Au cours de la dernière décennie, Scott Lawlor s’est imposé comme un membre talentueux et respecté de la communauté ambient, publiant plus de 300 albums de musique ambient, dark ambient, piano et drone de première qualité. Son dernier album, Life Passes Slowly Unto Death, est un album dark-ambient cérébrall et sincère qui, comme le suggère le titre, est une réflexion sur la vie et la mort, et le voyage de l’une à l’autre.
Le morceau d’ouverture « Life Passes Slowly Unto Death » donne le ton pour l’ensemble de l’album – des drones sombres et oppressants sont combinés de manière experte avec des synthés planants, équilibrant parfaitement l’obscurité et la lumière. Le résultat final est un morceau incroyable qui, malgré son côté menaçant, laisse à l’auditeur un sentiment d’introspection et d’espoir.
« As the Dying Process Begins, Comprehension of Mortality is Realized » est considérablement plus troublant. Un paysage sonore sombre et inquiétant est accompagné de ce qui ressemble à des enregistrements de terrain provenant d’une autre planète, où l’on entend le murmure et le gazouillis de formes de vie extraterrestres. « Drifting Through Unsequenced Memories » poursuit dans la même veine, mais les formes de vie extraterrestres sont remplacées par les sons de conversations indistinctes. Et au fur et à mesure que le morceau se déroule, des synthés envolés sont ajoutés au mélange, ajoutant une certaine légèreté au morceau et faisant passer les choses de l’inquiétant à l’intrigant.
Le travail du piano sur « Your Worst Fear is Dying Without Being Remembered » est subtil mais puissant, créant un sentiment de mélancolie presque accablant. L’écoute de ce morceau est une expérience stimulante et enrichissante, et il est impossible de ne pas se retrouver à faire le point sur sa vie et son héritage probable. « Whisperings From Beyond The Veil Call You Home » est un titre plus minimaliste, dans lequel un subtil paysage sonore ambiant sombre et un chuchotement sous-jacent inintelligible se fondent en une hallucination audio obsédante mais apaisante.
La chanson-titre est le morceau le plus sombre et le plus « dark-ambient » de l’album. Des drones inquiétants et des synthés discordants sont complétés par des échos étranges et des sons éthérés. C’est impressionnant et en l’écoutant, on peut presque se sentir tiré à travers le rideau et dans l’au-delà.
Enfin, le dernier morceau, « The Touching is a Bridge Between the Afterlife and the World Which You Left Behind », est unecomposition émouvante, avec son piano mélancolique et son chant qui fait vibrer l’âme, qui conclut parfaitement l’album – laissant l’auditeur se sentir touché par quelque chose de très spécial. Life Passes Slowly Unto Death est une oeuvre incroyable, dans laquelle le thème de la mort est habilement exploré, démontrant une fois de plus à quel point Scott Lawlor est un musicien doué.
Maybeshewill est de retour ! Il semblait que la voix séminale du post-rock britannique était terminée après leur spectacle à guichets fermés au Koko en 2016, avec Fair Youth de 2014 servant de chant du cygne en studio. Pourtant, il était peut-être inévitable que la séparation ne dure pas longtemps – les voici en 2021, tentés de sortir de leur retraite avec une nouvelle collection de chansons qui, comme ils l’ont dit eux-mêmes, « ont remis le groupe sur pied « .
No Feeling is Final est certainement Maybeshewill pour la génération du changement climatique. Il y a une colère apocalyptique à l’œuvre ici, alors que le groupe fulmine contre le refus obstiné de la société de changer face à une planète mourante. Mais c’est surtout une profonde tristesse qui imprègne l’album – de sombres cordes occupent le devant de la scène tout au long de l’album, menaçant de dévorer le son de synthé habituellement optimiste qui a fait le nom du groupe. C’est un album sombre, mais on peut y trouver des lueurs d’optimisme, et bien sûr un défi politique qui a toujours été la marque de fabrique de la musique de Maybeshewill.
Très vite, l’étalage est fait. « Zarah », avec son sample prolongé (oui, les samples sont de retour sur cet album, même si ce n’est que très brièvement) fonctionne presque comme une déclaration de mission du groupe, un morceau rock et agressif qui montre que la foule de Leicester a toujours le feu sacré. « Complicity » bondit avec une menace appropriée, avant de céder la place au rythme mélancolique des claviers d’ « Invincible Summer ». Le solo de saxophone à la fin du premier « single » « Refuturing » est une surprise bienvenue, complétant un morceau sombre qui projette néanmoins des airs d’optimisme. Il est suivi d’un autre moment fort, le folksy « Green Unpleasant Land », dont les méandres pastoraux finissent par céder la place à l’une des sorties les plus chaotiques de l’album.
En fin de compte, No Feeling is Final finit par être un peu creux. Il n’y a pas de mauvais morceau sur l’album – « Even Tide » et « The Last Hours » sont tous deux un peu trop longs, peut-être, mais ont quand même leurs moments. C’est juste qu’il n’y a pas grand-chose ici qui reste longtemps dans la mémoire – Maybeshewill, à leur meilleur, sont les maîtres du post-rock qui sinsinue dans les oreilles, mais il n’y a pas grand-chose pour rivaliser avec des titres comme « Red Paper Lanterns » ici. Trop de titres finissent par passer à côté, se confondant en un mélange de terreur sociétale.
