Lande Hekt: « Going to Hell »

4 mars 2021

L‘excellent premier album solo de la chanteuse des Muncie Girls, Lande Hekt, Going to Hell, est une histoire puissante qui montre non seulement que vous avez accepté votre sexualité, mais aussi que le fait d’accepter qui vous êtes vraiment enrichit votre vie et celle de ceux qui vous entourent. Il y a des moments de déchirement et d’émotion, et certainement d’énormes difficultés à affronter en cours de route, mais lls sont aussi très amusants – et c’est, apr§s tout, un peu le but.

Les chansons de Hekt ont toujours des paroles d’un impact désarmant, et son talent avec les mots est pleinement mis en évidence sur le morceau d’ouverture « Whiskey ». Celui-ci retrace son expérience d’apprentissage de l’homosexualité et le cheminement de remise en question qu’elle a suivi en se posant littéralement la même question de cent façons différentes, pour finalement se demander « Est-ce que c’est dire au revoir à qui vous étiez à l’époque ? Est-ce le sentiment de ne pas avoir à faire semblant ? » ( Is it saying goodbye to who you were back then? Is it the feeling that you don’t have to pretend?). Le titre retient une grande partie de son instrumentation, se limitant à une seule guitare acoustique à paumes, faisant lentement intervenir d’autres instruments avant d’éclater enfin avec un solo de guitare hurlant pour clore le tout – une fin cathartique et triomphante à un voyage incroyablement important.

Le second morceau, « 80 Days of Rain », partage également l’ADN d’une série de Russell T. Davies, Years and Years, qui utilise la vision sombre de notre avenir environnemental – dans laquelle le Royaume-Uni connaît 80 jours de pluie – comme une lentille pour explorer le changement climatique. Mais une fois de plus, Hekt l’explore d’un point de vue profondément personnel. Elle explique que la chanson parle de « s’éloigner et de manquer quelqu’un, et comment cette personne m’a appris à me mettre en colère à propos du changement climatique » (moving away and missing someone, and how that person taught me to get angry about climate change).

Cette idée de personnes disparues, et peut-être de ressentir une distance entre vous et vos amis, revient sans cesse tout au long du disque. Sur « Winter Coat », elle chante comment elle reverra ses amis « lorsque le temps passé à l’écart m’aura à nouveau donné froid » (when time apart has made me cold again). Dans « Undone », elle s’interroge, « Je me demande si je te reverrai, je me demande si tu te sentiras bien un jour » (I wonder if I’ll see you again, I wonder if you’ll ever feel alright), avant de déclarer  « je veux être quelqu’un que tu connais » (I want to be someone you know).

Comme indiqué, le disque est très amusant, même s’il est aux prises avec un parcours profondément personnel, et même si Going to Hell trouve Hekt dans un mode d’auteur-compositeur-interprète beaucoup plus que son travail dans Muncie Girls, il recèle des titres autrement plus solides. Ainsi, « Hannover » est un hit indie pop en puissance qui a plus qu’une petite touche d’Allo Darlin, « 80 Days of Rain » possède un rythme irrésistible qui fera certainement danser les foules, et « December » rebondit sur une superbeaccroche pop.

La chanson titre « Going to Hell » voit Hekt confronter les thèmes de l’album de front. Comme le titre l’indique, la chanson confronte les attitudes homophobes qui ont si longtemps affligé les homosexuels, mais aussi l’impact plus envahissant et dommageable de la culture hétéronormative qui peut vous faire vous sentir isolé et avoir peur d’être vous-même. Il y a un pouvoir indéniable lorsque Lande chante comment « vos amis de chez vous commencent à agir bizarrement, quand vous essayez d’être vous-même pour changer » (your friends from home start acting strange, when you try to be yourself for a change).

En réfléchissant aux thèmes de la chanson titre, Hekt dit : « L’homophobie et la culture hétéronormative peuvent vous faire vous sentir isolé et avoir peur d’être vous-même – j’ai intériorisé une grande partie de cette culture pendant longtemps et ce n’est que lorsque je me suis retrouvé entouré de personnes et d’amis queer et trans, que j’ai réalisé que je pouvais vivre heureux d’une manière qui me semblait juste. Je sais que je ne suis pas la seule à ressentir cela et ce sont d’autres personnes qui ont partagé leurs expériences avec moi qui m’ont aidée, c’est pourquoi j’ai donné à l’album le nom de cette chanson pour essayer d’atteindre les gens qui pourraient vouloir être atteints ». 

Cette attitude est à la base de ce disque remarquablement chaleureux et incroyablement honnête, et même lorsque Hekt est au moins sûre d’elle et la moins heureuse, le sentiment dominant est celui de la paix et du bonheur que l’on ressent en se retrouvant soi-même. Il est clair que Going to Hell est un disque profondément personnel, et vous pouvez comprendre pourquoi elle a ressenti le besoin de le présenter comme un travail solo plutôt que comme quelque chose qu’elle ferait avec son groupe, mais c’est aussi un message merveilleusement ouvert aux personnes qui sont dans une situation similaire que tout va bien se passer.

