Country Westerns: « Country Westerns »

Le succès d’un groupe dépend des proportions. Les artistes construisent de la bonne musique en combinant ce qui a précédé de manière convaincante. Personne ne fait rien de nouveau, mais il faut savoir quelle part de chaque son un groupe emprunte, en plus de la superposition de diverses influences. En fin de compte, c’est ce qui frappe le plus dans le premier album éponyme de Country Westerns : un mélange parfaitement équilibré de pop, de grunge, de punk des années 70 et du bon tube country. C’est un album qui sonne bien et qui démontre l’importance d’un bon rapport musical.

Country Westerns est basé à Nashville, en passant par Brooklyn. Le chanteur-guitariste Joseph Plunket, anciennement de The Weight, s’est installé à Music City pour ouvrir un bar, et a fini par rencontrer le batteur/acteur Brian Kotzur de Silver Jews et du film expérimental Trash Humpers d’Harmony Korine. La bassiste Sabrina Rush a ensuite rejoint le groupe, faisant partir le trio en courant. La voix rauque de Plunket est pleine de caractère, ressemblant exactement à quelqu’un qui a quitté la musique pour ouvrir un bar et s’est retrouvé dans un groupe. Sa voix dynamise chaque morceau avec sa lassitude, presque comme si la musique se nourrissait de lui. C’est du pays dans l’énergie, sinon dans la technique. 

Et il semble que Plunket apporte beaucoup de nourriture à la musique, car elle est pleine et agressive, mais aussi décontractée, d’une manière typiquement country. Les premières fois que j’ai écouté le mélange de punk et de pop des Country Westerns, j’ai pensé aux Stiff Little Fingers d’Irlande, mais en retournant les écouter, je me suis rendu compte que si l’énergie et le mélodisme correspondaient, les Stiff Little Fingers étaient beaucoup plus durs et rapides. Mais les deux groupes ont en commun de construire des chansons magnifiquement fredonnées à partir du chaos des tambours qui s’entrechoquent, des lignes de basse élastiques et de beaucoup de distorsion.

Un morceau comme « I’m Not Ready » est en train de rouler, la section rythmique est bloquée au galop, la guitare de Plunket s’écrie avec de jolies mélodies tout en crachant de la distorsion. Le morceau est à petite échelle. Personne ne prend beaucoup de place, ce qui donne un son punk des années 70. La joie de la chanson est sa mélodie anthemique et le plaisir viscéral d’un groove qui ressemble à une voiture au point mort descendant une colline escarpée ; c’est le plaisir de l’élan.

« TV Ligh » recalibre le groupe davantage vers la country, Plunket criant pratiquement le refrain, la basse de Rush tirant la chanson, et un vacarme de chants de fond comme un stade de fans acclamant une équipe bien-aimée. Leur reprise de « Two Characters in Search of a Country Song » des Magnetic Fields est peut-être la chanson la plus country de l’album, qui fait de la parodie/homage des Magnetic Fields un véritable live country, à l’instar de Geppetto et Pinocchio.

Le rock & roll et la country se retrouvent souvent mélangés, mais il y a des degrés. Certains artistes sont surtout country avec quelques fleurons du rock & roll. D’autres sont du rock & roll avec une touche country. Country Westerns est capable de prendre l’esprit hors-la-loi de la country et de l’infuser dans le rock & roll influencé par le punk, ce qui donne un album qui ne sonne pas country, mais qui porte le genre dans son ADN. 

