Richard Dawson: « The Ruby Cord »

21 novembre 2022

Dans les premiers mois de 2020, Richard Dawson et sa partenaire Sally Pilkington ont lancé un nouveau projet appelé Bulbils, un moyen de reconfigurer la façon dont les deux artistes abordent la musique et la proposent aux fans. Délaissant le raffinement et les longs cycles de production des modèles de diffusion traditionnels, le duo s’est fixé un objectif simple : enregistrer ce qui leur passait par la tête chaque jour et le mettre en ligne tel quel, sans aucune retouche. Le résultat s’apparente à une pommade collective – un soulagement mental des inquiétudes liées aux pandémies naissantes auxquelles les interprètes et les auditeurs ont pu être confrontés dans leur propre vie – souvent délivrée par des textures ambiantes méditatives de guitares, de voix, de synthés et de tout ce que Dawson et Pilkington ont pu avoir envie d’utiliser sur le moment.

Bulbils est arrivé peu après 2020, le dernier album studio solo de Dawson, au titre prophétique, et son effet immédiat sur son suivi est palpable. The Ruby Cord marque à la fois l’aboutissement et le départ du style avant-folk avec lequel Dawson a fait ses débuts sur Peasant en 2017. Les compositions de Dawson ont toujours apprécié les excentricités et les recoins cachés juste sous la surface, que ce soit dans « Ogre » qui retient son refrain jusqu’à son apogée ou dans le virage en épingle à cheveux vers un riff façon Iron Maiden sur le morceau « Methuselah » avec Circle. Mais sur The Ruby Cord, le songwriter fait preuve d’une patience profonde jusqu’alors inédite dans son travail, associant une variation réfléchie du travail ambiant de Bulbils à la narration empathique de Peasant and 2020.

Ce changement est évident dès la première chanson de The Ruby Cord, « The Hermit ». Avec ses 41 minutes, c’est le morceau le plus long de Dawson à ce jour – un album entier en miniature. Plus de 11 minutes s’écoulent sans aucun mot, remplies de variations sur le même plan de guitare, de doux frôlements de percussions, de piano et de harpe retirés, et de brins de cordes égarés. Lorsque la voix de Dawson arrive enfin, c’est comme si le morceau lui-même était en train de s’ajuster (ses premières paroles : « I’m awake but I can’t yet see » – Je suis réveillé mais je ne peux pas encore voir- , avant de se fondre dans le rythme tranquille de l’instrumental et dans le long récit sinueux. Par moments, les instruments disparaissent complètement, laissant les mots de Dawson résonner seuls, impossibles à ignorer. C’est une introduction frappante à The Ruby Cord, qui donne le ton du reste de l’album de manière indélébile.

Une grande partie de l’album fonctionne dans ce mode relativement discret qui complète les forces de Dawson en tant que chanteur folk, des douces cordes qui portent « Thicker Than Water » à l’accompagnement de harpe dépouillé de Rhodri Davies qui forme le cœur de « Museum ». Lorsqu’il se rapproche de la délicatesse, Dawson imprègne le disque de superbes démonstrations de sa voix idiosyncratique, projetant et étirant souvent les syllabes bien au-delà de ce qu’un chanteur folk traditionnel aurait pu faire, atteignant les limites supérieures de son falsetto pour remplir l’espace négatif des chansons. C’est pour cette raison que « The Tip of an Arrow » devient l’une des plus belles démonstrations de sa présence en tant que vocaliste : Le gazouillis de Dawson s’élève et s’abaisse avec les cadences de la gratitude de son narrateur pour avoir pu élever une fille à la suite de la mort prématurée d’autres enfants. Au mieux, The Ruby Cord est capable de transmettre autant d’histoires par le timbre de la voix de Dawson que par son lyrisme verbeux.

Dawson ne manque pas de récits captivants sur ce disque, poursuivant la tendance de Peasant et 2020 à créer des vignettes de la longueur d’une chanson qui s’emboîtent thématiquement lorsqu’elles sont mises en séquence. Ce qui est particulièrement remarquable cette fois-ci, c’est la façon dont l’écriture de Dawson sur un futur spéculatif s’accorde naturellement avec ses descriptions de l’Angleterre anglo-saxonne sur Peasant, ou les réalités dystopiques du présent sur 2020. Il se peut qu’à la première écoute, l’auditeur ne perçoive pas les quelques indices qui indiquent que The Ruby Cord est un disque qui se déroule 500 ans dans le futur. (Un chevalier, apparemment très éloigné du passé, occupe une place importante dans la conclusion de « The Hermit »). Mais les éléments futuristes évoqués – le narrateur non vieillissant de « The Tip of an Arrow » ou les écrans de réalité virtuelle dissimulant les cadavres d’êtres chers dans « Thicker Than Water » – sont au cœur des histoires de Dawson, mis en œuvre de manière sélective pour ajouter des complications émotionnelles, plutôt que d’aliéner les auditeurs. Ce n’est pas une coïncidence si Dawson, lors d’interviews, a choisi d’établir un parallèle entre cet album et une citation d’Ursula K. Le Guin sur les fantasmes réifiés et la façon dont nous nous y accrochons autant qu’aux histoires anciennes.

