Jagath: « Svapna »

13 septembre 2022

Jagath est un collectif russe qui produit de la musique d’ambiance « rituelle », mais le fait de manière inhabituelle. Ils évitent le traitement numérique et le synthétiseur en couches, et enregistrent plutôt dans les emplacements de résonance abandonnés – égouts et réservoirs souterrains par exemple – pour créer une bande-son pour la désintégration industrielle.

Les quatre longs pistes sur Svapna sont pilotées par l’instrumentation acoustique personnalisée, la percussions à partird’objets du quotidien et les voix. Les structures rythmiques vont au-delà des motifs de frappe typiques que l’on trouve dans la plupart des musiques rituelles et incorporent plutôt des éléments aléatoriques.

Associé à un jeu en grande partie improvisé d’instruments à cordes atypiques, en bois et en métal, cela donne à l’album un sentiment d’imprévisibilité. Les battements suivent rarement un tempo ou une cadence particulière, mais sont densément structurés avec plusieurs artistes contribuant. Les voix varient entre le chant, le drone et la chanson parlée. Il en résulte un effort édifiant particulièrement édité – c’est comme si les formations créées par l’homme s’effritent vers une bande sonore mélancolique d’acceptation.Si vous n’avez pas encore essayé l’ambient rituel, Svapna en sera une excellente introduction.

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Aidan Baker:  » Tenebrist »

1 juin 2022

Aidan Baker est probablement plus connu en tant que moitié du duo expérimental, drone, ambient, industriel et doom metal Nadja (comprenant également Leah Buckareff), bien que le CV sur son site web énumère plus d’une douzaine de projets musicaux existants et disparus, ainsi que des films, des documentaires et des installations. En réalité, c’est un homme aux multiples facettes.

Le ténébrisme est un style de peinture qui présente de violents contrastes entre la lumière et l’obscurité, et où l’obscurité devient un élément dominant de l’image. Un dérivé approprié pour cette collection sombre.

En tant que fan de Nadja, j’avais hâte de plonger ma tête dans un seau brumeux de drone succulent et appuyer sur ‘play’ était l’équivalent sonore d’essayer de respirer à travers une mousseline humide. Dans le bon sens du terme. Le son est Osmium-esque dans sa densité, avec seulement le son sec et étrangement métallique de la batterie qui le traverse. En passant, la batterie m’a souvent rappelé la programmation exquise de Joe Preston sur le doom-riffathon  » The Gates of Ballard  » de Sunn O)))), ou peut-être la piste de batterie de  » Looking Down The Barrel Of A Gun  » des Beastie Boys.

La densité de la musique contenue dans les trois premiers morceaux de Tenebrist est principalement due à des couches de guitares saturées de fuzz pour ne laisser que ce qui a basculé dans la falaise appelée « signal break up », bien qu’il soit impressionnant de constater que certaines mélodies survivent à l’assaut. La quatrième plage de l’album,  » Beneath The Shadow « , est un enfant errant, différent de ses frères et sœurs. Des remous de sous-basse sont superposés à une piste de batterie qui peine à imposer des rythmes tardifs et un cadre d’inspiration jazz, tandis que des guitares tendues et cassées bouillonnent et grincent, bourdonnent et gémissent par-dessus.

 » Violet Contrast  » s’écarte également de ce qui s’est passé jusqu’à présent en s’ouvrant sur un lavis de synthétiseur et une batterie chamanique sur une basse très, très faible, qui se brise et redémarre dans un schéma non rythmique. Au milieu du morceau, la basse s’affirme et prend en charge la mélodie mélancolique, rivalisant pour la domination avec le drone granuleux omniprésent. Peut-être est-ce les tambours tribaux, mais quelque chose dans ce morceau me rappelle le titre  » Horse Nation  » de The Cult. Au cas où vous ne seriez pas sûr, c’est une bonne chose.

La percussion est une déesse sur  » Dramatic Illumination I « , un morceau de drone mené par des styles de jazz naïf sur le kit avant de passer à  » Dramatic Illumination II  » qui introduit une mélodie à l’archet incroyablement belle et mélancolique, jouée parmi les fréquences de sous-basse et sonnant pour tout le monde comme la plainte d’une baleine en mal d’amour.

