The Joy Thieves: « American Parasite »

7 décembre 2021

Avec autant de musiciens entrant dans les rangs des combos originaires de Chicago, il semble y avoir une source de créativité illimitée dont The Joy Thieves continue de jaillir. American Parasite marque la sortie du premier album du groupe, avec Chris Connelly prenant les rênes en tant que frontman comme s’il était né pour remplir ce rôle – brut, déséquilibré et venimeux, il correspond et amplifie la furie punk vicieuse de la musique, ses mots aussi acerbes et acides que jamais dans leurs observations d’un zeitgeist national toxique et détériorant. Alors que l’homme est souvent comparé à David Bowie dans ses divers autres projets, c’est comme s’il canalisait ici la période Tin Machine de Bowie, allant droit à la jugulaire avec des lignes telles que « Resist before abdication » et « We lost the century » dans « Crown of Expulsion », la batterie décalée et énergique de Dan Milligan étant comme un piston mécanique rouillé qui vous tape sur le cerveau. On peut dire la même chose de « Complicity » et « Blood Slogan : Sacred Tempo », dont les paroles insistantes et indéniablement accrocheuses ne sont renforcées que par les instruments, ce qui en fait de purs hymnes de protestation punk/rock dans la meilleure tradition du genre, tandis que les falsettos vacillants de Connelly et les superpositions décalées qu’il utilise si efficacement dans son matériel solo ajoutent encore plus de cette qualité punk/glam à « My Life in Power », les bribes de guitare slide rappelant étrangement l’abandon de la six-cordes de Reeves Gabrels lorsqu’il travaillait avec Bowie. « The Long Black Ribbon of Power » se distingue par ses riffs grinçants et ses rythmes hip-hop sur lesquels le rap hurlant de Connelly est aussi virulent que tout ce qu’il a créé avec Cocksure ou même The Revolting Cocks, les phrases de guitare à hauteur variable accentuant une fois de plus la frénésie sonore au milieu des cris de « You’re all that’s wrong ».

De même, « Flock to the Stop » est tout bonnement accrocheur et demande à l’auditeur de crier avec lui, même si un rythme industriel distordu et une harmonie vocale presque vaudevillesque dans le pont constituent l’un des moments les plus délicieusement fantaisistes de l’album. American Parasite frappe fort et vite comme une blitzkrieg, de nombreuses chansons se terminant en deux ou trois minutes, avant même que vous n’ayez eu la chance de traiter mentalement ce que vous venez d’entendre… et c’est là le but, car la musicalité et la poignance des mots sont telles qu’il faut tout simplement mettre l’album en boucle. On ne peut qu’admirer The Joy Thieves d’avoir ainsi si bien leur pari.

***1/2


Mark Bachmann: « Dream Logic »

7 décembre 2021

Dans un modeste home studio de Brooklyn, Bachmann a enregistré des souvenirs. Des guitares gonflées et des couches de synthétiseurs remplissent la pièce, à la recherche d’une recréation exacte des sentiments ressentis. Avec la rotation d’un bouton, il le trouve enfin.

Dream Logic est son dernier album – un mélange hypnotique de chansons pop ambiantes larmoyantes et d’instrumentaux cinématiques. Ses 11 titres s’étirent et expérimentent avec le genre tout en restant fidèles à un flux naturel. Les fans des deux derniers albums d’Orindal (très différents) de Bachmann – Walking Preference (2019) et Unconditional Love (2018) – apprécieront la façon dont Dream Logic parvient à les développer. Jusqu’à ce disque, il avait soigneusement contenu ses divers styles musicaux dans des collections soignées – enregistrer des chansons sous le nom de « Big Eater », enregistrer de la musique instrumentale orientée jazz snommée « Pachanga », et enregistrer de la musique drone mélodique répétitive sous son propre nom.

Le principe directeur de Dream Logic était d’intégrer ces modalités de création musicale, en permettant à ce qui allait sortir de sortir, sans se soucier de savoir si cela avait un sens. L’album a ainsi été enregistré principalement seul, Bachmann façonnant les sons avec des pédales de guitare ou les fonctions Varispeed de sa console à cassettes, ralentissant ou accélérant les pistes pour obtenir des résultats intéressants. Influencé par les années passées à jouer de la basse et à enregistrer avec Mega Bog, Bachmann a fait appel à un grand nombre de musiciens pour remplir le disque de charmes décoratifs. Kyle Boston (guitare) et Brady Custis (production/guitare) ont aidé à jeter les bases du roux textuel de Dream Logic avant que les Boggers Derek Baron (batterie), Will Murdoch (synthés), James Krivchenia (percussions) et d’autres n’ajoutent leurs épices au chaudron sonore.