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Jason Isbell: « Reunions »

Reunions marque la fin de la trilogie de chefs-d’œuvre de Jason Isbell, qui a été réalisée après la période de sobriété. Cette phrase à elle seule serait probablement très décevante pour les fans qu’Isbell a rassemblés au cours des deux dernières décennies, les adeptes qui ont l’impression de la connaître par cœur grâce à son don pour mettre son âme à nu par la musique. Reunions est bien plus raffiné que tous ses précédentes peuvres et prend un son qui se situe quelque part entre son travail avec les Drive-By Truckers et les styles country plus intimes de sa carrière solo. Le départ sonore n’est pas l’aspect principal qui a indiqué la fin de cette trilogie – c’est le contenu lyrique. Isbell a toujours été un auteur-compositreur empathique qui essaie souvent de partager ses expériences à travers le regard de personnes qui ne sont pas lui-même. Ce sont souvent des histoires qui sont des réflexions sur son passé mais Reunions nous donne le regard le plus distinct sur Isbell en tant que personne qu’elle est maintenant, ses expériences directes étant entrelacées avec les chefs-d’œuvre de narration en matière de « storytelling » qui son fait sa calabrité

Ce changement est le plus radical dans les deux premiers « singles », « What’ve I Done to Help » et « Be Afraid ». Le premier ouvre l’album avec un rocker de près de sept minutes, imprégné de groove et de basse, en compagnie de son « support group », The 400 Unit, travaillant en tant qu’unité. Si la première moitié de la chanson comporte de nombreuses pépites lyriques, la seconde moitié est largement alimentée par le groupe, Isbell répétant « Ce que j’ai fait pour aider/Quelqu’un m’a sauvé » (What’ve I done to help/Somebody saved me ») avec les chœurs de David Crosby qui en font un « protest song » par excellence. Le « Be Afraid » reprendra ce message et ce style, la phrase « Si vos paroles n’aboutissent à rien, alors vous faites un choix, celui de chanter une reprise quand nous avons besoin d’un cri de guerre » (If your words add up to nothing then you’re making a choice, to sing a cover when we need a battle cry) devenant déjà assez tristement célèbre. Le refrain de la chanson est une répétition du cri de guerre « Ayez peur, ayez très peur / Faites-le quand même » (Be afraid, be very afraid/Do it anyway), ce qui le rend similaire à « What’ve I Done to Help » : le message est au bon endroit, les vers et la musique délivrent, mais le refrain ne correspond pas tout à fait aux standards attendus d’Isbell. Si ces deux chansons ont à l’origine donné l’image d’un changement assez important pour Isbell, le reste de l’album se situe parfaitement entre elles et son œuvre passée.

En fait, le reste de Reunions voit Isbell à son apogée musicalement et en concurrence avec le reste de sa carrière lyrique. « Dreamsicle » est la chanson la plus complète qu’il ait jamais faite, la dichotomie entre les souvenirs d’enfance et les tourments étant parfaitement saisie par 400 Unit, ce qui crée une fusion parfaite entre le travail acoustique d’Isbell et le groupe entier qui l’accompagne. Quelques morceauxs plus loin, « River », un air enjoué avec l’ajout bienvenu d’un piano et de merveilleux allers-retours avec le violon d’Amanda Shires, rivalise avec « Dreamsicle » pour ce titre. « River » est également le meilleur exemple de l’approche lyrique d’Isbell, à la fois fictive et narrative, mais qui parle vraiment de lui. Il raconte l’histoire d’un meurtrier qui retourne sans cesse à une rivière, souhaitant qu’elle le conduise à l’oubli, tout en lui demandant pardon en même temps.

Ces réflexions sur sa vie actuelle sont un grand thème de Reunions. Il s’est largement consacré à la contemplation de son cheminement passé et se concentre maintenant sur le chemin qu’il a parcouru et sur celui qu’il espère parcourir, tout en accueillant les fantômes de sa vie comme une présence constante. Cette nouvelle orientation conduit à des paroles parmi les plus directes de la carrière d’Isbell et, fait intéressant, à son point de vue le plus direct sur ses luttes contre la toxicomanie, un thème qui a été largement raconté par le biais d’images symboliques au préalable. « It Gets Easie » est entièrement consacré à sa vie quotidienne de personnage « clean » propre depuis huit ans. Il est évidemment heureux d’avoir gagné cette bataille, mais ne peut s’empêcher de penser aux tentations et aux difficultés qui l’accompagnent. « Letting You Go » est un récit direct de son expérience de nouveau père, depuis les premiers moments où il a ramené sa fille à la maison après l’hôpital jusqu’à l’idée de la donner à son mariage. Les deux chansons montrent qu’Isbell peut s’éloigner de son style narratif fictif tout en écrivant des chansons qui ont un impact profond.

