Apologist: « Dirt Road »

Des temps et des lieux qui n’ont pratiquement jamais existé dans notre imagination, ou peut-être notre passé, sont apparus au premier plan de notre conscience, par un besoin soudain de s’évader, tant physiquement que mentalement (et peut-être émotionnellement, d’accord). Rose Actor-Engel, expérimentaliste et directrice de label à Philadelphie (No Rent Records), ne semble que trop familière avec l’urgence d’une telle évasion, avec la sortie de son projet, Apologist, est assorti d’un nouvel album, Dirt Road un opus qui n’aurait pas pu être mieux chronométré. En effet, des drones magnifiquement réfléchissants, se mêlent à d’autres tonalités, se mêlent à des enregistrements sur le terrain, pour créer des espaces et des espaces de tête tout à fait contraires au chaos et à la morbidité de l’époque. Ceux qui sont frais et désencombrés, paisibles et naturels. Ils nous étaient peut-être familiers autrefois, mais leur retour est plus que bienvenu maintenant.

Un piano mélancolique et mélancolique sur le morceau d’ouverture « Memory Space » introduit un son archaïque, le son d’un passé oublié depuis longtemps. L’enregistrement du piano est entouré de statique. Il oscille, crescendo comme des flots de pluie, ou des vagues atteignant doucement le rivage, ou des fréquences radio provenant d’un mort. Les bourdonnements et les méditations se multiplient dans la voie de la consommation totale sur « Barstool Sports Sublet », et encore sur « Haks ». L’utilisation par les apologistes des enregistrements de terrain est importante et cruciale pour inculquer une certaine distance. Ce qui ressemble à une roue branlante qui tourne au milieu d’une pluie matinale, se répète, et se répète encore.

Elle vous joue des tours aux oreilles en se mélangeant avec un tremblement rythmique, le son d’un million de cigales d’un été perdu. Le chant lointain d’un coq et l’aboiement des chiens, des choses dont votre vie a été trop occupée pour que vous vous souveniez du son. Les oiseaux gazouillent joyeusement parmi les carillons du vent sur « Wet Spot », et vous pouvez presque imaginer une silhouette sans visage vêtue d’un tablier à carreaux, déposant gentiment une tarte à rafraîchir sur le rebord d’une fenêtre, surplombant un paysage de campagne si luxuriant et si vaste qu’il noie la complexité moderne qui nous tue activement, si puissante soit-elle.

La paix est interrompue sur « Tool Shed » » avec une violente agitation statique, comme les tout premiers grondements d’une phase industrielle brisant la paix de l’histoire humaine. Elle revient, parmi les synthétiseurs magnifiquement dimensionnés de la chanson « Title Track », rendant le paysage rugueux, mais sans le durcir, comme pour nous rappeler qu’il y a un monde auquel nous devons retourner. Les paroles prononcées sur « Neptune » nous rappellent qu’il y a des gens avec lesquels nous devons interagir. C’est quand même agréable, n’est-ce pas, de savoir qu’une telle libération est possible, simplement en appuyant sur la touche « play ».

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Tilman Robinson: « Culturecide »

Le troisième album de Tilman Robinson, Culturecide, est une enquête sur l’anthropocène ; une lamentation en sept parties pour notre monde chaotique. Tilman Robinson est un compositeur et concepteur sonore australien qui crée de la musique électro-acoustique dans une gamme de genres comprenant le minimalisme classique, l’improvisation, l’expérimentation, l’électronique et l’ambient. La production diversifiée de Tilman se concentre sur l’impact psychologique du son dense en utilisant des principes acousmatiques et psychoacoustiques. Culturecide parle des processus qui ont généralement été introduits délibérément et qui entraînent le déclin ou la disparition d’une culture, sans nécessairement entraîner la destruction physique de ses porteurs.

