Real Estate: « The Main Thing »

« I’ve got this family, and I feel this responsibility to gild this crazy world » (J’ai cette famille, et je me sens la responsabilité de dorer ce monde fou), déclare Martin Courtney, guitariste et compositeur de Real Estate. Le groupe a clairement découvert à quel point il peut être cathartique et épanouissant de faire de la musique qui résonne avec d’autres personnes. Et l’objectif de suivre un cheminement personnel d’inspiration, en espérant inspirer et encourager cela chez les gens autour d’eux, est le concept derrière ce nouveau projet.

Mais si le cinquième album studio de la formation du New Jersey touche à un terrain familier – qui trouvera plus que probablement une résonance chez les fans – on peut aussi entendre des techniques nouvellement recherchées. On les retrouve dans des grooves encore plus brumeux, avec des couches de sons plus riches et plus profondes, tandis que les références principales du projet continuent à se concentrer sur le mélange instantanément reconnaissable du groupe, inspiré par les sons de Yo La Tengo, Felt et Steely Dan.

Plus d’une décennie s’est écoulée depuis leur projet classique Days, et apparemment Real Estate a estimé qu’il était temps de mettre à profit toute l’expérience qu’ils ont acquise en créant une pop à la guitare mélodique et contagieuse, de creuser plus profondément et de se surpasser. Les 13 morceaux de The Main Thing témoignent d’une grande perspicacité personnelle et d’une complexité fascinante.

Le premier morceau, « Friday », présente ce nouveau projet en forme de boursouflure. Un début doux, calme et apaisant, qui passe rapidement et avec confiance au sentiment plus lumineux et plus optimiste avec « Paper Cup » – un morceau mettant en scène Sylvan Esso. S’attaquant à la recherche de ce qui est vrai et réel dans la vie, le morceau a aussi un sens de la nostalgie et de l’espoir.

Mais les atmosphères pures et douces ne sont pas difficiles à trouver. « For now enjoy the innocence. I can’t imagine what will be in your earliest memories » (Pour l’instant, profitez de l’innocence. Je ne peux pas imaginer ce que seront vos premiers souvenirs), nous dit-on sur un « You » envoûtant, immédiatement suivi de « We almost sucumbed to gravity » (nous avons presque succombé à la gravité). Le sentiment d’exploration et d’aventure de « Silent World » est un moment de fraîcheur, tandis que « Also a But » dégage une atmosphère plus mélancolique et introspective.

Ailleurs, « The Main Thing » et le son brumeux et rêveur de « November » représentent des moments lumineux et mélodiques, tandis que « Shallow Sun » et « Falling Down » offrent des lignes de guitare riches, veloutées et réconfortantes, avec des morceaux qui projettent une chaleur automnale. « Procession » est mené par un jeu apaisant, menant à un atterrissage encore plus doux avant « Brother », le dernier morceau de l’album.

Rêveur mais réel, flou mais pur et perspicace, ce projet permet de nourrir de nouvelles ambitions et explore de nouveaux horizons pour Real Estate. Et peut-être que ce disque les rapprochera encore plus de cet insaisissable « élément principal » qui jalonne les quêtes culturelles et artistiques dont Real Estate est porteur.

***1/2

Demitasse: « Perfect Life »

On ne connaissait pas encore ce projet (même si c’est la troisième sortie de Demitasse), mais il y a des éléments que l’on n’aurait pas attendus d’un groupe dont les deux membres – le guitariste Joe Reyes et le chanteur Erik Sanden – comptent parmi leurs principaux concerts le groupe Buttercup qui officie à San Antonio. Le premier de ces éléments eux est une pop interne, propre à l’éthique Buttercup, à la fois aussi stable et variable qu’une aiguille de boussole soumise à des accès de magnétisme innés. Parmi les seconds, il y a une intensité intime qui – aussi étrange que cela puisse paraître – permet à une certaine somnolence de s’épanouir, la dévoilant pour ce qu’elle est, l’ombre qui est inévitablement jetée par ce que nous allons appeler « l’espoir obstin » ». C’est cette tension yin-yang entre les exigences de la structure mélodique et la force tranquille des récits uniques de ce duo qui fait que le matériau s’épanouit et, bien, chante. Ajoutez à cela la nature « do-or-die » du processus d’enregistrement – chaque morceau est une première ou une deuxième prise – et vous obtenez l’une des écoutes les plus fraîches et les plus intrigantes de cette jeune année, une conclusion suggérée de manière convaincante dès le début.

