Mark Lanegan: « Straight Songs Of Sorrow »

Pour quelqu’un qui a eu autant de vies et passé autant de temps derrière le rideau de l’industrie de la musique que l’icône du grunge, Mark Lanegan, on pourrait penser qu’il n’y aurait pas beaucoup de nouveaux terrains à explorer pour l’artiste. Comme on l’a vu, Lanegan, qui s’est rendu célèbre avec son groupe, Screaming Trees, au milieu des années 90 à Seattle, a connu la toxicomanie et la perte d’amis et de collaborateurs importants. C’est aussi un musicien qui vend des disques cerifiés platine. Pourtant, quelque 25 ans après avoir atteint la notoriété, Lanegan continue de chercher de nouveaux territoires de création, comme en témoigne son prochain disque, Straight Songs Of Sorrow.

« Il y a beaucoup de premières sur ce nouveau disque », dit Lanegan. « Ma femme a aidé à en faire quelques-unes. J’en ai conçu une bonne partie. C’est aussi le premier disque en 35 ans de carrière où j’ai joué moi-même de presque tous les instruments sur certaines chansons ».

Mais le disque 15 titres n’est pas arrivé à Lanegan par hasard. Lanegan, qui a publié un livre de ses paroles de chansons en 2017, avait été poussé après cela par des amis à écrire un sérieux mémoire. Après avoir réfléchi à l’idée et tenté un chapitre épuisant, Lanegan a décidé d’essayer le livre. Mais il ne voulait pas se contenter d’effleurer la surface. S’il voulait plonger dans la vérité, il fallait ploger et puiser dans les abysses. « Il n’y avait pas une seule histoire que j’avais envie de raconter », dit Lanegan. « Ce n’est pas joli et je ne suis certainement pas le héros de l’histoire. En fait, je suis loin d’en être le héros. Dans le livre, je parle essentiellement de la pire merde que j’ai faite dans ma vie ».

En écrivant le mémoire, Sing Backwards and Weep, Lanegan a déclaré qu’il s’était aveuglément » engagé dans le processus de fouille de son passé. Au début, il a pensé qu’il serait relativement facile d’écrire le livre. Puis, c’est devenu très difficile. Se souvenir et écrire lui ont semblé « écraser son âme », dit-il. Mais Lanegan a néanmoins réussi à traverser le processus. En fin de compte, il n’a pas été changé de façon remarquable, en soi. Mais l’expérience l’a poussé à écrire une nouvelle musique et, de manière mouvementée, à terminer un nouveau disque.

L’une des chansons les plus marquantes de l’album, « Internal Hourglass Discussio » », est une production électrique qui fait plus penser à Radiohead qu’à du rock garage flou avec des guitares. Le morceau décrit le jour où Lanegan, un pilier du Nord-Ouest, a décidé qu’il devait quitter Seattle. Un autre morceau, « Ketamine », parle des effets de ce narcotique qui rend amer. Straight Songs Of Sorrow se termine par la chanson « Eden Lost And Found », qui offre un sentiment d’espoir, un peu de soleil. La chanson commence avec les paroles « Daylight is coming ! » chantées sur un orgue branlant. « Everybody wants to be free « , continue Lanegan dans un grognement caractéristique.

Lanegan a fait un home studio dans son garage. Sa femme et lui ont un projet musical commun et elle est une experte de Pro Tools. C’est une installation pratique et propice. Ainsi, Lanegan dispose de l’espace nécessaire pour prendre la proverbiale lampe de poche et explorer les carrières de sa mémoire, jusque-là inexplorées. Straight Songs Of Sorrow, c’est donc un regard lucide.

Lanegan a fait un home studio dans son garage. Sa femme et lui ont un projet musical commun et elle est une experte de Pro Tools. C’est une installation pratique et propice. Ainsi, Lanegan dispose de l’espace nécessaire pour prendre la proverbiale lampe de poche et explorer les carrières de sa mémoire, jusque-là inexplorées. Straight Songs Of Sorrow, c’est donc un regard lucide et, probablement le disque le plus honnête qu’il a jamais fait. En effet, même si ces compositions ne sont pas la vraie vie, elles commencent quelque part dans la réali et, si elles n’y restent pas, elles ne sont pas pour autant fallacieuses.