À cet égard, cet opus est un riche collage sonore, récoltant des sons à partir de diverses sources, notamment des enregistrements sur le terrain, des machines médicales qui surveillent le corps humain, des instruments traditionnels et des synthétiseurs, souvent fondus électroniquement. Il en résulte un paradoxe troublant avec des sons constamment à la limite de la reconnaissance. Chaque piste fait référence à une question sociopolitique spécifique allant du colonialisme au néo-libéralisme, en passant par le changement climatique et la singularité imminente des hommes et des machines.

Loin de répondre à ces questions, Culturecide, invite les auditeurs à méditer sur leur place dans la vie et à aborder la compréhension personnelle. Enregistré et produit presque entièrement en Australie, un pays à la pointe de la dévastation du changement climatique,Culturecide, est une tentative de catharsis pour son auteur souvent consterné par l’incroyable apathie et inaction de son pays. Mixées par Daniel Rejmer, un habitué de Bedroom Community, et maîtrisées par Lawrence English, les œuvres de ce disque ambitieux et troublant ont valu à Tilman d’être nominé pour le Prix de Melbourne pour la musique en 2019.

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Skemer: « Benevolence »

Deux mondes très différents s’affrontent et mènent à des déconstructions minimalistes de dark wave, à parts égales brutales et érotiques. Scènes d’une autre planète, vêtements noirs en vinyle, paysages sanglants et effrayants, le tout accompagné d’une danse sensuelle, pour ajouter ici que leurs influences, surtout esthétiques pour moi, rappellent celles de Nine Inch Nails.

Ce duo électro sombre marque une toute nouvelle coopération entre la chanteuse Kim Peers, qui est également mannequin pour Vogue, Steven Meisel, Prada et le guitariste Mathieu Vandekerckhove, du groupe post-métal Amenra et son projet personnel Syndrome. Skemer tire son nom de la signification plus littérale en anglais de « intriguer » ainsi que du mot « crépuscule » dans la langue maternelle du flamand Vandekerckhove.

Le premier titre ,« Shout or Cry » commence par une introduction très sombre et calme qui touche les très faibles sentiments humains, si sinistre, le son minimal, comparé aux éléments électroniques et met particulièrement l’accent sur la basse.

« Sunseeker » est une très bonnecompositions, aussi, peut-être le meilleur rythme dance de l’album, l’ambiance et l’atmosphère gothique évoque Eiko dans le Dracula de Coppola,mélange de romantiqsme et de tendresse sanglante. Les beats électroniques deviennent aussi sombres et sensuels qu’ils devraient l’être, la basse tient le rythme haut, des riffs de guitare pleins d’atmosphère avec un son post punk, complètent cette chanson. La fusion d’un rythme de danse et d’un chant grave et profond fait la combinaison parfaite.

« Rhoeas » présentera un chant mélodique basée sur un rythme séduisant, puis viendra « Best », où nous avons un rythme plus rapide avec un son industriel qui est parfaitement  en correspondance avec des lignes de voix animatroniques. « Call Me » afficera, lui, sur un son de guitare alternatif et des voix dream-rock avec un goût de mélodie post rock, si divine qu’elle nous fait errer dans d’autres espaces.

« Heartbreak », un peu différente des autres chansons, contient la même ambiance électronique minimaliste avec des éléments de rock alternatif basés principalement sur des riffs de guitare qui vous appellent à en profiter alors que « Wait For Me » sera le dernier mais non le moindre du tracklist avec un tempo bas, un chant rêveur et un fond gothique, qu’on on peut distinguer en écoutant la mélodie des claviers.

Skemer a son propre son personnel à partir d’éléments différents mais qui se juxtaposent et se fondent ; une bonne hybridation de styles en une épaisse coagulation de sons.

