Véritable forme d’art musical diversifiée et éclectique, le country-rock peut parfois être tout aussi orchestral et majestueux que le rock progressif. C’est le cas de The Wine Of Youth, le CD de 2020 du chanteur-compositeur californien Zach Phillips. Les 13 titres de ce CD sont centrés sur les chansons accrocheuses et rapides de Zach, qui sont agrémentées par sa voix douce et sincère ainsi que par ses nombreuses guitares électriques et acoustiques. Philips s’occupe de la voix et des guitares, The Wine Of Youth met également en avant les performances bien enregistrées de Gregg Montante (basse, batterie, guitares) et de Bobby Cressey (claviers) avec Gloria Taylor aux chœurs.
Un country-rock à l’atmosphère parfaite, mais au goût américain prononcé, introduit dans le 21e siècle, The Wine Of Youth est cela et bien plus encore. Dans l’esprit des légendes du country-rock comme Bruce Hornsby, The Eagles et New Riders Of The Purple Sage, la musique de Zach Phillips est un mélange bien rodé de rock folk et de country-rock électrique, avec des guitares électriques amples et souvent flamboyantes. Joué à plein volume pour un effet maximum, The Wine Of Youth est un presque chef-d’œuvre intemporel mais contemporain du futur Zach Phillip.
Breathe Deep est le très attendu premier album d’Oscar Jerome, qui fait partie de la scène nu-jazz londonienne en plein essor. Avant de continuer, ne laissez pas le terme « jazz » vous rebuter. Pour tous ceux qui ont suivi l’évolution de la scène au cours des dernières années, vous savez que Jerome et nombre de ses collaborateurs sur cet album réinventent le genre, en mettant l’auditeur au défi de réfléchir à ce qu’il écoute lui aussi, et ce nouvel album n’est pas différent.
Collaboration est le mot clé de cet album qui met en scène plusieurs de ses membres du collectif afrobeat signé Brownswood, Kokoroko, des amis du collectif Ezra, des Sons of Kemet, de Maisha et de Steam Down, ainsi que l’auteur-compositeur-interprète Lianne La Havas, acclamée par la critique.
« Sun for Someone », qui a été soutenu par 6Music et Radio One, lance l’album et commente la crise climatique actuelle. C’est dans ces moments politisés que Jerome prend tout son sens et cela se voit aussi dans le puissant et palpitant « Your Saint ». Il a écrit ce morceau à Paris, consterné à la vue de familles syriennes sans abri, obligées de vivre dans les stations de métro surpeuplées de la ville. La poignante situation dont il a été témoin est parfaitement représentée par la parole de Brother Poet, le rappeur sierra-léonais et membre co-fondateur du collectif artistique Steam Down. Dans le chant del’artiste, on peut entendre son angoisse ; son chant est entrelacé avec le jeu de saxophone planant de Cassie Kinoshi, son compagnon de groupe de Kokoroko, qui prend la relève du chant passionné de Jérôme pour terminer le morceau.
Les fans qui l’ont vu jouer en concertseront ravis d’entendre qu’il a posé le brillant « Give Back What U Stole from Me ». La cadence pointue de sa voix se marie parfaitement avec la ligne de fond, qui est à la fois puissante et joyeuse.
« Timeless », lui, est un morceau tout simplement magnifique. Entièrement épuré, l’ouverture ne voit que Jerome, sa guitare et le chant délectable de Lianne La Havas. Au fur et à mesure que le morceau se construit, des couches d’instrumentation riche entrent en jeu, en particulier le jeu de trompette éthéré de Dylan Jones (Ezra Collective) qui s’entremêle avec le chant de La Havas.
Le dernier morceau en date de l’album est le titre intime et sincère « Joy is You ». C’est la fin idéale pour un premier album qui vous emmène vraiment en voyage. Lorsque ce dernier morceau s’est éteint on ne peut que respirer profondément. Ce disque vous fait réfléchir, il donne envie à votre corps de bouger et vous emportez quelque chose de nouveau à chaque fois que vous l’écoutez.
Avec un ton et un regard si charmants et personnels qu’ils vous donnent l’impression d’être juste à côté de vous dans votre salon, le duo du New Jersey The Front Bottoms est la bouillotte réconfortante qui vous donne cette sensation toujours chaude et floue et sur laquelle vous pouvez compter encore et encore.
