Devin Townsend: « Lightwork »

15 novembre 2022

La musique est souvent la lumière au bout du tunnel dans la plupart de nos vies. Elle nourrit l’âme, libère le stress et augmente naturellement la dopamine. Une âme créative et magistrale qui a activement apporté une musique unique au monde depuis les années 90 n’est autre que Devin Townsend. Auteur-compositeur, producteur et musicien de premier plan, Devin Townsend revient à la charge avec son dernier album solo, Lightwork.

Prolifique dans sa carrière, Townsend a réussi ces dernières années à continuer à faire de la musique ; en fait, pendant la pandémie, il a beaucoup écrit, et une bonne partie s’est probablement retrouvée sur Lightwork. En 2019, Townsend a sorti son album Empath, et depuis, il a également sorti deux autres disques pendant les années de pandémie – The Puzzle et Snuggles, tous deux en décembre 2021 via son label privé HevyDevy. En 2022, InsideOut Music a sorti le très attendu Lightwork, qui n’est pas aussi connu qu’Empath, mais qui vaut quand même la peine d’être écouté.

Tous ceux qui connaissent Devin Townsend savent que son esprit créatif peut être très imprévisible… mais chaque projet musical est un nouveau voyage en soi. Depuis ses débuts en tant que chanteur de Steve Vai sur l’album Sex & Religion en 1993, jusqu’à ses vocaux de style Death Metal avec Strapping Young Lad, en passant par ses vocaux plus opératiques avec le Devin Townsend Band, il a exploré de nombreux aspects de lui-même. Sur Lightwork, Townsend explore ses propres troubles intérieurs avec la pandémie, mais ce qui en ressort est l’un des albums les plus paisibles et pleins d’espoir qu’il ait écrit.

Cependant, cela ne veut pas dire qu’il s’est adouci d’une quelconque manière, car parallèlement aux explorations rêveuses, il y a de nombreux moments lourds. Townsend a un style de jeu de guitare très unique où il mélange des éléments progressifs avec tout ce qu’il désire sur le moment, et les résultats se fondent en une seule histoire. En conséquence, Lightwork propose dix chansons très différentes qui s’unifient en un album spécial.

Ainsi, plutôt que de vous plonger dans l’exploration de chaque chanson, car avec Townsend ce serait une alerte « spoiler », il est préférable que vous découvriez Lightwork à votre manière, à votre rythme. Cependant, il y a un morceau qui parle si brillamment et se détache de la masse. Honnêtement, c’est un pur génie, une fusion d’éléments musicaux si divers en une chanson de cinq minutes qui vous donnera l’impression de pouvoir conquérir le monde. Quelle est cette chanson ? Elle s’appelle « Dimensions » et explore sans aucun doute des territoires inexplorés de la meilleure espèce. De plus, la conclusion, « Children Of God », est aussi paisible que l’ouverture, « Moonpeople », qui crée une atmosphère de vie, de paix et d’amour. En fin de compte, ce sont les choses qui nous rapprochent le plus dans la vie.

Si vous avez jamais eu besoin de la preuve qu’à travers les luttes et les découvertes personnelles, il y a un chemin créatif souligné vers le succès qui n’attend que d’être libéré, elle vient de Devin Townsend. Pour un autre voyage sauvage autour du soleil, voici un opus qui mérite une appréciation plus que positive.

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Fenella: « The Metallic Index »

13 novembre 2022

Le projet Fenella de Jane Weaver a été présenté avec une bande-son alternative au film d’animation culte Fehérlófia. Leur deuxième album, The Metallic Index, est sans doute plus cinématographique, même s’il n’est pas lié à un film particulier. Essentiellement instrumental, l’album s’appuie sur des pulsations de synthétiseurs cosmiques et des textures balayées, avec la voix sans paroles de Weaver. Après s’être ouvert sur un titre censé évoquer un voyage en train, le disque passe d’arpèges bouillonnants et chargés (« Instituts Métapsychique ») à des guitares atmosphériques à la dérive (« A Young Girl of Medium Height »).