Cependant, The Ruby Cord n’est pas seulement un moyen discret pour Dawson de transmettre ce thème. Bien que « The Hermit » soit l’une des œuvres les plus discrètes de la carrière de l’auteur-compositeur, le disque joue souvent avec sa dynamique selon les besoins de chaque morceau. « The Tip of an Arrow » se transforme parfois en galopade hard-rock lorsque l’action s’accélère. Le titre « Horse & Rider », qui clôt l’album, s’achève sur une envolée de big band, alors même que ses paroles évoquent un « passage sans fin à travers le froid et l’obscurité ». Et juste au moment où l’album semble s’installer dans un calme relatif, le point culminant « The Fool » fait irruption dans la tracklist tranquille, se rapprochant plus d’Oingo Boingo que de Joanna Newsom dans son freak-folk branché, influencé par la new wave.

Le plus astucieux de ces changements de son se produit à la fin de « Museum », une chanson sur une exposition qui retrace l’étendue de l’existence humaine après l’extinction de l’humanité. Après avoir énuméré les expériences humaines les plus courantes, des plus banales (« Une salle de classe plongée dans ses pensées » – A classroom deep in thought) aux plus injustes (« La police anti-émeute frappe les manifestants pour le climat » – Riot police beating climate protestors), Dawson choisit de terminer sur « Babies being born ». Des vocalises mélodiques suivent avant que le morceau ne passe d’une harpe minimaliste à une coda explosive de percussions et de synthétiseurs. Ici, Dawson semble dire que les défauts de l’humanité ne sont pas suffisants pour annuler le miracle de notre existence.

Ce sentiment est lui-même un écho de la dernière partie de « The Hermit ». Un chœur de voix entoure un refrain – atténué, comme un murmure révérencieux – pendant 14 minutes : « Tiny cobles out at sea / A black wall of cloud to the east / And a taper of rainbow / Faintly aglow / Amidst their wakes » (De minuscules galets en mer / Un mur de nuages noirs à l’est / Et une flamme d’arc-en-ciel / Faiblement allumée / Au milieu de leurs sillages). Comme une grande partie des chansons de Dawson, c’est une fin qui trouve de l’espoir dans les linceuls les plus sombres. Chaque répétition renforce la perspective d’espoir de ses dernières lignes – la promesse de cette faible lueur qui peut résister aux futurs les plus sombres.

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Weyes Blood: « And In The Darkness, Hearts Aglow »

17 novembre 2022

Si c’est un affront de considérer l’album Titanic Rising de Weyes Blood (aka Natalie Mering) en 2019 comme un simple travail en cours comparé à ce qu’elle a accompli sur And In The Darkness, Hearts Aglow, alors qu’il en soit ainsi. Malgré la majesté de ce premier album, le dernier de Mering, avec le producteur Jonathan Rado de retour à ses côtés, est immédiatement reconnaissable comme étant plus riche, plus grand et avec un budget plus important que son précédent album. Au risque d’exagérer l’évidence, c’est comme si on comparait la série télévisée The Land of The Lost à Jurassic Park pour les dinosaures les plus réalistes. Rétrospectivement, c’est la voix de Mering qui a piloté le navire Titanic Rising et ici, une myriade de contributeurs musicaux sont enfin capables de la rencontrer de front.  

Resplendissants de cordes, de cornes, d’orgues, de synthétiseurs et autres, les cinq premiers morceaux de l’album sont un cours magistral de perfection pop. Le morceau d’ouverture, « It’s Not Just Me, It’s Everybody », commence assez simplement avec un climat folklorique façon Laurel Canyon des années 70, mais comme pour beaucoup de morceaux de l’album, il se transforme en quelque chose de plus glorieux. Cette dynamique est particulièrement évidente lorsqu’on passe des rythmes slap-back de « Sloop John B », cinq minutes après le début de « Children of the Empire », au début discret du morceau suivant, « Grapevine », qui commence par une mélodie en clé mineure rappelant le type de mélodie que Jeff Tweedy de Wilco invente dans son sommeil. Mais « Grapevine » se transforme en quelque chose de plus audacieux et de plus swing que ses humbles débuts, alors qu’il se promène le long d’une côte californienne révolue où « ils ont James Dean ». 

