Why Bonnie: « 90 in November »

31 août 2022

Au train où vont les choses, le titre du premier album de Why Bonnie, groupe originaire de Brooklyn mais relogé désormais à Austin, Texas, pourrait bien être compris par tous d’ici peu. En attendant, le quintet, mené par Blair Howerton, revendique un mélange particulier de sel, de chaleur, de sueur et, d’une manière ou d’une autre, assez d’énergie pour délivrer plus qu’une juste part d’arrogance. Si vous avez fait l’expérience de l’oppression d’une boulangerie de fin d’été le long du couloir du I-10 à l’est du Texas, vous savez que l’explosion provenant de la guitare de Sam Houdek sur le morceau d’ouverture,  » Sailor Mouth « , est censée représenter cette intensité elle-même, et non une quelconque réaction énergique à celle-ci.

Sur leur premier album Keeled Scales, Howerton et son équipe s’éloignent intelligemment de leurs premiers penchants indie pop pour privilégier une approche variée et, parfois, musclée. En même temps, ils s’accrochent à l’éthos de leur état d’origine pour les guider sur leur chemin. « Sailor Mouth », « Lot’s Wife » et le plus lent à s’enflammer « Sharp Turn » montrent le punch musical du groupe, tandis que Howerton montre des signes d’une dureté rauque, un peu comme Lydia Loveless, mais avec beaucoup moins de twang. Quant à la claviériste Kendall Powell, elle prête sa touche la plus puissante aux notes d’orgue classiquement groovy de « Galveston ».

« Galveston », ainsi que les atmosphériques « Hot Car » et « Silsbee », ne sont pas très éloignés de la plage de la ville natale de Howerton. Son observation « nous avons perdu la jetée à cause de la saison des ouragans », dans « Galveston », témoigne d’une conscience de fait du mépris de la nature pour les plans des simples mortels. La lenteur laborieuse de « Hot Car » rencontre son sujet, tandis que le début math rock de « Silsbee » cède la place au souvenir poétique de Howerton concernant son frère décédé. Un peu à l’écart du reste de l’album, le style alt-rock de la chanson-titre constitue une signature convaincante pour le groupe naissant.

Why Bonnie couvre beaucoup de terrain sonore sur son premier album et montre qu’il est capable d’aller plus loin sur les routes de la côte du golfe du Mexique ou partout où son chemin le mènera. Même s’il ne s’agit pas d’une immersion totale dans les marécages de Car Wheels de Lucinda Williams ou de The Houston Kid de Rodney Crowell (des comparaisons qui ne sont pas vraiment justes pour des nouveaux venus), Howerton montre sa capacité à puiser dans le jardin de sa jeunesse et à décrire les choses musicalement et par écrit de manière à ce que vous puissiez les ressentir dans vos os. Ce n’est pas sans rappeler « Sailor Mouth » qui télescope le feu de l’enfer de ce jour où la sortie de 90 in November atteint directement et de cette manière vos oreilles.

***1/2

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Kikagaku Moyo: « Kumoyo Island »

28 août 2022

Il est toujours mieux de partir selon ses propres termes. Souvent, les choses peuvent imploser et laisser un scénario « et si » très insatisfaisant. Comment votre artiste musical préféré a-t-il mis fin à sa carrière ? Un membre du groupe est-il décédé ? Ils se sont séparés ? On ne sait jamais quand les choses se terminent et il existe de nombreux exemples de disques finaux dont je suis sûr que si l’artiste avait su que c’était son dernier, il aurait fait les choses un peu différemment. Le groupe psychédélique japonais Kikagaku Moyo n’a pas attendu ce « moment » et a pris le contrôle de ses 10 ans de carrière en annonçant qu’après la sortie de son cinquième album et une tournée, le groupe se mettra en hiatus pour une durée indéterminée. Ce genre de nouvelle fait mal, mais Kumoyo Island est le cadeau d’adieu parfait pour tous les fans qui ont suivi leur fantastique voyage psychologique. Ce nouvel album rivalise avec l’excellence de leur dernière sortie (et l’une de leurs meilleures), Masana Temples (2018), car il représente une maturation qui les cimentera en tant qu’artiste de premier plan du genre psychédélique pour les années à venir.