S’installant sur les sens comme le ferait une « Field Music » élégamment dépouillée si les frères Brewis avaient subi une conversion complète à la John Howard, le « Flamenco » au timbre doux, scintillant de fragilité et incarnant toute la virtuosité et la grâce de fin de soirée que ces références impliquent. Quelques morceaux plus tard, « Little Blonde Boy (for Kurt Cobain) » greffe une vibe pop mariachi curieusement efficace à un rythme indie doucement entraîné qui séduit par sa triste joie tout en émergeant comme le point culminant de l’album. Associez cette paire avec le titre magnifiquement ruminatif – calme, spacieux et plein de détails sculptés – et « Free Solo (for Alex Honnold » – perturbant, ardent et personnel comme un morceau de Go-Betweens attaqué par le Galaxie 500 dans son plus grand vacarme – et un schéma vaguement dichotomique ous suggère où se trouvent les dix morceaux parfaits de Perfect Life. Dans leur essence, ils sont partagés entre une mansuétude troublante (et en fait sans peur) et des arrangements plus décontractés qui permettent une touche d’abandon, même s’ils sont structurellement limités. En penchant principalement vers la première pypothèse, on obtiendra une estimation qui n’a guère d’importance ; comme le disque dans son ensembl avec un enchaînement si astucieux qu’il donne l’impression d’être sans couture, des coups de poing tranquilles au-dessus de son poids rythmique, une subtilité tonique qui lie le tout. Un bijou.

****

O Stars: « Blowing on a Marshmallow in Perpetuity »

0 Stars est l’idée de Mikey Buishas, et le dernier en date des nombreux projets musicaux auxquels l’auteur-compositeur new-yorkais a participé ces dernières années. Le premier album, Blowing on a Marshmallow in Perpetuity, contient de nombreuses facettes du style unique de Buishas que les auditeurs ont coutume d’attendre dans sa musique où cérébralité rime avec guitare ainsi que sa voix incomparable et précaire, telle qu’on l’a entendue dans les groupes précédents qu’ont été Really Big Pinecone et le duo clarinette-guitare .michael… En même temps, ce disque représente un changement d’orientation palpable vers une forme d’expression plus libre qui privilégie le plaisir plutôt que la perfection dans le processus d’enregistrement et qui culmine dans certainres de ses compositions les plus fortes à ce jour. C’est un disque sérieusement brillant qui ne se prend pas trop au sérieux, tout en parvenant à trouver de la profondeur dans ses réflexions sur l’amour non partagé, la solitude et l’estime de soi. 

Les excellentes performances captées sur l’album, qui incluent les contributions des collaborateurs Stephen Becker, James Gentile, Michael Sachs et Renata Zeiguer, sont merveilleusement ondulées : les rythmes dansent , en ou haors tempo, tout comme les bois qui se tordent, les synthétiseur et les échantillonnages qui se collent à la colonne vertébrale, se plient et se désaccordent et qui rendent l’expérience agréablement désagréable. Dans chaque morceau, il y a une soif d’exploration enfantine, un choix délibéré de Buishas, qui partageait l’idée qu’il n’y avait pas d’autre objectif clair que d’arriver à la fin et de donner une liberté de mouvement au processus de création Ces petites imperfections travaillent paradoxalement à rendre l’ensemble plus parfait, car les chansons oscillent entre des signatures temporelles bizarres et des tempos instables, parfois seulement pendant quelques secondes avant de revenir à une structure pop plus familière.

Une énergie frénétique mijote sous cette collection de chansons apparemment apprivoisées, dont la moitié ne dépasse pas deux minutes chacune. Il ne s’agit pas tant d’un examen exhaustif d’un seul sentiment, mais de minuscules éclats de volatilité émotionnelle, constamment soumis à des changements. La complexité discrète de la musique est loin d’être un spectacle nourri par l’orgueil, mais sert plutôt à renforcer les nombreux messages relatifs à l’album.