***1/2

Alex Nicol: « All for Nada »

Alex Nicol a décrit ses débuts en solo comme une sorte d’hommage – et de partenariat – à sa partenaire, l’artiste visuelle Nada Temerinski. Dans une interview, Nicol a clairement indiqué que la position de Temerinski n’est pas celle de la muse traditionnelle, mais celle de collaboratrice et de productrice non officielle – une autre énergie créative en tandem avec la sienne, influençant et interprétant son travail d’une manière qui n’est pas traditionnellement reconnue dans le canon égocentrique des auteurs-compositeurs masculins.

L’album né de cet esprit de collaboration fructueux, intitulé à juste titre All for Nada, est une exploration des relations équitables, de la croissance et de la recherche de partenariats. C’est une collection de chansons langoureuses qui masque son sujet parfois épineux dans des bruits de guitare, de basse lourde et de synthétiseurs dorés. 

Les paroles de Nicol sont introspectives et rarement tranchées – il pose souvent des questions, contemplant les mondes qui l’entourent et qui sont en lui. Il consacre autant de temps à la beauté cosmique de notre univers qu’à la semaine de travail de 40 heures, dissolvant les lignes entre le banal et le mystérieux. Il en va de même pour l’amour – sur All for Nada, une relation est à la fois un rituel quotidien confortable et une quête étoilée de quelque chose de plus.

L’atmosphère lounge et la voix douce de Nicol en font un disque sans angles vifs ni textures. C’est un espace calme, baigné par la lumière de l’après-midi et riche en marqueurs subliminaux du quotidien. Il est difficile de ne pas entendre Temerinski dans ces chansons. La plupart semblent être en conversation avec elle ou à son sujet. Elle devient presque une deuxième interprète, son influence se fait sentir dans presque chaque note – des sons produits dans l’espace partagé par deux personnes amoureuses.

Nicol a un don pour les lignes engageantes comme « Je fais confiance à la lessive aujourd’hui » (I put my trust in the washing today), « Ramènemoi le pont » (Take the bridge back to me), « Le foyer est maintenant une construction » (Home is now a construct), et son contenu lyrique relativement dense joue contre la musique épurée, ajoutant des nœuds de complexité à ces chansons simplement rendues. C’est un disque plaisant, et un regard doux et lumineux sur les possibilités dynamiques de partenariat et sur l’influence cachée et le pouvoir direct de ceux que nous aimons. Et cela , tout prosaïque que ce soit, ce n’est pas pour rien.

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Ned Milligan & John Atkinson: « Call Me When You Can »

Quinze ans d’amitié ont donné à Call Me When You Can un cœur chaleureux. Bien que leurs vies aient pris des directions différentes, Ned Milligan et John Atkinson sont restés en contact. Milligan produisait des carillons dans le Maine, en accord avec ses activités et ses passions musicales au rythme régulier de la vie quotidienne. Atkinson était récemment revenu aux États-Unis après avoir vécu en Australie, voyageant de la Californie à Minneapolis, puis à New York et enfin dans le New Jersey.

Ned a envoyé à John des enregistrements sur cassette des carillons, des sons qui ont été enregistrés sur son porche d’entrée. John les a a introduits dans son ordinateur portable, les a modifiés et édités avant de les renvoyer. Ainsi, Call Me When You Can a pris une vie à part entière, glissant entre les deux états et conservant une forte fluidité et un équilibre malgré la distance. John a improvisé par-dessus les sons de Ned, en utilisant la source originale pour ajouter des colorations subtiles et de légers ajustements au processus d’appel et de réponse.

La musique est une brise de plumes, et la brise peut aussi représenter leur amitié : facile, accessible, et toujours très vivante. Les carillons s’effacent, montent et descendent en volume et en intensité comme un signal longue distance ou une réception téléphonique intermittente (ou même des éparpillements de dialogue et de communication, drapés sur plusieurs années), mais ils continuent à traverser le mixage, soulignant la force du lien.