Bien que le texte soit clairsemé, Bachmann rend ce qui est dit sur Dream Logic. Ses réflexions tristes et ses images floues de rétroviseur éclairent indirectement certains des moments les plus difficiles de sa vie – en particulier, la perte de son père en 2013, emporté par la maladie de Lou Gehrig. Le single exubérant et lourd en vibraphone « Apple Pie » est un hommage au passe-temps de son père, la pâtisserie, qu’il a continué à pratiquer alors que son esprit commençait à se détériorer ; « My Dad and His Boat » fait référence à une histoire racontée à plusieurs reprises par la grand-mère de Bachmann, qui peut ou non avoir été colorée par sa démence croissante. Chacun de ces souvenirs est présenté comme un fragment d’une association subconsciente, provoquant la tension d’un muscle avant de s’envoler aussi vite qu’il est venu. Ils sont tous suivis d’un espace de réflexion – ou d’évanouissement – comme on le verrait dans un film.

***1/2


Laurel Premo: « Golden Loam »

7 décembre 2021

Nous avons perdu le compte du nombre de merveilleux disques de guitare qu’il y a eu cette année, mais en cette fin 2021, les hits continuent d’arriver. Le plus frappant est l’étendue des styles, des sons et des émotions que les artistes apportent au bercail et Premo ajoute un autre bûcher à la collection avec les racines électriques mondiales de Golden Loam. Premo n’est pas seulement une fantastique guitariste, elle est aussi une violoniste accomplie (regardez cette merveilleuse performance avec Jake Blount) et c’est aussi cet esprit qui imprègne Golden Loam.

Premo a un toucher doux qui transmet un puits de force et de sentiment. Sur ces 10 morceaux, une intimité émerge du brouillard matinal, partagé entre les branches des arbres et les lits des ruisseaux. « On My Way to See Nancy », adapté du violoniste de Virginie occidentale Edden Hammons, son arrangement à la guitare fredonne, suivant les discrets sentiers sinueux à travers les forêts denses, à des millions de kilomètres de toute ville ou village. Le même esprit brûle dans « Jake’s Got a Bellyache » – une autre adaptation d’Edden Hammons – bien que le ciel soit plus sombre et que des feux soient apparus au loin. Premo donne à ces chansons une touche de modernité, même si leur cœur reste sans âge.

Golden Loam comprend également trois chansons originales, mais, comme les chansons originales de Myriam Gendron sur « Ma Délire », les passages de Premo, intemporels comme ils sont, auraient pu être écrites il y a 100 ans. Aidée par le joueur de bones Eric Breton sur « Jericho », Premo parcourt des gammes et des changements d’accords en creusant dans un blues imprégné de terre. Le soufre hurle dans la teinte déformée de sa guitare. « Father Made of River Mud » est plus contemplatif, arraché à des hymnes vieux de plusieurs siècles, car il considère les mouvements lents qui nous entraînent vers le bas.

C’est dans les moments les plus calmes, cependant, que Golden Loam brille le plus. « I Am A Pilgrim », l’une des seules chansons sur lesquelles Premo chante, brille absolument dans sa tendre progression. Cette chanson est un parfait microcosme de ce qui rend Golden Loam si mémorable, car Premo combine plusieurs fils de l’histoire, des hymnes gospel à la musique Sacred Harp ( tradition de musique chorale venue de Nouvelle-Angleterre) en passant par la famille Carter et ses propres ajouts, rassemblant toutes ces souches en un seul faisceau de lumière. La chaleur tourbillonne de la guitare et de la voix de Premo, remplissant l’air de l’odeur familière de la maison et éclairant le chemin vers un endroit sûr. 

« Torbjørn Bjellands Bruremarsj », une marche de mariage norvégienne séduisante, se situe dans un espace similaire à celui de « I Am A Pilgrim » et tend une main indulgente aux personnes fatiguées. Ces doux moments sont empreints de calme, tandis que des émotions solennelles planent avec précaution dans l’air. Premo ne recule jamais devant rien de tout cela, apportant une réalité viscérale à Golden Loam qui enfonce l’album dans le sol et fait germer ainsi une nouvelle croissance.