« Telekinetoscopes » cassera un peu l’ambiance, avec des séquences de glitches flous qui clignotent et résonnent. « The Metallic Index » est un interlude plus léger mené par des rythmes sautillants, mais « Lilacs Illuminate in Indigo » marque une descente vertigineuse dans l’ombre. « Stellar in Spectra » est un voyage inquiétant avec des boîtes à rythmes grondantes et des synthétiseurs spatiaux, qui débouche sur un sentiment d’extase. « Are They with You (The Final Chord) » est la seule chanson lyrique de l’album, et c’est un joyau psychofolk émouvant, qui ressemble un peu à une version acoustique de Broadcast. Même si The Metallic Index semble plus clairsemé et moins développé que le premier album de Fenella, qui était plus long et un peu plus dynamique, il n’en reste pas moins un effort captivant qui mérite d’être exploré.

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Dawn Richard, Spencer Zahn: « Pigments »

22 octobre 2022

Il existe une force électrique entre le multi-instrumentiste Spencer Zahn et l’artiste indépendant Dawn Richard. Tous deux diffèrent dans leur art, mais se rejoignent dans leur volonté de s’écarter des chemins tracés pour eux. Cette collaboration est d’une importance capitale.

Pigments arrive à un moment clé de la carrière des deux musiciens. Le statut créatif actuel de Dawn Richard est difficile à cerner, car elle possède une grande connaissance de la musique commerciale. Après tout, elle était l’un des membres principaux de Danity Kane. Pourtant, on aurait tort de croire que la chanteuse est liée à un son centré sur la pop, prompte à tout mettre de côté pour la niche et l’alternatif. Ce nouvel effort créatif marque un tournant pour Richard, qui travaille désormais aux côtés des amples paysages sonores de Zahn, assuré de sa propre transition en tant qu’artiste solo. Sur 11 titres, le duo expérimente des tempos ambiants et une instrumentation plus grande que nature pour former un projet plein de mouvement, consacré à la Nouvelle-Orléans, la ville natale de Richard.

Le morceau d’ouverture « Coral » est précédé d’une clarinette pure et aérienne qui devient un élément proéminent tout au long de la liste de morceaux. Avec ses guitares et ses notes allongées, l’écoute dégage une qualité éthérée qui se retrouve dans le résonnant « Sandstone ». Marquant l’entrée de Richard, les tons du chanteur sont glacials jusqu’au bout, concentrés dans leur livraison au laser. Zahn se concentre sur sa capacité inhérente à conduire l’auditeur dans de nouvelles directions, allant de carillons scintillants au caractère plus évocateur d’un saxophone. C’est une performance émouvante qui explore le désir – « Je veux être plus, être plus que, voir plus, voir plus que tes yeux… » (I want to be more, be more than, see more, see more than your eyes…).

Tout aussi frappant dans son intégralité est « Vantablack », une exploration apaisante de soi qui se prête à la chorégraphie. Avec son rythme pulsé, la production plus spacieuse met en valeur l’intention de la chanteuse de donner du pouvoir, brodée sur des voix tourbillonnantes qui jouent avec la proximité et les harmonies. 

Des morceaux plus longs comme « Sienna » mettent en lumière le travail plus complexe de Zahn, qui emmène ses auditeurs dans un voyage précieux. Contrastant avec les synthés délicats et les textures sonores des instruments à vent, il tisse chaque élément pour donner un sentiment de libération progressive. Le timing semble être un outil critique dans ‘Pigments’, permettant des arrangements plus ambitieux qui défient leur contexte actuel, rejetant les attentes précipitées de la culture numérique. Néanmoins, cela n’empêche pas Zahn d’embrasser le uptempo, en se lançant dans des percussions plus électroniques sur les fumeux « Crimson » ou « Umber ».

Du début à la fin, Dawn Richard et Spencer Zahn ont créé une œuvre vraiment rafraîchissante, une expérience sans faille, à cet égard Pigments encourage les gens à sortir de leur zone de confort, à écouter plus attentivement et plus ouvertement.

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Jagath: « Svapna »

13 septembre 2022

Jagath est un collectif russe qui produit de la musique d’ambiance « rituelle », mais le fait de manière inhabituelle. Ils évitent le traitement numérique et le synthétiseur en couches, et enregistrent plutôt dans les emplacements de résonance abandonnés – égouts et réservoirs souterrains par exemple – pour créer une bande-son pour la désintégration industrielle.

