Anthony Moore / Dirk Specht / Tobias Grewenig: « The April Sessions »

3 août 2021

Ce voyage, cette méditation sonore qui dérive lentement, est un paysage sonore intérieur, un dialogue entre les sens, la conscience et le monde, intérieur/extérieur, interconnectés. Comme se réveiller d’un long rêve, et rester coincé dans son écho. The April Sessions immerge l’auditeur dans un univers proche du bourdon, rempli d’événements acousmatiques aléatoires, de monologues intérieurs et d’une vaste carte subjective non écrite à dessiner.

The April Sessions vit depuis quelques mois dans un hôtel miteux de Bruxelles. Elle écoute le trafic clairsemé devant sa fenêtre, enfermée et verrouillée. « Tout est construit », se dit-elle, « même le son d’un avion solitaire à 25 000 pieds traverse le ciel pas plus loin que l’intérieur de mon crâne ».

D’autres phénomènes sonores étranges sillonnent le cosmos intérieur de son cerveau et traversent son ciel privé comme des comètes. Et puis, il y a la présence inébranlable de ce monologue intérieur, qu’elle appelle the Tacit Dictator, le Subvocaliser et, de façon assez cauchemardesque, la voix du Merlu Merlucide. –Anthony Moore, St Leonards, 10 mars 2021

Anthony Moore, Dirk Specht et Tobias Grewenig se connaissent et travaillent ensemble depuis le début des années 2000. Ils ont participé collectivement à de nombreux projets, notamment des performances live et des enregistrements. En 2016, dans le cadre du groupe The Missing Present Band, ils ont publié le LP live The Present Is Missing sur A-Musik. L’année suivante, ils ont publié Ore Talks, un double LP, réalisé en collaboration avec Therapeutische Hörgruppe Köln.

***

 


Bleachers: « Take the Sadness Out of Saturday Night »

3 août 2021

Jack Antonoff est l’une des figures les plus reconnues de la musique grand public actuelle. Il a été l’homme des coulisses de classiques pop instantanés comme 1989 de Taylor Swift, Melodrama de Lorde et Norman Fucking Rockwell de Lana Del Rey ; son premier album solo sous le nom de Bleachers, Strange Desire, reste un pilier des playlists estivales indé. Aussi influent qu’il ait été au cours de la dernière décennie, son style a également commencé à s’essouffler auprès de ses propres auditeurs. L’exemple le plus récent est l’accusation fréquente selon laquelle le single de Lorde « Stoned at the Nail Salon » ressemble presque exactement à « Wild at Heart » de Lana Del Rey et ce pour la bonne raison que Antonoff a produit les deux. Ceux qui ont écouté le dernier LP de Clairo, Sling, peuvent également attester du chevauchement sonore entre ses chansons et l’atmosphère de nombreuses autres collaborations d’Antonoff. Au bout d’un moment, tout se brouille. Même si Antonoff est une sorte de poney à un seul tour, c’est un tour glorieux car il a fallu environ sept ans pour que nous nous en lassions. Certains d’entre nous ne ressentent toujours pas de fatigue, ce qui montre à quel point la marque Antonoff est forte.

Revenons à 2017 pour un instant : ce fut une grande année pour Antonoff, puisqu’il a aidé à guider Melodrama vers ses niveaux de succès fulgurants, et qu’il a également mis la main sur Masseduction de St. Vincent sur des morceaux appréciés des fans comme « New York » et « Happy Birthday Johnny ». Alors qu’il profite des fruits de sa collaboration avec des artistes aussi talentueux, sa propre carrière musicale connaît un petit coup d’arrêt. Il a sorti Gone Now, qui, tout en présentant les mêmes cloches et sifflets que Strange Desire en 2014, en était essentiellement une version zéro calorie. Les hymnes n’étaient pas aussi revigorants, les ballades étaient moins convaincantes et les mélodies pas aussi mémorables. Il semble que Jack ait appris la leçon, car quatre ans plus tard, on le voit faire quelque chose qui ne ressemble pas du tout à Antonoff : inverser complètement le scénario. Sur Take the Sadness Out of Saturday Night, il atténue la théâtralité, augmente le rock vintage et se lance dans sa meilleure imitation de Bruce Springsteen. Étonnamment, ce n’est pas aussi mauvais qu’on pourrait le croire.

