Jeff Beck: « Riff in Peace » (1944-2023)

27 janvier 2023

Quand Eric Clapton décida de quitter Les Yardbirds, la raison, pour lui, était simple pour lui ; le groupe était devenu trop « pop » et s’était éloigné de ses racines blues. Jeff Beck, fut, à cet égard, plus qu’un remplaçant, de luxe ou pas.

Puisque dans les mid-sixties, la pop-rockétait en pleine déconstruction, le guitariste apporta au combo une patte indéniable mâtinée d’énergie et de psychédélisme.Il se débarrassa ainsi des oripeaux traditionnels par la version épileptique de « Stroll On » où, dans le film d’Antonioni, Blow Up, on le voit, aux côtés de Jimmy Pages !, massacrer consciencieusement massacrer sa six cordes et son ampli  à l’instar de Pete Towshend, son « collègue » des Who. Du Hendrix avant l’heure.

Il ajouta ensuite une palette qui lui était plus propre, nimbée des courants avang-ardistes de l’époque et gorgée d’effets spéciaux (sustain, distorton, wah wah) tout en restant concis, direct et nerveux comme en témoignent certains des titres légendaires que furent « Shapes of Things »,, « Over Under Sideways Down », « Psycho Daisies » ou « Happening Then Years Time Ago ».

Passage rapide mais prolifique en terme de qualité avant que notre homme ne sorte en solo Blow By Blow puis ne forme The Jeff Beck Group avec dans un premier opus, Rough and Ready, puis un autre, éponyme, avec des artistes aussi renommés que Rod Stewart, Ainsley Dunbar,Nicky Hopkins ou Ron Wood.Page, de son côté, fut plus chanceux et avisé puisqu’il décida de former Led Zeppelin.

Beck, lui, partit très vite vers une nouvelle aventure, on ne peut pas encore dire « expérience » puisqu’il forma ce qu’on appelait alors un super-group, Jeff Beck, Time Bogert Carmine Appice (issus de Vanilla Fudge) , (B.B.A), au même titre que West Bruce & Laing, ou E.L.P (Emerson Lake and Palmer), trois « power-trios » aux registres quelque peu différents.

B.B.A vécut peu de temps et Beck s’orienta peu à peu vers un répertoire qui correspondait plus à sa versatilité, dans un genre qu’on pouvait qualifier de jazz-rock ou rock fusion.

Pour nous, et en toute subjectivité, on gardera à l’esprit le souvenir de celui qui incendiait les salles de concert comme The Marquee Club à Londres, lui aussi disparu et, s’il est un tribut que nous lui prêtons, ce sera celui du coeur, celui que beaucoup d’autres guitaristes s’accorent à qualifier de « guitariste des guitaristes comme un témoignage hommage non usurpé à quelqu’un qui fut bien plus qu’un technicien de la guitare,  mais un maître expert en la manière de faire vibrer les âmes tout autant que les cordes.


Iggy Pop: « Every Loser »

14 janvier 2023

Iggy Pop a 75 ans. Réfléchissez-y un instant. Personne n’est plus surpris que lui de faire encore de la musique rock dure et énervée. Le fait que ce soit aussi sacrément bon est une bénédiction. Every Loser est un plateau d’échantillons d’Iggy à travers les âges, qui commence par le crunch viscéral de fuzztone de « Frenzy ». « So give me a try before I fucking die/My mind is on fire, when I oughta retire ? » (Alors donne-moi une chance avant que je ne meure/Mon esprit est en feu, alors que je devrais me retirer) glapit Pop dans un style pas très éloigné des jours flous et halcyon des Stooges. C’est un début audacieux. Pour « Strung Out Johnny », Iggy Pop passe à son croonage lascif tandis que son groupe de soutien stellaire s’ébat sur un groove Nirvana mid-tempo. Jusqu’ici, tout va bien.

Parlons du groupe – c’est un who’s who de la royauté du rock moderne : Duff McKagan, Chad Smith, Travis Barker, le regretté Taylor Hawkins, Dave Navarro et d’autres sommités maîtrisent leur ego et servent magnifiquement Pop sur les 11 titres du disque.

Pop se débrouille bien pour suivre le rythme de tous ces jeunes et réalise une excellente série de performances vocales. Sa voix semble plus âgée, mais pas beaucoup plus. Sur les morceaux parlés « The News for Andy » et « My Animus », même sa voix parlée sonne bien. Riche, résonnante et inquiétante. C’est une excellente combinaison. Il a l’air particulièrement cool sur « Neo Punk », crachant des lignes comme « Je n’ai pas besoin de chanter/I’ve got publishing/I’m a Neo punk ». Sur « All the Way Down », Pop fait passer son baryton à son grondement de la fin des années 70 et affirme : « Je peux le faire tout seul ». Il a probablement raison. Ne seriez-vous d’accord avec lui ?