***1/2


Arab Strap: « As Days Get Dark »

4 mars 2021

Le premier album studio d’Arab Strap depuis The Last Romance, sorti en 2005, est marqué par un sentiment d’insatisfaction ; tout est là, mais il n’exploite pas tout à fait son potentiel. Une bonne moitié du disque s’inscrit dans la lignée du single d’ouverture et de retour The Turning of Our Bones, des boîtes à rythmes, des arpèges de guitare légèrement anguleux et de la dissection largement parlée de Moffat sur l’âge moyen. Cela fonctionne à merveille sur l’intro susmentionné, mais « Compersion Pt 1 » et » Bluebird » ne tiennent jamais correctement en main, ils glissent simplement, à aucun moment ils ne sont désagréables à l’écoute, mais ils n’affectent jamais particulièrement l’un ou l’autre.

L’album est à son meilleur lorsqu’il se détourne de ce son pour se diriger vers des eaux plus étranges. Les guitares de « Another Clockwork Day » sont plus occupées, plus folkloriques, tournant autour du récit de Moffat sur la déception pornographique avant qu’il n’aille à la foire de la renaissance avec de jolies fanfares de cuivres et de cordes, tandis que les paroles saisissent avec une brillante spécificité le confort de la mémoire.

« Tears on Tour », quant à lui, a quelque chose du Nick Cave des derniers jours, laissant la voix de Moffat errer au centre d’énormes lavages de synthétiseurs pour un effet véritablement émouvant. « I Was Once a Weak Man » agit comme une sorte de microcosme pour le disque ; il est construit sur des cordes magnifiques et est plein de lignes drôles, mais le refrain est un peu peu peu convaincant et les lignes de guitare pleurnichantes sonnent comme un cliché. C’est symptomatique d’un problème qui touche pas mal de chansons du disque, un sentiment que quelques idées parfaitement bonnes ne se fondent jamais en de bonnes chansons. Cela laisse un album de moments forts et de passages qui malheureusement disparaissent souvent beaucoup trop vite.

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Hitra: « Transparence »

4 mars 2021

Imaginez une île appelée Hitra, entourée d’innombrables autres îles et falaises, et secouée par les vents glacés de la mer de Norvège, qui s’insinuent parmi les bateaux et dans les maisons des pêcheurs, coupent le visage des quelques vieux habitants de l’endroit, jusqu’à ce qu’ils se brisent contre les fjords monumentaux séculaires. « Ile », du latin « terra insula », lui-même composé de la particule « n » (« dans », « e » et du mot « salum » (« haute mer »), donc littéralement « terre au milieu de la mer », d’où « isolement », la condition à laquelle nous sommes tous, volontairement ou non, contraints à ce moment de notre vie.

Imaginons maintenant ce paysage qui devient musique, une tempête parfaite d’accords imaginatifs composés par des flux torrentiels de guitare et de basse, par les légers chuchotements des percussions, inaudibles et pour cette raison absolument tangibles, et par les échos spectraux d’un pianisme extrêmement précis dans la réverbération de l’harmonie, comme dans la meilleure tradition européenne, tissant une partition qui déjà à la naissance est destinée à se disperser dans l’insaisissable improvisation.

Né à l’Académie norvégienne de musique d’Oslo, et librement inspiré par l’île norvégienne du même nom, Hitra est un quatuor composé de Hilmar Jensson, Alessandro Sgobbio, Jo Berger Myhre et Oyvind Skarbo. Leur premier album intitulé Transparence est un voyage sonore en huit pistes à la découverte de lieux cachés et perdus, peut-être seulement imaginés.

Thèmes et solos se succèdent en douceur, avec une correspondance profonde. La simplicité des accords, ainsi que la fluidité des interactions et la répétition anaphorique de certains passages (inoubliable est l’arpège de guitare qui naît et disparaît dans le morceau d’ouverture « Lebtit », puis réapparaît dans « Labtayt », à la fin du disque) rendent le paysage sonore captivant.

Au centre des équilibres du quatuor se trouve la contribution d’Alessandro Sgobbio, présent dans ce projet à la fois comme compositeur et pianiste. On a déjà beaucoup écrit sur l’intelligence de composition et le talent d’improvisation du gagnant du concours de jazz de l’Ombrie et de la Padova Carrerese, et à juste titre. Ce qui frappe le plus dans « Transparence » c’est le rythme harmonieux que les notes vives du piano infusent sur les lignes mélodiques (écoutez notamment le suspense de la fin de « To See Was to Be » et la progression du dernier morceau de l’album, « Lebenslauf », tout en préservant la structure et la compacité, qui ont toujours été les deux éléments clés du jazz de Sgobbio. Par rapport à son autre projet avec des musiciens d’Europe du Nord (les « Silent Fires », avec des échos plus classiques et orchestraux), le son sec et mystique de Hitra permet à Sgobbio de développer son thème favori de spiritualité naturaliste avec une plus grande cohérence musicale et conceptuelle.