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Snake Union: « To Whom I’ve Never Met and Only Imagined »

7 décembre 2021

Un nuage sombre nous fait signe dès les premiers instants de la dernière émergence de Snake Union, To Whom I’ve Never Met and Only Imagined. Construit à partir d’enregistrements initialement réalisés en 2019 à l’EMS de Stockholm, les détails granuleux qui vivent dans ces murs de synthèse arrivent par vagues, comme l’électricité qui prend d’assaut les couloirs sinueux du sous-sol. Le duo composé de Chuck Bettis et David Grant se concentre sur cet opus et coupe une ligne de rasoir à travers les ténèbres, ouvrant de nouveaux domaines de possibilités sonores.

Dans ce torrent de détritus électroniques se cache un sens aigu de la progression. Il y a une cohésion dans ces morceaux maintenus ensemble par une propulsion rythmique surprenante et parfois disparate. Qu’elle soit enfouie profondément, comme dans les hurlements métalliques de « Microfauna », ou qu’elle soit vivante sous les projecteurs des dubs minimaux de « Nighttime Guru », elle est la colle. Sur le premier, des drones denses montent et descendent en fouillant le paysage à la recherche de crevasses cachées. Des éclats arpégés se reflètent dans la lueur prismatique d’un monde en feu, la dichotomie de la beauté et de la décadence jonchant chaque arrêt vers l’horizon.

Les éléments parlés de To Whom I’ve Never Met and Only Imagined laissent une trace importante, en particulier la présence de Rachelle Rahme sur « The Fine Grain of Conviction ». Les globules auditifs ondulent dans le ciel de minuit, les tons de basse ondulent sur une surface de verre. La voix de Rahme dégouline de venin. « Quel est ton rôle à l’asile ? Me faire rire » (Just what is your role at the asylum? To make me laugh), ses mots piquent en glissant sur les débris électroniques. Tout se transforme en un spectacle d’horreur hypnotique, un labyrinthe sonore qui ne finit jamais. 

To Whom I’ve Never Met and Only Imagined est un voyage sauvage et vivifiant. Bettis et Grant jonglent avec un large éventail d’éléments pour construire un fantasme futuriste prêt pour l’automne. Les pistes de danse apocalyptiques offrent un répit à l’effroi des explosions sourdes en 4/4 de « Hair by Hair ». Avec l’alto brûlant de Jessica Pavone, les morceaux s’élèvent en un rebondissement rapide dans les profondeurs de l’espace interstellaire. C’est comme être tiré dans le néant et trouver la liberté dans ce vide. Snake Union exploite ce sentiment tout au long de ce nouvel album, se tenant au bord du vide et prenant vie. C’est un album d’enfer.

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Connan Mockasin: « Jassbusters Two »

7 décembre 2021

S’ouvrant sur ce qui rappelle la berceuse obsédante de Rosemary’s Baby se transformant en un hurlement spectral à la Alice Coltrane, Jassbusters Two de Connan Mockasin s’engage immédiatement sur une trajectoire émouvante et drôle. Conçu comme un groupe de professeurs d’école s’unissant pour créer ostensiblement des chansons plus traditionnelles, l’échafaudage entier de cet album vaguement conceptuel est une chute. Mais tout comme les excès ridicules du Carnaval font allusion à une réalité plus profonde de désintégration des contraintes sociales normatives, cette œuvre s’attaque à la nature même de ce que signifie un album.

Dire que cet album fonctionne comme une déconstruction est quelque peu erroné (il y a beaucoup de Faust dans cet album), mais il bouleverse une convention de toutes les manières possibles. Prenez par exemple l’instrumental rhapsodique « K is for Klassical », où après un séjour nocturne de guitares délicates surmontant une basse propulsive venant du centre de la terre, nous obtenons un « ehn ! » grincheux et insatisfait comme seul son vocal et final. C’est comique. C’est aussi, d’une certaine manière, une parodie de démystification. Si l’ensemble du gimmick est un acte, il devient compliqué pour le gimmick lui-même d’attirer l’attention sur son propre artifice.

