Emma Swift: « Blonde On The Tracks »

Les chansons de Bob Dylan ont été reprises par des artistes allant d’Adele à Ziggy Marley, des professionnels et des semi-professionnels et même des amateurs purs et durs ont tous eu un coup de coeur pour lui. Peu d’entre eux, cependant, ont eu le courage comme Emma Swift – une auteur-compositrice australienne qui vit à Nashville avec le musicien culte britannique Robyn Hitchcock – de consacrer des albums complets pour relever le défi de front.

La voix de Dylan, autrefois comparée à « du sable et de la colle », pourrait donner lieu à bien de lectures et, bien que beaucoup de ses comôsitions aient été chantées dans de belles tonalités mélodiques, peu de gens ont égalé son émotion et sa passion en livrant ses chansons poétiques lyriques. Il nous faut, toutefois, dire qu’Emma Swift verse beaucoup de sa personne dans chacune de ses interprétations.

Elle reprend de nombreuses chansons familières : « Queen Jane Approximately », « Sad-Eyed Lady of the Lowlands », « One of Us Must Know », « Simple Twist Of Fate », « You’re A Big Girl Now » et « The Man In Me » mais évite judicieusement les standards plus évidents de Dylan. Swift nous instruit également sur cet album en s’attaquant à une chanson moins connue dans « Going Going Gone ».

Plus courageusement encore, elle reprend et enregistre un morceau qui n’est sorti qu’en 2020, « I Contain Multitudes ». De ce dernier, Emma dit : « Pour moi, cette chanson, sortie par Dylan il y a tout juste deux mois, est devenue une obsession, un mantra, une prière. » Nul ne devrait recommencer à décortiquer le sens de chacun de ces morceaux. De nombreux commentateurs de Dylan, plus qualifiés, ont rempli des volumes analysant son imagerie poétique mais la façon dont Swift interprète ces chansons indique la place particulière dans ses pensées que chacune de ces chansons a pour elle. On pourrait même dire qu’avec touts les titres qu’elle a choisis, chacun d’entre eux a une place déchirante dans sa vie et elle les interprète avec clarté, douceur et honnêteté.

Elle a clairement écouté de nombreuses autres chanteuses qui ont interprété les chansons de Dylan qui leur plaisaient ; Sandy Denny et Joan Baez lui viennent à l’esprit. Emma Swift end à juste titre hommage à ces artistes et les a imitées sans chercher à les imiter. On ne saurait non plus ainsi donner un titre plus intelligent que ce Blonde On The Tracks, qui reconnaît les deux albums d’où proviennent beaucoup de ces chansons.

Sous la houlette du producteur Patrick Sansome, son chant plein d’âme et de tristesse est accompagné de la guitare Rickenbacker et de la steel guitar, avec la participation des stalwarts de Nashville et Dylan, Robyn Hitchcock, Patrick Sansone, Thayer Serrano, Jon Estes et Jon Radford. Non seulement elle « réimage » les chansons de Dylan, mais elle enregistre aussi sur ses traces aux Magnetic Sound Studios.

Emma Swift affirme que la musique de Dylan lui a donné « une raison de se réveiller ». Ne reste plus qu’à espérer à notre tour que cet album de reprises donne grâce au talent de cette vocaliste inspirée qu’est Emma Swift.

***1/2

Ren Harvieu : « Revel In The Drama »

Aussi étonnant que cela puisse paraître, c’est il y a bien plus de dix ans que l’artiste MySpace est devenu un phénomène. Premier outil de réseau social à s’être réellement emparé de l’imaginaire populaire, il a été à l’origine de l’ascension de Lily Allen, Kate Nash et, plus célèbre encore, des Arctic Monkeys. Pour la première fois, les artistes pouvaient contourner les moyens traditionnels de promotion de leur musique, et la télécharger directement pour les fans.

Ren Harvieu était l’une de ces artistes, qui a téléchargé des démos sur MySpace, qui ont ensuite été découvertes par Jimmy Hogarth, connu pour avoir géré des artistes comme Amy Winehouse et Duffy. Hogarth est devenu son manager, elle a été listée dans le sondage BBC Sound of 2012, et elle a commencé à enregistrer un album. Et c’est à ce moment que tout a commencé à aller horriblement mal.

