William Ryan Fritch: « Freeland »

25 février 2021

Le neuvième chapitre de la série Fearful Void de Lost Tribe Sound vient du compositeur et multi-instrumentiste William Ryan Fritch. La bande originale du long métrage Freeland, des réalisateurs Mario Furloni et Kate McLean est aussi explosive, diversifiée et riche sur le plan musical qu’on pourrait le penser.

Le film lui-même se concentre sur une femme nommée Devi (jouée par l’actrice américaine Krisha Fairchild), qui élève des souches de pot depuis des décennies, cultivant le jour et se défonçant à la tombée de la nuit. Dans l’ensemble, elle vit sa meilleure vie. Elle veut passer le reste de ses jours sur sa ferme, un endroit qu’elle a construit elle-même. Cependant, lorsque le cannabis est légalisé, sa vie de solitude et de sérénité est bouleversée. Forcée de faire face aux réalités en rapide évolution des attitudes modernes, de la culture américaine et de l’industrie de la drogue, elle se bat pour son avenir et se fait légaliser dans un paysage de plus en plus hostile qui menace tout son gagne-pain et son mode de vie.

Les cors, les percussions, les bois et les bandes sont tous présents dans la musique du film, qui ressemble à un paysage ouvert et vaste – un terrain fertile au milieu de nulle part, sur lequel la musique est libre de jouer. Les phrases dorées et chantantes sont toujours les bienvenues, rougissant comme le premier soupçon d’un lever de soleil, mais il y a beaucoup de drame dans la partition. Fritch n’essaie pas de cacher la tension croissante, ni de dissimuler les nouvelles menaces – en fait, c’est tout le contraire. Fritch s’est fixé un délai très serré tout en réussissant à faire une musique expansive et épurée. Chaque morceau est complet et entier, et parmi les morceaux les plus dramatiques, on peut trouver des sons ininterrompus, avec une sorte de paix et de beauté filtrant à l’intérieur, malgré la tempête environnante.

La partition passe souvent à l’offensive, cherchant un conflit ouvert, ses notes rageuses contenant plus de puissance qu’un mot mortel ; il faut l’aborder et l’affronter de front. D’une certaine manière, la tension croissante de la partition et les sons stressés sont un appel aux armes ; les cors sont historiques en ce qu’ils annoncent un nombre incalculable de batailles. Devi part elle-même à la guerre, livrant un combat profondément personnel, désespérée de préserver son mode de vie, son existence et son avenir. Les ramifications sont aussi profondes qu’une tranchée en première ligne.

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Dead Space Chamber Music: « Hagioscope Obscura »

25 février 2021

La « chamber-goth » de Dead Space, l’une des meilleures formations de Bristol, a atteint, sur e Hagioscope Obscura, une majesté que seul Dead Can Dance pouvait véhiculer et c’est un bonheur tout autant qu’un honneur pour nos oreilles.

Le spectre de la musique ancienne, des proverbes régionaux et du folklore gallois se profilent dans leur répertoire ; Deadspace possède un cœur sombre et battant de pur les drames oniriques et les rituels du passé – jouant souvent dans des églises majestueuses comme St Thomas on the Wall (n’est-il pas agréable, à cet égard, qu’ils ne brûlent plus les sorcières ?). Leurs soirées Dark Alchemy ont créé ces dernières années une petite communauté très soudée de commerçants et de musiciens, dont les favoris de Rwdfwd, Organchrist, et des groupes internationaux de dark ambient comme The Nent, toujours soutenus et généralement mis en avant par le house band. C’est ce combo imbattable de rituels en direct, de lumière de bougies, de théâtre vocal, de vitraux, de violoncelle, de guitare et de batterie.

Haigoscopeestune collection de leurs enregistrements et résume d’emblée la musique qui se trouve à l’intérieur : les appels brumeux de notre vie passée dans les Highlands, le crépitement des tambours et le bruissement caustique des percussions ritualisées, l’angoisse du violoncelle et les cris spectraux de « Liemont » coupés par des gémissements de guitare perçants. C’est aussi le point culminant de « Y Dref Wen / The Shining Town » (une collaboration avec Tribes of Medusa). Une épopée de wah wah funèbres, tissée par une ligne de guitare araignée et des percussions qui flottent sur l’air – pour aboutir à un crescendo de pure libération sombre. C’est le genre de morceau qui exige 10 minutes de votre douce bobine mortelle juste pour vous amener là où il va.