Il est également impossible de passer à côté de l’énorme importance accordée au motif des secrets, qui revient plusieurs fois dans les paroles ironiques et autodérisoires de Buishas. Sur le titre bien choisi « Secret », on le trouve désireux de connaître le secret des choses même si, comme il le dit : « I still don’t know the secret / I don’t think I’ll ever know the secret. » (Je ne connais toujours pas le secret / Je ne pense pas que je le connaîtrai un jour). Dans le cas de ces chansons bancales, on accorde une importance particulière aux secrets, non seulement pour leur mystère, mais aussi pour la délicate intimité qu’ils signifient entre deux personnes. Comme il le dira plus tard dans la ballade au piano, « Real Love Song » : « f I knew the secret word, you would know it too, ‘cause I would only tell you » (Si je connaissais le mot secret, tu le connaîtrais aussi, car je ne ferais que te le dire), le tout accompagné de flûtes frémissantes qui s’épanouissent en un crescendo émouvant. Partager un secret avec quelqu’un, c’est lui accorder un niveau de confiance réservé aux relations les plus étroites ; il y a une croyance inhérente dans la bonté de l’autre et dans sa capacité à respecter suffisamment ses entrailles émotionnelles pour les garder privées, et en ce sens, sacrées – c’est ce que Buishas recherche. C’est une demande d’être laissé entrer par quelqu’un que vous admirez, et peut-être même que vous aimez – bien qu’il semble que son appel reste sans réponse à la fin de l’album. Les tendances de Buishas en tant que parolier, cependant, laissent entendre que cette absence de clôture peut être considérée comme une déclaration émouvante en soi. 

Ne confondons pourtant pas l’extérieur charmant de Marshmallow avec un manque de profondeur. Au contraire, c’est un disque profondément intelligent et sensible, conçu par l’un des auteurs-compositeurs les plus intelligents dans son genre aujourd’hui.

****

Lily of the Valley: « Heart of the Country »

Dehors, ça pgronde. La tempête bientôt. Dans la maison ? Le printemps. Des branches ont surgi du bois des étagères de disques. Il a fallu à peine quelques secondes de Heart of the Country, la chanson-titre du troisième album de Lily of the Valley, trio folk indie de canadien, pour l’éclosion. Miracle ? Mais non, c’est tout simple. « I promise you summer everyday », chante Véronic Parker de son doux timbre haut perché, et on la croit sur parole. Les strummings de guitare d’Indiepopinski (un pseudo !) entraînent irrésistiblement dans le courant.

Les bruitages électros se mêlent à la batterie de Julien Cyr, une frappe pleine d’écho façon rockabilly (« Ce-Le-Bration » rappelle Buddy Holly, c’est dire). C’est la joie. Pas la joie béate : la pleine, la printanière. Les chansons annoncent plus que la couleur, il y en a toute une palette dans « Sing with Me », « Feel Good Song », « Lonely (No More) », la tendre Lying in the Tall Grass. Des fleurs partout. Ça se peut. Même enseveli dans un bungalow.

***

The Orielles: « Disco Volador »

Il serait difficile de trouver un autre groupe en 2020 qui sonne comme les jeunes d’Halifax qui on pour nom The Orielles. Dans la foulée de leur premier album Silver Dollar Moment, le trio devenu quatuor mélange une tonne d’influences pour créer un paysage sonore luxuriant avec une touche kitsch des années 70. Le « single » « Bobbi’s Second World » a introduit un nouvel élément plus percutant dans le son déjà assez extravagant du groupe, et il reste un point fort avec ses sections de synthétiseur et ses chants de gang. Le reste du disque est plus discret, dans la veine de Yo La Tengo ou de Stereolab : parfaitement agréable, mais une écoute plus passive.

C’est l’esthétique qui permet à Disco Volador de s’affranchir de l’emprise de la mollesse. De l’illustration saisissante à la chanson thème « Space Samba », qui clôt l’album par un tsunami de bongos et de distorsions de guitare, The Orielles parviennent à peindre un monde de couleurs et de saveurs dans lequel il fait bon se perdre.