Avant la sortie de son premier album, Through The Night, Harvieu lui a cassé le dos dans un accident. Cela a évidemment affecté la promotion du disque, elle a dû annuler sa place convoitée à Glastonbury, et finalement son contrat avec Island Records a été résilié. Depuis lors, à part quelques places d’invités avec des artistes comme Ed Harcourt, tout a été très calme pour Harvieu.

Jusqu’à présent, en tout cas. Huit ans après ce premier album, nous avons la suite Revel In The Drama. On a le sentiment que son nouveau label, Bella Union, lui convient beaucoup mieux, et elle a également un nouveau partenaire créatif en la personne de Romeo Stodart de The Magic Numbers. Stoddart a manifestement apporté une nouvelle facette plus expérimentale à Harvieu, puisque Revel In The Drama est beaucoup plus riche en écoute que Through The Night.

Car, aussi bon que puisse être ce dernier, c’est là que l’on a vraiment l’impression de savoir où se situe Harvieu en tant qu’artiste. Il est difficile de la comparer à qui que ce soit et de la cataloguer – parfois, elle se lance à fond dans la pop baroque avec « Cruel Disguise », la minute suivante, elle s’enfonce dans « Yes Please », une ballade jazzy qui se déploie magnifiquement au cours de ses cinq minutes et demie.

Le premier morceau « Strange Things », qui s’ouvre sur une introduction jazzy au piano, est bientôt agrémenté des luxuriants arrangements de cordes de Stodart et de riffs de guitare occasionnels. Il y a certainement beaucoup de choses à apprécier pour les fans de Magic Numbers – la même confiance langoureuse se retrouve sur beaucoup de ces morceaux, mais c’est la voix d’Harvieu qui les élève à un autre niveau.

En effet, bien qu’elle ne soit pas une chanteuse voyante dans le moule de Winehouse, il y a une chaleur et une vulnérabilité dans la voix d’Harvieu qui empêche les cordes de Stodart de dominer les procédures. Au premier abord, écoutez « Curves And Swerves », une ballade standard, mais l’avantage de la voix d’Harvieu vous incite à prêter plus d’attention aux paroles, qui semblent parler du fait de se lancer dans de nouvelles relations après une blessure importante – « si j’enlève mes vêtements dans le noir, est-ce que vous rirez encore… peut-être que je ne veux pas montrer, qu’est-ce que vous croyez manquer » (if I take off my clothes in the dark, will you still be laughing…maybe I don’t want to show, what do you think you’re missing).

Regina Spektor a fait un clin d’œil à la ballade orchestrale « Spirit Me Away », tandis que des artistes comme Nadine Shah semblent avoir une influence sur le titre « Cruel Disguise ». Les 12 titres de l’album sont peut-être un peu plus riches, mais le dernier titre, « My Body She Is Alive », est une fin édifiante qui célèbre le dépassement de l’adversité – une fin appropriée à un disque qui est, en fin de compte, un appel aux armes non seulement pour se réjouir du drame, mais aussi pour le célébrer et, à l’image du titre, se complaire dans la dramaturgie.

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Biffy Clyro : « A Celebration Of Endings »

 Les titans du rock alternatif que sont Biffy Clyro se démarquent avec la confiance d’un groupe en perpétuelle forme, et qui s’efforce de se surpasser. Ne trouvant aucun confort dans la sécurité et alors qu’ils lancent leur neuvième album studio, A Celebration of Endings, avec un son qui reste solidement reconnaissable comme leur étant propre , tout en étant propulsé vers de nouveaux sommets d’expérimentation et d’ambition au milieu d’une génération de certains critiques qui semblent décidés à enfoncer le clou dans le cercueil de la « guitar music ». Avec cet opus, le combo montre, a contrario, qu’elle n’est pas seulement vivante et bien portante, elle qu’elle est aussi sacrément florissante.

Les refrains hymniques abondent, enrobés de riffs de guitare fulgurants et de l’énergie viscérale d’un groupe qui a longtemps gravi les scènes des plus grands stades du monde, leur dernier disque est un spectacle spectaculaire par nature. Les rythmes de guitares déchirants et les chants de chorale éclatants du titre d’ouverture « North of No South » sont les bienvenus sur ce disque qui est à la limite de l’émotion. Avec son refrain interrogatif « Can you feel it « « , Simon Neil est à la tête d’un groupe qui continue à consolider sa place parmi les grands d’Écosse et, sans aucun doute, l’un des meilleurs groupes de rock écossais de la planète.