« Grapevine » cède la place à une chomposition qui, par son titre et son exécution, semble improbable, mais Mering y parvient avec aplomb. « God Turn Me Into a Flower » ressemble à un plaidoyer sincère chanté par un chœur de moines extraterrestres, comme l’a fait remarquer un passant dans le salon d’écoute. Les voix vraisemblablement terrestres appartiennent à Mering et à l’invité Ben Babbitt, sur fond d’une houle de cordes et de synthés superposés aux mains de Mering et de Oneohtrix Point Never (Daniel Lopatin) qui portent la mélodie à des sommets toujours plus élevés jusqu’à ce qu’elle se brise en chant d’oiseau. La tension de la chanson devait être rompue d’une manière ou d’une autre, et le fait de confier quelque chose d’aussi grandiose à la plus humble des créatures témoigne de l’abondance de créativité dont témoigne l’album.

Mais si vous pensez que le meilleur de And In The Darkness, Hearts Aglow est déjà derrière, le titre qui fait référence à « Hearts Aglow » est le moment le plus marquant de l’album. Un nombre impressionnant d’invités apparaissent ici au sein d’un ensemble de quatorze musiciens – Meg Duffy de Hand Habits à la guitare, Mary Lattimore à la harpe, les enfants de The Lemon Twigs à la batterie et à l’orgue, et Rado à la basse. Hearts Aglow semble tout droit sorti d’un prélude d’entracte d’une comédie musicale de Broadway. Le type de marche tonitruante d’une chanson qui favorise les révolutions, françaises ou autres, ou les chants collectifs en claquant des doigts pendant que l’on fait la queue au stand de vente.

Bien que « Hearts Aglow » puisse constituer la pièce maîtresse de l’album, un peu comme les films de Titanic, il y a d’autres récompenses au-delà du bref interlude instrumental qui suit. Twin Flame est une chanson plus dépouillée que celle qui la précède, mais sa base plus électronique associée au joli falsetto de Mering est néanmoins saisissante. Le folky « The Worst Is Done » est aussi simple et désarmant que sa première phrase : « Ça a été une année longue et étrange » (It’s been a long, strange year). Et la dernière chanson, « A Given Thing », est un morceau de piano et de voix solo qui n’a rien à envier à aucun des ancêtres de Mering.

Dans une note adressée à ses fans, Mering a décrit And In The Darkness, Hearts Aglow comme le centre d’une trilogie d’albums. Un album qui s’attaque au fait d’être « dans le feu de l’action ». La plupart des auditeurs se soucient peu de savoir si les thèmes de l’album sont évidents lorsqu’ils sont impressionnés par les sons qui les entourent. Mering a concocté un successeur à Titanic Rising sur lequel tout parieur digne de ce nom aurait sans doute misé. Le fait que la vocaliste ait surpassé son propre chef-d’œuvre est sa propre récompense, une récompense dont nous ne sommes sans doute pas dignes. Il ne faut pas oser penser à ce qui pourrait arriver ensuite, mais laisser ce disque s’imprégner complètement et,  de ce fait, nous imprégner

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Devin Townsend: « Lightwork »

15 novembre 2022

La musique est souvent la lumière au bout du tunnel dans la plupart de nos vies. Elle nourrit l’âme, libère le stress et augmente naturellement la dopamine. Une âme créative et magistrale qui a activement apporté une musique unique au monde depuis les années 90 n’est autre que Devin Townsend. Auteur-compositeur, producteur et musicien de premier plan, Devin Townsend revient à la charge avec son dernier album solo, Lightwork.

Prolifique dans sa carrière, Townsend a réussi ces dernières années à continuer à faire de la musique ; en fait, pendant la pandémie, il a beaucoup écrit, et une bonne partie s’est probablement retrouvée sur Lightwork. En 2019, Townsend a sorti son album Empath, et depuis, il a également sorti deux autres disques pendant les années de pandémie – The Puzzle et Snuggles, tous deux en décembre 2021 via son label privé HevyDevy. En 2022, InsideOut Music a sorti le très attendu Lightwork, qui n’est pas aussi connu qu’Empath, mais qui vaut quand même la peine d’être écouté.

Tous ceux qui connaissent Devin Townsend savent que son esprit créatif peut être très imprévisible… mais chaque projet musical est un nouveau voyage en soi. Depuis ses débuts en tant que chanteur de Steve Vai sur l’album Sex & Religion en 1993, jusqu’à ses vocaux de style Death Metal avec Strapping Young Lad, en passant par ses vocaux plus opératiques avec le Devin Townsend Band, il a exploré de nombreux aspects de lui-même. Sur Lightwork, Townsend explore ses propres troubles intérieurs avec la pandémie, mais ce qui en ressort est l’un des albums les plus paisibles et pleins d’espoir qu’il ait écrit.

