Kamikaze Nurse: « Stimuloso »

11 juin 2022

Kamikaze Nurse pourrait probablement écrire de la très jolie musique, s’il le voulait. Le groupe de Vancouver le prouve sur le morceau phare de Stimuloso, « Come from Wood », avec ses arpèges de guitare en boîte à musique qui vont crescendo avec des mélodies pop étourdissantes. Mais c’est de Kamikaze Nurse qu’il s’agit – ce qui signifie qu’ils inondent la chanson de distorsion et de quelques bombes de type trémolo et vibrato.

Sur leur deuxième album (et le premier pour Mint Records), les quatre membres du groupe font preuve d’un éventail impressionnant de styles, équilibrant des accroches impeccables avec des bizarreries liées à l’art et des moments de rêve immersif. Pour nous, c’est la rêverie motorisée des six minutes de « P & O » et le flottement shoegaze de « Never Better ».

Mais le groupe a l’air tout aussi déterminé lorsqu’il frappe des accords dissonants sur des bangers art-punk comme « Aileen » et le criant « Stimuloso ». Plusieurs passages parlés tout au long de l’album apportent un sens de la théâtralité du club. Ils ont tendance à favoriser la surréalité plutôt que la clarté thématique – comme la façon dont le brûlant « Pet Meds » inclut une conversation sur un mécanicien recommandé, alors qu’il devrait s’agir d’un vétérinaire. Le morceau d’ouverture (et single principal) « Boom Josie » rassemble les nombreux styles du groupe en deux minutes et demie d’anxiété, ses paroles étant un hommage mignon au jeune enfant du guitariste Ethan Reyes.

Comme il se doit, Stimuloso a été mixé par Greg Saunier de Deerhoof – un autre groupe qui a un sens du salé et du sucré tout aussi déformé. Kamikaze Nurse couvre beaucoup de terrain en seulement 10 titres, faisant de ces 39 minutes une surcharge sensorielle de la meilleure façon qui soit.

***1/2

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The Dream Syndicate:  » Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions »

10 juin 2022

De tous les groupes indie-underground des années 80 qui se sont reformés dans les années 2000 – et il y en a eu beaucoup, notamment Dinosaur Jr, Pixies et The Replacements, pour n’en citer que quelques-uns – la résurrection de 2012 de Dream Syndicate a été parmi les moins annoncées, et les plus gratifiantes, probablement parce que le groupe a parfois été négligé lors de son incarnation originale entre 1981 et 1989, malgré la sortie d’un premier album qui aurait défini le genre si tout autre groupe de la scène « Paisley Underground » avait sonné comme lui à l’époque.

A la fois bruyant et épuré, The Days of Wine and Roses, sorti en 1982, est le premier des quatre albums que le combo a sorti à l’époque, et chacun d’entre eux était considérablement différent du précédent. Bien que le groupe reconstitué ait mis cinq ans à sortir un album après s’être reformé (avec une formation légèrement différente), il a accéléré son rythme depuis lors : Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions est donc le troisièmeopus de The Dream Syndicate depuis 2019, et le quatrième au total depuis sa reformation – égalant leur production des années 80.

Après l’effort tentaculaire et expérimental de cinq titres de 2020 sur The Universe Inside, avec des chansons d’une durée de 7 à 20 minutes, le nouvel album est un retour à la forme. Pourtant, Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions est toujours aussi varié, comme si, au lieu de changer de style d’un album à l’autre, le chanteur Steve Wynn et ses compagnons – qui incluent maintenant officiellement le claviériste Chris Cacavas, anciennement membre de Green on Red, le groupe de Paisley Underground des années 80 – s’étaient dit qu’ils feraient mieux de les intégrer tous dans un seul album. Le morceau d’ouverture « Where I’ll Stand » commence par des boucles de synthétiseurs scintillants, puis se transforme en grosses guitares surmultipliées qui se développent tout au long de la chanson jusqu’à devenir presque monolithiques à la fin. Quelques pistes plus loin, « Beyond Control » projette un sentiment d’appréhension alors que Wynn entonne des paroles énigmatiques – « I’m a walking coming attraction / I don’t give a single thing away » (Je suis une attraction ambulante / Je ne donne pas une seule chose., commence-t-il – sur le tintement sombre d’instruments de percussion creux qui semblent être joués dans le mauvais ordre, alors qu’une série de guitares va et vient en arrière-plan.

Toutes ces années plus tard, on ne peut pas se tromper sur l’influence du Velvet Underground sur « Hard to Say Goodbye », où les paroles de Wynn ont une cadence laconique à la Lou Reed, bien que l’accompagnement musical soit plus luxuriant, avec des tourbillons de guitares ondulantes. Plus tard, « Lesson Number One » est un rocker percutant qui montre tous les avantages de faire à nouveau équipe avec le producteur John Agnello (The Hold Steady, Dinosaur Jr.). Pleine de guitares toniques et d’un rythme endiablé, la chanson incorpore sans sourciller des traits de violon excentriques.