Brian Sella et Mat Uychich ont livré un autre disque plein de paroles amicales et de mélodies espiègles et charismatiques qui réclament à grands cris une reconnaissance mondiale. In Sickness & In Flames est aussi expérimental que familier, et c’est un nouvel album qui vient s’ajouter à leur impressionnante série de sorties.
Nous sommes accueillis avec la familiarité des « singles » principaux « Everyone Blooms » et « Camouflag » » pour planter le décor, le premier s’en tenant à une formule éprouvée de The Front Bottoms, nous facilitant la tâche avec un début minimaliste avant de nous jeter dans des couplets et des refrains subtilement travaillés avec des voix de gang. C’est le pont qui montre vraiment Sella sous son meilleur jour, avec des lignes répétées avec émotion qui sont surmontées par la détresse entendue dans sa voix.
« Camouflage » est à la hauteur de ce que vous avez entendu de The Front Bottoms. Il a des accords acoustiques épais, un refrain qui transcende paisiblement, et des paroles immédiatement répétables pour ce son instantanément addictif.
L’histoire racontée à travers le film donne souvent un regard nostalgique sur le passé de Sella, mais nous force à nous sentir comme si c’était nous qui en faisions mémoire. Avec « Montgomery Forever », même les lignes les plus banales sont captivantes et attachantes, et les mélodies vocales prouvent qu’elles sont un élément essentiel de la façon dont The Front Bottoms donne le ton dans les différents morceaux.
« Leaf Pile » est plus fort et plus agressif, mais le chant commande le ton à mi-parcours de la chanson avec une section de spoken word qui bouleverse toute l’expérience, et « Bus Beat » a un crochet dentelé avec le chant des piétons qui crée un son complètement nouveau pour le groupe qui, d’une certaine manière, fonctionne. Un brave auto-réglage sur « Jerk », qui sonne presque comme une chanson des années 90, va certainement diviser les anciens fans et les nouveaux, mais il est très accrocheur et s’intègre sans effort à l’album.
Dans notre paysage en constante évolution de 2020, nous savons au moins que nous pouvons toujours compter sur The Front Bottoms pour briller dans n’importe quel climat mondial. In Sickness & In Flames est un album mélancolique à maturité, mais énergiquement adolescent. C’est la bande-son parfaite pour les voyages en voiture, les ruptures, les vacances à la plage, les films indépendants, les nuits d’hiver au coin du feu ou tout ce que la vie peut vous réserver.
Cet album ne vous fera pas vous sentir à nouveau comme un enfant, mais il vous fera vous sentir jeune pour votre âge et, parfois, nous avons tous besoin de cela dans notre vie.
Pleasures For The Wicked, tel est le titre de la nouvelle offrande de Crying Vessel. Si l’on regarde la couverture, on plonge dans une sombre ambiance romantique à la bougie, deux messieurs en smoking – mais la voilà, la beauté en arrière-plan, apparemment dans une robe blanche. Et elle tient ses mains délicates comme si elle voulait contrôler ses marionnettes avec des cordes. Une image, une histoire… Ainsi, les titres due ce nouveau LP ressemblent à la séquence d’un chapitre similaire. Et il est vraiment sombre et mélancolique.
« Auxilium » est la courte introduction. Les cloches embuées et qui s’effacent mènent dans un vent lugubre avec un babillage de voix, avant que la mélodie de synthé de la courte pièce ne nous rattrape lentement et ne se fonde dans le son vif et ondoyant de « For God’s Sake », qui se confond parfois avec la voix qui cherche tant de secours. Dieu peut-il vous entendre, avec tout ce qui vous frappe ? Les séquences de quasi-bourdonnement s’allongent sur les rythmes rapides, se perdant finalement dans la réverbération. Le successeur de « The Abyss », en revanche, est plus terne, plus modéré, mais sa mélodie est tout aussi entraînante, laissant la place à des chants pleurnichards, des parties venteuses et des solos de synthétiseurs planants, qui se perdent alors à nouveau dans l’euphorie. Quelle est la raison de votre abîme personnel ? Qu’est-ce qui vous prive de vos sens ?
