Denise Sherwood: « This Road »

30 octobre 2020

Denise Sherwood, fille du compositeur Adrian Sherwood, fait mijoter les morceaux qui figurent sur son premier album depuis dix-sept ans. Il n’est pas surprenant, compte tenu de son pedigree et de l’histoire de sa famille, que des membres du groupe de musique insutrielle Tackhead, comme Mark Stewart, et Filip Tavares, apparaissent ici, mais heureusement, cela ne rend jamais justice à la puissance écrasante de Tackhead. Au lieu de cela, les plagse sont construites autour de la belle voix de Denise, en la cadrant au mieux.

À un certain moment, Denise avait demandé à rejoindre The Slits autour de lleur reformation mais qu’elle avait refusé. La force de sa voix ici, la tessiture douce et plutôt mélancolique qu’elle affiche, n’auraitent pas convenu à ce son plus abrasif et elle a été sage d’être patiente et de laisser les chansons ici s’enlacer doucement autour d’elle.

Comme on pouvait s’y attendre, les onze chansons de This Road proviennent d’une sorte de reggae dub, mais sans vraiment en abuser. Les producteurs avec lesquels elle a choisi de se produire ont plutôt gardé le fond en arrière-plan, un doux reflux par endroits, mais même lorsque les choses se compliquent un peu, sa voix n’est jamais submergée. Son chant est doux mais profond, et il est clair que les sujets sur lesquels elle écrit sont personnels et lui tiennent à cœur.

L’introduction, un « Music Shall Live », qui contient une interjection onirique façon Lee Perry, parle de la puissance durable de la musique, mais celle-ci est livrée de manière assurée, pleine de conviction. Le violoncelle texturé d’Ivan Hussey ajoute une gravité inattendue et son jeu subtil tout au long de l’album est un point fort. Il y a une touche de vieux son trip-hop sur « Let Me In », avec un rythme dépouillé et des scratches étouffés au loin. Le piano tintant et le violoncelle qui l’accompagne ajoutent une touche gitane triste, avec sa voix légère et persistante, suppliante mais pas désespérée.

Les morceaux ont tendance à se déplacer de manière assez majestueuse, la sensation de feu de camp par exemple sur « Amnesia Moon » assistée par la guitare acoustique, avec même un petit solo espagnol pour alimenter l’ambiance. Skip MacDonald et Doug Wimbish jouent sur « Sweet Mary Jane », un morceau aux accents reggae, et il y a un joli petit riff de piano de cabaret sur « Ghost Heart », un hymne pour une fin de la soirée quand tout le monde est parti et que le groupe joue encore, fatigué mais satisfait.

La variété est impressionnante ; un soupçon de rock des amoureux sur « Uncertain Times » et une ambiance sud-américaine groovy sur « Sunny Day » », avec des bois du Colombian Collective qui ajoutent vraiment aux paroles déjà estivales. C’est un véritable antidote aux inquiétudes exprimées sur le morceau précédent. Une touche d’écho dub anime le rythme reggae de « Won’t Bow Down », dont les paroles sont explicites, et il déborde de la vibe « Toughen Up ».

On doit cependant dire que l’as de cet écheveau de composition est la dernière piste qui lance une balle courbe après les numéros précédents. « Sweet Lov » » regorge de textures électroniques délicates et d’un rythme sans réel effet, sa voix est sensuelle et mesurée. Il se transforme en une coda orientale au violon, gracieuseté de Filipe, et l’atmosphère dub enfumée qu’il évoque est quelque chose qu’il aurait été agréable de voir poussé plus loin.

This Road est un album charmant et sensible, produit avec soin et encadrant l’une des voix les plus délicieuses qu’il nous est donnée d’entendre… au poit d’espérer qu’il y en aura d’autres à venir.

***1/2


Michael Scott Dawson: « Nowhere, Middle Of »

29 octobre 2020

Michael Scott Dawson, membre de Library Voices et artiste sonore, a transformé une crise de vertige inattendue en impulsion pour cette série de vignettes étonnamment minimalistes qui utilisent des sons de synthétiseur générateurs pour former des cascades lentes de son ambiant.

Sur ces paysages sonores qui se déploient, une ou deux couches de sons trouvés ou de notes de guitare soigneusement sélectionnées sont placées pour réaliser une idylle onirique et pastorale qui passe devant l’auditeur. Ces textures supplémentaires sur Nowhere, Middle Of, qu’il s’agisse du bruit des oiseaux ou du vent dans les arbres, empêchent les morceaux de tomber dans l’informe.