La volonté de Dream Syndicate d’explorer librement différents sons a toujours été l’un des atouts majeurs du groupe, dépassé seulement par sa capacité à faire en sorte que les transitions semblent sans effort. Si les résultats ont eu tendance au fil des ans à déconcerter les auditeurs qui voulaient plus de choses comme les précédentes, Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions représente peut-être une sorte de trêve : les différentes approches du groupe sur ces 10 chansons font qu’il y a quelque chose ici pour tout fan ddu groupe

***1/2

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Project Gemini: « The Children of Scorpio »

10 juin 2022

Lorsque nous avons eu vent de Project Gemini pour la première fois, c’était par le biais du label Delights et nous avons su instantanément qu’ils deviendraient une écoute favorite tant nous aimions leur son. Avance rapide jusqu’à aujourd’hui et ils sont prêts à présenter une musique encore plus étonnante. L’album The Children of Scorpio de Project Gemini, alias Paul Osborne, est le résultat d’un voyage musical de 30 ans qui l’a vu creuser profondément, étudier sa collection de disques et réapparaître pour affiner son art.

Un voyage musical cinématographique qui se déroule comme une bande sonore perdue depuis longtemps (pensez aux films de série B des années 60 et 70) ; le disque est né de l’amour de Paul Osborne pour une myriade de genres, de la musique de bibliothèque européenne, du folk acide, du psych-funk, des bandes sonores vintage et de la scène breaks contemporaine. L’album s’inspire de classiques emblématiques tels que le funk cinématographique magistral de « Dirty Harry » de Lalo Schifrin, « Vergogna Schifosi » d’Ennio Morricone et « The Summertime Killer » de Luis Bacalov, pour n’en citer que quelques-uns. Vous pouvez également entendre les sons folkloriques de l’emblématique « Dreaming With Alice » de Mark Fry, le folk-jazz britannique du Pentangle et le « Release Of An Oath » des Electric Prunes, produit par David Axelrod, tissés dans la tapisserie culturelle de ce joyau. L’influence de ces productions vintage des années 60 et 70 est évidente ; cependant, on pourrait dire qu’il y a aussi des échos des moments psychédéliques plus funky de groupes tels que The Stones Roses et The Charlatans, aux côtés de contemporains tels que The Heliocentrics et Little Barrie, donnant ainsi à l’album un potentiel de crossover plus large que le monde de la fouille de caisses et des bandes sonores vintage.

Bassiste et musicien depuis l’âge de 16 ans, l’arrivée de son premier enfant en 2010 a poussé Osborne à s’éloigner de la scène et à se retirer dans son home studio, enregistrant une quantité de musique qui était destinée à ne jamais être entendue. L’un des premiers morceaux à être enregistré est une démo intitulée The Children Of Scorpio, inspirée par son obsession de longue date pour la bande originale de Lalo Schifrin pour le classique policier violent « Dirty Harry » de Clint Eastwood. Enregistré pour le plaisir, le morceau était destiné à rester dans les archives sans être modifié. Cependant, tel un phénix renaissant de ses cendres, des contacts avec une multitude de musiciens et de labels inspirants ont rallumé le feu musical de Osborne et lui ont donné l’impulsion nécessaire pour développer ses idées latentes en quelque chose de plus concret. Tout d’abord, il a sorti deux disques 7″ limités sur Delights Records et maintenant le long-player pour Mr Bongo.

Plusieurs amis proches qui ont contribué à stimuler la créativité musicale de l’artiste ont participé à l’enregistrement de ce disque, notamment le célèbre guitariste et leader de Little Barrie, Barrie Cadogan (qui a contribué à quatre morceaux avec sa guitare six cordes), le patron de Delights Records, Markey Funk (qui a ajouté des claviers effrayants à « Path Through The Forest »), Kid Victrola, auteur-compositeur et guitariste en chef du groupe de filles psychédéliques français Gloria, qui a ajouté une 12-cordes sauvage à « Scorpio’s Garden », Shuzin, multi-instrumentiste et producteur basé à Haïfa, qui apporte la chaleur derrière la batterie, et Paul Isherwood, cofondateur du groupe The Soundcarriers de Nottingham, qui a mixé l’album avec son riche matériel vintage.

***1/2

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Cult of Dom Keller: « They Carried The Dead In A U.F.O »

9 juin 2022

Le dernier album de Cult of Dom Keller attirera votre attention avec des sons percutants, granuleux et expérimentaux qui pourraient tout aussi bien s’échapper de cet univers. They Carried The Dead In A U.F.O est un disque industriel et psychédélique qui dégage un sentiment d’étrangeté en incorporant des voix craquelées et croustillantes additionnées à des sons comme extra-terrestres. Comme l’indique leur biographie sur Bandcamp, Cult of Dom Keller crée des chansons qui « semblent être nées d’un autre univers, depuis les confins de leur » bunker sonore ». Bien que le cinquième album du groupe britannique continue de s’appuyer sur le son précédent, celui-ci est peut-être le plus expérimental à ce jour. L’album de huit titres vous entraîne plus profondément dans un trou sombre et troublant, avec des morceaux distincts qui atteignent chacun des objectifs musicaux différents.

