Then Comes Silence: « Machine »

Machine est le cinquième album des rockers suédois Then Comes Silence, et il ressemble certainement à un album réalisé par un groupe qui a mis du temps à trouver son son. Les albums précédents semblaient souvent coincés entre les tendances lourdes du groupe et leur penchant pour les structures et les humeurs post-punk. Là où Machine réussit, c’est à trouver l’équilibre entre ces deux modes. Le résultat est un solide dossier de morceaux de rock gothique qui ne lésinent pas sur les riffs ou les rythmes dansants.

L’ouverture de « We Lose the Night » devrait vous donner une idée assez précise de ce que l’on peut attendre de Then Comes Silence. Les parties de guitare et les rythmes sont très chantés, la batterie se mélange à la manière de Joy Division et Alex Svenson chante à la basse. Ce n’est rien de particulièrement nouveau mais il est remarquable de constater à quel point le groupe travaille bien le son de chaque morceau ; « Apocalypse Flare », « Glass », « Devil » sont tous taillés dans un tissu similaire, mais se distinguent par leurs accroches mémorables.

Les principales variations du disque sont également remarquables pour certaines idées intéressantes qu’ils travaillent dans le son des pistes environnantes. « I Gave You Everything » est un couplet très sinistre, réduit à un simple riff de guitare descendant, à quelques trémolos en filigrane et à 4 simples coups de pied au sol, ce qui donne à son grand refrain un peu plus de jus quand il éclate. « Kill It » est l’un des morceaux les moins sombres, mais avec des touches psychédéliques qui rappellent le vintage Tear Garden. On peut aussi apprécier « Cuts Inside » plus proche, où le groupe se met enfin à une vague permettant aux synthés en toile de fond de briller un peu plus dans le mix pour des atmosphères plus effrayantes.

Machine ressemble en tous points au travail d’un vrai groupe de rock, avec une production et un mixage qui mettent en valeur les points forts de la chanson. Then Comes Silence n’est pas très novateur – et pour être honnête, il y a certainement des moments où ils puisent directement dans certaines de leurs influences – mais ils savent se débrouiller avec un accroche-regard et un refrain et ont le bon sens de faire bouger les choses d’un morceau à l’autre. Si vous recherchez un disque solide de rock gothique moderne, Machine devrait faire l’affaire.

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ADULT.: « Perception is/as/of Deception »

ADULT. font un retour triomphal après leur album This Behavior, sorti en 2018 et qualifié par beaucoup d’un des meilleurs diques de leur carrière. Cette suite effrayante prend donc pour titre Perception is/as/of Deception, un cyclone de pandémonium alimenté par l’anxiété que seul ADULT. saurait exploiter. Alors que This Behavior, a été enregistré dans les bois isolés et enneigés du nord du Michigan, ce nouvel opus a pris vie dans un espace temporaire que le duo a créé en peignant leur sous-sol sans fenêtre entièrement en noir, dans la seule intention de priver leurs sens, de remettre en question leurs perceptions et d’être témoin des ramifications qui en résultent.

Avec plus de 23 ans et une discographie tentaculaire laissée dans leur sillage, Adam Lee Miller et Nicola Kuperus ont souhaité ainsi occulter tout genre ou style défini. Avec une démarche aussi étrange que celle-ci, les passages qui composent Perception is/as/of Deception peuvent être perçues comme leur travail le plus punk et introspectif à ce jour. Les éléments de frustration et d’appréhension qui se sont constamment tissés à travers leur matériau sont à leur apogée, renforcés qu’ils sont par une approche plus « frontale » »et stridente.

Des titres comme « Have I Started at the End » conservent avec succès les signatures EBM classiques du duo et l’agressivité synthétisée, bercés par un mantra qui remet tout en question, quant à leur but ; un « Why Always Why » offrant une mutation désorientante des sons annoncés de la musique de danse classique, tel un remix qui se serait échappé de prison et serait en fuite. L’hymne dystopique, « Total Total Damage », est interprété avec force et énergie, titre où seuls les chants provocateurs de Kuperus soulignent l’état de dégradation constante de la société. Les parties de synthétiseur dramatiquement glamour disséminées dans l’album, bien que parfois de nature sinistre, semblent également rappeler avec miséricorde qu’à travers le voyage au sein du disque, on peut encore apprécier le chaos.