À première vue, oui, cela ressemble à un désastre en devenir. Après tout, nous avons déjà de meilleurs Springsteens modernes qui sont à la fois plus excitants et moins une copie conforme (prenez Gang of Youths par exemple). De plus, l’idée qu’Antonoff semble essayer quelque chose de nouveau sans vraiment essayer quelque chose de nouveau semble dénoter une transition frustrante dans sa carrière solo. Mais si Take the Sadness Out of Saturday Night manque d’originalité, il se rattrape sur le plan de la technique. Ici, l’écriture des chansons est beaucoup plus serrée que sur Gone Now, et l’album est beaucoup plus cohérent en conséquence. Il n’y a pas de morceaux qui explosent avec les qualités hymniques de « Don’t Take the Money », mais il ne tombe jamais vraiment en panne comme Gone Now avec des poches d’ennui prolongées comme « All My Heroes », « Goodbye » et «  Nothing is U ». Take the Sadness Out of Saturday Night reste fidèle à sa mission de slow rock complexe et mélodique, et avec ses trente-quatre minutes, il n’a jamais l’occasion de stagner. Alors que le prédécesseur de ce disque était la définition d’un sac mitigé, Take the Sadness Out of Saturday Night est nettement fiable – un produit que vous êtes susceptible de prendre ou de laisser dans son intégralité.

Si Gone Now avait des vibrations matinales et Strange Desire affachait une poussée euphorique de soleil d’été, Take the Sadness Out of Saturday Night représentait la dégringolade qui devait suivre. C’est comme regarder un groupe jouer un concert en plein air alors que le soleil disparaît derrière les arbres, offrant des rappels sous un ciel étoilé. Cela s’explique en partie par le fait qu’Antonoff a troqué son habituelle synth-pop clinquante pour un rock ‘n’ roll teinté de saxophone, entouré d’un groupe complet. Les améliorations instrumentales sont perceptibles tout au long de l’expérience, des guitares qui sont plus hautes dans le mixage à la batterie brute et vivante. Sur le plan vocal, Antonoff (et ses collaborateurs) donnent l’impression de se serrer autour du micro et de chanter à l’unisson. Tout cet album donne l’impression de se dérouler devant vous, et étant donné que la plupart d’entre nous n’ont pas assisté à des concerts depuis des années, c’est une transformation bienvenue de l’esthétique de Bleachers.

Les textes sont une autre raison pour laquelle Take the Sadness Out of Saturday Night semble si personnel. Le contenu de cet album est pesant et impressionnant, et tourne autour de l’amour, des relations et même de l’infidélité. La chanson « 91 », balayée par les cordes, donne l’impression de regarder quelqu’un de l’autre côté de la pièce, et il y a une tension provenant de la poursuite de quelque chose (ou de quelqu’un) qui vous transformerait en quelqu’un que vous n’êtes pas : « Je sais ce que je ne suis pas… Tout comme toi, je ne peux pas partir » (I know what I’m not…Just like you, I can’t leave). Dans la ballade acoustique « Secret Life », Jack chante au dessus d’une batterie bégayante « À tue-tête, je supplie pour du peau à peau / Tu ne dis pas grand chose car tu as été trompé avant moi »… « Je veux juste une vie secrète / Où toi et moi, on s’ennuie à mourir » (Out of my head I’m beggin’ for skin to skin / You don’t say much ’cause you’ve been cheated before me… I just want a secret life / Where you and I can get bored out of our minds). La voix de Lana Del Rey se pose sur le deuxième couplet et le refrain, inondée de réverbération comme un rêve brumeux. À l’arrivée de « Stop Making This Hurt « , il semble ne plus vouloir rien avoir à faire avec toute cette tentation : « Arrête de faire souffrir / et dis au revoir comme si tu le pensais » (Stop making this hurt / and say goodbye like you mean it). Il s’agit là d’interprétations libres qui n’ont rien à voir avec Antonoff, bien sûr – la plupart des paroles sont racontées d’un point de vue (comme dans une histoire), tandis que d’autres lignes sont entièrement métaphoriques. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’une avancée conceptuelle par rapport aux refrains amusants mais insipides comme « Les montagnes russes, je ne dis pas non / Les montagnes russes, quand tu ne dis pas non / Et ce sont de vraies montagnes russes ! » (!Rollercoaster, I don’t say no / Rollercoaster, when you don’t say no / And it’s such a rollercoaster ! ) Le contraste entre cela et le moment où Jack chante « Mais si on enlève la tristesse du samedi soir, je me demande ce qu’il nous restera / Tout cela qui vaut-il la peine de se battre ?» (But if we take the sadness out of Saturday night, I wonder what we’ll be left with / Anything worth the fight?) est palpable.