Cependant, cela ne veut pas dire qu’il s’est adouci d’une quelconque manière, car parallèlement aux explorations rêveuses, il y a de nombreux moments lourds. Townsend a un style de jeu de guitare très unique où il mélange des éléments progressifs avec tout ce qu’il désire sur le moment, et les résultats se fondent en une seule histoire. En conséquence, Lightwork propose dix chansons très différentes qui s’unifient en un album spécial.

Ainsi, plutôt que de vous plonger dans l’exploration de chaque chanson, car avec Townsend ce serait une alerte « spoiler », il est préférable que vous découvriez Lightwork à votre manière, à votre rythme. Cependant, il y a un morceau qui parle si brillamment et se détache de la masse. Honnêtement, c’est un pur génie, une fusion d’éléments musicaux si divers en une chanson de cinq minutes qui vous donnera l’impression de pouvoir conquérir le monde. Quelle est cette chanson ? Elle s’appelle « Dimensions » et explore sans aucun doute des territoires inexplorés de la meilleure espèce. De plus, la conclusion, « Children Of God », est aussi paisible que l’ouverture, « Moonpeople », qui crée une atmosphère de vie, de paix et d’amour. En fin de compte, ce sont les choses qui nous rapprochent le plus dans la vie.

Si vous avez jamais eu besoin de la preuve qu’à travers les luttes et les découvertes personnelles, il y a un chemin créatif souligné vers le succès qui n’attend que d’être libéré, elle vient de Devin Townsend. Pour un autre voyage sauvage autour du soleil, voici un opus qui mérite une appréciation plus que positive.

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Fitz & the Tantrums: « Let Yourself Free »

13 novembre 2022

S’il y a une chose que Fitz & the Tantrums savent faire, c’est créer des hymnes pop-soul accrocheurs qui ressemblent à des publicités pour eux-mêmes. C’est cette énergie positive qu’ils apportent à leur cinquième album, Let Yourself Free. Depuis More Than Just a Dream, sorti en 2013, le groupe de Los Angeles (dirigé par le chanteur Michael Fitzpatrick) s’est éloigné de l’ambiance Motown excentrique et enregistrée à la maison de ses débuts. La transformation a atteint son apogée avec « Handclap » en 2016 un titre incontournable qui fonctionnait à la fois comme une déclaration de la capacité du groupe à écrire un hit et comme une menace un peu ironique. Avec Let Yourself Free, ils conservent tout ce savoir-faire pop grand public tout en réussissant à ramener les choses à leurs humbles débuts R&B. Annoncé plusieurs mois auparavant par le single estival « Sway », l’album est le meilleur mélange stylistique du groupe entre leur style néo-soul des débuts et la dance-pop lisse qu’ils ont adoptée.

Parmi les premiers, « Silver Platter » et « Steppin’ on Me » sont les plus proches de l’ambiance intime et moite des fêtes universitaires des années 60 des débuts du groupe. Ce sont des morceaux mélodiques, dignes de se pâmer, où les voix chaudes des chanteurs Fitzpatrick et Noelle Scaggs sont noyées dans une réverbération élastique et des accents de guitare R&B spectraux. On retrouve également les intimités du New Jack Swing des années 90 sur « Is It Love », où Fitzpatrick s’encadre d’une mer croonante de ses propres chœurs multipistes, comme une version clone de Boyz II Men. La funky « Moneymaker », le piano « Heaven » et le romantisme synthétisé de la dance-pop des années 80 « Big Love » sont plus en accord avec le talent du groupe pour écrire des chansons pop accrocheuses, dignes d’une bande sonore. Fitz & the Tantrums savent exactement ce qu’ils font, et Let Yourself Free est un album pop confiant, sans excuses, qui a toujours une âme.

***1/2

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Fenella: « The Metallic Index »

13 novembre 2022

Le projet Fenella de Jane Weaver a été présenté avec une bande-son alternative au film d’animation culte Fehérlófia. Leur deuxième album, The Metallic Index, est sans doute plus cinématographique, même s’il n’est pas lié à un film particulier. Essentiellement instrumental, l’album s’appuie sur des pulsations de synthétiseurs cosmiques et des textures balayées, avec la voix sans paroles de Weaver. Après s’être ouvert sur un titre censé évoquer un voyage en train, le disque passe d’arpèges bouillonnants et chargés (« Instituts Métapsychique ») à des guitares atmosphériques à la dérive (« A Young Girl of Medium Height »).