Bien que le groupe entier travaille en tant qu’unité au-delà de ses années, un cri particulier doit être adressé aux acrobaties vocales d’Ellen Southern, c’est une chanteuse rare d’une portée vraiment étonnante qui peut battre la mesure avec les lignes de guitare et la batterie quand les choses se mettent vraiment en place. (Certains d’entre vous reconnaîtront peut-être la voix d’Ellen Southern dans ses récentes aventures avec Roly Porter)

Leurs chansons ont un tel sens du lieu et de l’atmosphère qu’il est déconcertant que cette cassette ait été créée dans les conditions actuelles de la vie. Il y a quelque chose de vraiment beau dans cette cassette, même si elle peut sembler lourde et sombre. Ces « Lockdown Recordings » (enregitsrements de vonfinement) nous ramènent sans tristesse à la consommation de gâteaux de l’espace sur les bancs de l’église. Ils sont transportables, vous donnant un espoir pour l’avenir de la musique qui en fait finalement l’un des documents les plus prometteurs de cette période.

***1/2


Midnight Sister: « Painting the Roses »

24 février 2021

Le duo de Los Angeles qu’est Midnight Sister ne manque pas d’idées. Leur deuxième album, Painting the Roses, est un mélange éclectique de rock indie et de pop baroque, avec des clins d’œil pas si subtils au psychédélisme, au jazz, à la danse et à la musique classique. Toutes les expériences ne sont pas payantes, mais il y en a forcément pour tous les goûts. Le disque est remarquablement détendu, ce qui est à la fois un plaisir et une frustration.

L’album s’épanouit dans ses moments inattendus : le solo de guitare flou sur « Foxes », la ligne de basse outrageusement groovy sur « Sirens  », le motif de cordes cinématique sur « My Elevator Song ». Pour n’en citer que quelques-uns. Midnight Sister offre de nombreuses surprises avec l’instrumentation, il est donc dommage que leurs chansons soient souvent écrites de manière si passive. Painting the Roses est imprévisible, mais cela n’est pas rédhibitoires.

En fait, jon finira plutôt par apprécier davantage les morceaux expérimentaux que les balades indie décontractées, aussi agréables soient-elles. Même si Painting the Roses n’est pas un grandopus, il y a beaucoup de choses à apprécier pour les auditeurs. « Sirens », mentionné ci-dessus, est une jam absolue, offrant une sensation similaire à l’un des plus grands hymnes de danse d’Arcade Fire, « Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) ». Ailleurs, on retrouve des touches de glam-rock et de power pop dans la même veine que The Lemon Twigs, autre duo américain éclectique. Seulement, avec beaucoup moins de chaos (et un peu moins d’excitation). Si cela vous semble être votre genre, alors Painting the Rosesfera votre bonheur.

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Tom Swafford & Zachary Swanson: »Scythe Paths Through the Nettles »

23 février 2021

La musique de Scythe Paths Through the Nettles, un album d’improvisations libres pour violon et contrebasse, est différente de la musique librement improvisée pour cordes. Le violoniste Tom Swafford et le contrebassiste Zachary Swanson jouent avec un fort penchant pour l’incorporation d’éléments de la chanson, parfois explicitement et parfois non, dans des improvisations qui sont libres tout en restant ancrées dans des formes de musique plus traditionnelles. Cela n’est pas surprenant, étant donné que les deux se sont rencontrés alors qu’ils jouaient ensemble dans un ancien groupe à cordes. Le son de Swafford a quelque chose d’ancien : même si l’on tient compte de quelques épisodes de technique étendue, son jeu montre ses racines dans le violon ainsi que dans le jazz.

Swanson joue principalement un pizzicato robuste, bien qu’il passe à l’archet sur « Spokeshave », « Rasp » et « Scraper » pour les accords et les lignes simples, et sur « Shoulder Yoke » et « Harrow Down the Clouds », le plus avant-garde des duos. Sur des morceaux comme « By the Fork and the Flail », avec son swing sublime et ses lignes de basse ambulantes, Swafford et Swanson établissent un contact explicite avec le jazz ; Dark Carlyle et Rear Brake Caliper font allusion à une progression d’accords.

Scythe Paths Through the Nettles a été enregistré dans un entrepôt de Brooklyn et, peut-être pour cette raison, sa qualité sonore est à l’état brut. Il n’en reste pas moins que c’est une écoute agréable et qu’elle présente un point de vue unique sur la musique non préméditée.