Il n’y a pas un seul mauvais morceau sur Every Loser. Peut-être que le torrent de mauvaises nouvelles de ces dernières années l’a poussé à agir. Peut-être envisage-t-il la maison de retraite et fait-il bon usage de ce qu’il a avant que tout ne cesse de fonctionner correctement. Ce qui a inspiré cette renaissance du troisième âge doit être mis en bouteille et mis à disposition gratuitement. C’est l’album n° 20 d’Iggy Pop et il est aussi bon que tout ce qu’il a fait au cours des 50 dernières années. Peu d’artistes « historiques » peuvent dire ça et garder un visage impassible. Il ne plonge peut-être plus sur scène, mais onn peut parier qu’il ne peut toujours pas garder sa chemise plus de cinq minutes. Si l’on en croit Every Loser, on n’a pas fini de voir la poitrine glabre et curieusement coriace d’Iggy Pop. Rt ceci, c’est une sacrément bonne chose.

****


John Cale: « Mercy »

14 janvier 2023

En 1947, Dylan Thomas, poète et compatriote de John Cale, écrivait : « N’allez pas doucement dans cette bonne nuit, la vieillesse devrait brûler et s’emporter à la fin de la journée; Rage, rage contre la mort de la lumière » (Do not go gentle into that good night, Old age should burn and rave at close of day; Rage, rage against the dying of the light). Avec Mercy, la première collection de matériel original de Cale en une décennie, il brûle, ravage et fait rage.

Rage comme énergie constructive éclate à travers cet album, avec Cale sous la forme la plus féroce qui doit. Sa voix, si familière, si riche et si imposante, s’articule autour d’une collection de collaborateurs fougueux, habilement choisis pour l’aider dans sa quête pour faire exploser quelque beauté dans les ténèbres.

« Laurel Halo » apporte un peu de pop synthé glacial à la chanson-titre, et  « Actress » transmetra un epatine funèbre sur « Marilyn Monroe’s Leg. »  La contribution de Weyes Blood est brillante sur « Story of Blood », une chanson sur la façon dont nous pouvons peut-être nous sauver les uns les autres – un piano élégant et sobre cède la place aux rythmes et synthétiseurs, nous ramenant au Cale période Fear.

En fait, il y a beaucoup de références au passé musical et personnel de Cale, si souvent entrelacé. « Moonstruck (Nico’s Song) » est une sorte de lettre d’amour dirigée par un synthé à son vieil ami, et « Night Crawling » est un hommage à Bowie et leurs pérégrinations dans les rues de New York la nuit. In trouvera un ton élégiaque à « Noise of You », et un sentiment d’essayer de rassembler des amis absents – « Je retourne les chercher, mes amis, le matin. Amenez-les avec moi dans la lumière » (I’m going back to get them, my friends in the morning. Bring them with me into the light).

Cette lumière est là au milieu de la rage, avec la mémoire agissant comme une sorte de paratonnerre. « Time Stands Still » est merveilleusement perturbateur, avec Sylvan Esso qui fournit l’impulsion électro – « Je ne veux pas entendre parler de chagrin d’amour ou de danse sur la neige » (I don’t want to hear about heartache or dancing on the snow), Cale grogne, jamais dans l’habitude de se répéter. « Animal Collective » l’aide à sauvegarder et à jouer avec la mémoire sur « Everlasting Time », alors qu’ils suspendent et répètent leur chant dans une atmosphère de dub-drum and bass.

Cale a toujours su exploiter le sens de l’étrangeté, et c’est partout sur ce disque – dans le beau détachement de « Not the End of the World », et sur « The Legal Status of Ice », où il se joint à la Fat White Family pour une prise de bec bancale sur le changement climatique, où des chants menaçants flottent au sommet du dancehall-trip-hop industriel, et « I Know You’re Happy with Tei Shi » apporte des voix mélodramatiques à une chanson sur une relation inégale.

« Out Your Window » est probablement la chanson la plus Velvet Underground de l’album, elle est tellement enchâssée dans l’ADN de Cale, avec son piano martelant et sa réverbération épaisse qui nous fait penser à « I’m Waiting for the Man ». La chanson parle presque de survie, de briser la chute de quelqu’un, mais il s’avère aussi que, ce faisant, Cale a brisé et bridé la sienne.