Les quatre longs pistes sur Svapna sont pilotées par l’instrumentation acoustique personnalisée, la percussions à partird’objets du quotidien et les voix. Les structures rythmiques vont au-delà des motifs de frappe typiques que l’on trouve dans la plupart des musiques rituelles et incorporent plutôt des éléments aléatoriques.

Associé à un jeu en grande partie improvisé d’instruments à cordes atypiques, en bois et en métal, cela donne à l’album un sentiment d’imprévisibilité. Les battements suivent rarement un tempo ou une cadence particulière, mais sont densément structurés avec plusieurs artistes contribuant. Les voix varient entre le chant, le drone et la chanson parlée. Il en résulte un effort édifiant particulièrement édité – c’est comme si les formations créées par l’homme s’effritent vers une bande sonore mélancolique d’acceptation.Si vous n’avez pas encore essayé l’ambient rituel, Svapna en sera une excellente introduction.

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Aidan Baker:  » Tenebrist »

1 juin 2022

Aidan Baker est probablement plus connu en tant que moitié du duo expérimental, drone, ambient, industriel et doom metal Nadja (comprenant également Leah Buckareff), bien que le CV sur son site web énumère plus d’une douzaine de projets musicaux existants et disparus, ainsi que des films, des documentaires et des installations. En réalité, c’est un homme aux multiples facettes.

Le ténébrisme est un style de peinture qui présente de violents contrastes entre la lumière et l’obscurité, et où l’obscurité devient un élément dominant de l’image. Un dérivé approprié pour cette collection sombre.

En tant que fan de Nadja, j’avais hâte de plonger ma tête dans un seau brumeux de drone succulent et appuyer sur ‘play’ était l’équivalent sonore d’essayer de respirer à travers une mousseline humide. Dans le bon sens du terme. Le son est Osmium-esque dans sa densité, avec seulement le son sec et étrangement métallique de la batterie qui le traverse. En passant, la batterie m’a souvent rappelé la programmation exquise de Joe Preston sur le doom-riffathon  » The Gates of Ballard  » de Sunn O)))), ou peut-être la piste de batterie de  » Looking Down The Barrel Of A Gun  » des Beastie Boys.

La densité de la musique contenue dans les trois premiers morceaux de Tenebrist est principalement due à des couches de guitares saturées de fuzz pour ne laisser que ce qui a basculé dans la falaise appelée « signal break up », bien qu’il soit impressionnant de constater que certaines mélodies survivent à l’assaut. La quatrième plage de l’album,  » Beneath The Shadow « , est un enfant errant, différent de ses frères et sœurs. Des remous de sous-basse sont superposés à une piste de batterie qui peine à imposer des rythmes tardifs et un cadre d’inspiration jazz, tandis que des guitares tendues et cassées bouillonnent et grincent, bourdonnent et gémissent par-dessus.

 » Violet Contrast  » s’écarte également de ce qui s’est passé jusqu’à présent en s’ouvrant sur un lavis de synthétiseur et une batterie chamanique sur une basse très, très faible, qui se brise et redémarre dans un schéma non rythmique. Au milieu du morceau, la basse s’affirme et prend en charge la mélodie mélancolique, rivalisant pour la domination avec le drone granuleux omniprésent. Peut-être est-ce les tambours tribaux, mais quelque chose dans ce morceau me rappelle le titre  » Horse Nation  » de The Cult. Au cas où vous ne seriez pas sûr, c’est une bonne chose.

La percussion est une déesse sur  » Dramatic Illumination I « , un morceau de drone mené par des styles de jazz naïf sur le kit avant de passer à  » Dramatic Illumination II  » qui introduit une mélodie à l’archet incroyablement belle et mélancolique, jouée parmi les fréquences de sous-basse et sonnant pour tout le monde comme la plainte d’une baleine en mal d’amour.

« Chiaroscurious » est l’ultime offrande de l’album, un morceau de space rock poussiéreux qui a bien mieux fonctionné pour moi une fois que nous avons fermé les yeux et laissé les riffs épais, répétitifs et fuzzés nous envelopper et nous emporter. Bien que, à peine huit minutes quarante et une, nous aurions besoin d’une version au moins deux fois plus longue pour obtenir un effet maximal.

