Aeon Cub: « Vacant King »

30 juillet 2021

Composition et production de Vincent Fugère, Aeon Cub présente Vacant King sur le label Kaer’Uiks, une édition CD et numérique qui vient enrichir leur catalogue de musique électronique. Si Aeon Cub cherche à fragmenter les tentacules glitchs et le design sonore boursouflé, c’est son utilisation de la mélodie en dés qui se distingue.

Les breaks parfois frénétiques et l’avalanche de beats sont contrebalancés par des rythmes ponctués de basse volée, nous ramenant à ces sorties IDM cassantes et précises d’antan (réf. Brothomstates, Karsten Pflum, Proem, Xela, Gimmik et plus). Aeon Cub ne se contente pas d’adhérer à la nostalgie mais fait un pas en avant avec une instrumentation brute sur plusieurs octets sonores subtils mais succincts. Ces pépites audibles sont parsemées tout au long de Vacant King (c’est-à-dire « Character Creation », « Functions Not » et « If its a Fight you Want ») – des bouchées électriques pleines de texture et de créativité.

Ailleurs, des morceaux comme « Vacant Lot » et « Collapse and the Meadow » veulent se libérer de leur carapace de braindance – des rythmes polis voltigent sur le spectre audio pour être ensuite ancrés dans de sombres contorsions de drum’n bass. La constante de Vacant King réside dans ses éléments glitch subtils et discrets – « Vague Thomas » fournit juste assez de blips, de bleeps et d’ambiances obscures ricochant entre des techniques de production artisanales et des paysages sonores improvisés.

Dans la lignée des glitches brillants, presque lumineux, « Cheat Death » et le morceau-titre offrent des tons doux et des morceaux fluides qui évoluent, se décomposent et créent des moments de bande-son atmosphérique. Dans l’ensemble, Aeon Cub offre des brins électroniques orchestrés et saccharinés qui chatouillent agréablement nos sens.

***1/2


Dntel: « The Seas Trees See »

12 juillet 2021

Le premier des deux albums de Dntel promis cette année offre un aperçu intriguant du carnet de croquis de Jimmy Tamborello pour Will Salmon.

Dans « The Lilac And The Apple », le premier titre du nouvel album de Dntel, une voix robotique entonne les premières mesures d’une chanson folk acapella inquiétante. Elle est rejointe quelques instants plus tard par les tonalités beaucoup plus humaines de Kate Wolf, l’auteur-compositeur-interprète américain qui a écrit la chanson en 1977. Les deux chanteuses – en fait les deux Wolf, traitées, vocodées et étirées dans le temps – se retrouvent en duo dans une étrange harmonie.

Ce n’est pas la première fois que le producteur Jimmy Tamborello utilise de tels effets. Son album phare de 2001, Life Is Full Of Possibilities, a également déformé et tordu la voix humaine pour obtenir un effet émotionnel souvent saisissant. Mais il y a quelque chose de particulièrement obsédant à entendre Wolf – qui est décédé en 1986 à l’âge de 44 ans – chanter sur la façon dont la vie continue, même si nous ne sommes pas là pour la voir. C’est troublant au début, mais la chanson devient plus émouvante et plus belle à chaque écoute, sa voix devenant un fantôme dans la machine.

Si The Seas Trees See culmine avec son premier morceau, le reste de l’album est encore traversé de moments de beauté tranquille dans un mode pastoral électronique similaire. Il y a une tranquillité bucolique dans le bouillonnement des synthés aquatiques de « The Seas », tandis que le désordre blanchi par le soleil de « Back Home » rappellera Four Tet. « Fall In Love » » est joyeux, une sérénade douce et timide dont le chant est déformé jusqu’à devenir presque abstrait, mais dont on perçoit toujours le sens.

Tamborello a parlé de ces morceaux comme d’une collection de croquis et cela est évident à certains endroits. Quelques-uns d’entre eux ne semblent pas complètement formés, avec le piano usé de « Movie Tears » et « What I Made », tous deux construits autour de boucles sinueuses qui s’arrêtent simplement. Ce sont des gribouillages ambiants discrets, assez agréables, mais aussi assez oubliables. « The Man On The Mountain « , quant à lui, est un récit parlé qui n’apporte rien au disque, si ce n’est un joli design sonore.