Avec le sentiment de vide qui règne dans l’esprit de beaucoup de gens de nos jours, il y a encore peu de tentatives pour mettre en valeur ces qualités humaines communes et malheureuses avec une sincérité pure. Heureusement, ADULT. a la réputation de longue date de créer la bande sonore de nos insécurités, et Perception is/as/of Deception renforce encore leur position de préhension appréhensive des choses.

***1/

Velvet Kills: « Bodhi Labyrinth »

Le nouveau mini-album Bodhi Labyrinth des darkwavers Velvet Kills, duo basé à Lisbonne, arrive avec le soutien d’un véritable who’s who des labels darkwave underground actuels : Unknown Pleasures, Icy Cold et Manic Depression ont tous leur nom sur la version LP. C’est peut-être l’exhaustivité du coffret Velvet Kills présent qui suscite l’intérêt de tant d’entités différentes. En écoutant les six titres de l’album, vous aurez un aperçu des styles darkwave modernes, de la guitare rock gothique qui se déroule sur « In the Gold Mine » aux synthés étincelants et aux pads aériens de « Bitch Face » et aux vagues sons de clavier exotiques de « Hangover Calling ».

Tous les morceaux sont présentés comme des options raisonnables pour les pistes de danse, selon l’heure de la nuit et le style de musique que vous avez joué. La production est de bon goût et reste à l’écart des chansons. Bien que rien ici ne soit absolument époustouflant en termes de mélodie ou d’accroche, les voix jumelées sombres et menaçantes et les tempos enjoués donnent à la musique une personnalité et un peps suffisants pour s’engager. Les Velvet Kills comprennent clairement ce qu’ils veulent faire et le font avec beaucoup de souffle à défaut d’inspiration.

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Erlend Apneseth: « Fragmentarium »

L’excellent label Hubro Records d’Oslo se consacre depuis plus de dix ans à la production du meilleur, du plus libre et du plus effréné des jazz norvégiens, et sa production ne cesse de s’améliorer. Leur champ d’action est vaste, allant du heavy drone (voir le récent album Lumen Drones) au jazz abstrait de Stein Urheim inspiré par Sun Ra et John Coltrane, en passant par l’avant-folk exploratoire et improvisé. Erlend Apneseth est un véritable bijou dans la couronne du label, et son travail se situe largement du côté plus folklorique du jazz, dans la mesure où il utilise principalement des instruments traditionnels – notamment le violon Hardanger. Mais en réalité, il est impossible de le classer. Il a toujours adopté une approche grégaire de la collaboration : l’année dernière, il a travaillé avec l’accordéoniste Frode Haltli dans le cadre de Salika, Molika, son dique précédent, tandis qu’ici, il creuse encore plus profondément dans la riche couture de la scène underground scandinave, en faisant appel aux talents de guitare du Urheim précité, ainsi que de la pianiste Anja Lauvdal, de Fredrik Luhr Dietrichson à la contrebasse, d’Ida Løvli Hidle à l’accordéon et aux percussions et du multi-instrumentiste Hans Hulbækmo.

L’attrait de Fragmentarium réside dans la façon dont ses parties distinctes et complexes sont rassemblées et rendues simples. Gangar s’ouvre sur une série d’anneaux lumineux qui sont bientôt dépassés par un pas presque dansant. Ses influences vont de la musique concrète aux airs de danse sociale traditionnelle, en passant par une section intermédiaire qui embrasse le prog et la fusion. Il y a aussi des moments de réflexion : l’arc lent de Du Fallande Jord est serein et espacé, étoffé par de généreuses louches de contrebasse et un piano minimal, tandis que le violon d’Apneseth préside à tout, exploratoire et assuré.

La piste titre combine l’électronique détachée de Lauvdal avec des échantillons vocaux choisis à la main dans les archives audio du Folkemusikksenteret de Norvège pour créer un effet qui semble défier le temps. « Gruvene » est une proposition plus chargée, pleine d’improvisation hallucinante (et de cordes) qui galvanise en quelque chose de plus ciblé mais non moins imaginatif, tandis que le court « No, Etterpå » est un morceau de violon triste et d’une simplicité trompeuse qui sert de prélude à « Det Mørknar », un point culminant de l’album, sombre, planant et chargé de synthétiseurs, qui doit autant à Bernie Worrell de Funkadelic qu’à toute notion de musique folk.