Un tel ensemble ne peut qu’avoir comme caractéristique stylistique la fluidité du genre : de l’ambient de « Lebtit » au post-rock de « Sêtu », avec la guitare de Jensson qui nous montre ce que la transparence sonne à chaque note, en passant par le post-free de « Cité des Poètes » et la chamber-pop raffinée de « Künftiges. Il y en a pour tous les goûts. Le tout enrichi de bruits divers et de sons alternatifs dans le style de la musique concrète, qui transcendent le concept même de musique, arrivant au bruit comme signifiant de la civilisation technologique post-moderne, hyperconnectée et, néanmoins, de plus en plus inéluctablement isolée.

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Cohen Braithwaite-Kilcoyne: « Rakes & Misfits »

3 mars 2021

Ce qui est souvent promis ne tient pas ses promesses, et ce n’est qu’à cause de l’attente que nous voyons cette chute du haut que nous avions envisagé, que nous avons pris pour acquis que la rencontre initiale avec le paria et l’individu ne serait rien d’autre qu’une aventure d’une nuit en compagnie de l’excentrique et du non conventionnel.

Cependant, ce que nous ne comprenons pas souvent, c’est que le non-conventionnel est un personnage à part entière, qui a une existence dynamique, et qui ne nous oblige pas à spéculer sur la façon dont il est perçu, car il est son propre critique, son maître, son commandant et son serviteur, et ce pour son propre plaisir, et pour cela nous devrions l’admirer activement plus que ceux qui cèdent aux conventions sur le dos d’une œuvre d’art bien reçue.

Rakes & Misfits, les individus, les non-conformistes, c’est à ces beaux rebelles que nous devrions lever notre chapeau, que nous devrions saluer de tout cœur plutôt que la frénésie d’applaudissements que nous donnons si souvent avec des penchants quasi-sycophanes, et pour Cohen Braithwaite-Kilcoyne, ce geste d’extrême bonne volonté et d’honneur est attendu avec impatience après son retour dans l’arène de l’exploration musicale dans son deuxième album, Rakes & Misfits.

Nous chantons des chansons par respect pour les exclus de la société, nous prêtons allégeance à leur histoire et nous les rendons célèbres, à ceux qui vont à contre-courant et qui pourtant divertissent avec passion, il n’y a pas de plus grand culte du héros que de résister à l’épreuve du temps, et dans son nouvel album, les exclus et ceux qui cherchent un abri en dehors de la nature conformiste de la société sont les légendes auxquelles nous cherchons des liens de parenté, et à travers des titres tels que « The Jolly Highwayman », « Female Rake/The Drunken Drummer », « The Dancing Tailor », l’excellent « Countryman in Birmingham » et « From Marble Arch To Leicester Square », Cohen Braithwaite-Kilcoyne donne vie aà ses personnages et à son art avec une incroyable persuasion, de telle sorte qu’ils deviennent votre meilleur ami, ceux qui existent non seulement dans votre esprit, mais dans votre âme.

Cohen Braithwaite-Kilcoyne joue comme il le souhaite, de cela il n’y a aucun doute, refusant de faire partie d’une culture dominante, regardant plutôt dans son propre cœur et son esprit pour voir ce qu’il peut trouver tapi dans l’ombre plutôt que d’ajouter à la persistance exagérée et surjouée dont jouissent les autres. Un album, un artiste, c’est son propre héros formidable, le râteau peut-être, l’inadapté peut-être, une légende en devenir, absolument.

***1/2


The Martha’s Vineyard Ferries: « Suns Out Guns Out »

3 mars 2021

The Martha’s Vineyard Ferries ont l’une des meilleures reprises de rock indé du jeu et ils font preuve d’un talent de haut niveau sur leur nouvel album Suns Out Guns Out. Le groupe comprend le bassiste/chanteur Bob Weston (Volcano Suns, Shellac. Mission Of Burma), le batteur/chanteur Chris Brokaw (Codeine, Come, New Year) et la guitariste/chanteur Elisha Wiesner (Kahoots). Si vous prenez l’un de ces groupes, vous aurez une très bonne idée de la direction dans laquelle The Martha’s Vineyard Ferries vous emmène aujourd’hui.