Les moments où il jette une pierre dans l’eau pour perturber le calme sont plus intéressants. Il n’y a rien d’aussi énergique que les scintillements de son dernier album, Human Voice (2014), mais « Whimsy » sonne comme le genre d’expérience électronique austère que l’on pourrait trouver sur un 33 tours usé d’une bibliothèque musicale oubliée des années 1970, tandis que « Hard Weather » clôt le disque sur des synthés planants dignes de M83.

The Seas Trees See est le premier des deux albums de Dntel cette année, le second, Away, étant censé être plus influencé par la pop. Le second, Away, est réputé plus pop. Il plaira probablement aux fans du travail de Tamborello avec The Postal Service et risque de faire de l’ombre à cet album. Ce serait un peu dommage. C’est un peu déglingué par endroits, mais c’est un aperçu large, évocateur et jamais moins intriguant du carnet de croquis du producteur.

***1/2


Kevin Richard Martin: « Return to Solaris »

15 juin 2021

En mai 2020, le musicien électronique britannique Kevin Richard Martin a reçu une invitation du Centre des arts Vooruit de Belgique à composer une nouvelle musique pour un film de son choix. En tant que grand fan de bandes originales de films, Martin a choisi Solaris, le classique de Tarkovsky de 1972. C’était un choix naturel pour Martin, car il était depuis longtemps inspiré par le cinéaste soviétique. Le film, avec son orientation science-fiction et son désarroi psychologique, se prêtait parfaitement à une musique ambiante/électronique (le film original comportait également une bande-son électronique). Solaris, et la science-fiction en général, s’aligne et gravite autour de la musique électronique. Return to Solaris est la première bande-son commandée par Martin, sa première composition à l’image et sa première composition dans sa nouvelle maison après un déménagement de Berlin à la Belgique.

Plus connu sous le nom de The Bug, Martin est actif en tant que musicien et producteur depuis près de trois décennies, avec des projets tels que King Midas Sound, Zonal, Techno Animal et GOD, tous axés sur le dub, le jazzcore, le hip hop industriel et le dubstep. Cependant, sous son propre nom, Martin a tendance à se concentrer sur la musique électronique pure. Return to Solaris évoque la décennie de production et de sortie du film, ainsi que les thèmes récurrents du film. Décrit comme s’inspirant de la « lutte narrative entre les souvenirs organiques et pastoraux d’un passé perdu et les dures réalités dystopiques d’un enfer futuriste », Martin utilise des drones embrumés et des bruits atonaux pour créer une atmosphère inconfortable et titanesque. Le grain et la couleur des années 70 sont gravés dans ses textures, et la partition gravite intentionnellement vers l’inquiétant, avec une atmosphère tendue et sur le fil du rasoir qui est prête à être explorée… bien qu’elle puisse le regretter plus tard.

Dans le cadre de ses recherches et de la préproduction, Martin a passé en revue son équipement et ses instruments, et a finalement opté pour du matériel artisanal désuet plutôt que pour des technologies informatiques et numériques. Martin a même acquis une boîte à rythmes originale Pulsar 23, grâce à Vooruit et au laboratoire SOMA. Cela a un effet considérable sur le son global, qui semble revenir à ce qu’il était il y a cinquante ans. Il en résulte une musique brute, hypnotique et dynamique ; on peut presque sentir qu’il se bat avec certaines des tonalités, qu’il essaie de les maîtriser, qu’il diminue leur vitesse pour assurer un retour relativement doux.

