Sufjan Stevens: « Convocations »

18 mai 2021

Sufjan Stevens n’est pas un artiste connu pour fuir les grands projets. Au contraire, il semble les trouver nourrissants ; une grande partie de la reconnaissance précoce du chanteur-compositeur autour des sorties de Michigan et Illinois était liée à son intention déclarée d’écrire un album pour chacun des cinquante états, et beaucoup de ses albums – comme Illinois et The Age of Adz – sont connus pour englober habilement des étendues ambitieuses de divers instruments et genres.

Son dernier opus, Convocations, est l’une de ses entreprises les plus vastes à ce jour, et pourtant, il se lit moins comme un défi que comme un plan mystérieux dans lequel il est attiré. Créé en hommage au père de Stevens, décédé en septembre 2020, Convocations refigure les étapes du deuil en mouvements musicaux (« Meditations », « Lamentation »s, « Revelations », « Celebrations », et « Incantations ») au cours d’un album instrumental de deux heures et demie.

Le travail instrumental n’est pas nouveau pour Stevens ; il a déjà composé de la musique expérimentale, ambiante et sans paroles pour des albums comme Enjoy Your Rabbit, The BQE et, plus récemment, Aporia, l’année dernière. Toutefois, Convocations, par sa longueur et son approche du deuil en tant qu’expérience musicale, est une tentative de quelque chose de différent.

l s’agit d’un album à combustion lente, bien sûr, mais qui guide l’auditeur tout au long de son parcours, avec des arrangements instrumentaux qui s’entremêlent comme une pluie fine, des cordes qui se transforment progressivement en de nouvelles formations, et des percussions qui sonnent et s’entrechoquent à certains endroits et qui vibrent silencieusement mais constamment à d’autres. C’est un album imprégné de sentiments de recherche et de persistance, et il se sent le plus à l’aise dans de vastes paysages sonores, évoquant souvent des cathédrales ou des salles de concert aérées, mais aussi des voyages tranquilles dans l’espace qui rappellent Planetarium. L’absence de paroles est tout à fait appropriée, étant donné que le chagrin lui-même est souvent une chose pour laquelle il n’y a pas de mots – il ne peut pas toujours être exprimé immédiatement par le langage, et doit seulement être ressenti.

Les antécédents religieux de Stevens sont perceptibles dans certaines des textures de l’album, des titres de chaque volume aux cloches qui résonnent dans « Revelation IX » ou un son ressemblant presque à un vieux plancher en bois qui grince dans « Revelation VI ». Il intègre subtilement l’électronique, mais même lorsque les synthétiseurs se développent dans des endroits comme « Lamentation VII », ils ne sont jamais trop présents. L’accent est mis sur la beauté qui se dégage de la musique en tant que tout interconnecté. Cette beauté trouve finalement un axe dans la sonnerie qui s’élève proprement au centre d’« Incantations » et revient dans ses derniers instants, s’achevant sur une seule note unifiée, douce mais claire.

Bien que leurs titres laissent entrevoir des inclinaisons différentes, les cinq volumes qui composent cet album ne sont pas radicalement distincts les uns des autres à grande échelle. Ils ont tous des tonalités et des tendances qui les préoccupent, mais les morceaux de « Revelations », par exemple, n’ont pas tous un son totalement distinct qui les distingue de ceux de « Meditations ». Étant donné la longueur de l’album, les volumes ont également tendance à passer par de nombreuses itérations répétitives – parfois d’une manière qui semble cumulative et subtilement belle, mais parfois au point que l’on a l’impression que la musique prend beaucoup de temps pour trouver son chemin dans ce qu’elle veut transmettre.

Bien sûr, le fait que l’album soit davantage axé sur des mouvements sonores généraux et lents fait partie du propos : chaque étape du deuil se transforme en la suivante, parfois imperceptiblement ou dans une lente accumulation, et porte les notes et les échos de celles qui l’ont précédée.

Sur Convocations, Stevens s’accorde la liberté d’explorer une chose à laquelle son travail s’est toujours intéressé – la composition de vastes paysages sonores instrumentaux – mais de manière plus complète et peut-être plus aboutie qu’auparavant. Il s’agit d’une exploration lente et patiente du deuil, parsemée de moments d’une surprenante beauté mélodique.

