hope Is Never Lost met en scène Lawler sur tous les instruments, à savoir au moins la guitare, divers claviers, des percussions éparses et des effets. À cet égard, « Shaking Hands With Death » donne le coup d’envoi de l’album avec une juxtaposition de drones doux et de guitare éclectique déchiquetée, parfois combinée à de l’acoustique. L’ambiance évoque la dualité des grands espaces et des paysages arides – leur vide est à la fois majestueux et mélancolique. Le morceau devient de plus en plus abstrait au fur et à mesure que les instruments sont transformés en un paysage sonore.

Ce penchant pour l’expérimentation électronique se poursuit tout au long du morceau, même si d’autres instruments entrent et sortent du mixage. Des vagues de distorsion peuvent accompagner de courts passages rythmiques dirigés par des cymbales, ou des accords de guitare sont maintenus jusqu’à ce qu’ils se mélangent à des drones sous-jacents. Tout cela est accompli presque entièrement sans battement ni structure répétitive clairement définie. Les morceaux apparaissent comme largement improvisés, mais peut-être en accord avec un cadre préétabli.

Le yin et le yang de l’approche de Lawler est représenté par « Speaking Very Softly Now », qui présente une mélodie de piano presque accrocheuse partageant le premier plan avec des drones de guitare rugueux. En fin de compte, les drones évoluent pour prendre un ton inquiétant qui reflète les rôles antérieurs des deux instruments. Plus désolé que sombre, le morceau joue avec l’humeur de l’auditeur, invitant à la tranquillité mais montrant trop de tension pour atteindre cet état.

Des comparaisons ? Peut-être l’ambient désertique des premiers Steve Roach ou l’Americana plus moderne d’un combo comme SUSS. Mais l’approche de Lawler est plus granuleuse et plus cinématographique. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’un véritable bijou de sortie et d’un exercice d’inattendu.

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Low Altitudes: « Waves »

31 mars 2022

Comme la pandémie s’atténue, nous nous attendons à ce que la vague d’albums sur la pandémie s’atténue également.  Mais nous avons déjà été trompés, ce qui donne au titre Waves une double signification.  Il y a d’abord les vagues littérales : les sons du rivage recueillis par Low Altitude dans le Suffolk, le Sussex, le Kent, le Devon, Anglesey et le Yorkshire.  Ensuite, il y a les vagues de la pandémie, ainsi que les vagues correspondantes d’anxiété, de soulagement et de nouvelle trépidation.  L’artiste répond à ces vagues par ses propres vagues : des lames d’ambiance qui apaisent et réconfortent l’auditeur.

L’œuvre représente un phare, qu’il faut s’efforcer de voir : installé sur un rocher géant, stable et résolu.  Les gribouillages ~ ^^^^^ ~ sont parfois penchés et parfois debout, comme des vagues abrégées, des ailerons de requin ou des éclairs de peur.  Le papier bleu clair semble avoir été froissé et défroissé comme une idée jetée et sauvée, ou une vie endommagée et réparée.  Au-dessus de tout cela, un minuscule arc-en-ciel, symbolisant Noé, la fin de la pandémie, et une sorte de liberté et de fierté plus larges.

L’album commence sur une note joyeuse, avec des clapotis légers et des chants d’oiseaux.  La musique semble aérée et lumineuse.  Mais « Porth Wen »  ne dure que 57 secondes et cède rapidement la place à « These Are Heavy Things ». La dichotomie est établie : les choses éternelles nous attirent, y compris la tranquillité du rivage.  Mais d’autres marées s’approchent.  Les vagues de drones statiques laissent entendre que ces choses sont effectivement lourdes.  L’artiste soustrait les drones à la fin pour se concentrer sur les carillons, un changement subtil, mais crucial.

La spécificité des enregistrements de terrain fait partie de l’attrait de l’album.  À aucun moment ces vagues ne sont violentes, et les oiseaux ne s’élancent pas pour défendre leurs nids.  Le danger est dans l’humanité, pas dans la nature.  Et si la nature est bienveillante, ou du moins impassible, alors le danger immédiat est peut-être dans les esprits. Le ton de l’album suggère que l’artiste a été restauré par l’immersion dans les idées de cycle et de flux.  Même au milieu de la densité, il y a des moments de lumière, notamment dans « Iken Beach » » où l’artiste laisse les enregistrements sur le terrain rester audibles tout au long de l’album, accompagnant les mouettes de touches lumineuses.