***1/2


The Pretty Reckless: « Death By Rock And Roll »

22 février 2021

Depuis plus de dix ans, tout cynisme que l’on aurait pu avoir à l’égard de la dévotion de Taylor Momsen pour la musique a depuis longtemps été jeté par la fenêtre la plus proche. Dans un monde qui semble de plus en plus favorable à un hard rock peu stimulant, The Pretty Reckless possède à la fois une chanteuse charismatique et un son moins facile à cerner que vous ne l’imaginez. En fait, chacun de leurs albums jusqu’à présent a été ressenti comme un pas en avant, et leur quatrième opus, Death By Rock And Roll, n’est pas différent.

Il faut garder à l’esprit que ce n’est absolument pas destiné aux fans de Cannibal Corpse. Comme pour des groupes comme Halestrom, The Pretty Reckless est un groupe traditionnel, qui compose des chansons simples avec des couplets, des refrains et des huit. La production est grande, brillante et coûteuse, et les chansons – quelques ratés mis à part – sont accrocheuses et anthemiques de telle manière qu’il est beaucoup plus difficile d’imaginer qu’elles soient interprétées dans une petite salle que dans une arène géante. Avec tout cela à l’esprit, Death By Rock And Roll n’est pas un album difficile à évaluer : soit vous serez un fan de hard rock audacieux, ambitieux et radiophonique, soit vous ne le serez pas. Heureusement, on y trouve plusieurs chansons vraiment géniales, qui ont toutes un charme désarmant.

Le morceau d’ouverture, qui donne le titre à l’album, est un bon point de départ, même s’il est un peu ringard et sans imagination au niveau des riffs. En revanche, « Only Love Can Save Me Now » est une chanson tout simplement géniale, avec de fortes nuances de solo façon Ozzy et quelques leads éclatants du guitariste Ben Phillips. Comme plusieurs autres morceaux, il met en évidence l’intelligence de l’éthique sonore de The Pretty Reckless, où de grandes mélodies et des riffs classiques sont en quelque sorte combinés pour créer quelque chose qui ne sonne jamais rétro, même en incluant la pédale à la mode Black Sabbathsur l’orgue qui éclate avec une grande exubérance pendant « My Bones ». Affichant un côté beaucoup plus dynamique, « 25 » est une ballade gothique obsédante, riche en cordes brumeuses, dotée d’un détour inattendu en milieu de chanson, d’un détour prog-pop et d’un chœur magnifiquement surchargé et grandiose. De même, « Got So High » et « Standing At The Wall » voient Momsen sur un mode réfléchi et semi-acoustique ; le premier sonne comme une sortie perdue de Mazzy Star alimentée par la lueur confortable de la ville moderne de Nashville, le second est un moment de puissance, plus léger dans l’air, rempli de cordes qui balaient. Les deux offrent un changement de rythme et de ton qui convient extrêmement bien au chanteur et au groupe, tout en détournant l’attention de moments moins mémorables et « rock-by-numbers »  comme « Witches Burn » et « Turning Gold ».

Pour conclure, avec une autre ballade solide de style américain (« Rock And Roll Heaven ») et le folk rock aéré de « Harley Darling », Death By Rock And Roll est un album difficile à détester. La voix de Momsen s’améliore de plus en plus, au moins la moitié de ces chansons se logent dans votre cerveau pendant des mois et, malgré leur caractère résolument mainstream, The Pretty Reckless ne ressemble vraiment à personne d’autre. Les légions d combos pratiquant un rock ennuyeux et frelaté feraient bien d’en prendre note.

***1/2


« Oh! You Pretty Things: Glam Queens And Street Urchins (1970-76) »

22 février 2021

Le prolifique label Cherry Red Records se surpasse actuellement avec sa production de coffrets classiques et rares – pour commencer, on peut noter New Wave Of British Heavy Metal, Pub-Rock, Back Street Crawler et Fraternity. Ce dernier coffret de 3 CD, avec un livret de 40 pages, s’efforce de documenter le mouvement glam-rock du début des années 70. OK, jusqu’à présent, on ne pouvait que soupirer, en constatant qu’il s’agssait d’une autre compilation prévisible davec tous les suspects habituels de la plateforme, « Cum On Feel The Noise », « Can The Can », « Tiger Feet », « Blockbuster » et autres. Et là, vous vous trompez, car au lieu de cela, il s’agit d’un document méticuleusement recherché, une plongée profonde dans l’underground musical da tant de presque 50 ans, compilé et annoté par un certain David Wells. Sur les 63 chansons présentées, d’une durée de près de quatre heures, il serait difficile de trouver une seule des chansons que vous vous attendez à trouver. Oui, nous rencontrons Slade et Sweet, mais pas sans leur plus célèbre production, et vous devrez creuser pour trouver Suzi Quatro ou Marc Bolan – tous deux apparaissent comme artistes invités sur les chansons d’autres personnes.