L’élément le plus surprenant est peut-être son niveau d’intimité. Le processus a été long, mais leur amitié ne connaît pas de limites. Les amis forts peuvent reprendre là où ils se sont arrêtés, quel que soit le fossé. L’amitié peut survivre et même dépasser la distance – appelez-la ainsi quand vous le pouvez.

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NOVA ONE: « lovable »

Sur son premier album, NOVA ONE, membre de Roz Raskin, l’interprète solo examine ici la « queernes »s, la féminité et le genre à travers un prisme pop magnifiquement inspiré des années 60. Après la sortie de secret princess, un EP six titres, l’artiste originaire de Providence revient, dévoilant une collection de joyaux musicaux qui brillent pratiquement de tous leurs feux, en grande partie grâce à un esprit de sincérité constante et une tendre audace.

Enregistré sur six mois, lovable, est une ode aux processus et aux épreuves de la vie qui nous rendent humains. Avec des instruments délicats souvent enveloppés d’un flou et la luxuriante soprano de Raskin, l’album explore la nécessité d’honorer la lenteur de la guérison. lovable examine l’importance de l’acceptation de soi, et le processus de voir et de comprendre sa sexualité et la présentation de son genre. Pour l’enregistrement, Raskin a été rejoint aux instruments par le batteur Casey Belisle, et les ingénieurs et producteurs Bradford Krieger et Chaimes Parker du Big Nice Studio .

Des sujets aussi importants sont traités avec une grâce absolue, et la présentation par l’interprète d’une pop de rêve donne l’impression qu’on vous a confié des secrets passionnés et sincères. Sur les morceaux « feeling ugly » et « somebody », Raskin explore la queerness et célèbre le désir continu d’aimer et d’accepter son corps. Elle développe ce récit pour des performances live, et est rejoint par une équipe de musiciens qui jouent en travesti en hommage à la force de la féminité affichée par les groupes de filles d’hier et d’aujourd’hui. 

Ailleurs sur l’album, NOVA ONE explore les nombreuses facettes de la romance. « lovable » et « let’s party » jettent un regard d’une beauté dévastatrice sur la nature compliquée de l’amour d’une personne qui lutte contre l’alcoolisme, tandis que « light years » et « down » envisagent l’acte de tomber amoureux de quelqu’un qui finit par vous laisser tomber.

Dans la vie, on a souvent l’impression d’être une personne unique qui vit un combat ou une transition que personne ne peut comprendre. Cependant, l’amour est la plus douce des forces qui célèbre la beauté des douleurs de croissance et l’acte de continuer. Pour les cas où vous vous sentez seul, où vous n’êtes pas sûr de votre propre identité ou que vous souhaitez partager les désirs les plus profonds de votre cœur avec quelqu’un, NOVA ONE vous propose ce disque comme réponse. lovable est une main à tenir dans l’obscurité, un ami sincère qui, pour un instant, bien trop bref, comprend tout à fait ce que vous vivez.

***1/2

Michael Grigoni & Stephen Vitiello: « Slow Machines »

Stephen Vitiello et Michael Grigoni considèrent tous deux que la région sud du centre-atlantique des États-Unis est leur patrie. Ils se sont rencontrés dans le cadre d’une collaboration, où Grigoni joue de la guitare et où Vitiello s’occupe de l’électronique et du traitement des données. L’objectif était de fusionner leurs sons et leurs styles individuels et de créer quelque chose d’entièrement nouveau. Slow Machines en est le résultat.

Vitiello se spécialise dans le travail d’installation et sa musique accompagne souvent d’autres formes d’art. Ici, la musique est aussi brillante et ouverte qu’on pourrait s’y attendre, compte tenu de ses domaines de compétence.

Utilisant des « field recordings » et des enregistrements des sculptures cinétiques de l’artiste Arthur Ganson, Slow Machines tire son nom des cliquetis et des ronflements de son travail. Se déplaçant par cycles répétitifs et utilisant des mouvements robotiques, l’album est à l’opposé du laborieux affichant une kinésie libre et sans obstruction.

Là où les « field recordings » apparaissent, ils sont insérés en douceur. Une plume sur l’une des compositions de Ganson effleure, par exemple, la corde d’un violon – une musique mains libres via le monde naturel – tandis que les enregistrements réalisés à Sheridan, dans le Wyoming, donnent un sentiment d’appartenance à un lieu, en déversant une géographie localisée et familière dans le disque.