Malgré les influences disparates de Fragmentarium, il y a un thème qui court tout au long de l’album et qui se manifeste comme une sorte de scintillement, un mouvement rapide entre la lumière et l’obscurité. C’est une façon de dire, sans paroles, que tout est inclus et que tout est important, que l’expiration de l’accordéon ne serait rien sans sa respiration initiale, que les notes de violon n’auraient pas de sens sans l’espace et le silence qui existent entre elles. C’est un album qui doit tout à l’interconnexion des choses, et qui en est bien conscient. Le dernier morceau, « Omkved », en est l’exemple parfait, une composition d’ensemble qui monte et descend presque sans interruption, où la musicalité rapide crée l’illusion de l’intemporalité et de la répétition sans fin. C’est une musique élémentaire et stimulante, mais l’habileté d’Apneseth et de son groupe est telle qu’elle semble merveilleusement simple.

***1/2

Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la similitude. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue, en effet, à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième opus de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau d’une dream-pop particulière sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, on reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent la crainte. 

Contrairement à Modern Meta Physic, le premier album du groupe,  Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous de Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être tracée. 

Dans une période de turbulence énorme et de gel de la culture, Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommesi nterpellés, nous hésitons.

***1/2

The Innocence Mission: « See You Tomorrow »

La volonté d’aller là où The Innocence Mission veut nous emmener dépendra en grande partie de notre réaction face à la voix plus douce que nature de la chanteuse Karen Peris. The Innocence Mission est le genre de groupe qui se recroqueville sur ses lauriers lorsque Belle & Sebastian se pavane sur le terrain de jeu. Leur 12ème album, See You Tomorrow, les voit labourer un sillon encore un peu plus pianistique qu’auparavant.

À part cela en effet, tous les tropes standards d’Innocence Mission sont présents et corrects. Chant magnifique ; refrains acoustiques furtifs et insistants ; piano joué comme en cas de présomption de pluie imminente. Pour l’essentiel, c’est un album d’un minimalisme absolu et d’une mélancolie mordante, une musique faite pour des gens qui ne sont pas prompts à rejeter quelque chose si cela semble déprimant.

See You Tomorrow est un disque tranquille, un disque pour le matin après une nuit lourde et regrettable. Écoutez J »ohn As Well » avec son contrepoint ponctuel de voix douces avec des chœurs fredonnants, un piano épars et occasionnel et soudain des guitares presque espagnoles. Parfois, Peris chante comme si l’Anglais n’était pas sa langue maternelle, en faisant sonner les mots comme s’ils contenaient un mystère distinct du sens, comme si elle ne les avait entendus qu’une demi-heure plus tôt.

Il faut des jeux répétés pour révéler les profondeurs subtiles, l’orgue à pompe, l’accordéon, la basse électrique, le mélodica, le mellotron. Parfois – comme dans « Mary Margaret In Mid-Air », où Peris joue en duo avec son mari Don, tous deux demandant « Will she love me / Pass it on » – on peut presque entendre le sous-sol dans lequel l’album a été enregistré. Il n’est pas surprenant de découvrir que Sufjan Stevens est un grand fan.

Parfois – sur des chansons comme « We Don’t Know How To Say Why » et « Stars That Fall Away From Us » – elles sont majestueuses, transcendantes, envoûtantes, fascinantes. Vous êtes élevé hors de vous comme s’il était visité par des anges. D’autres fois, comme sur l’ouverture « The Brothers Williams Said », vous voulez leur faire un câlin, leur dire que ça va aller, leur demander s’ils ont besoin d’une bonne tasse de thé. C’est sérieux, c’est ce que nous disons ; pas de la musique pour les gens qui veulent une petite dose de merveille en deux secondes. Il faut vivre avec ça. Admirez sa beauté de loin. Laissez-la opérer sa magie sur vous.

« Je suis toujours à côté de vous » (I’m always on your side), Peris chante très tôt et ça fait du bien, comme si c’était quelque chose que vous vouliez. Oui, c’est précieux et peut-être pas pour tout le monde, mais pour ceux qui aiment ce que fait The Innocence Mission, leur dernière carte postale du bord vous donnera tout ce dont vous avez besoin.

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Mija: « Desert Trash »

Mija a sorti son nouvel album Desert Trash et on peut dire, à lécoute dudit album, que l’ancienne DJ d’EDM sort de sa zone de confort avec ce projet d sans rendre hommage au genre qui l’a amenée là où elle est aujourd’hui. Avec ses 13 titres, cet album est sûr d’emmener tous ceux qui l’écoutent dans une expédition intéressante à travers la forme la plus pure de Mija.