La partition est capable d’attirer l’auditeur au plus profond de lui-même avec son électronique en dessous de zéro, mais la chaleur existe même dans les profondeurs de l’espace. Sur « Wife Or Mother », la musique semble attentionnée, douce et presque bienveillante. Ce sentiment se retrouve dans les synthés anguleux de la dernière piste « Rejection of Earth ». Dans le ventre de la station spatiale, on ne se sent jamais vraiment seul ; la paranoïa et les palpitations ne sont jamais loin. Les auditeurs sont confrontés au grondement profond des machines, à des câbles de plusieurs kilomètres de long qui s’étirent comme des tentacules, et à l’évacuation du liquide de refroidissement. Rageants, confus et perturbés, les sons bruts et rugueux – à la limite du menaçant – s’insinuent dans les entrailles du paysage sonore, comme des choses instables mais néanmoins capables de vibrer avec un rythme cohérent. Les synthés ambiants désincarnés et flottants sont en apesanteur en comparaison. Le film est un titan du cinéma, mais Return to Solaris est tout aussi extraterrestre, ce qui donne lieu à une expérience totalement hypnotique et fascinante.

***1/2


Tangent: « Evolutionary Cycles »

11 juin 2021

Tangent est un duo de musique électronique néerlandais qui combine l’électronique avec des instruments plus traditionnels de manière très contrastée. Ils nous présentent ici Evolutionary Cycles, leur cinquième album de dark ambient.

Avec leur dernier titre, ils créent un monde sonore profondément atmosphérique et clairsemé, parsemé de percussions modulantes et de synthétiseurs étirés. « The Origin Of Structures » capture parfaitement leur son sombre et réfléchi, offrant des rythmes dynamiques et des textures équilibrées.

Leur précédent album, Approaching Complexity, s’appuyait fortement sur des motifs de piano. En revanche,lce nouvel opus met en lumière l’habileté du duo à créer une atmosphère qui se concentre sur des synthés allongés et lunatiques et des expériences de percussions étroitement syncopées.

L’album peut être considéré comme l’un de leurs efforts les plus sombres. Au cours du processus d’écriture, le tandem s’est inspiré de l’impact de la race humaine sur la nature mais, bien qu’il s’agisse d’un sujet troublant et d’actualité, on y trouvera toujours de la légèreté en juxtaposition avec le poids émotionnel d qui met Tangent.

Leur musique emmènera leur public dans un voyage à travers des champs sonores qui semblent infinis. La matière semble se former et s’effondrer simultanément, un peu comme si un nouvel univers était créé sur les cendres d’un précédent. 

Toujours à la recherche de la meilleure qualité de son, le duo composé de Ralph van Reijendam (batterie pour Fire Walk with Us, Rob Klerkx and The Secret) et Robbert Kok (voix pour Disavowed, Synesis Absorption) repousse ici à nouveau à repousser constamment ses propres limites musicales en trouvant de nouvelles façons créatives de travailler avec le son.

***1/2


For Those I Love: « For Those I Love »

27 mars 2021

En 2018, Paul Curran, l’ami le plus proche et ancien compagnon de groupe de David Balfe, est décédé. Peu après, Balfe s’est retiré dans son studio (le hangar de sa mère à Donaghmede, au nord de Dublin), et a enregistré près de 80 titres sous un nouvel alias solo, For Those I Love. Neuf de ces titres ont été intégrés à son étonnant premier album éponyme.

En proie à un chagrin incessant, l’écriture est devenue une catharsis vitale pour Balfe ; For Those I Love est un hommage à Curran, à l’amour et aux amitiés réparatrices, des réflexions sur la mort et le bouleversement qu’elle laisse dans son sillage, et des réflexions sur une enfance passée dans une partie de l’Irlande décimée par la récession.

Avec une manière de parler qui rappelle Mike Skinner, et un accent irlandais lourd, lephrasé de Balfe est puissante et tranchante. Sur « Top Scheme », il déborde de rage, condamnant l’État sur un rythme de mi-temps lourd, « le monde est foutu », crache-t-il. À l’inverse, un refrain de l’ouverture, « I Have A Love » apparaît dans différentes itérations tout au long du disque : « I have a love/ And it never fades ». De nombreuses autres proclamations d’amour suivent, dans les paroles de Balfe et dans les notes vocales et les messages WhatsApp qui parsèment l’album, archives émouvantes de sa relation avec Curran.

