Jesse Mac Cormack: « Solo »

11 avril 2022

Jesse Mac Cormack est passé du côté électro de la chanson pop et ça ne devrait surprendre personne qui s’est intéressé à sa production des dernières années, tant comme auteur-compositeur-interprète que comme collaborateur ou réalisateur d’albums. On oserait même croire que son expérience auprès du compositeur house CRi, qui l’a invité à chanter deux chansons sur son album Juvenile, a nourri son inspiration pour SOLO, disque fait à peu près seul, hormis pour une touche de programmation de la part de Félix Petit, complice des Louanges.

Les claviers aux sonorités grasses choisies par Mac Cormack étreignent généreusement les rythmiques presque house qui dominent cet album, où le musicien trouve l’équilibre entre la chaleur des sonorités et la froideur des boîtes à rythmes. Avec sa voix aiguë et brisée, le Montréalais rappelle sur ce deuxième album le travail solo de Thom Yorke et le Radiohead plus planant, mais avec une forme d’abandon qu’on écoutera avec l’expérience angoissante de deux années de pandémie, ses mots se perdant dans le tourbillon des hypnotiques notes de claviers.

***1/2


Dead Melodies: « Memento »

29 mars 2022

Bien qu’il apparaisse sur le label Cryo Chamber, il ne serait pas exact de classer Memento uniquement dans la catégorie dark ambient. Au contraire, cet ensemble de drones et d’atmosphères luxuriantes et douces est comparable aux concerts de sommeil de Robert Rich, en ce sens qu’il capture une gamme d’états hypnogiques.

Ainsi, « Welcome Delerium » combine un synthétiseur grondant avec le clapotis des vagues et des vocalisations éthérées. À l’opposé, » Eyes of the Sun » utilise des vagues de sons un peu durs avec de douces lignes de guitare non déformées. « Embers are Forever » implique des drones plus granuleux qui flottent dans un paysage sonore sombre et nuageux, tandis que « Memories Lost » est respirant avec un thème mélancolique au piano.

Mais ce que tous ces morceaux distincts ont en commun, c’est la façon dont ils immergent subtilement l’auditeur dans des nappes de sons – dont certaines sont réconfortantes (du moins au début), tandis que d’autres… pas vraiment. Qu’ils soient considérés comme des paysages de rêve, des cauchemars éveillés ou un accompagnement pour une brève sieste, ces morceaux élargissent la notion toujours plus vaste d’ambient dans de nouvelles directions.

***1/2


Babeheaven: « Sink Into Me »

22 mars 2022

Le premier album de Babeheaven, Home For Now, sorti en 2020, véhiculait une esthétique bedroom pop distincte. Cependant, leur deuxième album, Sink Into Me, brise les murs de la chambre et explore de nouveaux territoires, des paysages sonores plus vastes, plus aérés et plus impressionnants que ce que le groupe londonien a pu entendre jusqu’à présent.

Ce changement est instantané dès le titre d’ouverture (et point culminant de l’album) « Heartbeat ». Des rythmes rêveurs de style bossa nova donnent le ton avant que la batterie ne s’accélère et que la chanteuse Nancy Andersen n’offre des mélodies vocales exceptionnelles.

« Holding On » suit dans la même veine avec des synthés et des guitares fluctuants évoquant des scènes brumeuses, tandis que « Make Me Wanna » est en corrélation avec l’ouverture de l’album collaboratif de Tom Misch et Yussef Dayes, What Kinda Music.

Les paroles d’Andersen peuvent être pleines de désillusion tout au long de l’album. Pourtant, il y a un sentiment de calme et d’espoir qui imprègne Sink Into Me, notamment sur le dernier morceau « Open Your Eyes, » où des lueurs de résolution remontent à la surface. 

Les mélodies vocales qui se dégagent de l’album sont irrésistibles. Associé à une instrumentation luxuriante, Sink Into Me est, en un mot, magnifique, et l’album est pus qu’une réussite.

***1/2


The Monochrome Set: « Allhallowtide »

22 mars 2022

Lorsque vous pouvez compter Iggy Pop, Johnny Marr et Jarvis Cocker parmi vos fans, vous savez que vous devez faire quelque chose de bien. Après plus de quarante ans de musique, The Monochrome Set est de retour avec son seizième album studio. 

Dès les premiers refrains de la chanson titre « Allhallowtide« , le ton de la chamber pop pour le reste de l’album a été fixé assez haut, avec la voix baroque du frontman Brid, à cheval entre Scott Walker et Neil Hannon de The Divine Comedy. Des morceaux comme  » »My Deep Shoreline  » ont une touche folk délicate et des harmonies apaisantes, comme de l’americana cosmique de la banlieue londonienne, avec un soupçon de Glenn Campbell pour faire bonne mesure, tandis que « Hello, Save Me » est de la pure pop orchestrale avec des arrangements de cordes luxuriants et un grand refrain par-dessus le marché.