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Slow Reels: « Farewell Islands »

Slow Reels a commis un disque d’amour. La passion d’Ian Hawgood pour les magnétophones à bande et les synthés vintage se combine avec l’amour de James Murray pour le mélodisme fort et les textures profondes. Farewell Islands dérive sur des drones soutenus et endormis et des atmosphères brumeuses qui évoquent le grand air, s’élevant comme de la fumée au-dessus d’une forêt. Le duo a sorti la musique de l’autre sur ses propres labels respectifs, Home Normal et Slowcraft, mais leur collaboration musicale n’a commencé que récemment. Alors qu’il vivait à Varsovie, Hawgood a passé de longues nuits avec sa collection de machines à bobines, à déverser sur le son et la sonorité particulière qu’il produit ; le son magique. Il semble que les objets brisés – les instruments et les personnes – produisent une musique spéciale et sincère. Une musique qui, à sa manière, est éternelle ; une musique magique.

À Londres, Murray a ajouté du piano, de la guitare et des synthétiseurs, contribuant ainsi à créer une atmosphère obsédante. Le disque rappelle également une ambiance fragile, semblable à celle que l’on trouve au Japon, en grande partie due à la nature plus fine et délicate de sa texture et à la profondeur infinie de la bande. Rien d’autre ne peut vraiment égaler cela, pas même l’original, à la limite du format numérique stérile (bien qu’il soit utile de souligner que le disque n’existerait pas sans la technologie numérique).

La technologie plus ancienne donne à la musique un aspect un peu plus ancien : des décennies, voire même un recul par rapport à ce siècle, un recul par rapport au passé. La musique reflète ce sentiment de vieillissement progressif. Alors que les échos en boucle continuent de tourner avec des respirations fines et vaporeuses, ils continuent de voyager, venant d’un endroit ancien mais aussi apparemment éternel. Des cliquetis et de vagues clics se forment comme une poussière qui tombe sur la surface du disque. La même poussière tombe sur les bobines. Des tons chatoyants et romantiques offrent de belles textures qui se replient sur l’environnement. Farewell Islands est un disque de transparence, mais c’est aussi un disque de surprises. Les tons clairs sont parfois ancrés par des tons plus lourds, grondant comme un tonnerre lointain parmi les autres forces élémentaires de la musique, et bien que certains tons soient aussi légers que l’air, Slow Reels parvient à afficher une impressionnante densité tonale.

Ces îles sont « des lieux qui ont un sens pour nous deux dans nos vies, qui ne se trouvent plus que hors du temps… hors de portée » (places of meaning to both of us in our lives, found now only out of time…out of reach).

***1/2

Ross Downes: « Stacked Up At Zero »

L’artiste Ross Downes, basé à Londres, a proposé ici un LP instrumental qui explore l’art de l’électronique, dans un style très proche de la bande-son. Les éléments familiers de l’electronica cinématographique sont tous là : des coups de basse profonds, des beats lents et lourds en réverbération, de longs accords creux atmosphériques et des pads de style choral, des bleeps et des mélodies plus excentriques. C’est une recette potentiellement trop familière, illustrée par des morceaux comme « Iron Cloud », mais elle est exécutée avec un polissage et un professionnalisme qui font plus que compenser.

Il y a suffisamment de diversité pour que cela ne soit pas trop dérivé. Différentes scènes d’un film de science-fiction sont prévues, allant de la révélation d’un grand monde industriel étranger dans « Hiding In History » aux grondements plus sinistres et pleins de suspense dans « Border Boarders ».

L’abstraction ambiante est plus présente dans des morceaux comme  » »n Island Hijacked », en contraste avec des morceaux plus mélodiques comme « Face To Face To Fac » ». Les sons de respiration légèrement paniqués dans « Apophany » apportent, eux, une belle touche distinctive.

En ce qui concerne l’approche cinématographique, un des points remarquables de cet album est que tous les morceaux, sauf un, durent moins de quatre minutes. Cela a donc le fâcheux effet secondaire de le faire ressembler à un album de musique de bibliothèque – une série de courtes pièces musicales composées hors contexte, qui flottent dans l’espoir que quelqu’un voudra tisser une image à côté d’elles.

