The Album Leaf: « One Day XX »

18 octobre 2021

One Day XX est une édition spéciale 20e anniversaire et une reprise de One Day I’ll Be On Time de The Album Leaf, alias Jimmy LaValle. Sorti à l’origine en 2001 cet opus a changé la donne pour The Album Leaf. Presque du jour au lendemain, il est passé d’un projet solo à temps partiel à un groupe complet. Des tournées avec Sigur Rós et la fondation du groupe de rock instrumental Tristeza ont également suivi.

Les mélodies sont placées sur les plus hauts sommets, les ailes douces et planantes s’étirant vers l’extérieur dans des mouvements méditatifs et des rythmes balayés. Plus c’est calme, plus c’est puissant.

LaValle a fait appel à un collaborateur de longue date, James McAlister (Sufjan Stevens, The National, David Bazan), et à des membres de son groupe pour réimaginer la musique de l’album qui a lancé sa carrière, en travaillant sur les compositions avec un regard neuf et des années d’expérience. Les chansons ont été vues sous des angles différents et présentent heureusement une « clarté émotionnelle » renouvelée, ce qui n’était pas possible au moment de l’enregistrement original – seules les années écoulées peuvent le faire.

LaValle n’a pas repris la musique dans le but de l’élever ou de la nettoyer. Au contraire, il donne aux jeunes mélodies le respect et l’espace nécessaires pour se dresser à nouveau. L’authenticité de l’original n’a pas été entamée, mais elle a été revisitée par des mains plus âgées et plus sûres, et les sons sont maintenant influencés et façonnés par vingt ans d’expérience. La musicalité peut changer, se déplacer et évoluer au fil des ans, mais la compétence demeure, voire s’accroît.

LaValle a enregistré cet album alors qu’il avait une vingtaine d’années, et le temps lui a permis de mieux comprendre sa progression en tant que musicien. Il s’agit d’une rétrospective dans laquelle le renouvellement est embrassé et l’original du passé est respecté. Les fans adoreront ce remaniement, car il reste fidèle à l’original tout en recevant un look rafraîchi ; c’est le même corps dans une nouvelle tenue. One Day XX est une musique pour l’ici et le maintenant, mais elle est issue du passé.

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Thomas Köner: « Aubrite »

17 octobre 2021

Le premier voyage en vinyle de l’album « dark ambient » de Thomas Köner, inspiré par les éphémères cosmiques, est disponible en format numérique pour la première fois depuis 1995.

Sorti à l’origine chez Barooni, qui a également publié le premier trio d’albums solo de Köner (ainsi que le titanesque coffret Tektra de Roland Kayn), Aubrite s’insère quelques années plus tard dans l’espace mental résolument sombre et isolationniste de l’artiste allemand pour une profonde méditation sur le vide. Pour être honnête, c’est évidemment sombre, mais plutôt dans le sens de sa nature austère et solitaire, plutôt que dans celui de quelque chose d’excessivement gothique ou cinématographique, s’en tenant à un canevas d’inférences et de suggestions presque infrasoniques, et avec une fascination intemporelle aussi évocatrice que les petites météorites achrondites qui sont tombées près de Nyons en 1836 et qui lui ont donné son titre, titre qu’il explique ainsi :

« Celui qui entend la distorsion de tous les sons, deviendra bientôt Ultrablack. Celui qui écoute ce monde, mais n’a d’affection pour aucun de ses sites, même à l’endroit du Bruit Noir, pourra bientôt atteindre l’UltraNoir. Celui qui comprend l’esprit d’impartialité à travers dix mille millions de tons partiels, entend l’UltraNoir et ne peut plus être mesuré. Aucune mesure, aucune clôture, aucune propriété n’est le signe des partitions ultra-noires. »

Pour la première fois depuis 26 ans, Aubrite transmet un message qui se traduit par un instinct atavique. Comme dans l’œuvre de Roland Kayn, le niveau de portée et de profondeur des couches est tout simplement insondable et même, à certains niveaux, unheimlich amniotique, produisant une série d’événements non-musicaux à la réverbération silencieuse et sensationnelle qui suspendent les sens et envoient son destinataire flotter dans un espace de tête richement imaginatif, dans les profondeurs marines, boréales et cosmiques.