« Monaka » est un début fantastique puisque son nom est tiré d’un type de bonbons gaufrés japonais. Il s’inspire du style traditionnel minyofolk, mais le groove complexe de la basse qu’il tisse, les chants feutrés et le sitar tourbillonnant vous feront tendre l’oreille à chaque transition. « Dancing Blue » est un boogie jam léger avec des claquements de mains en arrière-plan qui vous font taper du pied tandis qu’un chant plus chantant vous guide. Une fois de plus, le sitar prend le devant de la scène vers la fin de la piste et mène la danse funky pendant un moment. Kikagaku Moyo maintient un contrôle total tout au long de l’album en abordant d’autres genres dans leurs chansons, comme le noise rock plus rageur dans la première partie de « Cardboard Pile » avant de se calmer dans une conclusion psychédélique.

Le court « Field Of Tiger Lilies » (qui dure 1:19) ressemble plus à un interlude, à l’exception de la guitare qui saute et qui est une solide préparation pour le point culminant de l’album, « Yayoi, Iyayoi ». Avec près de 7 minutes, c’est le morceau le plus long de l’album, mais il contient le riff puissant le plus mémorable de Kumoyo Island, soutenu par une batterie tonitruante.

Il est triste de voir Kikagaku Moyo prendre fin mais il sera important de suivre ses membres dans d’autres projets car leur talent est ici pleinement exposé. Kumoyo Island est une œuvre d’art intemporelle qui montre leur capacité à changer de style et de tempo de manière transparente. Cet album est un véritable aboutissement de tout leur travail et il est approprié que la dernière chanson que nous entendons de Kikagaku Moyo soit « Maison Silk Road ». C’est un morceau d’ambiance de plus de 6 minutes qui donne l’impression que l’on fait presque ses adieux. Il s’inscrit dans la lignée de leurs premiers travaux, depuis leur premier album éponyme en 2013, et ressemble à une autre fin pour le groupe en 2022. Merci pour ce voyage psychédélique, Kikagaku Moyo – vous avez tout laissé sur la scène musicale avec un catalogue que les fans écouteront dans des années !

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Thurston Moore: « Screen Time »

27 août 2022

Tout au long de leur carrière, Sonic Youth a sorti des albums noise-rock pour les masses alternatives, puis s’est adonné à son côté plus avant-gardiste avec des projets plus petits qui exploraient principalement des idéaux bruitistes/instrumentaux sur leur propre label. Thurston Moore a poursuivi cette tendance avec son travail solo, des albums comme Rock N Roll Consciousness et By The Fire ont été suivis d’œuvres expérimentales comme Spirit Counsel et maintenant Screen Time.

Cette œuvre instrumentale discrète se compose de diverses cordes qui pincent tandis que d’autres couches sont ajoutées, déplacées ou mises en phase par la guitare de Moore et les effets de production. Les trois premiers titres ont tous le même motif, avec des cordes qui s’entrechoquent et qui sont plus ou moins irritantes. « The Station » commence par les sons les plus anguleux. « The Town » est toujours aussi troublant mais introduit également des carillons gonflants tandis que « The Home » délivre des scintillements tendus avec succès.

« The View » change de vitesse et le résultat est la meilleure des offres instrumentales présentées sur Screen Time. L’ambiance chilled-out et nuancée crée une magnifique portée cinématographique avec un jeu délicat et une essence vibrante. Des offres comme celle-ci prouvent que les aventures guitaristiques de Moore sont des trésors lorsque les étoiles s’alignent. 

Cependant, la plupart des chansons correspondent à la formule expérimentale des cordes du trio d’ouverture et offrent peu de nuances. Des morceaux comme le vibrant « The Upstairs » et le minimaliste « The Dream » durent trop longtemps, sans jamais donner de direction. Le dernier morceau, « The Realization », tente de tout résumer avec des répétitions de scratchs, de boucles et de carillons ; bien que plus consistant que ce qui l’a précédé, il n’éclaire jamais complètement.  

Dans l’ensemble, Screen Time est un curieux morceau d’écoute et d’ambiance, les sorties sont toutes semi-intéressantes mais (comme l’album dans son ensemble) restent sur une seule note, laissant une empreinte viscérale minimale. Les esquisses de Screen Time et les errances atonales de jazz à la guitare ont des moments, mais pas assez, cependant, avec Moore, toutes les phases et sorties de guitare valent la peine d’être suivies.  

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Muse: « Will of the People »

26 août 2022

Ce neuvième album de Muse s’éloigne de leur précédente aventure, Simulation Theory, où le trio rock s’est aventuré dans le métavers. Aujourd’hui, Muse se confronte à la tumultueuse réalité mondiale sur Will of the People.