La section suivante de l’histoire tragique est menée par le court interlude « Purgatorium », qui s’élève en flèche. Peut-on entendre le timbre étrange et faible d’un organe de combat ? Le brouillard de ce qui est sur le point de vous rattraper est imparable. Il vient vers vous et, dans « Breaking The Spell », il se regroupe dans des passages à l’écho parfois sphérique, qui sont basés sur un ton menaçant dans le Calling Of The Sirens » qui suit, le chapitre suivant – le « Seal » court de clôture. Les sirènes, leur chant est si dangereux. N’est-ce pas ? « Buried Alive » suit ensuite avec son habituelle exaltation et, avec ses arcs mélodiques récurrents, semble presque hypnotique. La lumière vient vous prendre. « Je ne peux pas respirer », dit-on ici. La voix se fait clairement entendre et vous souhaitez qu’elle le fasse tout le temps. Dans « I Swear I Saw You Smile », le chant de l’âme s’entasse jusqu’à la mélancolie pleurnicharde, porté par les tambours sur les vagues ondulantes. « Lonely Memories » donne une impression de confiance totale au début, mais l’apparence de vivacité est trompeuse. La vérité, l’incriminant – « C’est comme un tel péché… » La mélodie est impressionnante, comme ce qui se passe ici. « Ne vous laissez pas troubler. » Le titre suivant, « Web Of Guilt », la toile de la culpabilité, se montre à nouveau sous un angle complètement différent – plus dur, plus sombre. Vous ne pouvez pas respirer sous votre fardeau. Votre fardeau est votre culpabilité, la lutte de votre esprit. Vous priez pour la rédemption. « Tu es mon obsession. » Ces mots brûlent. Vous êtes mon obsession. Les mots sont clairs, ils sonnent. « Alors prends ma main. Laisse-moi te montrer le chemin ». Prenez ma main et laissez-moi vous montrer le chemin Et quand vous aurez pris cette main, dansez avec elle, folie, beauté, au clair de lune. « Timid Moonlight » commence lentement, jusqu’à ce qu’il veuille vous emporter. C’est le jour de votre home run, votre chance ! « Et dansons toute la nuit jusqu’au lever du jour. » (And let’s dance
The night away Until the break of day) Perdez-vous dans le péché. Mais ensuite viennent les flemmes. « The Burning » réduit en cendres, mélancoliquement et douloureusement, tout ce que vous avez défendu.
Au début, la mélodie ressemble à une chanson connue. La réverbération et les tambours laissent le son et la voix ne faire qu’un. « Black Wedding » se présente de manière plus obsédante. C’est le sombre danger de l’amour. Et l’obscurité se retrouve dans « The Third Coveneant »– dans une tragédie au tempo modéré et aux refrains exclamatoires. Est-ce juste le bourdonnement synthétique que vous entendez ou les sirènes qui se moquent de vous en arrière-plan ? La fin du chapitre suivant suit, courte comme l’intro – « The Departed », un synthétiseur ondulant aux nuances distinctives. On peut entendre le chuchotement du défunt, mais ce que l’on entend aussi, ce sont les sons doux et persistants, sphériques, des sirènes, qui laissent le chant s’éteindre dans le brouillard. Faut-il que cela se termine ainsi ? Le titre bonus clôt l’album et, plutôt que d’être la dernière chanson, il s’agit de l’histoire elle-même. D’une noirceur menaçante, l’ego raconte ici son histoire, vous laisse vous enfoncer dans votre propre battement de coeur. Dangereusement, le brouillard sombre vous y conduit, tandis que des sons de piano individuels tentent de vous retenir. Mais l’obscurité qui vous entoure est plus forte. Hier encore, vous étiez dans une pièce si pleine d’amour. Aujourd’hui, il est vide. Vous avez été enterré vivant. Et finalement, vous vous dissolvez dans le chant fatidique de vos propres sirènes. Le dernier souffle a été pris. Le chapitre est clos.
Legroupe offre ici une mise en scène musicale ingénieuse d’une tragédie et peint des tableaux sombres, dans lesquels on peut facilement tomber à une heure mélancolique. Crying Vessel livre une mise en scène musicale ingénieuse d’une tragédie et peint des tableaux sombres, dans lesquels on peut certainement plonger dans des heures mélancoliques, pour s’évader avec eux pendant un moment.
La chanteuse Anna von Hausswolff se tourne vers l’orgue à tuyaux sur All Thoughts Fly, un album solo de morceaux ne comportant que cet instrument. Sur ses sept titres, elle couvre un large éventail de thèmes en termes d’ambiance, de style et de texture. En effet, Anna von Hausswolff semble volontairement difficile à cerner, passant de mélodies sinistres et rebondissantes à des bourdons, à une approche évocatrice de celles du playbook de Philip Glass.
Par exemple, sur « Solore di Orsini », les accords sont lents et délibérés, chacun ayant le temps de s’accrocher dans l’air avant d’être accompagné de gémissements plus exigeants.