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Marina Rosenfeld: « Teenage Lontano »

17 octobre 2021

Avant-garde R&B et merveilles orchestrales spectrales pour voix d’adolescents ddont au programme de cette artiste de musique concrète de New York qui franchit sans effort les limites entre Ligeti et Klein avec la sortie pour la première fois de deux œuvres hypnotiques datant de 2008/2014.

Il y a près d’une décennie que nous avons découvert la facette P.A. / Hard Love de Marina Rosenfeld ; elle nous dévoile aujourd’hui deux œuvres importantes, d’une ampleur typiquement grisante et d’une simplicité intuitive et élémentaire, respectivement interprétées par des groupes d’adolescents à New York et à Londres. Alors que les deux œuvres peuvent être facilement résumées par une description sèche de leur concept et de leurs résultats, elles transcendent pratiquement ce que l’on pourrait appeler des descripteurs de genre arbitraires et encouragent les auditeurs à se délecter de la réalité magique de leur moment, renvoyant l’utilisateur à l’expérience rare d’une conceptualisation astucieuse avec peu de cascades ou d’astuces, au service d’un attrait instantané et durable. 

Enregistré dans le caverneux manège de Park Avenue à New York, Teenage Lontano est essentiellement une « reprise » de l’œuvre de Gyorgy Ligeti des années 1960, structurée autour de polychords dissonants pour la voix. Après avoir mariné pendant plus de dix ans dans ses archives depuis 2008, avec seulement de maigres aperçus sur son CD Plastic Materials (2009), le résultat est l’un des enregistrements les plus obsédants de Marina, reflétant l’échelle et le mouvement vertigineux de ce que nous avons aimé dans P.A./Hard Love, mais avec une sensation plus illusoire et obsédante découlant de sa masse oscillante et de ses électrocutions éparses, qui font sauter l’air. Nous ne pouvons qu’imaginer que ce son aurait été incroyable dans l’espace de l’Armory, mais il est juste de dire que cet enregistrement transmet cette expérience aussi bien que possible. 

La publication imprimée roygbiv&b  qui l’accompagne ne fait que renforcer l’attrait de ce disque. Créé au MoMA en 2011 et enregistré en 2014 à la South London Gallery par des habitants du sud de Londres, il s’agit d’une transposition stupéfiante et pleine de jeux de mots des disciplines de l’avant-garde conceptuelle et du R&B en quelque chose qui ressemble à du Klein chantant des psaumes gaéliques ; toutes les harmonies multipartites en stéréo sont laissées pour la plupart non traitées, non pressées et spacieuses pour que les esprits puissent vagabonder. Nous sommes complètement suspendus à un fil, le cuir chevelu frissonnant et la mâchoire abasourdie. 

A ne pas manquer !

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Black Tape For a Blue Girl: « The Cleft Serpent »

13 octobre 2021

Remerciez qui vous voulez pour Sam Rosenthal. Auteur-compositeur, concepteur de sons et propriétaire de label, il fait tourner son groupe Black Tape For a Blue Girl depuis trente-cinq ans maintenant, connaissant des moments de grande renommée et d’obscurité, mais ne reculant jamais devant sa vision. Bien qu’il ait longtemps été associé à la scène gothique (une désignation qu’il a adoptée, même s’il s’en tient légèrement à l’écart), BTFABG ne s’assoit pas confortablement sur une chaise, sauf celle de « réalisateur ». L’esthétique de Rosenthal est personnelle, tant dans sa conception que dans son contenu. Il trace sa propre voie sans tenir compte des tendances ou de la mode, et il est toujours profondément émotif. Il crée l’une des expressions de soi les plus pures de la planète.

C’est aussi vrai pour son dernier album The Cleft Serpent que pour tous ses autres disques. Rejoint par ses nouveaux compagnons de groupe, Jon DeRosa au chant et Henrik Meierkord au violoncelle (est-ce la première fois qu’il n’a pas de compagnons féminins ?), Rosenthal peint un paysage élégant, quoique sombre, avec des claviers et de l’électronique soigneusement déployés, évitant les percussions. S’inspirant plus – beaucoup plus – des quatuors à cordes, du minimalisme et de la chanson d’art que du rock gothique et de la darkwave auxquels le groupe est associé, les chansons dérivent comme des feuilles à la surface d’un lac – colorées, hypnotiques, et une fois que l’on y prête attention, on ne peut plus s’en détacher jusqu’à ce qu’elles disparaissent. Cela convient parfaitement aux paroles, qui s’attardent sur ce qui semble être un amour contrarié, peut-être même toxique, condamné à être brisé, vie après vie, par l’interférence de forces obscures. « The Trickster » et la chanson titre montrent clairement que quelque chose ou quelqu’un ne laissera pas ces amoureux se reposer, quelle que soit l’époque à laquelle ils se trouvent. Lorsque nous arrivons à « So Tired of Our History » et à « I’m the One Who Loses », un morceau épuisant sur le plan émotionnel, nous sommes presque aussi épuisés spirituellement que les protagonistes.