***

Saints Of Never After: « Return To Tower: Parts 1 & 2 »

Indéniables sont la poussée et traction, ce basculement entre lumière et obscurité, entre joie et désespoir ; voilà ce qui peut être entendu sur Return To Tower, la série de EP en deux parties de Saints Of Never After. Après leur sortie en 2019, Return To Tower Part 1, qui ne comportait que deux chansons puissantes – « Make It Happen » et « Tower » – le groupe basé à Denver a sorti une suite, qui ressemble en fait un peu à la suite de leur précédente sortie. Return To Tower Part 2 est une suite plus complète et un peu plus étoffée de la première partie.

Dans l’ensemble, les parties 1 et 2 de Return To Tower sont très cohérentes, avec des guitares énergiques, un chant solide et un lyrisme émotionnellement vulnérable qui vous coupera l’herbe sous le pied. Les paroles sont vraiment le moteur de ces chansons et l’énergie qui s’en dégage, que ce soit dans l’exaltant « All I’ve Know », le sincère « Wherever You Go » ou le déchirant « Not Over You Yet » Bien que certaines des chansons puissent s’inscrire dans des schémas d’écriture similaires, il y a quelques moments qui vous prendront au dépourvu, comme le superbe pont de la chanson-titre, « Return To Tower », qui donne à la composition une sensation cinématographique.

Lorsqu’elles sont écoutées séparément, les deux moitiés de Return To Tower peuvent donner l’impression de manquer quelque chose, mais ensemble, les deux EPs donnent un début, un milieu et une fin très cohérents. Il n’y a pas un seul moment qui semble déplacé, ce qui fait de ces six chansons le moyen parfait de vraiment connaître Saints Of Never After.

***1/2

Beat City Tubeworks: « Top Rock »

Chez « nos amis américains », tout ce dont les gens entendent parler, c’est que le rock est soit mort, soit en train de mourir. Une poignée d’anciens artistes du genre restent pertinents sur la seule base de leur notoriété passée, mais les nouveaux groupes de rock américains ne bénéficient que de peu ou pas de temps d’antenne ou de presse. Cette nouvelle génération est largement évitée par les médias de divertissement et les grands labels au profit de l’EDM, du hip-hop et de tout nouveau son brillant qui se trouve dans les charts pop.

C’est extrêmement frustrant étant donné que le rock est bien vivant littéralement partout ailleurs dans le monde, en particulier en Europe. Des groupes de rock comme Bring Me the Horizon au Royaume-Uni, Ghost en Suède, Volbeat au Danemark et plusieurs groupes finlandais remplissent régulièrement les grandes salles de leur propre continent. L’Europe est d’ailleurs le lieu de tous les plus grands festivals de rock du monde, comme Wacken Open Air et Rock am Ring en Allemagne et Reading + Leeds en Angleterre.

La scène européenne compte de nombreux groupes de qualité qui valent la peine d’être vus, mais l’un d’entre eux peut passer inaperçu à première vue : Beat City Tubeworks, basé en Suède. Ils jouent un mélange agressif de punk, de rock garage des années 90 et de rock classique des années 70, ce qui les distingue de la scène rock suédoise, par ailleurs orientée vers le métal. Ils se sont fait connaître grâce à leurs performances live énergiques et viennent de sortir un nouveau disque, Top Rock.

Dès la première impression, Top Rock livre tout ce que le combo annonce : 10 morceaux percutants de « rock and roll dans sa forme réelle et sa gloire sous stéroïdes ». Les guitares sont montées à 11, le chant est râpeux et puissant, et il n’y a rien d’autre qu’une énergie pure et sans contrainte, avec une bonne dose de déchirure sur chaque chanson. Chaque morceau canalise un ancien grand : on peut entendre des nuances de The Who (« Roadrunner »), Boston (« Ivory Wave »), Thin Lizzy (« Estranged »), Deep Purple (« Archaic Approach »), et même KISS (« Take Two of These and Call Me In The Morning »).

Parfois, le son de l’album peut devenir légèrement monotone, car les riffs sont très similaires d’un bout à l’autre, mais étant donné que le son de l’album est excellent, l’auditeur ne s’en plaindra pas trop. Les Beat City Tubeworks n’ont peut-être pas encore beaucoup d’influence, mais ils ont sorti un album qui mettra les fans de rock à l’aise, car ils pourront se dire que leur idiome favori ne va pas disparaître de sitôt.