« Chiaroscurious » est l’ultime offrande de l’album, un morceau de space rock poussiéreux qui a bien mieux fonctionné pour moi une fois que nous avons fermé les yeux et laissé les riffs épais, répétitifs et fuzzés nous envelopper et nous emporter. Bien que, à peine huit minutes quarante et une, nous aurions besoin d’une version au moins deux fois plus longue pour obtenir un effet maximal.

Cet album nous a incités à revenir en arrière et à écouter d’autres œuvres de Baker, avec et sans Nadja. Si vous n’êtes pas familier avec son travail, nous recommandons vivement Tenebrist comme un bon point de départ, car il est moins expérimental et plus gratifiant pour l’auditeur occasionnel que certains des albums moins accessibles de Baker. Il vaut la peine de plonger votre orteil dans ces eaux.

Tenebrist est publié par Cruel Nature Records, basé à Newcastle upon Tyne au Royaume-Uni. Ce label est un autre exemple de la manière dont une partie de la musique la plus intéressante et la plus excitante est transmise au public par un petit label passionné, principalement par le biais de la cassette et du téléchargement. C’est ainsi que réside l’innovation artistique. Qu’elle se poursuive longtemps.

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Sweeney: « Stay for the Sorrow »

1 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Sweeney qu’on attend avec impatience et que’on redoute à chaque fois que jl’on reçoit une de ses nouvelles parutions de SIS. D’un côté,on sait que la musique sera intéressante. De l’autre, on est conscient que ce sera vraiment triste. Le dernier album de Sweeney, Misery Peaks (2021), était assez sombre, mais le titre nous enavait prévenu. Avec le quatrième album de Sweeney, Stay for the Sorrow, je pensais être assez bien préparé à ce qu’on allait écouter. Vraisemblablement, on avait tort.

Non, il ne s’agit pas, en effet, d’une joyeuse parade au titre trompeur, mais plutôt d’une plongée plus profonde dans Sweeney que ce à quoi on s‘attendait. L’amour, la perte, le chagrin et la rédemption occupent une place prépondérante dans cet album de 38 minutes composé de 10 titres, dont aucun ne dépasse 4 minutes et demie. IL est vrai que l’on avait déjà fait des commentaires à ce sujet, mais la voix de Jason Sweeney est remarquablement similaire à celle de David Sylvian par moments, mais, maintenant, on entend un aspect différent dans la voix de Sweeney, une fragilité qui avait peut-être négligée auparavant. C’est cet aspect vulnérable qui rend les chansons de Sweeney si personnelles et émouvantes.

Parfois, Sweeney est en mode chanson directe, comme dans le morceau d’ouverture, « Lonely Faces », qui est principalement composé de Sweeney et de son piano. La suite, « The Break Up », a un fond électronique plus abstrait mais reste riche en mélodies, et l’orchestration qui prend éventuellement le relais fait des merveilles. En fait, cet album semble plus orchestré que le précédent. Par exemple, le saxophone de Melinda Pianoroom donne beaucoup d’atmosphère à « Home Song ». Des chansons délicates et semi-abstraites comme « Fallen Trees Where Houses Meet » et « You Will Move On » sont difficiles à décrire, mais si vous imaginiez une collaboration Eno/Sylvian, ce serait plus proche de la vérité.

Au milieu de l’album (« Years »), vous vous trouverez peut-être dans une humeur très introspective, vous interrogeant sur vos propres relations, passées, présentes et futures. Il est facile de se laisser aller à écouter Sweeney, surtout si l’on se sent un peu brisé. Le fait est qu’il ne va pas vous aider à vous débarrasser de votre blues avec des chansons pop entraînantes. Il va cependant vous donner une très, très bonne chanson avec « Anxiety », peut-être la meilleure de l’album. On n’a pas été aussi convaincu par la chanson titre, qui a semblé un peu exagérée. Le très abstrait « To Be Done » est bref mais lui ressemble terriblement, et le dernier morceau « I Will Be Replaced » pourrait être le thème non planifié du travailleur du spectacle, mais a un attrait universel pour ceux qui se sentent un peu inutiles, et le saxophone de Melinda à la fin perpétue le chagrin. Oui, Sweeney a livré un autre album plein de mélancolie, mais il s’en faut de peu que ce soit un chef-d’œuvre.

