Susanna: « Elevation »

31 mars 2022

Après avoir interprété les tableaux du peintre néerlandais Hieronymus Bosch sur son avant-dernier album Garden Of Earthly Delights, Susanna n’a trouvé qu’avec son dernier album – l’œuvre solo, Piano & Baudelaire, une nouvelle source d’inspiration gratifiante – à savoir les poèmes du poète romantique français Charles Baudelaire, traduits en anglais. Et Elevation en est la suite élargie de l’album solo.

D’une part, Susanna a demandé à ses collègues Delphine Dora et Stina Stjern (avec qui elle avait déjà collaboré sur le projet Garden) d’opposer à ses nouvelles compositions une sorte de réalité sonore alternative au moyen de field recordings, d’installations sonores et de samples détournés, tout en reprenant ses activités de pianiste et de chanteuse, et d’autre part, Susanna a choisi cette fois-ci des textes de Baudelaire qui traitent plutôt des aspects maniaques, spirituels et extatiques des relations et scénarios amoureux que des sombres créatures fantomatiques comme dernièrement.

Le fait que certains passages soient interprétés dans un français bancal peut même être dû au sujet choisi. Sur le plan musical, cet album ne se présente plus comme une collection de chansons artistiques, mais se tourne à nouveau vers l’esthétique avant-gardiste que Susanna favorisait à ses débuts en tant qu’artiste solo. De plus, les vignettes chorales liturgiques, les madrigaux ou les bourdons d’orgue apportent la majesté et la révérence musicale nécessaires.

Susanna Wallumrød a participé à au moins 20 publications – soit en tant qu’artiste solo, soit avec son partenaire Morten Qvenild au sein du Magical Orchestre, soit en collaboration avec sa sœur d’esprit Jenny Hval ou la harpiste italienne Ciovanna Pessi, mais aussi avec son fan numéro 1 Bonniee « Prince » Billy ou, tout récemment, avec son cousin, le pianiste classique David Wallumrød. Ce qui est particulièrement intéressant, c’est qu’il n’y a pas de ligne stylistique ou musicale claire dans tout cela, et que chaque projet se tourne vers une approche différente. La curiosité musicale de Susanna semble donc aussi inépuisable qu’intacte – ce que démontre à nouveau de manière impressionnante ce nouvel album qu’est Elevation.

***1/2

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Friends of Hell: « Friends of Hell »

31 mars 2022

Lorsque l’on entendu parler pour la première fois de Friends of Hell et de sa composition, on eu l’impression que c’était trop beau pour être vrai : on a, en effte, un faible pour tous les groupes dans lesquels joue Taneli Jarva, car la touche personnelle de cet homme, que ce soit comme chanteur ou comme bassiste, a quelque chose de remarquable qu’il est difficile exprimer avec des mots. Tas Danazoglou (ancien bassiste d’Electric Wizard) à la batterie, ainsi que le chanteur dont la voix est un élément essentiel du doom metal finlandais : Sami Hynninen, également connu sous le nom d’Albert Witchfinder (actuellement dans Opuim Warlors ex Reverand Bizarreet Spiritus Mortis, entre autres) font de cette formation rien de moins qu’une équipe de rêve. La présence du guitariste Jondix, moins connu, a éveillén otre curiosité, étant donné que la qualité des riffs est absolument cruciale dans le doom metal, sans compter que des membres de ce groupe de haut calibre ne choisiraient personne en dessous de leurs critères incroyablement élevés pour ce rôle pivot. L’album, sorti le 18 mars 2022, est la date du 46e anniversaire du frontman, via Rise Above Records, un label londonien appartenant à nul autre que Lee Dorrian, l’ancien chanteur de Cathedral et Napalm Death.

Le nom du groupe est un hommage explicite au deuxième album de Witchfinder General, mais il suggère également que tout cela ressemble à une réunion de vieux amis : ils ont certainement pris du plaisir à enregistrer cet album éponyme, comme un regard partagé sur le passé associé à la volonté d’apporter le meilleur à la table, et l’intention précise de jouer lentement.

L’album comporte neuf chansons, d’une durée moyenne d’environ 4 minutes chacune : pas de fioritures, pas de fadeur en vue, juste du doom metal traditionnel fortement inspiré de grands noms tels que Saint Vitus, Black Sabbath et Pentagram, avec un accent particulier sur ce que les années 80 ont apporté au style, une décennie trop souvent marginalisée dans l’approche actuelle du genre.