Le disque commence par « Run for the Gullskina », un morceau de sept minutes qui incorpore le son de guitare distordue caractéristique du groupe avec des éléments de cordes mélodiques et des voix rêveuses. Ce morceau englobe une grande partie de ce que l’on associe au post-punk industriel anglais, mais en le rendant plus étrange, plus gothique et psychédélique. C’est un méli-mélo de sons qui tient les auditeurs en haleine. Les trois dernières minutes de la chanson sont du pur drone psychédélique, qui vous demande pratiquement d’écouter à plein volume. C’est comme si Brian Jonestown Massacre était un peu plus grunge et moins « gentil ».

Le morceau le plus intéressant de l’album sur le plan rythmique est « Psychic Surgery », qui porte bien son nom. Il démarre avec un son de batterie funky et des voix qui semblent provenir d’un émetteur radio. Aucune chanson ne ressemble à une autre sur l’album, mais Cult of Dom Keller parvient tout de même à créer une force cohésive. « Psychic Surgery » est peut-être le morceau le plus expérimental de l’album, et le rythme semble parfois décalé. Cult of Dom Keller utilise cet élément pour transmettre efficacement le ton sauvage et inquiétant qu’ils obtiennent avec cet album.

« I die every night but I’m born again » (je meurs chaque nuit mais je renais) est répété tout au long du morceau « Cage the Masters ». Le thème de la mort est apparent dans l’ensemble de l’album, mais ce texte donne l’impression que la mort est une entité cyclique. Associer ce texte à l’atmosphère sombre et inquiétante de l’album crée une dichotomie intéressante. L’instrumentation est intense et troublante, mais les paroles vous entraînent dans une sorte de réconfort de la douleur – sa nature récurrente, suivie d’une renaissance. Après ce morceau, « Amazing Energy » offre un beau répit éthéré qui déplace l’énergie dans un espace plus calme. Lourd en sons synthétiques, le morceau incorpore toujours les mélodies de guitare fuzz et les voix respirantes caractéristiques de Cult of Dom Keller, mais de façon plus paisible. L’album se termine par « Last King of Hell », un morceau de sept minutes qui vole la vedette. Bien qu’il s’agisse d’un choix intéressant pour le morceau de clôture en raison de sa longueur, sa nature rythmique est moins expérimentale que les autres et le rapproche de ce que nous pourrions qualifier de « psych rock » de bout en bout.

Cult of Dom Keller a réussi à créer un album incroyablement étrange et expérimental, et, d’aucuns ayant dit que les membres du combo sont des « alchimistes soniques bricoleurs [qui] ont créé des paysages sonores détraqués », on ne pourra que s’aligner sur cette daffirmation.

***1/2

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Purity Ring: « graves »

8 juin 2022

« Oh take me, oh take me / We’re running from our graves » (Oh prends-moi, oh prends-moi / On fuit nos tombes). Purity Ring, qui a été qualifié de « witch house », traite des extrêmes dans son dernier album, graves. La solitude, la malchance, la mort. Ils tentent d’aborder certaines des parties les plus sombres de nos vies et de nous inspirer, en contournant nos mécanismes de défense austères et en allant directement aux sentiments. En utilisant une poésie complexe et une musique électro-pop extatique, le producteur Corin Roddick et la chanteuse Megan James poursuivent leur formule à succès de crochets sucrés et d’électronique complexe pour créer une expérience qui fait bouger l’âme et le corps.

Avec un début aussi réussi, avec l’album Shrines, il y a dix ans, qui était en quelque sorte le premier du genre, il n’est pas étonnant que les critiques soient prompts à comparer et à chercher des changements dans leur travail. Et les critiques n’ont pas été très flatteuses. Mais en tant qu’auditeur qui vient de les découvrir fraîchement, après une nuit un peu décevante, leur formule, qu’elle ait été modifiée ou non, a été une panacée réussie à mes maux, avec suffisamment d’intelligence et de complexité pour passer outre mes facultés de critique de la pop.

Des simples encouragements comme « I’ll do it again / I’ll do it again » à la poésie plus complexe comme « I’m made of seeds, but they just bleed » (Je suis fait de graines, mais elles ne font que saigner), on se sent compris dans sa douleur et on se voit transporté par les arrangements dans un monde supérieur, tout en reconnaissant la réalité du monde inférieur. C’est peut-être la plus grande force de leur musique sur cet album : ils sont capables d’utiliser toutes les meilleures caractéristiques de la pop sans succomber à aucun de ses pires traits. Le cliché, le manque d’originalité, les frissons bon marché, et ainsi de suite.