Tout cela fait de Bleachers un troisième album très intime. Alors que Strange Desire et Gone Now étaient élégants, modernes et explosifs, Take the Sadness Out of Saturday Night est mièvre, désuet et introspectif. L’inconvénient inhérent à ce disque est qu’il n’atteint pas les sommets épiques qui ont permis à Bleachers d’être sous les feux de la rampe en premier lieu. Cependant, ce morceau coule mieux et possède un air plus unifié. C’est un compromis qui favorisera les écoutes en isolement réfléchi plutôt que les voyages sur route pleins d’action. Certains seront peut-être déçus par ce fait – surtout si l’on considère que Bleachers est fondamentalement synonyme de plaisir estival – mais comme nous avons déjà des albums comme Strange Desire dans notre poche, il est agréable de voir une autre facette de ce projet. De plus, faire traîner l’approche standard d’Antonoff pour une troisième fois n’aurait fait que voir les retours diminués de Gone Now continuer. Le culte de Springsteen n’est peut-être pas le remède à long terme à ce que beaucoup appellent la «  fatigue d’Antonoff », mais en attendant, c’est une belle nouveauté et une plus qu’une agréable petite distraction dérivative.

****


offthesky & Rin Howell: « aSpiritual »

3 août 2021

aSpiritual, de offthesky (Jason Corder) et Rin Howell (Psychic Secretary, Blank Human), est composé de quatre méditations, décrites comme des « réflexions sur la spiritualité, l’énergie et le changement ». La chanteuse et clarinettiste Howell et l’artiste sonore expérimental Offthesky ont tous deux élu domicile à Denver, dans le Colorado. Mais leur véritable foyer se situe dans une dimension entièrement différente, invisible à l’œil nu mais dotée du pouvoir d’expression ultime, et existant indéniablement dans notre réalité physique commune, et ce foyer se trouve dans leur musique. Ce que l’on trouve dans aSpiritual, c’est une musique mystique, des notes introspectives qui s’élèvent comme de la fumée, capables d’envoûter les auditeurs en leur jetant des sorts séduisants, une sorte de magie qui existe et qui sort à travers la musique.

La voix est le médium par lequel passent tous les autres sons ; c’est le son primaire, et sans elle, la musique serait faible et incapable d’atteindre son véritable potentiel. Les interprétations lyriques sont laissées à l’auditeur, avec une nature ouverte inclinant vers l’infini dans ses possibilités, et rendant la musique entièrement subjective.

L’enregistrement a commencé en 2018, mais ce n’est qu’aujourd’hui, en 2021, que ses fruits ont mûri. Pendant les années qui ont suivi, il a grandi dans le ventre de sa mère, dans un cocon d’obscurité, attendant le bon moment pour émerger. Achevé en 2020, le cycle est maintenant complet. Ces incantations sont de nature spirituelle, évoquant quelque chose d’ancien et pourtant d’éternel, sans la date de péremption de l’âge. aSpiritual remplit tout ce pour quoi il a été conçu, approfondissant le lien séculaire entre musique et spiritualité.

***1/2


King Woman: « Celestial Blues »

3 août 2021

Imaginez que vous êtes à une fête en train de vous occuper de vos affaires, de vous mêler à la foule, de vous détendre ou de vous soûler quand, sortant de nulle part, un inconnu vous tend un exemplaire du Paradis Perdu de John Milton. L’être humain moyen déchirerait les pages et fumerait la moitié du livre sur place pour faire une déclaration, mais pas Kris Esfandiari. Pour la voix et le cerveau derrière NGHTCRWLR, Miserable, Dalmatian, Sugar High et qui sait combien d’autres projets, le timing était impeccable.

Parce que, vous savez, il s’avère qu’il y avait déjà une bataille épouvantable qui faisait rage à l’intérieur de Kris, un carnage éternel mené par les forces du ciel et de l’enfer depuis le moment où elle est née. Le fait de grandir dans un environnement fortement chrétien n’a fait qu’alimenter les flammes de la guerre tout au long de sa jeunesse, semant le doute, la haine et les thèmes de conflit spirituel qui deviendront la force motrice de son art, partagé entre les différentes personnifications créées par la musicienne et productrice iranienne basée à New York.

Le deuxième album de King Woman pour Relapse Records pourrait bien être non seulement son meilleur travail à ce jour, mais aussi l’ultime réunification de ses différentes incarnations dans un seul grand paquet explosif. Incarnant le personnage de Lucifer, Kris a créé une pièce musicale étonnante qui transcende la musique et déborde sur la présentation visuelle du récit de la fin de l’ange déchu primordial. Celestial Blues est un album aux proportions bibliques, dans tous les sens du terme, avec une série de collaborateurs très bien choisis qui ont immensément contribué à en faire l’un des meilleurs albums de l’année jusqu’à présent.

