Keeley Forsyth: « Debris »

Au début, la voix de Keeley Forsyth est la seule chose que l’on peut entendre. Le titre « Debris » invite immédiatement à la comparaison avec les registres timbraux de Marianne Faithful et Nina Simone et le vibrato caractéristique d’Anohni. La voix de Forsyth est à l’avant-plan de son premier album, soutenue avec grâce et déférence par une mise en scène musicale compacte mais terriblement expressive jouée par Sam Hobbs, Mark Creswell et Matthew Bourne ; ce qui en fait une belle entrée équilibrée et pleine de confiance dans le monde de la musique.

Forsyth est peut-être nouvelle sur cette scène, mais elle travaille comme actrice depuis plus de vingt ans, ayant joué dans un certain nombre de longs métrages et de séries télévisées acclamés, ce qui a eu un impact considérable sur sa musique. « Black Bull » fait allusion à l’instinct naturel de Forsyth pour la musicalité. Construite sur une phrase spartiate de deux notes avec un doux accompagnement au piano et aux cordes, cette chanson est si calme que l’on croit entendre les cordes se pincer, mais c’est l’immédiateté de la mélodie vocale et le lyrisme poétique qui font avancer la chanson et l’amènent à une poignante sublimité.

Forsyth est capable de créer une profondeur incroyable avec des mots et un phrasé simples, en les combinant d’une manière insaisissable tout en établissant un contact émotionnel complet. Dès le troisième morceau, « It’s Raining », sa maîtrise dramatique commence à se révéler plus complètement ; le roulement des « r », les « p » mouillés et la transition entre la voix de la tête et celle de la poitrine qui refuse d’être discrète.

En canalisant le confessionnal narratif de « Both Sides Now de Joni Mitchell, Forsyth oscille entre des chuchotements aigus et des résonances de roseaux, créant d’une certaine manière une chanson pleinement développée à partir de seulement une poignée de paroles curieuses la confirmant comme une maîtresse de son propre matériel. À mi-chemin de l’album, « Lost »s’annonce comme le sommet émotionnel de ce début étonnant. S’élevant et s’effondrant comme un tremblement de terre, éphémère et intense, cette déclaration hymnique bondit dans votre imagination avec des paroles qui mêlent le conceptuel et le concret, donnant lieu à un portrait de l’émotion à la fois fondé et hors de portée : « C’est ça, la folie ? / L’espace lisse après que toutes les frontières aient été dissoutes / Là où il y a du vent, du vent fort / Mais pas de grands arbres pour qu’il puisse se débattre / Pas de seaux pour qu’il puisse fouler la cour / Là où les tables sont vides, où les tables disparaissent / Là où les serveurs sont tombés depuis longtemps dans les montagnes / Et les montagnes se sont effondrées en ruisseaux ». Avec un chœur fantomatique qui chante en arrière-plan, et les cordes de Bourne qui se gonflent d’une mélancolie exaltée, Forsyth fait le pont entre la poésie de performance et la chanson, invitant l’auditeur à ressentir avec elle, la douleur exquise d’être en vie.

Si le single « Debris » a été choisi, ce n’est pas le meilleur morceau de l’album – peut-être parce qu’on a l’impression que Forsyth se retient et que la qualité de son timbre puissant est un peu distrayante. Le dernier morceau semble être un choix plus naturel. Le titre « Start Again » est un morceau autonome, accessible sur le plan stylistique, dont la structure est plus conventionnelle et qui est le seul morceau du disque à contenir un rythme percutant, ce qui lui donne un élan tranquillement irrésistible.

La transition peut être délicate lorsqu’un acteur décide de se lancer dans la musique. Si un profil élevé peut se prêter à une sortie rapide, il s’avère difficile de se dégager du facteur de nouveauté pour permettre de juger la musique uniquement sur son mérite. Le saut disciplinaire de Forsyth est cependant distinctement authentique et, ironiquement, c’est à cause de son expérience dramatique. L »actrice de Harrogate travaille avec les artistes/réalisateurs Iain et Jane Pollard pour l’aider à « visualiser la performance à plus grande échelle ». Les Pollard ont travaillé avec un large éventail d’artistes, d’interprètes et de musiciens britanniques, dont Nick Cave, Florence Pugh, Elena Tonra, George MacKay et bien d’autres, dans des films, des installations et des expositions dans tout le Royaume-Uni.