Des sentiments de chaleur et de confort bienvenus s’ajoutent à leur univers musical en pleine évolution et floraison. Des guitares d’acier peuplent l’album, se courbant, s’incurvant et sautillant avec des phrases intermittentes et ensoleillées qui aident à fournir un son purificateur, se cambrant au-dessus d’atmosphères ambiantes denses mais légères et s’asseyant au bord d’un ruisseau clair. Des cloches et des oiseaux pépiants font également leur apparition.

Des éléments plus exotiques sont également présents, grâce à la guitare chantante et à une atmosphère baignée de soleil, qui s’enroule autour des notes et s’étend ensuite au-delà de celles-ci, parfois en boucle, parfois en inversion, l’atmosphère douce ressemblant à une soirée de fin d’été. Le ciel est en feu, et les progressions harmoniques décalées laissent derrière elles les couleurs du coucher de soleil, qui restent là même lorsque la nuit – et le silence – s’abaissent et/ou s’affaissent.

***1/2

Bad History: « Old Blues »

Sean Sprecher y travaille depuis un certain temps ; cet artiste issu de la côte Est fait de la musique par intermittence depuis 2007, sous le nom de Mois de de Bad History depuis 2013. Il est donc tout à fait approprié que son dernier disque en date Old Blues, ait l’air d’un voyage dans l’éternité – c’est un album qui ressemble à une vie en soi, à une auscultation de l’idée même d’existentialisme que Sprecher a si peu explorée pendant presque une décennie et demie.

Old Blues est la bête de somme de ce parcors, ses bouts de livre s’étendant chacun sur plus de 10 minutes et serpentant à travers différentes poches et différents genres tout en explorant l’existentialisme cosmique dont il est porteur. Même lorsque les compositions ne sont pas gigantesques, elles trouvent toujours le temps d’entrer et de sortir du contrôle, de groover quand il le faut et de s’effilocher sur les bords lorsque Sprecher réalise des vérités dures comme : » »Il n’y a pas de réponse à la question : « Quel est le sens de la vie ? »… Et il n’y a pas de réponse à ce silence assourdissant. »  (There is no answer to the question: ‘What is the meaning of life?’…And there is no answer to that deafening silence. »)

Mais cela ne veut pas dire que tout est désespéré. Sprecher trouve de l’humour dans son nihilisme, comme la sauvagerie de « A Survey of Cosmic Repulsion », une ressemblance sonore à Modest Mouse qui détaille notre ignorance bienheureuse et notre dégoût physique, celui des uns envers les autres. Si Sprecher est un existentialiste postmoderne,Old Blues est son No Exit — divertissant et absurde, mais seulement autant que le monde qui l’entoure.

La pièce maîtresse « Childlike Sense of Hatred » semble avoir sa place dans une production théâtrale d’étudiants, ses lignes de guitare acerbes essayant trop fort de traduire le besoin de Sprecher de canaliser son dégoût de soi sur quelqu’un d’autre. Mais ces moments d’exagération sont rares. Le plus souvent, Sprecher vous prend au dépourvu avec une profonde impassibilité, comme lors d’une séquence d’horreur organique dans le titre plus proche « Want Not ». Alors que Sprecher raconte qu’il s’est attaqué à une taupe inconnue sur la tête, qu’il est défoncé et quatorze ans, cette anecdote simple se glisse dans votre cœur. Combien de fois avez-vous eu « la sensation de ne pas connaître votre propre corps » »? Si vous ne pouvez pas le savoir, que pouvez-vous savoir ? Connaissez-vous bien la seule chose dans laquelle vous êtes piégé, maintenant peut-être plus que jamais ? C’est ironique et sournois, et ça frappe fort, surtout au milieu de notre moment collectif.