****


James Yorkston, Nina Persson and the Second Hand Orchestra: « The Great White Sea Eagle »

14 janvier 2023

Il y a toujours eu un sentiment de surprise tranquille dans l’écriture littéraire et lente de James Yorkston : une phrase apparemment simple qui fait passer l’auditeur d’un état émotionnel à un autre, une douce mélancolie qui se condense en un éclat de joie, un moment où l’intime devient soudainement un grand écran, quand une soudaine ruée de cordes ou le vol d’un violon inattendu percent la résine d’une chanson. Son choix de collaborateurs a eu un air similaire d’imprévisibilité plaisante. Des premiers albums produits par des gens comme Kieran Hebden ou l’ancien bassiste des Cocteau Twins, Simon Raymonde, aux enregistrements ultérieurs avec The Big Eyes Family Players et Alexis Taylor de Hot Chip, on a toujours eu l’impression qu’il choisissait bien ses complices, avec un œil sur le champ gauche.

Cette fois-ci, il s’est associé à la chanteuse suédoise Nina Persson, peut-être mieux connue comme chanteuse du groupe indie-pop des années 90 The Cardigans. Ils sont rejoints par The Second Hand Orchestra, qui a également accompagné Yorkston sur The Wide, Wide River en 2021. Si l’association de Yorkston et Persson peut sembler étrange au premier abord, tout doute est immédiatement dissipé par le premier extrait de The Great White Sea Eagle, « Hold Out For Love », une chansonnette folk-pop douce-amère au refrain accrocheur. Une tristesse à peine tangible souligne la jolie mélodie et le message de positivité : Yorkston est passé maître dans cet exercice d’équilibre, et l’ensemble de l’album en bénéficie.

Certaines chansons sont plus lourdes et plus tristes ; « A Sweetness In You » en est l’exemple le plus puissant. C’est une réflexion poignante sur la vie de Scott Hutchison, auteur-compositeur de Frightened Rabbit, aussi triste que peut l’être une chanson sur le décès d’un ami, et pourtant pleine d’espoir et d’humour. Ce n’est pas seulement que ces chansons offrent toute la gamme des émotions humaines ; c’est le fait qu’elles reconnaissent les interactions complexes entre ces émotions qui font que la vie peut passer de facile à insupportable et revenir en un souffle.

Le processus d’enregistrement de The Great White Sea Eagle, comme celui de son prédécesseur, a consisté pour Yorkston à cacher ses chansons à son groupe jusqu’au début des sessions d’enregistrement. Cette technique a favorisé un esprit d’improvisation et d’ouverture ; l’ensemble de l’album a ce que Yorkston décrit comme une « sauvagerie », ce qui n’implique pas pour autant un abandon de la structure formelle. Il s’agit plutôt de la capacité du groupe à puiser dans quelque chose d’impénétrable, voire d’animiste, qui lui permet de jouer avec un degré d’affiliation apparemment élevé. Dès la première chanson – la brève Sam and Jeanie McGreagor, chantée par Persson – l’album dégage une impression naturelle et équilibrée, un rythme qui semble toujours juste. Les intrusions instrumentales sont retenues jusqu’au bon moment, comme le violon plumeux sur An Upturned Crab. Yorkston, la plupart du temps, joue un piano doux et stable à la place de sa guitare acoustique habituelle, ce qui renforce encore le sentiment de grincement attachant qui imprègne nombre de ces chansons.

Dans les paroles comme dans la musique, la tristesse et la légèreté se côtoient. Les cuivres trumpants et jazzy de « The Heavy Lyric Police » coupent à travers l’examen de la chanson sur le vieillissement et le temps qui passe.  « Ici, je suis entre mon fils et mon père, et ils chuchotent qui l’a mis en charge », chante Yorkston sur « A Forestful Of Rogues », et c’est une ligne qui touche à de nombreuses préoccupations plus larges de l’album – la parentalité, l’enfance, la nostalgie et la mémoire – tout en résumant sa légèreté de touche, la lueur dans ses yeux. Ces préoccupations sont ressenties avec le plus d’acuité sur la chanson titre, un récit parlé qui met en lumière les immenses talents de prose de Yorkston. Il est plein d’espoir et de crainte, et l’aigle de son titre est en quelque sorte à la fois littéral et symbolique.

À part cela, les moments les plus tendres sont généralement les chansons dans lesquelles la voix de Yorkston interagit le plus avec celle de Persson – la franchement belle « Mary » est peut-être le moment le plus émouvant de l’album, d’une manière typiquement discrète, tandis que « The Harmony « est un duo impressionnant et soutenu, le son doux dissimulant un désir ardent.

Si The Great White Sea Eagle a beaucoup de points communs avec l’album précédent de Yorkston, il parvient à frapper plus fort sur le plan émotionnel et viscéral. Cela peut être dû en partie à l’implication de Persson ou à l’évolution et la maturation constantes de Yorkston en tant qu’auteur-compositeur. Un nouvel album de Yorkston est toujours une expérience vivifiante, celui-ci plus que les autres. C’est l’équivalent musical de se tenir dans une maison abandonnée, les portes ouvertes aux éléments, tandis que les fantômes bienveillants et curieux d’anciens oiseaux donnent des conseils depuis les toitures de ladite habitation.

****