Il n’est pas fréquent qu’un musicien cite des chorégraphes comme ayant une influence directe sur sa musique, mais Forsyth a nommé la danseuse allemande Pina Bausch comme une source d’inspiration majeure et son travail avec le directeur de mouvement britannique Imogen Knight comme une force contributive à sa musique et à la performance associée. « Je ne cherche pas à faire des mélodies ou des chœurs et je me fiche que ma musique soit inaudible », déclare Forsyth, qui soutient qu’elle ne sert que le but de la musique, « le corps est le même. Je bouge d’une manière particulière quand je joue et jamais pour le plaisir de bouger ».

La physicalité et l’aspect performatif s’entendent tout au long de l’album, à travers les choix de Forsyth ; le souffle et le rythme, ainsi que la distance qui la sépare du micro, sont tous propres à un style vocal qui s’annonce avec assurance dès le départ. La familiarité et la confiance de Forsyth avec le matériel peuvent être entendues à travers chaque inflexion et récitation. C’est un début audacieux, honnête et surprenant.

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The Tor Guides: « Backwards In Reverse »

The Tor Guides est un projet mis sur pied par un vétéran de la nouvelle vague pop Torbjorn Pettersson, qui, après avoir sorti son premier « single » il y a près de quatre décennies, reste cantonné fermement dans la pop façon 60 . Le dernier album des Tor Guides Backwards In Reverse est epresque une traduction littérale de la musique qu’on y trouve Un hommage aux influences avec une reconstruction tordue avec une base émotionnelle – « Just a Smil » » de Pilot et « See My Baby Jive » de Wizzard. Ces chansons signifient quelque chose pour Torbjorn, et d’une certaine manière, il paie son dû ici. Heureusement, les progrès réalisés sur les précieux albums Strawberries and Chocolates et Lots Of The Pops sont toujours là, mais avec une part supplémentaire de nostalgie pour faire bonne mesure.

Backwards In Reverse s’ouvre sur les tensions mélodiques de la positivité qui se dégagent de « To Be » avec comme un soleil résonnant sorti desdes haut-parleurs. On passe ensuite à la chanson plus mélancolique « My Wits About Me » ; un riff descendant, inspiré et, d’une certaine manière, addictif, ancré avec le chatoiement des Beach Boys. Il s’agit d’un honnête moment de préparation des Rickenbackers. Bien que la ballade au piano « In A Good Place » serve de vitrine à la profondeur et à la douceur des tuyaux de Pettersson, ‘instrumentation est sans faille ici comme sur une grande partie de l’album. Ce n’est pas une affaire très dense, mais subtile, ce qui donne un son agréable.

Quant aux reprises, « See My Baby Jive » est presque méconnaissable, une reconstruction totale qui, rien que pour le refrain, peut être confondue avec un original. La version de « Just A Smile » »a une qualité optimiste, plus intéressante qu’un effort qui surpasserait l’original. Il y a quelque chose de sain dans le style des Tor Guides, et la deuxième moitié du disque s’écoule vraiment avec une dynamique entraînante. « Always Somewhere Else » est l’un de ces morceaux, tandis que « My Midas Touch », au rythme plus lent, est une réflexion sur soi qui maintiendra le même l’élan.

Les derniers morceaux sont très pop, « My Hippie Mess » est un bel exemplaire de ludisme lyrique qui s’appuie sur une orchestration extraordinaire, et le « closer », « Something That We Do »nous régale de bons et de rebonds élégants avec un solo qui frappe là où il doit frapper et le fait de belle anière. The Tor Guides ont réalisé ici un très bel album, qui mérite une attention sérieuse, pour les amateurs de rock des années 70 à la Todd Rundgren.

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Wire: « Mind Hive »

Avec des thèmes politiques attendus qui cherchent à s’enraciner dans le disque, plutôt qu’à le surcompenser ainsi qu’une utilisation magistrale des synthés et des guitares, la dernière parution de Wire, Mind Hive poursuit la capacité du groupe à repousser les limites du rock, du post-punk et du punk.

Le chant exagéré de Colin Newman s’épanche sur le premier morceau « Be Like The » », un titre sombre qui critique le rêve capitaliste d’un succès mesuré à l’aune de l’argent. Plutôt que de s’affronter, les guitares se complètent et se suivent. C’est un excellent début pour un disque passionnant, mais qui laisse beaucoup à révéler, peu enclin à gâcher mais à susciter l’attente.