Certes, le CD1 s’ouvre avec « Pyjamarama » de Roxy Music, peut-être pas la première chanson qui vient à l’esprit dans leur catalogue, mais pas une inconnue complète non plus, et la même chose avec le deuxième morceau, « Ma-Ma-Ma-Belle » d’ELO. Ensuite, Sparks est représenté par « Barbecutie », la face B sans album de leur classique « This Town Ain’t Big Enough for Both of Us ». Et c’est ainsi que se déroule la compilation ; des choix intéressants et réfléchis qui donnent un aperçu de l’évolution de la scène, plutôt que d’opter pour l’évident fourrage de charts qui plaît à la foule. Comme le dit le compilateur, « l’émergence de la scène Glam Rock outrageuse, androgyne, à la plume de paon, a fourni une étincelle vitale dans le noir », dans une scène musicale qui devenait sans doute trop sévère et sérieuse pour son propre bien.

L’establishment s’est trouvé brièvement submergé par une vague d’artistes aux yeux très perçants, portant des filets de pêche et blond platine – et ce n’était que des messieurs. De cette scène allaient émerger les idoles la pop les plus sympathique et éculcorée et les punks aux cheveux hérissés, mais cette sélection met en avant le bref intermède historique entre 1970 et 1976 qui a rendu la sordideté acceptable et l’innovation obligatoire. Londres était l’épicentre de ce nouveau mouvement tectonique et, bien que l’Amérique de la côte est soit représentée, il s’agit d’une collection essentiellement britannique – les trois groupes choisis pour ouvrir la collection étant suivis par The Pretty Things, The Hollywood Brats, qui ornent également la couverture, et l’énigmatique Silverhead, mettant en scène Michael des Barres, un membre de l’aristocratie anglaise devenu scandaleux etpourvoyeur d’obsénités.

Tous ceux qui sont quelqu’un se présentent sous une forme ou une autre, certains sont des membres essentiels de la scène, d’autres n’y ont touché que brièvement ou d’un simple coup d’œil, mais ont quand même influencé son développement d’une manière ou d’une autre. Aucune chanson de David Bowie n’est présentée, mais il parvient tout de même à obtenir pas moins de 38 mentions dans les nombreuses notes de pochette. Les rockers de l’espace Hawkwind sont représentés avec leur chanson interdite « Kerb Crawler » datant de 1976 ; Dana Gillespie, qui a joué Marie-Madeleine dans la production originale de Jesus Christ Superstar, chante Andy Warhol, dont les paroles sont signées Bowie, avec Mick Ronson à la guitare.

Les rockers irlandais Thin Lizzy semblent être une inclusion improbable avec leur obscur « single » « Little Darlin’ », qui , en 1974, n’est pas un album, mais une chanson qui demeure de ce fait un trésor rare, car elle a été enregistrée pendant le bref mandat du guitariste Gary Moore au sein du groupe, après le départ d’Eric Bell et avant qu’ils ne connaissent le succès avec le label Vertigo et leur nouveau son pionnier à deux guitares. Il y a un autre lien avec Thin Lizzy avec l’inclusion d’une chanson des Hammersmith Gorillas – leur « single » « She’s My Gal » a été l’un des premiers enregistrements à sortir du label de Ted Carroll, Chiswick, ancien co-gérant de Lizzy. Bien entendu, cette compilation dédaigne d’inclure « She’s My Gal », et inclut à la place la rareté inédite « Shame, Shame, Shame » issue des mêmes sessions.

Un Tim Curry vêtu d’un corset et chantant « Sweet Transvestite » du Rocky Horror Show est peut-être un bon choix pour une sélection comme celle-ci, mais le popster Leo Sayer, qui se trouve dans un répéertoire plutôt grand public, est plus inattendu – à moins, bien sûr, que vous vous souveniez de Sayer à ses débuts, habillé comme un clown inspiré par Pierro, chantant « The Show Must Go On » d’une voix artificiellement bourru ». Pour aller encore plus loin, même ce premier succès est trop connu pour cette compilation, qui choisit plutôt de présenter la ballade douloureuse de Sayer, « The Dancer », tirée du même album. Sayer est devenu un habitué des hit-parades, mais il est mis sur la sellette avec quelques raretés de bonne foi : des inconnus relatifs Streak a sorti quelques singles obscurs et a même enregistré un album en 1973, qui n’est jamais sorti. Ils sont représentés ici par le pub-rock « On The Ball » de ce disque.