***1/2


Sion Orgon: « Dust »

28 mai 2022

Le Gallois Sion Orgon a toujours été dans notre radar en raison de sa participation régulière à Thighpaulsandra et de sa collaboration occasionnelle avec Peter Christopherson de Coil. Soutenant sa carrière d’artiste en tant que concepteur sonore, technicien de studio et producteur de musique pour le cinéma, le théâtre et l’animation, il s’agit en fait de son cinquième album solo.

Dust d’abord été publié en édition limitée sur vinyle (300 copies seulement) via Lumberton Trading Co. l’automne dernier et est maintenant disponible en CD avec un tracklisting identique. Honnêtement, on ne m’attendait pas à ce qu’il soit un musicien aussi polyvalent sur le plan stylistique – dans ces 6 titres, il passe sans transition du rock indé bruyant à l’ambient abstrait, pour finir en beauté par un rock psychédélique sincère et émouvant.

En commençant par « Spat Out Of Dust », co-écrit et avec la participation de Richard Johnson de Splintered, il attire immédiatement votre attention avec un rythme implacable et une guitare qui pousse le chant cynique jusqu’à ce qu’il s’estompe organiquement dans une structure ouverte. Après ce titre qui me rappelle positivement le Ministry actuel, « Ornament Centipode » est un morceau dramatique ressemblant à une bande sonore, de la musique concrète avec un côté expérimental et psychédélique. C’est d’ailleurs l’un des trois titres où l’on retrouve Thighpaulsandra aux synthétiseurs modulaires.

Suivi de « Head Bomb », l’ambiance se maintient au début mais gagne progressivement en intensité jusqu’à ce que l’on puisse imaginer une rage psychotique qui est vécue à fond. Soutenu uniquement par Claudio Gian à la basse et Chey Davis aux percussions et aux enregistrements sur le terrain, Sion Orgon ne laisse aucun nerf intact.

« Who Do You Think You Are ? » (co-écrit par Thighpaulsandra) revient à l’ambiance indie-rock post punk avec des interférences dramatiques, un changement soudain vers des excursions mélodiques de métal progressif et un retour en arrière vers des déserts post punk remplis de field recordings.

« Disintegration » est la chanson de rock alternatif la plus directe que l’on puisse imaginer ici, associée à un rythme hip-hop et à un chant impitoyable surprenant. Cette chanson me laisse perplexe, une explosion d’énergie qui n’est résolue que par l’épopée finale « The Mouth That Has No Face » qui est un hommage étonnant aux débuts du rock psychédélique, léger, ludique et même avec un refrain mélodique accrocheur avant de s’éteindre lentement dans des enregistrements de terrain qui vous laissent en paix avec le monde.

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Fergal Lawler: « All Hope Is Never Lost »

11 avril 2022

Avec un titre qui exprime un sentiment bien nécessaire en ces temps difficiles, le premier album de Fergal Lawler ne ressemble pas à son travail avec le groupe pop/rock irlandais The Cranberries. Au lieu de cela, Lawler adopte une approche introspective à travers huit morceaux instrumentaux délibérément rythmés.

Inspiré par les bandes sonores et la musique ambient, All Hope Is Never Lost met en scène Lawler sur tous les instruments, à savoir au moins la guitare, divers claviers, des percussions éparses et des effets. À cet égard, « Shaking Hands With Death » donne le coup d’envoi de l’album avec une juxtaposition de drones doux et de guitare éclectique déchiquetée, parfois combinée à de l’acoustique. L’ambiance évoque la dualité des grands espaces et des paysages arides – leur vide est à la fois majestueux et mélancolique. Le morceau devient de plus en plus abstrait au fur et à mesure que les instruments sont transformés en un paysage sonore.

Ce penchant pour l’expérimentation électronique se poursuit tout au long du morceau, même si d’autres instruments entrent et sortent du mixage. Des vagues de distorsion peuvent accompagner de courts passages rythmiques dirigés par des cymbales, ou des accords de guitare sont maintenus jusqu’à ce qu’ils se mélangent à des drones sous-jacents. Tout cela est accompli presque entièrement sans battement ni structure répétitive clairement définie. Les morceaux apparaissent comme largement improvisés, mais peut-être en accord avec un cadre préétabli.