Nous avons tous entendu ce que Jack Shirley est capable de faire avec des groupes comme Amenra, Deafheaven et Oathbreaker, pour n’en citer que quelques-uns, mais il s’est surpassé en concevant le son du deuxième album de King Woman avec Esfandiari elle-même. Le premier opus du projet, Created In The Image Of Suffering, était déjà une colossale dalle de doom mâtinée de shoegaze, envoûtante et merveilleusement destructrice, mais ce deuxième album reprend la même formule avec une superbe performance vocale de Kris, qui a considérablement augmenté son registre, et un travail de production globalement amélioré, notamment à la batterie, fermement tenue par Joseph Raygoza. Une ovation pour Peter Arensdorf, qui s’est occupé de la basse et des guitares pour cet enregistrement, en remplacement de Colin Gallagher, l’ancien guitariste de King Woman.

Celestial Blues s’ouvre sur le murmure de Kris autour d’un monologue, un réveil qui donne le coup d’envoi du morceau titre avec le chant harmonisé mais solennel de la chanteuse, frappé par la première volée de percussions suivant un riff écrasant qui envoie Kris hurler et pleurer la « nuit céleste ». « Morning Star » suit, mais le ton est très différent de la lamentation déchirante de l’éveillé et autrefois divin de la chanson titre. Ici, Kris rayonne de confiance, une image renforcée par les visuels saisissants créés par la photographe Nedda Afsari et les designers Jamie Parkhurst et Collin Fletcher pour la couverture et le clip. Le Lucifer captivant et étrangement séduisant de « Morning Star » disparaît, laissant la place au troisième « single  « « Boghz », qui mêle les différentes personnalités de Kris Esfandiari, allant des douces mélodies de Miserable à la colère écœurante de NGHTCRWLR, faisant surface et s’emparant de la chanson avec une précision stupéfiante.

Le cœur de Celestial Blues se cache dans le déchirant « Golgotha », qui permet au chant le plus fragile de Kris de jouer avec des mesures arythmiques échappant au rythme régulier de la caisse claire de Raygoza. Une fois que le morceau explose enfin, les cris sauvages de Kris brûlent l’arrière de la chanson tandis que le chant avant les voile de la mélancolie qui guide la chanson, avec maintenant le violoncelle de Jackie Perez Gratz (Graceyon, Amber Asylum) dessinant les quelques traces de couleur de l’album. « Coil » est facilement l’un des morceaux les plus inflammables de l’album, court et féroce, touchant au grunge et à la tristesse ardente de l’époque River Runs Red de Life of Agony, tandis que « Entwined » est le joyau secret de Celestial Blues, un récit de la fusion entre Kris et l’être céleste qui chante et vit à travers elle pour apporter vengeance et joie dans une égale mesure, Le morceau se transforme en une euphorie croissante qui débouche sur la luxure tordue de « Psychic Wound », qui, comme vous l’avez peut-être déjà vu, illustre cette communion impie avec des détails frissonnants dans son clip,

La dernière partie de l’album comporte deux morceaux très différents. « Ruse », qui aurait pu s’intégrer parfaitement dans les débuts du groupe, car elle évoque le vieux son combiné à une mélodie vocale désespérée entre les parties heavy-hitting, et bien sûr, l’angélique « Paradise Lost » pour laquelle, suppose-t-on, nous devons remercier l’étranger de la fête, car elle envoie l’album en ascension (ou en descente) vers un royaume bien au-delà de notre portée.

Avec ces deux titres, Celestial Blues s’achève et disparaît dans l’éther, ne laissant subsister que son goût d’ailleurs. Kris Esfandiari et son équipe ont créé quelque chose de vraiment spécial avec cet album, une pièce musicale où le divin se voit donner voix et chair pour envisager ce qui est l’œuvre la plus honnête et la plus envoûtante de la carrière prolifique de Kris, et soyez sûrs que ce ne sera pas la dernière.

****


Museum of Love: « Life of Mammals »

2 août 2021

Avec très peu de frontières musicales, Life of Mammals est une merveilleuse introduction au monde fou de Museum of Love. Ainsi,il suffit d’écouter les trois premières chansons du deuxième album de Museum of Love, Life of Mammals, pour se rendre compte que le duo américain n’adhère pas aux limitations.

Le morceau d’ouverture, « Your Nails of Grown », est formé d’un rythme répétitif de huit minutes – la voix de Pat Mahoney, qui se situe juste au-dessus du bourdon, rappelle Lou Reed dans son désintéressement le plus glorieux. Mais de cette monotonie surgissent des moments de cuivres fulgurants qui passent devant vos oreilles comme un wagon de métro déchaîné. Oui, ce sont des éclairs, mais dans l’obscurité sinistre, ils sont exaltants.