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The German Ocean: « The German Ocean »

18 mai 2021

The German Ocean est un duo basé au Royaume-Uni, composé de Darren j Holloway et Gavin Martin, et cet album éponyme est leur premier album. Les sons évoquent de façon cinématographique ceux d’un sous-marin de la Seconde Guerre mondiale se frayant furtivement un chemin à travers la mer du Nord. D’où le nom du groupe et le titre de l’album. En substance, ces efforts s’inscrivent dans la lignée des genres drone et dark ambient, avec des textures spacieuses, des tonalités pulsées et oscillantes, ainsi que des accords de guitare et d’orgue longs et granuleux.

L’atmosphère lente est ponctuée de moments propulsifs, de nature presque mécanique. Ces morceaux tendent vers la mélancolie, voire l’anxiété, avec un danger juste à portée de vue. Le résultat est un album mystérieux et fascinant, qui a beaucoup à offrir aux fans de Lustmord ou de Sunn O))). Hautement recommandé.

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Sons of Kemet: « Black To The Future »

17 mai 2021

Après la sortie du « single » « Hustle » », un titre qui a vu Sons of Kemet s’associer à l’un des plus grands rappeurs/artistes du Royaume-Uni, Kojey Radical, l’attente de leur nouvel album Black To The Future était presque insupportable. Mélange parfait de jazz et de grime, avec une production à tomber par terre et une accroche qui vous accompagnera toute la journée, «  Hustle «  a fait de Black To The Future un album de jazz comme on n’en a jamais entendu. Aujourd’hui, à sa sortie, ce opus refuse d’être confiné dans un genre particulier, car Sons of Kemet réalise l’un des albums les plus atmosphériques de l’année et ce qui ne peut être décrit que comme un chef-d’œuvre du début à la fin.

L’album s’impose comme un projet qui ne fera aucun prisonnier dès le départ grâce au morceau d’ouverture «  Field Negus », qui comprend un poème parlé obsédant sur un free jazz subtil. La douleur des mots qui sont prononcés et de leur livraison – combinée à la nature chaotique du jazz qui les accompagne – joue comme une tourmente doublée sur un lit de feu. C’est comme si vous aviez un aperçu de la fin du monde lorsque les mots « BurnItAll » sont répétés et que nous entrons dans la deuxième piste.

À partir de là, l’ensemble du LP refuse de se relâcher. Chaque chanson est imprévisible : certaines contiennent des arrangements jazz incroyablement structurés, d’autres vous offrent des voix soul et grime, et d’autres encore vous plongent dans un chaos total. 

Et il y a une couche plus profonde qui rend cet album encore plus parfait. Pour tout dire, on peut comprendre la lutte que mènent les personnes de couleur dans une société systématiquement raciste.

L’utilisation du free jazz, cependant, aide certainement à faire passer le message. Témoignage de la capacité de la musique à décrire quelque chose mieux que les mots ne le pourraient jamais, Sons of Kemet prend le free jazz et rend hommage à son histoire en tant que genre contestataire, tout en reconnaissant que les choses ont changé au cours des 70 dernières années. L’album résume le sort actuel des minorités en s’inspirant de l’influence de ceux qui les ont précédés. Beaucoup de ces chansons sont des chaos (comme dans le free jazz), mais lorsqu’il y a de l’improvisation, elle n’envahit pas l’album. 

Musicalement, Black To The Future est exemplaire et il est impossible de lui trouver des défauts. C’est un mélange de chaos qui sonne comme si une capsule temporelle avait été envoyée dans le passé, recouverte de colle et traînée à travers une histoire de notes musicales inspirées par l’oppression et l’agitation. Le message de l’album et ce qu’il représente s’affichent parfaitement alors que des sons dont les racines sont ancrées dans le chaos reçoivent une certaine structure. Tout cela se combine de la plus belle des manières, ce qui signifie que Sons of Kemet parvient à livrer l’un des albums les lus notables de cette année 2021 jusqu’à présent. 

***1/2


Electric Looking Glass: « Somewhere Flowers Grow »

17 mai 2021

« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ce Somewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA. 

Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.

Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.

Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avec ses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.

Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie  » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé. 

Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.

****1/2


Spread Joy: « Spread Joy »

17 mai 2021

Spread Joy, de Chicago, est un groupe post-punk intensément soudé qui donne tout ce qu’il a sur son premier album de 14 minutes (sic!) au moyen de titres excitants et courts. Les guitares aiguisées et la batterie rythmée et courte permettent à chaque chanson de Spread Joy de s’enchaîner parfaitement et de créer une expérience sans faille de la piste 1 à la piste 10. Si l’on ajoute le style vocal nerveux de Briana Hernandez, qui oscille entre narration et riot grrl, on comprend tout l’impact de Spread Joy.