Le vertige et les sensations qu’il aurait provoquées chez Michael contribuent à éclairer les morceaux détaillés ici. Il y a un mouvement naturel qui les fait sortir de l’atelier et les plante fermement à l’extérieur ; le genre d’extérieur pastoral qui est imprégné de la lumière du soleil, de tous les bruns et crèmes et des ors pâles. L’espace que Scott Dawson utilise à travers les pièces est vaste. Les notes s’étirent comme des jeunes pousses souples dans une forte brise et les notes de guitare, lorsqu’elles sont utilisées, vibrent avec une légère réverbération. Il est liminal et gossamer et évoque la nature dans toute sa gloire cachée ; le genre de gloire que seuls les intrépides ou ceux qui cherchent des trésors solitaires dans un paysage qui les attire peuvent connaître.

Il y a quelques similitudes avec les albums d’Harold Budd et de Brian Eno, mais ici, les choses sont encore plus rares, avec le chant des oiseaux trouvés et un bruit qui pourrait être le babillage d’un ruisseau ou le vent dans les arbres nous conduisant à travers des panoramas glorieux mais discrets. Chaque piste offre une perspective différente sur un thème similaire, mais ces éléments supplémentaires suffisent à les différencier. Cela ressemble un peu à un long voyage à pied à travers un paysage plat mais changeant, chaque jour ajoutant quelque chose de frais à l’oreille tout en perdant quelque chose à sa place. L’onde qui se déploie du synthétiseur génératif induit la rêverie, mais ces textures supplémentaires empêchent la torpeur et permettent à l’auditeur d’être attiré plus loin.

Certaines pièces sont dynamisées par une série de sons inattendus ; elles ne sont pas nécessairement reconnaissables, mais sont censées être là comme si quelque chose d’inconnu se déroulait au-dessus d’une haie, invisible pour vous mais parfaitement à sa place. À d’autres moments, le tintement d’une guitare électrique et une goutte lente et régulière nous envoient un peu plus loin sous le couvert d’un endroit frais et ombragé, la lumière bloquée temporairement, mais pas au point de nous perdre. A d’autres endroits, il est difficile de se concentrer car les sons deviennent flous, avec des tons légèrement déformés qui donnent un bord inhabituel à l’arrière-plan descendant.

Cependant Nowhere, Middle Of est expérimenté, via des écouteurs ou en passant par un salon rempli de lumière, l’album emmènera l’auditeur dans un voyage évocateur et ensoleillé à travers des paysages imaginaires. Il laisse beaucoup de place à l’auditeur pour ajouter ses propres images et c’est pourquoi il fonctionne à merveille. Scott Dawson a une façon intuitive de travailler avec ces morceaux subtils, et leur permet de travailler sur l’auditeur pendant qu’ils imprègnent leur propre magie.

***1/2


We Versus The Shark: « Goodbye Guitar »

29 octobre 2020

Si vous avez la chance de pouvoir envisager un nouveau départ, même avec un retard important, profitez-en. Ces indie-rockeurs d’Athens l’ont clairement fait. Plus d’une décennie après leur séparation, ils se sont réunis pour cet album de retrouvailles. Et cela vous fait souhaiter qu’ils ne soient jamais partis. Noueux et noueux, bruyants et désordonnés, glapissants et brouillons, revigorants et tout simplement magnifiques, ces dix morceaux au jeu de guitare tordu, à l’ambiance bruyante et à l’urgence décoiffante s’inspirent de tout, du rock de Detroit des années 70 et du post-punk des années 80 au punk et au math-rock des années 90 et post-grunge des années 2000, tout en restant assez frais et féroces pour séduire toute une nouvelle génération de fans. Parfois, vous avez une seconde chance de faire une première impression. Croisons les doigts pour qu’ils en tirent le meilleur parti.

Lorsque We Versus the Shark s’est formé en 2003, les membres du groupe avaient à peine 20 ans et vivaient dans trois états différents. Le quatuor math-rock a convergé vers le centre musical d’Athens, Géorgie, comme base d’attache et a rapidement pris d’assaut les portes de la ville. Dès leur premier album, Ruin Everything !, le groupe s’est lancé dans une folle aventure de guitares Dischord-ant, de synthés bruyants et de rythmes électrochocs.