« Telekinetoscopes » cassera un peu l’ambiance, avec des séquences de glitches flous qui clignotent et résonnent. « The Metallic Index » est un interlude plus léger mené par des rythmes sautillants, mais « Lilacs Illuminate in Indigo » marque une descente vertigineuse dans l’ombre. « Stellar in Spectra » est un voyage inquiétant avec des boîtes à rythmes grondantes et des synthétiseurs spatiaux, qui débouche sur un sentiment d’extase. « Are They with You (The Final Chord) » est la seule chanson lyrique de l’album, et c’est un joyau psychofolk émouvant, qui ressemble un peu à une version acoustique de Broadcast. Même si The Metallic Index semble plus clairsemé et moins développé que le premier album de Fenella, qui était plus long et un peu plus dynamique, il n’en reste pas moins un effort captivant qui mérite d’être exploré.

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Heather Trost: « Desert Flowers »

12 novembre 2022

Depuis qu’elle a lancé sa carrière en tant qu’artiste solo, l’ancienne membre de A Hawk and a Hacksaw et de Beirut Heather Trost s’est taillé une jolie petite niche dans le paysage de la pop psychédélique qui lui est presque propre. Fusionnant la musique des garçonnières de l’ère spatiale, les ballades prêtes pour Twin Peaks, le folk acide aux méandres mélodieux, l’indie pop léchée et la bizarrerie post-Elephant 6, les deux albums qui ont précédé Desert Flowers en 2022 sont des joyaux discrets que tous ceux qui aiment April March, Melody’s Echo Chamber ou Jacco Gardner aimeront aussi. Cette fois-ci, Trost semble avoir perfectionné son approche : elle s’est débarrassée d’une partie de la psychologie trouble, elle a resserré les chansons, elle a concentré les arrangements et, de manière générale, elle a produit un lot de chansons délicieusement douces et accrocheuses, jouées et enregistrées de manière complexe. Il est sans doute plus important que les chansons soient plus immédiates, qu’elles soient plus accrocheuses et qu’elles offrent des résultats émotionnels plus spectaculaires, mais c’est le son du disque qui pourrait vraiment emporter les auditeurs. La superposition d’orgues vintage et de mellotrons est brillante, les guitares qui s’entrechoquent sont subtiles et efficaces, et l’application de la batterie, en boucle ou non, est juste ce qu’il faut ; la sensation générale est semblable à celle que l’on peut ressentir en sirotant une boisson chaude par une fraîche journée d’automne.

gentle and atmospheric psychedelic pop delights.

Chaque omposition est ainsi une symphonie miniature, un rêve psychédélique réconfortant en son surround, au centre duquel se trouve la tendre voix de Trost. Un morceau comme « The Devil Never Sleeps » avec ses boucles de tom tom tonitruantes, ses guitares fuzz sourdes, ses harmonies vocales envolées et ses mélodies de clavier errantes est un exemple du soin et de l’artisanat que Trost a mis dans le son ici ; il est similaire aux efforts précédents mais amplifié et réduit à un point à la fois. Le lilting « You Always Gave Me Succor » en est un autre bon exemple, le pétillant et carnavalesque « The Debutante » en est un autre. Les chansons qui réduisent l’ambition et visent un doux murmure sont tout aussi efficaces. « Blue Fish » équilibre la voix fragile de Trost avec un accompagnement de clavecin et de flûte de synthé carillonnant et le résultat est parfait pour regarder avec nostalgie la surface d’un étang solitaire par un après-midi pluvieux. « Your Favorite Color » ajoute des boîtes à rythmes qui font écho, des orgues tourbillonnants et une section de cordes, offrant à Trost un support parfait pour exercer ses talents de chanteuse mélancolique. Après deux albums qui ont dansé autour de l’excellence, Desert Flowers saute la tête la première et établit Trost comme l’un des noms vers lesquels se tourner quand on a besoin de délices pop psychédéliques savoureux et atmosphériques.

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Lone Bellow: « Love Songs For Losers »

9 novembre 2022

Bien qu’il ne soit pas étranger à la musique délicate et émouvante de l’Americana, sur Love Songs For Losers, le cinquième album de The Lone Bellow et le deuxième en deux ans, le groupe retrace une fois de plus les cicatrices de la solitude et de la douleur, mais propose également une réflexion sur l’amour et la joie, ce qui en fait l’un des albums les plus éclectiques à ce jour, tant sur le plan musical que thématique.

« Honey », l’un des premiers singles de l’album, possède toutes les caractéristiques de The Lone Bellow, des voix obsédantes mais douces, des harmonies délicates et des paroles profondément informées. Mais dès la chanson suivante, « Gold », le groupe s’attaque à la dépendance aux opioïdes et aux communautés mourantes à la première personne – en s’appuyant à nouveau fortement sur les synthétiseurs, mais dans une ambiance totalement différente.  Ailleurs, « I’m In Love » est ancrée par des guitares électriques et un refrain triomphant, tandis que « Dreaming » est une ballade douce et langoureuse au piano, mais les deux chansons sont tout aussi impressionnantes. « Caught Me Thinking « , un titre d’inspiration R&B agrémenté de cuivres, est l’une des chansons les plus ambitieuses du groupe à ce jour et elle est parfaitement réussie.