En revanche, « Sacro Bosso » présente un rythme laborieux, avec des bourdonnements et des houles à la texture étrange et aux fréquences plus élevées. « Persefone » contient des accords tombants qui rappellent « Koyaanisqatsi, » tandis que la chanson titre de 12 minutes comprend des cycles rapides de notes qui se transforment en vagues.
Malgré sa diversité, une noirceur personnelle imprègne All Thoughts Fly – non pas de manière menaçante en soi, mais exprimée par une tristesse et une mélancolie subtiles. Et c’est l’exploration intrépide de ces émotions plus fragiles par von Hausswolff qui rend l’album si convaincant et si fortement recommandé.
Nous nous sommes habitués à entendre des versions dépouillées de chansons que nous connaissons et aimons maintenant, diffusées en continu depuis les maisons des artistes qui n’ont pas eu le luxe de pouvoir les interpréter devant les gens. Dans des circonstances ordinaires, cela peut être assez soigné – la vraie joie de la musique en direct réside dans l’aspect imprévisible et transformateur d’une chanson lorsqu’elle est recréée chaque soir. Aujourd’hui, c’est une nécessité ; nous regardons des spectacles intimes dans nos chambres à coucher par le biais du téléphone et des écrans d’ordinateur pour protéger nos systèmes immunitaires respectifs, et pour l’instant, il faudra bien le faire – peu importe notre envie d’avoir l’air humide d’un bar de plongée ou l’étreinte d’un ami. Il se trouve que certains artistes s’y adaptent mieux que d’autres. En juin et juillet, Angel Olsen a donné deux concerts en streaming dans les salles d’Asheville, revisitant l’espace obsédant de ses chansons sur les albums précédents Half Way Home et Burn Your Fire For No Witness, rappelant ainsi qu’elle s’épanouit dans un tel environnement. Les cordes, les synthés et autres accompagnements qui ont défini ses derniers disques viennent renforcer une chose déjà formidable, mais c’est la simple mélodie qui se cache sous la grande production qui rend ses chansons inoubliables.
Whole New Mess, un album qui accompagne l’album All Mirrors de l’année dernière et qui présente neuf de ses 11 chansons sous une forme dramatiquement dépouillée, retrouve l’approche « une femme avec une guitare » qui a défini certaines de ses meilleures chansons, comme « Unfucktheworld » et « White Fire ». Son arrivée à une époque d’insularité inconfortable est une coïncidence – la sortie de Whole New Mess a été planifiée bien avant la sortie de All Mirrors, destinée à révéler les différentes facettes des mêmes chansons. Olsen, qui se décrit elle-même comme « introverti », a suggéré que All Mirrors est Angel Olsen en tant que concept, un produit – c’est la version d’elle-même qu’elle met au monde à travers des séances photos, des vidéos et des productions scéniques. Whole New Mess, en revanche, est un aperçu de ce qu’elle est vraiment.
Enregistré dans le studio de Phil Elverum, l’UNKNOWN – une église convertie à Anacortes, Washington – Whole New Mess sépare Olsen de sa section de cordes et des musiciens qui l’accompagnent, donnant à sa guitare et à sa voix l’espace nécessaire pour résonner à travers le chœur et les voûtes. C’est étonnamment intime, même si la taille de l’espace dans lequel elle se trouve semble immense. Ces chants respirent – ils dérivent et se dispersent comme des apparitions. Et malgré leur familiarité, la plupart des morceaux ayant été publiés sous des formes plus élaborées il y a un peu moins d’un an, ces chansons semblent entièrement nouvelles. La simple batterie de « (We Are All Mirrors) » »souligne une performance vocale plus immédiate et émotionnellement directe, tandis que le rock façon Morricone sur « (Summer Song) » »est étouffé par un doux et sinistre chant. Et bien que « Lark Song » soit l’une des rares chansons qui conserve la longueur de son homologue, son minimalisme reste son plus grand atout, le moindre changement de volume et d’intensité offrant un climax encore plus emphatique, sans qu’aucune corde ne soit nécessaire.