La nature douce-amère du titre final, « Last Days of Summe », est compensée par la date de sortie.  Tout le printemps et l’été nous attendent, et nous ne pouvons qu’espérer que nous nous approchons également de la lumière d’un changement émotionnel.

***1/2


Dead Melodies: « Memento »

29 mars 2022

Bien qu’il apparaisse sur le label Cryo Chamber, il ne serait pas exact de classer Memento uniquement dans la catégorie dark ambient. Au contraire, cet ensemble de drones et d’atmosphères luxuriantes et douces est comparable aux concerts de sommeil de Robert Rich, en ce sens qu’il capture une gamme d’états hypnogiques.

Ainsi, « Welcome Delerium » combine un synthétiseur grondant avec le clapotis des vagues et des vocalisations éthérées. À l’opposé, » Eyes of the Sun » utilise des vagues de sons un peu durs avec de douces lignes de guitare non déformées. « Embers are Forever » implique des drones plus granuleux qui flottent dans un paysage sonore sombre et nuageux, tandis que « Memories Lost » est respirant avec un thème mélancolique au piano.

Mais ce que tous ces morceaux distincts ont en commun, c’est la façon dont ils immergent subtilement l’auditeur dans des nappes de sons – dont certaines sont réconfortantes (du moins au début), tandis que d’autres… pas vraiment. Qu’ils soient considérés comme des paysages de rêve, des cauchemars éveillés ou un accompagnement pour une brève sieste, ces morceaux élargissent la notion toujours plus vaste d’ambient dans de nouvelles directions.

***1/2


Disassembler: « A Wave From A Shore »

24 mars 2022

Disassembler est une nouvelle collaboration entre Christopher Royal King (This Will Destroy You), et le violoniste / compositeur Christopher Tignor. À bien des égards, A Wave From A Shore est un magnifique rapprochement, malgré la distance béante qui sépare le duo.

Vivant de part et d’autre des États-Unis, l’album a été entièrement enregistré à distance. King a envoyé ses créations de synthétiseurs analogiques et de boucles à bande, nées à Los Angeles, à New York, où Tignor a façonné la musique en y ajoutant des échantillons purs de cordes, de piano et d’orchestre.

Leur musique est aussi un lien entre la côte Est et l’Ouest. Les différents styles de vie et les différentes cultures traversent la circulation de la musique et en deviennent l’élément vital, non seulement en la soutenant mais en l’améliorant.

Pour LA : des dérives ambiantes détendues, plus larges, captent les courants de la brise ainsi que les eaux somnolentes de ses rivages. Pour NYC : une forme studieuse, bien vernie et légèrement plus concentrée de musique classique moderne peuple la ville.

Les cordes très détaillées se marient bien avec le côté ambient plus brumeux des choses, élevant l’intensité émotionnelle de la musique. Les improvisations analogiques de King ont la liberté de vivre pleinement, se déployant innocemment comme les ailes d’un ange, et de temps en temps, elles fournissent un élan plus rapide pour rivaliser avec le rythme foudroyant du jeu vidéo « Sonic the Hedgehog », voltigeant avec excitation et pure allégresse.

Le morceau d’ouverture « In Devotion » donne immédiatement le ton. Ses cordes qui s’envolent sont mariées à une basse ambiante plus profonde qui s’élève du registre inférieur, émergeant des profondeurs et essayant d’ancrer la musique même lorsqu’elle s’élève.

Le contraste est là dès le début – l’est et l’ouest, l’air et la terre, l’espoir, l’optimisme et l’évasion colorée des rêveurs et de leurs rêves contre les plaques sans sentiment et uniformes de la vie quotidienne. Le poids émotionnel de la musique suffit cependant à faire abstraction de la réalité, et les cordes, en particulier, semblent s’étirer et danser vers le haut, jusqu’à atteindre les cieux.