The Monochrome Set n’a cessé de sortir d’excellents disques au fil des ans, qui s’inspirent d’éléments de la pop indie classique à guitare et de la new wave, mélangés à un style vocal facile à écouter et à une touche country. C’est l’un de ces groupes qui semblent toujours mériter une plus grande audience, mais qui semblent également satisfaits de continuer malgré tout et qui savent que leurs chansons signifient beaucoup pour ceux qui leur donnent du temps. Allhallowtide est un autre album brillant de ces titans du genre, et un exemple brillant de la raison pour laquelle The Monochrome Set est toujours, et à juste titre, apprécié aujourd’hui.

****


Stukot: « Transitions « 

12 mars 2022

Les drones à base de synthétiseurs sont monnaie courante depuis 50 ans. Mais les drones organiques – fabriqués avec des instruments qui ne sont pas manifestement associés à la musique de drones – peuvent être tout aussi fascinants en raison de leurs qualités brutes et naturelles. C’est le cas de Szymon Witecki, qui utilise le nom de scène de Stukot lors de ses enregistrements. Batteur, il utilise des baguettes, des brosses et des maillets pour évoquer des structures rythmiques et des thèmes qui sont dans la veine du rock, avec peut-être un soupçon de classique.

Mais ce que Witecki ajoute au mélange sur Transitions, c’est un mini piano électrique dont il joue simultanément avec son kit. Ces éléments de piano ne sont pas des mélodies ou des accords au sens habituel du terme. Au lieu de cela, Witecki a fait passer la sortie de l’instrument par un délai et une réverbération pour créer les drones susmentionnés. Tout cela a été fait en direct dans le studio et le résultat est un peu moins de 33 minutes.

Witecki parvient ainsi à faire bruire le piano électronique en alternance avec des accords de piano bas de gamme, un synthé et même une section de cordes. Ces couches sont sombres et lunatiques, même si sa batterie peut être propulsive dans un sens opposé. En effet, le début de la deuxième des deux longues pistes de Transitions est un solo de batterie entêtant sur le flux et le reflux mélancolique du piano traité. La combinaison spécifique de ces sources sonores est plutôt unique – rafraîchissante dans sa simplicité conceptuelle et pourtant d’une profondeur surprenante. Hautement recommandé.

***1/2


Jenny Hval: « Classic Objects »

12 mars 2022

Classic Objects est la réponse de Jenny Hval à la pandémie de COVID. Elle ne fait guère de référence directe, mais sa simplicité et son ouverture proviennent d’un désir de se confronter à ce que devient l’art lorsque l’artiste est contraint de se replier sur lui-même. De nombreux artistes choisissent ce moyen de création, mais la pandémie en a fait une nécessité.

Les résultats sont à couper le souffle. La voix de Hval n’a jamais sonné aussi bien : la gamme supérieure sur « Year of Sky » ; le tremblement et le tissage complexes à travers l’arrangement sur » Year of Love ». Il y a des moments d’intrigue lyrique, comme les infirmières qui récitent de la philosophie sur « American Coffee » ou les rêveries fragmentaires sur The Revolution Will Not Be Owned, qui contrastent avec la franchise diariste (« Year of Sky », « Classic Objects »).

Les arrangements sont construits avec soin, souvent accrocheurs (« American Coffee », « Jupiter »), parfois austères (« Freedom »), mais toujours engageants, avec une dose fréquente de bongos. Les synthés qui ondulent doucement sur  « Year of Sky » forment un lit bouillonnant pour la voix de Hval, qui transforme le banal en éthéré.

Il n’y a aucun soupçon de prétention dans ces explorations, et l’étreinte de la mélodie n’est pas non plus un signe de soumission commerciale (« Cemetery of Splendour » parvient tout de même à glisser deux minutes de grillons). Il s’agit d’une musique sans attaches, sans fioritures, faite avec un cœur véritable par une artiste au sommet de sa forme.

***1/2


Suneaters: « Suneaters XI: It’s the Future « 

8 février 2022

Suneaters ,de Kansas City, sont décrits en ligne comme un combo de « post-graduate rock » et de « scientific rock » mais ils se sont orientés vers la musique électronique avec leurs dernières sorties. Leur dernier album, dont la pochette est ornée de palmiers et d’un soleil couchant, ressemble à la musique d’un film dont le suspense est construit à partir de longs plans à couper le souffle où il ne se passe presque rien. Des synthés lents et brumeux indiquent des directions à votre esprit sans trop vous en dire. « Climate » se faufile tranquillement, mais il y a plusieurs explosions soudaines et des poussées hallucinatoires.

« Graveyard » est un long paysage funèbre, avec un échantillon haché et vissé inattendu qui surgit de nulle part et ajoute à la tension alors que « No. 3 » est un morceau plus court et plus joli qui donne l’impression de flotter dans une sorte de jardin de cristal luxuriant.

Les synthés sont beaux comme il se doit et « On the Revolutions of the Heavenly Spheres » se fera un peu plus extraterrestre, avec des taches de synthétiseurs plus abrasives qui se tortillent. Mais à part le fait qu’elles se reproduisent et se chevauchent, elles ne semblent pas trop bouger. « Sacco and Vanzetti » n’est qu’un long et lourd regard de mort, avec quelques faibles grondements de synthés et de tambours égarés sous des nuages de synthés lourds et grouillants, et une fin de bug-out qui vous prend vraiment au dépourvu.