Cet album nous a incités à revenir en arrière et à écouter d’autres œuvres de Baker, avec et sans Nadja. Si vous n’êtes pas familier avec son travail, nous recommandons vivement Tenebrist comme un bon point de départ, car il est moins expérimental et plus gratifiant pour l’auditeur occasionnel que certains des albums moins accessibles de Baker. Il vaut la peine de plonger votre orteil dans ces eaux.

Tenebrist est publié par Cruel Nature Records, basé à Newcastle upon Tyne au Royaume-Uni. Ce label est un autre exemple de la manière dont une partie de la musique la plus intéressante et la plus excitante est transmise au public par un petit label passionné, principalement par le biais de la cassette et du téléchargement. C’est ainsi que réside l’innovation artistique. Qu’elle se poursuive longtemps.

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Sweeney: « Stay for the Sorrow »

1 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Sweeney qu’on attend avec impatience et que’on redoute à chaque fois que jl’on reçoit une de ses nouvelles parutions de SIS. D’un côté,on sait que la musique sera intéressante. De l’autre, on est conscient que ce sera vraiment triste. Le dernier album de Sweeney, Misery Peaks (2021), était assez sombre, mais le titre nous enavait prévenu. Avec le quatrième album de Sweeney, Stay for the Sorrow, je pensais être assez bien préparé à ce qu’on allait écouter. Vraisemblablement, on avait tort.

Non, il ne s’agit pas, en effet, d’une joyeuse parade au titre trompeur, mais plutôt d’une plongée plus profonde dans Sweeney que ce à quoi on s‘attendait. L’amour, la perte, le chagrin et la rédemption occupent une place prépondérante dans cet album de 38 minutes composé de 10 titres, dont aucun ne dépasse 4 minutes et demie. IL est vrai que l’on avait déjà fait des commentaires à ce sujet, mais la voix de Jason Sweeney est remarquablement similaire à celle de David Sylvian par moments, mais, maintenant, on entend un aspect différent dans la voix de Sweeney, une fragilité qui avait peut-être négligée auparavant. C’est cet aspect vulnérable qui rend les chansons de Sweeney si personnelles et émouvantes.

Parfois, Sweeney est en mode chanson directe, comme dans le morceau d’ouverture, « Lonely Faces », qui est principalement composé de Sweeney et de son piano. La suite, « The Break Up », a un fond électronique plus abstrait mais reste riche en mélodies, et l’orchestration qui prend éventuellement le relais fait des merveilles. En fait, cet album semble plus orchestré que le précédent. Par exemple, le saxophone de Melinda Pianoroom donne beaucoup d’atmosphère à « Home Song ». Des chansons délicates et semi-abstraites comme « Fallen Trees Where Houses Meet » et « You Will Move On » sont difficiles à décrire, mais si vous imaginiez une collaboration Eno/Sylvian, ce serait plus proche de la vérité.

Au milieu de l’album (« Years »), vous vous trouverez peut-être dans une humeur très introspective, vous interrogeant sur vos propres relations, passées, présentes et futures. Il est facile de se laisser aller à écouter Sweeney, surtout si l’on se sent un peu brisé. Le fait est qu’il ne va pas vous aider à vous débarrasser de votre blues avec des chansons pop entraînantes. Il va cependant vous donner une très, très bonne chanson avec « Anxiety », peut-être la meilleure de l’album. On n’a pas été aussi convaincu par la chanson titre, qui a semblé un peu exagérée. Le très abstrait « To Be Done » est bref mais lui ressemble terriblement, et le dernier morceau « I Will Be Replaced » pourrait être le thème non planifié du travailleur du spectacle, mais a un attrait universel pour ceux qui se sentent un peu inutiles, et le saxophone de Melinda à la fin perpétue le chagrin. Oui, Sweeney a livré un autre album plein de mélancolie, mais il s’en faut de peu que ce soit un chef-d’œuvre.

***1/2

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Sion Orgon: « Dust »

28 mai 2022

Le Gallois Sion Orgon a toujours été dans notre radar en raison de sa participation régulière à Thighpaulsandra et de sa collaboration occasionnelle avec Peter Christopherson de Coil. Soutenant sa carrière d’artiste en tant que concepteur sonore, technicien de studio et producteur de musique pour le cinéma, le théâtre et l’animation, il s’agit en fait de son cinquième album solo.