Nous nous retrouvons ainsi au point de départ, avec un groupe d’instituteurs qui essaient de faire du rock and roll et qui, au lieu de cela, lancent des interrogations cosmiques dans l’éther. Les rires que nous entendons en arrière-plan de « Flipping Poles » est-il une relique authentique du groupe de Mockasin en train de faire quelque chose ensemble, ou bien le rire vient-il de l’intérieur du personnage des instituteurs ? Cette distinction est-elle aussi importante si nous avons tous entendu le rire sur le morceau ?

Jassbusters Two est bien plus que le simple dispositif de cadrage qui le sous-tend. S’enroulant autour de guitares surf, de vocalisations pour la plupart incompréhensibles, de grooves langoureux et de chagrins d’amour gérés de façon fantaisiste, l’album est le son d’une quête de forme. Que la forme ne puisse être donnée que rétrospectivement, une fois que les choses se sont ossifiées dans leurs formes définitives, rendant ainsi la recherche incohérente dans le présent, c’est l’une des meilleures blagues jamais entendues depuis longtemps.

****1/2


Zack Oakley: « Badlands »

7 décembre 2021

Le musicien et producteur « DIY », Zack Oakley, sort ici via Kommune Records son premier disque, Badlands, une expérience complète de heavy rock psychédélique et progressif qui va ramener l’auditeur dans les années 1960.

Oakley écrit et publie son propre mélange unique de musique psychédélique, de rock progressif, de blues et de folk, le tout mélangé avec sa propre touche.

Au cours des dix dernières années environ, Oakley a joué dans des groupes, notamment un groupe nommé Joy (qui a fait une tournée aux États-Unis et a été signé sur Tee Pee Records). Il était également dans un autre groupe de Tee Pee Records, Pharlee, qui a sorti son premier album en 2019.

Sur ce premier opus, le morceau d’ouverture, « Freedom Rock », est un rocker complet. Il mélange définitivement des éléments de rock progressif, de rock psychédélique, de blues et de folk, pour créer un titre qui tue et qui constitue une formidable chanson d’ouverture. On dirait aussi qu’il est un guitariste de talent.

Le début du titre « I’m The One » possède une ouverture qui ne ne peut que nous rappeler quelque chose que Led Zeppelin a écrit. Si vous aimez le rock progressif et le rock psychédélique, vous allez déjà apprécier ce disque. La guitare électrique sur cet album est démesurée et jdonne vraiment l’impressioe nous transporter dans une autre époque. De ce point de vue, c’est un triomphe artistique si vous souhaitez vous imbiber dans ce type de musique.

« Desert Shack » est une composition très cool, parfaite pour une playlist de fumigènes ou pour se détendre avec des amis, tandis que « Fever » excellera par sa parfaite instrumentation de guitare.

Sur « Looking High Searching Low », Oakley puisera dans ses racines folkloriques pour créer un excellent morceau de folk roots. Sur la dernière piste est le titre de l’album, qui réunit un mélange de rock psychédélique, de blues et de rock, Il commence lentement, mais monte progressivement en puissance pour devenir un excellent morceau, avec un grand mélange de genres différents.

Dans l’ensemble, cet album est superbe dans le style précité. Les chansons sont uniques, les paroles sont introspectives et racontent des histoires, et la musicalité est fantastique.

***1/2


Enrico Coniglio: « Alpine Variations »

7 décembre 2021

Sur Alpine Variations, le compositeur, guitariste et « field recorder » vénitien Enrico Coniglio se dirige vers une apogée ambiante. Le sommet de la montagne scintille de loin, révélant lentement sa beauté cristalline à mesure qu’il s’en approche. Sur ce disque étonnamment sublime, la musique ambiante de Coniglio parvient à dissiper les derniers nuages pour découvrir un spectacle majestueux. L’ascension est longue, mais le voyage en vaut clairement la peine.

L’euphorie d’atteindre le sommet, la victoire qui vient avec la conquête, est contenue dans ses vapeurs d’ambient. En plus de cela, il y a un incroyable sens de l’échelle, ainsi qu’un profond respect pour la montagne. C’est aussi un rappel brutal de la mortalité de chacun.

L’atmosphère et l’environnement sont placés comme un drapeau à l’extrémité de la musique, qui devient de plus en plus glacée et givrée, et ses harmonies ternes et luisantes produisent une lumière lambda.