Dès les 54 secondes de l’ouverture, « St. Tropez », le groupe démarre et arrête les instruments avec un effet dramatique pendant la première moitié avant de terminer avec une fièvre brûlante. Compte tenu de la longueur du morceau, c’est une écoute remarquable car Spread Joy ne laisse rien au hasard.

La connexion à Wire tout au long de l’album est une comparaison facile, surtout sur un morceau comme « Unoriginal » qui utilise des accords sautillants très similaires à la « Three Girl Rhumba » du groupe, qui a été rendue célèbre en 94′ avec « Connection » d’Elastica. C’est une chanson extrêmement accrocheuse qui est aussi la plus longue de l’album à 2:07 (re-sic !).

Il est important de savoir que même si c’est le début de Spread Joy, il a des membres qui ont joué dans Negative Scanner et Human Beat ce qui devrait vous dire de vous attendre à plus avant même d’appuyer sur play. Les morceaux sont ridiculement simples mais tellement propres. Vous pouvez presque voir la sueur du travail complexe de la guitare et sentir sa connexion avec la batterie. Et quand on y ajoute les paroles spontanées et désinvoltes d’Hernandez, ce premier album devient mémorable.. Le seul reproche sera la brièvété d’un opus qui vous fera instamment remettre le disque sur la platine.. ou espérer la venue rapide d’une nouvelle production.

***1/2


Squid: « Bright Green Field »

17 mai 2021

Ces deux dernières années ont ressemblé à une nouvelle période dorée de la musique britannique avant-gardiste.  On a , ainsi, assisté à une fascinante collision sonore entre l’indie, le jazz, le post-punk, l’art-rock et l’avant-pop qui a donné naissance à diverses énigmes musicales telles que Black Midi, Black Country, New Road, Shame, Dry Cleaning et les diverses incarnations jazz de Shabaka Hutchings. L’esprit d’expérimentation et la volonté de repousser ou d’ignorer les frontières et les limites des genres traversent ces groupes et bien d’autres, qui font entrer la musique dans le XXIe siècle.

Formé à Brighton, Squid a signé sur le légendaire label électronique Warp pour son premier album, signe de sa propension et de sa capacité à mêler la danse à l’art rock intellectuel et aux paysages sonores d’avant-garde. Cela peut sembler être une recette pour un son désordonné, mais la force du groupe réside dans sa façon de gérer ces sons, de laisser de l’espace lorsque c’est nécessaire et de se laisser aller à des rafales de rythmes, de discordances et d’émotions fortes lorsque les chansons l’exigent.

Le chanteur principal, Ollie Judge, possède une voix imposante qui aboie, jappe et chante de temps en temps, ce qui peut dissuader certains auditeurs potentiels. On retrouve clairement le style déclamatoire (et parfois obtus) de Mark E Smith ainsi que de James Murphy de LCD Soundsystem. Judge utilise une gamme d’approches stylistiques de sa voix – sur « Documentary Filmmaker », il canalise même ainsi l’austérité lunatique de Paul Banks d’Interpol, un répit pour ceux qui préfèrent une approche plus traditionnelle.

***1/2


Weezer: « Van Weezer »

17 mai 2021

En l’espace de 5 mois, Weezer – Rivers Cuomo (chant), Patrick Wilson (batterie), Brian Bell (guitare) et Scott Shriner (basse) – s’apprête à sortir son deuxième album studio de l’année, Van Weezer, le vendredi 7 mai 2021 via Crush Music/Atlantic.

Le 28 janvier 2021, Weezer a surpris ses fans en leur présentant un nouvel album, OK Human, composé de piano et d’orchestre, annoncé quelques jours seulement avant sa sortie. Comme prévu, les sons touchants d’OK Human ont été un succès parmi les fans de Weezer qui attendaient le prochain album du quatuor depuis que le monde a basculé il y a un peu plus d’un an. Agréable surprise, OK Human serait le prédécesseur de Van Weezer, qui devait initialement sortir en mai 2020, mais qui a été mis en attente à cause de la pandémie. Produit par Suzy Shinn (Panic ! At The Disco, Fall Out Boy), Van Weezer est prêt à sortir en 2021 avec l’arrivée d’une nouvelle année et des cieux plus ensoleillés.