Andy Arthurs a enregistré une poignée de « singles » sous le nom bizarre d’A Raincoat, et est ici représenté par « I Love You For Your Mind (Not Your Body »). La connexion transatlantique est représentée par Lou Reed, Iggy Pop et les New York Dolls, mais aussi par le moins connu Jobriath, qui a été présenté comme le premier musicien de rock ouvertement gay à être signé sur un grand label, Elektra, en 1973.

L’ensemble vise à couvrir deux volets du mouvement – le côté artistique, l’écriture de chansons ou le côté proggy de la barrière : « Teenage Archangel » de Be-Bop Deluxe, « Canon « de Phil Manzanera, le brillant « The Purple Speed Queen » de Curved Air, et « Bright Lights « de England’s Glory, un groupe fortement influencé par Lou Reed – et le hard rock et le proto-punk plus en vue et plus direct : « Tumble With Me » des Hollywood Brats, « Personality Crisis » des androgynes New York Dolls ou « Payroll » du totalement anonyme Brutus. C’est une pièce d’archéologie fascinante et révélatrice, qui met sur un pied d’égalité les actes obscurs et inconnus et les véritables légendes de la scène – et il n’est pas facile d’expliquer pourquoi certains ont atteint le centre de la scène et d’autres l’ont manqué.

Il suffit de dire que le livret d’accompagnement complet comprend des notes sur chaque chanson, expliquant quand et dans quelles circonstances elle a été enregistrée, et pourquoi elle a été retenue pour la compilation. Néanmoins, si vous pouvez vous rappeler presque mais pas tout à fait qui étaient Rusty, Duffy, Spiv, Bullfrog ou The Winkies, ou ce que faisait Michael Moorcock quand il n’écrivait pas de fantasy de science-fiction, ou pourquoi vous avez aimé/détesté The Pink Fairies ou Mott The Hoople,il sera temps alors de vous plonger dans l’histoire et de revivre votre jeunesse malheureuse.

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Wobbly: « Popular Monitress »

22 février 2021

Si son ton général est celui de la bizarrerie sonore et des mystifications, Popular Monitresde Wobbly dégage rien de moins qu’une théâtralité invitante. Avec une palette sonique qui se lit comme une onomatopée de bande dessinée et une approche fourre-tout de la lignée de la musique électronique – les rythmes et les collages sonores du hip-hop et de la techno de Detroit contre la palette mélodique thématique des jeux vidéo de fantaisie, le tout canalisé par une approche compositionnelle à parts égales – Luc Ferrari et Orange Milk – Popular Monitress se délecte à l’excès. Mais, en dépit de cette ampleur, le sens du jeu de Leidecker et son amour déclaré pour le grandiose maintiennent l’album à l’écart des mauvaises herbes. La musique coule de station en station, traitant chaque étape du voyage sur 21 pistes comme un élément de base d’une approche compositionnelle, un marathon d’exploration à la recherche de la plénitude.

La première partie sert d’accroche à l’album, et elle reste accessible. Les trois titres « Authenticated Krell », « Appalachian Gendy » et « Lent Foot », en particulier, illustrent parfaitement l’approche de Leidecker en tant que ramification de la musique dite dance. La moitié arrière de « Appalachian » chevauche un deux-pas galopant aux cris chromatiques allongés, premier moment de cohésion synchrone de l’album. Avec ses tendances de « stop and go » et son ensemble instrumental toujours changeant, « Lent Foot » mélange habilement le malaise et la confiance rythmique en coupant les énoncés musicaux au milieu des mots et des phrases, avant de s’installer dans un balancement dans la dernière minute. Si ces huit minutes environ ne présentent qu’un aperçu de la bizarrerie et de l’ambition dont parle Leidecker dans les séquences suivantes et substantielles de Popular Monitress, elles offrent tout de même certaines des improvisations les plus amusantes et les plus réécoutables de la bizarrerie.