Le yin et le yang de l’approche de Lawler est représenté par « Speaking Very Softly Now », qui présente une mélodie de piano presque accrocheuse partageant le premier plan avec des drones de guitare rugueux. En fin de compte, les drones évoluent pour prendre un ton inquiétant qui reflète les rôles antérieurs des deux instruments. Plus désolé que sombre, le morceau joue avec l’humeur de l’auditeur, invitant à la tranquillité mais montrant trop de tension pour atteindre cet état.

Des comparaisons ? Peut-être l’ambient désertique des premiers Steve Roach ou l’Americana plus moderne d’un combo comme SUSS. Mais l’approche de Lawler est plus granuleuse et plus cinématographique. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’un véritable bijou de sortie et d’un exercice d’inattendu.

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Low Altitudes: « Waves »

31 mars 2022

Comme la pandémie s’atténue, nous nous attendons à ce que la vague d’albums sur la pandémie s’atténue également.  Mais nous avons déjà été trompés, ce qui donne au titre Waves une double signification.  Il y a d’abord les vagues littérales : les sons du rivage recueillis par Low Altitude dans le Suffolk, le Sussex, le Kent, le Devon, Anglesey et le Yorkshire.  Ensuite, il y a les vagues de la pandémie, ainsi que les vagues correspondantes d’anxiété, de soulagement et de nouvelle trépidation.  L’artiste répond à ces vagues par ses propres vagues : des lames d’ambiance qui apaisent et réconfortent l’auditeur.

L’œuvre représente un phare, qu’il faut s’efforcer de voir : installé sur un rocher géant, stable et résolu.  Les gribouillages ~ ^^^^^ ~ sont parfois penchés et parfois debout, comme des vagues abrégées, des ailerons de requin ou des éclairs de peur.  Le papier bleu clair semble avoir été froissé et défroissé comme une idée jetée et sauvée, ou une vie endommagée et réparée.  Au-dessus de tout cela, un minuscule arc-en-ciel, symbolisant Noé, la fin de la pandémie, et une sorte de liberté et de fierté plus larges.

L’album commence sur une note joyeuse, avec des clapotis légers et des chants d’oiseaux.  La musique semble aérée et lumineuse.  Mais « Porth Wen »  ne dure que 57 secondes et cède rapidement la place à « These Are Heavy Things ». La dichotomie est établie : les choses éternelles nous attirent, y compris la tranquillité du rivage.  Mais d’autres marées s’approchent.  Les vagues de drones statiques laissent entendre que ces choses sont effectivement lourdes.  L’artiste soustrait les drones à la fin pour se concentrer sur les carillons, un changement subtil, mais crucial.

La spécificité des enregistrements de terrain fait partie de l’attrait de l’album.  À aucun moment ces vagues ne sont violentes, et les oiseaux ne s’élancent pas pour défendre leurs nids.  Le danger est dans l’humanité, pas dans la nature.  Et si la nature est bienveillante, ou du moins impassible, alors le danger immédiat est peut-être dans les esprits. Le ton de l’album suggère que l’artiste a été restauré par l’immersion dans les idées de cycle et de flux.  Même au milieu de la densité, il y a des moments de lumière, notamment dans « Iken Beach » » où l’artiste laisse les enregistrements sur le terrain rester audibles tout au long de l’album, accompagnant les mouettes de touches lumineuses.

La nature douce-amère du titre final, « Last Days of Summe », est compensée par la date de sortie.  Tout le printemps et l’été nous attendent, et nous ne pouvons qu’espérer que nous nous approchons également de la lumière d’un changement émotionnel.

***1/2


Dead Melodies: « Memento »

29 mars 2022

Bien qu’il apparaisse sur le label Cryo Chamber, il ne serait pas exact de classer Memento uniquement dans la catégorie dark ambient. Au contraire, cet ensemble de drones et d’atmosphères luxuriantes et douces est comparable aux concerts de sommeil de Robert Rich, en ce sens qu’il capture une gamme d’états hypnogiques.