Avec une profondeur et un espace étonnants, ces compositions sont des corps achevés, même avec la nature improvisée des synthés, qui scintillent à travers des nuages ambiants morphing. Les douces manipulations de bandes magnétiques peuvent être en contradiction avec l’instrumentation acoustique plus traditionnelle et classique du violon de Tignor, mais une connexion émotionnelle les unit. Bien qu’ils utilisent des méthodes différentes, les deux musiciens sont familiers avec l’art du développement émotionnel, quand il faut se retirer et quand il faut relâcher, quel que soit l’instrument ou le style. Avec sa musique classique moderne, sombre et brillante, qui éclaire les synthés ambiants qui s’enroulent autour des cordes comme les bras d’un amant, le disque laisse une impression forte et durable qui, contrairement aux traces de pas dans le sable, ne disparaît jamais.

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Jadelain: « Pumping A Contrarian Heart »

19 mars 2022

Dans nos poitrines, il y a une lueur. Parfois, elle est douce, à peine visible. À d’autres moments, elle est aveuglante. Nous traversons chaque jour en suivant les schémas circadiens qui circulent dans nos veines, en espérant que le soleil continue de se lever alors que de petits moments s’entrecroisent pour créer une tapisserie légère autour de notre cœur. L’album Pumping A Contrarian Heart de Jadelain célèbre ces petits espaces et se déplace avec une cadence semblable aux battements du cœur. Ces chansons sont remplies de mélodies accrocheuses et cristallines et d’arrangements énergiques qui oscillent entre la fantaisie du quart-monde et la contagion de la pop, le tout enveloppé dans la superbe couverture de Filip Olszewski.

Des arpèges sans fin se faufilant dans les vignes suspendues sur le séduisant morceau d’ouverture, « Daphne Loves Darby ». Les rythmes de célesta dessinent une brume anxieuse sur des guitares qui s’agitent, voguant sur un doux jetstream. Il y a une joie tranquille dans chaque note. Jadelain fait une musique qui est à la fois organique et pure. Des mélodies familières prennent des formes différentes, construites avec des timbres futuristes et des structures de chansons surprenantes qui créent un autre type de paysage.

« Contrarian Heart 1 » est une cascade de verre entourée d’une flore vibrante aux teintes atypiques. Nous sommes béatement suspendus dans un hamac de platine, poussés par les ondulations sonores aqueuses jusqu’à un endroit où nous ne pouvons nous empêcher de nous sentir enchantés et vivants. Ce sentiment continue de croître sur « Contrarian Heart 2 », nous faisant glisser sur des rivières transparentes comme un galet qui saute allègrement vers l’autre rive sans penser à plonger dans les profondeurs glacées. La magie est ici présente sous toutes ses formes.

La précision robotique ne semble jamais stérile sur Pumping a Contrarian Heart. Les pincées MIDI rapides qui ponctuent l’ensemble de l’album dansent en couches superposées, comme une chorégraphie avec les feuilles qui volent et les volées d’étourneaux majestueux. « 1950 » est plein d’anticipation, la nostalgie est éparpillée dans l’arrangement comme le duvet de pissenlit après un vent vif de printemps, la fraîcheur d’après tempête ponctuée par des rythmes incisifs et des pistes bouillonnantes. Chaque moment de Pumping A Contrarian Heart est animé d’un but et l’espoir est omniprésent. Jadelain a construit un monde sonore chimérique que l’on ne veut jamais quitter.

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Forrest Fang: « Forever Cascades »

27 janvier 2022

La musique de Forrest Fang refuse de se résumer et invite à la contemplation. Personne ne possède ou n’habite le son comme le fait cet homme. Fruit d’une réflexion sur les significations pures, Forever Cascades (67:12) stimule une catégorie de pensée qui se passe de mots, d’images ou de symboles d’aucune sorte – et qui peut pourtant converser parfaitement avec les mécanismes intérieurs de chaque auditeur. Fang, le multi-instrumentiste, a produit ici dix morceaux qui imaginent un royaume juste au-delà de celui du quotidien. Ces environnements sonores détaillés sont stimulants pour les connaisseurs et invitants pour les non-initiés. Pourtant, nous devrions renoncer à nous trouver représentés quelque part dans la complexité de cette musique, et plutôt nous concentrer sur ce qu’elle nous fait ressentir.