***

The Proper Ornaments: « Mission Bells »

Il y a, semble-t-il, de nombreux cas de coïncidences, de stimuli dans la vie où l’on ne sait pas trop quoi faire. Pour nous, alors que le nouvel album Mission Bells de The Proper Ornaments sonne discrètement à ses oreilles, il y a au moins deux choses qui ressortent, chacune d’entre elles se situant sur le spectre entre le remarquable et le stupéfiant, même si elles manquent une chose que l’on pourrait appeler de la fanfare.

L’une d’entre elles est la reprise en virgule inversée de « Downtown » » le tube pop mondial de 1964 qui, pendant une courte période, a permis à Petula Clark de se faire un nom aussi connu que les Beatles. Si vous entendez cette chanson dans votre tête vous percevrez sans doute pourquoi cette reprise est approchée de manière presque obtuse, dans la mesure où elle remplace l’étincelante montée de la pop qui a résonné au fil des décennies ; une chanson ici est composée et réarrangée ddur un mode acoustique qui en extrait une beauté solitaire d’une telle profondeur que vous ne saurez plus où vous en êtes avec l’original. C’est une véritable révélation, iconoclaste malgré elle (la deuxième chose un peu déroutante, d’ailleurs, a été de découvrir, après toutes ces années, que la chanson a été écrite par Frank Sinatra, ce qui rend doublement choquant et bizarre lle fait que l’on découvre son auteur par le biais de cette version radicalement réimaginée. Que le disque se termine par un titre intitulé « WWFSD » – avec une interrogation sur le ens de « FS » signifie – complète l’épithète de bizarrerie que l’on est tenté de coller au combo.

Le fait est, en ce qui concerne le contexte global de Mission Bells, que l’on reçoive le traitement de clair-obscur discret, voire vivant, est la quintessence du sens du combo. The Proper Ornaments – les fondateurs James Hoare, Bobby Syme et Max Oscarnold, rejoints ici par la bassiste itinérante Nathalie Bruno – ont été dès le départ cette entité unique, un groupe pop indépendant qui a puisé son inspiration dans les linceuls, les ombres et les doutes de la condition moderne, une condition qui, nous pouvons en convenir, n’a pas vraiment fleuri avec l’optimisme ces derniers temps. Vu sous cet angle, l’album peut à juste titre être entendu comme une dose de soutien obstiné contre le goût inévitable de l’amertume que peut laisser dans notre bouche la fin de chaque journée.

Comme les pionniers du slowcore Idaho avec un penchant nettement britannique (ou les Weather Prophets), la majorité des morceaux de Mission Bells, de l’entrée en matière poignante de « Purple Heart » à la douce pop click-clack de « Black Tar », en passant par la mélancolie généralisée de « Echoes », son crochet de la longueur d’une chanson qui rappelle Lennon à son plus universel, jusqu’au final « Tin Soldiers » avec son carillon et sa tristesse et son désespoir, planent dans les limbes de nos cortex d’écoute avec un air aussi mélodieux que pensif et sombre. Bien que dans ses arrangements et sa tonalité, il y ait beaucoup trop de majesté pour être assez désinvolte pour dire que The Proper Ornaments met le « fun » dans le funèbre ici, il semble néanmoins que le but de Mission Bells aurait pu être de rendre moins aiguë la douleur de ce moment kafkaïen mondial actuel, même s’il le reconnaît pleinement.

Au fond, donc, comme l’a ordonné le médecin (le psy, le sage, peu importe), voici une belle musique pop entraînante qui a permis de faire disparaître la lumière avec, sous-jacent,l’espoir qu’elle puisse réapparaître.

***1/2

Swim Deep: « Emerald Classics »

Après avoir créé leur prope label Pop Committee sous le label parent Cooking Vinyl, Swim Deep est de retour avec un autre LP complet. Formé à Birmingham, Swim Deep est un groupe pop dream-pop composé de cinq musiciens, comparable à The 1975 et Bad Suns. Avec son troisième LP, Emerald Classics, le combo s’en tient à sa formule indie pop, tout en ajoutant quelques éléments rafraîchissants avec un solide groupe de dix chansons.