Bien que Matt Bellamy, le leader de Muse, soit basé à Los Angeles depuis 2010, Will of the People est toujours un produit britannique dont certaines parties ont été enregistrées au studio Abbey Road. De plus, les premières dates de retour sur scène de Muse ont eu lieu à l’Hammersmith Apollo en mai 2022 en soutien à The Big Issue, Médecins Sans Frontières et War Child. Bellamy ayant récemment déclaré : « Trouver un moyen d’éviter cette guerre mondiale devient plus difficile à imaginer qu’elle ne l’est en réalité », les auditeurs doivent s’attendre à dix chansons dramatiques, remplies d’extase et de trépidation.

Le titre d’ouverture est un hybride bizarre de « Spirit in the Sky » de Norman Greenbaum et de « The Beautiful People » de Marilyn Manson. Si les deux chansons ont individuellement du mérite, elles ne fusionnent pas bien lorsqu’on essaie de créer une parodie populiste, presque l’antithèse de Uprising en 2009. On ne sait plus si l’on se trouve dans un rassemblement spirituel harmonieux ou si l’on est appelé à créer le désordre.

Le message reflété dans l’ambiance musicale de « Won’t Stand Down » est beaucoup plus clair une fois que les guitares rock et la basse lourde entrent en jeu. Un grognement vocal supplémentaire aurait permis à la musique de se synchroniser plus adéquatement avec les paroles. Au lieu de cela, « Won’t Stand Down » est entravé par une batterie et des touches de synthé-pop tout au long des couplets.

Là où « Won’t Stand Down » n’atteint pas son plein potentiel, « Kill Or Be Killed » s’exécute dès le début. Cette chanson de cinq minutes ne faiblit pas. Tout en rappelant les jours glorieux des tubes classiques de Muse, notamment « Stockholm Syndrome » et « Hyper Music », avec la même passion précoce, juvénile et affamée, « Kill Or Be Killed » incarne aussi parfaitement le thème primordial de Will of the People, à savoir la lutte de l’homme contre l’oppression.

Le thème primordial de cet album peut également être ressenti sur des chansons plus douces, comme la chanson « Liberation » au piano. Malheureusement, la pureté du son est étouffée par des sections de batterie en écho pop et des portions généreuses de distorsions vocales copiées-collées de « Bohemian Rhapsody ». Le deuxième morceau, « Compliance », avec sa danse adolescente des années 80 et ses synthétiseurs pop, enlève également la piqûre du thème principal de cet album.

Trois chansons de Will of the People s’éloignent du thème principal de l’album. « Ghosts (How Can I Move On) » s’en sort le mieux en abordant la mort, le deuil et la recherche de la fermeture à travers la clarté du piano. « Verona » montre du potentiel. Par endroits, elle ressemble à une réinterprétation au synthé de « Screenager » de Muse, mais à d’autres, elle ressemble à une chanson phare de la bande originale d’une comédie romantique. « You Make Me Feel like It’s Halloween » est le plus banal, où il n’y a pas grand-chose qui le sépare de « Somebody’s Watching Me » de Rockwell.

Ailleurs, le feu tenace et la passion créés par « Kill Or Be Killed » se poursuivent avec l’avant-dernière piste, « Euphoria », qui fusionne bien les influences des premiers Foals avec des éléments EDM. L’essence est ajoutée au feu sur le dernier morceau de l’album, « We Are Fucking Fucked ». Elle ne ressemble pas à une chanson de conclusion ; cependant, ce cocktail ardent et séditieux avec un soupçon subtil de distorsion vocale de Flash Gordon de Queen sera très apprécié en concert par les fans de Muse.

Dans l’ensemble, Will of the People est un album sérieux. Muse produit son meilleur matériel lorsqu’ils sont collectivement intenses et se concentrent sur des concepts puissants. Néanmoins, les résultats varient lorsqu’ils laissent tomber un peu leur idiosyncrasie neo-prog.

***1/2

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The Lounge Society: « Tired of Liberty »

26 août 2022

Après la sortie de leur single « Generation Game » sur la célèbre compilation Speedy Wunderground en 2020, The Lounge Society, qui était encore adolescent au moment de sa sortie, a fait couler beaucoup d’encre. Leur mélange d’énergie et d’adrénaline juvéniles et leurs influences uniques, telles que le Velvet Underground et Talking Heads, ont fait d’eux des artistes à suivre.

Avec la production de Dan Carey, un expert dans la production de premiers albums d’avant-garde mémorables avec des sorties antérieures comme Schlagenheim de black midi en 2019, Bright Green Field de Squid en 2021 et plus récemment l’album éponyme de Wet Leg qui s’est classé numéro 1 au Royaume-Uni après sa sortie, il semblait presque inévitable que Tired of Liberty allait être tout aussi amusant et excitant.