Suns Out Guns Out est en fait le troisième album du groupe, mais le premier depuis lMass. Graveen 2013. Après s’être battu pour vivre dans différents fuseaux horaires et d’autres engagements au cours des sept dernières années, l’album a été enregistré entre 2015 et fin 2019, la plupart du temps entre le home studio de Wiesner à Martha’s Vineyard et le sous-sol de Weston à Chicago. Certaines chansons ont été rapides tandis que d’autres sont en préparation depuis des années.

Dès le début, les accords lents du premier morceau « MC Modern » vous font sentir la chaleur du rock indépendant qui est sur le point de vous engloutir. Au bout de deux minutes, la chanson passe d’un crawl à une rafale de guitare forte et à un chant plus aigu avant de retomber à plat. Vous obtenez alors un morceau indie de 59 secondes avec « Betty Ford James » qui vous colle immédiatement à la tête. Ce morceau n’est pas la norme avec sa courte durée car The Martha’s Vineyard Ferries consiste bien plus à construire une chanson jusqu’à son point d’ébullition puis à la laisser éclater pour ensuite la remonter dans une structure très contrôlée.

The Martha’s Vineyard Ferries ont pris leur temps pour terminer Suns Out Guns Out, mais on ne sait jamais si le disque a pris sept ans. C’est une écoute cohésive qui vous frappe par vagues successives de bonté sonore à la guitare. Le groupe vous permet d’absorber les paroles, chaque corde de guitare, chaque ligne de basse et chaque battement de batterie. C’est un disque intemporel et de grande qualité qui met en valeur chacun des membres de The Martha’s Vineyard Ferries et vous rappelle pourquoi leurs projets passés étaient si bons. Tout cet album est énorme et fait de Suns Out Guns Out une expérience à ne pas manquer !

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The Los Angeles Electroacoustic Ensemble: « LAEE »

3 mars 2021

Le premier album éponyme du Los Angeles Electroacoustic Ensemble représente une exploration de la musique électronique dans un contexte de musique de chambre contemporaine. Sorti le 31 janvier 2021, l’album est une compilation de 11 œuvres des membres du groupe qui combinent l’expérimentation avec la technologie moderne. Le Los Angeles Electroacoustic Ensemble est composé de Marcus Carline (électronique, guitare, voix) ; Glen Gray (électronique, synthétiseur modulaire, mandoline) ; Zachary Kenefick (électronique, synthétiseur modulaire, saxophone) et Cristina Lord (électronique, synthétiseurs, voix).

L’opus commence avec « Letters », écrit par Marcus Carline, qui a patché un sampler de clavier QWERTY avec des enregistrements des membres du groupe disant chaque lettre. Le groupe a ensuite improvisé avec le sampler de clavier, faisant explicitement de l’ordinateur portable (et de la personne qui s’en occupe) l’instrument. Le travail qui en résulte joue intelligemment avec le tempo et la durée, en supprimant toute notion de son afin de souligner la valeur du temps lui-même pour sculpter le son. 

Lorsqu’ils travaillent avec des instruments électroniques, les musiciens évitent généralement d’écrêter le signal. Cependant, dans « Gossip », Cristina Lord guide les interprètes à surcharger intentionnellement ces signaux. Les instruments électroniques crépitent, se gonflent dynamiquement dans un nuage magnétique de distorsion tandis que les interprètes improvisent et jouent sur les gestes des autres. « Gossip » et l’œuvre suivante, « Poison Tree » de Lord, sont tous deux tirés d’une collection intitulée « Etudes for Sine Waves ». Toutes les tonalités sont créées par des ondes sinusoïdales et, dans cette dernière pièce, les réverbérations modulantes flottent doucement dans et hors de portée. Des notes texturées et chatoyantes sont ensuite superposées sur les premiers tons, et sont finalement suivies par un soliste qui joue sur les deux premières couches, créant une abstraction sonore à plusieurs niveaux.

« We Study » de Zachary Kenefick est un arrangement de l’ensemble initial, qui se composait de deux musiciens sur électronique et d’un violoncelliste accompagnant un trio de danseurs qui englobaient thématiquement les corps dans l’espace et les groupements qu’ils peuvent former. Pour cet arrangement, Kenefick a ajouté un autre musicien à l’ensemble et a troqué le violoncelle contre la guitare électrique, déplaçant ainsi l’attention vers la façon dont les instruments électroniques représentant les corps sonores jouent ensemble dans un espace acoustique. « We Are the Old Guard », également écrit par Kenefick, combine l’improvisation avec des techniques de composition non conventionnelles telles que la saisie de données. Les joueurs sont dirigés par un son prédéterminé, associé à leur propre interprétation, ce qui constitue un véritable défi pour la forme de composition en général. 