L’album est rempli d’une grande diversité d’humeurs, de personnages et d’émotions évoquées. Parfois, il est sombre de chez sombre. Dans de nombreuses chansons, les percussions occupent le devant de la scène, incorporant des tambours en forme de ventre, associés à un 808 intense qui alourdit la chanson. D’autres chants sont très légers de chez légers. Partout, une phrase musicale répétitive semble être une caractéristique très commune de beaucoup de ces chansons.

« Cover Me » est l’une des chansons les plus légères et elle permet de contraster la lourdeur des autres morceaux et on a l’impression d’entendre quelque chose que l’on s’attendrait à entendre en ouvrant une boîte à musique. À l’opposé, des titres comme « Get Excited » sont on ne peut plus sombres et serait la chanson-thème idéale pour une promenade dans une ruelle onscure au milieu de la nuit.

Une phrase musicale répétitive semble être également une caractéristique très commune de beaucoup de ces chansons on l’entendra par exemple sur des chansons comme « So Close », où ce qui ressemble à une clarinette donne à la composition une atmopshère égyptienne. Ce titre capture le mieux l’essence du titre de l’album, « Desert Trash ». Mija fait un excellent travail sur ce son, en montrant combien de sons et de textures elle peut travailler magistralement sur un support cohésif.

Alors que « So Close » ressemblera sonc à une promenade avec un sphinx, des morceaux comme « The Thrill » donneront l’impression que l’on tombe dans un trou noir sans fin. Une fois de plus, en utilisant le schéma de répétition, le riff de piano de cette chanson est si obsédant et obscur qu’il procure un sentiment d’apesanteur absolue. Une chose est sûre, avec les compositions de cet album, on ne saura jamais où le prochain morceau nous mènera.

***1/2

Pete Morton: « A Golden Thread »

Le nouvel album du chanteur folk, auteur-compositeur, animateur, yogi, « thinktank » de gauche et juke-box humain s’enrichit de huit nouvelles chansons et de deux ballades traditionnelles. Cependant, c’est le défi de l’ouverture avec la chanson titre de Pete Seeger qui montre que Morton est audacieux et qu’il ne se laisse pas aller en douceur à son retour « sur las scène ». C’est peut-être une coïncidence, mais la référence au tissage d’un arc-en-ciel magique est sans doute à souligner à une époque où le service de santé joue un rôle si essentiel dans le maintien des nations au-dessus de l’eau.

Les deux chansons traditionnelles sont de bonne valeur. Ne variant pas trop loin des sentiers (bien) battus, Barbry Allen est aussi familier que la paire de chaussures confortables, un peu abîmées et bien usées, mais faisaient partie de nous. « Farmer’s Boy » clôt l’album avec enthousiasme ; c’est une version entraînante mais majestueuse qui arrive comme selle était entonnée dans une chapelle.

L’humour, la politique et les commentaires sociaux croisent tous le fer ; ils ne sont pas aussi mordants et acerbes que certains de tous les pairs du folk, mais peut-être plus sensibles et perspicaces. La preuve qu’il n’est pas toujours nécessaire de crier ou de se mettre en colère pour mettre le doigt là où il le faut. « The Grenfell Carol » en est un bon exemple : il s’agit d’une tragédie dont les paroles s’unissent pour soutenir la même cause.

Les migrations humaines, le commerce des armes et le changement climatique sont quelques-uns des sujets qui ont attiré l’attention de Morton et sont devenus la cible de ses commentaires. « We Are The Trees By The Side Of The Road » a un swing jazzy – qui rappelle le style de Ranagri – tandis que « Metropolitan Safari » se fraie habilement un chemin parmi une série de monuments de Londres au milieu d’un air enjoué. Ailleurs, le refrain de la chanson « Universal Basic Income » est chanté dans des clubs folkloriques (virtuels) de tout le pays, avec la participation enthousiaste du public.

Avec l’aide d’un groupe comprenant Alice Jones, George Sansome et Matt Quinn, Pete a également joué en duo avec Jude Rees sur une chanson plus ancienne, ce qui lui a permis de faire le point sur Emily Dickinson Revisited (« Good Day », « Mr Nobody »).

Avec près de trente ans de carrière derrière lui, on pourrait à juste titre qualifier Pete Morton de vétéran, mais cela ne remet pas en cause son enthousiasme. Qu’il s’agisse du journal Mojo qui défend son indépendance et sa créativité ou du Glasgow Herald qui tente le destin en classant ses observations ironiques aux côtés de celles du puissant Richard Thompson, il faut rendre hommage à Pete Morton pour son travail sur une oeuvre qui met en évidence sa passion et sa ténacité.