Fantassins de l’armée du sous-sol, ils ont consciencieusement tourné le cul, se tortillant et se spasmant sur de petites scènes, dans leur pays et à l’étranger. Sept ans, un EP, une suite sombrement agressive (Dirty Versions) et un album de reprises plus tard, le groupe a mis un terme à sa carrière en 2009 et s’est à nouveau dispersé aux quatre vents. Avec WVTS dans le rétroviseur, le groupe a suivi ses propres chemins. La guitariste/chanteuse Samantha Paulsen a exploré le cosmos avec les scientifiques du surf Man… Or Astroman ? tout en obtenant son diplôme d’infirmière. Le guitariste/chanteur Luke Fields a poursuivi sa quête de sensations fortes sur scène (dans la formation rock nintendo Bit Brigade ainsi que dans le groupe de guitares Double Ferrari) et en dehors (en tant que passionné de montagnes russes). Le bassiste/chanteur Jeff Tobias joue du saxophone dans le quatuor psycho-jazz new-yorkais Sunwatchers et dans l’ensemble indie-folk londonien Modern Nature, parmi de nombreux autres projets. Le batteur Scott Smith s’est installé à Amsterdam pour travailler comme économiste, et publie du matériel sous le nom de President of the Drums. En 2015, en revisitant les démos d’archives, Fields a déterminé : il restait beaucoup d’or à filer et beaucoup de notes (croyez-nous, beaucoup) à jouer. Mettant la touche finale tant attendue à quelques pétards inachevés et débouchant quelques nouveaux joyaux, le groupe a tranquillement convergé dans la Classic City une poignée de fois au cours des années suivantes pour faire Goodbye Guitar. Ce LP de 10 titres est à la fois un retour énergique à la forme et une source de joie redécouverte. Avec leurs angoisses de jeunesse (pour la plupart) laissées dans le passé, Goodbye Guitar est le son de quatre personnes qui s’amusent à jouer ensemble. C’est un son hyper-mélodique et sans apologie du maximalisme, débordant de coups de guitare acrobatiques et d’humour inattendu. Alors que le monde tourne à plein régime, We Versus the Shark espère offrir une occasion de s’éclater à la guitare. Dites bonjour à Goodbye Guitar.

***1/2


Kat de Ville: « Four Plus »

29 octobre 2020

L’automne, surtout la fin de l’automne, qui se transforme en premier crépuscule glacial, exige une bande sonore pour toutes les douleurs et les peines, l’anxiété et le désespoir, tout ce qu’on appelle maintenant tristement et de façon neutre la mélancolie. En tout cas, l’album Four Plus, une autre incarnation créative deK at de Ville, sort juste à temps.

La descente vers les tunnels du dark ambient commence avec « Ice Cold ». Le percement des clés ici se dissout dans l’atmosphère, l’humeur et les pensées désordonnées. Détachement, froideur et rien d’autre, de rares débordements et carillons dans l’esprit d’horreur des bandes sons de films. Le thème mystique se développe évidemment sur « Between the Shadow and the Soul » et avec « Underworld », qui est plus vivant dans sa « non vie ». Des morceaux extrêmement contemplatifs, imprégnés d’un certain pressentiment de quelque chose d’imminent, de fatal et donc capable de faire prendre conscience de son impuissance, de son insignifiance et de sa solitude.

« Mankind Solution » fera la transition vers des domaines plus compréhensibles, plus proche de la lumière qui résonne, « Aurora » , en sa grande échelle frappe l’auditeur avec des tonnes de tristesse. Et puis viendra le contraste – le laconique « Sleepless », qui forme un ornement sonore cyclique et sans fin, suivi d’un « Rethinking », qui sera l’aboutissement logique de tout.

Avec l’attention nécessaire, Four Plus pourra être relié à d’autres œuvres de Kat dans différents projets. Mais ce qui est captivant, c’est que dans ce cas, l’écriture ne recoupe pas l’intention artistique générale et le contexte émotionnel de l’album. Nous avons donc obtenu une œuvre complète et holistique qui correspond pleinement au concept déclaré.

***1/2


Smokescreens: « A Strange Dream »

29 octobre 2020

Ce groupe Los Angelese n’est pas étrangerà ce qu’il y a de meilleur dans indie-pop. L’album du combo, sorti en 2018, Used To Yesterday, était excellent, mais leur dernier disque, A Strange Dream, est encore meilleur tant il explique comment faire de la jangle-pop en 2020 et que la production de David Kilgour (The Clean) ne fait qu’élever le niveau.

Si la présence du producteur Kilgour est perceptible, ce n’est pas vraiment le signe que le groupe est dérivé du son de The Clean. En fait, on irait même jusqu’à dire que Smokescreens veut intentionnellement sonner comme The Clean ici, et qu’il y parvient. « Fork in the Road » possède ici l’un des meilleurs ancrages de guitare de 2020 tandis que « On and On » est tout autant familier du langage. Ailleurs, « Working Title » est un peu plus dur, les riffs un tant soit peu plus forts, tandis que « Streets of Despair » sonne moins comme The Clean et plus comme un combo de tye The Close Lobsters en 1987. L’écriture économique de Smokescreens met l’accent sur une grande guitare centrale, avec l’instrumentation et le chant qui l’accompagnent. Parfois, le son rappellera Velvet Crush mais Smokescreens s’intéresse moins aux Byrds qu’à l’historique label Flying Nun Records.