Avec sa nouvelle formation, le trio traverse une incroyable diversité sonore. Le point culminant de l’album, « Weird Leisure », est plus sauvage que la vision habituelle du rock de Biffy Clyro, brossant le tableau d’une frustration accablante dans sa course à l’urgence, centrée sur une prise de plaisir granuleuse sous toutes ses formes – de l’amour à l’obscénité en excès. En revanche, la magnifique ballade pour piano « The Champ » raconte l’histoire amère de la fin d’une relation, placée au cœur d’une dispute qui s’écrase sur une basse propulsée par la colère. Alors que la pièce maîtresse « Space » flotte, trempée dans la douceur d’un piano, la piste rougeoyante d’une romance sans espoir évoque des images de briquets vacillants au loin dans des arènes, ornant le disque d’élégants crescendos orchestrales qui s’envolent. Avec l’accalmie écossaise caractéristique de Neil qui parcourt l’album, la capacité du groupe à passer sans effort de chansons rock énergiques et grunge à des chansons douces et poignantes est quelque chose qu’il faut admirer de tout cœur.

Alors que A Celebration of Endings s’approche à grands pas de ses 6 minutes d’expérimentation chaotique, il est évident que le groupe est loin d’avoir terminé. Enrichis d’idées nouvelles et confiants dans leurs propres absurdités, le combo, avec « Cop Syrup », s’articulera autour d’un orchestre cinématographique qui s’élève glorieusement. Se désenclavant de leur sensibilité alt-rock habituelle avec un effort vocal hurlant et gémissant qui semble plus adapté à un groupe de hardcore des années 90, le titre accentue la dérive avec des cordes aiguës juxtaposées à une folie quasi carnavalesque. Propulsé dans un désarroi frénétique, l’album se termine par ce qui est sans aucun doute une célébration joyeuse et sincère du passé, et un saut dans l’avenir tout à fait sûr de soi.

***1/2

Glass Animals: « Dreamland »

Dreamland, le nouvel opus de Glass Animals brouille la frontière entre le rêve et la réalité, en se faufilant dans le journal de la vie du frontman Dave Bayley. L’album répertorie les relations, les observations et les douleurs de croissance de l’auteur-compositeur-interprète avec une attention colorée et typiquement ressentie envers les sens. En tant que tel, il est plus personnel que les deux précédents albums du groupe, mais cela signifie aussi qu’il sacrifie l’alignement kaléidoscopique des sentiments et de l’imagination qui a contribué à rendre ces albums si distincts. C’est donc un peu un compromis, car le changement de sujet permet à Glass Animals de trouver une nouvelle direction, mais leur mode précédent de construction du monde était, d’une certaine manière, plus satisfaisant.

Le premier album du groupe, Zaba, sorti en 2014, semble avoir été envoyé d’une autre planète, avec des paroles remplies d’images bizarres accompagnées d’instruments vaguement exotiques et gorgés d’eau et de chants d’oiseaux lointains, tandis que How to Be a Human Being, sorti en 2016, est un recueil de chansons ludiques et littéraires sur un groupe de personnages de fiction. Dreamland fait toujours place à des paroles et des sonorités évocatrices et sensorielles qui frôlent le cinéma, mettant en avant le sens du toucher physique (ce dernier mot est utilisé à plusieurs reprises tout au long du film), mais il consacre également beaucoup de temps aux objets banals de la banque de souvenirs personnels de Bayley – Grand Theft Auto, les hôtels avec des peintures de piscine sur le mur » Scooby-Doo, The Price Is Right – à l’effet moyen. Et ses expressions de convoitise pour divers amoureux alternent entre le rebattu : « Parfois, je ne pense qu’à toi/Les nuits de la mi-juin » ( Sometimes all I think about is you/Late nights in the middle of June) est répété ad nauseam sur « Heat Wave » avec le le non-sens : « u as le goût des vidéos de surf » (You taste like surfing videos), sur « Waterfalls Coming Out Your Mouth ».

Tout au long de Dreamland, Bayley restera fixé sur les évasions charnelles qui rendent la réalité supportable, comme le sexe et la drogue, et la fugacité de ces plaisirs, que Glass Animals explore avec une sagesse éclairée. Les chansons du groupe sont à la limite entre la disséquation de ces mécanismes d’adaptation et l’offre d’une évasion propre :leurs touches rebondissantes, leurs mélodies irrépressibles et la voix malléable de Bayley sont enivrantes en elles-mêmes, ce qui contredit le fait que ces chansons sont parfaitement conscientes du caractère éphémère de leurs plaisirs.