Ce n’est en aucun cas un album révolutionnaire, mais tout art de qualité ne doit pas l’être. Il est bien exécuté, richement produit, et plaira certainement aux personnes qui aiment leur électronique profondément cinématographique et menaçante.

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Clarice Jensen: « The Experience Of Repetition As Death »

Clarice Jensen fournit des couches sonores immenses et provocantes dans son nouveau disque The Experience Of Repetition As Death. La violoncelliste, basée à Brooklyn, n’est pas étrangère à la capacité d’adaptation de la musique. Réputée pour ses effets de boucle, ses couches de construction et ses structures de morphing, la musicienne utilise ses instruments de plusieurs façons en manipulant leur sortie pour créer des paysages sonores nouveaux et inventifs. L’album The Experience Of Repetition As Death n’est pas différent, avec une Jensen qui fournit des structures musicales déchirantes et des idées dyslexiques tout au long de l’album.

En ouvrant avec le son plus naturel d’un violoncelle, nous pouvons tout de suite nous asseoir et écouter l’habileté non filtrée de Jensen se déployer et se développer en une pièce chaleureuse et hypnotisante. Le son s’élève et s’abaisse au fur et à mesure qu’un courant sous-jacent de cohérence maintient le tout ensemble et fait avancer la piste. Il prend tout son sens lorsque le morceau commence à atteindre sa conclusion, avec des couches qui se doublent et des sons construits pour créer une conclusion plus structurée mais douloureuse.

Si vous pensiez que cela donnait à l’album une allure plus classique, le deuxième morceau « Day Tonight » met fin à toutes ces pensées. En utilisant des structures organiques, des pédales et des boucles, Jensen crée un bourdon d’ouverture sonore qui se construit de manière menaçante avant de se révéler dans une section légère et ludique qui nous tire de l’ombre parmi des tons dociles et des mélodies sincères. Le morceau a beaucoup de temps pour se développer, près de 12 minutes en fait, au cours desquelles il se transforme en une pièce plus alambiquée et manipulée qui ne semblerait pas déplacée dans une musique de film de science-fiction hallucinante, s’inspirant peut-être par endroits de l’œuvre de Max Richter.

Au fur et à mesure que l’on creuse, le penchant de Jensen pour la structure et l’exploration se concrétise, les idées se transformant et se croisant à différents moments tout au long du film. « Metastable » utilise une fois de plus un drone sous-jacent comme base, mais cette fois-ci, ce sont les paysages sonores construits sur le dessus qui occupent le devant de la scène, apportant un réconfort de l’ordinaire et un phare d’espoir de l’intérieur de l’obscurité. « Holy Mother « est une pièce de réflexion gargantuesque qui s’installe une fois de plus dans une atmosphère morose et excitante et joue avec ces idées tout au long, se contentant de mettre l’auditeur dans une position inconfortable mais parvenant toujours à développer des idées et des émotions fortes. Le disque s’achève sur le bien nommé « Final », une histoire plus douce et réglée qui ressemble à un nettoyage après l’intensité et la menace de l’œuvre précédente.

The Experience of Repetition As Death est vréritablement une expérience, et elle apporte avec elle un éventail impressionnant d’émotions parmi les couches, la manipulation et la mise en boucle des sons par des experts. Cela crée non seulement une expérience d’écoute, mais aussi une expérience mentale qui vous accompagnera longtemps après la fin du disque. Un disque qui change vraiment les mentalités et qui montre l’expertise d’une artiste au sommet de son art. 

***1/2

Sara Oswald & Feldermelder: « Hidden in Kaoris Castle »

On ne sait pas vraiment par où commencer. Le plus souvent, c’est par un son, une atmosphère ou même une mélodie particulière. Mais si l’on se sent un peu bloqué, il vaut peut-être mieux laisser tomber les conventions et s’imprégner de la libre circulation de l’information. Ce sentiment de distraction imminente est toujours présent, car cette collaboration entre la violoncelliste Sara Oswald et l’improvisation électronique de Feldermelder est un reflet nécessaire des temps incertains dans lesquels nous nous trouvons.