En fait, il l’est bien plus que cela. Il offre, en effet,t un paysage cacophonique engageant et changeant, mais ravissant, rempli de thèmes liés à l’anxiété du monde moderne, aux problèmes politiques, aux sentiments d’aliénation, à la corruption et à la cupidité. C’est un cadeau qui continue à donner, sans aucun signe de relâchement de l’emprise dévorante qu’il exerce depuis le début, en particulier grâce à leur son envoûtant.

L’album démarre avec des sons de guitare absorbants qui se répandent sur la stéréo, avec des changements de tempo déroutants autour de chaque section, en accord avec les thèmes d’anxiété et de malaise racontés. Une profondeur sauvage de textures et de sons est immédiatement évidente, chaque instrument sonnant de manière aussi complète et passionnante que sur les précédentes participations de Carey. « Blood Money » affiche un son post-punk innovant, avec une profondeur spatiale céleste dans son refrain, la structure de réverbération apaisante étant soutenue par des chœurs soignés.

Dans de nombreux cas, chaque côté de la stéréo pourrait être perçu comme deux chansons entièrement différentes, car les pistes de guitare prennent des chemins très différents tout en gardant une emprise tangible sur la section rythmique flamboyante qui brûle la partie inférieure du mix. Les sons synthétiques qui rappellent les sorties d’il y a plus de 30 ans apparaissent en pleine lumière sur « Beneath The Screen », un morceau avec une profondeur instrumentale substantielle qui prend une quantité colossale de vapeur avant de se transformer en une explosion ardente vers la fin.

À mi-chemin de l’album, il est déjà clair que le groupe du Yorkshire de l’Ouest a fait une déclaration très vaste, qui rassemble vraiment ses influences dans un son unique et précieux. Une exposition intense d’énergie incalculable et extatique qui mérite d’être mise au même rang que d’autres grands du genre, comme Gang of Four et The Fall.

Tout au long de ce voyage, les sections rythmiques font preuve d’un niveau de compétence rarement atteint auparavant, à un point tel qu’elles sonnent presque comme des robots, ce qui témoigne à la fois des superbes normes de production et du talent époustouflant de toutes les personnes impliquées. Les talents de batteur sont les plus évidents dans le morceau « Boredom Is A Drug », un morceau au rythme rapide rempli de passages particuliers qui permettent au reste des membres du groupe de briller par des modèles uniques de flux et de zeste.

Alors que la véhémence du groupe se ralentit vers la fin de l’album, le rythme ne ralentit jamais, car le groupe présente une grande variété de styles, allant de spectacles équivalents à des avalanches déchaînées à des vitesses insignifiantes à une scène évocatrice d’une lente promenade au soleil, vous faisant sortir du rêve fiévreux que vous avez vécu jusqu’à ce point. Des paroles remarquables telles que « There’s a generation staring down the barrel of a gun/ You will never find them on the cover of The Sun » (Il y a une génération qui regarde le canon d’un fusil/ Vous ne les trouverez jamais sur la couverture du Sun) évoquent les difficultés rencontrées au Royaume-Uni à l’approche d’une nouvelle élection, et la résistance des jeunes aux personnes qui dirigent le pays.

Quelque chose de vraiment spécial a été créé ici, quelque chose qui voit The Lounge Society enflammer la scène post-punk avec un barrage de feu éthéré sur un premier album qu’on ne peut que mettre en exergue, Tired of Liberty.

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Stella Donnelly: « Flood »

25 août 2022

Des cornes, des pianos et des synthés, mazette. Ce n’est pas que tous ces instruments étaient complètement absents du premier album de Stella Donnelly (Beware of the Dogs), mais le fait de mettre en avant une variété de sons rend l’ensemble plus attrayant sur son deuxième effort. Donnelly passe également d’un langage plus large à une approche plus poétique et plus nuancée. Le morceau d’ouverture, « Lungs », témoigne de l’étendue des améliorations apportées par Flood. Avec un battement de tambour tonitruant et des synthétiseurs qui se croisent, un soupçon de piano donne à la chanson une touche de douceur qui dément la colère de l’enfance dirigée contre le propriétaire de sa famille.

« Lungs » cède la place à la poussée béate de la pop partiellement parlée de « How Was Your Day », qui témoigne de la manière dont ses secrets les plus profonds et ses moments les plus hymnes deviennent les meilleurs de l’album. La ballade dépouillée au piano de « Underwater » offre un paysage totalement dévastateur pour l’enterrement d’une relation abusive. Les paroles répétées, « I take on your anger and hurt, Oh mama it’s getting worse » (Je prends ta colère et ta douleur, Oh maman, ça devient pire), montrent Donnelly à son état le plus brut.