Alors que Zach Williams est le chanteur principal sur la plupart des morceaux, Kanene Donehey Pipkin prend le micro sur le rêveur « Cost Of Living ». Williams reprend le chant principal sur « Unicorn », une lettre d’amour très publique à sa femme qui a réussi à se remettre d’une paralysie : « Je me disais que je pourrais te dire ce que je ressens, t’asseoir et te briser avec des mots qui sont jolis, je pourrais te dire ‘je t’aime’ mais c’est tellement ennuyeux, je pense que Dieu a fait une licorne » (I was kind of thinking I could tell you my feelings, sit you down and wreck you with some words that are pretty, I could say ‘I love you’ but it’s such a bore, I think God made a unicor ).

L’album a été enregistré dans la maison hantée de feu Roy Orbison – ce qui n’est pas vraiment pertinent pour cette critique mais un fait cool, néanmoins. Bien que Love Songs For Losers comporte de nombreuses marques familières du groupe, l’album montre le trio sous son aspect le plus expérimental, diversifié dans ses sujets et ses sons – tout en sonnant toujours comme un album de Lone Bellow. 

***1/2

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Turnover: « Myself in the Way »

8 novembre 2022

Que vous l’aimiez ou non, Peripheral Vision est tout ce qui compte vraiment pour Turnover. Peu importe ce que vous pensez de l’album NOTSHOEGAZEHOWDAREYOU sorti en 2015, son existence même est destinée à financer leurs chapeaux à godets et leurs champignons dans un avenir proche. Bien sûr, les setlists de Turnover peuvent saupoudrer quelques morceaux des machins musicaux qu’ils ont sortis après Periph, mais il est difficile d’imaginer qu’un public préfère ces trucs à des titres comme  » Cutting My Fingers Off « ,  » Take My Head  » ou  » Humming « .

Ceci étant dit, Good Nature a été assez impressionnant en étant à la fois facile à écouter et légèrement irritant, en grande partie grâce à un son de guitare qui s’appuie trop sur le thème de la nature en ressemblant à un putain de moustique. De même, Altogether a compensé de manière experte l’ajout d’éléments intéressants (lire : des synthés) aux chansons de Turnover par une écriture totalement ennuyeuse, rendant l’ensemble du disque oubliable et finalement jetable. Trois ans plus tard, c’est l’heure de Myself In The Way ! Où se situera cet album dans la discographie de Turnover ?

La façon la plus simple de répondre à cette question est peut-être d’utiliser l’un de nos images préférés, celle d’un lémurien pixellisé assis sur une branche accompagnée d’une voix disant « idk man, sometimes I don’t want to move it move it ». En fait, Myself In The Way est un autre lot de morceaux ennuyeux que le groupe a concocté parce que les bonnes gens de Run For Cover Records ont besoin d’être nourris eux aussi. Il est rempli de synthés qui n’apportent pas grand-chose (sérieusement, imaginez à quel point « Wait Too Long » aurait été légèrement meilleur sans cet d’autotune qui aurait été plus utile lors de la session Audiotree en 2015 . Alors que la présence de Brendan Yates sur Myself In The Way est amusante pour une confusion Turnover/Turnstile supplémentaire, la décision de faire contribuer le chanteur de Very Hype à une outro ennuyeuse pour une chanson ennuyeuse est courageuse.

De temps en temps, l’engagement de Myself In The Way dans l’ennui mène à une musique agréable. « Bored of God/Orlando  » est adéquatement rêveur et incorpore ses synthés dans la chanson plutôt que de les plaquer par-dessus. Ailleurs, ‘Ain’t Love Heavy’ réussit à être un morceau vibrant et dansant, en grande partie grâce à un featuring de Bre Morell qui vous permet d’oublier qu’il s’agit d’une chanson d’un groupe qui avait l’habitude de faire de la musique qui semblait s’intéresser à, euh, quelque chose. Ne vous méprenez pas, on est heureux que Turnover n’ait plus à se soucier de quelque chose. Tant mieux pour eux. C’est juste que on se moque de leurs trucs qui ne se soucient pas de se soucier… Parfois, on na pas envie « de bouger, de bouger ».