A l’écoute, A Strange Dream ne perd pas de temps à fournir le genre de rock qui a fait grandir tant d’entre nous et qui nous fait vivre encore. Même un morceau relativement lent comme « I Can Still See You » révèle à quel point ces musiciens s’attachent à trouver une mélodie forte, même s’ils se perdent momentanément dans la variété des textures. Pourtant, Smokescreens ne sera jamais un groupe de shoegaze, même si les guitares s’écrasent et les accords s’effondrent. A Strange Dream est à la fois une leçon de jangle-pop et l’un des meilleurs exemples de cette forme en 2020, étendu sur 10 étincelants morceaux.

***1/2


The Rheingans Sisters: « Receiver »

29 octobre 2020

Avant de passer à la musique, il est bon de s’attarder un peu sur le format. Plus précisément, l’humble disque compact. Ces dernières années, les ventes de vinyles ont connu une forte hausse, peut-être par nostalgie, peut-être parce que l’acte de mettre un disque est passé avec le temps de la seconde nature à une sorte de comportement ritualisé. Le vinyle fait appel à notre sens de la physicalité. Il agit comme un contrepoint aux médias numériques : les deux peuvent coexister parce qu’ils sont si différents l’un de l’autre. Les CD, en revanche, ont subi une sorte de crise d’identité. La lecture d’un CD n’est pas considérée comme un événement. Il est considéré comme un format à part entière, et non comme quelque chose que l’on peut aborder comme on le fait avec un disque ou même une cassette. Et pourtant, il n’a pas le côté pratique et la possibilité de partager instantanément de la musique en continu ou des fichiers numériques.

Mais, peut-être contre toute attente, les CD tiennent bon. D’une certaine manière, ils sont le support parfait pour les auditeurs qui apprécient la tangibilité d’un album mais qui n’ont peut-être pas la place pour un vinyle. La qualité sonore est généralement très bonne. Et peut-être plus important encore, le CD offre de nombreuses possibilités d’interaction entre la musique et d’autres formes d’art. Il a la taille idéale pour accueillir l’écrit. Un CD bien présenté peut être une œuvre d’art visuel, ou il peut contenir une galerie entière d’images. Et de toutes les étiquettes qui vont au-delà du simple emballage dans le domaine du grand art, bendigedig est certainement la plus impressionnante. Le label a cinq ans et a publié cinq albums, ce qui vous donne une idée de l’attention qu’ils portent aux détails et du temps qu’ils sont prêts à consacrer à leurs musiciens. En conséquence, leurs sorties sont vraiment étonnantes et vraiment innovantes.

Receiver est le quatrième album ddu duo que composent The Rheingans Sisters. Il se présente au début d’un livre de près de cinquante pages qui contient un texte original de Rowan Rheingans et une série d’œuvres d’art – « solargraphs » – de Pierre-Olivier Boulant. Ces photographies à longue exposition créent des abstractions vivantes, des arcs qui ressemblent à des arcs-en-ciel ou des aurores. C’est plus qu’un simple objet à regarder en écoutant les musiques. Comme l’explique Rowan dans ses notes de processus, l’œuvre de Boulant incarne la collaboration entre l’artiste et le monde dans lequel il puise son inspiration. Les sœurs considèrent leurs chansons comme des collaborations similaires – ce qu’elles créent est inséparable de ce qu’elles reçoivent. C’est une façon de penser admirablement utopique.

Bien sûr, l’ampleur et l’ambition de Receiver en tant qu’œuvre d’art font que les chansons doivent vraiment travailler dur. Tous les éléments visuels ne compteraient pour rien si la musique n’était pas quelque chose de spécial. Heureusement, en ce qui concerne les Rheingans Sisters, vous savez que ce sera très spécial. Leur précédent opus, Bright Field (2018), était l’un des albums folk les plus innovants de la dernière décennie, et sur Receiver, ils ont encore amélioré leur jeu. Anna et Rowan se partagent l’écriture des chansons, et il y a aussi un peu de chansons traditionnelles. Le morceau d’ouverture « The Yellow Of The Flowers » est une composition de Rowan : il représente un réveil et explore la proximité de la vie humaine et non humaine. Les juxtapositions semblent douces mais sont chargées de sens. La chanson est éclairée par la couleur d’une manière presque picturale. Il s’agit d’un paysage impressionniste, d’une vue depuis une fenêtre. Et musicalement aussi, elle est pleine de surprise : les cordes et les touches sont rétro-éclairées par un synthétiseur minimal.