Il y a un équilibre parfait entre une brutalité impitoyable et une élégance incontestable dans les chansons, ce qui est très probablement le résultat de la longue expérience des membres du groupe, chacun à sa manière. Le batteur et le guitariste sont les principaux compositeurs, tandis qu’Albert Witchfinder s’occupe de ses mélodies vocales. Tas a également assumé le rôle de parolier, et a réussi à mettre en mots ce que Friends of Hell cherche à partager avec le monde : les nombreux visages du mal, dans une ambiance imprégnée de cette esthétique particulière que l’on retrouve dans les films d’horreur des années 70, ainsi que dans les histoires de vampires.

Sur le plan musical, l’album est un mélange parfait de riffs massifs et vraiment mémorables, de lignes de basse épaisses dans le style de Jarva, à la fois direct et élégant, et de batterie groovy, tandis que le chant, assez polyvalent et coloré, reflète l’atmosphère sinistre et glaçante de manière majestueuse.

Il ne m’est pas possible de choisir une ou deux chansons du premier album de Friends of HelL comme étant les plus représentatives, puisque cet opus doit être vécu comme un tout, mais je peux dire que, par exemple, « Evil They Call Us » a une vibe Black Sabbath proéminente qui pourrait faire croire à n’importe qui que le groupe est 100% britannique, ou « Into my Coffin », dont le rythme entraînant, le son obsessionnel de la basse et le chant téméraire donnent un aperçu de ce que cette œuvre d’art nostalgique mais pétillante est en termes de variété.

Écouter cet album avant de s’endormir vous donnera probablement les pires cauchemars du monde, mais je vous le recommande vivement : la qualité de l’écriture et de l’interprétation rend ce scénario tout à fait captivant et, au final, un bienfait absolu.

***1/2

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Sylvaine: « Nova »

31 mars 2022

Il y a quelque chose d’absolument fascinant dans la façon dont de nombreux groupes de blackgaze mélangent les éléments atmosphériques, éthérés et légers avec l’esthétique barbelée et dure du black-metal. Les rythmes endiablés, les guitares trémolos et les cris hargneux font des merveilles en tandem avec les magnifiques paysages sonores ambiants et les chants angéliques, en particulier. Le quatrième album studio, Nova de la multi-instrumentiste norvégienne Kathrine Shepard, qui sortira sous son pseudonyme artistique, Sylvaine via Season of Mist, et cette sortie consolidera sans aucun doute sa place dans le panthéon du métal atmosphérique de ce genre extrême. Le communiqué de presse indique que chaque note de l’album est hantée par une sincérité primitive, et je ne pourrais être plus d’accord. Progressant avec la lenteur et les longs traits du post-rock et de la musique ambiante, la sélection de sept nouvelles chansons de Sylvaine invite l’auditeur à embarquer dans un voyage émotionnel qui oscille entre spiritualité méditative et vulnérabilité brute. D’une certaine manière, les chansons résonnent comme un journal intime. En tant que centrale d’émotions brutes d’une seule femme, Sylvaine demande évidemment à être comparée à Myrkur, en particulier à l’album de 2017, Mareridt, mais la nouvelle offre traverse également jusqu’à la taille les mêmes rivages hantés que des groupes tels que Alcest, Ulver et Deafheaven. Sorti à l’heure où le monde semble plonger dans les ténèbres éternelles, une fois de plus, le chant de Shepard au dessus du mur de guitares distordues et oniriques semble particulièrement envoûtant, par moments. Le titre de l’album, par exemple, est un morceau choral chanté dans une langue imaginaire et pourtant, ses voix absurdes à plusieurs niveaux transmettent une émotion authentique qui donne froid dans le dos, sonnant presque comme une sorte de requiem.

Blackgaze est l’un de ces genres musicaux qui bénéficie définitivement de la forme longue des chansons. Par chance, Nova comporte deux chansons de plus de 10 minutes et aucun titre ne descend en dessous de 4 minutes. L’album précédent de Sylvaine, Atoms Aligned, Coming Undone, sorti en 2018, a repoussé les limites sonores de sa signature plutôt énergiquement – et la première longue saga de cette nouvelle publication, intitulée Mono No Aware, est encore plus extrême, un tantinet plus sombre, et recouverte d’un air distinct de mélancolie. C’est l’épopée blackgaze parfaite, en somme. La composition suivante de plus de 10 minutes est le morceau « Fortapt ». Il s’agit d’une épopée de 12 minutes un peu plus introspective, canalisant les vibrations shoegaze et dream-pop de chansons telles que « Autre Temps » d’Alcest, avec quelques remarques black-métal barbelées et des modulations angéliques à la Enya parsemées ici et là.

