Ian Hawgood: « Memory and Motion »

16 avril 2021

Memory and Motion est une œuvre de longue haleine de l’artiste ambient Ian Hawgood, basé à Brighton. Issue à l’origine d’un été long et mémorable, il y a onze ans, Memory and Motion contient le parfum d’une saison, l’année étant 2010, et d’une étape personnelle importante dans la vie de Ian. En août de cette année-là, Ian s’est produit aux côtés de sa femme lors de l’événement Immersound au Others, à Londres. Ils s’étaient mariés plus tôt dans l’été et venaient d’arriver au Royaume-Uni, revenant d’une lune de miel en Indonésie pour fêter avec leurs amis et leur famille avant de rentrer au Japon. Le long morceau, qui dure un peu moins de vingt-huit minutes, a été créé en préparation du concert et enregistré pendant que les autres artistes vérifiaient le son.
Que ce soit involontairement ou non, la musique de Memory and Motion s’est transformée en quelque chose d’autre : une musique qui rappelle un moment spécifique et précieux de la vie d’une personne, un souvenir unique capturé et documenté à jamais par sa musique. Comme une photographie, on peut la savourer et y revenir au fil des ans, et elle sonne aussi fraîche qu’au premier jour.

Comme l’indique le titre, la musique se compose de deux parties. La mémoire est mêlée au mouvement flou du voyage, et la fatigue du décalage horaire est imprégnée de célébrations animées. Bien que la mémoire soit sujette à l’érosion, certains souvenirs se transformant en inexactitudes, en embellissements ou s’enlisant dans un nuage de fatigue rivalisant avec un vol en aller-retour, la musique d’ambiance est claire dans sa forme minimaliste. Composée de gongs et de minces formes d’ondes ambiantes, la musique de Ian produit des tonalités calmes et introspectives tout en contenant un pétillement d’excitation et le souvenir de jours meilleurs.

***1/2


Ian Nyquist: « Endless, Shapeless »

11 avril 2021

Endless, Shapeless crée sans effort un paysage électronique, ambient et post-classique, où des fragments mélodiques tourbillonnants et chargés d’émotion sont rencontrés par une douce brise ambiante. Au début, des noyaux électroniques sont doucement insérés de temps en temps, mais un son électronique trouve bientôt une plus grande présence, faisant avancer certains des morceaux sans rien d’autre pour le soutenir. Cependant, il y a toujours une sorte de pause mélodique après une tempête électronique, où un piano fait son entrée, ou une orchestration plus douce passe au premier plan.

Ce qui pourrait ressembler à une collection désordonnée de sons ressemble en fait à un ensemble connecté, car tous ses sons se rejoignent en un seul. Les styles de musique électronique, ambiante et post-classique partagent déjà des similitudes, de sorte qu’il n’y a rien d’incongru ou de déplacé ici.

Bien sûr, cela est également dû à l’habileté considérable de Ian Nyquist à mélanger ces éléments. Un expert dans n’importe quelle entreprise artistique sait quand ajouter et quand enlever, quand le moment est venu d’augmenter et quand de diminuer, et la musique de Nyquist est presque un ballet dans son mouvement de va-et-vient.

Comme la soie qui danse dans la brise, Endless, Shapeless est né d’un élan magnifique et fluide, et il est rendu encore plus puissant par ses mouvements calmes et discrets. Réservée par ses influences classiques et expansive par son caractère ambiant et électronique, la musique palpite dans l’air comme les ailes d’un papillon, les éléments musicaux de tension et de relâchement se rapprochant magnétiquement puis s’éloignant. Dans certains cas, la tension est telle qu’on peut presque entendre la musique se déchirer, son atmosphère pulsant sauvagement avant d’être ramenée dans sa coquille électronique. Mais toute pression est relâchée avec « Sanctuary (Epilogue) », un morceau d « ambiance » apaisant. À la fin, tout est comme il se doit.

***1/2


Alaskan Tapes: « For Us Alone »

10 avril 2021

For Us Alone est le nouvel album d’Alaskan Tapes. Le musicien Brady Kendall, basé à Toronto, insuffle à sa musique ambiante une essence profondément apaisante, qui, aussi étrange que cela puisse paraître, est liée à sa vie musicale antérieure en tant que batteur, lorsqu’il a commencé sa carrière musicale au lycée, en écoutant les groupes de métal avec lesquels il a grandi – « des trucs criards… aussi lourds que possible ». La musique ambient peut sembler très éloignée des punching-bags percussifs, mais elle est peut-être plus proche qu’on ne le pense ; tout est question de contexte. Kendall a trouvé sa dose musicale dans la drum and bass, puis est tombé dans le sous-genre plus détendu, atmosphérique et fluide de la liquid drum and bass, avec ses fonds ambiants harmoniques et ses synthés luxuriants et étoffés. En tant que tel, son alias Alaskan Tapes ressemble plus à une évolution régulière (et complètement naturelle) qu’à quelque chose qui sort du champ gauche ; rien n’est disloqué ou déplacé.

