Dream Wife: « So When You Gonna… »

La sortie du premier album éponyme de Dream Wife en 2018 a été l’une des meilleures choses qui soit arrivée au rock indé cette année-là. De retour avec des anecdotes personnelles, de la satire, des commentaires et une ambiance électrique d’inspiration punk qui vous fera sentir intouchable, ils l’ont refait avec la suite So When You Gonna…

Le trio londonien composé de Rakel Mjöll, Alice Go et Bella Podpadec emmène les auditeurs dans un voyage honnête à travers l’expérience des femmes sur l’album. Pour bien saisir l’expédition, il est impératif d’écouter du début à la fin – aucun brassage n’est autorisé. Cet album n’est pas seulement rempli d’hymnes iconiques et féministes, mais il raconte aussi une histoire.

L’album commence de manière féroce et intouchable avec « Sports » – un morceau absurde, ludique et plus encore, plein de fioritures colorées à la guitare et de clins d’œil à la voix. Il se situe à plusieurs niveaux de satire et de célébration, avec la confiance et l’exubérance du trio qui transparaît.

L’humeur change complètement à la fin de l’album, car « After the Rai » est honnête et émouvant : « C’est mon choix, ma vie / C’est ma volonté, mon sacrifice / Mon corps, mon droit / Ce n’est pas aux autres de décider » (« It’s my choice my life / It’s my will my sacrifice / My body my right / Not for others to decide). Dream Wife fait une pause dans son son très vivant et laisse briller sa vulnérabilité en s’ouvrant sur l’avortement et les droits d’une femme à son propre corps. Le lyrisme est brut et le son sombre est addictif, suscitant une puissante réponse émotionnelle. Il fonctionne brillamment comme la dernière chanson du disque, mais en dit également long sur le fait d’être seul.

Être une femme est libérateur, mais les luttes restent inévitablement pertinentes. De l’avortement et des fausses couches à la lutte pour l’égalité des sexes, Dream Wife aborde un grand nombre d’entre elles dans le cadre de cet effort.

Plein de riffs prodigieux, de voix enivrantes et d’un récit que vous ne pouvez pas ignorer, So When You Gonna… illustre bien ce qui se passe quand le talent rencontre la passion. Si cet album est une indication de ce que ce trio va apporter, Dream Wife pourrait bien conquérir le monde dans lequel le combo il évolue.

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Bruce Brubaker & Max Cooper: « Glassforms »

Deux leaders issus de mondes musicaux très différents, le pianiste novateur Bruce Brubaker et le scientifique et artiste électronicien Max Cooper, collaborent pour créer cette dernière expression musicale de Philip Glass et raconter une histoire de diversité et de vulnérabilité. Commandée par la Philharmonie de Paris et présentée à cette occasion en 2019, Glassforms fusionne le piano à queue acoustique de concert avec des synthés et des techniques de production électronique de pointe pour créer un album captivant et une expérience live dynamique. Plutôt que de se contenter de retravailler ou d’enrichir par des moyens traditionnels, Max Cooper et Bruce Brubaker recomposent fondamentalement Glassforms d’une manière qui n’est pas possible avec les outils de composition humains. Max a mis au point un nouveau système d’expression musicale par codage avec le développeur de logiciels Alexander Randon, créant un outil permettant de prendre des données en direct du piano et de les transformer en formes nouvelles mais intimement liées qui pilotent ses synthés sur scène.

Le résultat est que chacune des plages de Glassforms devient son propre « instrument » électronique, un instrument dont Bruce joue en plus et simultanément avec la pièce originale. Alors que Brubaker joue du piano et contrôle les synthés avec son jeu, Cooper module et augmente, ajoutant parfois ses propres mélodies pour former des variantes hybrides. Un disque d’une finesse et d’une maîtrise absolue.

***1/2

Lovely Wife: « Best in Show »

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

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Goldray: « Feel The Change »

L’album Rising de Goldray, sorti en 2017, a été une formidable fête de la psychologie. Preuve que la foudre peut frapper deux fois, Kenwyn House et Leah Rasmussen sont de retour avec un formidable deuxième album dans Feel The Change.