Mais la chanson titre, « Life of Mammals », est comme l’ouverture d’une fenêtre, car toute la claustrophobie de l’ouverture est libérée. Pat Mahoney, faisant sa meilleure imitation Scott Walker période Scott 4, laisse échapper un croonage envoûtant – soutenu par des percussions brillantes et des houles chorales. Et pour ceux qui reconnaissent le nom, Mahoney est un membre fondateur d’un des groupes les plus spéciaux de New York, LCD Soundsystem – et cela prend tout son sens sur Marching Orders, qui empile tout le groove que l’on peut attendre du travail le plus dansant de James Murphy – avec plus qu’un soupçon de Talking Heads aux CGGB – dans le troisième morceau du disque.

Cette attitude libérale à l’égard du genre se poursuit dans le reste de l’album. La piste d’accompagnement lourdement synthétisée de Dennis McNany sur « Cluttered World » est éclairée par des volutes de piano à la Aladdin Sane. Avec « Before Ridiculous Body », il est pratiquement impossible de deviner ce qui va se passer ensuite, ou vers quoi les arrangements du duo vont se diriger.

Après avoir sorti leur premier album éponyme sur DFA Records en 2014, Life of Mammals est sorti sur le label Skint, qui vient d’être revigoré. En rejoignant leur large catalogue, il semble être la maison parfaite pour cet album amusant, excentrique, stimulant et sans compromis.

***1/2


Liars: « The Apple Drop »

1 août 2021

En ce qui concerne les métaphores visuelles, la vidéo de « Sekwar » de Liars est pertinente, bien que lourde. Depuis plus de 20 ans, Angus Andrew, de Liars, transmigre des éléments de musique post-punk, expérimentale et électronique dans une œuvre en constante évolution. Il est donc naturel de voir l’artiste déclencher des fusées éclairantes dans un abîme caverneux dans le clip de « Sekwar », pour finalement se lancer dans son prochain voyage. The Apple Drop, le dixième album du groupe, reprend, à cet égard, certains des meilleurs éléments de Liars, tout en propulsant Andrew dans de nouveaux paysages sonores audacieux.

Qu’il s’agisse de contorsionner le dance-punk du début des années 2000 (comme sur le premier album en 2001, They Threw Us All in a Trench and Stuck a Monument on Top), de dissonance électro (voir le « single » de 2004 « There’s Always Room on the Broom ») ou de rythmes de cercles de tambours communautaires (comme sur le LP de 2006, Drum’s Not Dead), Liars a toujours été capable de poser un groove hypnotique. C’est également le cas sur The Apple Drop. « The Start » est un morceau d’épouvante progressive et rampante, qui s’articule autour d’un fuzz de basse décrépit, d’arpèges de synthé post-Carpenter et des gémissements multicouches d’Andrew autour d’un motif de deux notes en clé mineure ;  « Slow and Inward » passe par des cordes pizzicato enivrantes et des effets de guitare à forte teneur en trémolo pour un effet baroque ; l’horreur cyclique de « My Pulse to Ponder » » augmente la méchanceté du disque avec un rythme efficacement accrocheur et sournois à la manière des Cramps.

Tout en faisant écho à des moments de l’histoire de Liars, des titres comme « Sekwar » et « From What the Never Was » » une chanson luxuriante qui fait appel aux basses, rappellent également la période Kid A de Radiohead. Cela dit, l’album ressemble quand même à Liars, grâce à la gamme caractéristique d’Andrew, qui comprend des voix graves et des falsettos déconcertants. Avec « Sekwar » à l’esprit, une toile de fond ornée mais étonnamment nerveuse de synthétiseurs et de rythmes décalés est encadrée par le manifeste du voyageur à moitié parlé d’Andrew : « They told me I’m a juiced-up, worn-out sad sack / And I can’t figure out what I’m trying to do here » (Ils m’ont dit que je suis un sac triste et usé / Et je n’arrive pas à comprendre ce que j’essaie de faire ici). Mais même si le rythme envoûtant de « Sekwar » tourne en boucle vers l’infini existentiel, les sons les plus touchants de la chanson sont sans doute les noodlings de piano précieux, mais peu soignés, vers la fin.

L’attachement de Liars au groove est inébranlable, mais il y a aussi des moments moins rythmés sur The Apple Drop. Après un drone de synthétiseur introductif et divers bruits de delay, par exemple, « Star Search » réduit sa section centrale à un piano de saloon malade et aux rêveries merveilleusement inconfortables d’Andrew dans les aigus sur, peut-être, les limites de la célébrité : « You can forget your job/You can forget your life/You’re gonna be a star/That’s all you ever are » (Tu peux oublier ton travail/Tu peux oublier ta vie/Tu vas être une star/C’est tout ce que tu as jamais été). « New Planets New Undoings » est un final plus libre de piano et de folie vocale vocodée.