« Cactused », le titre phare, , est totalement différent. Il est beaucoup plus optimiste et complètement dansable. Des éléments de Britpop et des sons vifs donnent à ce morceau un sentiment de confiance, et il est clair que Wire incline une finition moderne. Les éléments pop sont toujours visibles sur le troisième morceau, « Primed And Ready », bien que cette fois-ci, il y ait des riffs de guitare profonds et un synthétiseur magique qui le transperce et des percussions crépitantes renforcent ses sonorités plus dures. « Off The Beach » d’une manière apparemment mélodie positive et joyeuse grâce à sa mélodie, mais ce qui commence comme un com^position désinvolte, révèle rapidement un sens plus profond et caché, qui culmine dans les paroles qui nous emmènent sur sur une route plus sinistre et une inébranlable critique de la société.

Les mélodies positives et bienheureuses continueront sur « Unrepentant » et « Shadows ». Malgré cela, le premier titre explorera de nouveaux sommets sonores, avec un style vocal tout à fait particulier ; c’est comme si le disque lui-même traçait une sorte de parcours dans la façon dont les histoires de chaque morceau sont racontées. Juxtaposez cela avec le second, et vous obtenez quelque chose de similaire sur le plan sonique, mais avec un fond de paroles tranchantes et dures. Wire conserve cette habileté brillante pour vous attirer avec une mélodie apparemment inoffensive, et vous interpeller dans la réalisation d’une chanson véhiculant un message beaucoup plus nuancé que ce que l’on pensait à l’origine.

Les explosifs « Oklahoma » et « Hung » reprennent un peu les choses an main en passant des morceaux plus lents aux thèmes classiques du post-punk, cette fois avec des synthés et d’autres effets. Le disque se termine par le magnifique « Humming » ; est une fin mesurée et tendre pour un album imprévisible et surprenant. Le post-punk est bien vivant, et Wire ne fait que le prouver davantage par une musique qui définit le genre et qui trouve l’équilibre parfait entre le son et le message.

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Interview de Burning House: « Le Concept Exécuté »

Ce qui peut impressionner chez les revivalistes du shoegaze de Southampton que sont Burning House, c’est l’audace pure et simple de leur premier album Anthropocene. Puisant dans l’art rock, le post-rock et la dream-pop avec des morceaux dépassant généralement les six minutes (« Robinson » atteignant par exemple la barre vertigineuse des onze minutes !) tout en faisant référence au mysticisme, à la poésie révolutionnaire et à la littérature dystopique de la SF, on a eu l’impression que c’est déjà le magnus opus culminant de toute l’œuvre de la longue carrière d’un artiste plutôt qu’un tout premier opus. Il est actuellement courant de qualifier de cinématographique tout disque un tant soit peu « spatial », on pourra considérer que Anthropocène ressemble à un film épiqueet mystique à la fois, quelque chose du genre qu’aucun réalisateur n’a osé faire au XXIe siècle jusqu’à présent – ce qui est très approprié pour un groupe qui tire son nom de la scène de clôture du Sacrifice de Tarkovsky.

Dirigé par le guitariste et chanteur Aaron Mills, le contrarié autoproclamé et « iconoclaste né » réfléchit attentivement à cette assertion ainsi soumise et s’en empare avec l’enthousiasme d’un jeune chirurgien au bord de sa première intervention. Quand on lui demande ce qui l’a poussé à adopter un son de guitare aussi peu conventionnel à une si grande échelle, il est intéressant de découvrir qu’il avaitpris une direction totalement différente en tant que producteur et DJ : « Je suis devenu vraiment obsédé par Aphex Twin et Warp Records. Cela m’a incité à poser ma guitare. Je me suis donc concentré sur la réalisation de beats et d’ambiances, entre autres avec tempérance mais aussi alacrité ».