Feel The Change rassemble huit nouvelles chansons écrites par House et Rasmussen et coproduites par Pedro Ferreira (The Darkness, Therapy ?, Enter Shikari, Meatloaf, David Gray) aux studios Spineroad de Göteborg. Progression ? Eh bien, on nous promet une progression plus lourde tout en restant en contact avec leurs racines psychiques.

Il est difficile d’argumenter alors que les mitraillettes d’Oz sont bien plus longues que sept minutes, la guitare House alternant entre riffs trapus et solos de forme libre alors que Rasmussen tient le tribunal pendant sept minutes qui pulsent et hypnotisent. Tous deux sont probablement parés de velours et de brillants vêtements pour ajouter l’élément visuel essentiel à la musique. Il y a un sentiment inhabituel que vous pourriez rencontrer How Soon Is Now avec la pulsation, mais pas pour longtemps. C’est une introduction aussi puissante que vous le souhaiteriez et un autre bel exemple d’introduction à une nouvelle série de chansons avec une démonstration de force. Sept minutes qui valent à elles seules le prix d’entrée proverbial.

Pour ne pas faire une overdose de bonnes choses, la chanson titre offre un comedown car elle évoque un Fleetwood Mac de l’époque  Stevie Nicks, particulièrement au niveau du refrain. Cela dit, il est peu probable que vous entendiez le Mac changer de vitesse dans la coda hard rock qui est présentée ici… « Tenez la lumière et sentez-vous vivant à l’intérieur. »

« Why The Forest » est divisé en deux parties, avec la soul bluesy, presque gospel, dans la première partie. Ont-ils avalé des Blue(s) Pills ? Il se transforme en un riff classique de style Zep/Sabbath qui frappe avec force dans la deuxième partie, ainsi qu’en un solo House inspirant qui se détache et qui colle deux doigts à ceux qui essaient de jouer la carte de la « branlette à la guitare ». C’est une musique brillante qui nous berce inévitablement avec une facilité et une douceur inattendues.

Avec un peu de chance, vous écoutez sur un disque vinyle car le fait de se lever et de retourner le plateau donne un bref répit à un côté étonnant. Et ce n’est pas tout, car le duo mélange encore une fois des arrangements expérimentaux psychologiques et prog. Oui, ils s’inspirent peut-être énormément de la fin des années 60 et du début des années 70, mais nous sommes en 202 et il est très agréable d’entendre la flamboyance de Goldray au centre d’une scène psycho rock vibrante.

D’autres de la même trempe ? Pouvez-vous prendre encore une seule pastille de menthe ? How Do You Know pourrait bien nettoyer la palette pour les pulsations de The Beat Inside alors que House met en place un riff insistant qui ne fait que serpenter et groover. L’apparition d’une guitare acoustique sur Come On nous entraîne dans une éloquence rêveuse sans aucun relâchement de l’intensité. Juste une touche plus légère.

Il n’y a pas un seul morceau de duff sur Feel The Change. Pas un seul instant de perdu. Vous avez déjà pensé qu’ils avaient arrêté de faire de la musique comme ça ? Il est temps de le réaliser. Feel The Change est un chef d’oeuvre de blues-rock psychédélique.

***1/2

Marja Ahti: « The Current Inside »

Les artistes sonores compétents sont ceux qui peuvent organiser ou présenter le son de manière convaincante. Les artistes sonores compétents sont capables d’insuffler à leur travail quelque chose de plus : la perspective ou la relation unique qu’ils ont avec le matériau source, les aspects particuliers de leurs matériaux rassemblés qui les intéressent le plus, les incertitudes glissantes auxquelles leurs créations sont confrontées et qui peuvent être rendues suffisamment palpables par les mains d’un véritable maître du métier. Marja Ahti est certainement l’une d’entre elles. The Current Inside, son deuxième LP pour le label suisse Hallow Ground (elle avait déjà étonné avec des sorties comme The Hole in the Landscape sous le patronyme de Tsembla et Why Do Birds Suddenly Appear ? avec son partenaire Niko-Matti Ahti), est aussi dépouillé et strié que le dessin à l’encre qui orne sa pochette, chacune des cinq pièces étant soigneusement reconstituée avec de délicats artefacts de texture, des fréquences de résonance et des enregistrements de terrain traités de manière minimale dans des tableaux immersifs d’objets sonores tactiles avec l’apesanteur et la liberté de mouvement d’une feuille de tulle arachnéenne.