On ne dira jamais assez à quel point The Unit 400 a fait sa part dans les réunions. C’est la plus grande cohésion qu’ils aient jamais manifestée sur un disque sans son intégralité en soutenant Isbell et peut-être la première fois qu’un groupe entier soutient son style d’écriture au lieu de lui servir de complément. Ils offrent une grande variété sur l’ensemble du disque, de la nostalgie de « Dreamsicle »à l’acoustique obsédante de « Only Children »en passant par les rockers mentionnés ci-dessus. « Overseas » est un autre point fort musical, où les guitares ponctuent ce qui pourrait être la meilleure et la plus dynamique performance vocale d’Isbell dans sa carrière. Au lieu de se sentir comme un accessoire inutile, ce qui a parfois été le cas sur les albums précédents, 400 Unit amplifie le thème de chaque chanson et si certaines des compositions de Reunions sont plus simples, ce fait est plus que compensé par la musicaité dont on dispose ici.

Reunions est indéniablement une nouvelle sortie charnière pour Jason Isbell. Son style musical est assez différent de tout ce qu’il a publié auparavant, il a une approche lyrique différente sur une grande partie de l’album, et l’homme derrière la musique est tourné vers le présent et le futur, même si la réflexion sur le passé est toujours très présente. Cela étant dit, il ne fait aucun doute qu’il s’agit d’un disque de Jason Isbell par excellence. Il ne s’agit pas tant d’un changement de son que d’une évolution logique et d’une combinaison d’influences, ainsi que d’un backing band qui atteint enfin son potentiel. Il contient toujours des paroles percutantes comme « Que dois-je faire pour que tu saches / Que je ne suis pas hanté par son fantôme / Qu’il danse dans notre chambre / Qu’il sente ton parfum » ((What do I do to let you know/That I’m not haunted by his ghost / Let him dance around our room / Let him smell of your perfume) et « Le ciel est gâché par les morts' »/C’est ce que ta maman a dit/Quand le corbillard était au ralenti dans le/parking /Elle a dit que tu pensais le monde de moi/Et que tu étais content de voir/Ils m’ont finalement laissé être un astronaute »Le ciel est gâché par les morts » ) (Heaven’s wasted on the dead/That’s what your mama said/When the hearse was idling in the/parking lot/She said you thought the world of me/And you were glad to see/They finally let me be an astronaut).

Plus que tout, cil s’agit d’un témoignage incroyablement authentique et d’une ouverture sur l’âme d’unvérotable être humain. Avec Reunions, Jason Isbell nous a tous accueillis dans cette nouvelle étape de sa vie, même s’il ne sait pas trop à quoi elle ressemblera il garde l’espoir que, peut-être, que ses mots retiendront la bête.

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Drive-By Truckers: « The Unraveling »

American Band de Drive-By Truckers est sorti un mois avant l’élection présidentielle de 2016 – ce qui semble une éternité, tant en termes de paysage politique que de temps entre les albums de ce groupe ordinairement prolifique. American Band était censé avoir le dernier mot sur tout cela, mais selon les notes de Patterson Hood pour leur 12ème effort en studio, The Unraveling, écrire des chansons d’amour idiotes semblait être le comble du privilège et on a donc droit à un album sombre et sans compromis sur des sujets tels que la violence armée, le nationalisme blanc, la crise des opiacés et l’enfermement des enfants dans des cages. Mais malgré des sujets similaires, ce n’est pas une suite à American Band et il importe peu qu’il n’y ait pas de morceaux individuels aussi immédiats que « Surrender Under Protest » ou « Guns of Umpqua ». Mais alors que l’album précédent était composé en grande partie des leçons d’histoires qui ont, depuis 20 ans, faconné le répertoire du groupe, The Unraveling est construit sur le principe que le personnel est également politique.