« May the world turn and turn until you shine / But you know, you know I know, that nothing’s fine. » (Que le monde tourne et tourne jusqu’à ce que tu brilles / Mais tu sais, tu sais que je sais, que rien ne va). Les meilleures chansonssont à la fois un yin et un yang. Comme l’a dit Tom Waits, « The world is a hellish place, and bad writing is destroying the quality of our suffering «  (Le monde est un endroit infernal, et la mauvaise écriture détruit la qualité de notre souffrance). Et ceci est, à notre sens, une bonne écriture. Dans une meilleure soirée,on n’aurait peut-être pas été aussi ému par leur poésie et leur son. Mais c’est là toute la beauté de la musique, ses propriétés curatives, sa capacité de compréhension dans un art bien conçu, pour nous aider à traverser les moments les plus difficiles.

C’est peut-être ce qu’ils veulent dire quand ils chantent « How lucky you are to be so unlucky »(Quelle chance tu as d’être si malchanceux.. ). Critiques mises à part, c’est une musique qui fait office de bande sonore pour les cœurs brisés. Et elle agit comme un défibrillateur, pour faire redémarrer l’âme. La raison pour laquelle les gens jouent des chansons en boucle. Ce sont des titres que l’on peut répéter, avec assez de substance dans les mots et assez de plaisir dans le son pour en faire un opus dont les compositions sont si abouties

***1/2

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Artificial Brain: « Artificial Brain »

7 juin 2022

Depuis sa « créatio »n au début des années soixante-dix, le heavy metal a donné naissance à une panoplie d’artistes et de groupes qui se sont démarqués de leurs pairs ; pas seulement pour leur succès grand public ou leur look trop provocateur, mais pour leur pertinence artistique qui incarne en quelque sorte l’esprit du temps, faisant écho au son et à l’âme d’une époque. Et bien que le genre soit devenu essentiellement underground au cours des dernières décennies, on peut encore trouver quelques exemples qui sortent du lot pour diverses raisons. Les métalleux extrêmes de Long Island, Artificial Brain, appartiennent à cette niche étroite. Leur approche hybride dissonante, qui combine dans un récit de science-fiction la grandeur du death metal avec l’esthétique plus émotionnelle du black metal, reflète la personnalité bipolaire d’une génération qui embrasse et fusionne divers styles, rejetant les orthodoxies unidimensionnelles. Labyrinth Constellation et Infrared Horizon reflètent tous deux cette attitude agrégative, en étant les principaux représentants d’une production dissonante progressive qui s’est développée ces dernières années, revitalisant les fondements mêmes du genre, lui donnant de nouvelles formes et couleurs. Comme si Gorguts s’associait à Deathspell Omega dans un paysage sonore de science-fiction, mené par l’un des gutturaux les plus profonds que l’on connaisse. Une formule distinctive, basée principalement sur la combinaison contrastée entre le chant puissant de Will Smith et les riffs aigus dissonants, où la gorge occupe une place centrale, conférant un charisme particulier à la musique. Un peu comme Oliver Rae Aleron et les garçons d’Archspire. Une symbiose parfaite. Un lien qui, au mépris des dieux du death metal, est sur le point de prendre fin, puisque le troisième album éponyme du groupe sera le dernier avec Will Smith au micro, ce qui lui confère une aura de nostalgie et d’adieu, tout en ajoutant une couche douce-amère supplémentaire au mélange.

Vous pensez peut-être que nous en faisons fais trop, parce qu’au bout du compte, ce ne sont que des gutturales, non ? Un atout jetable, facilement remplaçable. Eh bien, pas vraiment. Le groupe ne sera jamais le même sans Smith, et Artificial Brain ne s’affirme pas pleinement dans le présent, étant l’écho d’un passé récent. En fait, nous écoutons ce que le collectif a été, et non ce qu’il est maintenant. Et ce n’est pas un détail mineur à mes yeux.

Néanmoins, il est important de noter que malgré ce contretemps, Artificial Brain ne déçoit pas. Il conserve les mêmes ingrédients que les sorties précédentes, tant sur le plan conceptuel que musical. Les textes du vocaliste continuent à graviter autour d’un futur dystopique, explorant des thèmes tels que la folie ou l’inexorabilité de la nature, et musicalement le collectif ne s’écarte pas de la voie dissonante précédemment tracée. La formule reste essentiellement inchangée. Les subtiles nuances mélodiques qui se cachent dans « A Lofty Grave » et « The Last Words of the Wobbling Sun », ou le saxophone dans le segment final de « Tome of the Exiled Engineer », ajoutent de la couleur à la composition sans nécessairement apporter plus de contraste, agissant comme des embellissements complémentaires à une structure principale plus large.