« Alaskan Tapes a commencé par de la musique électronique downtempo, où j’ai consciemment pris la décision de retirer la batterie. J’avais toujours commencé mon écriture avec une batterie et construit tout le reste autour d’elle. Je voulais vraiment être capable de me concentrer sur autre chose. Je voulais faire quelque chose qui ne soit pas aussi relaxant ou chill, mais plutôt quelque chose d’intime. »

La batterie constitue une partie essentielle de For Us Alone, mais elle est utilisée avec modération, malgré une vague vibration post-rock, qui coule comme du sang dans les veines de ses morceaux. Des guitares chatoyantes, des lignes de basse enracinées et une batterie écrasante parviennent à ancrer le morceau. L’album a été écrit en trois groupes de trois, avec trois chansons comportant une batterie (une dans chaque suite). La musique semble à la fois spacieuse et connectée au rythme général (comme cette batterie et cette basse liquides d’il y a longtemps). Le rythme semble solide et fiable plutôt qu’agité et instable, ce qui en fait une bête puissante sur laquelle un seul morceau peut s’appuyer. L’atmosphère minimale permet aux textures ambiantes de flotter librement, même lorsqu’elles sont liées à la batterie, et une qualité magique et éthérée transparaît.

Kendall comprend la musique ambient et les chansons sont suffisamment libres pour inclure et absoudre toute erreur, car » »les erreurs créent des textures et permettent à la profondeur d’exister afin de rendre l’expérience d’écoute plus honnête ». For Us Alone est capable de refléter et de transmettre quelque chose de la condition humaine, car ses imperfections ajoutent de la personnalité et du cœur à sa musique.

***1/2


Barbara Ellison: « CyberSongs »

6 avril 2021

CyberSongs est un cycle de chansons transhumaines pour des voix d’ordinateur à l’apparence humaine de la compositrice et artiste Barbara Ellison. Avec cette nouvelle œuvre, Barbara Ellison se penche sur les subtilités sonores des avatars vocaux et sur la « musicalisation » du TTS (Text-to-Speech), un type d’application de synthèse vocale utilisée pour créer une version sonore parlée du texte brut d’un document informatique. Dans les 13 pistes de cet album, elle crée des textures hypnotiques d’énoncés vocaux par l’utilisation intensive et extensive de la répétition comme outils et matériaux pour donner naissance à des phénomènes audibles surprenants d’une musicalité fascinante et étrange.

Dans le cycle de chansons transhumaines obsessionnellement fantasmatique des CyberSongs, les mots, les morphèmes, les phonèmes, les phrases et les particules de discours acquièrent de nouvelles significations auditives en constante évolution. Illimitées par la vitesse d’articulation, ces voix « au-delà de l’humain », dans une série de langues différentes, présentent et intègrent des anomalies et des artefacts qui sont le résultat d’un processus visant à repousser les limites de la technologie. Ces voix sont finalement placées dans un environnement sonore électronique, avec des références à des instruments du monde réel, que l’on peut décrire comme ayant une esthétique jazz ou pop décalée.

***


Taylor Deupree: « Chorus (Dusk/Dawn) »

21 mars 2021

Sur Chorus (Dusk/Dawn), Taylor Deupree utilise un seul oscillateur de synthétiseur eurorack pour recréer le chorus de l’aube. L’aube du printemps est aussi la mort de l’hiver – la neige fond, les jours sont plus longs et la soirée est à nouveau éclairée. Au fond, Chorus (Dusk/Dawn) est un disque d’optimisme et de positivité, où l’on regarde vers l’avenir et où l’on accepte le changement. En fait, il ne se contente pas d’accepter l’éventuel changement de saison, mais cherche à l’accélérer, à le presser. En même temps, Chorus se développe aussi patiemment qu’on pourrait l’attendre de Deupree. Ici, cependant, il cherche à accélérer le temps plutôt que de l’arrêter dans son élan.