Peut-être est-ce parce que l’apocalypse sombre de l’album s’avère un peu lassante au bout d’un moment. Il semble qu’il faille une éternité avant d’arriver à « Tomorrow », le morceau le plus proche, et à sa vision d’un avenir meilleur. C’est pourtant cette approche sombre qui fait que No Feeling is Final vaut la peine. Tant de groupes dans la position de Maybeshewill auraient roulé sur leur retour, se contentant de jouer les mêmes chansons dans les mêmes festivals jusqu’à leur prochaine retraite. Pourtant, ici, l’équipe de Leicester prouve qu’ils sont de retour pour une raison, qu’ils ont encore quelque chose à dire. Ce n’est pas encore le travail d’un groupe qui tire sur tous les cylindres, mais Maybeshewill est de retour et c’est en soi une raison d’être optimiste.
Le mystérieux K.M., ou Kthunae Mortifer pour les intimes, a passé ces dernières années à marquer de son empreinte le monde du black metal. Avec Ars Magna Umbrae, K.M. crée une forme d’évasion musicale et mystique dans laquelle l’auditeur et le musicien tombent béatement. Le Polonais nous offre ici des vagues cosmiques depuis ses débuts quatre ans plus tôt avec le spectaculaire Lunar Ascension, un album qui a ébloui les critiques et suscité un culte. Après le deuxième album Apotheosis, sorti l’année dernière, voici le troisième album Throne Between Worlds, une quête ésotérique de six titres dans les mondes profonds, semblables à ceux qui ornent la pochette étonnamment complexe.
La cacophonie absorbante de la dissonance du black metal, avec ses riffs atonaux et sa nature caverneuse, est l’un des nombreux attraits de ce genre musical particulier. « Into Waters of the Underworld » ouvre cette porte de l’enfer auditif et vous inonde de la discorde harmonieuse du métal ésotérique et de sa netteté angulaire. Un interlude effroyable de voix gémissantes et désincarnées sur une proclamation murmurée donne quelques frissons à une colonne vertébrale macabre. Cette introduction fantasmagorique ne fait qu’effleurer la surface et constitue une ouverture assez sobre et riche en atmosphère, l’album peut maintenant éplucher ses couches et révéler ce qui se cache au fond de ses eaux stygiennes.
Chaque morceau vous emmène à travers un portail de dissonance vers de méchantes demeures d’horreur et des paysages abyssaux. Ces histoires aux multiples textures oscillent entre la dureté grinçante et avant-gardiste et la beauté éthérée, le tout façonné dans le macrocosme lovecraftien personnel de K.M.. Consecrating the Shrine of Undoing » permet de construire un monde expansif et suit un chemin très axé sur la guitare, avec des plumes mélodieuses contrastées et des riffs tremblants et écrasants, et se termine sur une note pensive, post-noire. » Treader On The Dreamless Path » touche au fantastique, en commençant par un mur synthétique d’ambiance onirique avant de laisser la place à des guitares soudaines et déchiquetées qui répètent un son perçant pour les oreilles, avec des gloussements gutturaux et d’étranges notes de basse qui grondent.
Les morceaux se déroulent à un rythme modéré, sans jamais s’imposer à vous avec une attitude trop directe ou un blast incessant. K.M. raconte son histoire principalement à travers son jeu de cordes et rien ne le démontre mieux que la conclusion de l’album, « Metempsychosis (Transmigration of the Soul) », une conclusion épique de 11 minutes qui déroule son voyage exploratoire à travers des sections nuancées de sons transformés. D’une flambée ardente de blastbeats et de riffs qui se fondent dans un rythme de batterie et des crécelles serpentines à des plumes de basse plutôt irrégulières et non conventionnelles et une ambiance mystérieuse.
Des lueurs de post-black metal soulignent les passages émotifs, tandis que l’instrumentation rude déchire les vides pour atteindre des mondes inconnus. Les blastbeats sont utilisés avec parcimonie, en fait il n’y en a presque pas et ce n’est pas qu’ils soient nécessaires en raison d’autres profondeurs créatives. Il y a même une irrégularité intéressante dans l’utilisation de certains instruments, car K.M. n’a certainement pas peur de faire des choses un peu à contre-courant et de plonger des riffs ou des ambiances dans une bizarrerie d’avant-garde.
K.M. est un bâtisseur de monde qui semble avoir une imagination sans fin et ces six morceaux offrent un monde entier d’histoire dans lequel les pages se tournent vers chaque chapitre simplement en écoutant la musique. La grande musique fait cela et Ars Magna Umbrae fait partie de cette catégorie de groupes de black metal dont la musique semble peindre une image vivante. I, Voidhanger ne peut apparemment pas se tromper, avec plusieurs sorties de premier ordre récemment pour ajouter à leur back-catalogue presque sans faille et le très absorbant Throne Between Worlds peut ajouter son nom à cette insolente liste.