Les deux pièces suivantes, « Cornetto and Saw » et « Bontempi Organ », composées par Glen Gray, sont des duos écrits comme des enquêtes parallèles sur le concept d’échantillonnage dans un cadre de chambre. Sur « Cornetto and Saw », les samples du cornetto sont juxtaposés à des échantillons d’une onde carrée, tandis que « Botempi Organ » utilise des échantillons d’un orgue à air bontempi. Les échantillons superposés créent des textures sonores acoustiques tandis que l’intrusion de sons électroniques perturbe le travail de fond acoustique, en fusionnant les deux formes d’instrumentation.

L’improvisation de Gray pour guitare, mandoline et deux ordinateurs portables, « Jam », demande aux joueurs de faire le pont entre les instruments acoustiques et électroniques, en intercalant des pinceaux souples avec un feedback de type statique. De même, le duo de Kenefick, « Slough », combine des éléments acoustiques antiphonaux avec une grande masse de sons électroniques, présentant l’ordinateur portable comme un orchestre à la fois en taille et en accompagnement vocal.

« Astronauts » de Carline utilisera un mélange aléatoire de vidéos YouTube pour rassembler des bribes inintelligibles, tandis qu’un trio de séquenceurs donne forme aux bruits chaotiques. Des flashs fugaces de la vie de différentes personnes dans le monde entier scintillent dans « Astronaut » » tandis que les séquenceurs scintillent en arrière-plan, donnant l’impression d’un cosmonaute solitaire regardant la Terre de loin, leur vaisseau spatial émettant un bip dans l’espace suspendu derrière eux.

« Contact », de Lord, termine l’album, en utilisant une opération aléatoire avec plusieurs radios qui sont jouées et réaccordées en temps réel. Un collage aléatoire d’échantillons se joue en succession, donnant lentement forme à un motif rythmique. Les échantillons se transforment en une série de bourdons, représentant l’unité entre les différents sons lorsqu’ils se transforment en un son unique. Comme une note acoustique est formée par l’oscillation d’une particule singulière, ces échantillons « rebondissent » pour créer une note.

Tout au long de l’album, cette reconstruction électronique d’une note acoustique par le biais de signaux surchargés, de réverbération et d’échantillonnage donne lieu à une performance électronique de chambre semblable à tout autre ensemble combinant une variété d’instruments pour créer une performance symphonique. Bien que l’essence de l’album du Los Angeles Electroacoustic Ensemble vise à remettre en question les notions conventionnelles d’un ensemble, beaucoup de ces thèmes poststructuraux sont difficiles à discerner à travers une expérience auditive sans explication écrite. Certaines des œuvres semblent exécuter avec succès les théories présupposées qu’elles présentent, comme dans « Letters » et « Contact ». Cependant, d’autres semblent éviter délibérément toute erreur de composition – laissant l’auditeur dans l’ignorance de certaines significations plus larges – et certaines pièces semblent avoir complètement raté la cible ou soulevé des questions fréquemment posées par d’autres compositeurs. Dans l’ensemble, l’album repousse les idées conventionnelles d’une certaine manière, qui sont nouvelles, mais qui, à d’autres égards, semblent exagérées ou indéterminées. 

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Blackout Problems: « DARK »

3 mars 2021

Dès le départ, le troisième album du groupe allemand Blackout Problem est tout simplement superbe : il aborde des sujets allant de la désillusion politique, du doute existentiel et de l’anéantissement écocentrique aux notions d’amour jeune, d’angoisse adolescente et de croissance tout court. Une offre incroyable de la part d’un groupe incroyable.

Formé à Munich en 2012, Blackout Problems n’est pas étranger aux mystères et à la magie de la nouvelle version. Avec trois albums précédents, dont l’un est une version retravaillée de leur deuxième album Kaos, leur discographie est variée, vaste et vitriolique. Pourtant, leur troisième (véritable) album – et leur premier sur un grand label – est autre chose.     

Tout d’abord, le premier morceau (avec une majuscule appropriée), « MURDERER ». Ce morceau angoissé commence par un simple et rapide staccato et quelques fracas sur une batterie ; il est presque difficile de le concilier avec le cri d’armes incendiaire que provoque le grognement brûlant de Mario Radetzky. « Le meilleur politicien est un homme mort » (The best politician is a dead one), crie-t-il, faisant référence au récent meurtre d’un politicien allemand et faisant la satire de son assassin, un homme ayant des liens à la fois avec les partis ultranationalistes et les groupes néo-nazis ; ailleurs, des cris tels que « les livres brûlent mieux quand ils sont fraîchement pressés » ([b]ooks burn best when they’re freshly pressed), font référence au cauchemar dystopique et épistémologique de Fahrenheit 451, soulignant la désinformation qui sévit dans ces groupes enflammés. Pourtant, il est difficile de ne pas lire dans la piste, en particulier à la lumière des récents événements aux États-Unis. Lorsque des émeutiers armés lancent des défis à la démocratie et prennent d’assaut le Capitole, alimentés par les mensonges totalement faux et incroyablement dangereux d’un président (récemment démis de ses fonctions), les paroles défiant la mort du savoir et annonçant que le meilleur politicien est un homme mort prennent une signification entièrement nouvelle. Et ceci n’est qu’une chanson.