Chaque été, le chœur de l’aube entoure son studio new-yorkais. A la fois apaisante et implacable, sa musique est composée de grillons, de katydids et de cigales, et Deupree recrée le chant, et l’atmosphère, avec une étonnante ressemblance, rendue d’autant plus impressionnante par sa production synthétique. Le monde naturel se transforme en monde artificiel. Le son émerge du silence de l’hiver alors que le numérique recrée et supplante la nature.

Cet album est une réponse à l’environnement naturel immédiat de Deupree, ainsi qu’une recréation imaginaire d’une saison plus radieuse. Il attend dans l’attente de la réalité, une aube qui n’est pas tout à fait là dans le monde réel, car elle est encore en train de mûrir. Les insectes artificiels sont accompagnés d’une série d’ondes sinusoïdales lentes et tombantes, qui s’insèrent délicatement dans le reste de leur musique. Même dans ce contexte ambiant, un sentiment d’urgence persiste. La musique ressemble à une légère poussée, et ce n’est pas quelque chose que l’on associe normalement au travail de Deupree. C’est un changement à la fois dans le thème et dans l’exécution, tout en offrant une musique ambiante de la plus haute qualité.

****


Hara Alonso: « Somatic Suspension »

16 mars 2021

Somatic Suspension, comme son titre l’indique, est un produit de son époque. Un examen du détachement et de l’immobilité. Plein de malaise. Profondément personnel. Sans le mouvement exigé par notre vie sociale, nos trajets quotidiens, nos routines, nous sommes devenus sédentaires. Nous avons eu la chance d’avoir plus de temps pour créer, certes, mais sans nouvelles expériences ni drames personnels (pour les plus chanceux), et pour beaucoup, ce fut un sol stérile sur le plan créatif. La pianiste espagnole Hara Alonso, basée à Stockholm, a utilisé son instrument comme un véhicule pour aller et revenir de l’introspection, d’où ont émergé des lignes de piano frappantes par leur simplicité, leur répétition. Le titre d’ouverture, « Desnuda », mine ses notes douces et spacieuses avec un accord dvelouté qui répète son intonation dérangeante tout au long du morceau. Avec un tempo différent, « The Centre Of The Sun Is Empty » transmet un chant d’ivoire au clavier passionné et de plus en plus anxieux par le biais de notes uniques frappées rapidement, qui persistent pendant six minutes épuisantes avant de s’estomper et de se déformer dans le néant numérique. 

Mais nous avons classé cet album dans la catégorie « Expérimental » parce qu’Alonso s’intéresse moins à la pureté d’un instrument ou à la beauté d’une mélodie qu’elle ne cherche à les soumettre à toutes sortes de traumatismes numériques et à trouver une résonance dans ce qui en tombe ; la beauté et la laideur sont également acceptées. C’est ainsi que nous passons de « Horizontal Disintegration », où les touches ne sont plus discernables, remplacées par des pops rythmiques, des glitches et des scratches se faufilant sous les tonalités avortées des claviers et les carillons numériques qui se gonflent, directement à « The Work of Poetry », où les accords de piano persistants dominent mais sont en partie attirés en marge par un filtre qui désynchronise un peu deux lignes. Le numérique prend le contrôle dans chaque scénario, que ce soit ouvertement ou discrètement.

Il y a un moment, à peu près à la moitié de ce disque, qui déclenche une irritation profondément enfouie. Nous tirant de notre rêverie, un son persistant émerge de la toile, exactement le même que celui que faisaient mes anciens écrans d’ordinateur dans leurs derniers jours (qui sont arrivés bien trop tôt). Le morceau « 40 Days of Silence » » est l’un des plus forts de cet excellent disque, passant par différents états de désintégration qui rendent cet écho personnel de la fin de la technologie, en fait, tout à fait approprié. Mais cela met toujours mal à l’aise (nous rappelent aussi le point culminant dramatique et déroutant du LP A Sun That Never Sets de Neurosis, qui donnait l’impression que le CD sautait ;- sûrement le véritable fléau du discman peu fiable.