C’est le genre de musique qui pourrait devenir envahissante entre de mauvaises mains, un voyage lugubre vers nulle part. Mais Rosenthal conduit toujours ses thèmes désespérés avec une véritable puissance émotionnelle, sans jamais tomber dans le mélodrame ou le misérabilisme. Le charme est particulièrement puissant cette fois-ci grâce aux bons collaborateurs – le violoncelle de Meierkord ajoute des textures éthérées qui donnent de la profondeur à la musique, tandis que DeRosa chante tout avec un équilibre parfait entre l’expression du cœur sur la main et une dignité majestueuse. « Pourquoi nous battons-nous, aimons-nous et mourons-nous ? » (Why do we fight and love and die?), chantonne-t-il avec simplicité dans « To Touch the Milky Way », tout en connaissant déjà la réponse. Avec ces partenaires artistiques, Rosenthal a créé, avec The Cleft Serpent, une autre méditation bien pensée et indéniablement sincère sur la recherche futile de l’amour et sur les raisons pour lesquelles il vaut la peine de le poursuivre.

***1/2

 


Perila: « 7.32/2.11 »

12 octobre 2021

La couverture de 7.32/2.11 représente un test de Rorschach délavé. L’image en niveaux de gris, éparpillée et floue, pourrait représenter un million de choses différentes, mais la morosité cache une quantité surprenante de mouvement. Des silhouettes fantomatiques font la queue, attendant leur chance pour franchir une porte dans les profondeurs de la montagne. Les aurores boréales dansent dans le ciel, marionnettistes tirant des ficelles cosmiques, riant malgré la douleur, respirant la dégradation de l’hiver comme le plus doux des parfums. Perila creuse des tranchées peu profondes au cours de son voyage, alors que le temps s’arrête, mais que la mort et le chagrin continuent de jeter des regards furtifs.

Des houles de basse creuses poussent contre des pads fantômes, la combinaison dense de fréquences comme un massage de l’oreille interne, une couverture emmaillotant les synapses dans un faux confort. La retenue de Perila pourrait maintenir les nuages en place. La mélancolie aspire à une nouvelle saison dans les légers scintillements électroniques, la résonance passe-bas s’ouvrant et se fermant comme un clocheton sous-marin. Elle revient, tenant la main aux échelons supérieurs, créant un espace pour le souffle doux de Perila sur les timbres envoûtants et méchants de « Haven’t Left Home 4 4 Days ». Des motifs simples et répétitifs construisent des murs géométriques, sa voix étant la figure informe qui flotte sans but tout en cherchant une issue vers le haut. 

Une grande partie de 7.32/2.11 est imprégnée des traces de la solitude pensive de la séparation et de l’isolement. Les images nostalgiques sont enveloppées dans des couvertures rafraîchissantes, les idées d’évasion sont atténuées par des tonalités ruminatives et des passages disparates. « This Story Doesn’t Make Any Sense » est à la hauteur de son titre, remettant en question les situations incroyables qui continuent à échapper à tout contrôle. Perila se lamente, dans un monologue intérieur qui s’estompe dans le ciel qui s’assombrit : « Je ne peux pas parler maintenant. Mes deux mains sont occupées » (I can’t talk right now. My both hands are busy). La distraction et l’évasion se déplacent en tandem dans les dérives vocales sans paroles et les grattages de guitare répétitifs, le tout manœuvrant doucement autour d’un cadre synthétique frémissant qui crache des débris auditifs.

La brume de 7.32/2.11 est imprégnée d’une voix sous-jacente et interrogative qui se demande sans cesse ce qu’il faut faire maintenant. Les explorations au piano trempé sur « Crash Sedative »n’offrent aucune réponse, mais permettent de continuer à faire couler l’eau et de garder un œil sur la lueur de la lune. Dans cet état constant d’impermanence, certains repères deviennent des balises énigmatiques. Personne n’a la moindre idée de ce qui va se passer, mais même dans les espaces les plus isolés, il y a toujours des moments et des connexions à partager.