Coniglio avance depuis des années sur ces chemins musicaux, en explorant les sons de la Terre et en transcrivant leurs vibrations ; le soin apporté à la musique, ainsi que le souci du détail, transparaissent immédiatement. Il est clair qu’il a un amour pour les montagnes. Bien qu’elles soient imposantes, qu’elles dominent le paysage et qu’elles fendent le ciel, la musique est plus proche de l’admiration que de la peur, bien qu’il y ait une bonne dose de celle-ci. Chaque morceau se rapproche du sommet, l’ascension étant marquée par des étapes, comme des points de contrôle le long du chemin, et la musique construit sans cesse sur ses fondations, bien que ses pas disparaissent rapidement dans la neige.

Des textures denses et de minces vents ambiants sifflent le long de la montagne, qui évoque un voyage spirituel et mental autant que physique. L’endurance est essentielle si l’on souhaite atteindre la pointe du pic, et il y a quelque chose comme un combat intérieur, une poussée pour continuer, pour ne jamais abandonner, enfermé dans les textures ambiantes. Les mouvements continuels de la glace et le tonnerre d’une avalanche lointaine nous rappellent le danger permanent. Comme la montagne elle-même, c’est une musique à couper le souffle, aussi apaisante que spectaculaire.

****


Xeno & Oaklander: « Vi/deo »

7 décembre 2021

Sur leur dernier album, le duo synth-pop Xeno & Oaklander ne parle que de couleurs. La description de Vi/deo sur Bandcamp cite la synesthésie comme force motrice de sa création et fait référence à la « fantaisie technicolor », aux « lumières vacillantes de la ville » et au « son comme couleur ».

Le projet s’inscrit dans la continuité de l’esthétique du duo, avec ses lignes de synthé cristallines et d’autres sons puisés dans l’univers de la musique électronique DIY. Mais ils sonnent un peu moins minimal sur cette sortie que ce à quoi les téléspectateurs pourraient être habitués, une impulsion qu’ils ont probablement reportée de Hypno en 2019. Ces morceaux sont denses et parfois cinématiques – l’ouverture, « Infinite Sadness », en est un bon exemple avec ses percussions superposées et ses harmonies chorales, tout comme l’ornemental « Afar ». 

Pour l’essentiel, Xeno & Oaklander réalisent leur vision du « son comme couleur » avec ces arrangements complexes et ces textures brillantes. L’album a un éclat rose vif, un effet qui est renforcé par la pompe glamour et la confiance en soi de la voix de Liz Wendelbo. Pour faire une comparaison qu’elle pourrait apprécier, étant à la fois parfumeur et musicienne, c’est un peu comme le poison de Dior, c’est à la fois enivrant, d’une douceur délétère et d’une gaudriole éhontée.

Vi/deo est coloré, d’accord, alors félicitez Xeno & Oaklander pour cela. Mais le diable est dans les détails, car l’album n’évoque qu’une seule couleur au cours de ses huit morceaux. A l’exception de quelques morceaux, l’album est tout simplement trop homogène. Les mêmes textures sont répétées ad nauseam, et il y a rarement une mélodie ou un groove assez prononcé pour aider à distinguer un morceau d’un autre, ce qui rend l’écoute assez peu mémorable. 

Il suffit de jeter un coup d’œil à la séquence de trois titres « Poison », « Afar » et « Technicolor ». Le rythme disco sur « Poison » offre une touche agréable, mais à part cela, ces trois chansons consécutives sont presque identiques textuellement, suivant la même formule de boîtes à rythmes percutantes, de synthés vifs et de voix éthérées. Cela ne prend pas beaucoup de temps pour perdre son attrait, et il est troublant qu’un album aussi court que celui-ci (30 minutes) commence rapidement à traîner. On peut faire beaucoup de choses avec un combo synthétiseur/batteur bon marché, mais Xeno & Oaklander semblent s’acharner à utiliser leurs instruments pour produire les mêmes sons encore et encore. 

