No BS: Just Rock & Roll!

« Nous sommes tous très proches », dit Lexi Funston, guitariste/chanteuse des Paranoyds. « Nous nous sommes tous rencontrés au lycée, où nous sommes toutes devenus les meilleures amies du monde. » Le groupe est complété par Staz Lindes (basse/voix), Laila Hashemi (clavier/voix) et David Ruiz (batterie/voix). Carnage Bargain, l’album dynamique de des Paranoyds, est un disque 100% californien. Leurs chansons fleurent agréablement les rues de L.A. qui sont à la fois Funhouse et « destroy ». The Paranoyds sont, à cet égard, une version réinventée et tordue de la jeunesse perdue de L.A.

« Nous trouvons l’inspiration à différents endroits de la ville. Chaque petite ville a ses propres activités : le westside, l’eastside, plus précisément [ces] quartiers. Chacun fait son truc », dit Funston. Nous avons beaucoup de mal à vivre dans une ville où on ne marche pas, mais nous nous rattrapons en conduisant. J’ai l’impression que nous allons partout à L.A. toutes les quatre. » Le titre « Egg Salad », extrait de Carnage Bargain, fait référence à des endroits d’Hollywood : « Walk down Cherokee / Looking for a treat »

Le spectacle vivant des Paranoyds est cinétique et explosif. La meilleure façon de le décrire serait de les comparer aux lance-flammes d’un film de Quentin Tarantino. The Paranoyds peuvent jouer à n’importe quelle adresse : à partir de 1000 Vin Scully Ave. (Dodger Stadium), à l’arrière de l’arène au 1111 S. Figueroa St. (Staples Center), à une représentation pour les fantômes au Cherokee Building au 6646 Hollywood Blvd. Les Paranoyds ont maintenant porté leur son à l’échelle nationale, faisant découvrir leur version de la Californie à d’autres publics et à d’autres adresses. « Il y a tellement d’action quand vous êtes sur la route que c’est un peu juste pour le plaisir », dit Funston à propos des tournées. «  [C’est] amusant de s’évader pendant quelques semaines. Faire ce qu’on aime et passer du temps avec des amis ». Un titre qui se distingue lors de leurs concerts est la chanson « Bear », un thriller à la guitare qui se joue comme dans un parc d’attractions. « Cette chanson est l’adieu final. Nous adorons la jouer. » Dit Funston. « Toute notre énergie, tout ce que nous avons va dans cette chanson. Que nous jouions devant quelques personnes ou à guichets fermés, c’est toujours plus amusant de jouer  ainsi.»

Le son des Paranoyds est un ragoût créatif compliqué. « Nous aimons Devo. Nous les avons vus à Desert Daze. C’était l’une de leurs dernières fois à jouer ensemble. C’était une belle machine bien réglée. C’était génial, dit Funston à propos de certaines des influences du groupe. Aussi : X, Television, le son proto-punk du début des années 70. » The Paranoyds assument parfaitement leurs influences, mais ielles affichent aussi leur propre son, unique et original. « Staz ou moi-même, on va trouver l’intro/verse/chœur, et ensuite on l’apportera au groupe pour le structurer et remplir les parties, une sorte d’atelier. C’est très impliqué », dit Funston. « Chacun vient avec son propre rôle. C’est bien. C’est une expérience de collaboration ».

« Nous n’avons pas de manager », explique M. Funston à propos de l’approche « DIY » du groupe. « Nous faisons nous-mêmes autant que nous le pouvons. » Cette philosophie du « Do It Yourself » s’accompagne d’une nuance – Staz Lindes vient d’une famille d’industriels fous. Son père, Hal Lindes, est un célèbre joueur de session et a joué à une époque dans Dire Straits. C’est bien que Staz puisse toujours demander à son père. C’est utile quand on a quelqu’un qui a cette formation et ces connaissances », dit M. Funston. « Staz a également une carrière de mannequin. Elle est mannequin depuis qu’elle a 16 ans. Elle le fait depuis plus longtemps que le groupe. Les choses se chevauchent – le mannequinat et l’industrie de la musique. C’est bien qu’elle soit capable de vérifier les choses qui ne vont pas. Elle sait comment les choses doivent être faites, ce qui est génial ».

Pour ce qui est de la suite, M. Funston déclare : « Nous prévoyons de sortir un « single » dans les deux mois à venir, et nous aimerions idéalement sortir quelque chose l’année prochaine. Probablement un E.P. Nous sommes encore en train de déterminer le calendrier avec tout ce qui se passe en ce moment ». The Paranoyds joueront autant qu’elles le peuvent dans la Cité des Anges : « Nous avons vraiment hâte d’attraper un peu d’hiver. Nous avons adoré jouer. Tout est plus intime. Le live se nourrit de ce que le public prépare. Je pense que les gens sont impatients de sortir, de s’amuser, de transpirer et de bouger un peu. Je pense que nous serions un bon groupe pour ça ». Et un petit Carnage Bargain est bon pour toute bonne âme.