Ainsi, « Welcome Delerium » combine un synthétiseur grondant avec le clapotis des vagues et des vocalisations éthérées. À l’opposé, » Eyes of the Sun » utilise des vagues de sons un peu durs avec de douces lignes de guitare non déformées. « Embers are Forever » implique des drones plus granuleux qui flottent dans un paysage sonore sombre et nuageux, tandis que « Memories Lost » est respirant avec un thème mélancolique au piano.

Mais ce que tous ces morceaux distincts ont en commun, c’est la façon dont ils immergent subtilement l’auditeur dans des nappes de sons – dont certaines sont réconfortantes (du moins au début), tandis que d’autres… pas vraiment. Qu’ils soient considérés comme des paysages de rêve, des cauchemars éveillés ou un accompagnement pour une brève sieste, ces morceaux élargissent la notion toujours plus vaste d’ambient dans de nouvelles directions.

***1/2


Disassembler: « A Wave From A Shore »

24 mars 2022

Disassembler est une nouvelle collaboration entre Christopher Royal King (This Will Destroy You), et le violoniste / compositeur Christopher Tignor. À bien des égards, A Wave From A Shore est un magnifique rapprochement, malgré la distance béante qui sépare le duo.

Vivant de part et d’autre des États-Unis, l’album a été entièrement enregistré à distance. King a envoyé ses créations de synthétiseurs analogiques et de boucles à bande, nées à Los Angeles, à New York, où Tignor a façonné la musique en y ajoutant des échantillons purs de cordes, de piano et d’orchestre.

Leur musique est aussi un lien entre la côte Est et l’Ouest. Les différents styles de vie et les différentes cultures traversent la circulation de la musique et en deviennent l’élément vital, non seulement en la soutenant mais en l’améliorant.

Pour LA : des dérives ambiantes détendues, plus larges, captent les courants de la brise ainsi que les eaux somnolentes de ses rivages. Pour NYC : une forme studieuse, bien vernie et légèrement plus concentrée de musique classique moderne peuple la ville.

Les cordes très détaillées se marient bien avec le côté ambient plus brumeux des choses, élevant l’intensité émotionnelle de la musique. Les improvisations analogiques de King ont la liberté de vivre pleinement, se déployant innocemment comme les ailes d’un ange, et de temps en temps, elles fournissent un élan plus rapide pour rivaliser avec le rythme foudroyant du jeu vidéo « Sonic the Hedgehog », voltigeant avec excitation et pure allégresse.

Le morceau d’ouverture « In Devotion » donne immédiatement le ton. Ses cordes qui s’envolent sont mariées à une basse ambiante plus profonde qui s’élève du registre inférieur, émergeant des profondeurs et essayant d’ancrer la musique même lorsqu’elle s’élève.

Le contraste est là dès le début – l’est et l’ouest, l’air et la terre, l’espoir, l’optimisme et l’évasion colorée des rêveurs et de leurs rêves contre les plaques sans sentiment et uniformes de la vie quotidienne. Le poids émotionnel de la musique suffit cependant à faire abstraction de la réalité, et les cordes, en particulier, semblent s’étirer et danser vers le haut, jusqu’à atteindre les cieux.

Avec une profondeur et un espace étonnants, ces compositions sont des corps achevés, même avec la nature improvisée des synthés, qui scintillent à travers des nuages ambiants morphing. Les douces manipulations de bandes magnétiques peuvent être en contradiction avec l’instrumentation acoustique plus traditionnelle et classique du violon de Tignor, mais une connexion émotionnelle les unit. Bien qu’ils utilisent des méthodes différentes, les deux musiciens sont familiers avec l’art du développement émotionnel, quand il faut se retirer et quand il faut relâcher, quel que soit l’instrument ou le style. Avec sa musique classique moderne, sombre et brillante, qui éclaire les synthés ambiants qui s’enroulent autour des cordes comme les bras d’un amant, le disque laisse une impression forte et durable qui, contrairement aux traces de pas dans le sable, ne disparaît jamais.

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Jadelain: « Pumping A Contrarian Heart »

19 mars 2022

Dans nos poitrines, il y a une lueur. Parfois, elle est douce, à peine visible. À d’autres moments, elle est aveuglante. Nous traversons chaque jour en suivant les schémas circadiens qui circulent dans nos veines, en espérant que le soleil continue de se lever alors que de petits moments s’entrecroisent pour créer une tapisserie légère autour de notre cœur. L’album Pumping A Contrarian Heart de Jadelain célèbre ces petits espaces et se déplace avec une cadence semblable aux battements du cœur. Ces chansons sont remplies de mélodies accrocheuses et cristallines et d’arrangements énergiques qui oscillent entre la fantaisie du quart-monde et la contagion de la pop, le tout enveloppé dans la superbe couverture de Filip Olszewski.