***1/2


Alex Cunningham: « As Slow as the Stream »

12 octobre 2021

C’est une année exceptionnelle pour la musique expérimentale interprétée au violon. L’une des sorties mémorables jusqu’à présent – Threshold de gabby fluke-mogul – emmène l’instrument dans des territoires inexplorés, mais ce nouveau projet d’Alex Cunningham prend un chemin totalement différent tout en laissant une impression tout aussi lourde. As Slow as the Stream est une excursion improvisée de 33 minutes qui se déplace à une telle vitesse et avec une telle présence qu’elle finit par devenir une caverne claustrophobe incrustée de diamants, sans espace pour bouger.

Cunningham est adroit, courant sur la touche comme un colibri trouvant un jardin secret et intact. L’urgence et l’excitation brûlent à travers le morceau, éclairant la pièce d’une force sonore. C’est une musique qui demande de l’attention, Cunningham changeant de vitesse avec aisance et s’amusant à enrouler le morceau sur lui-même comme un ouroboros qui joue des tours. Des séquences répétitives deviennent supernova, brillent d’une harmonie surprenante et d’une ferveur sans limite.

De nombreux passages ont un fond mélodique anguleux qui est hypnotisant. Cela nous rappellera Moving My Body Through Space de Ted Byrnes dans le sens où la folie rapide et ininterrompue devient paradoxalement méditative. La nature écrasante et maximale dece que nous livre ici Cunningham, qui avait pour seule contrainte de « ne pas utiliser l’espace », est enveloppante. Une résonance hurlante s’échappe de l’archet de Cunningham. Elle devient effervescente comme si Henry Flynt martelait ce violon avec des sacs de sable remplis de poussière d’étoiles. As Slow as the Stream est un sacré voyage.

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Alister Fawnwoda, Suzanne Ciani, & Greg Leisz: « Milan »

12 octobre 2021

Alister Fawnwoda, artiste originaire de de Detroit, a le vent en poupe. Après une poignée d’excellents morceaux en collaboration avec Omar S, son regard se tourne vers l’extérieur et vers le haut, dans l’univers en expansion de Milan. S’associer à deux figures légendaires, Suzanne Ciani et Greg Leisz (qui joue exclusivement de la pedal steel sur Milan) pour créer quelque chose d’une telle profondeur méditative n’est jamais une mauvaise idée, mais Fawnwoda guide ces sessions sans effort. Avec le producteur et ingénieur Sonny DiPerri, Fawnwoda fait de Milan quelque chose de magique.

Un terrain sonore immaculé est sculpté dans un marbre céleste, des courbes généreuses balayent de vastes plaines cristallines sur « Sweetheart ». Le bonheur résonnant de la pedal steel de Leisz est rencontré, en force, par des arpèges scintillants et des houles massives de synthétiseurs. Des hectares d’espace permettent à chaque artiste de respirer et de créer une présence individuelle, mais l’enchevêtrement d’idées et de sons dans une sphère centrale attire les auditeurs, offrant un portrait intime de ce monde magnifique et imaginé. Des sirènes à bout de souffle chantent d’en haut, des ombres dorées filtrant à travers les tons complexes et chorégraphiés de la glassine.

Milan interpelle à de multiples niveaux. Au-delà de l’expertise technique et compositionnelle affichée, comme dans les profonds couloirs du tentaculaire « complexe du léopard », c’est un récit émotionnel qui se déploie et captive. Alors que Ciani construit des couches de dérive synthétique en apesanteur, saturant davantage « Leopard Complex » de sentiments de liberté et de soulagement, Liesz texture magnifiquement la surface avec des passages émotifs, ajoutant un élément d’expérience vécue à la piste. Chaque aspect se déplace à l’unisson, des parties disparates tressées ensemble formant un tout singulier et éblouissant. Cette même notion de purification devient un point d’exclamation sur le redoutable « Snow Ritual » 

Tout au long de Milan, l’horizon nous attire. Cette musique est baignée de lumière, suivant le soleil dans ses déplacements dans le ciel, à la recherche d’un endroit où se reposer. Milan est une leçon de retenue où chaque artiste donne et prend de l’espace selon les besoins, laissant la puissance de la résonance combinée de ces compositions laisser tranquillement une impression durable. Des premières spirales de « Night Bunny » aux derniers gazouillis de « Snow Ritual », Milan est une réussite incontestable.