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First Aid Kit: « Palomino »

5 novembre 2022

La reproduction est tout, et pour First Aid Kit,cette nouvelle sortie, Palomino, n’est que la dernière étape du processus. Lorsque vos parents sont fans de Patti Smith, du Velvet Underground et des Pixies, vous savez que vous avez la musique dans le sang, même si vos propres goûts vont plutôt vers Devendra Banhart et CocoRosie. Pour Johanna et Klara Söderberg, la chance a fait partie de l’équation, tout comme le travail acharné dès le plus jeune âge. Par chance, leur frère a fréquenté le même jardin d’enfants que la fille de Karin Dreijer de The Knife et Fever Ray. Très vite, les deux jeunes femmes ont été signées sur le label de The Knife et leur premier EP est sorti en 2008. Produit par le père des Söderberg, Drunken Trees est une collection de chansons enregistrées sur leur page MySpace.

Leur chance a continué à tourner avec l’attention de Robin Pecknold de Fleet Foxes, Conor Oberst qui les a rencontrés après un concert des Monsters of Folk à Stockholm, Mike Mogis (qui a proposé de produire leur prochain album) après les avoir vus dans une pré-fête d’Austin City Limits en octobre 2010. Après un concert à Nashville, Jack White les a emmenés dans son studio Third Man où ils ont enregistré « Universal Soldier » de Buffy St. Marie et « It Hurts Me Too » de Mel London et Tampa Red. En 2011, ils avaient ému Patti Smith aux larmes avec leur version de « Dancing Barefoot » lors du gala du Polar Music Prize à Stockholm que Smith a remporté. En 2012, elles avaient enregistré leur deuxième album, The Lion’s Roar, produit par Mogis, ainsi que le tendre single, « Emmylou ». Pas mal pour deux femmes qui n’avaient que 19 et 22 ans.

Sur Palomino, les Söderbergs jouent un jeu délicat, essayant de rester fidèles à leurs racines « country » suédoises tout en s’aventurant dans des directions beaucoup plus rock que tout ce qui a été fait auparavant. Ils ont bien appris leurs leçons, enregistrant en Suède et s’appuyant sur Daniel Bengtson pour apporter les touches de production dont ils avaient besoin. Bien que toutes les influences mentionnées ne se retrouvent pas sur Palomino, c’est un mélange intriguant d’ancien et de nouveau, de Fleetwood Mac, Carole King, Tom Petty, T. Rex et Elton John à des créateurs plus modernes comme Angel Olsen, Whitney et Big Thief.

La batterie qui ouvre la voie sur « Out of my Head » montre qu’il ne s’agit pas du simple petit groupe de country de la dernière décennie. Comme ils l’ont fait tout au long de leur carrière, ils marchent à leur propre rythme et, après cinq années passées loin des feux de la rampe, ils sont prêts à se déchaîner. Pourtant, il y a des questions à résoudre en cours de route. « Back in time, oh I go wanderin’/ Through the rooms of my mind/ Every door that I’ve been closedin’/ All the people that I have let down » (Retourner dans le temps, oh je vais errer / A travers les pièces de mon esprit / Toutes les portes que j’ai fermées / Toutes les personnes que j’ai laissé tomber). Elles se demandent si elles ne manquent pas de temps, ce qui est intéressant pour deux chanteuses encore si jeunes.

Ayant développé un don pour créer de grands arrangements, comme les cuivres qui conduisent « Angel » dans des espaces où ils ne sont jamais allés auparavant. Il n’est pas surprenant qu’ils aient eu à faire face à leur succès d’une manière qui suggère qu’ils ne méritent peut-être pas vraiment tout ce qu’ils ont accompli. « “I’ve been afraid all of my life/ Crippled with anxiety, shame and doubt/ And sometimes sometimes I’d like to shout/ At the top of my lungs and just let it out » (J’ai eu peur toute ma vie/ Paralysée par l’anxiété, la honte et le doute/ Et parfois, j’aimerais crier/ A pleins poumons et tout laisser sortir). Quand elles chantent comment la peur les a retenus, on commence à réaliser que les luttes font partie de la vie. Mais First Aid Kit arrive à gérer ses angoisses en écoutant des cuivres qui créent quelque chose d’un peu plus majestueux que ce que la personne habituelle pourrait entendre.