En apprenant quelque chose de nouveau chaque jour, l’inspiration initiale de Van Weezer est en fait venue de ce qui pourrait être un endroit inattendu pour le quatuor Pop Rock, le Hard Rock et le Heavy Metal. En creusant un peu plus, on s’aperçoit que le Hard Rock et le Heavy Metal font partie des racines musicales de Weezer, Cuomo étant un grand fan de KISS, Bell adorant Black Sabbath, Wilson vénérant Van Halen et Shriner aimant Slayer et Metallica. Il est certain que les garçons de Weezer ont grandi en se tapant la tête sur certains des morceaux les plus rock qui soient. Et nous savons ce que vous pensez, Weezer a-t-il vraiment écrit un album de Metal ? Eh bien, écoutons-le et découvrons-le.

Le puissant Van Weezer commence par le titre « The End of the Game ». Commençant par un riff intentionnellement similaire à « Eruption » de Van Halen (1978) en guise d’intro, ce morceau inclut également une pincée d’harmoniques de guitare d’Eddie Van Halen dans le cadre du riff principal accrocheur. Dans l’ensemble, la chanson est très proche de la marque de fabrique de Weezer, douce et adolescente. En gardant le même rythme, « All The Good Ones » est une autre chanson jeune de Weezer sur le fait de ne jamais être capable de trouver la bonne fille et de la trouver quand même. Avec une attaque de batterie addictive « Hero » est le suivant, suivi de « I Need Some of That », inspiré du pop rock des années 1980, qui vous fera bouger la tête.

Avec ce qui ressemble à un solo de guitare inspiré d’Eddie Van Halen, « Beginning of the End » précède « Blue Dream » qui est essentiellement une reprise musicale du « Crazy Train » d’Ozzy Osbourne, mais avec des paroles différentes. Ensuite, Weezer espère « 1 More Hit » qui mélange le Pop Rock avec un pont Rock très lourd. En fin de partie, Weezer délivre le son d’une moto en guise d’intro à « Sheila Can Do It » avant « She Needs Me » et se termine par un solo de Cuomo sur une guitare acoustique pour « Precious Metal Girl ».

Alors, Weezer a-t-il écrit un album de Metal ? Eh bien non, pas du tout. À l’exception de quelques moments inspirés du Heavy Metal ici et là, Van Weezer est bien plus un album pop rock amusant que du Metal. En substance, ce que vous obtenez sur Van Weezer est du Weezer et avec des chansons accrocheuses comme « I Need Some of That », «  The End of the Game » et  » »Precious Metal Girl » », les fans de Weezer seront heureux.

***1/2


Dag Rosenqvist: « Vraen Centrum »

17 mai 2021

Expansif, futuriste et trempé par la pluie, Vraen Centrum de Dag Rosenqvist emmène les auditeurs dans une métropole nocturne, et c’est un spectacle étonnant à voir. Ses rues regorgent de synthétiseurs qui brillent comme des bijoux et des logos éclairés au néon. La musique de Vraen Centrum porte ses influences sur ses manches, les brandissant comme un ensemble impressionnant de tatouages. Des éléments de néo-noir, de science-fiction, de cyberpunk et de tech noir peuplent chaque coin et chaque rue, mais elle a aussi un pied dans le passé, grâce à son histoire d’amour avec les années 80. Toute sa luminescence et ses couleurs vives, baignées de néon, se retrouvent dans l’ordinateur central de Rosenqvist, mais la musique marche aussi à un rythme régulier d’un morceau à l’autre, se déroulant patiemment, donnant à ce nouveau LP une ambiance de bande-son lourde, comme Blade Runner dans une dimension alternative.

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Les synthés sont aussi froids que la pluie, n’émettant pas vraiment de lumière, si ce n’est un bref éclair ou un stroboscope intermittent de néon. Rosenqvist a toujours essayé de faire progresser sa musicalité, et sa musique est capable de s’affranchir d’un style ou d’un genre concret grâce à cela. La musique immersive est rendue d’autant plus forte par des enchaînements ambiants, qui offrent un répit à un synthétiseur à la lame dure. À un moment donné, une guitare se dose sur une épaisse réverbération, et ses notes éclaboussent des flaques profondes. Mais même dans ce cas, les synthés de l’État policier ne sont jamais loin, suivant les notes les plus douces grâce à leur intelligence artificielle. D’épaisses plaques électroniques résonnent au-dessus de nos têtes, perçant l’air comme les pales rotatives d’un hélicoptère du futur. Ces synthés grondants semblent avoir faim, d’une certaine manière, et ce disque ne manquera pas de vous mettre en appétit.