Aussi diversifiés que soient les tons, les textures, les atmosphères et les paramètres énergétiques, il devrait être évident que ces dix compositions, bien qu’empruntant toutes des routes différentes, se dirigent vers la même destination. Là où une composition se déplace comme un rapide fantôme argenté, la suivante sera aussi calme qu’un murmure. Passant par des tons tamisés, l’arc expressif de Forever Cascades s’élève vers un registre plus lumineux, ou tout aussi facilement, il peut nous submerger comme une tempête. Sans cesse en éveil, absorbant et se déplaçant vers l’intérieur, cet album s’illumine aussi dans des envolées expressives et fantaisistes. Qu’il repousse les limites de la musique ambiante ou qu’il évoque un monde perdu du Nouvel Âge, ce travail excite les oreilles autant qu’il soigne l’esprit. Si l’art de la musique consiste à transporter le public, alors Forrest Fang est un guide incomparable. Ses talents élèvent Forever Cascades à un niveau nettement supérieur à celui de la musique instrumentale contemporaine ordinaire, car sa force d’humilité aspire à transformer les distances entre les gens en une intimité avec le monde entier.

***1/2


Ian Wellman: « On the Darkest Day, You took My Hand and Swore It Will Be Okay »

28 décembre 2021

On the Darkest Day, You took My Hand and Swore It Will Be Okay est un pur album pandémique, conçu pendant les confinements, les manifestations et les incendies de Los Angeles.  Parfois, Ian Wellman avait l’endurance nécessaire pour s’aventurer dehors, pour enregistrer alors que la cendre tombait du ciel et que des hélicoptères traversaient l’air occlus.  D’autres fois, il regardait le monde brûler sans sortir de chez lui, s’imprégnant de la laideur de la scène politique, de l’inattention à la science et à la raison, de l’insensibilité des étrangers. Une grande partie de sa colère et de sa frustration est déversée dans ces pièces, qui s’efforcent de donner un sens à tout cela.  Pourtant, il refuse de se laisser envahir par l’anxiété et la peur, et conclut par des morceaux sur l’amitié et la lumière, ainsi que par un appel à « s’accrocher les uns aux autre ».

Le prologue est révélateur : un lent drone qui se dirige vers la catastrophe, une brume montante qui devient brouillard, puis cendre, puis feu.  La métaphore musicale est évidente.  « It Crept Into Our Deepest Thoughts » est aride et glauque, reflet de la maladie insidieuse qui s’est insinuée dans nos corps et nos esprits.  Cette fois-ci, le drone sera coupé en plein milieu de la construction, comme une prise tirée ; c’est la première des deux fois que cela se produira dans le décor.  Les pales d’hélicoptères traversent l’air comme des sauterelles, précurseurs d’un autre fléau.

L’album s’installe alors dans un lent malaise.  « The Toll on Our Daily Lives » vibre comme une veillée funèbre virtuelle, du genre de celles qui étaient organisées lorsque les pompes funèbres étaient fermées au public.  Une fois de plus, le bruit blanc s’élève, et ne se relâche qu’à la toute fin.  Si les sons de la pluie et d’un coq semblent être des répits, lisez le titre : « Ash Falling on Power Lines – Sept 2020)  ».Pour ceux qui avaient déjà vécu tant de choses, cela a dû ressembler à une apocalypse, ou pire, à une série d’apocalypses.  Un vent désespéré souffle, faisant trembler les plaques de rue ; le lien avec l’Apocalypse est renforcé dans « As the Beast Swallowed Us Whole ».  La différence majeure : il ne s’agit pas d’un Satan extérieur, d’un monstre à plusieurs têtes ; la Bête, c’est nous.

« We Screamed For Help But Our Voices Were Drowned Out By The Noise of The World » est un morceau de colère.  L’implication est que tout le monde crie, mais personne n’écoute ; une grande cacophonie est créée par un mélange de publicités et d’accusations, de protestations et de réponses disproportionnées.  Pendant tout ce temps, les gens souffrent, crient, meurent, rendent leur dernier souffle.  Un drone s’élève et est à nouveau coupé, comme la voix de la dissidence.  Des amis se rassemblent, se serrent les uns contre les autres pour se réconforter.