L’ensemble de l’album est brillant. Il y a un « BROTHER », énergique et chargé d’émotion, qui explore la renaissance de relations passées, d’amis qui se sont éloignés ; l’explosive « LADY EARTH », une protestation existentielle contre la disparition écologique d’un zeitgeist désabusé par l’espoir, et les weltschmerz de cette génération qui essaient et échouent à garder la raison ; le cynique, violent et dur « DRIVEBY », électriquement acerbe dans sa colère cinglante contre la prévalence de l’ignorance dans la société actuelle. Pendant ce temps, « HEAVEN », avec ses chanteurs superposés et magnifiquement harmonisés, donne l’image d’une congrégation sans nom : le refrain percutant qu’est«  Survive the depth of misery/ And solitude gets easy/ It slowly, slowly kills me » (survivre à la profondeur de la misère/ Et la solitude devient facile/ Elle me tue lentement, lentement) devient un éloge déchirant des vies perdues pour cause de santé mentale. 

Cela ne veut pas dire que le groupe ne trébuche pas ici et là. Prenez par exemple le morceau très émotionnel « GERMANY, GERMANY », dans lequel le groupe décrie l’histoire troublée de son pays ; il est peut-être un peu trop « poppy » pour ne pas donner l’impression de prendre la situation à la légère. 

Pourtant, c’est ce caractère poppy qui donne à l’album toute sa beauté. Que serait le titre « DARK, » par exemple, sans la tension de construction d’un instrumentaire au rythme effréné qui conduit à un refrain clame et entraînant ? Le cynisme et l’optimisme des paroles sembleraient vides si ce n’était de la basse proéminente de la batterie, des échos mauvais et auto-accordés. 

Bien sûr, l’album n’est pas parfait ; Blackout Problems semble parfois avoir du mal à équilibrer son sujet mélancolique et ses paroles sombres avec l’énergie contagieuse de ses instrumentaux et la force de la voix passionnée de Marino. C’est pourtant dans ce jonglage que le groupe prend toute sa mesure, une mesure qui s’avère être une offre fantastique et à revisiter encore et encore.

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Typhoon: « Sympathetic Magic »

3 mars 2021

Comment donner suite à un chef-d’œuvre ? À quelques exceptions près, la réponse est simple : on ne le fait pas. On dit bien, en effet, que la foudre ne frappe pas deux fois eu même endroit, et si vous avez la chance, en tant qu’artiste, de voir les étoiles s’aligner et chaque pièce se mettre parfaitement en place sur un projet, alors c’est un exercice futile que de passer votre temps à essayer de retrouver la magie. Si une autre grande œuvre doit figurer sur les cartes, on ne peut pas la forcer, il faut la laisser se produire naturellement. La seule grande folie est de faire exactement le contraire, de tourner le dos à votre plus grand succès et de ne pas en tirer les leçons qui s’imposent. Si vous vous retrouvez dans l’ombre de votre dernière libération, la solution n’est pas de construire plus haut ou de continuer à courir jusqu’à ce que vous atteigniez la lumière du soleil, mais simplement d’être à l’aise à l’ombre.

C’est ici que l’on trouve le nouveau disque surprise du groupe de Portland Typhoon. Après leur magnifique opus Offerings qui traitait d’une histoire poignante de perte de mémoire et de questions complexes d’identité, sa suite prend un peu de recul par rapport à ces concepts grandioses. Sympathetic Magic cherche plutôt à traiter simplement ces douze derniers mois tumultueux, et fait finalement un travail admirable pour capturer l’esprit du temps. Le lyrisme de Kyle Morton brille vraiment sur ce disque, abordant des sujets importants et s’attaquant à un enchevêtrement d’émotions déconcertant à sa manière, unique et parfois ludique, tout en brandissant la bannière des causes qui lui tiennent à cœur.