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Mayflower Madame: « Preparing For A Nightmare »

Tout commence assez délicatement, ce second disque prophétique de Mayflower Madame d’Oslo (ils – Trond guitars/vox, Håvard guitar, Ola batterie)- jurent qu’ils ne savaient pas exactement à quel cauchemar ils se préparaient. Il y a un doux grincement de synthé, quelque part entre le sifflement solitaire d’un oiseau de nuit et le chatoiement d’un diapason errant, rien de bien sinistre, mais, assez vite ces sons apparaissent, des sons de guitare, ils grandissent comme s’ils s’approchaient d’un brouillard et ils apportent avec eux d’autres sombres linceuls sonores. Il suffit de s’arrêter, on pourrait jurer que l’air a refroidi. Vous en êtes déjà à une demi-minute et vous pourriez être pardonné de vous demander où vous êtes exactement. Avez-vous été attiré dans une chanson comme vous pensiez l’être ou dans l’ombre d’un asile ou d’un ossuaire ou même d’une combinaison des deux ? Heureusement, comme le temps, la batterie se met en marche et une basse vous calme, tandis qu’une fragile ligne de guitare électrique lysergique reprend la mélodie. Bien que cette fusion ne soit pas vraiment apaisante – elle a, pour être honnête, son propre sens de la menace – elle apporte au moins le confort d’une structure reconnaissable, basée sur des gammes occidentales, par oposition à l’irientalisme, et vous pouvez peut-être vous détendre un peu maintenant, le cauchemar est terminé, mais l’est-il ?

Allez un peu plus loin encore. Le cauchemar vient, d’une certaine manière, de recommencer. Après tout, il s’agit de la chanson titre et, selon la conception et les stéréotype, elle est censée déranger. Très ironique puisque la composition elle-même, une fois qu’elle a pris pied au centre, flotte dans l’éther entre vos oreilles dans un sort de shoegaze presque (presque) rêveur, onirique plutôt qu’inquiétént.

C’est à peu près le modus operandi de Mayflower Madame ; vous séduire par une beauté crépusculaire, puis vous modre les sangs lorsque vous commencez à soupçonner fortement que quelque chose de malencontreux se cache dans la psyché souterraine de la musique. Ce qui, pour l’essentiel, serait bien, sauf qu’elle vous entraîne avec elle, sa force étant inexorable. La façon dont le groupe gère cela n’est pas un mystère en soi – d’une manière similaire mais nettement nordique à Echo & the Bunnymen, il y a une touche de qualité acidulée à leur marque de post-punk, comme si les chansons avaient été au moins occasionnellement filtrées par une machine à vent psychédélique – c’est juste un choix (ou une contrainte) stylistique ; Il s’agit simplement d’un choix stylistique (ou d’une contrainte ; on peut douter qu’il y ait tant de choix) plus difficile à faire qu’il n’y paraît, surtout avec la persuasion que l’on trouve dans « Preparing For A Nightmar »e. Porté par le présage, bordé par la colère et/ou l’anxiété, il y a néanmoins un étrange mais sombrement joyeux courant sous-jacent qui nous est proposé ici, au-delà du fait d’assister à la croissance continue du combo sur son chemin sinueux et unique.

Cette voie, tracée par le célèbre E.P. Premontion datant d’environ un an et demi, nous emmène – au-delà de l’agressivité et de la finesse du premier « single », « Vultures », de la pop mystique de « Swallow » et du brouillard narcotique de « Sacred Core », nous entraîne dans les profondeurs de l’écho de « Gold Mine » – qui suggère le vertigineux paradoxe d’une expansion claustrophobe avant que le disque ne se termine, un peu astucieusement, par un « Endless Shimmer », un plan d’adieu détendu, mais non moins chargé – et d’un joli hochement de tête à sa manière – qui prouve que la peur n’est pas moins palpable lorsqu’elle est lancée au ralenti.

C’est un voyage immersif, qui vous entraîne dans le bourdonnement de la tension de la vie moderne tout en vous envoûtant avec l’évasion implicite de ces grooves de guitare psychique qui, en fait, par les lois de l’ironie tordue, ne font qu’assurer qu’il n’y a pas d’évasion possible. Nous pensons cependant que le premier morceau que vous voudrez revisiter en sortant de cet album, en clignant des yeux au soleil, sera « Ludwig Meidner ».