Commandé par l’INA GRM pour les actes sonores, « The Altitudes », d’une durée de 20 minutes, occupe la totalité de la face A de l’enregistrement et explore la beauté de la plus abstraite des interactions élémentaires terrestres, « reliant et animant des mouvements sous forme d’air, d’eau et d’électricité ». Dans une approche peut-être plus fidèle aux origines de la musique électroacoustique, les compositions d’Ahti s’inscrivent dans une neutralité résolue, ses vibrations métalliques cristallines, ses doux cliquetis et des extraits naturels jamais entachés de beauté conventionnelle ou de laideur gratuite. Au contraire, elles dérivent comme des bateaux blancs comme neige sur une étendue d’eau froide et sans courant, des oasis de terre fugaces et des feuillages toujours au loin, des lamentations désincarnées nichées dans la brise.

***1/2

Oval: « Scis »

Après avoir pris une pause de neuf ans au début du millénaire, Markus Popp (alias Oval) a poussé son métier dans des territoires plus vastes, s’éloignant de son pépin ambiant initial.

Sur Scis, son neuvième album et le premier en quatre ans, Popp continue de transformer ses sons numériques en rythmes plus audacieux, plus forts et plus ludiques. Sur dix morceaux et 46 minutes, le musicien allemand interpole deux thèmes sonores : des vibrations extraterrestres et des tempos qui s’entrechoquent, comme le démontrent les points forts du LP comme le rythmique erratique « Fluoresso » et le béatifique épars « Cozzmo ».

Bien que Scis soit légèrement normatif dans sa mise en page (chaque morceau contient des éléments sonores similaires et dure entre quatre et cinq minutes), Markus trouve néanmoins de l’espace pour mélanger les accessoires musicaux, en ajoutant des échantillons de voix féminine hachée sur des morceaux comme « Pushhh » et « Mik » ».

Scis démontre qu’après 27 ans de carrière, Markus Popp parvient toujours à se montrer avant-gardiste.

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Alice Boman: « Dream On »

L’auteure-compositrice suédoise Alice Boman apporte une ambiance larmoyante à son premier album, Dream On. Les mélodies basses au piano et au synthétiseur qui y sont exposées trouvent un rare pathos : Un endroit qui se situe quelque part entre The Greatest de Cat Power et Blues de Tom Waits et Tom Traubert, et c’est bien triste. Il suffit de lire les titres des chansons pour se faire une idée de tout cela, mais la construction soignée de morceaux comme « Wish We Had More Time » et « This Is Where It Ends » rend difficile de résister à l’envie de passer du temps avec le chagrin.

Si les rythmes dansants de « Don’t Forget » vous procurent un moment de répit, c’est la pulsation de basse énergie de chansons comme « Who Knows et Everybody Hurts » qui vous mettra à nu. La voix de Boman, doucement accentuée, ajoute un air d’innocence à la procédure, rendant d’autant plus pénible la résignation de lignes comme « Is she everything that I am not ». Dream On est conçu sur mesure pour les jours où il semble que le happy end ne vous est pas destiné.

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Bad Moves : « Untenable »

Ce groupe de power pop de la région de Washington D.C. avait déjà conquis ses fans avec son premier album contagieux, Tell No One, ainsi qu’avec sa participation à l’émission Craig of the Creek sur Cartoon Network et ses tournées avec des héros underground comme Jeff Rosenstock et The Hold Steady. La puissance pop du groupe, brillante, séduisante et pleine d’émotion, s’est un peu durcie au cours des deux années qui ont suivi ses débuts. Pourtant, bien qu’Untenable capture une agitation et une instabilité palpables, il garde aussi les crochets accrocheurs et l’attitude courageuse à un niveau égal, créant ainsi un album aussi amusant qu’intelligent. 

Tout comme Tell No One, Untenable est dynamique et divertissant tout au long de son parcours. Les chansons ici sont pleines de riffs de guitare percutants et de mélodies sucrées. Le groupe continue également à faire des compromis entre les tâches vocales de tous ses membres. Chaque membre a l’impression d’ajouter son propre caractère à sa voix, ce qui crée un sentiment de collaboration dans la musique. L’élément collectif se reflète également dans l’atmosphère ensoleillée du disque.

