No BS: Just Rock & Roll!

Le retour de Thao & The Get Down Stay Down est une benne nouvelle tant ce combo est réjouissant et astucieux dans son éclectisme. We The Common en est une meilleure tant, sans sacrifier ses bien jolies compositions pop, il continue, sous l’égide de Thao, dans la voix de la verve et de l’originalité.

Vous avez fait un disque avec Mirah ; en quoi cela a-t-il affecté We The Common  ?.

Ça m’a indubitablement décoincée et m’a donnée une plus grande confiance pour jouer une plus grande variété d’instruments et aborder une plus grande palette de sons et de mélodies. J’ai beaucoup de respect pour son art, la façon dont elle s’adresse à son public et la poésie qui émane d’elle. Elle m’a encouragée à écrire en dépassant des thèmes qui me concernaient.

Qu’en est-il de cette Valerie Bolden citée dans le titre ouvrant l’album, « We The Common (for Valerie Bolden) » ?

L’ossature de cette composition est l’idée que le collectif est un support sur lequel on peut s’appuyer. Le texte de ce morceau est basée sur ma première conversation avec elle quand, en tant qu’avocate, elle venait visiter une prison d’état pour femmes en Californie.

L’instrumentation sur « City » est très acérée. Comment les chansons prennent-elles forme chez vous et sur quels critères décidez-vous d’une « vibe » plutôt que d’une autre ?

J’ai une idée grossière au départ. Elle est basée sur ce dont le morceau va traiter et la motivation qui a été à l’origine du sujet choisi. À partir de cette esquisse, la mise en forme et les arrangements se font avec le groupe.

Vous êtes une bénévole pour la California Coalition for Women Prisoners. Qu’est-ce qui vous a parlé dans cet organisme et cela a-t-il joué pour ce disque ?

J’ai appris et bénéficié d’eux beaucoup plus que je ne saurais leur donner. Je suis impressionnée par la force, la résilience et l’esprit de ces femmes dans un environnement cruel et injuste. L’humanité de de groupe est quelque chose que je n’avais jamais rencontrée.

Vous voyez-vous désormais comme une artiste engagée et dont la voix pourrait porter ?

Je n’estime pas que mon statut me permet de mettre en avant certains problèmes mais je crois que ces expériences m’obligent à écrire sur des choses qui vont plus loin que moi-même. Sur ce disque, je n’avais pas pour but de faire un manifeste politique mais ce que j’ai vécu s’est infiltré dans mes compositions. Je suis impressionnée par le degré d’implication des musiciens aujourd’hui. Je crois que beaucoup parmi nous reconnaissent qu’ils sont dans une situation privilégiée et que cela les encourage à évoquer des causes qui les concernent.

Qu’est-ce qui vous a amenée à la musique ? Quels artistes ou albums par exemple ?

Smokey Robinson a été le premier musicien avec qui je me suis sentie en phase. Je me souviens l’avoir entendu très jeune à la radio. En terme d’album je dirais Car Wheels on a Gravel Road de Lucinda Williams.

Sur « Human Heart » il y a un élément « soul » assez nouveau chez vous

J’adore la«  soul music », elle est vitale pour moi. Ce morceau a été laborieusement écrit en studio lors du dernier jour où nous enregistrions. J’étais exténuée et la production est issue d’un effort collaboratif que je ne peux que louer.

Il y a aussi ce duo avec Joanna Newsom sur « Kindness be Conceived » ; comment parvenez-vous à trouver des points communs avec un artiste au point de travailler avec ?
Ça a été sensationnel. J’avais terminé ce morceau et je suis venue la voir pour lui demander d’en chanter les harmonies. On a travaillé pendant une heure ensemble et, quelques mois plus tard, elle a enregistré sa partie à New York. Je crois que deux artistes travaillent mieux ensemble si ils s’entendent personnellement.

Darwin Deez est une sorte de raconteur ou de bateleur jouant de la musique en solo. Sur Songs for Imaginative People, son deuxième album, il manie le verbe mais aussi la musique de façon plus articulée que son apparente désinvolture pourrait ne nous le faire croire.

Comment vous êtes-vous senti au moment d’enregistrer ce deuxième disque  : croulant sous les idées, tendu, inhibé  ?

Je dirais qu’il y avait à 80% une sensation de liberté mais avec 20% de restrictions. Celles-ci venaient principalement de ma tête, mais en termes de production je crois avoir pu occuper tout l’espace que je souhaitais tout en restant moi-même.