Hood encadre plusieurs chansons autour cette thématique soit en essayant d’expliquer les horreurs quotidiennes à ses deux jeunes enfants, soit en espérant qu’elles amélioreront un jour les choses sur « Thoughts and Prayers », un récit sans fard sur l’essor de la violence armée en Amérique. Il répète ce sentiment sur « Babies in Cages » dont le titre est fort explicite. Tout ce que Hood peut faire dans « 21st Century USA » » sera alors d’espérer et prier pour un jour meilleur.

C’est du lourd, et seule la catharsis souhaitée sur un titre comme « Thoughts and Prayers » offrira un moment d’élévation et de répit. Les lueurs d’optimisme sont d’ailleurs éphémères : le premier « single » « Armageddon’s Back in Town » est un road-song rapide avec un riff de rock classique, mais Hood y chante des bus en panne, sous la pluie, et sa responsabilité dans l’obscurité et la douleur. Ce n’est que lorsqu’intervient le coda instrumental frénétique de la chanson – un spectacle palpitant délivré par le batteur habituellement modeste du groupe, Brad Morgan – que le combo fait monter l’adrénaline.

Mike Cooley, une sorte de Confucius redneck qui semble ne jamais être à court de répliques sardoniques, n’a écrit que deux chansons ici, et l’une d’entre elles, « Grievance Merchant » – rompt de manière tranchante avec la ligne droite et en fait l’une des compositions les plus sérieuses sur le plan des textes et les plus dramatiques sur le plan musical qu’il ait jamais écrites. Dans le style conversationnel unique de Cooley, c’est un effort saisissant ; l’entendre avoir l’air si effrayé qu’il ne peut même pas prononcer une seule boutade est, à cet égard, vraiment effrayant. Son autre contribution, « Slow Ride Argument ,» est beaucoup plus amusante, avec ses accroches vocales qui se chevauchent et ses conseils effrontés pour se calmer après un débat animé, politique ou autre, en allant faire un tour en voiture, et, bien sûr, après avoir descendu quelques bières.Ce titre est un « rocker « mineur qui se situe stylistiquement quelque part entre Blue Oyster Cult et les débuts de R.E.M., c’est une preuve de plus que les Drive-By Truckers qont capables de transcender le label rock sudiste dans lequel ils sont encore inexplicablement catalogués.

Là où The Unraveling se démarque vraiment de son prédécesseur, et de tout le travail antérieur du groupe, se situe dans sa complexité sonore. L’ancien bassiste de Sugar, David Barbe, a produit tous les albums de Drive-by Truckers depuis 2001, et à son crédit, aucun d’entre eux ne se ressemble. Mais armé des jouets analogiques vintage à sa disposition, et accompagné de l’ingénieur Matt Ross-Spang, Barbe a aidé le groupe à créer sa première véritable œuvre d’art sonore. Un morceau comme « Rosemary with a Bible and a Gun » est transformé en quelque chose de captivant par la profondeur du mélange : les subtils accents de guitare en trémolo, l’accompagnement serré au violon/violon, le délicat mélange du chant de Hood et la réverbération naturelle du piano. Qu’il s’agisse d’astuces fiables (slapback à l’ancienne sur la voix de Cooley) ou nouvelles (faire passer une planche à laver dans un ampli de guitare, une pédale de wah, et un delay pour ajouter un effet d’ailleurs à « Babies in Cages »), les friandises pour des oreilles gourmandes ne manquent pas ici.