Des morceaux comme « Camp Henlopen » s’intègrent bien dans le karaoké improvisé de certains enfants. La chanson capture la joie simple d’une journée avec des amis sur une plage du Delaware. Ces mélodies toujours accrocheuses et ces performances énergiques maintiennent un délicieux noyau pop puissant dans la musique du groupe. 

Mais autour de ce noyau, les paroles du groupe examinent intelligemment les angoisses sociales et politiques contemporaines. « Party With the Kids Who Want to Party With You » prend le spectre de la guerre nucléaire ou de l’effondrement du climat et le transforme en un appel urgent à ignorer les banalités de la vie et à se rapprocher des gens. Ce sentiment d’agitation imprègne une grande partie des chansons, ajoutant à l’énergie rebondissante du disque. « Working For Free » prend une tournure plus dynamique et plus agressive lorsque le groupe montre ses références punk et s’attaque à l’exploitation des travailleurs des services. Aussi amusant que soit l’album, des lignes telles que « When the worlds run through the hands of unpaid labor excess income drikles up » (Quand le monde passe entre les mains du travail non rémunéré, les revenus excédentaires s’écoulent) montrent que le groupe est toujours capable de messages lyriques percutants. 

Il y a quelques moments où l’album perd un peu de son élan. « Fog is a Funny Thing » commence avec des synthés et des accents de cordes, se démarquant assez nettement du reste de l’album. Il finit par être repris dans un autre morceau pop punk, mais l’esthétique du début est assez peu flatteuse. De même, l’indie fainéant de « Settle Into It » n’a pas la force de caractère du reste de l’album. Cependant, même ces morceaux plus faibles montrent le penchant du groupe pour les mélodies bien construites et les performances vocales distinctives. 

Untenable s’adresse à un monde apparemment en perpétuel état de confusion et de bouleversement, trouvant finalement un réconfort personnel dans les amitiés au sein et autour du groupe. Il atteint un point final émotionnel semblable à celui de beaucoup de pop punk anxieux, comme Jeff Rosenstock ou PUP. Pour reprendre les mots du morceau de clôture, « We’re still having a good time/Maybe this all ends up fine » (On s’amuse toujours Ou peut-être que c’est la fin du temps). Pourtant, dans cette voie, Bad Moves parvient à donner au style sa propre tournure addictive et citadine. Les styles vocaux distinctifs, les sonorités de guitare ensoleillées et l’oreille pour les mélodies aiguisées distinguent le groupe de ses pairs et montrent un groupe qui ne fait que grandir en qualité.

***1/2

Holy Wave: « Interloper »

Formée à l’origine à El Paso, TX, Holy Wave s’est installée à Austin,Texas en 2008. Et ce n’est pas étonnant, car Austin est un haut lieu du rock psychédélique. Les 13th Floor Elevators ont été le premier groupe à qualifier leur musique de « rock psychédélique » et des groupes comme The Black Angels, The Octopus Project, Golden Dawn Arkestra, Holy Wave et bien d’autres ont maintenu cette tradition en vie dans l’autoproclamée « Capitale mondiale de la musique vivante ». En combinant des sons de surf rock, des chants de groupe et des riffs de bourdonnement avec du rock psychédélique, les membres multi-instrumentistes de Holy Wave ont créé un son unique qui captive l’auditeur sur chaque album. Avec leur cinquième sortie en studio, Interloper, Holy Wave ajoute de nouvelles couches à leurs chansons, tant sur le plan musical que sur le plan des paroles.

Interloper est un album qui traite de la dualité de la vie sur la route et à la maison. L’ouverture de l’album, « Schmetterling », immerge instantanément l’auditeur dans des synthés tourbillonnants et aériens qui donnent un sentiment d’être à l’air libre et rayonnent d’une aura d’optimisme. Le deuxième morceau, « R&B », sonne comme une combinaison des Beach Boys et de Spiritualized avec ses vibrations de surf rock. Des paroles simplistes telles que « I knew I wanted to be with you when you kissed me » et « I take you everywhere I go by the hand/or in my mind » ajoutent une touche Beach Boys au morceau. Ce sentiment d’amour jeune est juxtaposé sur le morceau « No Love », qui véhicule des sentiments de regret opposés.« »No love/No feeling at all» est chanté sur un air plus bourdonnant qui se termine par un solo de saxophone grinçant qui draine un sentiment de mélancolie. Le morceau offre des synthés cinématographiques qui s’ajoutent à la pop de rêve de Holy Waves qui rappelle les débuts de Pink Floyd. « Buddhist Pete » est le point culminant de l’album, avec un rythme entraînant qui laisse l’album plus calme « Redhead » à l’auditeur pour qu’il se remette avec ses synthés pensifs et son chant bourdonnant.