Le titre-phare, « Your Love (Déjà Vu) » résume parfaitement ce fil conducteur, associant flûte virevoltante et synthétiseurs en forme de cor, avec des paroles telles que « I know you want one more night/And I’m backsliding/Into this just one more time » (Je sais que tu veux une nuit de plus / Et je recule / Ce sera simplement une fois de plus). La relation décrite dans la chanson est une solution temporaire dont la puissance décroissante est transmise par Glass Animals de telle manière qu’elle suggère que le temps s’écoule et qu’ils en tirent le meilleur parti possible.

Alors que Dreamland pivote du rock indie poli à l’électro-pop au hip-hop, il met largement à l’écart la guitare de Drew MacFarlane, qui n’est que le devant et le centre de la face B autoproclamée « Melon and the Coconut ». Des instuments de musique électronique 808 et des hi-hats dominent des chansons comme « Space Ghost Coast to Coast » et « Heat Wave », remplaçant la batterie, les marimbas et les percussions inspirées de la matière première du groupe, et c’est étonnamment rafraîchissant. « Tangerin » » incorpore un rythme staccato qui sonne presque identique à celui de « Hotline Bling » de Drake, tandis que Dr. Dre est nommé sur « Space Ghost Coast to Coast », une référence de la côte ouest que Glass Animals double en demandant à Derek Ali, du Top Dawg, de mixer le morceau.

Comme How to Be a Human Being, Dreamland se déplace sur un terrain plus vulnérable à la fin, mais la dernière série d’hymnes émotionnels de l’album précédent, dont « Poplar St » et « Agnes », de manière à compléter un arc émotionnel bien équilibré. Ici, des chansons comme « It’s All So Incredibly Loud » et « Domestic Bliss » »- qui se concentrent respectivement sur le point de rupture d’une relation et sur une femme victime de violence domestique – font un usage morne de sections de cordes enflantes, sapant ce qui devrait être le point d’appui tragique de l’album. Au lieu de cela, les meilleurs moments de Dreamland sont propulsés par des boîtes à rythmes bien huilées et la confiance de Bayley en tant que frontman. Son retour en arrière n’est pas sans humour et perspicacité, mais le fait d’écrire sur d’autres personnes sur les albums précédents a permis une expérience plus enveloppante, en étoffant des lieux imaginaires et des personnes avec une intrigue qui, ici, saura marquer l’auditeur.

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Luke Jenner: « 1 »

Le premier album solo de Luke Jenner, le leader de Rapture, s’éloigne de la dance-punk pour un voyage autobiographique onirique et stylistiquement diversifié à travers les traumatismes de l’enfance. 1 recontextualise et déstigmatise des thèmes extraordinairement compliqués (violence, abus, addiction et abandon) dans une série de paysages sonores étonnamment brillants, souvent de couleur pastel. 

Du début de l’album « A Wonderful Experience » », influencé par Pink Floyd, jusqu’aux derniers moments de l’album About to Explode, plus proche et plus chatoyant, cet opus est parsemé de bribes d’enregistrements de voix de la famille et des amis de Jenner. Ces échantillons recentrent constamment l’attention de l’auditeur et fournissent une sorte de méta-commentaire/superstructure transitoire qui propulse l’album vers l’avant. 

Les fans de The Rapture devraient immédiatement écouter « If There is a God » et la jam de 10 minutes nommée « All My Love », deux chansons qui traitent directement de la foi et de la résilience et qui semblent s’inspirer de certains morceaux de 2011 du disque de The Rapture, In the Grace of Your Love. Mais le véritable centre émotionnel de 1 est le « single » principal « You’re Not Alone », une ballade sérieuse et sobre au piano qui rassure, soutient et encourage à survivre.

***1/2

Arms And Sleepers: « Memory Loops »

Tout au long de leur carrière musicale de plus d’une décennie, le duo électronique américain Arms and Sleepers, composé de Mirza Ramic et Max Lewis, s’est transformé au fil des ans en un captivant métamorphe sonore ; des artistes en constante évolution, avec une volonté d’explorer les multiples facettes des genres dans le domaine de la musique électronique.