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Josefin Rusteen: « Hana – Three Bodies »

11 octobre 2021

L’année dernière, Josefin Runsteen a collaboré avec Charles Spearin sur Thank God the Plague Is Over.  Cette année, elle dévoile une partition composée pour la chorégraphie de la danseuse de Butoh Caroline Lundblad.  Rien qu’avec ces deux œuvres, elle démontre sa diversité, mais il y a aussi une grande diversité dans les cinq mouvements de Hana.  Le titre fait référence au mot japonais pour « fleur », et l’album célèbre la nature, les éléments et la capacité de renouvellement de la terre.

Cet album a une forte connotation religieuse, comme le montre l’image de la couverture (Edwin Landseer, 1851) qui fait référence à des histoires magiques et spirituelles.  Les titres des scènes ~ vide, eau, feu, terre, air ~ sont à peu près analogues aux contes de la création.  La musique est réfléchie, la chorégraphie est à la limite du divin.  Le traitement multigenre suggère différents chemins de croissance, chacun convergeant vers un plan supérieur.

Au commencement, Dieu créa le ciel et la terre.  Et la terre était sans forme et vide.  Dans la scène d’ouverture, on entend le vent souffler sur le vaste inconnu ; le rush est interrompu par un carillon et des oiseaux.  La nature commence à abonder, se développant sur la musique abstraite de la création, chacune sans forme, cherchant l’ordre.  La harpe semble appropriée, les notes augmentant en volume et en confiance.  Maintenant la voix, maintenant les cuivres, maintenant la forme qui se fond dans le glissando.

Une pluie fine commence à tomber, nettoyant l’air des notes de piano.  Une éclaboussure soudaine ramène « Water » dans l’obscurité, avec des textures électroniques et des bruits de protoplasme.  Des basses profondes invitent les danseurs.  Un chanteur chante sur des gouttes et des tambours, puis se retire pour respirer.  L’arrière-plan bouge et se transforme ; il n’y a pas de terre ferme.  La musique s’arrête, le tonnerre gronde.

« Fire » éclaire son chemin par le biais d’une guitare et des cordes définies.  Des drones de guitare épais descendent comme la fumée d’incendies pas trop lointains.  Un gémissement sans paroles s’élève du maelström comme une supplication.  Dans la scène IV (« Earth »), nous pouvons enfin voir une partie de la chorégraphie en action, la terre elle-même est lancée comme une balle, moulée, façonnée, lissée sur une pulsation cardiaque. La balle est maltraitée, malmenée, lâchée, couchée, aplatie.  La caméra s’enfonce pour révéler la vraie terre en dessous.  Des vrilles descendent comme des toiles d’araignée.  La musique est d’abord tribale, puis se transforme en syllabes.  Sa-ku-ra.  D’autres vrilles sortent de l’argile et s’élèvent vers le haut.  Une fille regarde les scènes d’un train de voyageurs.  Nous ne sommes pas sûrs du lapin (bien qu’il y ait des lapins sur la couverture), mais à la fin, la boule d’argile a pris une vie propre, n’ayant pas besoin de mains pour flotter, accompagnée d’un chœur.

La vidéo du final, « Air », comprend des fragments de la chorégraphie de l’ensemble du spectacle, tandis que la musique contient un extrait de la poésie de Krishnamurti.  Les cordes sont sereines, les éléments intégrés.  Il y a de la place pour tous ici ~ les rythmes de danse reviennent avec un fragment de chanson.  À la sixième minute, nous pouvons ressentir la joie du danseur de Butoh.  Un segment visuel de tourbillon (comme un derviche) est suivi d’un segment musical de chœur, se terminant par une cascade de cordes. Le son final : une inspiration, l’aboutissement de la vie.  Nous avons été restaurés par la nature, en tant que nature.  Les


Sonae: « Summer »

11 octobre 2021

Des mouvements audacieux et provocateurs accumulent des tensions qui dictent une contorsion dans une réaction émotive qui fait parfois fléchir la perspective psychologique de l’été alors que la narration sonore de Sonae cultive des arcs dans des chapitres hypnotiques.