TFCF en 2017 et Titles With The Word Fountain l’année suivante ont été la réaction artistique d’Andrew au départ du cofondateur de Liars, Aaron Hemphill, du projet – la pochette de chacun d’eux montre Andrew habillé d’une robe de mariée, un commentaire sur l’aspect semblable au mariage des partenariats créatifs. Bien qu’il ait avancé en solo sur ces projets, il s’est lancé dans The Apple Drop avec une idée de groupe en tête. « Mon objectif était de créer au-delà de mes capacités, quelque chose de plus grand que moi », explique-t-il dans un communiqué de presse. « Pour la première fois, j’ai embrassé la collaboration dès le début, en permettant au travail des autres d’influencer le mien ».

S’entourer de l’équipe de choc du batteur de jazz d’avant-garde Laurence Pike (son groove maigre et verrouillé sur « Big Appetite » et le funk plus impressionniste de « Leisure War » sont de premier ordre), du multi-instrumentiste Cameron Deyell et de la parolière Mary Pearson Andrew a fait des merveilles pour le dernier album de Liars. C’est Andrew qui est à l’origine de la flamme, mais cela ne ferait pas de mal de faire venir quelques autres Liars pour la balade.

***1/2


Field Kit: « Field Kit »

1 août 2021

Field Kit est le premier album éponyme de ce collectif musical basé à Berlin, dirigé par la violoniste et compositrice allemande Hannah von Hübbenet. Pour cet album, cette dernière a collaboré avec le pianiste, compositeur et producteur berlinois John Gürtler, et ensemble, ils ont produit un album de compositions originales et surprenantes.

Grâce à un savant mélange de sons industriels glacials et d’épisodes acoustiques plus chaleureux, une atmosphère de « cyber-noi » s’installe. Le futur rencontre le rétro, et leurs deux mondes sonores individuels entrent en collision. Des sections de cordes délicatement pincées entourent la voix et les autres instruments, dégageant une certaine chaleur corporelle et réchauffant la musique, et la nature hautement rythmique de la musique est toujours au cœur de la tempête. Les sons mécanisés et robotiques sont toujours à portée de main, donnant une impression d’acier à tous les autres morceaux. Mais, en se libérant, en se coupant complètement des fils désordonnés de l’émotion humaine, les sections les plus motorisées de Field Kit ont pour effet de renforcer la musique, de la rendre plus résolue, plus froide ; ses bras robotiques sont capables de soulever des poids qui auraient écrasé un squelette mortel. C’est l’équilibre que von Hübbene et Gürtler ont cherché à atteindre, et ils avancent d’un pas assuré.

Field Kit est, ainsi, capable de façonner un son innovant en utilisant des débris et des matériaux provenant de décennies plus anciennes, ainsi qu’un futur pas encore réalisé, qui résonne dans les couloirs d’un temps à venir. La musique semble mûre pour la cueillette, même si certaines parties de son son se situent quelque part dans le futur, et, comme beaucoup de science-fiction spéculative, elle ne dépeint pas les perspectives les plus roses. Les cordes sont capables de porter des coups dévastateurs, avec de nombreuses guerres à mener encore à l’horizon, et à d’autres moments, elles se flétrissent dans la chaleur suffocante due au spectre implacable du changement climatique, qui est ici et maintenant, dans les récentes et sans précédent inondations européennes et les températures punitives le long de la côte ouest des États-Unis. C’est pourquoi ce disque est aussi très humain, dans la mesure où il aborde de front le concept et la réalité de la souffrance, qui a une emprise permanente sur l’espèce, s’accrochant à l’humanité quelle que soit l’époque actuelle ; c’est une constante.

D’une manière ou d’une autre, le tandem a sculpté un disque aux angles aigus et à l’architecture forte, un son qui ne ressemble à aucun autre, mais une musique qui est toujours capable de s’unir, alors qu’on aurait pu penser que c’était impossible. Les contraires s’attirent, et la musique ici est capable de transcender ses différences, ses contrastes, faisant renaître quelque chose de nouveau de ses cendres.

***1/2


Jason van Wyk: « Threads »

31 juillet 2021

Le quatrième album de Jason van Wyk, Threads, vient de sortir sur le label n5MD. Au cours de ces quarante minutes, le musicien sud-africain développe et introduit une large tapisserie de tons et de textures, pourtant stylistiquement uniforme. Une bonne dose de réverbération pulvérise l’air ambiant, et des sons soudains et florissants tentent à plusieurs reprises de pénétrer dans l’atmosphère, non pas tant pour envahir agressivement que pour s’engager activement dans la musique.