« We’re In It » commence par un rattrapage entre amis qui commentent la folie de tout ce qui est en jeu : « J’ai versé les boissons, j’ai échangé les conditions préalables, « Je suis bon », avez-vous dit, « mais le monde est merdique » (Poured the drinks, exchanged prerequisites, « I am good but the world is shit), avant de se concentrer sur le fait de montrer des vies encore plus bouleversées par la brutalité policière lors des manifestations du BLM : « Et la fois suivante où je t’ai vu, c’était sur un lit d’hôpital, avec une blessure par balle, les infirmières t’ont rasé la tête, tu as eu de la chance peut-être, peut-être le contraire » (And the next I saw you was a hospital bed, With a gunshot wound, nurses shaved your head, You were lucky maybe, maybe the opposite).  « Welcome to the Endgame » s’oppose à l’état de colère dans lequel se trouvent les États-Unis : « Amérique, je suis en toi, je donne des coups de pied, je crie sur tes tendons, c’est si facile de te blâmer, mais la culpabilité est aussi bonne que la mienne » (America, I’m inside you, Kicking, screaming at your sinews, It’s so easy to blame you, But the guilt’s as good as mine), tandis que « Time, Time » se rapproche de la sensation véhiculée sur Offerings en réfléchissant au vieillissement et au passage du temps avec une éloquence poignante et digne d’un tatouage, ligne après ligne. Les lignes qui vont le plus frapper sont alors celles du début de « Evil Vibes : « Ma façon de vivre est irréelle, purement par accident, ballottée entre les cataclysmes, Dis-le, je sais que j’ai glissé, Tout s’empile, l’évier est plein de vaisselle sale » (It’s been unreal the way I’m living, Purely by accident, tossed between cataclysms, Say it, I know that I’ve been slipping, Everything piling up, sink full of dirty dishes). C’est la meilleure description jamais faite sur de la mondanité frustrante de la vie en des temps sans précédent, et de la façon dont nous luttons tous pour maintenir une routine alors que tout s’effondre autour de nous.

Les paroles sont si frappantes sur ce disque en partie parce que la musique prend un recul marqué par rapport aux projecteurs. Pendant la majeure partie de sa durée de vie, Sympathetic Magic évite l’orchestration expansive habituelle du groupe en faveur d’un son plus inspiré du folk et de l’Americana. Bien que charmante à petites doses, cette approche dépouillée n’offre pas toujours à chaque morceau une identité unique. Heureusement, la brillante décision de faire revenir la section des cuivres qui était si importante sur White Lighter donne vraiment du corps au disque et ajoute beaucoup de chaleur à des morceaux comme « Time,Time », « Masochist Ball » et le point culminant de l’album « Empire Builder ». Cependant, tous les morceaux ne sont pas vraiment à la hauteur, car « We’re In It » semble certainement manquer de quelque chose musicalement et donne souvent l’impression de trébucher sur les paroles, et l’arrangement plus électronique du début de « Two Birds » semble plutôt déplacé.

Ce n’est peut-être pas un autre chef-d’œuvre, mais on n’hésitera pas à dire que c’est un sacré bon disque. Et bien que Sympathetic Magic vivra toujours dans l’ombre de son prédécesseur, on ne saurait trop le recommander aux nouveaux venus qui recherchent un disque pour les aider à gérer le désordre dans leur tête et dans la rue.

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Cassandra Jenkins: « An Overview on Phenomenal Nature »

2 mars 2021

Le deuxième album de Cassandra Jenkins, An Overview on Phenomenal Nature, est fondé sur l’espoir d’une année meilleure et la promesse d’une reconstruction personnelle. D’après les références de l’album, cette année-là aurait probablement été 2020, au lendemain du suicide de David Berman, dont elle a été enrôlée dans la brigade de tournée des Purple Mountains. Si l’année 2020 n’a pas fait beaucoup de bien à beaucoup d’entre nous, elle a donné le temps de réfléchir et a permis de prendre une distance par rapport à ce qui s’était passé avant. Et si le 1er janvier n’a pas d’enchantement particulier, ou comme les chakras référencés sur la piste centrale de Phenomenal Nature, « Hard Drive », les gens autour de Jenkins détiennent des réserves infinies de magie. Et ils le font activement. La mère de Jenkins ne s’inquiète pas pour elle sur « New Bikini », elle s’inquiète pour elle. Perry, qui apparaît dans « Hard Drive », tape sur son épaule pour invoquer un nouveau départ.

L’album commence assez innocemment sur « Michelangelo » et fait écho aux débuts teintés d’Americana de Jenkins, Play Till You Win datant de 2017. Mais à partir de là, les choses dérivent vers des moments plus jazzy et plus élevés, mais plus calmes. Les cors et les cordes qui ornent le reste de l’album portent l’équilibre des moments les plus patients de Van Morrison. Et sur les chansons les plus dépouillées, « Ambiguous Norway » et « Hailey », les synthés en déclin sont appelés à susciter des puits d’émotions. Ce qui n’est pas sans rappeler le travail récent de Sharon Van Etten et de Vagabon.