« Östbjörka » est un air de danse suédois qui célèbre la lumière et le changement des saisons (à cet égard, il agit comme une sorte de pièce d’accompagnement de la première chanson). Il s’assombrit et s’évanouit, mettant en valeur les talents de violonistes et d’arrangeuses des sœurs. Mais les deux soeurs sont adeptes d’une grande variété d’instruments : sur le titre « Salt Of The Earth », Anna joue du banjo à cinq cordes, tandis que la guitare électrique de Rowan fait une apparition remarquée. Cela donne également une bonne idée de l’étendue de la palette des compositions des deux artistes, tant sur le plan thématique et géographique que musical. « Salt Of The Earth » explore les rituels du nord de l’Algérie et s’inspire de la scène musicale toulousaine.

L’instrumental d’Anna, « One More Banjo », est plus proche de la réalité et voit le duo échanger des coups de banjo agile et mélodique, tandis qu’un autre morceau d’Anna, Insomnia, est beaucoup plus structuré et stratifié, une vignette câblée et sans paroles sous la forme d’une bourrée traditionnelle qui montre à quel point il est possible d’être expérimental tout en restant dans le langage de la musique populaire. Elle aborde le même thème mais sous un angle beaucoup plus mélancolique dans « Lament For Lost Sleep », le son aigu et solitaire de la flabuta (une flûte à trois trous) maintenu dans un état de tension constant par l’alto bourdonnant de Rowan. Dernière d’une série de cinq instrumentaux composés par Anna, « Moustiques Dans Les Mûres « est une autre pièce fascinante et évocatrice, et introduit le subtil saxophone de Rachel Cohen.

À première vue, « The Bones Of The World » est un rondeau malicieux, une petite danse d’une simplicité trompeuse écrite par le violoniste du Leicestershire John-Francis Goodacre. Mais même ici, les sœurs ne peuvent pas résister à l’envie d’expérimenter, et l’air est hanté par le chant feutré d’une vieille chanson occitane de comptage de moutons. Le résultat est délicieux et légèrement étrange. C’est à peu près à ce moment de l’album que l’on commence vraiment à apprécier l’originalité de la pensée et la profondeur des recherches qui ont été menées sur cette musique. Sur « Urjen », nous entendons un extrait de 1935, un violon traditionnel norvégien Hardanger qui est ensuite repris par Anna et Rowan au violon et à l’alto respectivement. Mais il ne s’agit pas d’un simple mimétisme : Anna a passé trois ans à travailler l’accordage, et ce travail acharné a porté ses fruits avec un succès étonnant, en capturant le son unique de la musique folklorique des fjords norvégiens. Il y a quelque chose de merveilleusement déconcertant dans le violon de Hardanger, et il n’est pas surprenant d’apprendre qu’il est associé au diable dans le folklore.

L’amour profond d’Anna pour les ramifications plus ésotériques de la musique folklorique et de danse européenne est approfondi dans « Orogen » qui combine des airs de danse français communs avec un halling norvégien (une danse exécutée par un individu). Le fait que les deux éléments géographiques apparemment disparates se mélangent si richement témoigne à la fois de l’adaptabilité de la musique traditionnelle et du savoir (et de la capacité innée) du duo.

Alors que la première moitié de l’album se concentrait sur les chansons d’Anna, celles de Rowan dominent la dernière ligne droite. « After The Bell Rang » sera un puissant avertissement contre l’orgueil, délicatement joué au banjo et au tambourin à cordes d’Anna. From Up Here est un morceau qui a grandi avec le temps, une chose vraiment organique, composé par Rowan mais inspiré par les gens et les lieux qui ont signifié quelque chose pour les deux sœurs au fil des ans. Il utilise des détails historiques d’une manière littérale et rafraîchissante : Anna joue un orgue Hammond en référence directe au collectionneur d’orgues qui vivait dans la même communauté d’artistes qu’elle à Toulouse. Ce sont de petites touches comme celle-ci qui donnent àeEceiverson authenticité.

Tout au long de l’album, les chansons se retrouvent dans les éléments visuels de l’emballage du CD. Nulle part cela n’est plus évident que dans « The Photograph ». L’importance de l’imagerie visuelle dans le récit et la narration de l’histoire (ici dans le contexte du massacre du dimanche sanglant) est explorée d’une manière qui reflète l’impact visuel frappant produit par l’œuvre de l’album. Cette mise en place constante de fils créatifs est un exercice d’équilibre que Receiver réalise de manière spectaculaire.