Feral Vices, un duo d’alt-rock à la guitare et à la batterie originaire de Louisville, produit des hymnes rock accrocheurs, prêts à être diffusés sur le site Spotify, avec des grooves qui font taper du poing et plus d’une bonne part d’accrocheurs. Le duo sort son nouvel album, With Offerings après avoir lancé trois singles en 2020. Mais – malgré le modèle déployé sur le dernier EP du duo, le très bon Mirror You en 2019 – ces « singles » en 2020 ne se trouvent nulle part sur la nouvelle version. Et c’est bien dommage, car l’un des « singles » en particulier, « The New Machines », était l’un des meilleurs du groupe à ce jour, totalement hymne et le type de groove haché et chargé de guitares qui met du sable dans les yeux de Josh Homme et de Queens of the Stone Age. Mais ce n’est pas grave, car, étonnamment, le nouvel EP n’a pas besoin de beaucoup d’aide pour atteindre une certaine ampleur
Oui, il y a un numéro de blues-rock délicieusement martelé (« Lay Down ») sur le nouvel EP. Et l’ouverture « Corpse In The Cathedral » est si ambitieusement saturée de couches qu’on dirait que les Foo Fighter Dave Grohl fpurraient faire une apparition. Mais le nouvel EP, à notre avis, tourne totalement autour de la quatrième chanson, « Mass Produce Your Revolution » où le groupe vise l’horizon et les étoiles et les atteint à la pelle ce qui pourrait faire du titre une composition dans la tradition de « Blank Generation » de Richard Hell. Les paroles sont excellentes, bien qu’un peu génériques, mais le message global (dans la veine de l’ancien « la révolution ne sera pas télévisée ») est livré avec passion et aplomb. Le refrain à la guitare est si vitriolique et si accrocheur qu’il chatouillera oreilles et cerveaude la plus belle manière.
Et cela ne dit rien des chansons qui entourent ce titre exceptionnel. Le leader Tyler Hoagland est un remarquable chanteur, même si son phrasé est un peu trop propre et peut-être un peu trop poli en studio pour correspondre aux refrains grunge – qui font souvent allusion au nouveau style blues-rock des Black Keys – qui les entourent. Mais c’est un sacré guitariste, très imaginatif avec ses phrasés et son contrôle du volume, et très prompt à essayer quelque chose de non conventionnel au lieu de tomber dans le moule trop prévisible couplet/refrain/couplet.
« Covered In Blue » comporte un anti-solo presque bizarre au bout de deux minutes, un pont qui semble presque contre-intuitif – mais qui fonctionne, bizarrement et il y a un super petit pont de guitare pixellisé vers la fin de la chanson titre qui clôt l’album et qui fait monter en flèche les guitares et les rythmes frénétiques du batteur Justin Cottner dans les dernières mesures.
Ces gars-là savent clairement ce qu’ils font et, de ce point de vue,v notre duo est un produit de son lieu et de son époque, la production en studio s’orientant davantage vers les Foo Fighters susmentionnés que vers ce que Grohl a fait, par exemple, sur le merveilleux In Utero de Nirvana, aux bords déchiquetés. Il n’y a rien de mal à cela, bien qu’il soit tentant d’imaginer cette chose coupée dans un autre Louisville, disons la version des années 1980 ou 1990 remplie de Maurice ou de Shipping News ou des bonnes gens du site Louisville Hardcore. « Félicitations/ Je pensais que vous en vouliez plus/ Ces moteurs rouillés/ Rien ne bouge plus ici » (Congratulations/ I thought that you’d wanted more/ Those rusted engines/ Nothing moves here anymore), chante Hoagland sur « The New Machines », leur superbe « single « de 2020. C’est cet esprit Louisville que nous aimerions voir le groupe creuser plus profondément. Cela pourrait rendre la musique beaucoup plus bruyante et beaucoup plus brute, en mettant l’accent sur le non conventionnel plutôt que sur une piste vocale lisse ou une accroche alléchante. Mais c’est le Louisville d’aujourd’hui et Feral Vices (et des groupes comme WiiRMZ) s’efforcent de se l’approprier. Et si « Mass Produce Your Revolution » devient leur meilleur score, qu’il en soit ainsi. Ce n’est pas un mauvais endroit pour y accrocher son chapeau et y poser ses bottes avec aise.
Les Hymnes Orphiques ont déjà été évoqués à propos de de Music for Certain Rituals (AimA & The Illusion of Silence), ce recueil de poèmes datant de la fin de la période hellénistique se situant autour du culte mystérieux de l’orphisme. Un mouvement qui allait à l’encontre de la foi chrétienne. Les adeptes vivaient de manière ascétique afin d’obtenir une meilleure vie après la mort grâce à la pureté physique et spirituelle. Le noyau des « Chants élyséens » (Elysean Chants) est constitué de sept hymnes orphiques, chacun dédié à diverses divinités ou éléments naturels.
Caverna Delle Rose est le nom de la collaboration entre AimA Lichtblau (Les Jumeaux Discordants, Allerseelen), Evor Ameisie (NRTHGTE, DDeM Label, Camerata Mediolanense) et Diego Cinquegrana. Le groupe trouve son inspiration dans les rituels magiques et les pratiques de performance datant de l’Antiquité à nos jours. Ils trouvent un équilibre entre la recherche (anthropologique) et la réinterprétation (musicale). Leur intérêt commun pour les cultures anciennes ou primitives a donné naissance à Elysian Chants, le premier album du collectif.