Néanmoins, le son d’Artificial Brain est légèrement plus sale et plus lourd que celui d’Infrared Horizon, ce qui lui confère un aspect et une sensation moins sophistiqués. Une approche qui, malgré ses inconvénients, confère à Artificial Brain une personnalité propre, un caractère plus brut, si vous voulez. Cela rapproche la musique des gutturaux de Smith et donne plus de corps à la basse de Samuel Smith. L’album semble massif, comme un mastodonte intergalactique. Le premier single,  » Celestial Cyst « , et  » Insects and Android Eyes  » sont les principaux représentants de ce troisième chapitre interstellaire, les deux incluant des voix invitées de Mike Browning (Nocturnus) et Luc Lemay (Gorguts) respectivement. A Lofty Grave « , le simple morceau d’ouverture éponyme, et  » Cryogenic Dreamworld  » font également partie des points forts de l’album, le premier comportant un solo de guitare Warr intéressant de Colin Marston (également responsable du mixage et du mastering) et le second donnant lieu à une section grind-ish écrasante qui précède un moment Anata-esque non moins intéressant. Comme sur les précédents albums, Artificial Brain offre une production cohérente où tout semble cohésif et prémédité, reflétant une formule musicale bien mûre. Et si l’on ne peut pas dire qu’il s’agisse de la meilleure sortie du groupe à ce jour, il est indéniable que la machine cosmique dissonante de Long Island est une fois de plus concentrée et bien calibrée, ce qui en fait un produit singulier et inimitable.

Bien que le troisième chapitre éponyme d’Artificial Brain soit à la hauteur de son héritage, il dégage une aura de nostalgie (prématurée) qui le submerge d’un poids émotionnel inattendu. C’est l’inévitable goût doux-amer de l’adieu ; le quasi chant du cygne d’un collectif qui a cessé d’être. Et en attendant que la machine redémarre, profitons de ce voyage interstellaire pour découvrir certains des meilleurs paysages sonores cosmiques que le groupe ait jamais produits.

***1/2

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Blut Aus Nord: « Disharmonium – Undreamable Abysses »

7 juin 2022

L’obscurité a quelque chose d’irrésistiblement séduisant, n’est-ce pas ? Simultanément effrayante et belle. Quelque chose dans le vide nous attire comme des mouches vers la fausse lumière. C’est un appel si ancien que son langage et son véritable objectif ont depuis longtemps cessé d’être compris par les hommes, devenant une abstraction, un terrifiant écho perdu ; piégé dans une mémoire passée que nous choisissons d’oublier, par peur ou par oubli. Et pourtant, nous continuons à marcher vers lui, comme des souris guidées par le son de la flûte d’un conte populaire. Sans pouvoir. Disharmonium – Undreamable Abysses est la mélodie qui nous pousse vers l’abîme, vers les ténèbres. La berceuse hérétique que nous cachons à nos enfants. Ce quatorzième opus de Blut Aus Nord est donc obsédant et beau, faisant puissamment écho aux horreurs lovecraftiennes dans un style engagé rappelant Hallucinogen, mais désormais avec un ton plus sombre, dévoilant moins de lumière et d’oxygène. Les ingrédients précédents, à savoir les leads harmoniques distinctifs et le flux constant, sont toujours présents mais presque comme des reflets opposés, comme si nous vivions Hallucinogen à travers un miroir noir. Tout est interconnecté. Toutes les chansons s’écoulent implacablement dans la même direction, aspirant l’auditeur dans un vortex sonore multicouche fait de plaintes et de grognements malveillants qui nous submergent à chaque étape. Les rythmes explosifs et les tempos lents et syncopés interagissent d’une seule voix, construisant un récit commun qui présente rarement des contrastes, trop coincé dans son propre noyau gravitationnel.

La composante atmosphérique, comme on peut s’y attendre, est cruciale dans la construction du paysage sonore, soit par des interludes ambiants, soit par des couches de synthétiseurs qui complètent les chansons. Pourtant, à l’instar d’Hallucinogen, Disharmonium – Undreamable Abysses évite l’esthétique industrielle présente dans les œuvres précédentes et adopte une personnalité plus « métal » et mélodique. L’ouverture, « Chants of the Deep Ones », et « That Cannot Be Dreamed » sont les points culminants de ce voyage sonore, combinant la beauté et l’inquiétude dans une palette surréaliste et un trait distinctif. Nous savons parfaitement qui joue de la flûte, mais comme des souris, nous continuons à avancer, hypnotisés, et nous disparaissons dans « The Apotheosis of the Unnamable », le vortex final.

Il ne restera plus qu’un faux calme, un lien avec le tout début, exposant une spirale, un récit sans fin qui ne se termine jamais vraiment. Car le vide est éternel.

Une fois de plus, Blut Aus Nord a donné une voix et un son aux ténèbres. Pas nécessairement de manière avant-gardiste ou expérimentale, mais par des touches surréalistes à sens unique qui poussent l’auditeur dans un abîme sensoriel. Il y a une beauté étrange dans Disharmonium – Undreamable Abysses qui nous pousse à mordre dans la pomme bien que nous soyons conscients de son contenu toxique, impuissants face à son enchantement. C’est l’attraction irrésistible de l’inconnu, source d’inspiration et de malheur. Cet appel ancien que les hommes et les artistes tentent si désespérément de comprendre, sachant d’avance que la réponse finale, quelle qu’elle soit, n’apporte ni espoir ni lumière.