***


Jessica Pavone: « When No One Around You is There but Nowhere to be Found »

31 janvier 2022

Ce n’est un secret pour personne que chaque nouvel album de l’altiste Jessica Pavone est un événement à ne pas manquer dans la région. Que ce soit avec un octuor à cordes, un quatuor à cordes ou en solo, elle surprend le plus souvent l’auditeur avec une musique qui dépasse le clivage classique / improvisation tout en explorant le vocabulaire sonore de son instrument.

When No One Around You is There but Nowhere to be Found est un enregistrement solo de 30 minutes composé de quatre pistes. Pavone adopte une approche à la fois intellectuelle et ludique, qu’il s’agisse de gratter des drones durs sur ses cordes ou de pincer pour soutenir une poésie parlée. Elle utilise également différents niveaux de traitement, en particulier une forme de boucle, d’écho ou de sustain qui maintient et manipule les notes lentement dans le temps. En conséquence, certains aspects de ces morceaux sont des sons largement sculptés, où l’instrument source est à peine discernable et où Pavone expérimente la répétition.

Comme beaucoup d’albums solos de ces deux dernières années, il y a plus qu’un soupçon de désespoir et de perte dans cet album, peut-être sous la forme d’une mélancolie acceptée plutôt que d’une douleur franche. Cette expressivité, associée aux capacités techniques de Pavone, donne lieu à une nouvelle réalisation solide et convaincante de l’œuvre d’un artiste accompli et en pleine croissance.

***1/2


Gospelbeach: « Jam Jam »

12 janvier 2022

Les membres de GospelbeacH ont des CV aussi longs que l’envergure de Wilt Chamberlain, mais aucun d’entre eux n’a participé à un projet comme celui-ci. Le partenaire de Brent Rademaker au sein de Curation Records est l’heureux propriétaire d’une énorme réserve de « singles » bubblegum et glitter pop, et après avoir fouillé dans certains d’entre eux, Rademaker a eu l’idée de donner à quelques chansons le traitement GospelbeacH. Sur le EP Jam Jam, le groupe et les chansons se rencontrent à mi-chemin dans une collision glorieuse de mélodies sucrées et d’accroches loufoques, de voix traînantes et de country-rock chaleureux. Le groupe a extrait de vraies valeurs sûres et les a remises au goût du jour. L’obscurité scintillante dégagée par « Jam Jam » de l’American Jam Band reçoit un coup de fouet, le très Badfinger-eque « Lovin’ You Ain’t Easy » de Michel Pagliaro fait un pas moelleux vers le paradis du soft rock, et le classique bubblegum « Gimme Gimme Good Lovin » n’est pas vraiment une chanson, mais le groupe la traverse avec juste ce qu’il faut d’énergie et de gaieté.

Les points forts de ce trop court EP sont la reprise par GospelbeacH de « Albatross » »de Chunky, qui s’accompagne d’un rythme glam joyeusement trépidant et de quelques synthétiseurs sérieusement ringards, ainsi qu’une adorable version du joyau pop ensoleillé de Sandy Salisbury, « Do Unto Others ».

Le groupe la fait sonner comme une chanson perdue de Tom Petty au début de sa carrière, tout en ajoutant des harmonies vocales assez jolies pour un album des Beach Boys. Ce n’est pas une surprise puisqu’elles sont assurées par Nelson Bragg, un membre de longue date du groupe de Brian Wilson. Jam Jam est une petite diversion amusante pour GospelbeacH, montrant qu’ils peuvent faire de la légèreté et de la brise comme si c’était une seconde nature. C’est également un bon point de départ pour quiconque souhaite découvrir le bubblegum et les paillettes en remontant à la source des excellents choix du groupe.

***


Songs for Snakes: « Forced Pleasantries »

11 janvier 2022

Quand on atteint un certain âge, on a besoin de temps en temps d’une bouffée de nostalgie bien exécutée, et le trio de San Francisco Songs for Snakes est la machine à remonter le temps musicale parfaite pour un voyage dans les années 1990. En mettant l’aiguille sur l’édition vinyle bleue et transparente, vous entendrez une bonne dose de post-hardcore à la Jawbox, et une tonne de Sugar, le groupe de Bob Mould qui a succédé à Husker Du, étalée sur tout, jusqu’aux virages d’accords occasionnellement adaptés au shoegaze.

Le chanteur Bill Taylor aime beaucoup le timbre de voix de Mould, bien qu’il le mélange à 80/20 avec le râle de Richard Butler. Le groupe a clairement ses influences, mais il a aussi des mélodies qui tuent, des refrains géniaux ; ne soyez pas surpris si vous vous retrouvez à jouer de la batterie avec le batteur Steve Delany. Si vous cherchez un point de départ, vous ne vous tromperez pas avec l’un de ces huit morceaux, mais le morceau d’ouverture, « Confusion Is Control », à la fois percutant et mélodique, est la meilleure expression des talents du combo.

***