Prêtez attention à votre corps, et il vous le rendra en retour. Pour les anxieux, cela peut être débilitant – un tiraillement intérieur qui prend des formes plus graves, mais pour les simples curieux, cela peut être gratifiant. À travers ces simples lignes de piano – certaines ternies par des « erreurs » reconnues qui, comme tout musicien vous le dira, deviennent souvent la véritable âme de leur son ; d’autres déformées, piégées et répercutées au-delà de toute reconnaissance, celleAlonso y transmet une expérience très personnelle. Le morceau le plus abstrait est « Reversed Rain », un titre qui pourrait bien être littéral. Le morceau est dépourvu de mélodie, ou du moins de mélodie complète, alors que les fantômes de ce qui fut autrefois des notes de piano tentent de s’extirper de leurs tombes numériques, mais il est plein de rythmes flous et bruyants qui s’entrechoquent. Le moins abstrait est le plus proche, « La Memoria del Futuro », qui s’attache à une mélodie touchante tout au long de l’album, ses différentes formes ne parvenant pas à masquer la cohérence qui s’en dégage. On peut espérer que cette artiste a trouvé sa voie.

Si ce disque résonne en vousi, tout dépend si vous êtes également attiré par ses bribes de cohérence et son chaos sous-jacent. Quelque part dans cette rencontre, illustrée par l’écho de haut-parleurs qui seraient comme âbimés, on y trouvera harmonie.

****


Ice_Eyes: « Vicious Circles »

8 mars 2021

Dans les articles de presse, il est dit qu’ils « font un usage judicieux de leur mécanique futuriste et de leurs armes sonores ultrafines », nous ne pourrions être plus d’accord tantce duo athénien brise littéralement la glace sur unVicious Circles, où des rythmes brisés et énergiques s’entremêlent à des breaks sombres et des basses downtempo. « HYDRO » trouve un espace sonore très ouvert et des basses saturées alors que le morceau-titre poursuit sa quête de notes infestées de rave à gauche, tandis que « Crystalbody » dérive vers une béatitude post-industrielle plus sombre et changeante.

L’ambiance variée de la chanson-titre trouve son centre dans ce joueur étendu et concis alors sue des morceaux comme « BH Agony » se frayent un chemin à travers des énergies breakcore rugueuses et que « Folded » ne ralentit que légèrement le rythme alors que des rythmes de skitter et une colonne vertébrale en pagaille nous dépassent.

Pour finir, avec l’objectif grand angle de « Endless Clicks », Ice_Eyes donne un coup de poing effervescent – le groove au ralenti est tempéré par des mélodies en spirale qui finissent par s’éroder dans des champs de poussière texturés. Pour les fans de ce qui a été décrit comme des « mutations de club nerveuses », Ice_Eyes dévoile un pack de 6 monstres qui tirent sur tous les cylindres, et nous sommes ici pour sa balade sonique

***1/2


Rutger Hoedemaekers: « The Age Of Oddities »

5 mars 2021

Pour son premier album solo, The Age Of Oddities, le compositeur néerlandais Rutger Hoedemaekers propose un disque cinématographique sur les mouvements glaciaires et une instrumentation glaciale et émotive. Dans certains domaines, The Age Of Oddities sonne comme une musique de film traditionnelle. Hoedemaekers a déjà composé pour le cinéma, travaillant en étroite collaboration avec Jóhann Jóhannsson et Hildur Guðnadóttir, lauréate d’un Oscar, et l’influence de la composition cinématographique s’infiltre dans la musique, qui est épurée, droite et presque balle au pied. En même temps, Rutger repousse les limites grâce à ses traitements électroniques, et The Age Of Oddities peut être considéré comme un album progressif.

Des voix traitées et indistinctes encombrent une partition instrumentale, brouillant la portée, ses voix électroniques émettant une forme de morse mutilé. C’est à ce moment que The Age Of Oddities s’éloigne du traditionnel, alors que les cordes et les cuivres s’entrecroisent avec des éléments électroniques doux.

L’ensemble de 23 cordes de l’Orchestre d’Art de Budapest, dirigé par Viktor Orri Árnason, est le moteur de la musique, tout comme les voix (Kira Kira, Else Torp et Laura Jansen), le cor (Morris Kliphuis), le trombone (Hilary Jeffery) et le violon (Una Sveinbjarnardóttir et Viktor Orri Árnason). Rutger lui-même joue de la trompette, du piano, du clavier et de l’électronique, et la musique qui en résulte est impressionnante, imposante et majestueuse.

Toujours calme et posée, l’électronique s’intègre parfaitement à l’orchestration plus classique ; l’une complète l’autre, au lieu de s’y opposer. Au milieu d’intermèdes doux et délicats, on peut trouver des bombardements et des sous-courants orageux. Dans l’ensemble, The Age Of Oddities est une merveille, qui équilibre le sensible et le pointu, et la confusion de la vie moderne avec l’épine dorsale rassurante de sa forte mélodie.