Mais la dernière chanson, « Cold », qui porte un titre approprié, donne froid dans le dos car Donnelly est déterminée à surmonter tout cela. Donnelly martèle littéralement la chanson sur les touches tout en déclarant son indépendance : « Afraid of those you can’t control, I might just float right through your walls »(Peur de ceux qu’on ne peut pas contrôler, je pourrais passer à travers vos murs) avant de conclure dans une affirmation criée : « You are not, big enough, for my love » (Tu n’es pas assez grande pour mon amour). « Cold » aura la même portée cinématographique que « Tonight the Streets are Ours » de Richard Hawley, mais comme une déclaration d’individualité plutôt que de solidarité. 

Ailleurs, des accroches subtiles élèvent les compositions de Donnelly à un niveau supérieur. Les loops inversés de « Restricted Account » cèdent la place au riff discret de Julia Wallace au fluegelhorn, tandis que l’accroche de la batterie et de la basse sur le punchy « Move Me » rappelle la pop parfaite d’Alvvays. La capacité de Donnelly à sortir une ligne aussi verbeuse que « When I say you look like Uma Thurman / when she was in Mad Dog and Glory » (Quand je dis que tu ressembles à Uma Thurman / quand elle jouait dans Mad Dog et Glory) fait sourire. L’album comporte quelques moments plus lugubres dans Medals et Oh My My My qui passent à peine inaperçus. Mais dans l’ensemble, Flood est un bond en avant musical et lyrique qui offre une multitude de récompenses. Le fait qu’il se termine par la composition la plus forte de Donnelly à ce jour est une véritable cerise sur le gâteau.

***1/2

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Fenn is cool: « Popstar »

25 août 2022

En 2018, l’auteur-compositeur-interprète australien Fenn Idle aias Fenn is cool a sorti son premier album The Definition of Cool, une collection de courtes mélodies bedroom pop qu’il vend comme étant « de la longueur d’un épisode de Friends« , comme si sa meilleure qualité était de ne pas être longue à parcourir. C’est une auto-évaluation sévère, ou du moins révélatrice d’un manque de confiance injustifié et ironique de la part de quelqu’un dont la première revisitation de la musique pop après l’enseignement de la composition classique consistait en des affirmations de coolitude. En bref, Idle est un penseur excessif, enclin à l’épuisement, à la prédiction des pires scénarios et au sentiment de ne pas en faire assez. Depuis, il s’est fait relativement discret : une reprise d’Alex G par-ci, une chanson de Noël par-là. Près de quatre ans plus tard, son deuxième album Popstar est empreint d’une ambition tranquille : non pas la célébrité qu’il réprouve aujourd’hui, mais l’épanouissement artistique et le contentement de sa vie.

La différence la plus immédiate entre The Definition of Cool et Popstar est communiquée par la durée de la chanson qui porte le nom de cette dernière. Avec ses treize minutes, Popstar représente à lui seul plus de la moitié d’un épisode de Friends, et témoigne au moins d’une certaine forme d’assurance. Cette pièce audio en cinq actes/mouvements est un pont entre la réflexion anxieuse de longue haleine de « Beach Life-in-Death » de Car Seat Headrest et la pompe et la structure de « Jesus of Suburbia » de Green Day. Idle imagine qu’un découvreur de talents influent le sauve du marasme de sa vie quotidienne. Sa chanson passe sur Triple J et il fait « la première partie des Wombats / qui ont passé l’âge ». Au fur et à mesure que son succès grandit, son ego gonfle jusqu’à ce qu’il soit inévitablement brisé par les réalités inconstantes de l’industrie musicale : « He said that tastes can change / Maybe he backed the wrong horse » (Il a dit que les goûts peuvent changer. Il a peut-être misé sur le mauvais cheval). Ce qui est remarquable dans Popstar, c’est qu’il ne s’agit pas d’une histoire d’autodestruction, mais d’une histoire où l’on se retrouve au point de départ et où l’on accepte que tout va bien. Les vieux amis qu’il avait abandonnés sont réceptifs à ses excuses. Il retrouve un travail stable. Tout va bien. Bien, même. Il se rend compte que le rêve qu’il caressait à quatre ans ne lui convient pas à vingt-sept ans, et il fait la paix avec ça. Et cela, c’est cool.