Ils sont connus pour leur traversée des territoires électroniques : des morceaux de trip-hop brillants d’un minimalisme amoureux – qui parviennent toujours à mettre en valeur les subtilités de leurs techniques de production – aux luxuriants mélanges d’ambiances introspectives, les influences de genres multiples se manifestant dans un design sonore conceptuel soigneusement tissé dans lequel on peut se perdre. Arms and Sleepers présente aux auditeurs de nouvelles idées, de nouveaux thèmes et de nouvelles expériences à chaque sortie, et dans leur dernier album – le troisième volet d’une série de six, nous sommes présentés avec Memory Loops

D’une durée de 65 minutes, avec des titres dont les noms ne sont volontairement pas contextuels, le duo revient à ses racines cinématographiques post-classiques et ambiantes, l’album étant davantage conçu comme une expérience de réflexion et de méditation.

Memory Loops. est davantage axé sur un voyage d’auto-réflexion, un album qui offre des moments de calme afin de traiter leurs pensées et leurs expériences plutôt que de les distraire. À une époque où l’on peut dire que beaucoup d’entre nous se sentent plus dépassés que jamais, l’approche thérapeutique de Memory Loops est une surprise bienvenue.

En raison de la nature de cet album en particulier et du concept qui le sous-tend, il ne serait ni exact ni approprié dans ce contexte d’isoler des morceaux spécifiques et d’en parler séparément. 

En parlant de l’album dans son ensemble, l’expérience d’écoute donne l’impression d’avancer tranquillement, peut-être même prudemment, dans un rêve lucide ; un processus dans lequel, dans l’atmosphère de chaque morceau, nous sommes capables de regarder en profondeur ce qui nous entoure à travers le domaine cinématographique que le duo a créé.

Une aura de méditation transcendantale court tout au long de l’album et il est évident que Arms and Sleepers ont atteint leur but avec Memory Loops. Soudain, tout comme on remarquerait et commenterait l’utilisation des instruments et des textures délicates utilisés pour sculpter les pistes hautement atmosphériques, on commence à remarquer la complexité de leurs propres pensées. C’est une expérience éthérée à laquelle il faut fermer les yeux et se perdre – avec des touches étoilées et vacillantes qui ponctuent le flux et le reflux des synthés imprégnés de réverbération ; l’utilisation d’échantillons naturels, tels que les vagues qui caressent le rivage et les oiseaux qui gazouillent joyeusement au loin – même la statique familière d’une vieille radio, qui marmonne depuis une autre pièce.

L’accent que Arms and Sleepers a mis sur la nature profondément atmosphérique de chaque morceau convient à une partition, mais sans contexte, car les changements de tonalité – qu’il s’agisse de mélancolie, de nostalgie, d’un sentiment de chaleur ou de gentillesse – façonnent un récit ouvert, qui est plus que susceptible d’affecter chaque auditeur d’une manière différente et profondément personnelle.

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Dmitry Evgrafov: « Surrender »

De retour avec son nouvel album Surrender, Dmitry Evgrafov élargit sa palette musicale et la rend plus obscure que jamais. Ce quatrième opus à ce jour prend le piège initial d’un piano – ou plutôt d’un piano préparé – et le place aux côtés de toutes sortes de synthés, d’échantillons sonores, de batteries et d’un orchestre à cordes de huit musiciens. La beauté est dans le voyage et Evgrafov parcourt le terrain à toute allure en faisant de grands sauts entre les morceaux.

« Splinter » ouvre l’album en plaçant le piano dans une sorte d’arpège modulé. Il tourne et se contorsionne de manière belle et élégante avant que les tambours, le glockenspiel et les cordes n’entrent en scène. Il sonne plus proche d’une composition de GoGo Penguin ou de Glass Museum que du classique contemporain par moments et il est somptueux. Cette élégance se transforme en une précision froide et glaciale avec le « Sparkle » au goût russe. Ce sont les mêmes instruments, mais avec un rendu plus militant et flamboyant, avec quelques changements d’accords intelligents pour lui donner un aspect curieux. Après le « Whirl », doux et chaleureux, nous entrons dans le monde des synthés fous.