Dust d’abord été publié en édition limitée sur vinyle (300 copies seulement) via Lumberton Trading Co. l’automne dernier et est maintenant disponible en CD avec un tracklisting identique. Honnêtement, on ne m’attendait pas à ce qu’il soit un musicien aussi polyvalent sur le plan stylistique – dans ces 6 titres, il passe sans transition du rock indé bruyant à l’ambient abstrait, pour finir en beauté par un rock psychédélique sincère et émouvant.

En commençant par « Spat Out Of Dust », co-écrit et avec la participation de Richard Johnson de Splintered, il attire immédiatement votre attention avec un rythme implacable et une guitare qui pousse le chant cynique jusqu’à ce qu’il s’estompe organiquement dans une structure ouverte. Après ce titre qui me rappelle positivement le Ministry actuel, « Ornament Centipode » est un morceau dramatique ressemblant à une bande sonore, de la musique concrète avec un côté expérimental et psychédélique. C’est d’ailleurs l’un des trois titres où l’on retrouve Thighpaulsandra aux synthétiseurs modulaires.

Suivi de « Head Bomb », l’ambiance se maintient au début mais gagne progressivement en intensité jusqu’à ce que l’on puisse imaginer une rage psychotique qui est vécue à fond. Soutenu uniquement par Claudio Gian à la basse et Chey Davis aux percussions et aux enregistrements sur le terrain, Sion Orgon ne laisse aucun nerf intact.

« Who Do You Think You Are ? » (co-écrit par Thighpaulsandra) revient à l’ambiance indie-rock post punk avec des interférences dramatiques, un changement soudain vers des excursions mélodiques de métal progressif et un retour en arrière vers des déserts post punk remplis de field recordings.

« Disintegration » est la chanson de rock alternatif la plus directe que l’on puisse imaginer ici, associée à un rythme hip-hop et à un chant impitoyable surprenant. Cette chanson me laisse perplexe, une explosion d’énergie qui n’est résolue que par l’épopée finale « The Mouth That Has No Face » qui est un hommage étonnant aux débuts du rock psychédélique, léger, ludique et même avec un refrain mélodique accrocheur avant de s’éteindre lentement dans des enregistrements de terrain qui vous laissent en paix avec le monde.

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Fergal Lawler: « All Hope Is Never Lost »

11 avril 2022

Avec un titre qui exprime un sentiment bien nécessaire en ces temps difficiles, le premier album de Fergal Lawler ne ressemble pas à son travail avec le groupe pop/rock irlandais The Cranberries. Au lieu de cela, Lawler adopte une approche introspective à travers huit morceaux instrumentaux délibérément rythmés.

Inspiré par les bandes sonores et la musique ambient, All Hope Is Never Lost met en scène Lawler sur tous les instruments, à savoir au moins la guitare, divers claviers, des percussions éparses et des effets. À cet égard, « Shaking Hands With Death » donne le coup d’envoi de l’album avec une juxtaposition de drones doux et de guitare éclectique déchiquetée, parfois combinée à de l’acoustique. L’ambiance évoque la dualité des grands espaces et des paysages arides – leur vide est à la fois majestueux et mélancolique. Le morceau devient de plus en plus abstrait au fur et à mesure que les instruments sont transformés en un paysage sonore.

Ce penchant pour l’expérimentation électronique se poursuit tout au long du morceau, même si d’autres instruments entrent et sortent du mixage. Des vagues de distorsion peuvent accompagner de courts passages rythmiques dirigés par des cymbales, ou des accords de guitare sont maintenus jusqu’à ce qu’ils se mélangent à des drones sous-jacents. Tout cela est accompli presque entièrement sans battement ni structure répétitive clairement définie. Les morceaux apparaissent comme largement improvisés, mais peut-être en accord avec un cadre préétabli.

Le yin et le yang de l’approche de Lawler est représenté par « Speaking Very Softly Now », qui présente une mélodie de piano presque accrocheuse partageant le premier plan avec des drones de guitare rugueux. En fin de compte, les drones évoluent pour prendre un ton inquiétant qui reflète les rôles antérieurs des deux instruments. Plus désolé que sombre, le morceau joue avec l’humeur de l’auditeur, invitant à la tranquillité mais montrant trop de tension pour atteindre cet état.