***1/2

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Eclectic Maybe Band: « Again Alors? »

6 juin 2022

Après un hiatus de trois ans, Guy Segers nous fait renouer avec son mystérieux véhicule mi-improvisé, mi-structuré, l’Eclectic Maybe Band. Une fois de plus, il dispose d’un puits profond de musiciens respectés auxquels il demande des sorties diverses et intuitives, qu’il assemble ensuite minutieusement en studio pour produire des pièces dramatiques d’un roulement aventureux, qui s’éloignent de tous les sentiers battus et font appel au jazz, au funk, au minimalisme et à l’ambiance dérivante, parfois dans un seul morceau.

Cela peut sembler trop chargé, mais la vérité est qu’il y a beaucoup d’espace pour respirer à travers les huit morceaux présentés ici et le fait que la composition des musiciens varie avec chaque chanson signifie que chaque sélection a sa propre sensation, souvent avec le seul élément de connexion de la basse élastique, distante mais chaude de Segers.

Again Alors ? s‘ouvre sur une intro qui ressemble à un panoramique d’une caméra montrant l’intérieur d’un sous-marin abandonné ; huit musiciens sont impliqués ici, mais le son est clairsemé et s’insinue lentement dans un brouillard électronique, menaçant, générant un sentiment d’appréhension. Au fur et à mesure que la pièce progresse, d’autres musiciens interviennent, apportant des touches néoclassiques qui introduisent une nouvelle pression à mesure que les choses évoluent lentement. C’est la beauté des pièces de longue haleine ici qui permettent l’évolution mais à un rythme régulier. On nous propose divers solos comme s’ils se présentaient d’eux-mêmes, un bref éblouissement, puis un retour dans l’ombre.

L’album évolue dans de nombreux décors ; la scène sylvestre de « Retable Vertigineux », avec sa brume chatoyante et sa flûte compagne qui se mêle à l’intrigue de la clarinette, est très différente de la brûlure lourde et lente de « Further On The Ladder », où la voix inimitable de Carla Diratz, qui canalise son Mark Lanegan intérieur, reflète une vie bien vécue. La guitare de Pascal Vaucel frémit sous la surface, et le grondement rocheux se dirige et se pavane autour de la voix. Le phrasé de Carla et l’utilisation du vibrato sont merveilleux, tandis que le violon de Cécile Broché en est l’antithèse, avec ses cris aigus et ses élongations.

D’un point de vue énergétique, les improvisations collectives ont tendance à être plus progressives, se construisant à partir d’un point pour former un grand ensemble, comme la dérive de la marée infusée de gouttes de piano de « Tingling Skin » ; tandis que les morceaux composés par Segers ont tendance à partir d’un point avec plus de groove, comme l’exercice funky tacheté de flûte « A Beast Trophy » qui, bien qu’il groove, a une sensation mesurée. Pour être honnête, la façon dont Segers monte les improvisations pour en faire une sorte d’ensemble sculpté est extraordinaire et je n’arrive pas à comprendre comment les musiciens savent ce qu’ils jouent, mais cela semble toujours fonctionner et il est intéressant de noter que les différents musiciens apportent une sensation différente à leurs morceaux. Tout au long de l’album, Dirk Wachtelaer joue de la batterie, percussive et doucement chargée, tandis que Fabrice Owerzarzak a tendance à apporter un groove plus simple et plus fluide qui s’entrelace magnifiquement avec la clarinette basse mystérieuse de Dirk sur « Voici, Voila », tout en laissant beaucoup de place à la tension du violon de Cécile.

L’album se termine par un morceau qui se démarque une fois de plus avec la machine fantôme de Kazayuki Kishino qui tourne lentement sur une ligne de basse majestueuse chargée d’échos. Les voix austères de Cathryn Robson sont des indices déconcertants qui ondulent et s’étirent, grondent et grattent tandis que les pièces se déplacent comme un vaisseau en détresse, la basse cherchant désespérément à s’éloigner du bord d’un trou noir. La sélection des titres et l’enchaînement des morceaux fonctionnent bien, mais c’est l’attention que Segers porte aux détails qui étonne le plus. Sa vision de l’Eclectic Maybe Band est singulière, mais elle fonctionne ; et grâce à l’ingéniosité et à la générosité des musiciens, c’est une nouvelle réussite.

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Melissa Weikart: « Here, There »

6 juin 2022

Il y a quelque chose de follement libre dans le style musical de Melissa Weikart. La grande majorité de son album Here, There tourne autour de sa voix et du piano, mais personne n’est prêt à déconstruire ses propres chansons comme le fait Weikart.