Il y a tout de même quelques morceaux à retenir, comme « Infinite Sadness », qui a un côté glitchy, grâce à ses percussions disjointes, ses crachotements et ses lignes de synthétiseurs. Il a également une solide accroche vocale, tout comme le chantant « Television » et le flamboyant « Movie Star ». En fait, ces deux dernières sont à égalité pour la meilleure chanson de l’album, rien que pour la force de ces accroches vocales. Sur le plan textuel, elles souffrent des mêmes problèmes d’homogénéité que les autres morceaux, mais elles ont suffisamment de qualités d’écriture pour s’en sortir.

Vi/deo a ses moments, et dans l’ensemble, ce n’est pas un mauvais album – il est juste oubliable, avec un lot invariable de textures et un manque d’accroches pour compenser. En conséquence, la tentative de Xeno & Oaklander de créer une fantaisie en technicolor » ressemble plus à une fantaisie unicolore.

**1/2


The Circular Ruins & Mystified: « Fantastic Journey »

7 décembre 2021

Il est étrange de penser que Fantastic Journey de The Circular Ruin And Mystified a été enregistré et publié pour la première fois il y a près de dix ans, avant cette nouvelle édition augmentée offerte par Cold Spring Records.

Avec un concept dérivé des classiques de la science-fiction et de la fantasy, on pourrait s’attendre à ce que Fantastic Journey soit dans la veine de certains synthétiseurs plus récents, centrés sur les années 70/80, qui pourraient rappeler la bibliothèque télévisuelle ou la musique de scène de l’époque, ou peut-être même un voyage dans les extrémités plus cosmiques de la musique électronique.

Bien qu’il y ait de vagues nuances des deux du fait de l’instrumentation responsable de ces sons, le résultat est plus hanté que hantologique, se rapprochant plus, via les drones vitreux d’un morceau comme « The World Beneath », de l’ambient (sombre) que de l’abus de Moog rétro. Ce morceau en particulier est à la fois spectral et troublant, la musique de fond d’une exploration à la torche d’un labyrinthe souterrain évoqué dans le titre.

Des enregistrements sur le terrain, des synthétiseurs cristallins et de subtiles interjections bruitistes et électroniques gonflent et descendent progressivement tout au long de l’album. L’ensemble donne une impression presque gazeuse, comme un nuage musical qui vous entraîne progressivement et vous fait passer à nouveau. « Beyond The Farthest Star » sonne comme son titre l’indique, le morceau commençant par un excellent exemple de flottement textural avant d’atteindre un plateau de tons de synthétiseurs bouillonnants, mais étrangement jolis, qui vacillent les uns autour des autres.

Chaque morceau a un flux qui suggère le mouvement, l’arc du vaisseau sous-marin de Verne, les grains à la dérive de la surface du paysage martien de Rice Burrough. La subtilité exercée par Anthony Paul Kerby (The Circular Ruins) et Thomas Park (Mystified) est magistrale. Elle sert à suggérer des images mentales à l’auditeur, plutôt qu’à l’immerger totalement, à fournir une bande sonore permettant à l’imagination de construire ses propres scénarios, auxquels Fantastic Journey apporte un complément, plutôt qu’un schéma.

En même temps, le Voyage Fantastique ne se résume pas à une simple atmosphère. Mysterious Island est peut-être le « tube », faute d’une meilleure expression, la séquence mélodique la plus accessible ici, et il n’est pas difficile de l’imaginer accompagnant un documentaire sur la nature ou les voyages. Les treize premières minutes de « Twenty Thousand Leagues « s’ouvrent sur un enregistrement de terrain presque New Age et sur des accords harmonieux et respirants. Ces deux éléments équilibrent et complètent les moments plus galactiques de l’album.

C’est une œuvre fraîche et spacieuse qui mérite une écoute attentive. Il est intéressant que l’album puisse prendre l’influence de géants de la littérature et les traduire en quelque chose de plus unique et ambigu. Loin d’être une série de traductions musicales littérales du matériel source, les interprétations laissent beaucoup de place pour vous permettre d’entamer un voyage vers des mondes de votre propre conception.

***1/2


LP: « Churches »

6 décembre 2021

La beauté de la pop est qu’elle peut être expansive et malléable. La musique et les paroles peuvent être poussées dans diverses directions, émulant des instruments et des styles d’écriture d’une infinité d’autres genres, mais retombant ensuite vers un son accessible et agréable pour la plupart. C’est exactement ce que LP exécute dans ses incursions dans la musique pop sur Churches, leur sixième album studio et le premier après Heart to Mouth en 2018. Ils emploient divers synthétiseurs, des tambours, des bruits ambiants et même un peu de chaos pour faire un disque pop imprégné d’éléments de rock, de country et de musique alternative. C’est une entreprise ambitieuse, mais qui s’avère toujours payante.