La pochette du disque présente une image forte : le regard pénétrant d’un vieux masque noir sur un fond blanc contrastant, à moitié voilé par un voile rouge foncé. Intrigant, tout comme l’ouverture « To Dionysius ». Le personnage de Dionysos ou Bacchus est la divinité de la viticulture, de la fertilité, du théâtre et de la musique, mais aussi de la folie rituelle et de l’extase. Ce dernier aspect est clairement perceptible dans ce voyage de plus de six minutes rempli de rythmes irrésistibles et de voix mystérieuses. C’est une évocation dionysiaque prolongée et particulièrement entraînante.
« To Night » ramènea le calme en mélangeant des sons nocturnes de la nature avec un paysage sonore tranquille. Caverna Delle Rose semble attacher beaucoup d’importance à la création d’une atmosphère adéquate et avec des résultats. Le violoncelle d’Annamaria Bernadette Cristian donne à la chanson cette lueur et ce mystère supplémentaires. Ce caractère insaisissable est également exprimé par les chœurs masculins et les textes en grec ancien auxquels AimA donne une voix. C’est l’un des deux poèmes récités dans leur intégralité, avec « To the West Wind ».
Dans l’hymne suivant, il est question des némésis Erinyes ou Furies. Ces créatures des enfers étaient censées chasser et tourmenter les criminels. « To the Furies » est ainsi propulsé par un rythme de marche rapide (faisant référence à la poursuite ?) et des chants enchanteurs (« Terrific virgins, who forever dwell. Endu’d with various forms, in deepest hell » –(ierges terribles, qui demeurent à jamais. Sous des formes variées, dans l’enfer le plus profond – . ) . Le violoncelle en tant que voix supplémentaire s’avère également être une valeur ajoutée ici.
En plus des hymnes, le morceau « Hyle, The Chant of Creation » divisera l’album en deux sous la forme d’un intermezzo instrumental et sombre qui évolue sur ce que nous avons déjà entendu.
Dans la deuxième partie, on trouve « To the Fates ». Outre les Némésis, il y a aussi les Parques ou les Moira qui déterminent le destin de la vie, tant des hommes que des dieux. Whose life ’tis yours in darkness to conceal. To sense impervious, in a purple veil » (Dont la vie est à toi dans les ténèbres pour la dissimuler. Pour sentir imperméable, dans un voile violet) peut-on lire dans la traduction anglaise de Thomas Taylor de 1792. Y trouve-t-on un lien avec l’image de la couverture ? En plus de la récitation d’AimA dans la première partie du chant, le poète italien et traducteur du grec ancien Angelo Tonelli apporte également quelques vers comme une voix sage du passé lointain.
Le dernier hymne est une louange à Zephyrus, la personnification du vent d’ouest. La fin de l’hymne, intitulée » »To the West Wind « , est quelque peu exaltée et rappelle l’idiome musical d’Ataraxia. Il constitue un point d’orgue tranquille après les atmosphères sombres des hymnes précédents.
En tant que concept et premier album de Caverna Delle Rose, Elysian Chants est certainement un succès et mérite toute l’attention lors de son écoute, de préférence à un volume élevé et dans une atmosphère crépusculaire.
Rebecca Lucy Taylor s’occupe de sentiments. Dans Self Esteem, elle s’accroche à une émotion – un grondement au creux de l’estomac, un sentiment de malaise persistant, une proclamation d’amour de soi pleine d’espoir – et la libère comme un meneur de jeu qui fait claquer son fouet : délibérément, avec force, et fort comme l’enfer. Taylor n’a pas de temps à perdre avec les sentiments ou même les métaphores ; sa musique est directe et va droit au but, et elle n’a jamais été aussi franche et directe que sur son nouvel album Prioritise Pleasure.
Taylor travaille depuis longtemps dans l’industrie musicale, et a notamment acquis une notoriété et une expérience en tant que moitié du groupe Slow Club. Le duo s’est dissous en 2017, mais à ce moment-là, Taylor était déjà passée à autre chose, écrivant ses propres chansons en privé et les envoyant à son ami musicien Jamie T pour obtenir des commentaires. Lorsque le premier album de Self Esteem, Compliments Please, a été dévoilé au monde en 2019, il a été ressenti comme un énorme soupir de soulagement, Taylor travaillant loin du son indie rock amical de son ancien concert et s’occupant plutôt d’approches plus abstraites, charnelles et grandiloquentes de la musique.
Si l’album Compliments Please présentait des lacunes, c’est parce que Taylor avait l’impression de ne pas encore trouver sa voix. Sur son nouvel opus, ce problème a complètement disparu ; ici, Taylor semble entièrement contrôler son environnement, sa voix et chaque mot qu’elle utilise.
Elle est effrontément directe, et dans Prioritise Pleasure, elle ne se soucie absolument pas de se conformer aux attentes. Elle dénonce les doubles standards du patriarcat sur « Hobbies 2 », qui tente de lui faire honte parce qu’elle aime le sexe : « Je ne suis qu’une humaine, et toi ? (’m only human – what are you ?) Dans « How Can I Help You », elle transforme une remarque négative (« I don’t know shit » en un appel aux armes sardonique. Avec son rythme claquant inspiré de Yeezus, le morceau éclate dans un sentiment d’alarme, comme si la phrase répétée déclenchait des cloches d’alarme et agitait des drapeaux rouges dans son visage.