***1/2


A Winged Victory for the Sullen: « Invisible Cities »

28 février 2021

A Winged Victory for the Sullen sont de retour avec la sortie de leur nouvel album, Invisible Cities. Sorti sur leur propre label Artificial Pinearch Manufacturingcet opus est une partition de la production théâtrale du même nom, acclamée par la critique.

Une fois de plus, Adam Wiltzie (Stars of the Lid, The Dead Texan) et le compositeur / pianiste de Los Angeles Dustin O’Halloran ont déterré un autre diamant. Le couple a été chargé de produire et de composer la musique de la production de 90 minutes – une production scénique multimédia vaguement inspirée du roman Invisible Cities d’Italo Calvino de 1972.

Cette production s’articule autour de la relation tendue entre Kublai Khan, le chef instable d’un vaste empire, et l’explorateur Marco Polo, « elle donne vie à une série de lieux fantastiques et de mondes disparates par le biais du théâtre, de la musique, de la danse, du design et des arts visuels ». Les AWVFTS sont connus pour leur musique cinématographique, émotive et engageante, et ils ont eu le champ libre pendant la phase de composition. De ce fait, rien n’a été entravé ; leur imagination est libre de vagabonder. Leurs empreintes sont toujours présentes sur la musique, avec de gracieux tourbillons ambiants et électroniques, mais le couple est allé plus loin qu’avant.

Incroyablement composé et équilibré, Invisible Cities est une danse en soi, une œuvre complète avec un arc de narration définitif. Leur musique est un voyage, mais celui-ci s’étend encore plus loin, emmenant les auditeurs vers un nouveau continent et un lieu exotique tout en embouteillant d’une certaine manière l’atmosphère enfumée d’un monde ancien. Ils ont construit tout un monde dans leur musique – une cité céleste, une saga du XIIIe siècle. Un lieu où les éléments ambiants et classiques peuvent se mêler aux guerriers et aux seigneurs de la guerre. Le résultat est une partition époustouflante.

***1/2


William Ryan Fritch: « Freeland »

25 février 2021

Le neuvième chapitre de la série Fearful Void de Lost Tribe Sound vient du compositeur et multi-instrumentiste William Ryan Fritch. La bande originale du long métrage Freeland, des réalisateurs Mario Furloni et Kate McLean est aussi explosive, diversifiée et riche sur le plan musical qu’on pourrait le penser.

Le film lui-même se concentre sur une femme nommée Devi (jouée par l’actrice américaine Krisha Fairchild), qui élève des souches de pot depuis des décennies, cultivant le jour et se défonçant à la tombée de la nuit. Dans l’ensemble, elle vit sa meilleure vie. Elle veut passer le reste de ses jours sur sa ferme, un endroit qu’elle a construit elle-même. Cependant, lorsque le cannabis est légalisé, sa vie de solitude et de sérénité est bouleversée. Forcée de faire face aux réalités en rapide évolution des attitudes modernes, de la culture américaine et de l’industrie de la drogue, elle se bat pour son avenir et se fait légaliser dans un paysage de plus en plus hostile qui menace tout son gagne-pain et son mode de vie.

Les cors, les percussions, les bois et les bandes sont tous présents dans la musique du film, qui ressemble à un paysage ouvert et vaste – un terrain fertile au milieu de nulle part, sur lequel la musique est libre de jouer. Les phrases dorées et chantantes sont toujours les bienvenues, rougissant comme le premier soupçon d’un lever de soleil, mais il y a beaucoup de drame dans la partition. Fritch n’essaie pas de cacher la tension croissante, ni de dissimuler les nouvelles menaces – en fait, c’est tout le contraire. Fritch s’est fixé un délai très serré tout en réussissant à faire une musique expansive et épurée. Chaque morceau est complet et entier, et parmi les morceaux les plus dramatiques, on peut trouver des sons ininterrompus, avec une sorte de paix et de beauté filtrant à l’intérieur, malgré la tempête environnante.

La partition passe souvent à l’offensive, cherchant un conflit ouvert, ses notes rageuses contenant plus de puissance qu’un mot mortel ; il faut l’aborder et l’affronter de front. D’une certaine manière, la tension croissante de la partition et les sons stressés sont un appel aux armes ; les cors sont historiques en ce qu’ils annoncent un nombre incalculable de batailles. Devi part elle-même à la guerre, livrant un combat profondément personnel, désespérée de préserver son mode de vie, son existence et son avenir. Les ramifications sont aussi profondes qu’une tranchée en première ligne.

***