Beach Bunny: « Emotional Creature »

28 juillet 2022

La formule « cet album est une version plus mature de [insérer l’artiste en question] » est probablement le cliché le plus éculé de la critique musicale, mais on ne peut nier qu’elle est parfois pertinente. Le deuxième LP de Beach Bunny, Emotional Creature, est l’un de ces cas. Avec la fusion caractéristique du groupe entre une indie pop accrocheuse et des préoccupations adolescentes, il y a beaucoup de maturité à atteindre, mais la question est de savoir si c’est le bon choix. Un tel changement va-t-il détruire les éléments essentiels qui ont permis au groupe basé à Chicago d’atteindre une grande popularité, grâce à la célébrité sur TikTok de leur chanson « Prom Queen » et à un premier album impressionnant (Honeymoon, sorti en 2020), ou s’agit-il d’un changement essentiel qui permettra au groupe de passer au niveau supérieur ?

Alerte spoiler : en tant qu’album, Emotional Creature ne donne pas de réponse décisive à ces questions. Pour donner un peu de contexte à cette critique, on se doit de faire quelques mises en garde sur mes sentiments personnels concernant la production précédente de Beach Bunny. Tout d’abord, on a trouvé l’assortiment d’EPs du groupe plutôt moyen

mais on a été véritablement subjugué par la magnificence de Honeymoon. Même s’il y avait beaucoup de défauts à relever, cet album était un début exceptionnellement solide et, ce qui est encore plus important, c’était le disque le plus accrocheur jamais entendu depuis cinq ans. Si vous ne me croyez pas, écoutez une chanson comme « Cuffing Season » ou « Dream Boy » trois fois de suite et essayez ensuite de vous endormir sans que l’un ou l’autre de ces airs ne vous reste en tête. Pour résumer, Honeymoon possède cette qualité indie pop tant recherchée, et fait naître de grands espoirs pour les futurs projets de Beach Bunny.

Même si ce nouvel album peut être classé dans les mêmes genres que son prédécesseur, Emotional Creature est une affaire différente. Du côté négatif, c’est un effort diminué dans l’aspect sur lequel Honeymoon a vraiment prospéré : l’accroche pure et simple. Cela ne veut pas dire qu’Emotional Creature est totalement dépourvu de jams, voire de bops, car dès le début de la tracklist, on trouve plusieurs morceaux qui pourraient y prétendre, comme l’ouverture « Entropy » ou « Deadweight », peut-être l’étalon-or de l’album en termes d’accroche. Mais même ces morceaux sont « juste » assez solides, et ne peuvent pas rivaliser avec les albums de la décennie si tel est le Òcritère.

Tout ce dernier paragraphe n’augure rien de bon pour Emotional Creature, certes, mais l’album parvient à combler une bonne partie de la différence. C’est un disque qui voit le groupe prendre des mesures pour diversifier son style, de plusieurs façons. Alors qu’Honeymoon était une collection dominée par des morceaux pop brefs et rapides, Emotional Creature mélange les choses à la fois dans le tempo et dans la longueur des chansons, avec à la fois quelques brefs interludes (dont « Infinity Room » se démarque comme un point culminant) et plusieurs chansons qui sont remarquablement expansives par rapport aux normes modestes de Beach Bunny (la dernière « Love Song » s’étend sur six minutes, y compris une belle outro rêveuse).

Cet album est aussi un peu un voyage, avec une première moitié dominée par des offres power pop mid-tempo, tandis que les dernières parties deviennent plus aventureuses. Outre « Infinity Room » et « Love Song », on trouve « Scream », certainement le morceau le plus expérimental de l’album, et probablement le meilleur de tous. Et cette tentative de secouer les choses s’étend également aux paroles. Lili Trifilio continue à chanter des vers qui ne sont pas si éloignés du fait de souhaiter être une fille de Californie ou d’aborder un certain nombre de tropes adolescents, bien sûr, mais il y a une couche supplémentaire de sombres qui apparaissent ici et là. C’est particulièrement évident dans « Weeds », où l’accent est mis sur la réalisation de soi plutôt que sur l’obsession des relations amoureuses pour la validation. Ne vous attendez pas à quelque chose de Dylanesque, mais on peut voir le groupe s’efforcer de gagner du terrain sur le plan lyrique tout en conservant son approche directe.

Emotional Creature ressemble à un album en crise d’identité, à certains égards. Bien qu’il soit toujours agréable à écouter, les points forts ne sont pas particulièrement clairs, et l’album semble à plusieurs reprises tiré dans différentes directions. C’est une position assez compréhensible. Les Beach Bunny ont atteint leur succès actuel grâce à une certaine formule, et ils sont maintenant confrontés à l’épineux dilemme de savoir s’il faut « ne pas changer de cheval en cours de route » ou s’adapter pour garder les choses fraîches. Emotional Creature offre suffisamment d’éléments pour satisfaire les fans de longue date du groupe, tout en permettant d’explorer d’éventuelles évolutions futures. En bref, c’est l’un de ces albums de transition dont l’héritage dépendra fortement de la réception des futures productions de Beach Bunny. Il est difficile de grandir, mais pour l’instant, Emotional Creature offre le solide portrait de ce que c’est que d’être un groupe en mouvement.