À la toute fin, Wellman nous ramène au titre.  Il croit encore à Une lumière au bout du monde » (A Light At The End.) » Ou y croit-il réellement?  En supprimant les mots « du tunnel » » il laisse l’interprétation ouverte.  La lumière au bout peut être la lumière au bout de la vie, ou quelque chose de plus facile à atteindre.  Ses amis et sa famille lui ont dit que tout irait bien ; il ne sait pas trop quoi nous dire, mais il veut espérer, et parfois cela suffit.

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Enrico Coniglio: « Alpine Variations »

7 décembre 2021

Sur Alpine Variations, le compositeur, guitariste et « field recorder » vénitien Enrico Coniglio se dirige vers une apogée ambiante. Le sommet de la montagne scintille de loin, révélant lentement sa beauté cristalline à mesure qu’il s’en approche. Sur ce disque étonnamment sublime, la musique ambiante de Coniglio parvient à dissiper les derniers nuages pour découvrir un spectacle majestueux. L’ascension est longue, mais le voyage en vaut clairement la peine.

L’euphorie d’atteindre le sommet, la victoire qui vient avec la conquête, est contenue dans ses vapeurs d’ambient. En plus de cela, il y a un incroyable sens de l’échelle, ainsi qu’un profond respect pour la montagne. C’est aussi un rappel brutal de la mortalité de chacun.

L’atmosphère et l’environnement sont placés comme un drapeau à l’extrémité de la musique, qui devient de plus en plus glacée et givrée, et ses harmonies ternes et luisantes produisent une lumière lambda.

Coniglio avance depuis des années sur ces chemins musicaux, en explorant les sons de la Terre et en transcrivant leurs vibrations ; le soin apporté à la musique, ainsi que le souci du détail, transparaissent immédiatement. Il est clair qu’il a un amour pour les montagnes. Bien qu’elles soient imposantes, qu’elles dominent le paysage et qu’elles fendent le ciel, la musique est plus proche de l’admiration que de la peur, bien qu’il y ait une bonne dose de celle-ci. Chaque morceau se rapproche du sommet, l’ascension étant marquée par des étapes, comme des points de contrôle le long du chemin, et la musique construit sans cesse sur ses fondations, bien que ses pas disparaissent rapidement dans la neige.

Des textures denses et de minces vents ambiants sifflent le long de la montagne, qui évoque un voyage spirituel et mental autant que physique. L’endurance est essentielle si l’on souhaite atteindre la pointe du pic, et il y a quelque chose comme un combat intérieur, une poussée pour continuer, pour ne jamais abandonner, enfermé dans les textures ambiantes. Les mouvements continuels de la glace et le tonnerre d’une avalanche lointaine nous rappellent le danger permanent. Comme la montagne elle-même, c’est une musique à couper le souffle, aussi apaisante que spectaculaire.

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Mary Lattimore & Growing: « Gainer »

12 novembre 2021

À lire la raison pour laquelle le ciel apparaît de certaines couleurs à différents moments de la journée et à penser à la façon dont le ciel devient rose et rouge au crépuscule parce que la lumière bleue ne peut pas voyager très loin et se disperse dans l’invisibilité laissant la lumière rouge prendre le dessus. On trouve une certaine poésie à ce que la lumière ait ses limites et doive laisser transparaître une autre longueur d’onde du spectre. C’est aussi comme ça que fonctionnent beaucoup de nos artistes préférés. Ainsi, Ils ont leur voie et il y a un moment où elle est le point de mire et d’autres où le moment est venu de prendre du recul, de se disperser dans la vallée spectrale et de laisser les autres sons ouvrir la voie.

Mary Lattimore et Growing sont des poids lourds. On s’attend à ce qu’un trio comme celui-ci se réunisse, mais Gainer se situe dans des eaux expressives où la patience est sa propre récompense et où l’étendue est en apesanteur. Les attentes ne comptent pas, c’est le sentiment du moment qui compte. Sur Gainer, il y a une compréhension profonde et un respect mutuel qui transparaissent avec une ferveur discrète.

Deux excursions tentaculaires sont encadrées par des cieux de plus en plus sombres. « Flowers in the Center Lane Sway » » se dirige vers un endroit où des figures illuminées poussent dans toutes les directions, errant avec crainte parmi ces souvenirs de fantômes. Les drones de Growing respirent l’air frais comme des prières génératives revenant d’un aller-retour vers la sphère céleste. Les timbres se déplacent de manière subtile, presque imperceptible mais se tordant avec une grâce puissante.