En parlant de dream-pop, sans sa coda teintée de black-metal, le morceau « I Close My Eyes So I Can See » aurait tout à fait sa place sur un classique des albums shoegaze des années 1990. Les guitares étincelantes résonnent avec l’air subtil de groupes tels que Slowdive et même la batterie syncope d’une manière quelque peu teintée des années 1990. Bien sûr, les diverses résonances vocales de Shephard ajoutent une toute nouvelle couche de mystère, ce qui fait que la chanson défie toute catégorisation trop hâtive. éNowhere, Still Somewhereé partage un courant sous-jacent similaire de type dream-pop qui est rehaussé par la voix multicouche à un degré significatif.

Au lieu de faire appel à des membres de l’élite du folk-métal, Sylvaine présente deux invités surprises sur le dernier morceau, « Everything Must Come to an End ». Les instrumentistes de formation classique, le violoniste Lambert Segura de Saor et le violoncelliste Nostarian aka Patrik Urban, ajoutent une touche cinématographique distincte à la chanson. Avec des mouvements minimalistes, la chanson devient assez énorme pour déplacer des montagnes, un peu comme le dernier morceau, « Time and Space », sur l’album Ma Fleur de The Cinematic Orchestra (2007). Shephard dit elle-même que « la chanson va se manifester de différentes manières, mais la partie principale de la guitare doit être suffisamment solide pour fonctionner émotionnellement par elle-même ». Il est certain que la omposition aurait fonctionné de façon remarquable en tant que morceau composé uniquement de guitare et de voix, mais l’émotion lente évoquée par le violon et le violoncelle élève cette méditation obsédante de 8 minutes à un tout autre niveau.

Le morceau bonus, « Dissolution », revisite les sphères de la dream-pop teintée des années 1990 pendant 6 minutes supplémentaires. Il sert de transition en douceur vers les profondeurs cinématographiques du dernier morceau de l’album. Elle pourrait être utile, surtout si vous écoutez l’album en boucle, car, avouons-le, vous serez tenté de le faire. Selon ses propres mots, « la musique est une tentative d’éviter les mots que nous ne pouvons pas exprimer dans la vie ». Le titre de la nouvelle création de Sylvaine, Nova, dont les paroles sont écrites dans une langue qui n’existe pas, est la preuve que certaines choses sont mieux exprimées par la musique.

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Orange Crate Art: « Contemporary Guitar Music »

31 mars 2022

S’il existe une technique éprouvée pour attirer un certain type d’amateurs de musique vers vos produits, c’est bien celle qui consiste à mettre en avant la nature obscure d’un artiste. Cette approche est applicable dans de nombreux scénarios différents. Si vous êtes un label de réédition, c’est une bonne chose si l’album que vous rééditez a fait l’objet d’un pressage limité à 50 exemplaires pour les amis et la famille en 1969. Si vous essayez d’impressionner vos amis qui pensent avoir tout entendu, dénichez un bootleg d’un groupe qui n’a jamais sorti de musique officielle. Si vous dirigez un label qui publie les nouvelles œuvres d’un artiste actuel, soulignez les longs intervalles entre les albums. Appâtez l’hameçon de la sorte et vous ne tarderez pas à attirer les obsessionnels qui recherchent, tels des junkies de l’audio, leur dernier tube.

On comprend donc la tendance à l’hyperbole dont fait preuve Somewherecold Records à l’occasion de la sortie de Contemporary Guitar Music. « Si vous êtes au courant du contexte, de la mythologie, alors vous saurez que la plupart des œuvres de [Orange Crate Art] n’ont jamais été publiées », affirme le texte accompagnant l’album. Nous sommes certainement intrigués – il y a très peu d’œuvres répertoriées sous Orange Crate Art sur Discogs, alors peut-être y a-t-il un énorme coffre-fort de matériel inédit accumulé au fil des ans. Sauf qu’il y a plus de 20 albums sur la propre page bandcamp du groupe, un mélange d’EPs, d’albums et de bandes sonores. Donc, à moins que nous parlions de niveaux de productivité de Prince, tout ceci indique que la mythologie mentionnée ci-dessus n’est que cela – un mythe.