***1/2

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Jack White: « Entering Heaven Alive »

26 juillet 2022

La mesure dans laquelle la « lâcheté » artistique de Jack White n’a pas vraiment entravé sa carrière de manière significative est impressionnante. L’homme s’est reconverti en artiste solo après avoir mis fin aux White Stripes en 2011, et pour l’essentiel, ses deux premiers albums auraient tout aussi bien pu être des albums des White Stripes avec un membre en moins. Il est resté fidèle à ses riffs de blues, même si ses contemporains parmi les groupes du début des années 2000 qui étaient censés « sauver le rock » sont devenus plus étranges et ont adopté des sons et des idées qui ne passaient pas sur les radios rock classiques. Cela a fait de White un héros pour un certain type de snobisme musical insupportable, mais on se demandait si White, qui a toujours été un auteur-compositeur au talent indéniable, allait un jour se remettre en question. Puis Jack White a sorti Boarding House Reach, son album le plus aventureux à ce jour, dont le seul défaut est d’être pratiquement inécoutable. Pourtant, malgré les très nombreux défauts de cet album, il était agréable d’entendre White sortir du moule qu’il s’était créé et essayer quelque chose de différent. Peut-être, on l’espère, que la prochaine fois il apportera ce même esprit à un autre projet avec des chansons plus accessibles.

Il s’avère que le projet suivant de White est si vaste qu’il englobe deux albums. Le premier, Fear of the Dawn, est une collection de chansons maniaques et délibérément bizarres qui tentent, avec parfois du succès, de marier l’approche gonzo de Reach à des chansons que les gens pourraient avoir envie d’écouter. Entering Heaven Alive, en revanche, ne s’écarte pas seulement de son partenaire, mais aussi de presque tous les projets de Jack White jusqu’à présent. En 2022, plus de 20 ans après s’être fait connaître du public avec les White Stripes, White a sorti un album d’auteur-compositeur-interprète authentique. Il ne s’agit pas d’un départ total pour White ; certaines des chansons les plus appréciées de son catalogue sont des titres plus discrets comme « We’re Going to Be Friends » ou « You’ve Got Her in Your Pocket », mais il s’agissait toujours de pièces uniques, d’îlots de répit au milieu d’une mer de guitares fuzz. Ici, tout est guitare acoustique, piano et percussions délicates, une palette sonore située à mi-chemin entre Laurel Canyon et John Wesley Harding.

Un disque comme celui-ci présente une difficulté intéressante pour White : les disques d’auteurs-compositeurs-interprètes sont généralement considérés comme des œuvres émotionnellement brutes et honnêtes, mais White est peut-être l’une des personnalités les plus impénétrables et les plus recluses de la musique actuelle. Pourtant, White est peut-être l’une des personnalités les plus impénétrables et les plus recluses de la musique d’aujourd’hui. White peut au moins dépeindre de manière convaincante la vulnérabilité tout au long de l’album ; ses interlocuteurs sont des personnes perdues qui tentent désespérément de trouver l’amour ou, à tout le moins, un lien humain substantiel. Il y a des expressions d’affection sincère, le cœur sur la main (« Help Me Along ») et des regrets sur les erreurs du passé (« If I Die Tomorrow »), qui sont tous exprimés de manière assez directe. En temps normal, cela n’aurait rien d’exceptionnel, mais White a passé ces dernières années à faire la musique la plus bizarre et la plus aliénante qu’il puisse faire. Même si l’auteur-compositeur-interprète n’est qu’un costume de plus à revêtir pour White, Entering Heaven Alive montre que cela lui va plutôt bien.

Malgré tout, il y a des moments où Jack White, totalement bizarre, fait une apparition, et ceux-ci finissent par être les faiblesses de Entering Heaven Alive en tant qu’album. La nature excentrique de White fonctionne bien sur un morceau gonzo comme Fear of the Dawn, mais lorsque White commence à superposer des morceaux de guitare sur le morceau généralement sans structure « I’ve Got You Surrounded (With My Love) », ce n’est pas seulement dérangeant, c’est un acte d’auto-sabotage. Pire encore, « A Madman from Manhattan » est un morceau sinueux qui montre que les talents d’auteur-compositeur de White ne s’étendent pas vraiment à la narration à la troisième personne. L’album se termine par une version lourde de violon de « Taking Me Back », le single qui a donné le coup d’envoi du premier des deux albums de White de cette année, et bien qu’il soit intelligent d’utiliser la chanson comme une sorte de conclusion, cette version n’offre pas beaucoup pour justifier son inclusion.