La valse finale qui vient couronner l’album est délicate et d’une humilité attachante, une paean aux joies de la simplicité. Les sœurs Rheingans ont gagné le droit d’embrasser cette simplicité après toute la brillante complexité et l’étincelante diversité du spectacle. Dans Receiver, elles ont créé un chef-d’œuvre de musique folklorique moderne ainsi qu’un objet physique captivant.

****1/2


Matt Costa: « Yellow Coat »

29 octobre 2020

Alors que la belle saison est terminée, Matt Costa vient de sortir son nouvel album Yellow Coat, la parfaite bande-son dépouillée et terreuse pour l’automne qui approche à grands pas. Matt Costa, auteur-compositeur-interprète, a fait sa grande pause après que ses démos maison aient trouvé le chemin des oreilles du guitariste de No Doubt, Tom Dumont, après quoi Costa a été immédiatement invité à enregistrer ses disques dans le studio privé de Dumont. Avec une vaste discographie qui comprend 13 œuvres publiées indépendamment, sept EP autoproduits et cinq albums complets, Yellow Coat est le sixième album de ce natif de Huntington Beach, en Californie.  

Après la sortie de son album éponyme en 2013, les auditeurs ont patiemment attendu cinq ans son prochain projet, Santa Rosa Fangs. Ce nouvel album reprend la guitare acoustique terreuse et les voix apaisantes des deux premiers albums, avec quelques ajouts lo-fi surprenants. Le son et les thèmes de déchirement et de guérison de ce disque reprennent des tons similaires à ceux de Death Cab for Cutie et Jack Johnson, avec lesquels Costa a tourné par le passé, ainsi que des sonorités vinyliques très dominantes des années 60.

Yellow Coat s’ouvre avec le « single », « Avenal », qui met en évidence toutes les tendances tonales de ce disque dans les 30 premières secondes. Il attire l’auditeur avec une guitare acoustique magnifiquement choisie, surprend avec un rythme de batterie lo-fi et rappelle le beau son de la radio des surfeurs californiens des années 60.  Les paroles de Costa sont généralement axées sur la découverte de soi et « la volonté s’essyer de décrocher la lune », ou sur le retour à ce qui fait l’humanité lorsqu’on guérit d’émotions brisées. Un des moments forts de l’album est la deuxième chanson, « Slow ». Produite par Death Cab pour le producteur de Cutie, Alex Newport, elle porte un groove doo-wop terreux et lisse des années 60. Costa chante des chagrins d’amour et souhaite ne pas lâcher l’amour qui passe, et avec la performance vocale de ce morceau, cette douleur est vraiment ressentie.

Costa continue à se concentrer sur les chagrins d’amour avec des chansons comme « Let Love Heal », qui créent un mantra musical pour ceux dont le cœur est en voie de guérison. Avec un son acoustique plein d’âme et une ligne de batterie construite comme un battement de cœur lent, ce morceau est si pur et si sain que tout auditeur peut s’identifier et faire comme le dit le titre : laisser un individu se guérir. 

« So I Say Goodbye to You » est le dernier morceau de ce disque étonnant, et résume bien l’émotion du reste de l’œuvre. Costa chante le fait d’atteindre la dernière étape du deuil (l’acceptation), et de laisser partir ce chagrin d’amour. La chanson soulève et montre qu’à la fin de toute douleur, le jour est plus lumineux et qu’il ne reste que les bons souvenirs et tout ce qui a été appris.

Yellow Coat est une belle combinaison de plusieurs des éléments qui ont fait de Matt Costa une ficône dans le genre indie. Sa voix, son acoustique apaisante et sa batterie simple font que chaque chanson est une combinaison à couper le souffle. Ce disque est la bande sonore parfaite pour ce long voyage au milieu des feuilles aux couleurs changeantes de l’automne. Elle contribue à atténuer le sentiment de chagrin grâce à des paroles poétiques et une musicalité terreuse qui ancre l’auditeur dans son moment. Yellow Coat est une nourriture pour le cœur et l’âme, de la première à la dernière corde de guitare ; un album confectionné purement, pour et par le cœur.