Il y a comme un instinct en ce moment pour lier chaque nouvelle œuvre d’art à notre pandémie actuelle, une urgence pour que la musique donne un sens à notre sentiment d’incertitude. Aussi fatiguée que la tendance puisse être, il est indéniable que ce Old Blues est un profond condensé des expériences vécues par de nombreuses personnes en ce moment. Voici un disque sur la lutte contre les oxymores existentiels, le sentiment d’être piégé et isolé dans son corps, la question de savoir si la normalité est réelle, et encore moins si elle peut être réalisée. C’est une bande-son pour ceux qui n’ont que leur propre compagnie et dont le monologue intérieur s’apparente à l’absurdité. 

Cela ne veut pas dire que son contexte n’est que la force de Old Blues ; sorti à n’importe quel autre moment, le disque atteindrait encore ses moments de profondeur. Mais il y a quelque chose d’immédiatement apaisant dans la descente de Sprecher vers la terreur existentielle et hors de celle-ci – elle donne un sens aux pensées que beaucoup d’entre nous pourraient avoir en ce moment, prouve que notre apathie peut être transformée en quelque chose de productif. Sprecher affirme que Old Blues est une musique d’aspiration, citant son incapacité à être à la hauteur des valeurs positives qu’il s’efforce d’atteindre tout au long du disque. Mais c’est aussi une musique d’aspiration dans un sens plus collectif – elle nous montre que l’art et la beauté peuvent être trouvés dans ce qui est déformé et mutilé, que notre moment actuel passera mais que notre relation avec nous-mêmes est là pour rester. Alors, autant en faire quelque chose.

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Sea Wolf: « Through a Dark Wood »

Après un peu plus d’une décennie de carrière musicale dans le rôle de Sea Wolf, Alex Brown Church sort un nouveau disque, Through a Dark Wood. Avec un cachet sonore comme le sien, il a poursuivi le même chemin au cours de ses enregistrements, les paroles et la musique de Sea Wolf revendiquant la double nationalité. Sur le plan musical, le support des histoires véhicule des styles apparemment déconnectés, l’enregistrement en studio présente une patine propre, une texture Folk Pop qui traverse Through a Dark Wood, des beats croustillants et un sillon d’instrumentation caoutchouteux (« Moving Colors »), Des percussions lourdes, des divagations, des ambiances de guitare au sol (« Blood Pact »), des paysages de rêves ambiants avec battements de coeur (« Frank O’Hara »), et un rock subtil grondant les fondations du journal d’un poète (« I Went Up, I Went Down » ».

Tandis que la musique peint à travers ce bois sombre qui est le titre de l’album avec une variété de paysages sonores, les histoires de Sea Wolf choisissent une approche plus confessionnelle pour les entrées dénudées de « Break It Down » et flottent sur les rythmes en chute libre qui propulsent « Back to the Win », les deux morceaux offrant une piste audio contemporaine pour expliciter la grandeur de ces contes.

Diplômé de l’école de cinéma de NYU, Alex Brown Church projette l’imagerie de ses histoires avec des cinématographies de grande envergure qui défilent dans les mélodies orchestrales de « Two of Us » tandis que les sons dramatiques de « Forever Nevermore » se promènent dans les rues de la ville, éclairés par les sons fracturés qui clignotent comme des phares qui passent. Les studios d’enregistrement se font accuser de voler l’âme. Sea Wolf utilise ce procédé pour trouver la magie dans ses compositions, en polissant les pistes pour qu’il y ait un reflet de l’artiste qui fait la musique plutôt que de mettre plutôt son visage dans la production. En accord avec la présentation des chansons sur grand écran, Sea Wolf raconte les histoires avec une approche littéraire de la lecture, les mots tombant dans les confessions conscientes de « Fear of Failure » tandis que Through the Dark Woods fmet en valeur son cliquetis de guitare sur le rythme sans fin de « Under the Spell Again ».

***1/2

An Autumn For Crippled Children: « All Fell Silent, Everything Went Quiet »

An Autumn For Crippled Children est un groupe qui a toujours flotté autour de la sphère de vision, des aficionados mais auquel jceux-ci n’ont jamais réussi à donner assez de profondeur. Quand l’album numéro huit est arrivé on a peut-être l’occasion parfaite de s‘immerger suffisamment pour essayer de décrire ce qqui peut y être trouvé. Sur All Fell Silent, Everything Went Quiet, le mystérieux trio hollandais qui soude d’une manière ou d’une autre les sons inspirés de Joy Division au black metal, ça ne sera peut-être pas l’opus essentiel mais ça marche vraiment.