Pourtant, l’homme de la publicité a fait son travail, et c’est pourquoi vous avez devant vous une critique de Contemporary Guitar Music. Le titre est plutôt prosaïque comparé à certaines des autres sorties d’OCA qui sonnent comme si elles auraient pu être des favoris populaires de Tangerine Dream ou Yes à l’époque, et cela est peut-être dû à un changement de style par rapport à ses autres productions récentes. Les récents EPs d’Orange Crate Art se sont appuyés sur l’attachement de Tobias Bernsand à Brian Wilson, ce qui est compréhensible vu le nom de son groupe ; avant cela, son travail comportait un élément shoegaze plus dépouillé. Cet album est musicalement plus proche de ce dernier, et il conserve un élément chaotique attachant. Comme Bernsand joue toute la musique lui-même, il veut peut-être donner l’impression d’un groupe qui commence à se souder dans une prise live sur le morceau d’ouverture « Stud Phaser ».

« Self-Similarity Fractals » »capture l’essence d’Orange Crate Art sur cet album ; un motif de guitare discipliné tourbillonne sur une guitare basse dubby et une batterie qui passe d’un son de cliquetis serré à la Seefeel à un rythme plus lâche à mi-chemin. Se promenant sur un tempo qu’Andrew Weatherall appelait « drug chug », Bernsand allège ce groove tendu en ajoutant un soupçon de steel drums par-dessus. C’est le stratagème favori des producteurs qui sont aussi des inconditionnels des Beach Boy, et cela fonctionne à merveille. Bernsand se contente de laisser ses morceaux évoluer lentement pendant toute leur durée, et ils prennent leur temps pour le faire – le trio de morceaux d’ouverture dure près de sept minutes chacun. Mais cela lui permet d’orienter occasionnellement l’arrangement dans une autre direction, de laisser la musique se dérouler à peu près comme le ferait un groupe qui improvise. Nous n’avons aucune idée de la façon dont un musicien peut saisir cet esprit, mais nous le félicitons de l’avoir fait.

Bernsand a révélé qu’il s’agit de sa troisième tentative d’enregistrement d’un album pour le label Somewherecold ; cela n’allait pas en 2017 et 2019, mais tout s’est mis en place en juin 2021. Nous ne sommes toujours pas convaincus par les tentatives du label de mythifier les œuvres inédites d’Orange Crate Art, bien qu’il ait fallu attendre cinq ans pour cela, ce qui est peut-être compréhensible. Certes, le titre de l’album n’a pas été retenu – on dirait qu’il s’agit d’un disque de guitare folk acoustique – mais musicalement, l’album ne fait pas fausse route. Bernsand a créé un son vaporeux et hypnotique, tendu mais toujours lâche, parfait pour s’écrouler par une après-midi ensoleillée. Contemporary Guitar Music devrait, espérons-le, permettre à Orange Crate Art de se libérer de l’étiquette d « artiste obscur ».

***1/2

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Low Altitudes: « Waves »

31 mars 2022

Comme la pandémie s’atténue, nous nous attendons à ce que la vague d’albums sur la pandémie s’atténue également.  Mais nous avons déjà été trompés, ce qui donne au titre Waves une double signification.  Il y a d’abord les vagues littérales : les sons du rivage recueillis par Low Altitude dans le Suffolk, le Sussex, le Kent, le Devon, Anglesey et le Yorkshire.  Ensuite, il y a les vagues de la pandémie, ainsi que les vagues correspondantes d’anxiété, de soulagement et de nouvelle trépidation.  L’artiste répond à ces vagues par ses propres vagues : des lames d’ambiance qui apaisent et réconfortent l’auditeur.

L’œuvre représente un phare, qu’il faut s’efforcer de voir : installé sur un rocher géant, stable et résolu.  Les gribouillages ~ ^^^^^ ~ sont parfois penchés et parfois debout, comme des vagues abrégées, des ailerons de requin ou des éclairs de peur.  Le papier bleu clair semble avoir été froissé et défroissé comme une idée jetée et sauvée, ou une vie endommagée et réparée.  Au-dessus de tout cela, un minuscule arc-en-ciel, symbolisant Noé, la fin de la pandémie, et une sorte de liberté et de fierté plus larges.

L’album commence sur une note joyeuse, avec des clapotis légers et des chants d’oiseaux.  La musique semble aérée et lumineuse.  Mais « Porth Wen »  ne dure que 57 secondes et cède rapidement la place à « These Are Heavy Things ». La dichotomie est établie : les choses éternelles nous attirent, y compris la tranquillité du rivage.  Mais d’autres marées s’approchent.  Les vagues de drones statiques laissent entendre que ces choses sont effectivement lourdes.  L’artiste soustrait les drones à la fin pour se concentrer sur les carillons, un changement subtil, mais crucial.