Malgré cela, Entering Heaven Alive fonctionne suffisamment pour que ce soit le meilleur album solo de White et la meilleure chose qu’il ait faite depuis un certain temps. Il est suffisamment différent des deux personnages de White – le conservateur grincheux de la musique ancienne et l’excentrique grabataire – pour qu’il se démarque d’une manière que les dernières sorties de White n’ont pas fait. Derrière toutes ses activités extrascolaires et l’image publique épuisante qui lui est imposée par des fans grincheux et par ses propres tendances, White a toujours été un auteur-compositeur avant tout ; Entering Heaven Alive est le son qui lui permet de le demeurer.

***1/2

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beabadoobee: « Beatopia »

17 juillet 2022

Dans le sillage de son premier album, Fake It Flowers, Bea Kristi a fait l’objet d’une attente injuste. L’artiste qui se produit sous le nom de beabadoobee a été saluée par une partie de la presse musicale comme le signe que sa musique, clairement inspirée du rock alternatif des années 90, pouvait trouver un écho auprès d’un nouveau public et infiltrer la culture populaire. En raison de ses débuts sur TikTok, Kristi était un missionnaire potentiel pour un sous-ensemble de la culture qui sentait son influence sur les jeunes diminuer. Et bien que sa musique incorpore le rock indépendant de ses idoles – elle a écrit une chanson intitulée « I Wish I Was Stephen Malkmus » – ses chansons sont écrites à partir d’un lieu d’admiration pour l’attrait de masse pailleté de la musique pop. L’hypothèse avancée par ces spectateurs pleins d’espoir, à savoir que l’on peut faire du cheval de Troie avec du rock dans une chanson pop, reste à prouver. Indépendamment de ce qui l’attire personnellement, beabadoobee fait de la power-pop dynamique, capable de s’adapter à ses caprices. Parfois, elle se présente sous la forme d’une ballade à la guitare, lente et chaloupée, à laquelle sa voix aérienne donne de la force, comme sur le morceau « How Was Your Day » de Flowers. Plus souvent, elle s’exprime à travers des chansons optimistes, gonflées par des sons de guitare si brillants et tranchants que vous pouvez les sentir se répercuter dans votre corps. Quel que soit le moyen utilisé par Kristi pour canaliser ses ambitions musicales, il sera toujours plus intéressant que les récits dans lesquels sa production est placée.

Son deuxième album, Beatopia, la voit freiner la portée plus sauvage de son premier album et produire quelque chose de plus authentique. Nommé d’après le monde intérieur de son enfance, ses chansons sont plus authentiquement beabadoobee, moins comme si elle essayait des choses.

Beatopia est un album qui est plus captivant quand il essaie explicitement de l’être. Les morceaux les plus marquants sont dotés de refrains accrocheurs, d’accroches savamment élaborées et d’une production magistrale. Le premier d’entre eux, « 10:36 », est construit autour d’une combinaison de batteries live et de rythmes plus artificiels pour évoquer un ton frénétique. Dans ses paroles, Kristi admet froidement qu’elle garde la personne à qui elle chante autour d’elle uniquement par commodité. Alors que la chanson éclate dans une grêle de guitares atmosphériques, elle chante : « You’re just a warm body to hold / At night when I’m alone »  (Tu n’es qu’un corps chaud à serrer / La nuit quand je suis seule). C’est désarmant dans sa brutale honnêteté et permet à une chanson qui frappe déjà fort de porter un coup supplémentaire. Un autre point fort, le single « Talk », est une chanson power-pop accrocheuse qui s’aligne parfaitement avec le lead de Flowers, « Care ». Une batterie étouffée et la voix filtrée de Kristi naviguent sur une mer de guitares endiablées. Incorporant des aspects spécifiques du shoegaze à la musique pop, elle s’appuie sur les sons que nous avons vus récemment chez des artistes comme Halsey et Magdalena Bay.

Le refrain de « Don’t get the deal », morceau phare de la face B, contient des éclats de guitare et de voix à forte réverbération. Le caractère intermittent de la chanson est désorientant, mais il se traduit par un délicieux coup de fouet lorsqu’elle s’ouvre finalement sur un solo de guitare puissant, l’un des meilleurs de la carrière de Kristi jusqu’à présent.

Mais lorsque les moments forts de Beatopia font une pause, l’élan s’arrête net. Le bien nommé « Lovesong » passe la majeure partie de ses quatre minutes à être laborieux et clairsemé avant de s’épanouir, donnant un aperçu en temps réel de ce qu’il pourrait être plus intéressant s’il était plus élevé. Bien qu’elle soit accompagnée d’une section de cordes, la ballade « Ripples » ne parvient pas à décoller, donnant à chaque instant l’impression d’être un morceau calme qui n’est pas à sa place. La dernière chanson du disque, « You’re here that’s the thing », est étouffante. Le lyrisme de Kristi n’est guère un point de mire, car ses chansons vous saisissent par leur seule mélodie, mais l’écriture ici est chaleureuse, mais vide – « I’ve got you wrapped around my finger / Like a piece of ribbon / You just won’t admit it that you’re smitten » (Je t’ai enroulé autour de mon doigt / Comme un morceau de ruban / Tu ne veux pas admettre que tu es amoureux. Sur un disque qui signale tant de croissance pour beabadoobee, c’est un rare pas en arrière.