Bien qu’utilisant des méthodes très différentes, il y a une similitude d’approche entre les artistes de Warp Records et ceux d’un label sur lequel on s’attendrait à ce que Burning House réside comme 4AD ou Creation, en termes d’encouragement à l’expérimentation et d’adoption d’une ambiance expansive, de sons flous et de murs de distorsion denses. Les différents côtés d’une même pièce avec Warp étant numérique et les autres mentionnés analogiques, c’est la découverte de cet esprit pionnier dans les groupes de la fin des années 80 et du début des années 90 qui a conduit Mills à reprendre la guitare : « Je m’y suis remis en découvrant My Bloody Valentine vraiment, et c’était de la musique pour guitare qui allait au-delà de la musique pour guitare. Elle fait son propre truc, donctionne pour elle-même et ne semble pas être limitée. C’est une sorte de simplicité trompeuse, mais il y a tous ces différents timbres, couleurs et textures. C’est un peu comme ça que je m’assois avec elle. Et ce sont d’autres groupes qui m’ont fait penser qu’on peut faire les choses différemment avec des structures de chansons comme Red House Painters et Smashing Pumpkins.. »

Il poursuit : « C’est vraiment l’expérimentation qui m’a séduit et je me suis dit : « Oh oui, la musique pour guitare n’a pas besoin d’adhérer à des riffs et des clichés. Elle peut aller n’importe où. C’est juste du son. Ce ne sont que des morceaux de son, elle peut les maximiser, et vous pouvez faire toutes sortes de choses avec elle » ».

Inspiré et désireux de créer quelque chose au-delà des limites qu’il avait ressenties en apprenant à jouer de la guitare sur les tubes de la Britpop que l’on trouve dans Guitar Magazine, Mills a synthétisé un style qui mélange sa programmation avec un pédalier toujours plus grand. Il est vite devenu évident qu’il devait faire équipe avec d’autres, mais il a trouvé qu’il était quelque peu contrarié par la nature provinciale de sa ville natale : « Au début, je faisais des bouts de démos dans ma chambre. J’avais toute une liste de différents styles de musique et de groupes et de choses que j’avais l’habitude de mettre sur des sites de publicité… ils étaient pour la plupart obscurs, à part quelques uns. Ils ont probablement intimidé ou repoussé quelqu’un parce que je suis vraiment contre, vivant à Southampton. Si j’étais à Londres ou à Berlin ou quelque chose comme ça, il y aurait peut-être eu plus de candidats potentiels.

Si Mills a peut-être eu du mal au début à trouver des collaborateurs en raison de son emplacement, on peut lui rétorquer que ceux qui se trouvent en dehors de la bulle londonienne sont peut-être moins sujets aux tendances ou aux modes et sont plus engagés à créer une musique qui en fait vraiment partie plutôt que d’accumuler une sorte de monnaie sociale. Un point sur lequel Mills est d’accord, même s’il est conscient, à contrecœur, de la nécessité de se présenter au monde pour se faire entendre : « Je pense que c’est un bon point… Mais quand j’ai commencé Burning House, je voulais juste faire de la musique qui soit bonne et ressemblait aux groupes que j’écoutais. Je ne l’ai même pas conceptualisé au-delà de l’enregistrement d’un album. Je voulais juste enregistrer un album et je voulais en faire une pierre de touche de la musique que je pourrais opposer à mes disques préférés.

C’est seulement quand on commence à réaliser que ce n’était pas suffisant qu’on a compris que pur faire un disque, il faut être visible. Je crois que j’ai abordé la question sous un angle un peu rétrograde. Je pense que certaines personnes sont dans des groupes, peut-être que je suis cynique, juste pour être cool ou pour m’envoyer en l’air ou pour avoir quelque chose à faire. Je suis obsédé par la musique et l’art, je suis très motivé par l’idée de faire de belles choses ou des choses que je considère comme belles ».

Le fait de se concentrer sur la création d’un disque plutôt que de jouer devant le plus grand nombre de personnes possible permet alors de lui demander s’il avait l’impression qu’il s’agissait plus d’un groupe de studio que d’un groupe de scène. Le chanteur à la voix douce a déclaré qu’ils ont peut-être préféré au départ leur propre environnement sûr en raison « d’inhibitions dont je ne pouvais pas me défaire ». Cependant, ils ont appris à accepter d’être sur scène au fur et à mesure de leur évolution en termes de son et de musique. « Je pense que j’ai changé, je pense que ma vision conceptuelle est beaucoup plus grande qu’avant. Même à l’époque, quand je disais que j’étais orienté vers le studio, j’espérais que beaucoup de gens s’y accrocheraient. Je l’ai abordée d’un point de vue un peu rétrograde à certains égards ».