L’auteure-compositrice-interprète (née Laura Pergolizzi) – qui a écrit pour des artistes comme Rihanna et Leona Lewis – est peut-être plus connue à l’échelle internationale pour le « single » « Lost on You » de 2015, qui a bien marché en Europe. Bien qu’il ait joué un rôle important dans les coulisses, Churches est un album entièrement consacré à LP. Il est mûr avec les insécurités et l’expérimentation, un étalage de lyrisme et de capacité de ceinture.

« Everybody’s Falling in Love » commence par un morceau de pop facile à interpréter, sur des airs de Christine and The Queens. « Bois-moi comme le vin le moins cher/ Et disparais en un jour/ Je ne cherche pas à gagner » (Drink me like the cheapest wine/ And disappear in a day/ I’m not going for the win), chante LP sur un rythme de synthétiseur mid-tempo. La chanson se balance à basse altitude pendant les couplets avant que le rythme ne s’accélère pour chacun des refrains groovy.

LP dérive ensuite vers le territoire que ne renierait pas Miley Cyrus, et bien que cela ne soit pas perceptible au premier abord, cela se ressent dans leur son, leur énergie et leur dextérité vocale. Miley Cyrus est passée maître dans l’art de chanter en tant que pop star réelle et fictive et a enregistré des albums qui couvrent les styles country, pop, punk rock, R&B et psychédélique. Beaucoup de ces genres sont repris par LP dans le seul nouvel album.

Les styles country sont intercalés sur « My Body » avec un début entraînant, accompagné de cris, de hurlements et de claquements de mains. La chanson est émouvante parce que LP utilise l’écriture pour réclamer la propriété des défauts de son corps : « En ce qui concerne les syndromes, Stockholm est plutôt charmant »(as syndromes go, Stockholm is kinda lovely,) et pour respecter son identité non-binaire. Même si elles se sentent seules après que leur amant les ait quittées, qu’il en soit ainsi. « J’ai envie de repartir à zéro, de passer du punk rock à la bossa nova, de changer de style et peut-être de me laisser aller à la folie, de commencer à faire plus attention à moi », chante LP.

«  Yes » suit la même veine ; un refrain à la guitare acoustique qui se transforme en un refrain belliqueux. Cyrus et sa voix rauque influencée par la country pourraient s’en emparer, mais ce qui est intéressant, c’est que Céline Dion, qui a déjà enregistré les chansons de LP, pourrait aussi le faire. La version de LP de « Yes » sonne bien, mais la chanson est définitivement ambidextre et avec le style de Dion, elle pourrait devenir une ballade envolée pleine d’anecdotes inspirantes.

On trouve aussi « How Low Can You Go ? » qui est un morceau poppy et optimiste tout au long de l’album. Elle commence par un début très descriptif : « La dernière fois que je t’ai vu/ On a pris de la coke dans un placard/ Au Château Marmot/ On était heureux et à fond » ( Last time I saw you/ We did coke in a closet/ At the Chateau Marmot/ We were happy and on it). Sur « Rainbow », une guitare acoustique calme mène la chanson alors que LP chante l’apprentissage de voir la lumière du jour entre les pierres qui leur sont lancées. « Est-ce que ça vaut la peine de survivre juste pour voir un arc-en-ciel » (Is it worth surviving just to see a rainbow), chantent-ils de façon étrange.

Churches s’achève avec « Poem » » qui n’est rien d’autre que cela. En seulement 75 secondes, ils parviennent à trouver du réconfort, à revendiquer enfin leur corps, à se sentir en sécurité avec le prix au bout de l’arc-en-ciel. « Tu es mon église/ Et cela commence quand on se touche » (You are my church/ And it begins when we touch), dit LP dans les dernières lignes de l’album.

Au cours d’un mois dominé par la musique avec des cloches qui tintent et des antidotes chaleureux sur les cheminées, Churches de LP pourrait offrir le morceau le plus frais et le plus original de nouvelle perspective que nous trouverons. LP a créé un album qui défie les étiquettes prescrites. Prenez le temps de le découvrir.

***1/2