Certaines tonalités plus fortes percent de manière inattendue, et cela fait de Threads un album légèrement nerveux. Une vibration nerveuse ou une autre énergie nerveuse est présente, ses fils vivants et frémissants ajoutant à un sentiment permanent d’incertitude, qui maintient la musique sur ses gardes et quelque peu stressée ; la musique fournit à la fois un exutoire cathartique et une exacerbation du sentiment. Des courants d’anxiété sont présents, et bien que la musique soit jolie à regarder, de petites pointes d’imprévisibilité jonchent sa sérénité musicale.

Une lumière lambda s’échappe de sa musique à la dérive jusqu’à entourer le monde. Pendant la majeure partie de son voyage, Threads est autorisé à flotter au loin, mais un poids intérieur inébranlable demeure, et il ne peut être rejeté ou ignoré. Ses notes ne semblent jamais fragiles ou facilement cassables, et ce grâce à ses couches supplémentaires de sécurité. Cette stabilité supplémentaire découle de ses nombreuses tonalités plus lourdes, qui serpentent en arrière-plan. Parfois, elles s’élèvent et se frayent un chemin vers l’avant, créant des pressions internes et donnant à la musique plus de muscle. Mais cela ne prend jamais le pas sur la nature ambiante de la musique, qui persiste tout au long de la durée du disque comme un parfum puissant. Bien sûr, Threads est un disque d’une beauté suprême, mais il est niché parmi des éclats d’agitation, et c’est ce qui fait de cet album une œuvre si attachante.

***1/2


Torres: « Thirstier »

31 juillet 2021

Il n’est pas étonnant que les gens aient cherché une forme d’évasion étant donné l’état du monde au cours des 18 derniers mois environ. Vous n’avez besoin de personne pour énumérer toutes les merdes qui se sont produites, n’est-ce pas ? Torres aka Mackenzie Scott, comme nous tous, a choisi de se plonger dans les recoins de son imagination avec son cinquième LP Thirstier, la suite rapide de Silver Tongue enregistré l’année dernière, comme un moyen de contrecarrer la peur rampante de 2020 et 2021. La musicienne de Brooklyn a choisi de se plonger dans le royaume de la fantaisie sans limites : « Nous fantasmons toujours sur quelque chose qui est hors de portée. C’est ce qu’est un fantasme. C’est quelque chose que l’on ne peut pas avoir. Mais je voulais renverser cette idée et demander ‘et si votre fantasme était la chose que vous avez, cette boucle sans fin de fantasme’. C’est un moyen d’être dans ce royaume fantastique et magique pour toujours. Je veux créer cet espace pour moi. Je veux créer une réalitéoù mon quotidien est en fait mon fantasme. C’est ce que je veux plus que tout. Je pense que nous pouvons tous comprendre, non ? »

Si la fantaisie est le moteur principal, Torres a également voulu intégrer un autre facteur dans sa dernière création : « Je voulais canaliser mon intensité dans quelque chose de positif et de constructif, plutôt que d’être intense de manière destructive ou éviscérante. J’aime l’idée que l’intensité peut en fait être quelque chose de salvateur ou de joyeux ». Le modus operandi de la joie et de la fantaisie est évoqué par la liberté sonore que notre protagoniste poursuit sur Thirstier. Grâce à des incursions dans le grunge-rock noueux, avec des soupçons de shoegaze rêveur et une touche électronique occasionnelle, il semblerait que le pays de l’imaginaire de Torres soit un paysage musical sans frontières qui n’est limité que par son imagination. Les paroles de Thirstier sont, ainsi, ouvertes à l’interprétation, avec des thèmes centrés sur le compagnonnage, l’amour (pas toujours romantique, parfois platonique) et un défi aux poings serrés.

Le moment éponyme de l’album est une vitrine parfaite pour le disque ; avec une chanson qui traverse des rythmes sédentaires de machines à tambour et des grattages acoustiques vitreux, qui s’étendent bientôt en un énorme mur de son et c’est ici que Torres transmet son désir d’embrasser la joie dans son nouveau corps de travail. Ce voyage à travers des dynamiques calmes et fortes exprime les thèmes d’une chanson d’amour tordue « as long as I’m around/I’ll be looking for a nerve to hit/the more of you I drink/the thirstier I get » (Tant que je serai dans les parages, je chercherai à toucher un point sensible. Plus je bois de toi, plus j’ai soif). La fantaisie et l’intensité s’entrechoquent via la batterie distordue et l’électronique de « Drive Me », avec un morceau qui prend un ton légèrement plus sombre, parfois inondé de poches de lumière. « I can see you’ve got needs/so lover introduce me » (Je vois que tu as des besoins, donc l’amoureux que tu es doit m’introduire) ronronne Mackenzie aen un jeu séduisant. Un rétro-futurisme palpite au début de  » »Don’t Go Puttin Wishes in My Head « , où l’album passe de la pop éthérée à un indie-rock plus traditionnel.