Vous avez eu en général d’assez bonnes critiques, cela compte-t-il pour vous  ?

Tout à fait mais je n’aime pas les lire. Quand je le fais, j’ai toujours envie de rétorquer, d’expliquer ou de défandre ma musique. Au bout du compte ça n’a pas grande importance. La meilleure option pour moi est donc de ne pas en prendre connaissance. Si je me mettais à polémiquer avec les médias, très vite je serais perçu comme un enquiquineur. J’ai pu lire par exemple que copiais Nick Valensi des Strokes. Ça n’est pas mon «  guitar hero  » mais, comme ça vient d’un journaliste, ces commentaires deviennent gravés dans le marbre. Les gens prennent ce genre de déclarations sérieusement mais moi aussi je prends mes chansons au sérieux  ! Jje n’aime pas qu’on les attaque car je suis fier de ce que j’ai fait de chacun d’entre elles.

Quid du titre de la l’album  ?

Je l’avais en fait préparé pour le premier album mais j’ai finalement décidé de garder un titre éponyme car l’idée était qie je me définisse. Ces compositions racontent des histoires, si vous écoutez un conte des frères Grimm, vous devez utiliser votre imagination. On vous donne des détails mais l’histoire n’est riche que de votre interprétation. J’attends des gens qu’ils mettent bout à bout ces compositions. Il y a une narration qui est cohérente et qui n’est pas simplement un langage fleuri pour le plaisir d’user de bons mots. C’est le genre de chanson qui me rend fou !

D’où viennent vos influences au niveau des textes ?

La première est sans doute The Dismemberment Plan (groupe indie de Washington) et The Weepies (folk-rock de Cambridge, Massachusetts). Leur chanteuse, Deb Talon, excelle dans l’art de choisir un sentiment spécifique et d’en dresser un portrait. C’est pour moi la plus haute forme de composition. La musique se prête à l’expression des sentiments et je dis sentiment plutôt qu’émotion car ça implique une situation qui est chargée émotionnellement. Quand je pense à l’émotion, je pense à la folie, la tristesse, la peur, juste des pulsions. Des artistes comme elle savent relater de façon intéressante ce qui nait de leurs sentiments.

Vous êtes assez prolixe dans votre jeu de guitare, vous est-il difficile de vous retenir parfois ?

C’est vrai que j’essaie toujours de montrer un maximum de choses, comme ces riffs que j’ai appris récemment et qui figurent ça et là sur l’album.

Vous n’étiez déjà pas mauvais sur le premier disque.

Oh que si ! C’est pour ça que je ne jouais que sur une guitare à quatre cordes , sans aucun « mi ». Vu la souplesse de mes doigts, quatre cordes me permettaient d’avoir un son plus clean. Il y avait aussi un effort délibéré d’avoir un timbre qui me soit propre, je l’accordais bizarrement pour pouvoir accéder à des résultats inhabituels en terme de voix. L’élément fondamental de ma technique était que je n’ai pratiquement pas joué durant mon adolescence. J’étais si occupé à faire du travail de production sur la batterie et la basse que mes riffs avaient disparu. Avant ce disque, j’avais été surtout influence par Thin Lizzy et John Mayer.

Vous avez également fait un album de drum and bass, n’est-ce-pas ?.

J’étais en tournée et je m’ennuyais. Les concepts m’inspirent beaucoup.Charlie and the Chocolate factory est un film que j’adore par son allégorie bouddhiste et ses compositions qui complémentent l’histoire plutôt qu’ils ne l’envahissent. Je voulais que les gens en apprécient les mélodies. C’est aussi un bon moyen de me remettre dans un « groove » créatif, surtout après avoir tourné pendant plus d’un an et c’est le type de projet sur lequel je peux travailler sans groupe et sans trop d’investissment émotionnel. J’ai, d’ailleurs, commencé un autre projet, un « remix » deLast Splash des Breeders. C’est le premier album que j’ai acheté.

En quoi vous inspirent-ils ?

J’ai une relation d’amour et de haine avec ce disque. Les textes m’ont toujours frustrés tant ils sont impressionnistes. Je m’y suis habitué mais c’est sans doute pour cela que je voulais essayer de les réinventer.

Quelle est l’histoire derrière votre vidéo de « Free (The Editorial Me) » ?