Hidden in Kaoris Castle est leur premier album et a été commandé par la Bibliothèque universitaire cantonale de Fribourg, enregistré en direct au Belluard Festival de Fribourg, en Suisse. Jon peut supposer que, selon votre sentiment d’identité, vous trouverez cela soit dérangeant, soit rassurant, ou peut-être les deux à la fois.

Cependant, une fois que vous creusez sous la surface, les qualités se révèlent, se fracturant d’une manière qui n’est pas évidente au début, et pourtant des subtilités sont trouvées. Ces improvisations se cristallisent comme des moments dans le temps, se dissipent et vous transportent ensuite ailleurs. Comme les pages déchirées, la beauté s’échappe des fissures entre la résolution granuleuse, distillant le contenu émotionnel de base.

À certains moments, la musique pulse via une structure identifiable comme les rythmes répétitifs de « Front Door Gator Encounters », alors qu’à d’autres moments, ce n’est pas nécessairement le cas. Essayez la théorie du bas de gamme générée par « Folding Delta »s et son assortiment d’ambiances folles qui s’accumulent dans un sentiment insoupçonné de soulagement béat. Plus la chaleur finale de « Red And Yellow Prism » », lorsque les

accusations positives sont mises à nu. Caché, il captera et retiendra toujours votre attention.

***1/2

EOB: « Earth »

Pendant la majeure partie des 30 dernières années, Ed O’Brien a été heureux de jouer de la guitare dans l’un des plus grands groupes de la planète, Radiohead. Pendant que les autres s’affairaient à sortir des morceaux en solo, O’Brien passait du temps avec sa famille.Mais en 2012, quelque chose a commencé à bouger. Sa famille a déménagé dans une retraite de campagne brésilienne, O’Brien y a construit un home studio, et des idées pour un disque électronique ont commencé à faire surface.

Le chemin vers Earth a été tracé lorsqu’il a un jour fait tourner le célèbre Screamadelica de Primal Scream, et il a décidé de capturer une joie et une lumière, une ampleur et une profondeur similaires, avec des éléments de danse, de soul et de musique d’ambiance, dans un disque de son cru.

Bien qu’il ait eu une longue gestation – des sessions d’écriture dans un cottage gallois isolé, un enregistrement avec un noyau de musiciens de haut niveau, et une année de bricolage et de retravail aux studios Assault & Battery de Willesden avec le producteur vénéré Flood, le tout pris en sandwich autour de la réalisation et de la tournée de A Moon Shaped Pool de Radiohead – le résultat est assez beau.

Les chansons de Earth se plient, se transforment et s’enchaînent, enveloppant la joie de vivre qu’O’Brien recherchait dans un tourbillon de sonorités irrésistibles – directement issues des bip, des shakers, des chants multipistes et des motifs de guitare du premier album Shangri-La.

Tout aussi impressionnante est « Mass » ; inspirée par le film Hubble de la NASA, un motif de guitare douce enfingerîcking s est ajouté avec une guitare monotone, un chant multipiste, des effets intergalactiques et une guitare électrique épineuse et inquiétante.

Loin des atmosphères, « Brasil » commence comme une ballade à la guitare à doigts avant qu’une ligne de basse profonde et pulsante ne tombe et se transforme en un petit bang euphorique, sonnant en quelque sorte expansif et minimal à la fois.

Une autre composition-hare en matière d’électroniqueest «  Olympik », un hymne propulsif, indulgent mais maigre, à l’indie rave euphorique façon années 80 et début des années 90, d’autant plus remarquable que la version de l’album de huit minutes est la quatrième prise des sessions d’enregistrement galloises.