Une partie de l’étrangeté inhérente à l’album provient de ces fragments de « sous-minutes » qui se succèdent dans l’exacution. Du grognement de l’intro, « Instant Canon », à la dissonance courant sur neuf secondes de « Training Lullaby », ces mini-pistes distillent le penchant de Leidecker pour la conception sonore abstraite en rien de plus que le moment de sa prononciation, le spectacle de sa création. Le phénomène le plus accrocheur pour les oreilles de Popular Monitress est peut-être son équilibre entre des rythmes dansants et une arythmie évolutive, mais la conception sonore fournit une intrigue soutenue – la liste des équipements utilisés dans le générique évoque une odyssée de plugins et d’applications, chacun contribuant à un monde sonore qui fonctionne comme un écosystème autosuffisant.

Ensuite, et après avoir mis en scène ce désordre nuancé, « Every Piano » (avec Drew Daniel of Matmos) secoue l’albumqu moyend’une rigidité pratique. Ainsi, sa mélodie de piano, qui est très lourde, traverse une ligne droite avec indignité, un mouvement soutenu par le contrepoint des battements électroniques et des motifs rythmiques lourds. Les morceaux qui se succèdent (par le biais de « Help Desk », aucun ne dépasse les deux minutes) ont en commun une concession vers des réglages mélodiques plus stables. « Wurfelspiel » revient à la ballade au piano, tandis que « Simulmakfrata » et « Illiac Ergodos 7 ! » travaillent dans un classique MIDI troublant. « Help Desk » résonne d’un triomphe moqueur, comme une fanfare de collège qui tâtonne dans une fanfare et grimpe en tirant sur les notes aiguës.

Tout au long de cette longue course à l’idée, Popular Monitress atteint son état le plus agité et le plus instable. Sur ces morceaux, les mélodies en clé majeure gloussent en défiant le sabordage rythmique qui constitue leur base. La course se déroule en un clin d’œil, touchant à peine une pépite mélodique avant de s’élancer vers la suivante. Bien que Leidecker ne résiste jamais à l’envie de s’emparer d’une pluie d’électronique chatoyante ou de tout couper avec un son de base dissonant, l’accent renouvelé sur les mélodies et les textures ininterrompues se démarque de la manie du groove qui existait auparavant et fait de cette section intermédiaire le totem pour suivre les idées les plus improbables dans un trou de lapin, même si une telle chasse se traduit par à peine 75 secondes de musique.

Au final, et en contraste frappant avec l’agitation qui régnait jusqu’alors dans tout Popular Monitress, Leidecker s’étend et clôt l’album avec une suite de morceaux appropriés ; quatre des 21 morceaux qui occupent près de la moitié des 54 minutes de l’album. Le quatuor se présente comme le point culminant des expérimentations de l’album, avec des morceaux où les tessons d’images des compositions précédentes se rejoignent pour former des portraits complets. Le sens des références (les appels de chasse à la cornemuse numérisés et les synthétiseurs aréo-rock sur « Thoughtful Refrigerator »), les mélodies chantantes (les airs de clavier chargés d’émotion qui parsèment la chanson titre) et les arrangements omnivores (chaque seconde de « Trillonth Riff ») apparaissent tous, mais pas autant que des morceaux uniques vers quelque chose de plus grand.

En quête de drame, « Trillonth Riff » sert de finale à l’album, un feu d’artifice, une clameur abondante avec des cycles harmoniques révérencieux et une fanfare de sons contradictoires construits à partir de toutes les options du pack de 120 crayons Crayola. La piste, d’une durée de huit minutes, se déroule avec un bruit sourd et cérémonieux et se transforme en un dernier cri de joie. Après l’assaut des pistes précédentes, « Trillonth » (et le rechargement nocturne de « Leapday Voyager ») possède un sens de l’accomplissement presque sentimental. Le fait que le chaos refoulé de « Motown Electronium » et « Futility Funktionen » puisse évoluer vers la complétude et l’unité a un effet similaire au slow-pan gratifiant autour de l’iconographie médiévale aux couleurs vives après quelque trois heures de labeur dans la crasse noir et blanc d’Andrei Rublev – nous avons vu tant de ce qu’il faut et de quoi il est fait, et maintenant nous pouvons simplement tituber devant l’audace de toute la création.

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The Hold Steady: « Open Door Policy »

22 février 2021

Peu de groupes ont laissé une empreinte plus importante dans la boue du rock du XXIe siècle que les Hold Steady. Si Boys and Girls in America est devenu en 2006 la bande-son définitive d’une génération de jeunes incertains, il ne constitue qu’une pierre de touche dans un catalogue de moments forts. Le dernier opus du groupe, Open Door Policy, est le plus confortable et le plus expérimental du sextet.