Il n’y a pas ici de guitare façon « Love Will Tear Us Apart » et le chant est loin d’être compréhensible, mais la batterie a un son riche en retombées du début des années 90 et en sons de synthétiseurs lourds des années 80. Imaginez qun Joy Division qui aurait remplacé Ian Curtis par un chanteur de black metal mais que, batteur en tête,le combo conserve l’esthétique originale de l’enregistrement. Bien que ce ne soit pas une nouveauté pour le groupe, ils ont quand même produit un album où rien n’est vainement répété.

Il y a quelques morceaux qui se démarquent vraiment et on peut être particulièrement attiré par le deuxième titre, un « Water’s Edge » qui possède un rythme de batterie hypnotique proche du happy hardcore des années 90 et qui aurait vraiment pu apparaître sur un « single » de Technohead. Ce qui est beau, c’est la façon dont il s’intègre dans le chant étincelant et insaisissable et les synthés qui prennent le dessus sur la guitare pour entraîner la chanson dans la rigole avant de s’envoler vers la stratosphère. La chanson « Paths » se démarque aussi car lson début ne donne aucune indication sur l’endroit où vous allez être emmené. La batterie est absolument percutante, mais avec cette faible couche d’effet 80/90 et des synthés qui s’envolent tandis que la guitare se déchire à une seconde place en arrière-cour.

L’album est d’une grande intensité et d’un grand rythme, avec des chansons qui sortent tout droit des pièges et qui se contentent d’être percutantes. Bien qu’il y ait tant de constantes, la musique n’est pas répétitive et, lorsque vous passez d’un titre à l’autre, il y a une nette distinction de ce changement. C’est une démonstration magistrale de mélange des extrêmes à un rythme élevé, sans pour autant être répétitif ou gadget. Saluons donc cette agilité qui est aussi organique que celle ici ressentie.

***1/2

Wares: « Survival »

Wares (Cassia Hardy, originaire d’Edmonton) sort ici son deuxième LP, Surviva . C’est un album que Hardy consacre aux « activistes décoloniaux, aux agitateurs antifascistes et aux homosexuels des prairies qui luttent pour la communauté et une vie meilleure » (decolonial activists, anti-fascist agitators and prairie queers fighting for community and a better life ).

Une explosion de réactions signale le début de l’ouverture du disque, « Hands, Skin » avant que la voix parlée de l’artoiste affirme dans un style sans appel : « J’ai laissé mon corps derrière moi en ne prenant que ce que je pouvais me permettre » ‘I left my body behind taking only what I could afford) accompagné de « huitar licks » enjoués mais flous. « Tall Girl » suit avec un son plus mélodieux et balancé, mais aussi avec des paroles réfléchies et des couches de sonorité encore plus extraterrestres : « I regret not getting to know you better ». Les deux chansons suivantes ont un air des années 80 avec « Living Proof », qui est un mélange d’électronique et « Tether », une tranche de new wave provocante – avec, toutefois, une touche de style vocal passionné : « Quelque chose devait changer, je ne peux plus le nier ». (Something had to change, I can’t deny anymore)

Avec ses guitares stop-start et ses signatures temporelles bizarres, « Surrender into Waiting Arm » » est plein de sensibilité émotionnelle tandis que le récit de « Jenny Says » met presque tout sur la table. Dans cette composition, Hardy se souvient d’une rencontre fatidique : « Assise sur le pont, elle regardait les lumières changer. Les voitures s’enchaînent. Une femme s’assoit pour me rejoindre et me passe une allumette. Elle dit : « Je pourrais mourir demain et ça ne changerait pas ». (Sitting on the overpass, watching the lights change. The cars go on and on. A woman sits to join me and she passes me a match. She said ‘I could die tomorrow and it wouldn’t change a bit) C’est cette conversation qui inspire Hardy, bien qu’elle soit gâchée par la tristesse que ressentent les deux femmes alors qu’elles cherchent des réponses : « Elle a demandé pourquoi ça faisait si mal de sortir du lit parfois » (She asked why’d it hurt so much to get out of bed sometimes).