Il est difficile de trouver un article sur beabadoobee qui ne mentionne pas ses influences des années 90, et il est facile de voir pourquoi. Il y a indéniablement une trace de Liz Phair dans les albums qu’elle a sortis depuis qu’elle a signé avec Dirty Hit, et elle a parlé haut et fort des groupes qu’elle considère comme des influences pour elle, y compris des groupes comme Smashing Pumpkins et Sonic Youth. Cependant, Beatopia sonne comme un décalage dans le temps – n’étant plus redevable à l’outsider sleaze des années 90, le son de Kristi a complètement évolué vers le pop-rock des radios des grands labels des années 80. La meilleure comparaison serait peut-être Michelle Branch, qui a fait le même genre de hits pop-rock hyméniques que Kristi, des chansons qui vous supplient de crier chaque ligne en retour. Comme Branch avant elle, Kristi a exploité la puissance qui vient de la fusion de l’agression de la musique rock dans des chansons pop soignées et présentables. Bien que Beatopia soit un disque imparfait, c’est un niveau supérieur assez fort pour montrer quelque chose de, peut-être, plus que prometteur à l’horizon.

***1/2

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Superorganism: « World Wide Pop »

16 juillet 2022

World Wide Pop nous offre un  bel assortiment de sons et d’énergie, et c’est la version ambitieusement bizarre de la pop de Superorganism. Subvertir la « pop » n’est pas nouveau, ce qui rend d’autant plus spécial le fait que dans une scène saturée, Superorganism ait réussi à faire quelque chose de totalement unique et – plus important encore – d’amusant. « Don’t mind me, I’m just a fruit fly that’s floatin’ on by » (Ne faites pas attention à moi, je ne suis qu’une mouche à fruits qui flotte), lance Orono Noguchi sur Into the Sun sur fond de synthés chaotiques, de batterie et d’une mélodie qui devient progressivement plus complexe et trippante. Sa voix nonchalante et caractéristique indique que, parfois, au milieu de l’absurdité et du chaos, il ne reste plus qu’à se détendre et à profiter du voyage.

Le son de WWP, tourné vers l’avenir, s’inspire davantage de l’éthique du « couper-coller » de l’âge d’or de l’indé que de l’hyperpop. En effet, la plupart des membres du groupe, désormais au nombre de cinq, originaires de Corée du Sud, du Japon, d’Australie, de Nouvelle-Zélande et du Royaume-Uni, se sont rencontrés en ligne, ce qui rend World Wide Pop d’autant plus approprié, faisant allusion à l’esprit de collaboration qui sous-tend leur travail. Bien que le maximalisme soit au cœur de ce disque (sur des morceaux comme « Solar System », on frôle parfois le trop de trop), dans l’ensemble, il trouve le juste milieu entre le chaos et la structure, la bêtise et la profondeur, et cça n’est pas un pétard mouillé

***1/2

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Nightlands: « Moonshine »

15 juillet 2022

Vous est-il déjà arrivé d’écouter un disque d’un bout à l’autre, d’arriver à la fin et de vous dire :  » Attendez, peut-être que je n’écoutais pas assez attentivement, je sais que j’ai raté quelque chose  » et de recommencer ?

Il est probable que vous ayez eu une pensée similaire à un moment donné. Si c’est le cas, alors vous comprendrez le sentiment ressenti à chaque écoute du dernier album de Nightlands, Moonshine.

Dave Hartley, qui prend le nom de Nightlands, n’est pas étranger aux entreprises musicales réussies, mais le fait d’être un musicien et un nouveau père (deux fois) au cours des deux dernières années a apporté un nouveau sens de l’équilibre et un nouveau rythme de vie. Le travail qui en résulte culmine dans une dérive stratosphérique que sont les onze titres de Moonshine, avec un rythme et une viscosité qui s’élèvent et respirent dans un baume relaxant de couplage électronique et analogique.

Si Moonshine existe dans une simplicité intimement poétique, il devient de plus en plus complexe au fur et à mesure que l’on plonge dans chaque chanson. Les amis et collègues musiciens Joseph Shabason, Robbie Bennet, Anthony Lamarca, Eliza Hardy Jones, Charlie Hall et Frank Locrasto, ainsi que le producteur Adam McDaniel, contribuent à cette complexité. N’hésitez pas à faire des recherches sur ces musiciens et la façon dont ils s’accordent en dehors de ce disque si vous le souhaitez, mais on s’en abstiendra car Moonshine est et doit être apprécié comme Nightlands.