Et Taylor sait comment faire fonctionner un rythme. C’est d’ailleurs ce qui vient en premier dans sa musique : « J’étais batteuse avant d’être chanteuse, donc c’est d’abord le rythme qui compte », expliquait-elle en 2019, et ici, on a toujours l’impression que la même approche est utilisée. La chanson titre utilise un rythme de club battant entre des cris de rétroaction de guitare et des affirmations d’amour de soi soutenues par le gospel. Sur « Still Reigning » et « It’s Been A While », elle plonge dans les styles R&B et même dubstep, tandis que le titre d’ouverture « I’m Fine », austère et dévastateur, utilise des grincements industriels métalliques contre un grondement de basse.
Après les rythmes, il y a les balayages constants de cordes (« J’adore les cordes », a clairement dit Taylor dans des interviews), qui accentuent la montée en puissance de la férocité mordante ou soulignent les bords plus doux de l’album (« John Elton », « The 345 », « Just Kids »).
Cependant, ce qui domine et retient votre attention presque tout le temps, c’est Taylor elle-même. Ses paroles sont honnêtes et palpables, mais aussi très directes. Lassée qu’on lui dise d’être moins elle-même et d’arrêter d’en faire trop, elle s’en prend à tous ses détracteurs en pleine figure. Elle laisse partir les ex-partenaires qui veulent s’accrocher (« I leave you unread / I don’t care how you feel about it » – Je te laisse sans lecture / Je ne me soucie pas de ce que tu ressens à ce sujet), revendique son humeur changeante et rejette toute catégorisation (« This has got nothing to do with you » – ela n’a rien à voir avec toi), et se permet de se sentir vulnérable et de faire des erreurs (« I ignored the warnings / but from that I’m learning » -J’ai ignoré les avertissements / Mais j’ai appris à partir de ça). Si Prioritise Pleasure est un album aussi percutant, c’est précisément parce qu’il manie ce pouvoir d’être trop – Taylor étant entièrement elle-même.
Prioritise Pleasure est fait de mantras, d’hymnes et de déclarations, mais au cœur de chaque chanson se trouve une leçon apprise et une histoire vécue. Quand on se concentre entièrement sur ses paroles, on se rend compte à quel point la vie d’une femme est écrasante et épuisante, mais aussi à quel point elle peut encore briser un cou avec une simple remarque désinvolte (« I’ve got more on my mind / than you have in your lifetime »). Chaque morceau contient une ligne gratifiante qui attend de vous frapper par sa puissance.
L’album peut donner l’impression d’être un peu trop long, mais c’est sans doute uniquement en raison du contraste entre la première moitié de l’album, plus brutale, et la deuxième moitié, plus vulnérable et pleine d’espoir. « The 345 », en particulier, ressemble à un hymne d’encouragement aux jeunes femmes : « Nous sommes arrivées jusqu’ici / autant continuer / il n’est pas nécessaire de suivre un plan / il suffit de vivre » (We made it this far / might as well carry on / don’t have to stick to a plan / just living).
Au centre de tout cela se trouve « I Do This All The Time », mi-hommage à Baz Luhrmann, mi-manifeste semi-directif à la Jenny Hval, où Taylor nous fait part de ses réflexions sur les pressions sociales, la culpabilité et les attentes dévalorisantes placées en elle tout au long de sa vie. Il est à la fois dévastateur et édifiant, et rassemble tous les fils des histoires de l’album en quelque chose qui n’est pas seulement le meilleur morceau de l’album, mais probablement l’un des meilleurs morceaux de l’année. Au milieu de la chanson, elle prononce le titre de l’album clairement et avec une insistance directe, ce qui est peut-être le conseil le plus simple et le plus facile à retenir : donner la priorité au plaisir. La première étape est sûrement d’écouter Self Esteem à plusieurs reprises.
D’après ce que nous savons, le post-metal est un genre qui peut, soit vous bercer dans un sentiment de sécurité, soit vous étriper si fort que vous vous demandez qui a fait du mal aux personnes qui font de la musique dans ce genre. Mon expérience du post-métal a été très minime, et cela peut être attribué à deux groupes situés à l’opposé du spectre : Cult of Luna et Kontinuum. Cependant, après avoir regardé Roadburn Redux cette année, on peut se demander si notre éducation musicale n’avait pas besoin d’être élargie une fois de plus ; après tout, plus jontinuait à regarder plusieurs sets pendant ces deux jours environ, plus on était étonné et fasciné par la façon dont les groupes semblaient repousser les limites de leur propre créativité pour jouer leurs sets. C’est au cours de cette rafale d’événements que, en parcourant la majorité de la liste de Pelagic Presents, on a rencontré un groupe qui a tiré le tapis sous nos pieds et nous a fait croire que, peut-être, le post-métal avait quelque chose d’avant-gardiste après tout. Préparez-vous à vous élever et à passer dans l’éternité, car c’est ce que Year of No Light veut faire sur son dernier album, Consolamentum.