La spécificité des enregistrements de terrain fait partie de l’attrait de l’album.  À aucun moment ces vagues ne sont violentes, et les oiseaux ne s’élancent pas pour défendre leurs nids.  Le danger est dans l’humanité, pas dans la nature.  Et si la nature est bienveillante, ou du moins impassible, alors le danger immédiat est peut-être dans les esprits. Le ton de l’album suggère que l’artiste a été restauré par l’immersion dans les idées de cycle et de flux.  Même au milieu de la densité, il y a des moments de lumière, notamment dans « Iken Beach » » où l’artiste laisse les enregistrements sur le terrain rester audibles tout au long de l’album, accompagnant les mouettes de touches lumineuses.

La nature douce-amère du titre final, « Last Days of Summe », est compensée par la date de sortie.  Tout le printemps et l’été nous attendent, et nous ne pouvons qu’espérer que nous nous approchons également de la lumière d’un changement émotionnel.

***1/2

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Sophia Jani: « Music as a Mirror

31 mars 2022

Les débuts littéraires de Sophia Jani sortent juste au bon moment, alors que l’hiver se transforme en printemps.  L’éveil de cette musique est comme celui des pétales au soleil.

En novembre dernier, Jani s’est présentée au monde avec le morceau « The dark and the light and everything in between », inspiré du poème de Charles Bukowski « Mind and Heart »  Ce titre a marqué un tournant pour la compositrice, qui semblait avoir trouvé sa voix lors de sa création.  La nouvelle phase de Jani est devenue le point d’ouverture de l’album : des cordes qui dansent, s’arrêtent et dansent à nouveau, comme si elle choisissait entre deux personnalités et réalisait qu’il n’est pas nécessaire d’en écarter une ; comme elle l’écrit, « léger et sombre à la fois » (light and somber at the same time).

La chanson-titre est écrite pour un quintette à vent, faisant écho au traité de Robert Greenberg, Music as a Mirror of History, mais en enlevant les deux derniers mots.  Cette légère modification rend la composition encore plus personnelle et construit un pont que l’auditeur peut traverser.  Pour le compositeur, la musique est le miroir de l’âme ; pour l’auditeur, une collection musicale peut être le miroir d’une vie.  La composition de treize minutes, interprétée par le Dandelion Quintett, reste confiante et active tout au long de son temps de jeu, une force imparable et colorée.

« Everybody was so young » est une œuvre en deux parties, dont le titre est tiré du roman historique du même nom d’Amanda Vaill, une histoire d’amour dans laquelle le couple croise la route d’Hemingway, Fitzgerald, Picasso, Porter, Parker et d’autres personnages célèbres.  C’est un sujet intéressant à aborder pour un jeune compositeur : regarder la fraîcheur de la jeunesse, comme une vieille âme.  La retenue dolente du premier mouvement fait preuve d’une maturité louable, mettant en place les ébats du second.

Puis arrive le cœur de l’album, basé sur la première strophe de « Daisy Time » » de Marjorie Pickthall : «  See, the grass is full of stars, Fallen in their brightness ; Hearts they have of shining gold, Rays of shining whiteness » (Voyez, l’herbe est pleine d’étoiles, Déchues dans leur éclat ; Elles ont des cœurs d’or brillant, Des rayons d’une blancheur éclatante).

La métrie correspond à celle de « Good King Wencesla », mais Jani choisit une direction différente avec une suite de 19 minutes en sept mouvements interprétée par l’ensemble Kontai.  La composition alterne entre la réflexion ~ le regard vers le bas, comme vers l’herbe tachetée de rosée ~ et l’émerveillement reconnaissant.  Le poème traite le rajeunissement terrestre comme une manne, et les cordes offrent une réponse proportionnelle. « Part IV » s’écarte du scénario, introduisant une tension bienvenue, s’effondrant sur elle-même, ouvrant la voie à la résolution.

L’album s’achève sur un autre titre tronqué, « Andrà », un mot italien qui se traduit généralement par » andrà tutto bene »,tout ira bien. Cette interprétation comprend un jeu de mots, fine signifiant la fin d’une composition.  Tandis que Carlos Cipa joue ddes touches du piano, l’auditeur tente d’intégrer cet espoir, à savoir qu’à travers la guerre, la famine et la maladie, il est toujours possible de découvrir la paix intérieure, portée par les courants du printemps et les étoiles tombées, qui brillent dans le ciel.