Ainsi, chaque morceau, dans l’ambiance feutrée des boîtes à rythmes et des cuivres espacés de Moonshine, devient l’équivalent audio d’un moment où l’on s’allonge sur l’herbe, où l’on regarde les nuages et où l’on dérive mentalement dans un espace chaud et sûr. Les chansons couvrent un éventail de clins d’œil influents dans une exécution nuancée pour culminer dans une expérience sonore vaste jouée sur onze pistes remplies de riches harmonies qui se penchent sur le R&B classique et le jazz tout en maintenant un son totalement présent. Bassiste de métier, Hartley se transforme en visionnaire audible avec des constructions vocales délicatement placées et des tentatives électroniques minimalistes au fur et à mesure que le disque progresse. C’est un disque qui donne l’impression d’avoir été fait pour vous et qui vous parlera de la même manière.

Moonshine est onze chapitres dépeints dans une séquence de rêve absolument stupéfiante. C’est une évasion finement élaborée grâce à la capacité de Nightlands à s’attarder sur un moment, une harmonie ou un accord qui semble durer juste un peu plus longtemps que la réalité de l’exécution. Que ce soit pour retrouver les vibrations séduisantes de Nightlands ou pour explorer l’étendue audible à la recherche de quelque chose que vous avez manqué lors de votre dernière écoute, Moonshine est un disque qui vaut la peine d’être écouté et réécouté.

***1/2

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Fashion Club: « Scrutiny »

15 juillet 2022

À l’écoute de Scrutiny, il est difficile de croire que Pascal Stevenson, de Fashion Club, ne s’est jamais considérée comme une leader avant d’écrire les chansons qui ont donné naissance à son premier album. Elle a passé des années dans l’ombre de la scène indé de Los Angeles avant de devenir sobre, une décision qui l’a amenée à jeter un long regard sur sa vie et le monde qui l’entoure et à partager ses sentiments. Fidèle au titre de l’album, elle dénonce l’hypocrisie partout où elle la voit avec la confiance et l’éloquence d’une artiste chevronnée ; comme elle le grogne sur « Scrutiny » sur des basses caverneuses et des synthés et guitares lugubres, elle « fait tomber les masques » (brings the spectacle down). Sur ladite composition et sur l’entraînante « Reaction », on retrouve l’énergie post-punk de confrontation de son autre projet Moaning, mais Fashion Club a sa propre identité. La voix profonde et brute de Stevenson contribue à différencier Scrutiny de toutes les autres musiques sur lesquelles elle a travaillé auparavant, en particulier sur des morceaux comme « Phantom English », où la combinaison de sa voix directe et de la production inspirée de Jam & Lewis définit la tension de Fashion Club entre le faux fier et le trop réel. Elle saisit les nuances de ce conflit de manière évocatrice, en chantant « You’ll never see it/But the chapel walls are filthier than your bedroom » (Tu ne le verras jamais/Mais les murs de la chapelle sont plus sales que ta chambre) sur la méditation de « Chapel » sur la croissance et le doute ; sur « Dependency », elle exprime un traumatisme persistant de manière poignante : « Weaponize your brain/What good is a weapon if it drives you insane ? » (Armez votre cerveau / A quoi sert une arme si elle vous rend fou ? ). L’empathie dans l’écriture de Stevenson rend Scrutiny d’autant plus accessible et indélébile, surtout lorsqu’elle révèle le désespoir derrière la tromperie.

Sur « Pantomime », elle s’en prend à juste titre à l’altruisme de façade, mais si les paroles sont tranchantes, la mélodie fluide ajoute complexité et sympathie. Sur le morceau phare « Feign for Love », Stevenson construit une maison de miroirs avec des guitares chatoyantes et des paroles pleines de déni. Aussi sombre que puisse être l’ambiance, Fashion Club n’oublie pas de tendre vers la lumière, et les lueurs d’espoir et de rédemption de « Failure » et « All in Time » élèvent le disque au-delà de la simple mélancolie. Scrutiny offre un éclat apparemment hors du commun qui demande beaucoup de temps et d’énergie pour être créé, et lorsque Stevenson fait venir le spectacle à nous, elle réalise un premier album époustouflant.

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mixdown: « rising »

15 juillet 2022

L’artiste pop mxmtoon a commencé à attirer l’attention à l’âge de 18 ans avec sa chanson « Prom Dress », un morceau mélancolique mais entraînant sur les attentes déçues et les déceptions du lycée. Ses progressions guillerettes au ukulélé et ses mélodies hyper accrocheuses ont largement contribué à la popularité de la chanson, et son deuxième album, rising, lui permet de s’affirmer avec tous les éléments qui existaient sous une forme plus brute sur ses premiers titres autoproduits. Alors que « Prom Dress » et d’autres chansons du catalogue précédent de mxmtoon semblaient au moins un peu tirées d’expériences personnelles d’adolescentes, rising est résolument axé sur les chapitres suivants de la vie de jeune adulte. Les thèmes du vieillissement et des leçons de vie apparaissent sur de nombreux morceaux, notamment sur « growing pains » et la pop à la guitare acoustique de « victim of nostalgia ». Mxmtoon se languit de sa jeunesse et s’inquiète de l’avenir sur ces chansons, mais se penche sur le changement personnel et la fin des vieilles époques sur le morceau synth pop particulièrement accrocheur « coming of age ». Tout au long de rising, l’écriture et la production de mxmtoon semblent plus raffinées et réfléchies que tout ce qui a précédé, ralentissant et devenant plus réfléchies, particulièrement sur les chansons à mi-chemin comme « florida ».