Les deux chansons entièrement nouvelles de Whole New Mess sont des moments forts, libres de tout contexte existant. La chanson titre et « Waving, Smiling » peuvent très bien sonner très bien lorsqu’elles sont agrandies aux proportions cinématographiques, mais elles semblent plus spécifiquement conçues pour ce genre d’approche à petite échelle. La progression plus ou moins prononcée de la première rappelle les chansons les plus crues de Jason Molina, alors qu’Olsen raconte un monologue interne sur les compromis personnels faits pour partager quelque chose de créatif : « Quand tout s’effacera au noir, je me remettrai sur la bonne voie / Retour à ma propre tête, vidée, jusqu’au moment venu » (When it all fades to black, I’ll be gettin’ back on track/ Back to my own head, cleared out, ’til the time comes). On retrouve un sens similaire du sacrifice personnel et de l’examen de conscience dans « Waving, Smiling », avec la détermination de trouver un peu d’espoir alors que l’amour s’efface dans un souvenir agréable. À travers chaque morceau, et d’ailleurs aussi sur les morceaux de All Mirrors, un thème récurrent émerge, où la question de savoir combien vous êtes prêt à abandonner pour la chose que vous voulez le plus n’est jamais loin de la surface.
Bien que Whole New Mess soit plus calme, plus simple, il ne s’agit pas d’une répétition générale. Cela témoigne de la force de l’écriture d’Olsen, qui fait que chaque chanson semble entière même si les éléments les plus « climato-sanglants » et les plus esthétiques ont été supprimés. Ce sont des chansons qui sonnent bien et qui frappent tout aussi fort où qu’elles soient jouées, que ce soit sur une scène géante ou dans un flux à faible débit, sur une chaîne stéréo de luxe ou sur un lecteur cassette usé.
Les fantômes ont suivi Jason Molina tout au long de sa carrière. Le mot « fantôme », lui-même, semblait surgir dans ses paroles ou ses titres aussi souvent que le blues ou la lunerythment ses chansons : sur « Ohia » on se sent toujours comme si on était en présence d’une figure ou d’une force invisible. L’appeler « spiritual » ou « soulful » semble presque trop au goût du jour – les muses de Molina donnent souvent l’impression de venir d’un tout autre monde.
Les plus terribles des compositions de Molina ont été écrites dans ses années 20, alors qu’il était encore jeune, alors que les mythes à son sujet n’avaient pas encore été écrits, ce qui a consommé une grande partie de son travail jusqu’à la fin de « Ohia » comme « Didn’t It Rain » en 2002. Pourtant, même après que Jason Molina ait échangé ce projet pour le riche country-rock de type Crazy Horse de Magnolia Electric sa musique a conservé un sentiment de romance étrange au plus profond de ses couches de distorsion déchiquetées. Si vous réduisez une chanson comme « I’ve Been Riding With the Ghost » à son squelette le plus simple, vous trouverez toujours un troubadour solitaire avec une oreille pour le mystique et un œil pour la beauté là où d’autres ne voient que du béton et de la rouille.
C’est le Molina dont la musique est au cœur de ceEight Gates, une collection de chansons écrites à Londres en 2008 – cinq ans avant sa mort à l’âge de 39 ans des suites de complications liées à l’alcoolisme – et enregistrées en 2009. C’est un album relativement bref, d’un peu plus de 25 minutes, mais le temps semble s’être arrêté dans chacune de ces titres, les accords délicatement cueillis de Molina et le fond d’orgue de l’autre monde qui n’est éclairé que par la moindre flamme vacillante. À l’époque, Molina avait déclaré qu’il était en mauvaise santé, ayant soi-disant été mordu par une araignée particulièrement venimeuse dans le nord de l’Italie, bien que les détails de son séjour en Europe soient louches et peut-être embellis par son propre penchant à cheminer sur le fil du rasoir. Mais le Jason Molina de Eight Gates est un homme qui s’inquiète d’un vide similaire à celui qu’il a observé lorsqu’il était plus jeune.
Eight Gates ne comporte pas de grands hymnes rock comme « The Dark Don’t Hide I » » ou de grands riffs comme celui de « Farewell Transmission ». Ces chansons sont pour la plupart des arrangements dépouillés, comprenant la guitare et le chant de Molina, parfois agrémentés de violon ou d’orgue. Seule un orceau, « Shadows Answer the Wall », comporte un arrangement complet, mais, à l’instar des meilleurs moments sur des albums tels que « Didn’t It Rain » ou « Ghost Tropic », l’espace ouvert à l’intérieur des chansons est un instrument riche en soi. Le morceau d’ouverture, « Whisper Away », est pratiquement un morceau d’ambiance sombre, le doux son de la guitare de Molina est plus un bourdonnement qu’une batterie, et sa voix est une complainte déchirante et énigmatique : « Chuchoteton dernier sourire / Ce qui est réel, c’est que je n’ai aucun souhait ») (Whisper away your last smile/What’s real is I have no wish).