Idle aborde la dépression, l’incertitude et la culpabilité avec une franchise qui va à l’encontre de sa voix douce et des mélodies élégantes qui la portent. Entre une référence à Peter Bjorn and John dans « Popstar » et une approche du lyrisme proche de celle de Lekman, on a le sentiment qu’Idle est un fan de la pop suédoise et de ses tendances au romantisme à fleur de peau. Cette impression se retrouve dans les compositions : si la production n’est pas particulièrement clinquante, les arrangements sont corsés et luxuriants, faisant de la chambre une véritable chambre. De nombreuses chansons mettent en évidence les compétences d’Idle en tant que pianiste, du solo en cascade faiblement inondé de synthétiseurs vaporeux sur « Deleted Accounts » aux rythmes irréguliers posés sur « See the Sea ». Ces mêmes chansons présentent cependant d’autres moments instrumentaux spectaculaires : La cascade de touches d’Idle sur « Deleted Accounts » est immédiatement suivie d’un détour funk jazz de batterie, d’orgue et de basse (cette dernière étant assurée par Jacob Dawson-Daley), tandis que « See the Sea » présente une magnifique flûte de Rose Chan et un assortiment de modulations et d’astuces vocales. L’étendue de la palette de Popstar est impressionnante et bienvenue sur un projet beaucoup plus long, mais c’est l’évolution de l’écriture des chansons qui est la plus frappante.

La croissance n’est peut-être qu’un terme partiellement exact pour décrire le changement entre The Definition of Cool et Popstar, étant donné que l’une des entreprises les plus uniques de l’album a été écrite il y a quatre ans, plus près de la sortie du premier. « Every Song I Write Sounds Like Coldplay » est un morceau auquel Idle tient depuis longtemps (« Je ne cesse de me demander pourquoi cela a pris tant de temps »). À la fois originale, reprise de « Fix You » et collage d’une interview de Chris Martin réalisée en 2006 dans un talk-show australien, la chanson fait allusion à la parenté qu’Idle ressent à contrecœur entre lui et le leader de Coldplay, les jugeant tous deux comme des narcissiques conscients d’eux-mêmes. Même si seule une fraction des mots vient directement de lui, la chanson est aussi percutante et honnête que n’importe quel morceau de Popstar et constitue un argument de taille en faveur des reprises et du sampling en tant qu’art.

Ailleurs, Idle tente de se sortir de l’ornière de la dépression qu’il s’efforce de rationaliser (« Ooh Yeah ! (I Don’t Know Why I’m So Depressed) »), redoute ses rendez-vous chez le dentiste et s’inquiète des frais médicaux qu’il devrait engager s’il tombait dans l’escalier (« Work Life Index »), rumine ses anciens espoirs de devenir pilote (« If I Didn’t Have You »), et s’accommode de la réduction de son cercle social (« Future Overrated »). Il cite fréquemment des films qu’il a regardés et décrit de petits moments avec l’intimité de tout grand conteur. La chanson « Time Flies », qui clôt l’album, est aussi humoristique que triste. Elle prête à rire en déclarant qu’il remplit la boîte aux lettres de son voisin abruti de publicités pour du Cialis et qu’il rembobine de vieux souvenirs douloureux avant de les effacer pour les stocker. L’album se termine par la contradiction « L’année prochaine sera la meilleure / L’année prochaine sera la pire », ne semblant pas tout à fait sûr de l’une ou l’autre issue mais seulement capable d’imaginer les extrêmes.

Par-dessus tout, Popstar est un disque chaleureux, amical : un disque avec lequel il est tout simplement agréable de passer du temps, un disque qui fait en sorte que les personnes maladroites se sentent comprises, un peu comme le fait le travail de Nathan Fielder (cité dans les notes de pochette de l’album). Idle a peut-être évité l’idée d’une percée majeure à ce stade de sa vie. Qui sait si cela arriverait un jour ? Quoi qu’il en soit, il mérite tout le succès qu’il désire, quelle que soit la forme qu’il prenne. Cette année pourrait être la meilleure qu’il est en titre d’espérer qu’elle soit.

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Julia Jacklin: « Pre Pleasure »

23 août 2022

, la talentueuse artiste de Melbourne et des Blue Mountains, apporte son lyrisme direct et sa nature enjouée à son troisième album. Dans un communiqué de presse, elle décrit le processus d’enregistrement de Pre Pleasure comme étant frénétique – mais le résultat final est tout autre. Flottant entre la tendresse et le relâchement indie, les capacités de Julia Jacklin en tant qu’auteur-compositeur-interprète sont ici mises en avant. Ses motifs lyriques suivent rarement les chemins attendus, ses arrangements minimaux vous amènent au cœur de chaque respiration et, dans l’ensemble, sa musique respire la maturité, ce qui constitue une progression poignante par rapport à son travail précédent.