Avec une affection rayonnante pour le voyage, Lattimore ajoute de la légèreté avec une cascade de fleurs. Le courant de fond devient plus fort, les tons étirés deviennent radieux tandis que les harmonies se transforment en monuments, solides et inébranlables. La dichotomie de cette densité avec la légèreté du jeu de harpe de Lattimore est magique, comme des scintillements de néon sous une mer de minuit. Augmentez le volume et « Flowers in the Center Lane » devient un cocon tactile. 

C’est une belle ouverture sur un album qui s’épanouit pleinement avec de la concentration et une écoute profonde. En se concentrant sur les timbres spectraux et les arrangements émotifs, on libère notre esprit pour qu’il dérive et voyage au-delà. Sur « Tagada, Night Rises », la harpe de Lattimore est située au clair de lune, hypnotique dans son effervescence contenue. Elle tisse ces toiles sonores brillantes qui sont en filigrane au toucher, mais pleines d’émotion, regardant la tempête à venir. Soutenu par les murmures statiques de Growing, il y a une liberté de mouvement dans l’arrangement qui mélange les sons disparates, donnant aux nouvelles textures un moment au soleil. 

Lorsque le morceau entre dans sa deuxième et dernière phase, les guitares se mettent à chanter et les échos d’hier s’estompent dans l’obscurité. Les huit dernières minutes de Gainer regardent vers l’avant sans craindre les possibilités infinies. Des structures résonantes construisent des montagnes. Des cordes réverbérantes veillent sur les souvenirs qui n’ont jamais atteint les banques de données. Les paysages brillants brillent comme des balises pour les retardataires qui se dirigent vers l’horizon, Lattimore et Growing entrelaçant les réflexions mélodiques dans un prisme sonore enchanté où chaque direction a une destination.

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Dear Laika: « Pluperfect Mind »

31 octobre 2021

L’expérience d’Isabelle Thorn en tant que choriste est évidente non seulement dans sa voix principale qui se cherche, mais aussi dans la façon dont ses compositions insinuent l’espace. Dans son premier album sous le nom de Dear Laika, Pluperfect Mind le bruit électronique l’emporte sur les réverbérations acoustiques, le genre d’espace sonore que l’on rencontre habituellement dans les cathédrales. Au lieu de fermer ses cordes et le piano préparé, elle laisse ses mouvements synthétiques résonner avec son organique, flottant dans un espace creux et vide. Les synthétiseurs Roland, les glitchs de bandes magnétiques et les échantillons distordus sont tous libérés ici, jamais contraires à leurs homologues acoustiques, mais vivants dans une symbiose qui s’amplifie mutuellement ; ils grandissent ensemble jusqu’à ce que la différence de leur origine s’estompe, sans importance. Chaque méthode d’instrumentation en ouvre une autre jusqu’à ce que l’ensemble du champ sonore soit un vaste paysage où la voix de Thorn peut se promener.

À travers cet espace illimité, Pluperfect Mind trace la manière dont la luxure hante son objet, le soi changeant de Thorn. Comme d’autres efforts encombrés pour devenir, la transition de genre fixe le désir dans un cadre étrange : Ce que vous voulez, c’est vous-même, mais plus encore. Comment mesure-t-on la distance entre le soi que l’on veut et le soi qui fait ce que l’on veut ? Que faut-il pour qu’ils se tendent la main et se serrent les coudes ? Avec des mélodies vocales élégantes et ondulantes, Thorne triangule le soi, le moi et le toi de la chanson narrative dans une danse complexe. L’un se précipite en avant et l’autre lutte pour le rattraper. L’un perd l’autre et se lamente jusqu’à ce que les deux puissent être réunis. Il y a des aperçus d’horreur et de désolation qui laissent place à des étendues de soulagement langoureux. « Je suis prête », répète Thorne sur « Asleep in Wildland Fire », accentuant à chaque fois les mots contre leur point de rupture. Sa voix atteint son apogée et s’effondre. L’espace se dilate, la voix s’enroule autour d’elle-même, s’accroche et s’épanouit au-delà de ses limites.

***1/2