Ces chansons ont un côté lâche qui rappelle parfois les Talk Talk de la fin de l’époque, comme sur le sombre et mélancolique » »Shadows Answer the Wall » ou la pop ambient « Thistle Blue », où le ronronnement d’un Hammond oscille remarquablement près des tonalités de Laughing Stock de ce groupe. Ce dernier en particulier est l’une des compositions les plus effrayantes du catalogue de Molina, ce qui en dit long dans le contexte de chansons comme « The Body Burned Away » et « The Black Crow ». L’incroyable et trop court » »Fire on the Rai » » – chaque chanson ici semble s’estomper presque aussi vite qu’elle arrive – commence avec le chant a cappella de Molina qui fait un bref pont vers un arrangement brutal de léchages de guitare ambiants et de pulsations légèrement dérangeantes. Il est indéniable que les circonstances de la sortie de Eight Gates ne font qu’aggraver la situation, mais une grande partie de ce qui se trouve ici est inhabituellement obsédante, même pour un auteur-compositeur qui semblait si souvent communier avec le surnaturel.
Tout au long de l’album, on entend le gazouillis des oiseaux – une volée de perruches locales qui rendaient visite à Molina pendant sa maladie – qui, selon la tradition locale, sont les descendants des oiseaux ayant appartenu à Jimi Hendrix, qui les a libérés dans la ville. Ce sont des moments lumineux de légèreté, tout comme le bref clip de Molina disant « D’accord, tout le monde se tait » au début de « The Crossroad + The Emptines » », qui coupe à travers la nature lourde et sombre de ces chansons. Ils constituent également un fil conducteur à travers les morceaux que le regretté Molina a laissés derrière lui, des enregistrements brutaux pour lesquels il n’y aura jamais de réponse appropriée à la façon dont ils étaient destinés à être entendus. Même sans les pépiements lumineux des stars aviaires invitées par Molina, ces chansons semblent appartenir à un même ensemble – neuf brefs moments de beauté mystique d’une voix lointaine qui évoque à la fois des sentiments de profonde tristesse et de réconfort.
Il peut être tentant de comparer les Silverbacks à leurs contemporains irlandais Fontaines D.C et The Murder Capital, après tout on peut tracer des lignes entre le marasme et les atmosphères parfois menaçantes créées par ces groupes. Mais le premier album des Silverbacks, Fad, est un hommage à un échantillon plus large de genres.
Les Dublinois était à l’origine un projet entre les frères Daniel et Killian O’Kelly, qui ont téléchargé des démos inspirées de Strokes sur Soundcloud. Plus tard, les projets de formation d’un groupe ont été abandonnés par un membre du groupe qui a déménagé, ce qui a allongé le processus de constitution d’un contingent complet. Aujourd’hui dans la trentaine, Fad aura mis beaucoup de temps à voir le jour.
L’album est un voyage à travers leurs influences post punk, new wave et art/indie rock. Le premier riff de l’album sur « Dunkirk » semble trembler de trépidation, mais il est bientôt fléchi et interpolé avec d’autres riffs pour produire un chaos organisé qui n’est pas très différent de celui de Parquet Courts.
Les Silverbacks sont un groupe qui sait manifestement s’amuser avec une guitare. Sur « Just in the Band », on a l’impression d’être dans un filet tentaculaire, les riffs s’étendent, s’élancent en angle aigu comme si on regardait un plan du métro londonien en mouvement. Ils puisent directement dans leurs influences, « Fad ’95 » est ouvertement influencé par Pavement au point qu’il réclame à grands cris ne serait-ce qu’un soupçon de nuance.
Une constante dans les paroles est le thème des générations et de la responsabilité générationnelle, que l’on peut explorer au mieux dans « Drink It Down ». Le tempo et la voix sont comme une montée de sang, car ils évoquent les tendances destructrices de l’histoire, le fait est que chaque génération a été coupable de haine inutile et d’effusion de sang, « une haine pour quelque chose de différent qui brûle jusqu’à la moelle » (a hatred for something different that burns to the core).
Dans une récente interview avec NME, Daniel a parlé du stéréotype de l’irlandais heureux et chanceux mais a souligné que les immigrants irlandais ont contribué au racisme inhérent à l’Amérique. Il y a une portée plus large à cela sur « Drink It Down », disant que les ancêtres ont amplifié cette haine immense et que des générations plus tard, on lutte toujours contre des idéaux racistes et haineux.