Les thèmes de la religion, du consentement sexuel et des relations sont explorés dans les textes de Jacklin, tandis que sur le plan sonore, l’abandon délibéré de ses sons de guitare habituels permet aux touches d’occuper le devant de la scène sur de nombreux titres, dont « Love, Try Not to Let Go « .

Mais la star du show sera « Ignore Tenderness », où des paroles profondément vulnérables contrastent avec des cordes et des harmonies vocales béates pour une chanson qui résume l’esthétique musicale de Jacklin (et le thème du plaisir de l’album) en un mot : « Ne laisse aucune place au doute sur le fait que tu es courageux / Une petite feuille qui attrape une vague / Fort mais prêt à être sauvé / Ignore la tendresse dont tu as besoin / Sois méchant, mais ne te comporte pas mal » (Leave no room for doubt that you are brave / A little leaf catching a wave / Strong but willing to be saved / Ignore the tenderness you crave / Be naughty, but don’t misbehave).

Le premier single, « I Was Neon », est le plus grave des morceaux de l’album. Des guitares distordues ouvrent la voie à ce qui est le moment le plus optimiste de l’album et des nuances de Brian Jonestown Massacre apparaissent à travers son riff de guitare et ses solos super cool. Le brillant « Too In Love To Die » ramène une fois de plus l’intimité de Jacklin et se poursuit dans « Less of a Stranger », où elle se confie en souhaitant que sa propre mère se sente moins étrangère.  

On pourra entendre des échos du morceau  « Heroin » du Velvet Underground sur « Magic », où des guitares éparpillées et des sous-entendus folks s’équilibrent sur une progression de deux accords qui évoque une teinte légèrement psychédélique à l’album. » Be Careful With Yourself » ramènera les choses au présent avec ses sonorités polies et son aura empathique, avant que les guitares trémolos de style années 60 et les cordes délicates de « End of a Friendship », qui termine l’album, ne viennent clore les choses en beauté.

Voici un disque qui est un plaisir à écouter par un dimanche après-midi ensoleillé, alors que l’été n’est plus qu’un souvenir. Authentique, complexe et entièrement personnelle, Julia Jacklin déborde d’assurance à chaque tournant de Pre Pleasure.

***1/2

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Ezra Furnam: « All of Us Flames »

23 août 2022

Ezra Furman semble être dans un état constant d’évasion. Son punk rock soul pourrait être décrit comme de la musique de route, avec des paroles largement préoccupées par la recherche d’un répit dans un monde hostile. En tant que femme trans juive, sa résistance à l’oppression se manifeste par la fuite, le plus souvent en compagnie d’un partenaire, l’amour en privé étant l’antidote à la haine en public. Dans son sixième album, All of Us Flames, Furman suit ce motif jusqu’à sa conclusion naturelle, illustrant comment, en plus de l’amour de soi, l’établissement de liens étroits avec les autres peut protéger les personnes marginalisées des effets d’éclatement de la bigoterie et de la solitude.

Sur le plan narratif, le disque commence par une vue aérienne et se concentre progressivement sur les histoires et les expériences de Furman. Elle consacre la majeure partie de la première moitié de l’album à la construction du monde, et sa vision est nettement apocalyptique, avec de l’eau empoisonnée qui coule dans des villes maudites dans l’appel aux armes d’ouverture, « Train Comes Through ». Une image récurrente particulièrement marquante est le contraste entre le noir, couleur du deuil, et le lilas, qui semble représenter la couleur lavande codée par les gays. La chanson « Dressed in Black », aux accents pop-soul, se concentre sur le deuil, l’amant hanté de Furman regardant avec nostalgie un « monde qui ne s’est jamais soucié de nous ».

Être juif après l’Holocauste et homosexuel après la crise du sida signifie vivre avec un souvenir récent de la cruauté et de la perte de masse, et si Furman présente son amour comme un acte de résistance, il est évident que son triomphe est l’exception et non la norme dans All of Us Flames. Même sur la chanson optimiste et trépidante « Lilac and Black », qui occupe une zone grise similaire à celle du travail récent de Sharon Van Etten, entre art pop et heartland rock, elle chante : « Nous pouvons sourire et rire sur une photo/Mais tu sais que nos jolies têtes sont hantées » (We might smile and laugh in a photograph/But you know our pretty heads are haunted).

Même les chansons plus directement liées à la foi sur All of Us Flames sont en conversation avec l’identité sexuelle de Furman. « Book of Our Names », par exemple, s’inspire du livre de l’Exode, qui propose une liste des noms des Israélites nouvellement émancipés comme une affirmation de leur humanité. Mais connaissant la signification des noms pour les personnes trans et les effets humanisants et affirmatifs du simple fait de dire leurs noms, la déclaration selon laquelle « les noms seront les vrais noms qui sont les nôtres/Pas ceux qui nous sont donnés par les puissances ennemies » résonne particulièrement profondément. De même, sur « Poor Girl a Long Way from Heaven », une version bruyante de la pop des années 60, elle féminise Dieu, un geste lyrique qui compare la reconnaissance par Furman de sa propre féminité à un miracle.