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Bien que l’album montre une croissance, certains moments sont trop sucrés pour leur propre bien. L’ouverture de l’album, « mona lisa », sonne comme la bande originale d’une comédie romantique du début des années 2000, avec des mélodies et des dynamiques prévisibles qui finissent par être banales et banales comparées à l’exploration personnelle plus vulnérable présentée plus loin dans l’album. D’autres choix de production, d’écriture et d’arrangement sont tout aussi creux, et semblent construits à partir d’un modèle plutôt que des sentiments réels qu’ils sont censés explorer. Malgré son arrière-goût parfois sucré, les chansons de rising sont une représentation solide du champ émotionnel conflictuel de la période entre l’adolescence et le début de la vingtaine, et les chansons résonneront particulièrement avec ceux qui naviguent dans cette phase tumultueuse en 2022.

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The Avalanches: « Wildflower »

14 juillet 2022

Bien que l’échantillonnage précis de musique et d’extraits de films des Avalanches puisse créer un son détaché du lieu et du temps, Wildflower nous rappelle que beaucoup de temps s’est écoulé depuis leur premier album en 2000, Since I Left You. Le disque s’accompagne également de l’attente que le groupe recrée l’accroche de ses premiers travaux tout en faisant preuve d’une certaine croissance créative. Et surtout à l’heure où tant d’artistes, sur tant de plateformes, ont affaire à la gratification instantanée, Wildflower est confronté à une vérité inévitable : plus les gens attendent un album, plus ils s’attendent à ce qu’il soit immédiat et brillant.

Loin d’être un mash-up vertigineux et hyperactif comme Since I Left You, Wildflower est une collection plus spacieuse et ruminative de séquences cinématiques et de collage pop en boucle, qui se déploie en vagues impressionnistes de samples de la culture pop et d’enregistrements de terrain. La dernière partie de l’album en particulier (à partir de « Over the Turnstiles ») capture ce réseau de paysages sonores de la manière la plus vivante, rendant même les penchants kitsch de Since I Left You (ainsi que certains des morceaux les plus accrocheurs ici) une nouveauté. Pour ceux qui sont fascinés par le processus des Avalanches, plutôt que simplement impressionnés par ses résultats les plus attachants, Wildflower est une écoute gratifiante et stimulante.

« If I Was a Folkstar » et « Colours », sur lesquels figurent respectivement Toro y Moi et Jonathan Donahue de Mercury Rev, sont la première exposition au côté plus expérimental des Avalanches. « Folkstar » sonne comme si un magnétophone était resté bloqué sur la musique qui pourrait introduire la séquence de rêve d’un film ; il faut plusieurs tours pour s’y retrouver dans cette boucle de flûtes ascendantes, de guitare jangly, de basse syncopée et de nuées de voix de fond. « Colours » est un morceau tout aussi ensoleillé, programmé en profondeur, avec une signature temporelle complexe et une superposition de la voix de Donahue pour obtenir un effet d’écho désorientant, à l’image de My Bloody Valentine dans sa bonne humeur. Les riffs lents et vertigineux abondent, enfouis dans une production dense et trippante : dans la guitare jazz de « Saturday Night Inside Out », qui ressemble à une reprise de « Head Over Heels » de Tears for Fears par Dire Straits ; dans le refrain surf-pop de « Live a Lifetime Love » ; et même dans les synthés frétillants de « Stepkids », qui ressemblent à des boutons de téléphone joués en rythme parfait. Les arrangements astucieux et discrets permettent aux Avalanches de laisser libre cours à leur talent de bricoleur.

En revanche, les moments « bizarres » de Wildflower ressemblent parfois à des blagues vides. « Frankie Sinatra » surpasse les Gorillaz en matière de rebondissements de faux gangsters : « S’il vous plaît, Monsieur l’Officier, je n’ai bu que de la vodka, un peu de marijuana, juste un peu de Vicodin » (Please Mr. Officer, I only had some vodka/Little marijuana, just a few Vicodin), rappe Danny Brown, mais le mélange de rap et de big band devient lassant, et n’est sauvé que par un twist final où le morceau des Beatles « Being for the Benefit of Mr. Aucun moment de ce genre ne peut sauver « The Noisy Eater », une combinaison enfantine de « Come Together » et des paroles de Biz Markie sur ses aliments préférés pour le petit déjeuner, bien que l’interlude instrumental suivant, « Wildflower », serve à nettoyer le palais. D’autres morceaux d’une minute, dont le banjo-folk « Park Music » et le sinueux « Over the Turnstiles », éclipsent discrètement toute tentative de  compositions se voulant grandiloquentes.