Les paroles de « Drink It Down » sont choisies par la bande, qui ne se réjouit pas de ses observations, mais se tourne vers l’humour pour juxtaposer le contexte d’une chanson, « ce n’était pas Jésus qui n’était qu’un connard en robe de chambre » (that wasn’t Jesus that was just some fucker in a dressing gown). « Klub Silberrucken » » est l’un des morceaux dans lesquels la bassiste Emma Hanlon prend la tête du chant, l’instrumentation est fréquente dans des accès de fureur à l’accroche, comme ceux que des groupes comme Working Men’s Club ont produit récemment.
Fad est un album amusant, voire jouissif, avec des riffs de guitare et des crochets à foison, mais il s’embourbera parfois en jouant trop près de ses influences. Il y a aussi l’ajout de trois morceaux instrumentaux, dont deux à l’intérieur d’un même morceau qui ne contribuent pas à l’expérience d’écoute, en fait qui semblent être une divergence inutile. On y trouve un pic lyrique parfois trop clair qui peut affecter l’engagement avec le reste de l’album mais il fournit un regard intéressant à travers le trou de serrure des différents genres de rock.
La réémergence de Rosetta Stone a été un développement bienvenu mais qui se construit lentement. L’annonce surprise, l’année dernière, d’un nouvel album sous le nom, assermenté pendant tant d’années (plus goth que le goth) par le compositeur et interprète principal Porl King, a été quelque peu atténuée par la prise de conscience du fait que Seems Like Forever était composé de matériel réenregistré, publié à l’origine par son projet niommé « miserylab ». Si Seems Like Forever était une épreuve de force ; une tentative de King pour trouver un équilibre entre les différentes périodes de son travail, Cryptology est une démarche plus grandiose. C’est le premier disque de Rosetta Stone depuis 25 ans. Il s’agit d’une reconnaissance du passé et de l’avenir de la « roche sombre », de la place de King en son sein et de son importance par rapport au cauchemar actuel dans lequel nous sommes tous piégés.
Ce qui est peut-être le plus excitant sur ce disque pour les auditeurs de longue date, c’est la façon dont King a réussi à fusionner les sons fondamentaux de Rosetta Stone non seulement avec son propre travail intérimaire et annexe, mais aussi avec les récents développements du post-punk gothique et sombre en général. Presque entièrement dépourvu de Sisters-ism (dont RS n’a jamais été aussi coupable que beaucoup de ses pairs des années 90), Cryptology donne l’impression que King se familiarise à nouveau avec les sons et les ambiances plus larges du rock gothique de tout le spectre. Le minimalisme agile et condamné de Forever Grey est suggéré par le déroulement glacé de « Valiant Try », et une bouffée de Cold Cave qui se penche sur leur côté le plus darkwave sur « In Blac » ». On retrouve un peu partout des similitudes avec des artistes comme Double Echo, Terminal Gods, Twin Tribes, Lebanon Hanover et d’innombrables autres artistes actuels qui se sont probablement inspirés directement des premiers disques de Rosetta Stone. Bien qu’il s’agisse sans aucun doute de King travaillant dans un milieu gothique, ce n’est pas le son dudit King lui essayant de recréer ses anciens sons ni feignant l’ignorance de la façon dont les choses ont évolué depuis la fin des années 90.
Heureusement, il n’est pas nécessaire d’approcher Cryptology comme un lanceur d’alarme gothique pour l’apprécier. En mariant l’instrumentation dépouillée de « miserylab » à un travail de guitare agile, on finit par obtenir des morceaux sacrément accrocheurs. Les mélodies simples et tourbillonnantes de « Smoke & Mirrors » ont tout le charme de n’importe quel hymne gothique ou punk de la paix que vous voudriez nommer, qu’il soit nouveau ou ancien. Et malgré l’instrumentation souvent minimaliste, il y a un sérieux poids de rock derrière la pulsation et le dynamisme des morceaux de Cryptology, ce qui suggère peut-être Killing Joke and the Lorries.