L’album s’achève sur « Awaiting Resurrection », d’une durée de plus de huit minutes, et qui, avec sa morosité implacable, la batterie minimaliste de Morgan et les guitares en toile d’araignée de Hood et Cooley, est un exemple de composition post-rock pour qui voudrait prendre des cours. Se concluant sur des vers come « I hold my family close/Trying to find the balance/Between the bad shit going down/And the beauty that this life can keep injecting », (Je tiens ma famille près de moi / J’essaie de trouver l’équilibre / Entre les mauvaises choses qui se passent / Et la beauté que cette vie peut continuer à injecter), Hood dans un phrasé fantomatique, revient une fois de plus sur le même thème. Hood et Cooley s’attardent davantage sur la les galères que sur la beauté dans The Unraveling; c‘est peut-être leur effort le plus conflictuel et le plus stimulant à ce jour, une œuvre complexe qui est plus un reflet qu’un antidote à la pénombre et l’obscurité .

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Cowboy Junkies: « All That Reckoning »

Depuis leur formation en 1985, les Cowboy Junkies ont discrètement fait leur chemin, mis à part l’improbable succès de leur deuxième album, The Trinity Sessions, vendu à plus d’un million d’exemplaires. Celui-ci lui a permis de s’imposer sur la scène folk et country alternative. Encore aujourd’hui, les Cowboy Junkies demeurent uniques et pertinents, comme en témoigne ce 17e album, le premier depuis le Kennedy Suite de 2013. Malgré les années, le son des Cowboy Junkies n’a pas changé d’un iota, ni le groupe d’ailleurs, toujours formé de Margo, Peter et Michael Timmins, ainsi que de leur ami d’enfance Alan Anton.

All That Reckoning est donc un album tout en délicatesse, même quand la bande décide d’appuyer un peu sur la pédale de fuzz. À l’instar des nombreux autres efforts du combo, tout ici est maîtrisé, retenu, l’envoûtante voix de Margo Timmins flottant au dessus des envolées oniriques du groupe.

Reste que si le ton invite à la rêverie, le fond est beaucoup plus sombre. All That Reckoning pourrait bien être le disque le plus sévère de la formation, road trip nocturne sur une route qu’on croit sans fin, disque de considérations politiques et sentimentales, qui appelle à rendre des comptes et aussi sans doute à se réveiller malgré la douceur et les caresse de leur musique.

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Giant Sand: « Heartbreak Pass »

Pour célébrer le 30ème anniversaire du groupe, How Gelb a compilé ici une sorte de rétrospective de Giant Sand qui revisite non seulement certaines anciennes compositions mais les divers styles musicaux dont le groupe s’est emparé au fil des ans. Heatbreak Pass est composé de trois « volumes » de 15 chansons chacun ; l’un se caractérise par abandon, bruit et hasard, l’autre par une perception de l’Americana aujourd’hui et le troisième par ce qu’est l’indie rock de nos jours, à savoir une assimilation d’influences aussi bien britanniques qu’américaine.

Pour cela, Gelb n’a pas fait appel qu’aul au line-up du groupe qui l’accompagne en ce moment et qui échange ses instruments d’un morceau à l’autre mais aussi à Maggie Bjorkland qu’il utilise fréquemment à la pedal steel, Lonna Beth Kelly pour les vocaux en duo et les harmonies ainsi que Grant-Lee Phillips, Jason Lyttle (Grandaddy), Steve Shelley (Sonic Youth), John Parish, le chanteur folk croate Lovely Quinces et la batteur original de Giant Sand, Winston Watson.

Une des particularités de Gelb est sa manière de jouer sur les mots ; exemple en est donné dès le début avec «  Heaventually » et sa douce rythmique oscillant au fil d’une guitare acoustique et d’une récitation du chanteur italien Vinicio Capossella. Si le morceau fait penser à Lou Reed, le suivant « Texting Feist » évoquera le Velvet vintage de la période « Waiting For The Man ». Les textes y font mention de Leonard Cohen dont on devinera l’influence sur un jazz-blues enfumé complet avec ses backing vocals féminins soul, « Done », figurant dans le volume trois.