Le travail d’O’Brien est aussi consciemment direct – « Banksters » s’insurge contre le diable économique des combines à la Ponzi et la malhonnêteté (à la guitare floue et à la batterie syncopée) alors que « Long Time Coming » sera un récit de solitude et de recherche de l’amour, tissé à la guitare acoustique grattée et dans de douces atmosphères électroniques.

Comme si cela ne suffisait pas, la ballade « Cloak Of The Night », qui clôt le disque, est un duo romantique avec Laura Marling, dont l’intimité et l’immédiateté sont séduisantes.

Earth est aussi impressionnante qu’irrésistible, à tous ces égards.

***1/2

Picture One: « Across The Depths Of Seven Lakes »

Le one-man band electronica, Picture One, partage son tout nouvel album, Across The Depths of Seven Lakes : autoproduit par Thomas Barnwell, il ne ressemble à aucun autre. Un sentiment on ne peut plus sombre l’entoure, avec une instrumentation intéressante et des idées de production soignées comme jamais. Picture One décrit ce son comme « une musique qui perce la toile de fond souvent sombre du contenu lyrique, avec une vibe synth-pop 80’s dansante et consciente d’elle-même, accentuée par des paysages sonores post-punk froids… Elle fusionne des accents de new wave trempés de néons lumineux et éclabousse chaque arc cosmique d’un coup de pied power-pop » (music that breaks through the often dark backdrop of the lyrical content, with a dance-y and self-aware 80’s synth-pop vibe accentuated by chilly post-punk soundscapes… It fuses bright neon-soaked new wave accents and splashes each cosmic arch with a power-pop kick ).

Picture One explique ensuiteque cet album est « conscient de la nature mercurielle de la tragédie personnelle, qui peut apparaître simultanément comme de sombres gouffres infranchissables, et comme de petites flaques d’eau qui peuvent être facilement éclaboussées. Ces chansons nous invitent à explorer et à remettre en question cette dichotomie à chaque tournant, sans nier ni la douleur des tragédies quotidiennes ni le miracle de la capacité humaine même à surmonter… » (aware of the mercurial nature of personal tragedy, which can simultaneously appear both as dark impassable chasms, and as small puddles that can be easily splashed away. These songs invite us to explore and question this dichotomy at every turn without denying either the pain of everyday tragedies nor the miracle of the very human ability to overcome…)

L’idée de sortir cet album à l’époque où il est sorti constitue vraiment un énorme avantage pour Picture One. La chanson d’ouverture « Resolute : The Absolute » met en évidence l’attention portée aux détails tout au long de l’album. Il y a beaucoup de concentration dans les sections rythmiques, ainsi que la création d’une ambiance très spécifique qui complète l’ensemble de leur album. La valeur de production de cette chanson est encore plus élevée pour moi en raison du son qui voyage d’une oreille à l’autre. Les panoramiques dans cette chanson sont techniquement étonnants et m’ont vraiment ouvert les oreilles encore plus. « Cycle Of Belief » est l’un des premiers « singles » de cet album qu’ils ont partagé avec leurs fans. La chanson a un son plus grave, avec quelques influences du rock alternatif, avec des relents d’un son plus doux. Les parties les plus douces de la chanson entrent en jeu dans l’arrangement au piano, et même dans le décor ambiant en arrière-plan.

Leur prochaine chanson est probablement la composition-phare de l’album. « Tomorrow’s Fool » a commencé avec ce narrateur vocal qui imitait un vieux film, qui s’est glissé directement dans cette instrumentation intense. C’est une autre chanson qui mettait en avant les compétences de production de Barnwell avec cette même technique de panoramique pour faire voyager le son d’un côté à l’autre. Ils ont réussi à créer un son plus grand que nature qui m’a vraiment marqué. « Love Spell » est un beau mélange de leur son plus sombre, mais avec une énergie plus élevée en arrière-plan. Le groupe décrit cette chanson comme une métaphore pour « vouloir faire quelque chose de proactif quand on a l’impression que les choses sont hors de notre contrôle… » ( wanting to do something proactive when you feel like things are out of your control…) ce qui est assez ironique pour la situation dans laquelle nous sommes tous maintenant. 