King a également procédé à de légers ajustements de son chant : le désespoir qui transpire dans « Valiant Try » et » »With This [I’m Done] » a le même ton las des classiques comme « The Good’s Gone » et « Come Hell Or High Water », mais tempéré par l’âge et l’expérience. Le plus souvent, il utilise ces chants pour aborder les crises actuelles : l’introduction « Shock » nous rappelle qu’une nation qui a vu les émeutes de Londres, l’incendie de la tour Grenfell et Brexit (dont certains ont été directement abordés par King via miserylab) au cours de la dernière décennie ne peut plus feindre la surprise face aux effets de l’austérité et du racisme. Même lorsqu’il ne s’adresse pas directement à l’actualité, il y a des chevauchements intéressants entre le personnel et le politique : l’inventaire réfléchi de « I Put It To You » montre que King veut tourner la page sur ses anciennes vies et réalisations musicales, mais les vagues lacunes connote maintenant la futilité de se languir de la période pré-COVID.
Porl King a apporté une quantité incroyable d’histoire personnelle et musicale à Cryptology. L‘année dernière, jon pouvait espérer que Seems Like Forever pourrait être un nouveau matériel sous la bannière de RS qui se sert des styles plus récents de King, et ce disque fait les deux tout en reliant les points entre le passé et le futur des gothiques. Nous sommes en 2020. Tout est en feu et tout est politique, y compris le rock gothique, et on peut être heureux que Rosetta Stone en soit partie prenante. Hautement recommandé.
« Des rêveurs coincés dans leur chanson » » (Dreamers stuck in their song)– cette phrase résonne dans « Paradise » de Lucy Feliz. Eh bien, il ne serait pas dérangeant d’être dans cette situation durant tout le déroulé de l’album. Last of the Sun, le deuxième opus de l’auteure-compositrice-interprète folk de Brighton, est plein de soleil, de nostalgie d’enfance et d’un peu de magie. C’est à cela que ressemble un été indien.
Trois ans après la sortie de son premier album, Ancestry,sous le pseudonyme Los Feliz, Feliz est de retour et invite les auditeurs à un voyage musical à travers ses paysages de rêve. Le nouvel album a été enregistré en Nouvelle-Zélande et produit par Ben Edwards (Julia Jacklin, Nadia Reid, Aldous Harding). Si loin de chez elle, elle a jeté un regard sur sa vie, rassemblant réflexions et souvenirs en dix chansons.
Le titre d’ouverture, « Cowgirl », montre que Feliz a une marque unique sur la scène indie-folk. La chanson est nostalgique et rêveuse, avec de délicats synthés chatoyants comme un filtre chaud sur les photos, mais elle a quelque chose d’intangible en dessous, à la fois terreux et magique. L’ensoleillé éMagic Hour » a été le premier « single » et le premier clip vidéo mettant en scène Lucy Feliz vêtue d’un costume doré et scintillant, dansant sur la plage. Elle chante l’au-delà du point de vue de la petite fille, qui veut croire en des visions plus optimistes que celles qu’elle connaît de l’église catholique. Le deuxième » single », « Last Laugh », est, comme le dit Feliz elle-même, une « histoire de passage à l’âge adulte, qui évoque le moment où un enfant réalise qu’il ne vivra pas éternellement », et sonne comme une chanson oubliée datant des années 1990. La musique de cette époque a également une influence dans « Werewolf » et dans les histoires d’une crise interplanétaire de quart de vie (« Mars »), ce qui détermine fortement le son de l’album.
Feliz nous invite dans son imagination où nous pouvons nous plonger paisiblement dans sa voix légère et riche et dans les sonorités célestes de sa guitare réverbérante. Dans ses paroles introspectives habitent la famille et les vieux amis ainsi que des créatures fantastiques, des fleurs sauvages, des planètes et des cristaux. C’est une vision cohérente avec son art de la conception (livret en CD et merch avec d’adorables illustrations inspirées de l’astrologie et créées par Feliz elle-même). En dessinant des paysages musicaux, elle libère l’enfant qui est en elle, qui s’habille et regarde le ciel. Avec mélancolie, elle observe ce qui est derrière et embrasse ce qui attend. La dernière chanson de l’album, « Strange Allure », une belle ballade de chambre, apporte ce mélange complexe et prend une nouvelle dimension dans les temps étranges de l’enfermement récent.
Quitter le Pays Imaginaire est ce que nous pleurons souvent tout au long de notre vie d’adulte. Heureusement, nous pouvons toujours revenir non seulement à notre passé, mais aussi aux mondes magiques que nous avons créés quand nous étions enfants. Arrêtez-vous une minute et regardez le passé avec un sourire, une humeur fondante et une tendre ironie.
Publié par rockdecibels 
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