« Context » est une pièce expérimentale exaspérante qui consiste à étirer des notes de basse sur des rafales de bruit électronique et des batteries coupées. On a l’impression que l’espace et le temps s’effondrent sur eux-mêmes, et c’est à la fois cinématographique et évocateur. Cette compositionns’inscrit dans le sinistre « Anthropocène » qui fait ressortir des bourdons de science-fiction chorale à la fois de la voix et du synthé. Une fois que la chanson s’est remise en place, elle passe à un environnement sonore de synthétiseur cyberpunk techno-noir avant de revenir dans son cadre choral effrayant. Cela peut sembler bizarre, mais c’est tout à fait logique, car le piano préparé et doux revient pour absorber les drones.

« Stymie » change à nouveau de vitesse en jouant avec des instruments asiatiques et en les laissant se tordre d’avant en arrière. Des crachats de vinyle et des fréquences radio s’éparpillent derrière lui, tandis que des pianos électriques effrayants canalisent les boîtes à musique en faisant résonner de minuscules notes. Puis, à l’occasion, comme un ruban adhésif qui se mordille, la piste s’accélère comme un glissando de harpe et revient ensuite. Il est tout à fait captivant de voir à quel point il est effrayant et beau. « Humble in Heart » remplacera les instruments par du piano et des samples vocaux hachés pour donner une impression similaire mais plus triste. Ensuite, les cordes et les marimba’s se succèdent pour créer un final euphorique mais toujours curieux qui vous soulève.

Le dernier tiers du disque se transformera en des morceaux beaucoup plus mélancoliques et tranquilles. « Rural Song » évoquera le Japon rural avec ses cordes brillantes et les microphones rapprochés de « N.510 » vous permettront d’entendre le velours du piano dans toute sa gloire. « Endless » est une ondulation apaisante de piano, de xylophone, de cordes, de harpe et de synthétiseurs. Ce n’est pas tout à fait un bourdon mais pas tout à fait un air non plus, il sonne vraiment comme son nom. Sa nature épique et discrète est magnifique et vous pourriez l’associer à des images du règne animal et de la nature pour en faire un documentaire puissant. Dans le même ordre d’idées, « Serene Air » est léger et rappelera la bande-son fantastique du jeu The Gardens Between, qui a la même qualité nostalgique et fantaisiste. » Far and Close » est un morceau de piano à queue méditatif où les notes graves sont jouées à distance et les notes singulières d’octave supérieure sont jouées plus près de l’oreille.

Dmitry Evgrafov a créé Surrender de plusieurs façons différentes. La première partie de l’album vous demande de vous abandonner à la beauté et à l’émerveillement de tout cela. La partie centrale est plutôt une reddition menaçante. Le dernier tiers est plutôt une reddition pacifique. C’est un excellent voyage d’un genre qui devrait être un exemple pour la musique classique contemporaine expressive.

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Avatar : « Hunter Gatherer »

Au-delà de la fumée et des miroirs, le huitième album d’Avatar, Hunter Gatherer, révèle le côté de notre monde, défini par la rage, les chagrins et les conflits. En effet, notre joker préféré du death metal mélodique ne rit plus dans son huitième album, Hunter Gatherer. L’ère de comédie de notre société est arrivée à sa fin et le nouvel âge est plus que menaçant, car le groupe peint une représentation du monde obscurcie et déformée. Abandonnant l’attitude enjouée et moqueuse qui caractérisait leur dernier album, Hunter Gatherer se situe dans un contraste totalement opposé, car le groupe ne plaisante plus, ne cherche plus à amuser, ne prend plus les choses à la légère, ne regarde plus les tragédies de la société à travers la lentille de l’humour.

Morceau sombre et violent, « Silence In The Age Of Apes » introduit l’album avec des riffs de guitare violemment flamboyants, une batterie alerte et puissante menée par un chant impérieux et autoritaire, le tout pour révéler une image terrifiante d’un monde submergé par le désastre et l’agressivité. L’atmosphère calamiteuse amorcée par cette première chanson persiste tout au long deu disque, « Colossus » lui donnant une dimension nouvelle et apocalyptique, alors que la race humaine est réduite de l’espèce dominante à celle qui est à la merci d’un géant mécanique sans cœur. « A Secret Door » débute avec une intro insouciante et trompeuse, pour bientôt osciller entre des voix claires et atypiques, associées à un instrumental léger et à un instrument de tir caractéristique, et des voix démoniaques, rendant ainsi hommage à la voix impressionnante et polyvalente de Johannes Eckerström.