Le producteur électronique expérimental basé à Bologne, Sonia Güttler (alias Sonae), revient avec sa dernière sortie sur le label centurion limited output laaps. Summer est 40 minutes de confrontation, d’acceptation et d’optimisme pragmatique. Des mouvements audacieux et provocateurs accumulent des tensions qui dictent une contorsion dans une réaction émotive qui fait parfois fléchir la perspective psychologique de Summer, tandis que la narration sonore de Sonae cultive des arcs dans des chapitres hypnotiques.

Le titre d’ouverture, dont le commentaire sonore introduit l’auditeur à un moment dans le temps, un territoire où la perte renverse toute sensibilité et tout raisonnement. Ce n’est qu’à travers le martèlement des basses que l’on est projeté vers l’avant alors que la ligne du temps derrière nous disparaît dans un éther saturé où aucune mémoire ne tient longtemps.

Sonae maintient le rythme alors que nous nous frayons un chemin vers un pickup acid swinguant sur « La Nuit », un branchement éléctronique qui a un effet purgatif alors que les pensées pensives se désengagent dans cet environnement sensible aux impulsions.

Parmi les autres points forts, citons « Soleil Noir », avec sa trajectoire spatiale granuleuse. Seule une attraction gravitationnelle étirée dans le temps nous retient dans ce monde soliloque de l’été. « Tropennacht » démontre également que le temps est un guérisseur, car Sonae renverse organiquement la mélancolie en un équilibre avec un horizon effervescent. Une collection touchante d’œuvres qui évoquent des émotions mutuelles à travers une découverte abstraite.

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Sam Fender: « Seventeen Going Under »

10 octobre 2021

Ce « guirar hero » issu du nord-est de l’Angleterre qui a pour nom (on ne l’invente pas) Sam Fender est de retour avec son deuxième disque Seventeen Going Under – un album qui s’appuie sur les bases établies avec son premier numéro un et crée une œuvre imposante.

Hypersonic Missiles, le premier album de Fender sorti en 2019, a été un triomphe pour la musique moderne à la guitare – et cette guitare triomphante inspirée de Springsteen, associée à la voix angélique de Fender, se poursuit avec grâce sur Seventeen Going Under. Lorsqu’il s’agit de son jeu de guitare, Fender est sans aucun doute l’un des meilleurs guitaristes de l’ère moderne. Des morceaux comme le titre d’ouverture, le récent « single » « Get You Down » et le point culminant de l’album, « Spit of You » ont des riffs qui dégagent de l’émotion – un jeu de guitare tout simplement puissant.

Sur l’ensemble du disque, Fender peint une toile de fond sombre mais optimiste du nord-est de l’Angleterre. L’image y est claire, racontable et tristement nostalgique; imaginez, en effet, que vous traversez et observez une ville grise, ordinaire et appauvrie, abandonnée par ceux qui auraient pu l’améliore : voici le parcours, la toile de fond de Seventeen Going Under. Cependant, Fender fait preuve d’optimisme en pensant que cet endroit sombre et misérable a le potentiel d’être meilleur et qu’il devrait l’être.

En gardant à l’esprit ce sombre tableau du nord-est, il est clair que les 11 morceaux de l’album sont profondément personnels pour le guitariste. Outre se pencher sur sa ville natale morose, il fait un bilan des regrets qui ont marqués sa vie et réfléchit à la possibilité d’être un homme meilleur ou pire si les choses étaient différentes. Ceci est démontré par un lyrisme magistral et réel, prenez les paroles simples mais puissamment réalistes de la chanson titre où il déclare : « J’avais bien trop peur de le frapper / mais je le ferais sans hésiter maintenant. » ( I was far too scared to hit him / but I’d hit him in a heartbeat now.) Fender élabore ainsi sur sa propre moralité, et nous offre ainsi unechanson dont l’écoute coupee le souffletant son tableau y est saisissant.

Même s’il n’est pas aussi enjoué et plein de tubes instantanés que son premier album, Seventeen Going Under permet à Sam Fender d’emmener l’auditeur dans un nouveau voyage personnel et émotionnel, centré sur la toile de fond de son adolescence et son propre sens de la moralité. Ce disque est une véritable œuvre d’art qui a le pouvoir d’hypnotiser l’auditeur et de l’amener à s’interroger sur ses démons intérieurs. Il y parvient simplement grâce à sa voix angélique, à son lyrisme magistral et à son jeu de guitare puissamment émotionnel, ce qui fait de lui l’un des plus grands auteurs-compositeurs de cette génération.

***1/2