Pour les non-initiés, un consolamentum était un processus du catharisme dans lequel une personne qui voulait monter au ciel était « consolée » » car ils croyaient que vivre mène au « regret » et qu’ils avaient besoin d’être consolés afin d’être absous tout en gagnant simultanément une régénération spirituelle, le pouvoir de prêcher, et l’élévation à un plan supérieur. Une fois la personne consolée, elle devenait un parfait cathare et devait consacrer sa vie à être missionnaire. Considéré comme hérétique par les catholiques, le catharisme a fini par être éradiqué en 1350 grâce à l’Inquisition médiévale. Pour un terme qui a été rendu « sans signification » par la doctrine religieuse catholique actuelle – étant donné que la plupart des informations que nous connaissons sur les Cathares proviennent du catholicisme – Year of No Light redonne du sens à ce mot en présentant essentiellement à l’auditeur quelque chose qui peut s’apparenter à trouver son salut, d’une manière plutôt sinistre.
Consolamentum est lourd – il y a tellement de tension et de poids dans leur musique qu’elle peut sembler oppressante, surtout lorsque les influences du sludge commencent à vous creuser la peau. Il y a quelque chose dans cette musique qui s’insinue lentement en vous, vous enfonçant de plus en plus dans un miasme de malaise et d’effroi. Il est vrai que cela n’aide pas que l’atmosphère soit épaisse, créée par ce qui ressemble à des tambours dissonants et une guitare cacophonique qui vous fait vraiment tourner la tête. Year of No Light voulait vraiment que l’auditeur ait l’impression d’avoir atteint son salut, et il est clair que le chemin vers le salut est difficile, rempli de paysages sonores infernaux et d’une myriade d’autres bruits qui font que même le cœur de l’auditeur le plus endurci se serre à l’estomac. S ion a déjà eu des réactions viscérales à des albums de cette nature – on pense par exemple à Vide d’Emptiness – Consolamentum est un album qui nous a donné envie de nous éloigner, mais qui nous a maintenus à l’écoute aussi longtemps qu’on a pu le faire. On est ainsi assez curieux pour suivre ses pistes sonores, d’autant plus que la musique oscille et s’enfle d’une manière qui peut sembler formelle, mais qui ne l’est pas. La musique change constamment, et il faut être sur ses gardes lorsque cela se produit, car son humeur et son atmosphère changent en même temps. Ce n’est donc clairement pas le post-métal originel.
Dans l’ensemble, Consolamentum est un album rempli à ras bord de symboles religieux, d’atmosphères épaisses et d’une myriade d’influences qui élargissent l’étiquette post-métal. Alors que cet album aurait pu fournir un seul morceau sinistre, il en fournit cinq, chacun avec son propre caractère et sa propre nuance. Il est clair que Year of No Light a pris son temps pour créer cet album et cela se voit – leur hiatus de huit ans valait bien la qualité de cet album. On est ainsi profondément enchanté par cet album ; aucun mot ne pourra, d’ailleurs, lui rendre justice ; et, cet égard, nous avons atteint le tiercé de l’étrange avec Vide d’Emptiness, De Doorn d’Amenra et cet album.
Les étoiles se sont alignées ce 29 octobre 2021, date où Kayo Dot s’est trouvé à un moment de sa carrière à un point de l’âge adulte semi-adapté où il ne lui semble plus mutuellement flatteur de tracer des lignes fermes entre les références souvent vantées de Kayo en tant que groupe expérimental de premier ordre et les affres fantastiques plus intuitives qui rendent finalement leur musique si mémorable. Ne vous méprenez pas, leur curriculum vitae se lit toujours comme une liste de choses à faire pour les prétentieux qui ont soif de la pointe palpitante de l’avant-garde (nous sommes tous passés par là), mais la véritable raison pour laquelle on s’accroche à eux est l’accès potentiellement unique qu’ils fournissent à des poches d’imagination improbables. Cela n’a pas toujours été le cas – il y a certainement des albums de Kayo Dot qu’il vaudrait mieux aborder comme des heures d’installation (on pense notamment à Plastic House On Base Of Sky en 2016, qui était un échec en matière de science-fiction) – mais en fin de compte, le maître d’œuvre du projet, Toby Driver, n’est pas un grand compositeur en raison de son penchant pour le non-conventionnel et de sa moquerie récurrente des contraintes de genre, mais grâce à son talent hors du commun pour donner une voix à un sens précieux de l’au-delà.
Il en va de même pour le 10e LP du projet, Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike. Cette fois-ci, le travail de Driver est plus sombre, plus dense et décidément plus lourd que tout ce qu’il a produit depuis son chef-d’œuvre gonflé Hubado ; les fantaisies en question sont peut-être plus sombres que le campy Blasphemy ou le noir Coffins on Io, par exemple, mais elles sont toujours aussi évocatrices. Cependant, Moss… a des racines plus profondes que la progression d’album en album que Kayo Dot a tracée dans les chicanes au cours de la dernière décennie : nous avons droit à des performances des membres fondateurs de l’ancien groupe de métal de Driver, Maudlin of the Well, juste à temps pour leur 25e anniversaire. L’album hérite de beaucoup de choses, d’une manière qui peut surprendre ceux qui n’ont jamais exploré au-delà de la fantaisie cosmique de Maudlin of the Well avecBath et Leaving Your Body Map ; Driver a, en effet, déterré ses fixations death/doom enfouies depuis longtemps et a adopté un ton très orienté vers la mélancolie et le fantastique occulte, avec les groupes légendaires Tiamat et My Dying Bride tapis dans l’ombre. Les facettes les plus visibles de l’album sont terreuses de part en part, imprégnées d’un ton païen qui évoque les marécages, les forêts envahies par la végétation et la décrépitude, le tout posé comme un dernier souffle dans un monde au bord de la stagnation et soutenu par l’imagerie toujours aussi dense du versificateur occulte qu’est Jason Byron.