Avec un son grave sombre et ses harmonies intenses, « Complete Control » prend la direction de Nick Cave ou d’Anna Calvi, tandis que la vocaliste examine combien il est difficile d’échapper à ses angoisses quand on est laissé à soi-même : « C’est tellement plus facile avec toi dans les parages de m’appeler » (It’s so much easier with you around to call me out).  « Violence » est un autre titre à l’ambiance futuriste qui mélange des percussions lentes et sourdess et des cordes subtiles, même si le sujet est déchirant : «  Le coach ne lève pas le petit doigt avant d’être sûr qu’ils en ont assez. Les garçons se regardent tous se changer et font semblant de ne pas être amoureux ». (The coach doesn’t lift a finger until he’s sure they’ve had enough. The boys all watch each other changing and pretend they’re not in love). « Surface World » se tourne vers de meilleures choses avec ses mélodies agro-rock, tandis que « Survival » qui clôt le disque sera une tranche de pop indépendante directe, étourdissante et entraînante faisant de Survival un album qui mérite bien son appellation et que quiconque s’est déjà senti étranger ou exclus aura à coeur de célébrer.

***1/2

Junk Drawer: « Ready For The House »

Junk Drawer est un combo de Belfast qui se prépare à sortir son premier album studio Ready For The House. Composé des frères Jake et Stevie Lennox, du bassiste Brian Coney et du claviériste Rory Dee, le quartet oscille entre les instruments en en jouant chacun une variété tout au long du disque. Il contient de solides lignes de basse, des textes vindicatifs et des riffs rythmiques, et y empile sept pistes d’un chaos qu’on pourrait qualifier de mélodique.

L’ouverture en est le menaçant « What I’ve Learned / What I’m Learning », un morceau rétrospectif qui aborde les nombreuses leçons que nous apprenons alors que nous essayons désespérément de nous frayer un chemin à travers nos vingt ans. Chanté par les frères Jake donne la tonalité de ce Ready For The House avec une introduction sans fausses excuses

« Year Of The Sofa » est une ballade tranquille et nonchalante, plus douce que le morceau d’introduction du disque. C’est un titre sombre, mais gracieusement tenu par des chants de fausset et des instrumentaux atmosphériques. « Mumble Days » s’élèvera grâce à des accords de puissance tourbillonnants, une juxtaposition intéressante pour une chanson qui parle ouvertement de luttes au sein d’un groupe et de santé mentale.

Jusqu’à présent, Junk Drawer nous a donné une poignée d’énergies, tout en exploitant leur son lo-fi, le rock alternatif de base. Cinquième constat, les glissades sereines de la guitare et les courbes déformées d’ « INFJ » laissent présager un scénario mystérieux. Tel un surfeur, ce morceau fait resurgir le blues-rock des années 70, sur une durée stupéfiante de huit minutes.

L’avant-dernière composition, » »Temporary Day », renforce ce thème rock classique – si cet album devait représenter une époque, ce serait les années 70. Conduit par des instruments, ce morceau hallucinogène ressemble à une berceuse ondulante alors que les paroles de Jake murmurent sur une solide œuvre clé. Chanson de soulagement, elle met l’accent sur les efforts déployés pour essayer de reprendre le contrôle de son état mental, ce qui est souvent difficile pour la plupart d’entre nous. 

Pour conclure avec « Pile », Junk Drawer emballe plusieurs morceaux multicolores et vous fait glisser sur leur voyage spirituel avec des instruments déformés et une voix paresseuse. Les guitares sont à la traîne, tout comme les voix. Lent avec un refrain colossal, ce morceau est vraiment percutant et ne pourrait pas mieux exploiter leur son de base. 

Tout au long de l’album, le quatuor raconte une multitude d’histoires terrifiantes, illustrant les difficultés rencontrées par les malades mentaux et les jours meilleurs. Co-écrit par les frères Jack et Stevie Lennox, Ready For The House est une image très réelle et intacte de leurs propres combats, et est parfaitement illustré par des riffs kaléidoscopiques et lune voix décalée.

***1/2