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Thumper: « Delusions of Grandeur »

31 mars 2022

Il y a une facilité avec laquelle le sextet britannique de noise pop-punk Thumper fait son travail en prenant des chansons accrocheuses et radiophoniques et en les développant, les tirant doucement vers des territoires plus expansifs. Ceci est résumé dans un texte de la première piste « Fear of Art' » où Oisin Leahy Furlong nous fait savoir : « Ce ne sont que des mots, et ce n’est qu’une chanson » (These are just words, and this is just a song). C’est cette approche décontractée qui leur permet de faire évoluer des morceaux de trois minutes vers des produits plus longs crédibles, psychédéliques et teintés de rock alternatif, atteignant les sept minutes et plus, sans que cela ne semble forcé ou artificiel, ou sans perdre la qualité ou l’attention de l’auditeur.

Il s’agit d’une astuce astucieuse, à laquelle les Wildhearts étaient particulièrement habiles, et pour laquelle Thumper semble avoir un talent certain.

Avec un son qui a beaucoup de pop alternative de la fin des années quatre-vingt-dix, avec des éléments de Smashing Pumpkins, les Wildhearts susmentionnés et des soupçons de Weezer et Ash, qui a grandi et englobe le boom indie des années quatre-vingt, ainsi qu’une touche de prog et de Psych mélangée à un peu de Royal Blood pour faire bonne mesure, c’est un cocktail fort et puissant que les six membres de Dublin ont préparé.

Le premier « single », « Ad Nauseum », peut être un point de départ évident avec ses crochets inspirés des Hives, mais c’est vraiment lorsque les chansons s’ouvrent naturellement, comme la démarche assurée de la mesurée « Greedy Guts », le centre du coda sur la pétillante « 25 », ou l’exploration sombre de « Topher Grace «  qu’elles prennent tout leur sens. Et bien que l’avantage d’avoir deux batteurs ne soit pas vraiment exploité sur le disque – bien qu’il ajoute une touche sonore cool lorsqu’on l’écoute au casque – il sera sans aucun doute plus efficace dans l’environnement live comme contrepoint aux moments et mélodies plus ensoleillés, en particulier sur le groove façon Queens of the Stone Age sur « Overbite » ou le point culminant vibrant qu’est « Loser » ».

Une vision très bien réalisée, avec un titre plein d’autodérision en prime, ce premier album prouve que ce ne sont pas des illusions de grandeur, mais une première profession de foi on ne peut plus forte.

***1/2

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Kee Avil: « Crease »

30 mars 2022

Kee Avil n’est pas un individu, ni un groupe, mais plutôt un concept, un collectif, un projet, la création de la productrice et guitariste montréalaise Vicky Mettler. Son premier album, Crease, est présenté comme « l’expression singulière d’une logique onirique fracturée, concrétisée par une guitare postpunk ciselée, une électronique sinueuse de bas de gamme, une panoplie de micro-échantillons organiques et numériques créant un rythme tour à tour saccadé et propulsif, et l’intimité anxieuse de son lyrisme et de sa voix finement ouvragés ».

Tout cela semble assez grandiose et suscite de grandes attentes. Heureusement, Crease ne déçoit pas. Pour gérer ces attentes élevées, il faut établir ici et maintenant qu’il ne s’agit pas d’un album conventionnel, avec des chansons faciles aux structures couplet/refrain évidentes ou accessibles.

« See, my shadow » commence par des relents de la première PJ Harvey, mais se transforme rapidement en post-punk industriel avec des rythmes électro/hip-hop, plus proche de Lydia Lunch aux commandes de Coil remixé par Portishead. Il se passe beaucoup de choses en l’espace de quatre minutes, mais c’est tout à fait normal ici : Crease est aussi riche en idées qu’en étrangetés sonores. Ce n’est pas un album facile à appréhender, et Mettler s’y montre tout à fait différente. Certains pourraient dire folle, déséquilibrée, mais ce n’est pas ça. Il est juste évident qu’elle existe sur un autre plan, et , ainsi, l’album évite les structures conventionnelles pour explorer des voies d’écriture qui reflètent plus étroitement une vision et un concept alternatifs des « chansons ».

 

On ne veut certainement pas dire que c’est une critique, mais, en disant que c’est de l’art, c’est fondalement supérieur. Si c’est supérieur, ça ne l’est pas pour cette raison ; Crease est clairement le produit d’un état d’esprit assez spécifique, et d’une détermination à trouver un moyen de s’exprimer. Et parfois, pour articuler, il faut aller au-delà du langage et des structures musicales conventionnelles. Ainsi, ce que le disqueexprime, c’est une séparation du reste du monde, l’agitation de l’esprit, la dualité du monologue interne.