Ce sixième album de The Get Up Kids les voit s’appuyer plus sune sensibilité pop, atayée par des riffs de guitares accrocheurs. Le son reste familier mais il est évolutif ; le guitariste Matt Pryor explique quelle dynamique s’est fait jour dans le groupe.

Après un silence de huit ans, qu’est-ce que ça vous a a fait de sortir un nouvel album ?

Du bien déjà. Nous sommes passés par plusieurs cycles et nous allons partir en tournée;le calme avant la tempête. Ça n’est pas ce que je préfère mais, comme on s’est à nouveau réunis, il nous semblait nécessaire d‘être à 100 % dans le schéma enregistrement et tournées même si rien ne nous y forçait.

Est-ce un facteur important par rapport à la pression avant la sortie de chaque album ?

Auparavant, nous étions trop jeunes et arrogants et son se disait que si ça marcherait forcément. Cela n’a pas été toujours le cas et ça nous permet de ne plus nous prendre trop au sérieux. J’ai du mal à considérer que je suis un artiste car, après tout, je ne fais que jouer dans un groupe punk. Nous ne sommes pas des artistes, nous n’allons pas à des concerts, on va juste à des spectacles. On fait ce qu’on fait le plus sérieusement possible.

Qu’est-ce qui a changé dans votre façon d’écrire depuis 15 ou 20 ans ?

Pas grade chose. Chacun a ses propres compsitions ; Jim (Suptic, guitare et vocaux ) en a trois, moi deux.. la moitié d’entre elles était déjà prête et celels de Jim sont les plus proches de nos états d’âme alors que chez moi, pour « Salina » par exemple, tout était conçu et préconçu sous la forme d’une « demo » acoustique. Le plus souvent, on part d’une ébauche, comme avec « The Problem is Me” » ; un riff de guitare sur laquel on cnstruit et mprovise avec une bière ou deux et une sauvegarde sur « Dropbox ».

Comment décidez-vous de qui va chanter ?

Chacun interprète les siens.Jim a avait écrit « Fairweather Friends” » mais j’y ai ajouté des textes et une mélodie. Finalement c’est moi qui la chante après que nous nous soyons mis d’accord.

Et quid de vos influences quand vous écrivez ?

Je ne sais pas si ellesont beaucoup évolué ; nous avaons toujours les même thèmes. CE qui a changé c’est la dynamique qui a fait de moi un père de famille, avoir divorcé, la mort de certains membres de noter entourage ou l’état du monde en général. Je suis plus conscient et impliqué qu’avant quand je me moquais de savoir qui était note Président.

Il y a ce titre, « Lou Barlow », quel rapport y a t-il avec Dinosaur Jr ?

Aucun ! Je ne l’ai jamais rencontré. C’est une chanson où l’on évoque la fin d’une relation et il se trouvait qu’à ce moment on parlait de Lou Barlow de ce qu’on aimait ou pas dans sa musique. Omme il était mentionné dans les textes, on s’est dit qu’on pouvait très bien intituler le morceau ainsi.

Et qu’est-ce qui est dans les tuyaux pour la suite ?

D’abord les tournées avec la prise de conscience que nous étions encore capable de nous supporter les uns les autres…

Morbid Stuff est le quatrième opus de ce quatuor canadien mais c’est le premier qui soit auto-produit. La résultante montre que le combo va profiter de ce contrôle sur sa production mais ne pas hésiter à s’exposer puisque les sujets principaux du disque, même si ils sont accompagnés de textes au second degré, sont la dépression, l’addiction et la mortalité.

Le thème de l’album est difficile à esquiver ; comment avez-vous abordé le rapport entre le son et les textes ?

Steve Sladkowski (guitare) : On voulait faire apparaître la face la plus obscure de notre personnalité mais la compenser avec un peu d’humour. C’est une manière de rire un peu de sa dépression parce que, parfois, c’est le meilleur moyen de la gérer.

L’album préccédent, The Dream is Over, se focalisait sur les difficultés de vie sur la route et, plus généralement, de ce qui se joue aund on fait partie d’un groupe. Pensez-vous que Morbid Stuff en est aussi une réflexion ?

Zack Mykula (batterie): Je crois que chacun dans le groupe a eu à lutter avec ses propres problèmes mentaux et a trouvé ses stratégies pour les combattre. Tout le monde était passé par là aussi on s’est regardés et son s’est dits que, ce faisant, nous étions restés proches et soudés et c’est cela qui nous a permis de faire ce disque.

Qu’est ce qui fait alterner ces tempos entre le chaotique et le mélodique en matière d’écriture ?

