No BS: Just Rock & Roll!

Bridie Monds-Watson, de Soak, a passé les deux derniers albums du groupe au crible de la mélancolie, à la recherche de pépites d’espoir. « Je suis perdue dans un certain néant » (I’m lost in some nothingness), chante-t-elle sur « Valentine Shmalentine », soutenues par des percussions fatiguées et des cordes en empathie, « et je ne peux pas trouver où est la sortie » (And I can’t find where the exit is). Grim Town (2019) a fait ressortir un côté insolent et plus jovial de Monds-Watson par rapport aux angoisses à la dérive de leurs débuts, mais c’est sur leur troisième album If I Never Know You Like This Again qu’est embrassée enfin la joie avec un sentiment d’abandon tentaculaire.

À l’instar d’un poème de Mary Ruefle, ces chansons sont empreintes d’un flot de candeur consciente qui s’attaque à la précarité absurde de la pandémie : propriétaires exploitants, panneaux  » Live Laugh Love « , crises existentielles. C’est une rupture avec les récits dépouillés de leurs précédents albums, mais qui semble venir naturellement pour Monds-Watson. « Purgatory » oscille entre une sincérité désarmante et des déviations humoristiques, sachant que l’enfer ne vient pas après la mort, mais qu’il est déjà là. « Quand ma vie défile devant mes yeux, j’espère qu’elle gagnera un Oscar », fantasme-t-elle sur des « na-na » de cour de récréation et des accords de guitare douloureux. « Baby, you’re full of shit » est encore plus acerbe dans sa tentative de trouver une connexion, comme un couteau corrodé : « D’habitude, je suis un canon à T-shirt plein de compliments » (Usually, I’m a T-shirt cannon full of compliments. Monds-Watson a déjà exprimé ses inquiétudes quant à la sincérité déclinante de la société, mais la liste de ses griefs – podcasts à la douzaine et faux environnementalisme, pour n’en citer que quelques-uns – fait que ce sentiment de distance émotionnelle semble écrasant.

Contrairement aux projets précédents, If I Never Know You Like This Again a été enregistré avec un groupe en live, plutôt qu’à distance ou en duo avec le producteur Tommy McLaughlin, et en conséquence, il y a une intensité vigoureuse qui propulse cet album vers l’avant. Le résultat est une intensité vigoureuse qui propulse l’album vers l’avant. C’est ce qui ressort clairement du single « Last July », une salve étourdissante de batterie et de guitares qui semble plus forte et plus enchevêtrée que tout ce que Soak avait sorti auparavant. Des synthés aux reflets de satellite transforment « Gutz » en un tourbillon cosmique de nostalgie, tandis que « neptune » se catapulte encore plus loin dans l’espace pour la chanson la plus progressive de Monds-Watson, une épopée glaciale de sept minutes de bruits déformés et de percussions météoriques. Même « Swear Jar », la chanson la plus proche d’une ballade sur le disque, s’épanouit dans un climax de violons scintillants et d’un crash de cymbales. Chaque minute est chargée d’un sentiment d’urgence, d’une volonté indomptable de parler sans crainte.

C’est cet esprit qui permet à Monds-Watson d’écrire certaines de ses chansons les plus conversationnelles et vulnérables jusqu’à présent. Si Grim Town se concentrait sur ce à quoi ressemblait la simple survie, If I Never Know You Like This Again capte les frustrations noueuses et le contentement d’une vie pleinement vécue. « Red-Eye » reprend une histoire familière dans la discographie de Soak : Monds-Watson est impatient de quitter la vie de la petite ville, mais il éprouve un ressentiment mordant à l’égard de chaque rendez-vous rassis et superficiel. « Pretzel », en revanche, trouve la tendresse dans les petits moments, dilatant le tempo d’une poussée de fièvre à une bobine de scènes domestiques au ralenti : « Elle danse nue sur le lit / Pour m’apprendre à avoir confiance en mon corps » (She dances naked on the bed / To teach me body confidence). .Les détails semblent collés les uns aux autres plutôt que d’être parfaitement sélectionnés, ce qui rend une ligne légère et la suivante dévastatrice.