Ailleurs, sur le premier, on remarquera « Hurtin’ Habit » un shuffle garage agité et aux percussions tribales qui, lui aussi, sera porté par un phrasé laconique à la Lou Reed et, en phase avec ses travaux récents plus expérimentaux avec Jason Lyttle, « Transponder » garni de bruits et de synthés « space » dans la pure tradition Grandaddy.

Le volume deux s’illustrera avec la pedal steel de Bjorkland sur un « Song So Wrong » au parfum roots très granuleux ou sur « Every Now And Then » qui se contsruira à partir de la voix de Gelb avant d’évoluer en tempo mariachi avec cuivres, guitare espagnole et choeur gospel (The Voices of Praise). « Man On A STring » reprendra la tradition « desert rock » et un autre shuffle reedien mid-tempo, « Home Sweat Home », nous narrera le difficulté d’équilibrer une existence partagée entre le fait d’être un musicien sur la route et d’avoir une vie de famille.

Le final du troisième volume s’orientera vers une atmosphère nocturne avec Gelb s’emparant du registre jazzy loung au piano (« Pen To Paper ») avec un contrepoint plein de fumée chuchoté de Lonna Beth Kelly, juste réponse au larynx de Gelb qu’on imagine plein de nicotine. Celui-ci restera derrière le piano pour l’instrumental cinématographique qu’est « Bitter Suite », puis viendra « House in Order », une ballade atténuée à la contrebasse façon Leonard Cohen, avant que la contribution de Kelly ne se poursuive sur un émouvant « Gypsy Candle » dont les cordes luxuriantes ne font qu’accentuer son registre délicatement épineux.

L’ensemble se terminera sur une sorte de passage de témoin, un acoustique « Forever And Always » écrit par la fille âgée de 12 ans de Gelb, Indiosa, sur lequel ils formeront un duo vocal. Inévitablement, en raison de la structure de ces albums, les humeurs seront différenciées entre le début et la fin ; il faudra donc accepter cette écoute éclectique qui n’est pas un caprice mais qui nous rappelle plutôt quel artiste Gelb se révèle être, un musicien dont les influences sont un adjuvant à l’inspiration.

***1/2

My Morning Jacket: « The Waterfall »

Sur The Waterfall, Jim James sonne comme un homme qui a trouvé la paix. Peut-être est-ce lié à son album solo en 2013 mais toujours est-il que ce nouvel opus solo depuis quatre ans voit le retour de My Morning Jacket à ce qu’ils faisaient de mieux au milieu des années 2000.

Il faut dire que Circuital avait déçu tant il semblait forcé dans cette espèce d’urgence qu’avait eu le groupe à intégrer des schémas prog-rock et ses solos de guitares en roue libre.

« Believe (Nobody Knows ») et « Like A River » ont une tonalité plus simple, plus légère et implacablement enlevée. Ce renouveau est permis par la production de Tucker Martine (Modest Mouse, REM) et il n’y a ici aucune once de gras et une fluidité qui rend justice à son titre.

Le groupe retrouve ses racines country sur les pincées de blues qui ponctuent « In Its Infancy » et les délicats arpèges de « Get The Point ». Voilà donc un album qui permettra de retouvéer foi en un combo qui paraissait s’être dirigé vers un style contre nature pour lui et renouer avec cette americana teintée de psychédélisme que la voix de James sait si bien mener vers des sommets.

***1/2

Dwight Yoakam: « Second Hand Heart »

Dwight Yoakam enregistra Guitars, Cadillacs, Etc. Etc., son « debut album » pour Reprise Records, à la fin des années 80. C’était une époque où la musique country qui passait à la radio était infestée de titres qui semblaient s’auto-parodier et d’arrangements prévisibles comme passés sous la même moulinette

Cet enregistrement eut l’ampleur d’un immense raz de marée qui se déversait sur un désert artistique et cela en fit un jalon incontournable pour la alt-country qui commençait à grandir mais aussi un hit massif pour la country « mainstream ».