« Drying » est clairsemé, buggé ; un cliquetis et un pop de percussions fournissant un cadre erratique pour l’instrumentation accessoire et le chant ralenti, opiacé, à la fois sulfureux et menaçant.

« And I » se veut dépouillée, à base de guitare acoustique grattée ; le picking tendu rappelle parfois les débuts de Leonard Cohen, et l’atmosphère est tendue à l’extrême. Il s’agit d’un cours magistral sur la façon dont le moins est tellement plus, et comme la voix haletante de Mettler s’arque sur les frettes, une sorte de magie se produit dans la façon dont il vous attire avec une sensation hypnotique. « Devil’s Sweet Tooth «  s’élance et se balance, les violons vacillent au bord de la rupture.

Il est souvent difficile de comprendre les paroles, alors vous vous penchez plus près pour essayer d’y mettre votre tête et vos mains. Vous échouez, mais vous êtes attiré par l’étrangeté dissonante qui est plus que de la musique : c’est un monde de déconnexion et de dislocation. C’est troublant, étranger, mais probablement meilleur que ce que l’on écoute en ce moment.

***1/2

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The Neuro Farm: « Vampyre »

30 mars 2022

Vampyre est le troisième opus de The Neuro Farm un groupe de Washington DC, après The Descent (2019) et Ghosts (2014). Si les titres des albums suggèrent l’obscurité et la hantise, c’est tout à fait approprié pour un groupe qui récolte des influences dans le domaine qui contient Joy Division, Radiohead, Nine Inch Nails, Siouxsie and the Banshees, Sigur Ros, Chelsea Wolfe, Portishead et Rammstein.

Composé de Brian Wolff (guitare, voix), Rebekah Feng (violon, voix), DreamrD (batterie) et Tim Phillips (synthétiseur), le violon et le synthétiseur s’efforcent d’apporter des éléments instrumentaux plutôt inhabituels au format, notamment en l’absence d’une basse en direct. Ce n’est certainement pas une impédance (les seules personnes qui s’en prennent à la basse synthétique semblent ironiquement être des fans de The Sisters of Mercy qui n’ont pas tourné la page de 1985 – pour qui boîte à rythmes voulait dire cool et basse synthétique signifiait pas cool).

Chose dite, Vampyre est un album conceptuel, qu’ils expliquent comme suit : notre héroïne titulaire, attirée par la promesse de l’immortalité, se voit imposer cette malédiction par le leader égocentrique d’un culte vampirique. Mais au sein du culte, les désillusions se multiplient et l’héroïne crée ses propres adeptes. Elle finit par rejeter son créateur, se rebellant contre lui et son institution en décomposition. Elle fait un dernier adieu à son mari mortel, se détournant de l’humanité et embrassant sa nouvelle nature. Elle tue son ancien maître lors d’un « massacre de minuit » et se déclare reine.

Même si on est un défenseur des albums plutôt que des collections aléatoires de chansons, on peut avoir parfois du mal avec les albums conceptuels, dans la mesure où suivre une narration est souvent assez difficile. Trop de narration peut être ennuyeux ; trop peu, et vous êtes perdu, vous demandant ce qui se passe. C’est un territoire épineux sur lequel il faut naviguer en toutes circonstances.

« Cain » est, à cet égard, une introduction audacieuse et théâtrale, lespersussions sombres qui roulent et grondent fournissant une toile de fond stoïque à des voix théâtrales et dramatiques. « Feng » n’est pas seulement opératique dans sa prestation, mais elle est soutenue par un arrangement choral complet, puis le violon s’insinue et l’échelle cinématique de la composition se révèle alors dans toute son excentricité.

C’est aussi ce qui va se passer avec «  Purity », un morceau lent qui, en six minutes et demie, se faufile entre le gothique Christian Death de l’ère Rozz, le stoner rock laborieux et le post-rock qui va crescendo.

Le titre « Maker « apporte une touche de grandiloquence, à l’image du « Carmina Burana » de Carl Orff, en passant par divers passages où le ma^îre-mot sera grandeur et où on trouvera, en effet, myriade d’élements à assimiler. Le prog-rock spatial de  » »Enthralled », l’électro industrielle glauque du « single » « Confession » ou la mélancolie chargée de cuivres du métallique « Decay ». Le titre de l’album, guidé par des pianos et des échos, est une sorte de chef-d’œuvre gothique, sombre, ombrageux, avec des voix envolées. Il déborde de qualités épiques qui touchent les centres émotionnels et s’épanouit dans une cascade glorieuse de soleil, où le goth et le post-rock sont en parfaite concordance. Cela ressemble à un final, mais les trois chansons restantes continuent de projeter des atmosphères riches et résonnantes, avec « Midnight Massacre «  qui débarque de manière inattendue sur la fin avec un glam-stomp aux accents lugubres. C’est du vrai rock gothique, parfaitement réalisé.