J’adore l’existentialisme. C’est de cela que traite le morceau, vous pouvez profiter de la vie si c’est ce à quoi vous aspirez. Il y a une boucle en feedback qui délivre deux images de vous et qui vous permet de regarder comment vous agissez et de le transformez.

Est-ce aussi une chanson qui traite de boulots sans avenir ?

Pas ce morceau, même si une ligne le mentionne. « Free » n’est pas aussi spécifique qu’il le devrait à mon sens. Je ne suis pas vraiment satisfait du texte, il est trop vague mais j’essayais quelque chose de nouveau. Ce qui m’excitait était d’approcher les textes à travers des structures familières. Sur un des titres, j’ai pris tout ce que racontait une publicité et l’ai transformé pour qu’il ait un thème humain. Pour moi, il s’agissait de faire autre chose que des métaphores et des allégories. Une de mes amies est aveugle et elle écrit des choses formidables et vous êtes censé écrire à partir de ce que vous voyez. Mais si j’étais aveugle ?! Cela me donne envie de ne pas rester confiné dans les mêmes approches de la composition. Cet album me permet d’en sortir et d’essayer des nouveaux trucs.

Vous aimez enregistrer seul ?

Énormément, c’est mon réel objectif. Tout en revient pour moi à fabriquer quelque chose de beau à partir de rien. Ça me fait halluciner et j’adorerais le faire pour le reste de ma vie. Je n’ai même pas encore ébréché la surface tant les combinaisons d’histoires, de mélodies et d’enregistrement sont infinies… Tourner, je le fais parce que j’ai besoin d’argent. (Rires)

On ne s’y attendait pas du tout mais ce premier album de Adam Green et Binki Shapiro est constellé de luxuriantes compositions de folk-pop sixties pleines d’accroches instantanées. Adam Green revient sur la genèse de ces récits où abondent les cœurs brisés.

Cela fait longtemps que vous vous produisez en solo ; comment est venue l’idée de ce « concept album » avec Binki ?

Ça m’est venu soudain à l’esprit alors que j’étais sur quelque chose de complètement différent. Je me suis dit que ce serait pas mal de faire un disque avec elle. Je me suis assis sur mon divan et ai écrit sur une feuille de papier en lettres majuscules de façon à ne pas oublier : « FAIRE ALBUM AVEC BINKI ! » .

Comment vous êtes-vous partagé la tâche avec Binki ?

On a tout écrit ensemble. J’avais quelques idées quand on se réunissait et on les passait au crible. Binki est très bonne à synthétiser les choses et elle a eu la patience de s’attarder sur tous les textes que je lui présentais. Elle était très concentrée et capable de ne pas dévier des thèmes. Elle me disait parfois : « Adam, c’est une chouette phrase mais elle n’est pas cohérente avec la chanson ! » C’est vraiment une personne très artistique et, une fois qu’on s’est mis à travailler ensemble, notre rythme était presque d’une chanson par jour.

Et comment a fonctionné l’harmonie et la dynamique entre vous au moment de l’enregistrement studio ?

Ça été un peu stressant car nous n’avions pas beaucoup de temps, moins de trois semaines. On avait composé les morceaux sur une guitare acoustique, comme des folk songs et nous n’avions pas une idée très claire de la façon dont nous souhaitions les produire. On était en studio avec Noah Georgeson qui s’était occupé de nos précédents albums respectifs ce qui était rassurant. On se chamaillait pas mal sur les directions esthétiques car nous avions tous des idées très fortes sur la façon dont devait sonner l’album. Mais le plus stressant a été d’avoir à expérimenter à cause du temps qui nous manquait. Au regard de ça je trouve les arrangements assez créatifs.

Les morceaux semblent suivre le thème d’une relation qui se détériore. Était-ce conscient et délibéré ?

C’était ce qui arrivait à l’époque. Il s’est trouvé que Binki et moi nous sentions tous deux très isolés à cette période. Je ne sais pas si c’est ma façon, venimeuse, de réagir à des désillusions sentimentales. Je crois qu’on voulait faire un album artistique mais parcouru par l’émotion. Le choix est simple : faire une thérapie art-noise vomissante ou avoir une méthode et une structure.

Vous deviez avoir une idée du son désiré avant de commencer. « Don’t Ask For More » a, par exemple, une production assez remarquable.