Inutile de dire que cet opus fait partie des disques essentiels et, vraisemblablement pour en retrouver la saveur, Second Hand Heart, le 19ème album de Dwight Yoakam, voit l’artiste retourner à son label d’origine. Trente ans plus tard ce qui s’apparent à un message fonde un disque qui, à nouveau, servira de point de repère tant il est son meilleur album depuis des années, voire même des décennies.

Il est certain que Yoakam a toujours eu une relation compliquée avec la country grand public. Il est héritier de Buck Owens mais aussi le fils spirituel de Gene Clark et il est difficile de l’imaginer abandonner les influences punk qu’il s’est appropriées à Los Angeles à la fin des 80’s. En fait, Yoakam s’est autant emparé de la pop rock carillonnante des 60’s que de l’abandon débridé propre au punk et de la sincérité qui émane de la country des 70’s.

Sur Second Hand Heart il parvient à amalgamer la quintessence alt-country et la force du guitariste rock qui avec toutes les mimiques de la air guitar. Les titres d’ouvertures (« In Another World », « She » ou « Dreams of Clay ») vont résolument de l’avant et se mêlent à des morceaux comme « Liar » et « The Big Time » qui sonnent comme un exubérant mix des Beatles et de rockabilly classé X.

On ne regrettera qu’une seule plage, « Believe », dont la mélodie semble être empruntée au « Given to Fly » de Pearl Jam, chose irritante pour un album qui, autrement, aurait été un véritable sans fautes.

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Steve Gunn: « Way Out Weather »

Time Off, l’année dernière a été le premier effort solo de ce guitariste compositeur de Brooklyn faisant partie du groupe de Kurt Vile. Ce fut une petite révélation ; un mélange sans fautes d’arpèges en guitar picking et de rock début 70’s, un Led Zeppelin III reconstruit sou forme de mantra psyche-folk. La production poussiéreuse façon Fairport Convention convenait très bien à un album constitué de vignettes de genr ordinaires vaquant à leurs occupations.

Avec Time Off, Gunn avait montré qu’il était un véritable « songwriter » autant qu’un virtuose de la guitare ayant des penchants pour l’avant-garde (instrumentaux, projets psyche-drones). Way Out Weather est un disque qui va encore plus soutenir l’argument de Steve Gunn comme étant un musicien doublé d’un compositeur hors-pair.

On retrouve l’esprit jam session de l’album précédent mais il est désormais en compétition avec des structures plus conventionnelles de type couplet/chorus/couplet. Le baryton de Gunn s’est grandement amélioré et il est placé plus en avant dans le mix, talonné qu’il est par une production plus bouillante et agressive. L’instrumentation s’est étoffée puisqu’on y trouve orgue, banjo, lap steel, harpe et même quelques synthétiseurs ce qui permet à l’assemblage réuni par Gunn de parfum d’un véritable groupe.

Alors que son premier opus semblait insulaire et chuchoté comme une musique découverte au fond d’une cave, celui-ci affiche une musique ample et au cœur gros, fenêtre ouvertes sur le monde extérieur.

La production plus spacieuse s’intègre la plupart du temps à merveille à l’esprit de Gunn rappelant le Grateful Dead de American Beauty. « Milly’s Garden » juxtapose une merveilleuse guitare en open tuning à la poignante description d’un personnage, une femme, malchanceuse de naissance mais cherchant à trouver une issue. C’est en cet équilibre entre obscurité du réel et quête infatigable du soleil que se joue Way Out Weather ; et l’écoute en vaut la chandelle.

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The Pine Hill Haints: « The Magik Sounds of the Pine Hill Haints »

La pochette de The Magik Sounds of the Pine Hill Haints, le 5°album de ce groupe d’Alabama populaire régionalement capture à merveille l’esprit irrévérencieux du combo. Deux squelettes de mains invoquent les éclairs sous le nom du groupe écrit avec un lettrisme rappelant les affiches vintage qu’on trouvait sur les bords de routes.