Le plus souvent, tout ce qui se dit gothique et qui emprunte la voie du vampire » a tendance à être maladroit, ringard et cliché, mais malgré tous ses penchants conceptuels, Vampyre n’est rien de tout cela ; au contraire, c’est comme un plongeon plus sombre et plus gothique dans le domaine des premiers iLiKETRAiNS. Mais par-dessus tout, c’est un exercice varié, imaginatif, dramatique et vraiment spectaculaire.

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Wallows: « Tell Me That’s Over »

30 mars 2022

En 2019, Wallows posait la question essentielle : « Are You Bored Yet ? » (Vous vous ennuyez déjà ?). Trois ans plus tard, ils sont de retour avec leur deuxième album Tell Me That It’s Over. Une chose est sûre : toute question d’ennui est effacée de l’ardoise et Tell Me That It’s Over est un plaisir non stop, non dilué.

Avec un souffle vivifiant et stabilisant, « Hard to Believe » explose. C’est cette hésitation initiale qui domine l’album : comme si Wallows avait eu une grande prise de conscience et qu’ils étaient juste nerveux de la dévoiler. Au fil du temps, cependant, ils s’installent dans cette situation et se l’approprient. Depuis l’album Nothing Happens en 2019, le groupe a entamé une courbe d’apprentissage et ce nouvel opus présente un nouveau Wallows : ils sont plus attentifs, plus astucieux et prêts à montrer leur vrai visage sur ce disque.

C’est une démarche intrépide mais intrinsèquement douce : après avoir fait le tour de la question, ils en ressortent avec un verre à moitié plein. Tell Me That It’s Over est un ressort sonore dans votre démarche ; après avoir lutté pour trouver leurs marques et déchiffrer qui ils pourraient être, ils ont laissé tomber l’incertitude. Au lieu de cela, ils regardent l’avenir avec des yeux brillants. Il y a un mysticisme étourdissant dans des morceaux comme « Permanent Price », un titre lié à l’amour et dosé d’harmonies aériennes, une ode à une relation rédemptrice. 

C’est sans aucun doute l’album le plus romantique de Wallows à ce jour – romantique dans le sens où il est plein d’espoir, imaginant votre avenir en cinq secondes d’engouement. Il évoque le même sentiment par des chemins différents : « Missing Out » est une pensée persistante dont vous ne pouvez vous débarrasser, tandis que sur le plan sonore, « Hurts Me » et son synthétiseur lourd et joyeux décrit le vertige de ces semaines dans l’éther. Bien sûr, Wallows est toujours sérieux et réel – la douleur se fait parfois sentir, et ce n’est pas toujours l’extase absolue. Mais même lorsqu’ils chantent qu’ils se sentent stupides en amour et qu’ils en affrontent les répercussions, il y a un sentiment d’affection qui fait que l’album donne l’impression de tomber la tête la première. 

Ils sont plus audacieux dans leur expérimentation qu’auparavant, donnant la priorité à la passion et à l’excitation plutôt qu’à la satisfaction des gens. Tout est livré avec un sourire malicieux et c’est dans ces moments que Wallows est à son meilleur. Des morceaux comme « At the End of the Day « peuvent polariser ceux qui sont habitués à la bedroom-pop directe sur laquelle Wallows s’est fait les dents, mais son chant amoureux et sa production étincelante et exaltée semblent toucher le cœur de ce que le groupe essaie d’accomplir ici. C’est un album rempli d’un espoir absolu : ils ont fouillé les profondeurs de leurs âmes et en sont ressortis assurés de l’euphorie à venir. 

Il y a une certaine tranquillité dans cette prise de conscience – il y a moins de moments vraiment turbulents. Au lieu de cela, il y a une contemplation et une paix intrinsèque au groupe. Ils essaient d’être la meilleure et la plus vraie version d’eux-mêmes, et ils y parviennent en s’amusant dans divers domaines de l’indie et de la pop. Alors que « Guitar Romantic Search Adventur »’ – l’un des meilleurs morceaux de l’arsenal du groupe jusqu’à présent – sort de l’album, l’erreur de prudence qui a précédé l’album a disparu depuis longtemps. Ils sont sans équivoque sûrs d’être là où ils sont, et Tell Me That It’s Over vous fait espérer que c’est exactement là où ils resteront. 

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Publié par rockdecibels

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