Alors que All of Us Flames atteint son apogée avec l’énorme « Forever in Sunset », l’une des chansons rock les plus spectaculaires de Furman depuis « Driving Down to L.A. » en 2018, l’impact de la seconde moitié de l’album provient de sa concentration sur des détails autobiographiques. Ainsi, alors que la dernière partie de l’album peut sembler inhabituellement détendue ou même résignée pour Furman, les chœurs doo-wop, les synthés en pâmoison et le volume en sourdine soulignent tous le confort qu’elle trouve dans l’incarnation féminine (« I Saw the Truth Undressing »), les fantasmes de l’adolescence qu’elle n’a jamais pu vivre pleinement (« Ally Sheedy in The Breakfast Club ») et l’amour homosexuel (« Come Close »). Même si elle continue à honorer la perte collective sur All of Us Flames, Furman célèbre le répit et la rédemption qu’offre le fait de se forger une voie radicalement indépendante.

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Publié par rockdecibels

Zola Jesus: « Arkhon »

23 août 2022

La fin d’une longue et importante relation est un tournant dans la vie de beaucoup de gens et signifie le début d’un nouveau chapitre qui peut s’accompagner de beaucoup de chagrin et de bouleversements émotionnels, ce qui est souvent très difficile à gérer. Arkhon, le dernier album de Nika Roza Danilova pour Zola Jesus, est une sorte d’album de rupture dans lequel elle utilise l’écriture et la musique pour surmonter ses sentiments et son chagrin. 

Le single principal, « Into The Wild », évoque la transition entre le monde qu’elle s’était construit et un avenir largement inconnu, différent de celui qu’elle avait prévu. Une grande partie de l’album parle d’un saut dans la foi pour trouver ce qui lui est réservé, tandis que le passé tire sur la corde sensible.

Les songes introspectifs de Danilova sont accompagnés d’arrangements qui jonglent avec des influences gothiques, néoclassiques, industrielles et pop. Ces morceaux tendent vers des vibrations épiques et hymniques qui nous emportent facilement dans ce drame sauvage. Il y a de fortes vibrations pop sur beaucoup de ces morceaux, particulièrement évidentes sur « Lost » et « The Fall ». Cette évolution n’est pas surprenante, car Danilova a toujours semblé avoir l’ambition d’être une pop star, mais dans le plus pur style de Zola Jesus, elle aborde l’idiome selon ses propres termes, ce qui donne généralement des résultats intéressants.

La power ballad « Desire » se distinguera par le fait que Danilova ne s’accompagne que d’un piano. La perte et l’angoisse sont évidentes, mais en chantant, Danilova relie le concept de désir à la notion bouddhiste selon laquelle le désir est la cause première de tout mal. Ce faisant, elle trouve la voie à suivre.  

Malgré cela, Danilova procède avec prudence. Les voix angéliques et rêveuses et les synthés luxueux de « Do That Anymore », ou plus précisément « can’t do that anymore », servent à rappeler à l’auditeur que les regards en arrière ne sont pas autorisés. Après le confinement, c’est un rappel de tout ce que nous considérions comme acquis avant COVID et que nous ne pouvons plus faire. Après une relation amoureuse, Danilova émerge dans un nouveau monde, de la même manière que beaucoup sortent de la chrysalide du confinement

Dans sa version la plus expérimentale et la plus intense, Sewn propose une approche dramatique de la remise à zéro et du recommencement. « Carry on / Get wrong / Set it all on fire / Carry on » (Continuer / Se tromper / Mettre le feu / Continuer), hurle-t-elle au milieu d’une tempête sauvage de tambours et de synthés déformés. Le batteur et percussionniste Matt Chamberlain, qui a été engagé pour aider Danilova à surmonter le blocage de l’écriture auquel elle a été confrontée lors de la réalisation de cet album, impose un rythme effréné sur des rythmes qui ressemblent à des batteurs qui se battent pour la suprématie du rythme. C’est une balade sauvage et l’un des morceaux phares de cet album. L’imagination gothique de Danilova fait d’Arkhon un morceau dramatique sur une rupture amoureuse, mais aussi une métaphore sur l’acceptation d’un avenir incertain et la gestion de ses immuables conséquences.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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