****


Actress: « Karma & Desire »

29 octobre 2020

Il y avait de quoi s’inquiéter lorsque Darren Cunningham (alias Actress) a sorti 88, son mix de 48 minutes, en juillet dernier. Constitué d’un mélange fluide d’instruments à la dérive et de gazouillis, brisé en 22 morceaux, la seule lueur d’espoir est venue du PDF qui l’accompagnait et qui promettait d’autres musiques nouvelles avant la fin de l’année. L’album en question, Karma & Desire, montre que le musicien de Wolverhampton n’est pas vraiment dépourvu d’idées après tout.

Sur 17 titres et 68 minutes, Actress fait preuve d’une grande créativité, permettant à une foule de sons, d’ambiances, de thèmes et de collaborations de contribuer à la réalisation de son sixième album. Non seulement Cunningham fait appel à d’excellents chanteurs invités sur l’ensemble de l’album – dont l’auteur-compositeur-interprète folk/pop Zsela, le producteur de trance de Los Angeles (et collaborateur occasionnel de John Frusciante) Aura T-09 et le musicien de soul électronique londonien Sampha – mais il fait aussi grand usage de leurs styles contrastés, en regroupant souvent les artistes pour créer plusieurs suites sur l’album.

Darren ajoute des interstitiels pour faire le pont entre les morceaux plus structurés, mais ces instrumentaux ambiants simples parviennent toujours à dégager une personnalité et une ambiance, alors que l’album donne le ton avec une paire de morceaux parlants et chantants extraterrestres avec Zsela (« Angels Pharmacy » et « Remembrance »), tandis que la méditation brumeuse de « Glided Squares » fonctionne presque comme une introduction au piano hanté de huit minutes du « Many Seas, Many Rivers » assisté par Sampha.

Malgré les quatre rythmes puissants qui occupent le dernier tiers du disque, dont les titres « Loveless » et « Turin » (tous deux avec Aura T-09) et le très ondulant « Loose » (avec Christel Well), Karma & Desire n’est jamais vraiment un disque de danse – il est beaucoup trop opaque, fragile et bizarre pour cela. Au lieu de cela, les auditeurs se retrouvent avec un morceau long format, conçu de manière experte, bien exécuté et brillamment séquencé

***1/2


Husky: « Stardust Blues »

28 octobre 2020

Pour sa quatrième sortie, Stardust Blues, le groupe de folk-rock mystique qu’est Husky continue à explorer de nouvelles zones sonores tout en conservant son sombre et magnifique don pour la mélodie, et en repousse ensuite les limites du concept.

Basé sur un voyage de réflexion de 24 heures à travers Melbourne (influencé par la démolition du célèbre hôtel Westbury où la majeure partie de l’album a été écrite), Stardust Blues capture un sentiment d’optimisme profond – un désir ardent pour le passé (« Light A Cigarette »), mélangé à un sentiment de reconstruction de nouveaux rêves, avec le « closer » de l’album, « My Darling Ghost », qui regarde vers la lumière à l’horizon après un passage sombre.

Les émotions traitées par le groupe sont apparentes tout au long de l’album, avec des arrangements musicaux plus dépouillés permettant au frontman Husky Gawenda de porter les chansons à travers des paysages sonores qui dérivent entre les royaumes de l’indie pop, du psychédélique et du folk rock avec un sentiment convaincant.

Il est vrai que le milieu du disque est un peu clairsemé, les chansons noires n’étant pas pressées de faire valoir leur point de vue. Cependant, des morceaux comme « Foxes Of Caulfield » et « Hearse On A Highway Rainbow » récompensent l’auditeur pour sa patience, exemples d’un groupe qui continue à explorer de nouveaux sons tout en restant fidèle à sa beauté mélodique.

***


Laura Veirs: « My Echo »

28 octobre 2020

Le jour de la Saint-Valentin 2020, l’auteure-compositrice-interprète Laura Veirs a sorti ce qui semblait être une démo brute, enregistrée chez elle. Il s’agissait d’une chanson brutale, composée uniquement de sa voix et de sa guitare, intitulée « I Was a Fool ». Il s’agissait essentiellement d’un compte-rendu détaillé et profondément personnel de ses récents combats dans le cadre de son divorce avec son partenaire et collaborateur de longue date, Tucker Martine. C’était une scène déchirante, sans fioritures, tirée de la vie réelle. C’est l’une des chansons les plus frappantes et les plus simples d’une auteure-compositrice qui n’a jamais hésité à inclure des détails de sa propre vie dans ses chansons. Et, en effet, lorsque Veirs a chanté des paroles comme « Plus jamais / J’étais une idiote / Et j’essaierai de vivre ma vie librement » (Never again / I was a fool / And I’ll try to live my life free), le chagrin était palpable.