L’un des thèmes qui traverse Palomino est le sentiment d’être prêt à courir, impatient de voir ce qui se trouve juste derrière l’horizon. « A Feeling That Never Came » met en lumière ce sentiment tandis que les Söderbergs combinent un peu de T. Rex avec les cuivres de Memphis. Ils ne chantent pas en souhaitant ce qui était, mais plutôt en regardant ce qui vient après. Ils chantent : « On s’est fait virer du bar et on est partis vers l’ouest/ Je t’aimais, mais j’ai mis tout ça de côté/ Je suis restée au coin de la rue, solennelle sous la pluie/ J’attendais quelque chose, un sentiment qui n’est jamais venu » (Got kicked out of the bar and we headed west/ I loved you, I did, but I’ve put that all to rest/ Stood at the corner, solemn in the rain/ Waiting for something, a feeling that never came). Alors, elles passent à ce qui vient ensuite. Au fil du temps, First Aid Kit pourra se souvenir de ce moment et savoir qu’elles ont fait un choix judicieux.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Daikini: « Lisa Hammer »

1 novembre 2022

Dakini, le premier album de Lisa Hammer (Requiem In White, Mors Syphilitica), est sorti en 2009. Il a été décrit comme « une musique pour le rituel, l’introspection et « l’éveil des sens », « un manifeste complet de recherche intérieure dans lequel on retrouve de nombreuses influences de différents genres musicaux », et qu’il a été « conçu pour transporter l’auditeur loin du monde manifeste et dans un espace plus profond ».

Réédité ici sur un vinyle coloré limité, en version étendue avec trois morceaux supplémentaires, il offre une occasion idéale aux fans actuels de se remettre en question et de se réadapter, et aux nouveaux venus de se familiariser avec l’album.

Il se trouve que je fais partie de ce dernier camp, et j’aborde donc l’album avec des oreilles fraîches, et seulement le fait qu’il est présenté comme étant pour les fans de Dead Can Dance et qu’il promet  » des voix sans précédent, parfois angéliques et parfois maudites comme si elles venaient d’une autre période oubliée par le temps « .

On pourrait se demander si, si la version originale était un « manifeste complet », l’inclusion de morceaux supplémentaires n’est pas un gage de réussite. Surtout si l’on considère que « les ragas indiens correspondent aux heures de la journée, l’album représente donc un condensé de 24 heures, ce qui est parfait pour un rituel ou tout voyage émotionnel et spirituel ». Dans ce contexte, la question se pose de savoir comment assimiler le matériel supplémentaire de la manière la plus discrète possible, avec le moins d’impact possible sur le flux qui fait partie intégrante du concept original.

L’ouverture de l’album avec un nouveau morceau de sept minutes, « Alte Clamat Epicurus », fonctionne bien ; c’est une incantation vocale évocatrice sur un fond de bourdonnement clairsemé. Elle ressemble – à vue de nez, et avec un peu d’imagination – à un lever de soleil, à un réveil. Hammer sonne à la fois comme un monde à part et incroyablement terrestre, ce qui n’est pas une mince affaire – mais je trouve que c’est quelque chose de particulier à la musique, en particulier aux vocalisations, qui puisent dans les échos de l’ancienne spiritualité. Tout en exaltant les cieux, on a l’impression qu’il existe une connexion plus profonde avec le sol, les rochers, les arbres, les éléments. Cela ouvre parfaitement la voie à « In Taberna Quando Sumus » ; simple, rythmique, répétitif. Au fur et à mesure que l’album progresse, on s’accorde sur le sens d’un arc, d’un cycle, et Hammer entraîne l’auditeur dans un voyage intérieur. Certains arrangements musicaux sont si minimaux qu’ils sont à peine présents, le son du vent et des réverbérations caverneuses, tandis que d’autres sont centrés sur des percussions hypnotiques et des vocalisations chorales sans paroles, comme sur le puissant « Samsara » et le lilting, éthéré « Vajra ».

Ce flux est quelque peu perturbé par un mixage dance de  » Chant Nr 5 « , déposé comme quatorzième morceau à la fin de la troisième face. Dans le sens où il sert de conclusion à la face qui s’ouvre sur la version originale, cela a un certain sens, mais quand même… c’est incongru, balayant l’encens à la dérive avec un rythme effréné et un son d’orgue chevrotant. C’est peut-être pour cette raison que j’hésite toujours à utiliser le terme « musique du monde » : il s’agit d’une vision occidentalo-centrée du globe, où le « monde » est vaste et où l’Occident n’en occupe qu’une infime partie, tant sur le plan géographique que culturel. En Occident, l’Occident est le monde et perçoit sa domination culturelle comme telle. C’est une perspective très faussée.

Alors que Dakini incorpore des éléments de ce qui serait communément décrit comme de la musique « mondiale », c’est vraiment de la musique « mondiale » dans le sens où elle embrasse vraiment la musique du monde dans toute son ampleur, avec le chant délicat de « Lullaby » qui doit peut-être plus aux traditions occidentales et qui montre que pour Hammer, toutes les sources sont égales, et cela donne une expérience d’écoute riche et émouvante.

La quatrième face se termine, et clôt l’album, avec le troisième et dernier morceau bonus,  » Hurdy Gurdy Gavotte « . Et là, tout est parfaitement assumé.

****1/2

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Publié par rockdecibels