Des comparaisons ? Peut-être l’ambient désertique des premiers Steve Roach ou l’Americana plus moderne d’un combo comme SUSS. Mais l’approche de Lawler est plus granuleuse et plus cinématographique. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’un véritable bijou de sortie et d’un exercice d’inattendu.

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Low Altitudes: « Waves »

31 mars 2022

Comme la pandémie s’atténue, nous nous attendons à ce que la vague d’albums sur la pandémie s’atténue également.  Mais nous avons déjà été trompés, ce qui donne au titre Waves une double signification.  Il y a d’abord les vagues littérales : les sons du rivage recueillis par Low Altitude dans le Suffolk, le Sussex, le Kent, le Devon, Anglesey et le Yorkshire.  Ensuite, il y a les vagues de la pandémie, ainsi que les vagues correspondantes d’anxiété, de soulagement et de nouvelle trépidation.  L’artiste répond à ces vagues par ses propres vagues : des lames d’ambiance qui apaisent et réconfortent l’auditeur.

L’œuvre représente un phare, qu’il faut s’efforcer de voir : installé sur un rocher géant, stable et résolu.  Les gribouillages ~ ^^^^^ ~ sont parfois penchés et parfois debout, comme des vagues abrégées, des ailerons de requin ou des éclairs de peur.  Le papier bleu clair semble avoir été froissé et défroissé comme une idée jetée et sauvée, ou une vie endommagée et réparée.  Au-dessus de tout cela, un minuscule arc-en-ciel, symbolisant Noé, la fin de la pandémie, et une sorte de liberté et de fierté plus larges.

L’album commence sur une note joyeuse, avec des clapotis légers et des chants d’oiseaux.  La musique semble aérée et lumineuse.  Mais « Porth Wen »  ne dure que 57 secondes et cède rapidement la place à « These Are Heavy Things ». La dichotomie est établie : les choses éternelles nous attirent, y compris la tranquillité du rivage.  Mais d’autres marées s’approchent.  Les vagues de drones statiques laissent entendre que ces choses sont effectivement lourdes.  L’artiste soustrait les drones à la fin pour se concentrer sur les carillons, un changement subtil, mais crucial.

La spécificité des enregistrements de terrain fait partie de l’attrait de l’album.  À aucun moment ces vagues ne sont violentes, et les oiseaux ne s’élancent pas pour défendre leurs nids.  Le danger est dans l’humanité, pas dans la nature.  Et si la nature est bienveillante, ou du moins impassible, alors le danger immédiat est peut-être dans les esprits. Le ton de l’album suggère que l’artiste a été restauré par l’immersion dans les idées de cycle et de flux.  Même au milieu de la densité, il y a des moments de lumière, notamment dans « Iken Beach » » où l’artiste laisse les enregistrements sur le terrain rester audibles tout au long de l’album, accompagnant les mouettes de touches lumineuses.

La nature douce-amère du titre final, « Last Days of Summe », est compensée par la date de sortie.  Tout le printemps et l’été nous attendent, et nous ne pouvons qu’espérer que nous nous approchons également de la lumière d’un changement émotionnel.

***1/2

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Dead Melodies: « Memento »

29 mars 2022

Bien qu’il apparaisse sur le label Cryo Chamber, il ne serait pas exact de classer Memento uniquement dans la catégorie dark ambient. Au contraire, cet ensemble de drones et d’atmosphères luxuriantes et douces est comparable aux concerts de sommeil de Robert Rich, en ce sens qu’il capture une gamme d’états hypnogiques.

Ainsi, « Welcome Delerium » combine un synthétiseur grondant avec le clapotis des vagues et des vocalisations éthérées. À l’opposé, » Eyes of the Sun » utilise des vagues de sons un peu durs avec de douces lignes de guitare non déformées. « Embers are Forever » implique des drones plus granuleux qui flottent dans un paysage sonore sombre et nuageux, tandis que « Memories Lost » est respirant avec un thème mélancolique au piano.

Mais ce que tous ces morceaux distincts ont en commun, c’est la façon dont ils immergent subtilement l’auditeur dans des nappes de sons – dont certaines sont réconfortantes (du moins au début), tandis que d’autres… pas vraiment. Qu’ils soient considérés comme des paysages de rêve, des cauchemars éveillés ou un accompagnement pour une brève sieste, ces morceaux élargissent la notion toujours plus vaste d’ambient dans de nouvelles directions.

***1/2

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