Et, bien que cette chanson ne figure pas sur le 11ème album de Veirs, My Echo, le divorce sur lequel elle s’est concentrée continue à alimenter une grande partie du matériel ici. Leur divorce a été un peu un choc pour la communauté musicale, car Veirs et Martine travaillent ensemble depuis des années. Il a produit tous ses albums depuis son deuxième LP Troubled By the Fire en 2003, donnant un éclat chaleureux à la marque de chansons folk émotionnelles de Veirs. (Martine a également produit My Echo, que l’auditeur doit absorber de la manière qu’il choisit).

On nous donne ici 10 chansons en un peu moins de 34 minutes, un des albums les plus efficaces et les plus directs de l’artiste. Veirs, ici, dépouille ses compositions de la plupart de leurs excès, en ne leur fournissant que ce dont elles ont le plus besoin. Alors qu’elle chantait autrefois des choses plus « gentilles » comme les sirènes et les pirates et les merveilles de la nature, elle nous donne maintenant des aperçus de la jalousie, du doute, de la honte et des dures vérités de la vie. 

Il convient de noter que cet album a été écrit avant et pendant la disparition du couple, et non après. Ce n’est pas un album avec l’hyper-spécificité d’une rupture, comme les récents joyaux d’écoutes attenantes que sontVulnicura de Björk, ou même Lemonade de Beyonce. Veirs a décrit les chansons de cet album comme le fait de savoir qu’elle divorçait avant de le faire, et elles parlent donc moins des conséquences brutales de la rupture que de l’espace liminal entre le fait de penser et de savoir que c’est fini.

Le disque commence avec son titre le plus sombre, « Freedom Feeling », où Veirs est à la recherche d’une bouffée de bonnes vibrations qu’elle avait peut-être avant, mais qui est maintenant perdue dans la confusion. La chanson est soutenue par de belles cordes profondément émotives, alors que l’intensité augmente lentement. Il y a ici un certain drame discret qu’il n’est pas facile de trouver ailleurs dans son catalogue. Le premier « single » « Burn Too Bright » rumine sur ce qui se passe dans le sillage d’un lien si passionné, Veirs donnant une mélodie profondément déprimée qui parvient encore à devenir une hantise à oreille alors qu’elle chante des choses comme « Je me demande si ton âme est encore dépossédée » (I wonder if your soul is still dispossessed).

Les moments les plus marquants sont généralement les plus directs, les plus honnêtes. Dans le premier « teaser » « Turquoise Walls », nous avons une scène où Veirs est allongée dans son lit, sa « pire version » d’elle-même, alors qu’elle se rend malade en pensant que son partenaire « garde l’oreiller de quelqu’un d’autre au chaud » (keeping someone else’s pillow warm). C’est la chanson la plus accrocheuse ici, avec des cordes et des synthétiseurs joyeux et un beat électronique qui fait tic-tac, mais c’est aussi l’une des plus dévastatrices. Plus tard, sur la piste centrale « End Times », dirigée par un piano, elle chante le refrain Quand je pense à la fin des temps / Tu me viens à l’esprit » (When I think of the end times / You come to mind), avec l’épuisement paisible de quelqu’un qui a fait de gros efforts pendant très longtemps. 

Certains moments ici n’atterrissent ou ne se figent pas aussi bien que d’autres. « Another Space and Time » a une sorte de mélodie bossa nova-lite qui rend la chanson un peu trop dure. De surcroît, « I Sing to the Tall Man » est la chanson la plus étrange ici, avec un effet sur le chant de Veirs qui rappelle la qualité pop d’Angel Olsen, et des paroles qui semblent plus abstraites que le reste de l’album. Heureusement, My Echo se termine par le doux et beau « Vapor Trails », qui a une palette sonore particulièrement idyllique, donnant un petit air estival de légèreté malgré la fugacité notable qui est prise en compte dans les paroles. 

Au fil de « Vapor Trails », Veirs chante « Traverser nos éphémères / Les accréditations backstage au MMJ » (Going through our ephemera / Backstage passes to MMJ), puis, un instant plus tard, comme s’il était convoqué par la seule force de sa volonté, Jim James rejoint Veirs dans un duo grinçant et chaleureux. C’est un détail approprié pour terminer l’album – un rappel que même dans nos moments les plus sombres, il est possible de trouver la paix et d’avoir des amis pour vous tenir. Alors que l’album se termine doucement et lentement, comme la queue d’un nuage, My Echo finit par se sentir à la fois profondément triste et étrangement plein d’espoir : il affirme que, malgré la douleur de la vie, il y a aussi de la joie, de la beauté et de la liberté, si vous voulez la trouver.

***1/2