Le point focal de tout cela se trouve carrément derrière le micro. Driver, qui continue à se développer en tant que vocaliste de plus en plus compétent au fil du temps, livre sa performance la plus exclamative et la plus étendue depuis de nombreuses années, grognant, hurlant et criant son chemin à travers chaque chanson comme l’ex-prophète d’une divinité de M.I.A.. Lisez : frappant, mais ambivalent – une grande partie de la bavure excessive de sa performance sur Blasphemy persiste ici, mais sa férocité retrouvée dote Moss… de l’enjeu et de la conviction qui manquaient si souvent à son prédécesseur. Son approche est implacable et parfois épuisante, martelant les vers de Byron comme s’il s’agissait d’un test d’endurance. Dans le meilleur des cas, les résultats sont hypnotiques : le point culminant de l’album, « The Necklace », voit les cris les plus aigus de Driver s’associer à un paysage sonore vertigineusement tendu qui emprunte au black metal atmosphérique (toute la réverbération, aucune distorsion !) et donne un instantané désarmant et passionné d’une scène finale émouvante (ce titre est aussi furtif que les euphémismes de suicide le sont). C’est un tout nouveau look pour Kayo Dot, un défi à un certain degré, mais aussi l’un des morceaux les plus gratifiants qu’ils aient sortis depuis leurs premiers disques phares.
« The Necklace » possède une profondeur émotionnelle qui justifie une telle performance, mais dans les morceaux précédents, la voix de Driver se pose avec une théâtralité vivifiante dont je ne suis pas toujours convaincu qu’elle soit justifiée dans de telles mesures. Son ton est austère, maximaliste à bien des égards, mais sans le kitsch sensoriel que ses prédécesseurs de death/doom ont canalisé de manière si évocatrice, un peu trop fixé sur le grain et la texture des histoires obscures pour donner le même genre de coups de corps sentimentaux. Il y a des exceptions : les bouffonneries de « Spectrum of One Colour » et le refrain mélodique entraînant de « Void In Virgo » sont tous deux un cran au-dessus, mais la qualité tendue qui traverse, par exemple, « Brethren of the Cross » et « Get Out of the Tower » nourrit le sentiment un peu gênant que quelqu’un essaie peut-être un peu trop fort de se montrer à la hauteur de l’écrasante mission de son style adopté.
Cependant, notre principale réserve à l’égard de l’interprétation du Livre de Byron par Driver réside dans la mainmise qu’il exerce sur l’ensemble des instruments du groupe. Kayo Dot est si souvent une affaire d’image et de fantaisie, mais Moss… est si ouvertement orienté vers le poids de sa narration qu’il a parfois du mal à donner à ses progressions tout le contour qu’elles méritent. C’est moins évident à un moment particulier d’une chanson donnée qu’aux moments où un éclat soudain perce la grisaille, pour laisser un arrière-goût de pensées de type « hmm, j’aurais pu en profiter plus tôt ». « Spectrum of One Colour » contient plusieurs de ces rebondissements, mais le véritable cas d’école est le gargantuesque « Epipsychidion », le seul morceau qui laisse vraiment s’échapper l’alchimie de deux décennies de ce lineup en forme d’éléphant. C’est de loin le morceau le plus mobile de l’album, ouvertement alambiqué, il passe en revue une multitude de sections avec abandon pour finalement faire revivre cette sensation classique de maudite soirée de Well, où chaque interprète donne le meilleur de lui-même sans montrer le moindre respect pour l’espace de l’autre. Pendant six minutes glorieuses, le morceau s’emballe, déversant son sang avec une générosité exaltante, avant de s’épuiser et de s’enfuir dans une longue coda en drone, une agonie lente qui semble délicieusement bien méritée.
C’est le moment où l’auditeur cynique retourne les différents points forts du final au reste de l’album et les utilise comme contrepoint pour le qualifier rétroactivement de turgescent, mais pas si vite : la règle de base de toute cettejactance était que Kayo Dot s’adresse plus aux rêveurs lunaires qu’aux avant-gardistes aigris, et tu étais à deux doigts de l’oublier ? Retour à la fantaisie. Oui, Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike a sa part de trudge (doom !), et il y a certainement des leçons à tirer sur la façon dont un peu de retenue peut aller jusqu’à une performance vocale dominante, mais tout cela est une préoccupation secondaire face à l’essentiel : cette irréplicable étincelle d’atmosphère. Même les morceaux les plus léthargiques adhèrent suffisamment à l’esthétique du déclin de Moss… pour que ses frissons d’aventures morbides deviennent un ton, une humeur, un sentiment, un rêve, une écoute engageante, et voilà un voyage ! Un assez grand voyage, il s’avère, cohérent dans ses hauts et ses bas, ses succès et ses échecs, et suffisamment important pour se terminer d’une manière tout à fait satisfaisante. Donc, c’est parti. Kayo Dot est toujours en activité, donnez-leur tout votre argent, prenez soin de vous en chemin, au revoir. Dieu sait ce qu’ils nous réservent pour la prochaine fois.