Des arpèges sans fin se faufilant dans les vignes suspendues sur le séduisant morceau d’ouverture, « Daphne Loves Darby ». Les rythmes de célesta dessinent une brume anxieuse sur des guitares qui s’agitent, voguant sur un doux jetstream. Il y a une joie tranquille dans chaque note. Jadelain fait une musique qui est à la fois organique et pure. Des mélodies familières prennent des formes différentes, construites avec des timbres futuristes et des structures de chansons surprenantes qui créent un autre type de paysage.

« Contrarian Heart 1 » est une cascade de verre entourée d’une flore vibrante aux teintes atypiques. Nous sommes béatement suspendus dans un hamac de platine, poussés par les ondulations sonores aqueuses jusqu’à un endroit où nous ne pouvons nous empêcher de nous sentir enchantés et vivants. Ce sentiment continue de croître sur « Contrarian Heart 2 », nous faisant glisser sur des rivières transparentes comme un galet qui saute allègrement vers l’autre rive sans penser à plonger dans les profondeurs glacées. La magie est ici présente sous toutes ses formes.

La précision robotique ne semble jamais stérile sur Pumping a Contrarian Heart. Les pincées MIDI rapides qui ponctuent l’ensemble de l’album dansent en couches superposées, comme une chorégraphie avec les feuilles qui volent et les volées d’étourneaux majestueux. « 1950 » est plein d’anticipation, la nostalgie est éparpillée dans l’arrangement comme le duvet de pissenlit après un vent vif de printemps, la fraîcheur d’après tempête ponctuée par des rythmes incisifs et des pistes bouillonnantes. Chaque moment de Pumping A Contrarian Heart est animé d’un but et l’espoir est omniprésent. Jadelain a construit un monde sonore chimérique que l’on ne veut jamais quitter.

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Forrest Fang: « Forever Cascades »

27 janvier 2022

La musique de Forrest Fang refuse de se résumer et invite à la contemplation. Personne ne possède ou n’habite le son comme le fait cet homme. Fruit d’une réflexion sur les significations pures, Forever Cascades (67:12) stimule une catégorie de pensée qui se passe de mots, d’images ou de symboles d’aucune sorte – et qui peut pourtant converser parfaitement avec les mécanismes intérieurs de chaque auditeur. Fang, le multi-instrumentiste, a produit ici dix morceaux qui imaginent un royaume juste au-delà de celui du quotidien. Ces environnements sonores détaillés sont stimulants pour les connaisseurs et invitants pour les non-initiés. Pourtant, nous devrions renoncer à nous trouver représentés quelque part dans la complexité de cette musique, et plutôt nous concentrer sur ce qu’elle nous fait ressentir.

Aussi diversifiés que soient les tons, les textures, les atmosphères et les paramètres énergétiques, il devrait être évident que ces dix compositions, bien qu’empruntant toutes des routes différentes, se dirigent vers la même destination. Là où une composition se déplace comme un rapide fantôme argenté, la suivante sera aussi calme qu’un murmure. Passant par des tons tamisés, l’arc expressif de Forever Cascades s’élève vers un registre plus lumineux, ou tout aussi facilement, il peut nous submerger comme une tempête. Sans cesse en éveil, absorbant et se déplaçant vers l’intérieur, cet album s’illumine aussi dans des envolées expressives et fantaisistes. Qu’il repousse les limites de la musique ambiante ou qu’il évoque un monde perdu du Nouvel Âge, ce travail excite les oreilles autant qu’il soigne l’esprit. Si l’art de la musique consiste à transporter le public, alors Forrest Fang est un guide incomparable. Ses talents élèvent Forever Cascades à un niveau nettement supérieur à celui de la musique instrumentale contemporaine ordinaire, car sa force d’humilité aspire à transformer les distances entre les gens en une intimité avec le monde entier.

***1/2