L’album s’ouvre avec le « single » intitulé « To Feel Good ». Ce morceau est très différent des précédents travaux de Swim Deep, avec une chorale de chapelle ainsi qu’un travail parlé du chanteur Austin Williams sur la fin de son adolescence à Birmingham, et sa prestation vocale comparable à celle de Mike Skinner de The Streets, entre autres. Le chœur de ce morceau ainsi que les synthétiseurs qui l’accompagnent ajoutent vraiment un sentiment d’émotion lorsqu’ils sont placés sous l’œuvre parlée.

Sur le plan sonore, on peut entendre beaucoup d’inspiration héritée de la pop des années 80. La voix douce et chuchotante de Williams rappelle quelque peu celle de Neil Tennant, en particulier sur le morceau « World I Share » et les guitares sont imprégnées de chorus, de compression et de réverbération ainsi que de l’utilisation intensive de synthétiseurs. En écoutant un morceau comme « 0121 Desire », on ne pourra pas s’empêcher de penser à des morceaux comme New Order et Scritti Politti. d’autant qu’il dispose d’un refrain contagieux qui aurait été largement reçu si la chanson était sortie il y a 35 ans.

Un autre titre-phare sera « Drag Queens In Soho », une chanson qui semble avoir été écrite par Jack Antonoff et figurer sur un album des Bleachers. Quelque chose dans ce morceau est très répétitif et permet de l’apprécier de plus en plus à chaque fois. Les accords de piano simples sont le moteur de cette composition et lui donnent ainsi une solide ossature. Les leads de guitare mélodiques sont à la fois simplistes et efficaces et ajoutent beaucoup à l’ensemble.

Emerald Classics est la troisième déclaration d’un groupe dont certains ont peut-être oublié l’existence, en particulier après une longue interruption de quatre ans entre deux disques, une éternité dans l’industrie moderne. Le son du combo a été redynamisé et le nouveau matériel est plein de superbes riffs et de mélodies instantanées. Rien, ici, n’est radicalement différent de leur travail précédent sur les albums Where The Heaven Are We et Mothers, mais il semble être un pas en avant en termes de maturité, de production et de progressivité.

***

Purr: « Like New »

Il y a quelque chose de paradoxal à ce qu’un album s’oit nommé Like New alors que ses créateurs admettent ouvertement qu’ils n’aiment que la musique « faite avant 1978 ». N’est-ce pas comme dire que quelque chose que vous avez acheté dans un magasin d’antiquités est tout neuf ? Quoi qu’il en soit, ce ci est le premier LP du duo Eliza Callahan et Jack Staffen, qui ont écrit des chansons. C’est leur première offre sous le nom de Purr, leurs précédentes sorties ont été créditées au nom du projet, Eliza and Jack. Comme on peut se l’imaginer,l’opus est entouré d’une esthétique rétro poussiéreuse, sise dans une sorte de ronflement lent et étourdissant, semblable à ce que serait leur psychisme

Il s’agit donc d’un album ancré dans les sonorités d’une époque révolue, qui ne comporte que peu de changements dynamiques et qui semble vraiment déphasé par rapport à la vie d’aujourd’hui, alors que la plupart des groupes psychiédéliques de nos jours tentent de vient avant de donner à leurs compositions une touche contemporaine.

Like New est un disque qui est difficile à retenir étant donné son ADN vaporeux. Soniquement et vocalement, l’album passe presque inaperçu. On se demande si c’est un disque de musique de fond ou un disque dans lequel on peut s’immerger ce qui, eu fond, est le genre d’expérience d’écoute propre à nous faire lutter contre ce qui peut générer des paupières lourdes.

Bien que la majorité de l’album est plutôt covenue et stréotypée, Like New est agrémenté de quelques touches intéressantes ; « Avenue Bliss » »est un voyage disco-jazz interprété au ralenti, avec des couleurs tourbillonnantes et des bruits délicats de pistolet laser. « Boy » s’agite avec une espièglerie estivale et un ton affectueux, « Take You Back » frétille dans un rebondissement joyeux de style S »gt Pepper », tandis qu’un air de majesté gradiose se cachera dans les tréfond sde « Giant Night », grâce à un somptueux évanouissement de cordes. Like New n’est ni assez charmant pour donner l’impression qu’il s’agit d’un disque perdu depuis des décennies, ni un hommage modernisé à la psychedelia vintage nourrie par la drogue.

***