Prenant en charge vos moments de sommeil, « God Of Sick Dreams » redéfinira votre sens du cauchemar à l’aide d’une batterie imposante, de riffs de guitare diaboliques et d’un chant terrifiant. D’une manière plus ou moins métaphorique, il transforme vos rêves en cauchemars enchainés visant à vous accabler de doutes et d’impuissance. « Scream Until You Wake » poursuit la marche, tandis que « Child » change l’atmosphère avec un climat plutôt ironique et comique ressemblant presque au style du précédent album d’Avatar tout en gardant l’attitude sombre et vicieuse de cet album – après tout, le thème de cette chanson n’est pas à prendre à la légère. « Justice »prendra suite, comme une question dramatique mais sérieuse sur l’état actuel du monde, doutant de la justesse des actions du statu quo, tandis que leurs conséquences sont révélées par le canon magnifiquement mélodique et d’une vulnérabilité déchirante, dépeignant une victoire amère et un adieu dévastateur. Après avoir fait le deuil d’une grande perte, la rage se déchaîne et se déchaîne à volonté dans le tonnerre et au-delà de la violence, quand tout sauf la force a échoué. L’album se termine avec un « Wormhole », parfaitement équilibré, anthemique et mémorable.

Dans l’ensemble, Hunter Gatherer est une représentation tout aussi déchirante et terrifiante d’un monde qui a perdu sa boussole morale et se dirige vers l’autodestruction. Embrassant à la fois des chants propres et des grognements death, alternant calme et instrumental féroce, Avatar a créé un album étonnamment volatil qui permet à une pléthore d’idées mises en avant à travers une variété d’attitudes de s’enfoncer et de laisser leur marque.

***1/2

Another Sky: « I Slept On The Floor »

Inspiré par six années d’un style de vie en constante évolution, le premier album du quartet londonien art/indie Another Sky I Slept On The Floor est sur le point de sortir et, avec lui, la première étape d’un nouveau chapitre pour le groupe. En taquinant leurs fans toujours plus nombreux avec leur récent « single », « Fell In Love With The City », le son unique et créatif d’Another Sky a fait leur renommée ces dernières semaines, le « single » ayant reçu des éloges dans tous les bons cercles.

En guise de dégustation de l’album, ce ne pouvait pas être un meilleur apéritif. Entrecoupant des moments plus doux avec des rafales de moments indés plus durs, il ne faut pas attendre longtemps avant de réaliser que vous allez devoir y prêter attention pour l’apprécier pleinement. Ce n’est pas un album rempli de « singles » à succès jetables, c’est un album qsur lequel vous devez vraiment consacrer votre temps à l’écoute. Prenez la chanson « Brave Face » ; un titre qui vous tient en haleine dans l’espoir d’un crescendo massif ou la chanson-titre où le côté plus artistique du groupe est mis en avant.

Ayant grandi dans une petite ville de piquets de grève avant de s’installer à Londres, ce dernier morceau montre comment ce changement de vie a ouvert la voie à l’expérimentation pour la chanteuse Catrin Vincent. En fait, il y a beaucoup de moments comme celui-ci tout au long de l’album, comme le merveilleux et unique « Life Was Coming In Through The Blinds », un morceau qui commence par un doux jeu de piano et qui se termine en ressemblant à quelque chose que l’on entend dans un film d’Art House.

Honnêtement, il est difficile d’identifier des détails précis sur cet album. Compte tenu du parcours qui a mené Another Sky jusqu’ici, « I Slept On The Floor » est un morceau de travail qui doit être apprécié comme un morceau de travail complet. Faites-le et investissez le temps et les efforts nécessaires dans l’album et vous serez récompensé par un album vraiment unique. Avec la voix fantastique de Vincent qui entre et sort des paysages sonores cinématographiques que le groupe crée, « I Slept On The Floo » » est un album qui, pour ceux qui en ont le temps, vous laissera complètement envoûté.

***1/2

Ashton Nyte: « Waiting For A Voice »

Neuf albums avec The Awakening sept albums solo, plusieurs coopérations avec MGT et Beauty Un Chaos… Ashton Nyte est certainement un de ces artistes passionnés qui ne semblent jamais dormir. Le 20 juillet 2020, ce multi-talent à l’incroyable voix de baryton a sorti son 17e album studio Waiting For A Voice, accompagné cette fois-ci de son tout premier livre. Et il montre clairement que sa créativité est encore loin d’être épuisée.