La voix de Torres est passionnée et les guitares grondent vers la fin de la chanson alors que notre figure de proue déclare avec confiance « for a while I was sinking but from here on out I swear I’m swimming » (pendant un moment, j’ai coulé, mais à partir de maintenant, je jure que je nage).

Sur un titre comme « Constant Tomorrowland », on ne peut s’empêcher de se laisser emporter dans un tourbillon d’évasion. On y verra un élément mystique qui est soutenu par le souffle éthéré de Torres et un rythme tribal bégayant, tandis que l’assurance et le soutien coulent à travers les paroles du morceau « I’m ready/I see it/we’re gonna take flight/if you need to lean onto me I swear it’s alright » (Je suis prête, je le vois, on va s’envoler, si tu as besoin de t’appuyer sur moi, je te jure que c’est okay). « Kiss The Corners » prendra le rebondissement maladroit de «  Constant Tomorrowland »  et s’en serbira comme d’une arme – imaginez LCD Soundsystem collaborant avec Bat for Lashes et vous y êtes presque. Avec un air de disco désespéré, la chanteuse est d’humeur réfléchie lorsqu’elle dit « oh how I once missed those corners I once kissed » (oh combien m’ont manquéces endroits que j’ai embrassés autrefois). Thirstier s’achève par « Keep The Devil Out », afficant un balancement sombre et erratique qui passe d’un calme angoissant à un bruit explosif et désordonné. Comme une bataille entre le bien et le mal, le va-et-vient entre le calme et l’inquiétude et les éruptions sonores grossières capturent Torres et Thirstier dans leur dynamisme le plus fort. À travers toute cette discordance, il y a toujours la quête implacable de quelque chose d’épanouissant : « make ourselves a new world order/I’ve got all the hope I need to keep the devil out of here » (faire nous-mêmes un nouvel ordre mondial/j’ai tout l’espoir dont j’ai besoin pour garder le diable hors d’ici) déclare Mackenzie avec une confiance inébranlable. Buvez, Thirstier jusqu’à plus soif ; c’est un verre d’eau sans fond qui vous invite à en reprendre une gorgée, encore et encore.

***1/2


Aeon Cub: « Vacant King »

30 juillet 2021

Composition et production de Vincent Fugère, Aeon Cub présente Vacant King sur le label Kaer’Uiks, une édition CD et numérique qui vient enrichir leur catalogue de musique électronique. Si Aeon Cub cherche à fragmenter les tentacules glitchs et le design sonore boursouflé, c’est son utilisation de la mélodie en dés qui se distingue.

Les breaks parfois frénétiques et l’avalanche de beats sont contrebalancés par des rythmes ponctués de basse volée, nous ramenant à ces sorties IDM cassantes et précises d’antan (réf. Brothomstates, Karsten Pflum, Proem, Xela, Gimmik et plus). Aeon Cub ne se contente pas d’adhérer à la nostalgie mais fait un pas en avant avec une instrumentation brute sur plusieurs octets sonores subtils mais succincts. Ces pépites audibles sont parsemées tout au long de Vacant King (c’est-à-dire « Character Creation », « Functions Not » et « If its a Fight you Want ») – des bouchées électriques pleines de texture et de créativité.

Ailleurs, des morceaux comme « Vacant Lot » et « Collapse and the Meadow » veulent se libérer de leur carapace de braindance – des rythmes polis voltigent sur le spectre audio pour être ensuite ancrés dans de sombres contorsions de drum’n bass. La constante de Vacant King réside dans ses éléments glitch subtils et discrets – « Vague Thomas » fournit juste assez de blips, de bleeps et d’ambiances obscures ricochant entre des techniques de production artisanales et des paysages sonores improvisés.

Dans la lignée des glitches brillants, presque lumineux, « Cheat Death » et le morceau-titre offrent des tons doux et des morceaux fluides qui évoluent, se décomposent et créent des moments de bande-son atmosphérique. Dans l’ensemble, Aeon Cub offre des brins électroniques orchestrés et saccharinés qui chatouillent agréablement nos sens.

***1/2