Comme il a été noté, Anthropocène n’est pas un disque qui manque d’ambition et n’est certainement pas échelonné par la perspective de s’attaquer aux grandes idées sur quinze longues pistes (pour la plupart) – même le nom est une référence à la sixième extinction massive actuellement précipitée par le capitalisme de la dernière phase où l’industrie humaine est désormais le facteur déterminant qui affecte tous les écosystèmes. Au début, le processus d’enregistrement a été « assailli par de nombreuses difficultés techniques », mais Mills était déterminé à éviter tout cliché car les actes qui suivent le chemin bien tracé « on ne se sent pas obligé de l’écouter à nouveau parce qu’il lui manque quelque chose, cela se sent peut-être son manque de sincérité ou son tout style sur le fond ». Ayant donné l’impression d’avoir une idée aussi précise de l’orientation qu’il voulait donner à Anthropocene, un disque qui, selon lui, « devient très fort et assez implacable, mais qui se remet ensuite en place et explore une émotion différente », on peut se demander si leur premier album avait toujours étét conçu comme une grande narration et était écrit comme un tout cohérent plutôt que comme des morceaux individuels qui venaient naturellemen. On est presque surpris d’apprendre que les chansons avaient en effet été écrites de façon singulière et que la séquence avait été élaborée plus tard plutôt que par un architecte travaillant fébrilement sur un schéma détaillé. Cependant, il croit qu’il pourrait y avoir quelque chose qui se cache dans les profondeurs invisibles de son esprit, l’Id complotant d’une manière ou d’une autre pour créer sa nouvelle cathédrale au son féroce : « À l’époque, je n’aurais jamais réussi à faire quelque chose comme suivre un récit ou démêler l’histoire. Mais je pense que beaucoup d’organisation subconsciente entre en jeu dans la façon dont vous vous sentez par rapport à ce que vous avez enregistré et dans la façon dont la dynamique et la sorte de reformulation des émotions et des dynamiques entrent en jeu ».

Pretty Matty: « Pretty Matty »

Les sonorités power-pop et grunge des années 1990 continuent à inspirer de jeunes talents en devenir. C’est notamment le cas pour Pretty Matty qui est le nom du projet musical de Matthieu Morand un jeune musicien venu tout droit de Toronto qui évoque avec goût son amour pour ces influences qui l’ont forgé à travers un premier album.

Les compositions de Pretty Matty baignent dans les nineties avec des riffs acidulés et une interprétation nonchalante pour accompagner le tout. Pretty Matty plonge dans un spleen post-adolescent comme l’attestent des titres hypnotiques à l’image de « Another Shot »mais encore de « Broken Doorbell » et « F+B ».

Entre brulôts ayant une durée moyenne de plus d’une minute (« I’m Fine », « Kicked Out », « So Down ») et moments plus abrasifs et pesants (« Be A Cop », « Vacay »), Pretty Matty est n’est pas non plus que sensiblerie. Ce premier album qui s’achève avec un « What You Did » est à l’image d’un disque qui capture rage post-adolescente mâtinée de mélancolie déjà désabusée.

**1/2

Plans: « Get The Bad Out »

La scène emo américaine a fait naître un bon nombre de groupes. Plans en fait partie et il vient d’Indianapolis. Son premier album se nomme Get The Bad Out et il se situe dans cette mouvance avec douze titres explosifs, fougues et pleins d’une hargne à peine tempétrée.

On notera l’introductive « The Rent’s Due » ou les morceaux implacables que sont « Rose Island », « Bicycle Club » et « Unholy Medicine » tous riffs de guitare et sythmiques en griffes sorties dehors.

Comme l’indique Get The Bad Out, Plans extériorise ses maux les plus profonds afin de les exorciser une bonne fois pour toutes. Ce n’est pas pour rien que des morceaux explosifs à l’image de « Little Bird », « Warm Hamm’s » et de « Track 3 » viendront remettre le couvert. On appréciera également cette énergie constante du début à la fin avec « Vesuvius » et « Borrowed Time ».

Get The Bad Out offre magma sonique redoutable qui n’est pas loin de friser le remarquable.

***1/2

Gorgeous: « Egg »

Gorgeous est un duo de Brooklyn mené par Dana Lipperman (chant, guitare) et Judd Anderman (batterie) et dont Egg constitue le « debut album ». À mi-chemin entre math-rock et sludge-pop, la musique de Gorgeous est inréressante sans se montrer, toutefois, palpitante. Avec la voix si enchanteresse de Dana Lipperman et les instrumentations denses et complexes du morceau introductif, « There Is No There », ou bien encore « Shed Boys » et « Painted », les deux new-yorkais affichent une attitude quelque peu un peu comme Deerhoof sur, par exemple, le rythme presque boogie de « Metalhead ».