Dans le prolongement de l’élargissement du lineup réintroduit sur Thrashing Thru the Passion en 2019, Hold Steady démontrent le niveau d’assurance d’un groupe qui a quelque chose à dire mais rien à prouver. 

Ce confort est le résultat de beaucoup de choses, la plus évidente étant l’âge, mais aussi les changements dans les horaires de tournée et les processus d’écriture qui s’adaptent mieux à la vie des stars du rock de la quarantaine. Après avoir fait deux disques sans le claviériste Franz Nicolay, puis fait une pause, ils ont retrouvé Nicolay en 2019 pour Thrashing Thru the Passion, un disque qui les a fait replonger dans les eaux musicales. Aujourd’hui, ils plongent la tête la première.

Open Door Policy porte toutes les marques de commerce d’un disque Hold Steady : Le chant distinctif de Craig Finn est soutenu par un son distordu sans effort et tout aussi complexe. Les paroles de Finn sont parsemées de personnages louches et d’âmes en désordre, mais Open Door Policy a plus d’un avantage. Enregistrée en 2019, ses thèmes de la santé mentale, de l’inégalité des revenus et de l’isolement sont d’autant plus pertinents aujourd’hui. Des morceaux comme « Lanyards », qui figure parmi les meilleures chansons du groupe, sont enveloppants et déchirants, tandis que « Spices » démontre qu’ils ont perdu une partie de l’appréhension de Thrashing Thru The Passion et qu’ils savent où se situe chaque membre du groupe.

Mais ne confondez pas Open Door Policy avec un réchauffement édulcoré de leur son Americana. Le groupe n’a pas mis fin à son interruption juste pour l’argent – il y a plus de terrain musical à couvrir. Les rythmes électriques de « Unpleasant Breakfast » expriment ce côté expérimental, tandis que les « Woo » du refrain sont comme une réinvention des chœurs de la scène rock du milieu des années 2000 dont ils sont issus. Sur « Riptown », Hold Steady font leur meilleure impression du groupe avec un rythme de basse endiablé, des cuivres libres et un piano de style honky-tonk qui rappelle un bar enfumé. Bien que toutes les expériences ne fonctionnent pas il est rafraîchissant de voir un vieux groupe essayer de nouveaux trucs.

Mais là où Open Door Policy e excelle vraiment, c’est dans son sentiment d’anxiété constant. Comme l’une de ces grandes nuits dont Hold Steady ont passé deux décennies à chanter, le matin finit toujours par arriver. Même les sorties momentanées, alimentées par les cuivres, ne suffisent pas à évacuer complètement la tension. Si l’art imite la vie, alors la tension musicale, les thèmes d’actualité et les efforts d’Open Door Policy pour réimaginer le groupe tout en restant authentique capturent habilement le monde d’aujourd’hui.

***1/2


Celeste: « Not Your Muse »

22 février 2021

La meilleure façon de résumer Not Your Muse, le premier album de la chanteuse-compositrice britannique Celeste, serait peut-être de dire « astucieusement doux ». Cela ne veut pas dire que le disque est essentiellement mélancolique ou déprimant, mais plutôt que sa voix tendre et murmurante et son regard lyrique poignant suscitent une foule de sentiments introspectifs et authentiques, ouvrant un coffre d’observations quotidiennes vraiment éclairées et rafraîchissantes, mais aussi désinvoltes. 

En ouvrant avec « Ideal Woma », Celeste fait une série d’affirmations sûres d’elle « J’aime penser que c’est parce que je suis trop belle » (I like to think it’s because I look too good), ce qui établit une confiance tenace et met en œuvre son comportement affable. Dans « Beloved », qui associe les attributs souvent entendus du R&B et un riche arrangement cinématographique de cordes, nous sommes entraînés dans un lent voyage brûlant à travers les désirs personnels et les folles idiosyncrasies de l’amour « J’ai entendu dire que la foudre ne frappe pas deux fois / Pourrais-tu être l’homme de mes rêves ? » (I heard lightning don’t strike twice / Could you be the man of my dreams ?). Celeste elle-même a déclaré que le morceau a été inspiré par les crooners des années 1950 et les sons étourdissants qui se reflètent dans le sentiment de somnolence qui suit le voyage en avion.

Le désormais familier  « Stop This Flame » est le morceau le plus vivant de l’album et met en évidence l’impressionnante palette vocale dont dispose Celeste en cas de besoin. « Tonight Tonight », un morceau acoustique et funk accrocheur, parle de l’anticipation et des nerfs délicieux que l’on ressent lorsqu’on attend qu’un amant rentre à la maison, « Chercher ton ombre dans la lumière sous la porte » (Looking for your shadow in the light beneath the door).