Presque tous les titres de ce court album ont quelque chose d’étrange ou de mal dosé. C’est comme si Melissa était déterminée à se libérer des carcans d’une mélodie ou d’une signature temporelle standard, et ainsi chaque chanson part en spirale sur son propre axe vers une intrigue chaotique et parfois psychédélique. Les violents accords de piano de cabaret du morceau d’ouverture « Diamond » donnent un aperçu de la direction que prend l’album, avec de courtes pauses pour respirer et s’isoler, qui se terminent délibérément par une note atonale. La chanson titre « Here, There » met en place la paranoïa frénétique qui traverse l’album. Alors que Melissa chante « All I want is to be wrapped in your arms » (Tout ce que je veux, c’est être enveloppé dans tes bras), le riff de piano qui l’accompagne devient de plus en plus désaccordé. Les mots chantent l’amour et le confort, le piano suggère une transition vers des habitudes malsaines.

La paranoïa tourbillonnante et l’incertitude mystique atteignent leur paroxysme avec « High Time ». Alors que Weikart répète « Searching for you makes me tired », la musique passe de tournoiements rapides et paniqués à des moments maladroits au piano qui s’entrechoquent avec une voix dissonante.

« Ocean Song » est probablement le morceau le plus accessible de l’album et aussi notre préféré. Melissa Weikart chante comme une sirène alors que le refrain se fraye un chemin dans une mer de rêves arpégés au piano. Même ici, le pont est un puissant motif de piano qui fait sonner des notes de prudence en balançant volontairement des structures d’accords et de notes inhabituelles.

Non content de mélodies inhabituelles, « Testing » joue fantastiquement avec le tempo et le rythme. La chanson est comme un flot de conscience mentale qui vacille comme un adolescent TDAH ayant une crise existentielle. Le dernier trio de titres voit Melissa Weikart commencer à converger vers un hybride de Mitski et de Fiona Apple en matière d’extraction d’émotions, tout en conservant son propre style. « Shiver » est la ballade apaisante par excellence, bien qu’apaisante soit un peu exagéré ! Il y a plus de flair classique avec « Who Made It » qui semble tout à fait intemporel tandis que Melissa ronronne et purge sur des mélodies délicates. Avec « Happy », plus proche, il y a un plonk mineur ou septième parfaitement placé pour secouer le confort en quelque chose de plus sinistre. « Happy » se transforme en un outro furieux de notes de basse, comme si nous nous libérions d’une fausse prison corporelle.

Here, There se termine après 23 minutes seulement, mais chaque minute est dorée. C’est peut-être un peu trop  » out there  » pour certains – dans ce cas, comment êtes-vous arrivé sur ce site ? Melissa Weikart est à cheval entre une abondance de beauté et de créativité pour réaliser l’un des meilleurs albums de 2022 à ce jour. Si vous êtes à la recherche d’une nouvelle auteure-compositrice-interprète qui possède ses démons et son piano comme personne d’autre, Melissa Weikart est là pour vous.

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Publié par rockdecibels

Moon Tooth: « Phototroph »

6 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Moon Tooth qui semble pousser les rédacteurs musicaux à chercher les points de référence les plus haletants et les plus éloignés qu’ils puissent trouver. Ce groupe s’est clairement imprégné de tous les recoins du canon du hard rock, et sa maîtrise technique signifie qu’il n’a pas de mal à métaboliser toutes les influences qui lui passent par la tête, donc naturellement les sons qu’il produit ont tendance à ressembler à beaucoup de choses. Mais ce jeu de comparaisons est en fin de compte une course folle, car ce que Moon Tooth accomplit est bien plus qu’une simple évocation des anciens grands groupes de guitare américains, vos ZZ Tops et vos Van Halens et vos Soundgardens et vos Deftoneses. Ils plient à leur volonté toute idée musicale qu’ils concoctent avec une touche totalement distincte de celle de leurs prédécesseurs, comme l’a fait chaque artiste pour insuffler véritablement une nouvelle vie à son genre. Si le troisième LP du quatuor de Long Island, Phototroph, prouve quelque chose, c’est que Moon Tooth n’a pas seulement fait ses devoirs, mais qu’il est le prochain groupe à s’y consacrer.

Après les éclairs de lyrisme politique de Crux et ses accents de peur existentielle, et compte tenu de tout ce qui s’est passé depuis la sortie de cet album, il serait logique que Phototroph redouble d’angoisse et de colère pour une suite encore plus sombre. Le groupe a émergé des turbulences de ces dernières années avec l’une des musiques les plus joyeuses et positives de sa carrière, pleine de vigueur et parsemée de crochets pop irrésistibles. Cet optimisme retrouvé trouve son origine dans le frontman John Carbone, qui a encore fait un bond en avant en tant que présence sonore. Ses textes, toujours aussi érudits, sont à la fois déchirants et résolus, ne reculant jamais devant les émotions douloureuses qu’il décrit. Pourtant, il se concentre rarement sur la douleur elle-même, préférant se concentrer sur la façon de la surmonter, de s’endurcir et de persévérer. Il suffit d’écouter « Alpha Howl », une performance vocale d’une délicatesse et d’une dynamique étonnantes, enveloppée d’une puissance métallique orageuse. C’est le moment le plus incertain de l’album, mais lorsque Carbone se transforme en un rugissement à plein volume à la fin de chaque préchorus, le sentiment est défiant, puissant, une expression esthétique de l’agencement. Lorsque la chanson s’ouvre enfin sur des accords majeurs retentissants et triomphants et sur « impervious to sirens / no meandering » (imperméable aux sirènes / sans méandres), on a l’impression d’avoir remporté une victoire de haute lutte. Dans le même ordre d’idées, « The I That Never Dies » tempère son agressivité initiale en un groove liquide et ondulant, avec un mantra presque zen chanté par-dessus, tandis que le morceau d’ouverture « I Revere » resserre son couplet en nœuds frustrés avant que le refrain n’exalte « my heart’s still beating / so I won’t stop believing », invoquant directement le classique du fromage de Journey tout en vous mettant au défi de prendre les enjeux émotionnels au sérieux. Cela fonctionne, de manière exaltante.