Cela n’est nulle part plus clair que sur « Bleach », la pièce maîtresse de l’album, qui ressemble à la fois à une lettre à un ancien amant et à une porte sur le monologue intérieur de Monds-Watson. Une guitare acoustique solitaire ouvre le morceau, et les paroles sont presque aussi dépouillées, évoquant les cheveux perdus et les mésaventures de la teinture. C’est un début tranquille, qui devient encore plus doux au milieu de la chanson, lorsque Monds-Watson révèle leur insécurité la plus frappante : « Je ne peux pas rivaliser avec l’anatomie / Je ne serai jamais la vraie affaire » ( I can’t compete with anatomy / I’ll never be the real deal). L’aveu est trop lourd à porter : Le murmure de Monds-Watson se transforme en hurlement, tandis qu’ils s’enfoncent dans l’agonie d’une romance qui n’a jamais existé. C’est peut-être la caractéristique principale de If I Never Know You Like This Again : Face à l’insupportable, Monds-Watson ne se détourne pas ; ils tiennent bon, osant perdre et ressentir à nouveau.

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Le sixième album d’Angel Olsen est peut-être l’un de ceux qui portent le titre le plus approprié de ces dernières années. Le thème de Big Time est celui d’une chronique de la période de transition considérable dans sa vie personnelle, traitant non seulement de son coming out en tant que gay, mais aussi de la perte peu après de ses parents. En plus de cela, c’est un album qui donne l’impression qu’il pourrait représenter son entrée dans la cour des grands, un album qui, qu’il soit dramatique ou intime, est aussi son travail le plus accessible à ce jour.

Ceux qui sont familiers avec le slalom stylistique excentrique du troisième album d’Olsen, My Woman, sauront comment il sonne lorsqu’elle s’incline vers l’alt-country inspiré de Laurel Canyon ; il y avait des éclairs similaires de telles prédilections sur la collection de bric et de broc Phases en 2017 et le LP Whole New Mess en 2020, une affaire rapide qui avait été enregistrée pendant l’été 2018.

Sur Big Time, elle pousse ce penchant rustique jusqu’à sa conclusion naturelle, de la magnifique et mélancolique nostalgie de l’ouverture « All the Good Times » à la chanson « Ghost On » aux accents doo-wop, en passant par la lancinante « Through the Fires « et la brise folk-pop digne d’Emmylou Harris de la chanson titre.

Les fans de longue date d’Olsen savent cependant qu’elle est à son meilleur lorsqu’elle vise l’épopée, et la pièce maîtresse de Big Time est constituée par le duo puissant « Right Now » et « This Is How It Works », qui sont tous deux des épopées se déroulant progressivement. L’album dans son ensemble est un argument de poids pour démontrer qu’Olsen est une des meilleurse compositrices de sa génération ; peut-être que maintenant, le reste du monde le reconnaîtra aussi.

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Alors que la notoriété de Phoebe Bridgers ne cesse de croître, il existe une communauté de ses amis et collaborateurs qui écrivent et sortent des albums impressionnants pour attirer l’attention. C’est un cercle musical qui pourrait un jour devenir légendaire. Mais à l’heure actuelle, des artistes comme Harrison Whitford semblent heureux de s’effacer derrière leurs amis plus célèbres, tout en écrivant une musique d’une beauté tranquille qui n’est peut-être pas énorme, mais qui signifie beaucoup pour ceux qui l’entendent. Si Afraid of Nothing de Harrison fait partie de nos albums préférés pour 2021, on a été tout aussi époustouflé en écoutant Beginners de Christian Lee Hutson pour la première fois l’année dernière. Hutson travaille avec des artistes tels que Phoebe Bridgers et Matt Berninger depuis un certain temps déjà. Il est un collaborateur, un guitariste et un choriste apprécié, mais son niveau de reconnaissance personnelle est encore minime. Il y a une chance que cela change avec le nouvel album Quitters.