Martelant l’énergie du Gun Club rencontrant Moodists, ce poème du peintre et graveur expressionniste allemand, créateur des « Paysages apocalyptiques », frissonne de puissance, la section rythmique étant forcément serrée mais presque sauvage avec elle, la voix animée par un but désespéré, notamment lorsqu’il transforme l’expression « danser sur sa tombe » en un acte de vengeance et d’affinité. C’est l’exception sur « Preparing For A Nightmare » qui prouve la règle de Mayflower Madame : ce groupe est l’intensité, quel que soit le tempo. Il n’est pas rare de trouver des artistes utilisant divers niveaux de retenue à des fins puissantes, voire explosives (il suffit de chercher plus loin que Low, par exemple), ce qui est rare, c’est de trouver que cela se fait avec ce somptueux niveau d’artisanat.

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Melkbelly: « Pith »

Pith est le troisième album de ce quatuor punk basé à Chicago et il contient une multitude de riffs et d’accroches avec un peu plus de développement et d’ampleur que d’habitude. Sur les enregistrements précédents, Melkbelly a pleinement profité de sa puissance rageuse et a créé des moments de libération viscérale pleins d’énergie et d’abandon total qui ne laissaient personne indemne.  Ces caractéristiques sont toujours évidentes ici, mais il y a une sorte de douceur prudente sur Pith pour tempérer le cynisme affiché sans pour autant le dépouiller entièrement. La production de ce disque est un peu plus lumineuse, ce qui donne un opus plus vivant et plus identifiable, tout en permettant aux compositions de s’épanouir pleinement et de conserver un impact maximal.

Une chanson comme « Sickeningly Teeth » combine les tendances punk mélodiques de Melkbelly avec des mélodies plus brillantes tout en montrant un peu de muscle. Melkbelly fait contraster un joli petit refrain mélodique qui s’évanouit avec le chant de Miranda Winters avant de laisser place à des hurlements de guitare déformés et à un bruit de basse sourd et persistant tout en jouant avec le tempo, passant d’un rythme effréné à un temp plus ralenti. « Kissing Under Some Bats » permet à Melkbelly de s’étendre et d’embrasser son côté plus « noisy » avec des assauts de guitare qui crient et menacent sur une batterie rapide et enflammée savant de se transformer en une sorte de chant funèbre à la Melvins poussé à l’extrême. Il y a ici un peu de « Sturm und Drang » radical, une bagitation néo-industrielle qui est implacable et claustrophobe, la batterie claque et rugit tandis que les guitares sont noyées et submergées par des pédales à effets qui ajoutent, dans la texture, couches et nappes soniques.

Certains des morceaux les plus mélodiques du disque, des compositions comme « Humid Heart » et « Little Bug » verrontle dernier titre commencee par s’enfermer dans un groove un peu sale avec des fournées percussives ludiques et une guitare croustillante avant de se transformer en un joli chant mélodique. Le chant double de Winters ajoute un élément nouveau et bienvenu et apporte une fraîcheur par-dessus les guitares qui déroulent des vagues de crunchs et de riffs agiles. « Humid Heart », de son côté, présente une mélodie enjouée qui utilise un arrangement labyrinthique où les guitares s’entremêlent tandis que la section rythmique crée une sorte de puzzle entre les six cordes que jamais elles ne s’emmêlent les unes les autres. Une désorientation sétablit alors mais elle est ludique est présente tout au long du morceau avec une bel assemblage de gymnastique instrumentale qui tourne à l’effondrement presque total avant de se fondre en une catalyse finale.

La croissance dont Melkbelly a fait preuve en relativement peu de temps a vraiment été quelque chose à voir et ce disque montre un groupe qui se met en marche de façon exubérante. Miranda Winters et ses acolytes continuent de donner un assaut sonore à chaque morceau, mais avec Pith, il y a quelque chose de plus qui se cache sous la tension et les explosions de folies instrumentales que les fans ont appris à connaître et à aimer. L’arsenal varié présenté ici montre un groupe qui fonctionne à un niveau proche du sommet de sa performance et le resserrement de l’art de la composition ne fait qu’ajouter à la puissance qui a toujours été à portée de main. Pith est un disque plein de tension et de tessons, mais il y a maintenant une chaleur sous-jacente qui renforce son impact. C’est un disque qui s’épanouit de bien des façons et qui accueille toutes les bizarreries qui se présentent à lui, d’un point de vue unique et saisissant.

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