Car si « Hard Drive » attire l’attention, d’autres chansons sont tout aussi efficaces, à juste titre. « New Bikini » révèle ainsi es conséquences de la mort de Berman et des amis qui peuvent supporter Jenkins avec la même viscosité de l’eau de mer qui l’entoure. « Hard Drive » doit un clin d’oeil à Laurie Anderson, et c’est l’inverse de la crainte telle qu’elle est véhiculée du «  de nous allons tomber, ensemble… ce sera un jour » de ladite Anderson. Mais l’album brille le plus sur ses trois chansons qui clôturent la houle et gagne sa place à côté des débuts infiniment calmes de sa coéquipière Julie Byrne. « Ambiguous Norway » a peut-être lieu là où il le dit, mais il n’est guère ambigu. La réflexion de Jenkins sur le fait que Berman est parti et qu’il est partout est d’une logique intrinsèque. « Haile » », brève mais pleine de prières, est révérencieuse, tandis que le sujet fournit également à Jenkins la promesse de la nouvelle année. Et que Jenkins nous donne le reflet de sa promenade dans les bois sur une « The Ramble »,colorée par le bruit des camions à ordures, des sirènes, des enfants, du chant des oiseaux, et le bruit d’un arroseur à impact, offrant tous ainsi le cadeau d’un espace sûr. Le même que ceux qui ont vécu dans la vie de Jenkins lui ont offert.

Pour toutes ses machinations cérébrales, ce que An Overview on Phenomenal Nature n’oublie jamais de faire, c’est d’établir un lien humain. Jenkins se place au centre de l’histoire et offre la vulnérabilité d’être le patient dont le corps a besoin qu’on lui pose des mains guérisseuses. Laura Marling a fait appel à son propre apaisement et Morrison à la guérison « par les pylônes ». Sur « Hard Drive », Jenkins se voit proposer que sa propre voie soit aussi simple que « un, deux, trois », même si elle sait mieux que cela. Un aperçu de la nature phénoménale est un témoignage de la rupture et du réassemblage aussi exposé que tout ce que vous pouvez trouver. Les réponses peuvent se trouver de l’autre côté de l’océan en Norvège ou juste au sud de la 79e rue transversale de Central Park (le cadre de « The Ramble »), mais il est fort probable que vous les trouverez où que vous soyez.

***1/2


Ninebarrow: « A Pocket Full Of Acorns »

2 mars 2021

Ninebarrow – duo composé de Jon Whitley et Jay LaBouchardiere – avait prévu de poursuivre sa série impressionnante et incessante de concerts à travers le pays l’année dernière. Bien sûr, la pandémie a payé pour cela, mais les Ninebarrow ont été inventifs au point de donner une série de concerts de haute qualité en streaming, produisent une série de guides de marche dans leur Dorset natal et sortent le délicieux « single » caritatif « The Hour of the Blackbird » mettant en scène deux chorales. Ils sont ainsi simplement montré que l’on peut adapter sa musique à l’époque où nous vivons, même si se produire en direct devant un public est un grand manque pour les musiciens et les fans.

Ninebarrow est à nouveau rejoint par son groupe – Lee Mackenzie (violoncelle), John Parker (percussions) et John Parker (contrebasse), avec Mark Tucker qui produit à nouveau comme il l’a fait sur The Waters & The Wilden 2018.

Le morceau d’ouverture « Come January » résume parfaitement le son de Ninebarrow, une composition originale qui souligne la façon dont les voix de Jon et de Jay se complètent.

L’avantage de la musique folk, c’est qu’elle peut rappeler le passé, que ce soit en réinterprétant des standards folk ou en basant de nouvelles chansons sur le passé, et commenter le présent, comme le fait « Under the Fence ». Cette chanson est basée sur le fait que le duo regarde un documentaire sur l’un des camps de réfugiés à Calais. Elle provoque la réflexion, de manière subtile, et même si c’est une nouvelle chanson, elle doit une partie de sa création à une composition plus ancienne, « Cold, Haily, Windy Night ».

Le son du groupe peut être entendu dans son intégralité sur « Cry Unity » – Ninebarrow au plus rock ! Les percussions et la contrebasse confèrent à cette chanson un dynamisme supplémentaire et certainement un atout pour les futurs concerts.

La popularité actuelle pour les chants de mer devrait susciter un intérêt supplémentaire pour « Farewell Shanty ». Avec Ninebarrow, vous revenez sans cesse à leurs prouesses vocales et cela est bien illustré sur ce type de compositions Le duo sait, à cet égard, donner sa propre tournure musicale à des standards folk, notamment sur « Hey John Barleycorn », un morceau qui pourrait devenir un grand favori sur scène.

« Sailors All » complètera l’album d’une manière douce mais mémorable, où les sublimes voix du duo sont au centre de la scène, soutenues par le jeu de piano de Jon.

L’album est accompagné d’un livret de paroles merveilleusement illustré et mis en page, qui donne non seulement les paroles mais aussi les histoires qui se cachent derrière chaque chanson. Ce sont vraiment de petites touches comme celle-ci qui distinguent ce groupe de beaucoup de ses contemporains.

Ninebarrow ne cesse de se développer et cet album sera probablement considéré comme leur meilleur à ce jour, ce qui n’est pas une mince affaire vu la force de leurs trois albums précédents. Un album folk pour cette année qu s’est ouverte, et même pour n’importe quelle année.

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