Produit par Bridgers et Conor Oberst, ce disque possède certainement toutes les caractéristiques qui rendent la musique de cette petite communauté spéciale. Sur le plan lyrique, il en a toutes les caractéristiques. Prenez par exemple l’intégralité de  » Sitting Up With A Sick Friend « , où des vers tels que  » I had my head on your lap on the roof of this house/Tipped back bottle of vodka connecting the clouds/Never worried about making anyone’s list/Do whatever you want cause God doesn’t exist  » (J’avais ma tête sur tes genoux sur le toit de cette maison/D’une bouteille de vodka reliant les nuages) démontrent son talent exemplaire de conteur. Ou encore les étonnantes répliques qui parsèment l’album  » Rubberneckers  » –  » I’m a self-esteem vending machine  » (Je suis un distributeur automatique d’amour-propre) étant notre préférée. Hutson excelle à signifier beaucoup plus que ce qu’il dit dans ses paroles, réussissant à être à la fois profond, spirituel, autodérisoire et honnête. Souvent en une seule phrase.

Sur le plan sonore, et comme beaucoup de ses contemporains dont on a parlé plus haut, Christian doit beaucoup à des prédécesseurs tels qu’Elliot Smith. C’est une musique souvent sombre, mais ne laissez pas cela vous convaincre que Quitters est purement déprimant. La musique de Christian mélange le misérable et l’exaltant. Une chanson comme  » Blank Check  » remonte le moral avec son refrain optimiste « ‘you don’t have to do anything you don’t want to do » (tu n’es pas obligé de faire ce que tu n’as pas envie de faire ), et même les chansons qui traitent de la dépression (comme la susmentionnée  » Sitting Up With A Sick Friend « ) le font avec un humour ironique, un sens que vous pourriez éviter de pleurer si vous aviez un bon rire. À d’autres moments, comme dans l’exceptionnel « State Bird », l’écriture est tout simplement hilarante. On commence ainsi par discuter d’un jeu de « Sont-ils frères et sœurs ? Are they dating ? » qu’un couple joue à un festival, il raconte une histoire amusante sur les façons dont les gens essaient de s’accrocher à un amour qui n’existe plus. C’est de l’écriture de chansons de très haut niveau.

Une amélioration notable entre le premier et le deuxième album est l’ajout d’accroches et de refrains addictifs à la musique de Hutson. C’est comme s’il avait appris à être accrocheur. Si vous passez un peu de temps avec cet album, on peut vous promettre qu’il y aura des lignes qui tourneront dans votre tête pendant des jours –  » ‘If you tell a lie for long enough then it becomes the truth » (Si vous dites un mensonge pendant assez longtemps, il devient la vérité)  » dans  » Rubberneckers « ,  » Something big is coming/I don’t know what it is yet  » (Quelque chose de grand se prépare / Je ne sais pas encore ce que c’est ) dans  » Cherry « ,  » I don’t think that this is working  » dans  » State Bird « , et  » You are a mystery to me/There is no mystery to me  » (Tu es un mystère pour moi / Il n’y a pas de mystère pour moi) sur  » Creature Feature  » pour n’en citer que quelques-unes. Ce que cela suggère, c’est qu’à mesure que cette communauté d’auteurs-compositeurs et d’artistes continue de prospérer, des personnes déjà talentueuses comme Hutson découvrent de nouvelles choses et se développent en permanence. Et si la musique est déjà aussi passionnante, j’ai hâte d’entendre ce qu’ils sortiront tous dans dix ans.

Cette association avec Phoebe Bridgers, Conor Oberst, Matt Berninger et d’autres ne peut que favoriser la carrière d’un artiste tel que Christian Lee Hutson. Mais on terminera en disant que cela ne doit pas le définir. Quelqu’un qui est capable d’écrire et d’interpréter un album aussi magnifique que celui-ci mérite toutes les louanges et les acclamations, et il est à espérer qu’il prenne sa juste part de la lumière qui brille actuellement sur ce coin productif et excitant de la carte musicale. Quitters est un ajout exceptionnel à leur arsenal.

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