The Avalanches ont eu l’intelligence d’éviter les moments trop voyants sur Wildflower. En plus de ses courts enchaînements, l’album présente de longues transitions entre les chansons et d’autres pauses dans son action sonore – comme si le groupe essayait d’empêcher quiconque de qualifier l’album de mix de danse. Par exemple, « Because I’m Me » commence par une version déformée de sa propre accroche, tandis que « Going Home » poursuit le groove disco-molasse de la précédente « Subway » avec la basse et les paroles qui s’enchaînent, comme si on écoutait la chanson « Subway » dans le métro. Ces décisions ne font pas un album facile ou instantané, mais plutôt un son brumeux qui révèle sa splendeur et sa forme avec le temps. Et après tant d’années d’attente, cela vaut la peine de s’armer de patience pour laisser Wildflower s’installer.

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Banks: « Serpentina »

14 juillet 2022

La musique de Banks évoque celle de nombreuses artistes féminines. Par exemple, elle combine le poids dramatique d’Adele avec les affectations détachées de Lana Del Rey. Le problème est que Banks ne parvient jamais à sortir de l’ombre des artistes et des sons qu’elle emprunte. Le quatrième album de l’auteure-compositrice-interprète, Serpentina, est une méditation sombre sur le chagrin d’amour et la perte, mais il n’a pas le côté expérimental de l’album III en 2019, dont les coups de basse distordue et les effets vocaux durs renforçaient les paroles de Banks et lui permettaient de se faire une place à part.

Le nouvel album trouve Banks sur un terrain sonore plus conventionnel, où les hauts sont élevés mais les bas sont… juste là. L’élément singulier et constant qui le distingue de la pop contemporaine et du R&B alternatif est la voix de Banks. Tantôt douloureuse et frénétique, comme sur le désespéré « Holding Back », tantôt insupportablement mélancolique, comme sur la ballade au piano « Birds by the Sea », le chant de Banks a considérablement mûri au fil des ans. Le refrain de ce dernier titre est ancré par sa voix haut perchée, complétée par des couches tourbillonnantes de sa voix plus naturelle et un chœur qui semble émaner d’au-delà de l’horizon.

Les morceaux les plus pénétrants de Serpentina sont ceux qui se complaisent dans des sentiments d’abattement et de déchirement. Le dernier morceau, « I Still Love You », est l’une des chansons d’amour les plus déchirantes que Banks ait jamais enregistrées. La voix feutrée de Banks semble légèrement déformée tout au long des trois minutes du morceau, frémissant d’une manière qui la fait paraître presque inhumaine – reflet de la commémoration par la chanson d’un amour que la chanteuse a ostensiblement chassé.

Serpentina est parsemé d’autres chansons de rupture tout aussi émouvantes, mais elles sont accompagnées de morceaux de remplissage oubliables. La chanson « Anything 4 U » pâtit d’un traitement vocal insipide et d’un accompagnement beaucoup trop squelettique, tandis que « The Devil » adopte un ton tellement toxique et séduisant – avec des chuchotements dans la voix et des paroles décrivant un comportement diabolique – qu’à la fin de la chanson, la métaphore du titre ressemble plus à un pastiche qu’à un moyen d’explorer une relation néfaste.

Le morceau d’ouverture, « Misunderstood », dure un peu moins de deux minutes et sert en quelque sorte de manifeste, Banks se proclamant une sorte de paria qui « n’aurait pas besoin de cette agitation » (wouldn’t need this hustle) si elle « avait un penny pour chaque fois que quelqu’un ne me comprend pas » (had one penny for every time somebody didn’t get me.). Banks est une artiste dont l’identité semble être une contradiction : une paria autoproclamée dont la musique ressemble étrangement à celle de beaucoup de ses contemporains. Et bien qu’elle montre une fois de plus son talent pour livrer des récits de chagrin d’amour empreints d’émotion, Serpentina affirme son caractère unique de manière paradoxalement conventionnelle et sans surprise.

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Publié par rockdecibels

Black Midi: « Hellfire »

14 juillet 2022

On dit que la folie consiste à faire la même chose de manière répétée et à s’attendre à des résultats différents à chaque fois. Selon cette définition, Black Midi, le groupe de rock expérimental dont on dit qu’il est le préféré des Londoniens, est loin d’être fou.

En effet, même après avoir sorti deux disques qui continuent à embrouiller, brouiller et mystifier l’esprit de ceux qui osent les écouter, le trio aime jouer à la marelle musicale. Ils refusent de céder à la routine, comme ils ont horreur de la folie – et pourtant, ils embrassent la calamité.

Ils aiment tout simplement une bonne et soudaine apocalypse où la dépravation musicale et lyrique abonde. Et quelle meilleure façon de satisfaire leur appétit pour la méchanceté inattendue qu’à travers leur nouvel album, Hellfire, qui porte le titre approprié.