Le tout semble imprimé sur un vieux livre datant de comics des 70’s eprésentant des publicités pour des monstres d’Halloween, de vieux tours de magie et de tout un tas d’artefacts liés à l’occulte. Quelque part Pine Hill Haints ont décidé de reprendre ces mythologies populaires et leur donner une réalité qu’elle n’ont jamais eue.

Pour asseoir cette crédibilité leur musique délivre ce que toutes ces légendes populaires nous faisaient effleurer sans qu’on y croie réellement. La première méthode est l’impact (14 plages en 37 minutes) pour ces musiciens qui se définissent comme des pourvoyeurs de « ghost music » que ce soit au niveau des sujets traités que de l’instrumentation.

Il s’agira alors d’utiliser les outils traditionnels (Katie Barrier au washboard, à la mandoline, et à la scie musicale et son mari, Jamie, aux vocaux, violon et guitares, Matt Bakula et Ben Rhyne au washtub et à la caisse claire et Sarah Nelson à l’accordéon) pour délivrer un son plein en dépit de la brièveté de certaines plages.

Le résultat est celui d’un album qui semble être partout mais dans lequel la dispersion stylistique est source de vitesse, pression et dextérité. On a, par conséquent, l’impression d’assister à un véritable assaut sur l’esprit, une indéracinable et inflexible attaque de sur notre entendement, bref une musique gothique qui, à partir des éléments les plus organiques qui soient, nous infligent affres qui ne pourraient venir que d’un autre monde.

Si les Ramones s’étaient formés dans les années 20, ils se seraient appelés The Pine Hill Haints ; tout comme eux ils développent une vision qui n’est certes pas originale mais ils puisent aux tréfonds de ce qui est aussi notre moteur pour nous faire croire, quelques instants, que le magique existe quelque part.

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Old 97’s: « Most Messed Up »

Cela fait vingt ans que Robert Miller, leader du groupe de alt-country The Old 97’s, célèbre deux choses : l’amour et la nausée. Most Messed Up continue dans cette tradition où The Old 97’s cultivent cet alliage détraqué de refrains boueux et crottés.

Les compositions sont toujours un appel, si ce n’est aux armes, du moins à se bourrer la gueule, ceci de manière toujours digne, au travers d‘un mégaphone aux accents country si aisés à identifier. Les accords de Miller ne méritent plus aucune introduction mais sa façon adroite de scruter ce que c’est que d’être un musicien imprégné par le scotch ou la bière a cette tonalité véridique dans la mesure où elle expose sans fard les conséquences que peut avoir ce penchant.

Most Messed Up n’est donc pas un hymne à l’alcool de plus ; d’ailleurs il est au niveau de l’instrumentation « tempéré » par la lap steel de Tommy Stinson qui ajoute à des motifs assez standards une surcouche opportune.

L’album s’ouvre sir ce qui est également le « single », « Longer Than You’ve Been Alone », une composition de six minutes dans laqulle Miller nous offre une analyse sensible de la vie de musicien rock que lui et son groupe mènent depuis de nombreuses années. « This Is The Ballde » sera un exemple de la constance avec laquelle The Old 97’s explore le registre qui est le sien.

Le combo a toujours eu une carrière discrète, ce qui, quelque part, lui permet d’oeuvrer à sa guise et sans rencontrer une attente particulière. Sa consistance est, par conséquent, inébranlable même si cette inaptitude à évoluer plus loin s’avère aussi son talon d’Achille. La participation de Stinson, pourrait être un élément déclencheur tout comme le fait que le groupe a décidé, après ce disque, de s’accorder une pause.

Au fond, quelque part, nous avons affaire ici à un témoignage autobiographique d’une carrière, avec avant tout ses aléas et son réalisme ; simplement The Old 97’s avaient, voilà 20 ans, ouvert une nouvelle voie à l’alt-country, il serait profitable qu’il s’impose désormais une cure de jouvence distincte de celle issue d’un sevrage d’alcool.

**1/2