Écrit pour la plupart en six mois, juste après avoir joué pas moins de 36 concerts en première partie de Wayne Hussey dans toute l’Europe, le cadre acoustique de cette tournée a certainement eu une énorme influence sur son dernier album. Pourtant, qui s’attend maintenant à un simple album acoustique avec rien d’autre que des voix et des guitares acoustiques se trompe. Le bien nommé « caméléon musical » parvient une fois de plus à se réinventer et offre une étonnante polyvalence – tant au sein de l’album que par rapport à ses précédents travaux.

En effet, même avec l’album de studio numéro 17, Ashton Nyte ne se répète pas le moins du monde. Bien sûr, les fans reconnaîtront la voix caractéristique et les délicates guitares acoustiques. Pourtant, l’ensemble de la composition ne ressemble à rien de ce qu’il a publié jusqu’à présent.

Et puis, s’il y a bien un fil conducteur entre les différentes chansons, elles sont vraiment diverses. Waiting For A Voice commence par des chansons plus calmes comme la fragile chanson titre et la rêveuse « Ocean Son » qui m’ont immédiatement frappé par leur atmosphère magique. Alors que « This Isolation » crée déjà beaucoup plus de tension, « Has Anybody Seen My Love » utilise une large instrumentation et semble assez théâtral. « Dark Star » séduit immédiatement par son rythme captivant et ses harmonies uniques avec des cordes supplémentaires, créant un fort sentiment de nostalgie et un soupçon de doute. « I Asked For Nothing » se concentre à nouveau sur la guitare et le chant, avec un côté narrateur. Le pensif « Time (Just Before The Light Got In) » revient à un arrangement plus calme. D’une certaine manière, ses belles guitares acoustiques fluides me rappellent toujours un ruisseau de forêt…

Ensuite, il y a « Disappear » qui se distingue sûrement par son rythme entraînant qui donne immédiatement envie de danser. Curieusement, c’est l’une des chansons qui me rendent particulièrement mélancolique. C’est fascinant de voir comment un rythme aussi joyeux et léger en apparence peut être aussi nostalgique… Après cette instrumentation entraînante, « Soon It Will Be Morning » suit avec un contraste saisissant, car il est presque uniquement porté par la voix et est en fait assez solennel. Il est suivi de « Heroes », la reprise de David Bowie et l’ode à sa brillance, qui était à l’origine prévue comme un cadeau pour les fans qui ont précommandé Waiting For A Voice. Grâce aux réactions positives, il a fini par faire partie de l’album.

Waiting For A Voice se termine par l’inquiétante « Awake », la chanson la plus sombre de l’album. C’était immédiatementun morceau de choix, probablement en raison de son approche au piano, sur lequel cette chanson est centrée. Il est vraiment étonnant de voir l’atmosphère qu’ Ashton Nyte crée ici avec seulement quelques notes et accords tout en ajoutant un autre instrument à l’album. Enfin, « Icicles », la chanson la plus touchante avec une dynamique incroyablement forte même si l’instrumentation est encore une fois très dépouillée. Après un voyage aussi intense à travers toutes ces différentes ambiances, on a l’impression que l’album nous laisse simplement tomber à la fin avec un tranquill « Je sais, je serai à la maison. Bientôt ». Et pour être honnête, jc’était un moment nécessaire pour respirer et saisir tout l’ensemble.

Avec Waiting For A Voice, Ashton Nyte sort non seulement son album le plus personnel à ce jour, mais aussi une œuvre d’art exceptionnellement touchante et émotionnellement intense. L’accent mis sur le chant et l’instrumentation, pour la plupart dépouillée, a vraiment un effet immense. Il parvient à réduire ses chansons à ce qui est exactement nécessaire pour transmettre cette émotion et rien d’autre. Parfaitement au point, infaillible et droit au cœur. En même temps, il y a une variété impressionnante de détails intéressants et de dynamiques diverses qui attendent d’être découverts par l’auditeur. C’est sans aucun doute un album « à apprécier dans une pièce peu éclairée, avec des écouteurs décents » comme le dit Nyte. C’est une œuvre d’art magique qui mérite que l’on prenne le temps de l’écouter attentivement et de se plonger pleinement dans ses atmosphères fascinantes.
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1/2