S’annonçant avec audace par son simple titre, on peut probablement deviner ce que l’on va expérimenter à travers les flammes annonciatrices. Le premier moment à part entière de Hellfire, « Sugar/Tzu », déclenche la pyrotechnie de l’esprit dès le son de la cloche – littéralement. Préalablement à la montée d’adrénaline d’un annonceur de ring déclarant le bain de sang d’un siècle entre deux concurrents poids léger, Sun Sugar et Sun Tzu, les auditeurs sont préparés à l’enthousiasme et au feu d’artifice immédiats, mais pas sans attentes testées.

Black Midi suit effrontément cette annonce gutturale avec trente secondes de notre narrateur à la voix douce, Geordie Greep, ronronnant sur de doux battements de tambour, présentant son propre comportement égocentrique comme une bravade : « La postérité montrera que je suis / Le plus grand que le monde ait jamais vu / Un génie parmi les non-entités » (Posterity will show me to be / The greatest the world has ever seen / A genius among non-entities) Greep n’est pas étranger au port de masques. Ici, il en revêt un de délicatesse énigmatique. Cependant, cette parenthèse de tendresse inattendue n’est que brève, car Morgan Simpson, le batteur hors pair du groupe, passe à la vitesse supérieure et martèle son kit à une vitesse hypersonique.

Kaidi Akinnibi se joint à cet amusement désordonné, mettant en parallèle le jeu frénétique de Simpson et la folie théâtrale de son saxophone. Au fur et à mesure que se déroule cette histoire de meurtre égoïste, la fusion jazz erratique de « Sugar/Tzu » s’élance sans but avec un flux et reflux similaire à celui d’un boxeur professionnel désespéré, le dos contre les cordes, manœuvrant les coups de poing menaçants de son adversaire.

Un peu plus loin dans cette description comique et souvent complaisante de l’enfer, Black Midis présente une nouvelle scène, bien qu’apparentée, d’une course avec « The Race Is About To Begin ». Ici, submergés par la cacophonie déréglée du prog-rock d’avant-garde du groupe, des personnages de nature vile et aux noms variés s’affrontent, se surpassant les uns les autres par leur hideur respective et leur place méritée en enfer. Il y a une Mme Gonnorhea, un Eye Sore, un Perfect P. Deadman, et notre cher ami meurtrier, Sun Tzu. Ici, notre narrateur décalé, Greep-ien, raconte « Il y a un gagnant et un perdant » (There’s a winner and a loser), avec indifférence.

Bien que les auditeurs soient une fois de plus trompés dans le calme et l’immobilité, « The Race Is About To Begin » est le morceau le plus sauvage de Black Midis. Avant de ralentir jusqu’à une accalmie sulfureuse pour les deux dernières minutes, Greep arbore son visage le plus flagrant et débite un baratin frénétique qui peut rappeler à certains Serj Tankian, mais avec un degré ou deux de paranoïa en plus. Alors qu’il vomit des mots sur le néant au sens propre et au sens figuré, le reste du groupe joue à fond, semblant faire du bruit pour le plaisir de faire du bruit et déverser de la perversion sur la table pour que tous soient submergés.

Le charivari auditivement dément de ces deux morceaux se retrouve dans l’ensemble de Hellfire. La musique n’a souvent aucun sens au premier abord, pas plus que les paroles – un vrai spécial midi noir. Il n’y a pas d’intrigue conventionnelle ni de ligne conceptuelle pour contourner les ruines du chaos de Hellfire. Il s’agit plutôt d’un gumbo cynique, un amalgame de vignettes déroutantes sur quelques dégénérés en voie de disparition.

Cela dit, la descente aux enfers du disque s’approfondit encore, s’intensifiant lorsqu’elle atteint son éternel point de basculement. Sur « 27 Questions », les auditeurs font la connaissance d’un dernier personnage du nom de Freddie Frost, un acteur mourant qui donne une dernière représentation, avant de s’enflammer devant son public. Mais avant de mourir, Freddie, un homme de grande stature, de talent et d’importance, se lâche avec une vingtaine de questions qu’il a emportées sur son lit de mort et qui restent toutes sans réponse lorsqu’il donne le coup de grâce : « L’herbe est-elle toujours plus verte ? / La volonté est-elle vraiment libre ? / N’y a-t-il que le noir que l’on voit quand on rejoint les défunts ? » (Is grass ever greener? / Is the will really free? / Is it only black you see when you join the deceased ? » Aucune de ces questions n’a d’importance lorsque vous êtes en enfer, et ce n’est pas grave – je suppose – lorsque vous avez un groupe comme Black Midi pour sonoriser la souffrance sans fin et Geordie Greep pour narrer la misère.

Black Midi est l’un de ces groupes qui continuent à nous revigorer avec quelque chose de nouveau et d’inédit à chaque sortie. Bien que la plupart des marques distinctives du groupe soient visibles – plus lourdes que jamais, même – leur dernier album sonne miraculeusement et hideusement nouveau, prouvant leur aversion pour toute répétition inutile.

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Publié par rockdecibels

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