On the Darkest Day, You took My Hand and Swore It Will Be Okay est un pur album pandémique, conçu pendant les confinements, les manifestations et les incendies de Los Angeles. Parfois, Ian Wellman avait l’endurance nécessaire pour s’aventurer dehors, pour enregistrer alors que la cendre tombait du ciel et que des hélicoptères traversaient l’air occlus. D’autres fois, il regardait le monde brûler sans sortir de chez lui, s’imprégnant de la laideur de la scène politique, de l’inattention à la science et à la raison, de l’insensibilité des étrangers. Une grande partie de sa colère et de sa frustration est déversée dans ces pièces, qui s’efforcent de donner un sens à tout cela. Pourtant, il refuse de se laisser envahir par l’anxiété et la peur, et conclut par des morceaux sur l’amitié et la lumière, ainsi que par un appel à « s’accrocher les uns aux autre ».
Le prologue est révélateur : un lent drone qui se dirige vers la catastrophe, une brume montante qui devient brouillard, puis cendre, puis feu. La métaphore musicale est évidente. « It Crept Into Our Deepest Thoughts » est aride et glauque, reflet de la maladie insidieuse qui s’est insinuée dans nos corps et nos esprits. Cette fois-ci, le drone sera coupé en plein milieu de la construction, comme une prise tirée ; c’est la première des deux fois que cela se produira dans le décor. Les pales d’hélicoptères traversent l’air comme des sauterelles, précurseurs d’un autre fléau.
L’album s’installe alors dans un lent malaise. « The Toll on Our Daily Lives » vibre comme une veillée funèbre virtuelle, du genre de celles qui étaient organisées lorsque les pompes funèbres étaient fermées au public. Une fois de plus, le bruit blanc s’élève, et ne se relâche qu’à la toute fin. Si les sons de la pluie et d’un coq semblent être des répits, lisez le titre : « Ash Falling on Power Lines – Sept 2020) ».Pour ceux qui avaient déjà vécu tant de choses, cela a dû ressembler à une apocalypse, ou pire, à une série d’apocalypses. Un vent désespéré souffle, faisant trembler les plaques de rue ; le lien avec l’Apocalypse est renforcé dans « As the Beast Swallowed Us Whole ». La différence majeure : il ne s’agit pas d’un Satan extérieur, d’un monstre à plusieurs têtes ; la Bête, c’est nous.
« We Screamed For Help But Our Voices Were Drowned Out By The Noise of The World » est un morceau de colère. L’implication est que tout le monde crie, mais personne n’écoute ; une grande cacophonie est créée par un mélange de publicités et d’accusations, de protestations et de réponses disproportionnées. Pendant tout ce temps, les gens souffrent, crient, meurent, rendent leur dernier souffle. Un drone s’élève et est à nouveau coupé, comme la voix de la dissidence. Des amis se rassemblent, se serrent les uns contre les autres pour se réconforter.
À la toute fin, Wellman nous ramène au titre. Il croit encore à Une lumière au bout du monde » (A Light At The End.) » Ou y croit-il réellement? En supprimant les mots « du tunnel » » il laisse l’interprétation ouverte. La lumière au bout peut être la lumière au bout de la vie, ou quelque chose de plus facile à atteindre. Ses amis et sa famille lui ont dit que tout irait bien ; il ne sait pas trop quoi nous dire, mais il veut espérer, et parfois cela suffit.
En grande partie une méditation sur la santé mentale et la stigmatisation de la maladie, All of My Friends Are Sick expérimente la représentation de la gamme et de la complexité des émotions qui jalonnent le chemin de la guérison. Créé à l’origine en tant qu’entreprise solo par Ian Hemerlein de Kwazymoto, Saint Syzygy – qui s’est transformé en un groupe complet avec Jake Cooper, Alex Nicholson et Tyler Ryan – offre un espace pour essayer différents styles. Le premier titre de l’album commence par des chuchotements qui se transforment progressivement en beuglements mélodiques, ce qui peut être interprété comme une réponse émotionnelle différée ou une acceptation progressive de la souffrance d’un être cher.
Ce changement d’attitude s’accélère avec le morceau suivant, « She Wants to Lose Motor Function », un morceau abrasif, à la pédale, qui s’effondre brusquement en une gueule de bois mélancolique ancrée par une ligne de basse sombre. « Frown in Every Frame » s’intéresse à la relation délicate entre la productivité et la santé d’un artiste, en expliquant que les humeurs, les thèmes et les récits communiqués par la musique et l’art sont souvent des signes précurseurs de problèmes de santé mentale. Se terminant sur une note d’espoir, le dernier morceau « Okay Now What » est une mélodie douce qui transmet une acceptation radicale de la nécessité de se reconstruire.
Publié par rockdecibels 
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