Avec Egg, il ne faut pas s’attendre à quelque chose de simple, mimi et policé.On a droit, en effet, à des riffs quasi-doom et des martèlements de batterie notamment sur le fuzzy « Never Forever » et « Material World ». Gorgeus signifie « joli » ; ici on a plutôt droit à de la véhémence mâtinée d’arpèges plus délicats hélas trop vaporisés.

**1/2

Lrrr: « Whose News ? »

Skyler Lloyd est membre du groupe Tundrastrooper et il présente ici son side-project, Lrrr, et son premier album intitulé Whose News ?. Pas de sludge-rock mais des courtes compositions indie folk psychédéliques telles que « not even u » en guise d’introduction mais également « ez pollen », « no matter the forcefield » et « sumac ».

Avec ces sonorités lo-fi qui possèdent son lot de charmes, Lrrr ne privilégie que le calme et la tranquillité avec ces courtes ballades qui se veulent touchantes. De « fog » à « beams » en passant par « sure », Whose News ? arrivera à émouvoir son auditoire grâce à la sincérité se dégageant de ces plages. À contre-emploi ? Peut-être, en tout cas ces nouvelles-là ne sont pas à négliger.

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October Drift: « Forever Whatever »

Dans un passé encore assez proche, October Drift a urait pu avoir un suuccès massif. Leur rock indié robuste mais tourbillonnant aurait impressionné un public post-punk ou peut-être fait des merveilles à l’apogée de la Britpop. Mais aujourd’hui, bien que promettant sporadiquement quelque chose de spécial ile combo sonne un peu trop apprivoisé pour pouvoir envisager de triompher.

Les quatre musiciens du Somerset, au Royaume-Uni, ne ffont réellement rien de mal sur leur premier album Forever Whatever, mais ils ne possèdent pas non plus grand-chose qi soit susceptible de nous émouvoir. L’ouverture « Losing My Touch » arbore un son béat et shoegaze avec des riffs bien charnus mais jamais glissants, et la psalmodie floue du choris mérite d’être norée. Mais, à mesure que l’album se poursuit, les choses se font très vite un plates et quelque peu monotones.

Une trop grossee partie de l’album semble avaoir été posée sur un seul support et être restée sur place et des titres comme « Cherry Red », « Milky Blue » et « Cinnamon Girl » ne contribuent pas à dissiper cette impression.

October Drift coche certes toutes les cases d’un formulaire indie-rock, les choses ne s’améliorent de façon flagrante que lorsqu’il tentent de s’en éloigner. La fin de « Don’t Give Me Hope » prouve que le groupe sait se faire fort et direct s’il le veut, et « Naked », dépouillé mais toujours luxuriant avec piano, cordes et réverbération, apporte un peu de tranchant et de couleurs. Hélas, les musiciens ne s’aventurent jamais assez loin. Au lieu de coupures épiques destinées aux soirées dans les clubs et aux gros titres des festivals, nous n’obtenons que de brefs moments engageants et pas assez d’impact durable.

À l’avenir, October Drift devrait faire tout ce qui est en son pouvoir pour ignorer les normes et les stéréotypes et enregistrer ce genre d’expériences plus entreprenantes.

**1/2

Channelers: « The Depth of Rest »

Le musicien californien Sean Conrad avec son ensemble Channelers nous propose un nouveau disque d’ambient music aux airs de balade dans des forêts vierges.

Channelers est, en effet, un bel exemple de musiciens capables de construire des paysages sonores à partir d’instruments acoustiques et d’appareils électronique. Il nous en donne une démonstration avec The Depth of Rest.

Composé de 4 titres, dont un très long de plus de 20 minutes, The Depth of Rest évoquera une plongée au cœur de forêts verdoyantes préservées de toute présence humaine et habitées de milles et une espèce d’oiseaux.


Au son des field recordings (pluie, vent, rivières, etc…), de claviers, dulcimer et autre sifflet irlandais, celui qui a créé  le label Inner Islands, a composé pour cet album un petit univers sous la forme d’une musique méditative dans laquelle on se laisse porter sans la moindre difficulté.

L’ensemble, très compact, offre assez peu de nuances mais il s’écoutera d’une traite pour une très belle plongée bucolique de 40 minutes.

***1/2