Interloper prouve que Holy Wave continue à développer et à affiner ses arrangements et son écriture, et devient de plus en plus un groupe avec lequel il faut compter. Il est également intéressant de noter qu’Interloper a une absence notable de guitares au premier plan. Ce n’est pas qu’elles soient complètement absentes, elles sont juste en arrière-plan pendant la plus grande partie de l’album et servent à ajouter de la texture plutôt qu’à donner de l’élan à la chanson. A grâce à  Interloper, Holy Wave a fait de grands progrès et, comme ils ont déclaré que cet album est un peu expérimental, on peut dire sans risque que l’expérience a fonctionné.

***1/2

Dutty Moonshine: « Big Band City Of Sin »

Parfois, il faut enlever le chapeau de critique et jouer quelque chose de fort. C’est comme ça. Les Dutty Moonshine Big Band sont grands, stupides et agréables. Ils sont apparemment électro-swing, un genre qui garantit un travail en Europe et un statut de culte mineur au Royaume-Uni, mais ils le cachent bien, et peuvent même amener de nouveaux fans dans le genre.

L’électro-swing, c’est comme ça : un son de big band sur un kit électronique, mais les Dutty Moonshine sont plus proches de la danse dans une de ses phases les plus flamboyantes, avec beaucoup de synthétiseur de basse colossal et lourd. Colossal ne lui rend pas vraiment justice, c’est comme dire qu’un tank Chieftan est un fourgon blindé.

Le Big Band Fam ouvre les débats avec un solide rythme de danse à quatre au bar, puis un synthétiseur basse, une caisse claire en marche et des paroles répétées. Le swing est bien présent, mais le synthétiseur et la crasse sont au premier plan. C’est un peu exagéré et idiot, mais amusant. « Vous vous souviendrez de nous maintenant» est à peu près aussi analytique que les paroles.

« Click Clack Boom » est le suivant et c’est Rob da Bank sur la radio à 5 heures du matin, un disque d’ouverture destiné aux clubbers qui viennent d’arriver et aux lève-tôt qui se réveillent : un peu soul tout en prouvant que l’attente de la baisse n’a pas tout à fait eu son temps.

« City Of Sin « apporte un peu de rap rapide avant les Outlaws, la première fois qu’un son électro-swing clair apparaît, bientôt enterré sous les voix, le synthé et les cuivres. C’est assez malin, le swing a sa place quelque part dans le genre européen tout en étant assez club pour l’Angleterre ; il y a aussi des relents de danse chorégraphiée de disco de mariage.

« Fever » est la suivante, et elle est clairement électro-swing, avec des cuivres jazz et un travail acoustique habile. D’autres chants rapides comme l’éclair permettront probablement aux auditeurs britanniques de se mettre au diapason. Le synthétiseur bassy a disparu, et il y a aussi un chant approprié (ils sont huit et comportent des cuivres, des touches, une batterie, du matériel numérique et des chanteurs).

« Tommy And Loretta « est une chanson douce, un poème / une histoire parlée, presque du type de celle que Dan le Sac / Scroobius Pip pourrait créer. C’est l’histoire habituelle d’un garçon qui rencontre une fille, le garçon change de vie pour devenir une fille, ils tombent amoureux, sa famille devient jalouse et la descend comme un chien, elle le descend. C’est plus drôle que ça en a l’air, et le refrain est énorme, un peu épique.

« Fall From Grace » commence par un électro-swing et un saxophone baryton, qui se transforment en un classique de la danse d’Ibiza. Le contrôle de qualité est également élevé : le huitième morceau, « The Arrest », est l’un des meilleurs de l’album.

Un album amusant, pour faire la fête ou même simplement pour vous remonter le moral après un blues d’enfer ; à jouer fort, donc…

***1/2