Sur « Love Is Back », la vocaliste canalise son Amy Winehouse intérieur, adoptant le lyrisme honnête qui a fait la réputation de ce qui précède : « Je commence à réaliser que tous les garçons que je trouve / sont tous des problèmes » (I’m startin’ to realise that all the boys that I find / are all trouble). Alors que les comparaisons avec Winehouse, Billie Holiday et Bessie Smith vont certainement être faites, Celeste fait montre d’assez de douceur et d’enchantement pour se démarquer. 

Ce qui est la propre marque de soul de Celeste la voit prendre avec art les parties les plus engageantes de la pop des hit-parades traditionnels et les mélanger avec une portion calculée de jazz traditionnel et de beat-poetry. Parfois, on a envie de varier davantage la composition, bien que cela puisse être dû aux mises en garde du premier album et au fait de ne pas prendre trop de risques au début de sa carrière. 

Ce qui est clair, c’est que Celeste a tous les atouts pour être unique : une artiste soul britannique, certes, mais avec un tranchant de rasoir et un theremin comme falsetto, capable de choses tout à fait remarquables.

***1/2


Martina Bertoni: »Music For Empty Flats »

21 février 2021

Music For Empty Flats a peut-être été enregistrée avant la pandémie, mais les conditions desa genèse sont si appropriées que l’album semble maintenant prémonitoire.  Alors qu’elle était seule dans un appartement non décoré à Reykjavik, Martina Bertoni a passé beaucoup de temps à écouter sa musique préférée tout en regardant la neige par la fenêtre.  Pour le monde extérieur, un Noël passé de cette façon peut sembler triste, mais pour Bertoni, c’était une graine d’inspiration.  Le vert luxuriant de la pochette, associé à des titres tels que « Bright Wood », « Moving Nature » et « Distant Tropics » parle de la luxuriance d’un esprit fertile.

Maintenant, le calendrier a complété un cercle autour du soleil, et l’hémisphère nord est de nouveau en hiver ~ un hiver dans lequel beaucoup d’entre nous sont dans une situation similaire, regardant par la fenêtre tout en appréciant notre musique préférée, bien qu’avec des meubles.  Il y a de nouveaux « appartements vides » ~ des entreprises fermées, des maisons saisies, et le paysage des esprits coincés dans l’isolement.  La musique de Bertoni parle à ces dernières âmes, espérant couper le blanc avec le vert.

La musique de Empty Flats pourrait tout aussi bien tomber dans section « Composition moderne » ; le violoncelle de Bertoni est superposé et traité de manière à produire des effets de bourdonnement.  Le parent le plus proche de l’album est probablement Aralkum de Galya Bisengalieva, qui a fourni une partition pour la mer d’Aral.  Les compositions de Bertoni bruissent et remuent ; elles bouillonnent comme les sources chaudes des banlieues de Reykjavik et débordent parfois.  Leur turbulence est une réponse à la tranquillité de l’hiver : vague après vague d’agitation qui dit, lève-toi, bouge, ne te couche jamais dans la neige sous zéro.  Dans « Bright Wood », le vent fouette les arbres de basse altitude.

La musique est-elle solitaire ?  Pour citer Wallace Stevens, « Il faut avoir l’esprit de l’hiver … pour voir … les sapins rugueux dans les lointains scintillements du soleil de janvier ; et ne pas penser à la misère dans le son du vent. »  Bertoni a un esprit d’hiver.  Pour elle, un appartement vide n’est pas une source de solitude, mais de liberté, une invitation à l’errance de l’esprit, comme l’est un spectacle de neige au loin.  C’est le prolongement naturel de son premier album, All the Ghosts Are Gone, qui reflétait une paix durement gagnée après une période d’épuisement.  Cette biographie nous encourage : c’est possible.  L’hivernage ne doit pas nous vaincre ; comme l’écrit Katherine May, il peut être une source de rajeunissement.  Au sens propre, Music For Empty Flats peut être considéré comme une invitation à la décoration, tout comme une nouvelle année peut être considérée comme une chance de repartir à zéro.  Les notes d’ouverture de « Fearless » sont éfiantes à cet égard : « à l’extérieur, tout est figé ; à l’intérieur, je m’épanouis »(utside, all is frozen; inside, I am thriving).

***1/2