« Winter’s Kiss » porte également ce même niveau d’énergie tout au long de la chanson, mais avec une approche plus agressive. La chanson peut sonner un peu trop hachée, mais le rythme est resté constant tout en son long. Il y a aussi une plus forte attirance pour leurs influences techno et électroniques qui a ajouté un peu de variété au titre. Les dernières chansons montrent les différentes capacités musicales que ces gars ont à leur actif. « Lily Pad » a eu une outro instrumentale bienvenue et a vraiment créé un changement de rythme nécessaire pour l’album. Leur chanson « Chaser of The World », enfin, a également un côté plus agressif, similaire à « Winter’s Kiss ».

One ne pourra donc quei suivre l’évolution de Picture One qui repousse ses limites musicales et continuez à surprendre les gens avec son son unique et singulier.

***1/2

Vanligt Folk: « Allt E’nte »

Venu de Suède, Vanligt Folk reste l’un des actes les plus étranges à la périphérie de l’electronica. Alors qu’ils ont initialement attiré l’attention par quelques flirts avec l’EBM old school, leur son est aujourd’hui une formule beaucoup plus outrée par des electronics et du chant manipulé. C’est une musique à la fois groovy et déconcertante, dont les mélodies sont livrées par d’étranges falsettos ou des lignes de synthétiseur éparses, tandis que des arrangements minimaux de basse et de batterie très grave bouillonnent en dessous.

Il y a beaucoup de moments où cette formule est en fait assez efficace. Il n’est que de conséférer « « Boss », un titre où un arrangement relativement chargé de claps et de hihats fait vibrer la ligne de basse tandis que des voix aiguës balancent une mélodie chantante, la chanson se déconstruisant dans son dernier quart d’heure juste au moment où elle semblait pouvoir se fondre en quelque chose ressemblant à un climax.

« Bah SØD » se singularise aussien se se rapprochant d’une jam noire façon Barry Adamson avant que la voix et le son de synthétiseur ne se frayent un chemin à travers le mixage pour un maximum de fluidité.

Le plus gros inconvénient de ce disque est que la combinaison d’une rareté calculée et d’une approche plus libre des structures des chansons – beaucoup d’entre elles sont des boucles à modulation lente avec peu de décalages dynamiques – fait que l’ensemble du disque est flou et que, malgré plusieurs écoutes,on peine à différencier les morceaux et à se rappeler quelle touche de production est mise en route. Ce n’est pas forcément une mauvaise chose, même si cela rend l’expérience d’écoute en « full-LP » très agréable ; les fantômes effrayants qui apparaissent à la fin de « ‘nte » n’ont pas le même impact s’ils ne sont pas précédés par la guitare basse en boucle sans fin et pas grand chose d’autre de « VKO », ou suivis par les techno-ismes minimaux de « (Allt e) POLITIKK ».

Bien sûr, cette obscurité est probablement tout à fait intentionnelle. Les membres du Bandcamp notent que le disque est une « réaction à l’attente émergente sur la politisation de la musique » et poursuivent en affirmant qu’il ne s’agit pas d’une tentative de transmettre quoi que ce soit en particulier. Compte tenu de l’histoire de Vanligt Folk, qui s’est toujours efforcé d’atteindre les sommets, il est difficile de dire si cette affirmation est sincère, mais qu’elle soit sincère ou non, c’est certainement un disque qui évite les grands mouvements et privilégie les petits mouvements subtils. A un peu plus d’une demi-heure, vous pouvez, en outre, facilement vous retrouver perdu dans son paysage bizarre sans trop d’efforts.

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