***1/2


Part Timer: « Reaching Ends »

17 mai 2021

Sur Reaching Ends, Part Timer (John McCaffrey) présente aux auditeurs une collection de neuf chansons de réflexion. D’une durée d’un peu plus d’une demi-heure, c’est la musique idéale pour les moments de repos. Les instrumentaux contiennent des signatures post-rock, mais ils penchent vers le spectre ambiant. Des soupçons d’expérimentation s’y cachent également, avec des berceuses en papier et la plus légère addition d’électronique ludique aux yeux brillants.

La guitare fournit une sélection de mélodies somnolentes de fin d’après-midi, dont la tonalité est toujours claire. Rien n’est déplacé, rien n’abuse, tout a été coupé à la perfection, et tout est parfait. Bien que la plupart des chansons ne dépassent pas les trois minutes, il y a beaucoup de place pour que la musique s’étende, et elles ne sont jamais atténuées malgré la minceur de la coupe. La brièveté permet aux chansons de briller de mille feux. Chaque chanson est distincte, bien charnue et mature, elle possède une personnalité unique tout en partageant un point commun dans la bonté de son âme. McCaffrey est extrêmement doué lorsqu’il s’agit de donner une image émotionnelle précise et l’état d’esprit du moment de la musique. Ses instrumentaux sont capables d’en dire plus que la musique vocale à base de paroles.

Les chansons brillent et rayonnent de leur propre chaleur spirituelle en dépit (ou à cause) de leur durée de vie limitée. Le titre de l’album est d’une beauté à couper le souffle. Dans cette chanson, les arrangements de cordes émouvants semblent minces, malgré leurs nombreux numéros. Des notes s’échappent également des cordes de la guitare, et toutes les pièces se mettent en place naturellement. Avec un peu plus de deux minutes, elle en dit assez, en fait assez, et va même au-delà, en disant plus en l’espace de deux minutes que beaucoup en disent en dix.  « Final Form » », plus long, est beau et tendre, aussi jeune et frais qu’un bébé. Dans cette chanson, le piano évasé est rejoint par une légère percussion – à peine un frôlement sur les côtés de son doux piano – et l’ensemble du morceau ressemble à une cargaison précieuse ; il contient un moment qui ne pourra jamais être capturé à nouveau, mais qui reste dans le cœur pour toujours, sans jamais mourir ou voir la décomposition. Le mélange parfait de piano et de cordes, tout en ajoutant un fond d’air ambiant doucement tamisé, permet à la musique de passer à travers. C’est rassurant, doux et, surtout, nous offre une tranche non négligeable de bonté.

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Joe Morris & Damon Smith: » Gusts Against Particles »

17 mai 2021

Certains genres musicaux nécessitent, ou du moins sont centrés sur, certains instruments joués de certaines manières. Les quatuors à cordes, les groupes de rock, les formations de jazz traditionnelles, etc. en sont des exemples. Ce qui fait de l’improvisation libre un choix stylistique inhabituellement rafraîchissant, c’est qu’elle peut être jouée avec littéralement n’importe quelle combinaison d’instruments et de styles. Ainsi, Gusts Against Particles est un ensemble de duos entre le guitariste Joe Morris et le bassiste Damon Smith qui est à la fois fascinant à écouter et qui permet de remettre en question le processus traditionnel de création musicale.

Morris et Smith se lancent dans chacun de ces cinq longs morceaux sans structure ni mélodie préétablies. Au lieu de cela, ils se nourrissent l’un l’autre et laissent la musique évoluer avec un manque flagrant de répétition. Le jeu de Morris est caractérisé par son piquant et son angularité typiques, la plupart du temps en jouant des notes claires sur un instrument acoustique.

Smith, lui, alterne entre le pincement et le travail à l’archet, ce dernier étant à la fois puissant et triste par moments. Ils remplissent l’air de notes jouées à un rythme soutenu, portant un son global qui nécessiterait normalement plus de deux musiciens. Mais ils utilisent aussi tous deux des techniques étendues dans et autour de ces efforts, avec des tapotements, des grincements, des cliquetis et des grattages.

Comme la meilleure improvisation libre, Gusts Against Particles est tout simplement exaltant. Il se prête à une écoute active, sans que l’on sache vraiment où il va nous mener. Les moments les plus forts, et ils sont nombreux, sont ceux où Morris et Smith semblent tous deux jouer en solo de manière indépendante, mais d’une manière qui, d’une certaine façon, fonctionne ensemble et est complémentaire.

Ce n’est certes pas la première rencontre entre Morris et Smith, mais c’est leur premier enregistrement en tant que duo et, en tant que tel, il ne peut que vous laisser sur votre faim.

***1/2