On voulait que ça sonne joli. Notre bassiste, Joe Steinbrick, et moi sommes de grands fans de Herbie Flowers. On a beaucoup discuté de sa façon de jouer par rapport à ce qu’on voulait, en particulier sur ce morceau. Je lui ai demandé de jouer comme si il avait pris un acide il y a 30 minutes et que celui-ci commençait à faire de l’effet. Je crois que c’est comme ça que Herbie jouait sur « Melody Nelson ». D’une manière générale on s’est basé sur ce qu’il y avait en studio : un harmonium, quelques carillons, un grand piano, une guitare à cordes de nylon, des claviers et des percussions. On a beaucoup bossé sur les variations sonores des plages de façon à donner un côté « live ». Noah y est pour beaucoup, il a toujours eu cela en lui.

On a beaucoup évoqué Lee Hazelwood et Nancy Sinatra en référence à ce disque.

Je peux comprendre la comparaisonet elle n’est pas totalement fausse. La fin de « What’s The Reward » référencie la fin de « Some Velvet Morning » mais on n’en a jamais beaucoup parlé entre nous. Je trouve que Lee et Nancy sont plus dans le bubblegum ce qui n’est pas notre cas. Je digresse un peu mais je trouve un peu idiot que ce qui est vieux doivent être considéré comme un classique.

Quel titre sur le disque s’est avérée meilleure que ce à quoi vous vous attendiez ?

Je dirais presque tous ! Mais j’ai été particulièrement surpris par le fait que « The Nighttime Stopped Bleeding » sonne si bien.

Et comment vous situez-vous aujourd’hui par rapport à votre discpgraphie personnelle ?

Je dirais que je considère ce disque comme mon huitième. Je les apprécie tous pour différentes raisons. Gemstones m’est venu naturellement, c’est un de mes préférés. Sur Jacket Full of Danger j‘étais très en colère et c’est un album très nihiliste. Sixes and Sevens n’est pas estimé comme il le devrait ; il y a dedans des morceaux qui sont parmi les plus beaux que j’ai jamais composés.

We Are The 21st Century Ambassadors of Peace & Magic de Foxgen est un album assez notable par son traitement, à mi-chemin entre hommage et pastiche, de l’approche sixties qu’il revendique. La vision de ce jeune duo (Sam France et Jonathan Rado) est originale tout comme l’approche de Rado lors d’une interview.

Quelle importance attachez-vous à l’image que Foxygen véhicule ?

Je ne sait pas réellement de quoi elle est constituée. Je crois que nous sommes simplement deux gamins qui font de la musique et que nous n’avons pas beaucoup de contrôle sur la façon dont on nous perçoit.

Votre bassiste joue sur une de ces basses de type Beatles : est-ce un clin d’oeil à vos influences rétro ?

C’est en fait une imitation allemande de la basse Hofner. Elle a été fabriquée juste en face de l’usine Hofner mais ils la vendent beaucoup moins cher. J’adore ce son de basse vraiment creux. Vous savez c’est beaucoup moins une influence Beatles qu’une influence sixties. Tous les groupes de cette époque avaient ce son en commun.

« San Francisco » recueille beaucoup de compliments, comment s’est construit le titre ?

La première version était assez country ; nous l’avons changée après pas mal de temps mais avons conservé le même chorus.

Quel type de musique écoutiez-vous durant votre jeune âge ?

La scène de Los Angeles ne nous plaisait pas du tout ; les groupes de hard rock au Whisky A Gogo par exemple. J’aime bien White Fence et Beck à qui on nous associe même s’il vient d’une autre décade.

On vous apparente aussi à des artistes comme of Ariel Pink, Mac DeMarco, MGMT, Gross Magic ou PS I Love You : qu’en pensez-vous et comment vous différenciez-vous d’eux ?

J’aime beaucoup Ariel Pink et MGMT. Quant aux autres groupes, je ne connais pas du tout..

Vous êtes assez branché Internet : avez-vous mis votre musique en ligne avant d’être signé par Jagjaguwar ?

C’est vrai que je me passionnais pour le codage html. Je ne suis pas un hacker ; j’aime mieux bidouiller un peu et trouver des cracks ici et là.

Comment envisagez-vous vos cinq prochaines années ?

Enregistrer quelques albums encore et mourir assez vite.

Une déclaration finale que vous voudriez partager ?

Nous avons grand coeur et sommes fans des Knicks.