Les fans des premiers travaux plus sauvages du groupe ne doivent pas désespérer pour autant ! Malgré tout son attrait mélodique, Phototroph appartient autant au guitariste Nick Lee qu’à Carbone. Ici, Lee est un homme en mission, et cette mission consiste à remplir chaque centimètre carré de chaque chanson avec le jeu de guitare le plus intelligent et le plus cool qu’il puisse trouver. Chaque riff et chaque solo déborde de détails, et les sons de guitare sont monstrueusement énormes sur toute la ligne. Parmi les premiers moments forts de l’album, on peut citer la minute entière de shred qui clôt  » Back Burner  » et les plans étourdissants de NWOBHM qui parsèment la chanson titre, mais ce sont des chansons qui promettent d’être richement récompensées par des écoutes répétées, et des moments qui m’avaient échappé au début commencent déjà à briller par eux-mêmes, comme l’atmosphère habilement conçue dans les couplets de  » Grip on the Ridge « . Ray Marté et Vin Romanelli aident et soutiennent habilement tout au long de l’album, apportant leurs propres sensibilités à la section rythmique du groupe sans se mettre en avant ou sans détourner l’attention des chansons elles-mêmes. Si vous êtes attentif, vous entendrez deux musiciens doués qui élèvent la musique de manière subtile et réfléchie, mais si vous faites un zoom arrière, vous verrez qu’il s’agit soudainement d’un tout unifié et bien équilibré.

Le fait que, malgré tout ce qu’il fait de bien, Phototroph reste l’album de Moon Tooth que nous préférons  le moins à ce jour témoigne de la qualité du travail du groupe. Les défauts sont mineurs, presque au point d’être insignifiants, mais ils sont là. L’album manque un peu de variété, la ballade succincte « Grip on the Ridge » étant ce qui se rapproche le plus d’une rupture de rythme. Compte tenu de l’importance accordée par l’album aux grandes mélodies, je n’ai pu m’empêcher de regretter que le groupe n’explore pas davantage son côté plus doux et plus spacieux. Lee est également totalement absent en tant que chanteur principal pour la première fois, et bien qu’il n’y ait pas beaucoup d’endroits où ses cris auraient été à l’aise, il est dommage que les meilleures performances vocales de Carbone ne soient pas vraiment mises en valeur. Enfin, le deuxième single « The Conduit » a été quelque peu divisé parmi les auditeurs, et ce n’est pas sans raison. Bien que je ne puisse pas vraiment la qualifier de « mauvaise » chanson, c’est certainement leur création la plus lourde et la moins stimulante, s’en tirant grâce à un refrain accrocheur et à un changement de troisième acte astucieux, alors que le riff principal simpliste et les ponts fastidieux de l’AAL ne font que passer. Le riff principal simpliste et les ponts défectueux de l’AAL ne font que passer. La production gonflée fait de l’album un simple bon pouce qui dépasse d’une liste de titres autrement brillante.

Malgré ces légères imperfections, c’est un plaisir de pouvoir dire que Moon Tooth a encore réussi, en affinant et en renforçant son approche singulière de l’écriture et en gardant les choses fraîches dans le processus. Il s’agit de 11 chansons qui ne ressemblent en rien à celles que le groupe a proposées auparavant, même si elles sonnent indubitablement comme du Moon Tooth. Phototroph a tout ce qu’il faut pour faire une véritable percée, ou même pour devenir un véritable succès, le genre de rock audacieux et émotionnel qui ne s’est jamais démodé depuis son apogée. Lee a dit qu’il voulait que son groupe soit « le prochain Metallica ». Cet album rend ces ambitions étonnamment réalisables, mais il laisse également une multitude d’autres chemins disponibles pour une traversée ultérieure – un spectre complet et magnifique de musique lourde à choisir. Qu’ils atteignent miraculeusement le succès grand public qu’aucun groupe de rock n’a connu depuis des années ou qu’ils continuent à consolider leur réputation de chouchous de la scène prog-métal séquestrée, j’ai déjà hâte de voir ce que Moon Tooth nous livrera ensuite.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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