Zack : Le plus souvent cela vient de Stefan (Babcock chant) ou Nestor (Chumak, basse) qui ont extirpé leurs squelettes. La pupart du temps Stefan vient avec un une idée qui sert de curseur à une chanson. On le décortique et chacun y injecte ses propres parfums. On s’efforce de servir la chanson et de ne pas nous marcher les uns sur les autres. Ensuite vient le montage et on arrondit les angles.

Steve : On a toujours fonctionné ainsi ; il n’y a pas de paramètres stricts qaunt à la façon dont on doit sonner. Lemieux c’est d’écrire et de s’interroger sur la nature de la composition, sur ce qu’il est préférable d’utiliser, sur le rôle de la guitare, la place accordée à la section rythmique. Parfois tout arrive en même temps, parfois une ligne de guitare spécifique comme sur »Kids » où la guitare est très mélodique. C’est toujours un travail à quatre.

Zack : C’est parfois frustrant car nous avons chacun notre propre manière de fonctionner mais c’est cette approche non conventionnelle qui rend les morceaux intéressants.

C’est votre premier album sur votre ce label ; qu’est-ce qui vous a poussés à l’auto-produire ?

Zack : SideOne nous a beaucoup aidés et, sans eux, on ne serait allés nulle part. Auparavnt nous étions dans une structure qui ne permettait pas d’avoir à des objectifs plus larges que simplement enregistrer un disque puis un autre. Nous voulions faire partie d’une communauté plus large, plus artistique et créative. Je pense que ça devrait préserver notre santé mentale ; arrêter de boire comme on le faisait en tournées, êtrs productifs, forger des partenariats avec d’autres artistes.

The Jean-Paul Sartre Experience est de ces groupes dont le nom est trompeusement simple. Les mélodies ont beau faire, la palette sonique du combo, un des piliers de Flying Nun, a toujours été captivante comme sur un dernier opus I Like Rain. Dave Yetton, bassiste et vocaliste, nous en explicite certaines ficelles.

Parlez-moi de vos premiers enregistrements et de ce qui a attiré l’attention de Flying Nun ?

C’était une cassette de 30 plages, enregistré avec les moyens du bord dans des boîtes de de nourriture pour chiens vides et q’on essayait de vendre dans les maisons de disques qu’on fréquentait. Le personnel en a commandé quelques exemplaires et ils se sont vendus assez vite. C’était un concept original, surtout sur uen scène réduite comme la Nouvelle Zélande. On a été invités à jouer à la soirée de Noël de de Flying Nun en 85 je crois et je crois que ça nous a boostés un peu.

Dans ces années 80 ; qu’est-ce que représentait le fait de faire parler de soi dans le marché indie ?

Il n’y avait ni internet, ni emails et nous étions plutôt isolés du reste du monde. On comprenait que l’intérêt de Flying Nun venait d’un tropisme pour certains groupes venus d’ailleurs. Ce qui en a résultat a été du bouche à oreille grâce à des journaux comme le NME et ça nous a permis d’avoir accès à d’autres groupes qui contribuaient à nos collections de disques. Rétrospectivement c’était une période facile, influencée par la drogue mais emprisonnée dans une cette isolation culturelle conservatrice qui rendait étroit d’esprit. À l’époque on ne s’en rendait pas compte mais on était, quelque part, une épine dans le pied dans la culture « mainstream ». Se situer à l’extérieur était une bénédiction à cet égard. Flying Nun était un label destiné à tous ceux qui ne souhaitaient pas s’intégrer dans ces convenances. Créativement le terreau était fertile et on était tous en compétition entre nous avec des ressources réduites au minimum.

Hormis le Velvet Underground quels autres groupes étaient importants pour vous ?

Je crois que toute véritable fan peut apprécier des musiques s’élargissant dur de nombreus specetres musicaux. On aimait l’expérimental mais aussi le mainstream ; un peu comme une discothèque où Cindy Luper et Pricne côtoyaient The Residents, Pere Ubu ou Rhrobbing Gristle. On état fans de Wire, Television, Pere Ubu, Joy Division, Can, Brian Eno, Fela Kuti, Nina Simone, Motorhead, Captain Beefheart, 70’s disco, Billy Idol, Bruce Springsteen, Suicide, James Brown, Van Morrison, Paul Simon, PIL, The Beatles, Nick Cave.

Quelle était votre approrhe en termes de songwriting alors ?

On écrivait différemment et les composions étaient rarement complètes. C’est le groupe qui remplissait les trous et leur connaît un ensemble. On dégraissait alors les idées mais, à mesure que nous progressions, nous étions de plus en plus attentifs aux détails et à collaborer ensemble. C’est de ce chaaos qu’est né nos compositions les plus intéressantes. Nous devions tomber tous d’accord à la fin d’autant que nous avions beaucoup de songwrtiters et qu’ile devaient donner un élan.