Musicalement, une grande partie de For Those I Love est une ode à la vie nocturne de type « every night we’d dance ’til five », la production rappelant les heures de grande écoute dans les raves, lorsque vous et vos amis atteignez l’euphorie pure. Les moments de tendresse sont soutenus par un simple riff de piano, des bribes de chants d’oiseaux ou une section de cordes, et les observations plus cinglantes de Balfe sont soutenues par des basses lugubres et des rythmes dubstep plus sombres.

Sur « You Live / No One Like You », David Balfe énumère les sons, les images et les expériences dans lesquels vit son meilleur ami : coupes de cheveux, Joy Division, matelas abandonnés, raves dans des entrepôts, dans son amour qui ne s’éteindra jamais. Le chagrin est un monstre capricieux, et, dans For Those I Love, Balfe capture la bête avec une clarté viscérale.

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Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Otzeki: « Now Is A Long Time »

23 mars 2021

Que ce soit à l’intérieur des pubs ou derrière les platines des boîtes de nuit, le duo électronique londonien Otzeki reste ambivalent quant à la place exacte de sa musique. Le duo de cousins, dont les premières sessions de jam ivres se résumaient à des guitares et à une boîte à rythmes semi-fonctionnelle, a depuis cultivé une marque de fabrique d’indietronica qui réussit à unifier les éloges des ravers de fin de soirée et des amateurs de concerts en sous-sol. De retour avec leur première musique depuis deux ans, le deuxième album du duo, Now Is A Long Time, s’appuie sur les fondations établies par leur premier album en continuant à transmettre un message d’espoir et de raison engagé socialement à un monde qui lutte toujours pour se remettre sur pied.

Des guitares texturées et des couches complexes de programmation électronique éparse se déversent sur des rythmes trip-hop et house lo-fi des années 90. Le falsetto de Mike Sharp s’impose dès le départ en glissant au-dessus de la production dense de « Sweet Sunshine ». Le son euphorique du duo est réfracté par des formes d’ondes riches et pénétrantes. Tout à fait contagieux, mais défiant toujours la structure pop conventionnelle, ils se laissent aller à des grooves plus accrocheurs sur « Max Wells-Demon ». L’impulsion d’Otzeki, qui consiste à être à la fois accrocheur et provocateur, ressemble à une mission passionnante.

***1/2


Hara Alonso: « Somatic Suspension »

16 mars 2021

Somatic Suspension, comme son titre l’indique, est un produit de son époque. Un examen du détachement et de l’immobilité. Plein de malaise. Profondément personnel. Sans le mouvement exigé par notre vie sociale, nos trajets quotidiens, nos routines, nous sommes devenus sédentaires. Nous avons eu la chance d’avoir plus de temps pour créer, certes, mais sans nouvelles expériences ni drames personnels (pour les plus chanceux), et pour beaucoup, ce fut un sol stérile sur le plan créatif. La pianiste espagnole Hara Alonso, basée à Stockholm, a utilisé son instrument comme un véhicule pour aller et revenir de l’introspection, d’où ont émergé des lignes de piano frappantes par leur simplicité, leur répétition. Le titre d’ouverture, « Desnuda », mine ses notes douces et spacieuses avec un accord dvelouté qui répète son intonation dérangeante tout au long du morceau. Avec un tempo différent, « The Centre Of The Sun Is Empty » transmet un chant d’ivoire au clavier passionné et de plus en plus anxieux par le biais de notes uniques frappées rapidement, qui persistent pendant six minutes épuisantes avant de s’estomper et de se déformer dans le néant numérique. 

Mais nous avons classé cet album dans la catégorie « Expérimental » parce qu’Alonso s’intéresse moins à la pureté d’un instrument ou à la beauté d’une mélodie qu’elle ne cherche à les soumettre à toutes sortes de traumatismes numériques et à trouver une résonance dans ce qui en tombe ; la beauté et la laideur sont également acceptées. C’est ainsi que nous passons de « Horizontal Disintegration », où les touches ne sont plus discernables, remplacées par des pops rythmiques, des glitches et des scratches se faufilant sous les tonalités avortées des claviers et les carillons numériques qui se gonflent, directement à « The Work of Poetry », où les accords de piano persistants dominent mais sont en partie attirés en marge par un filtre qui désynchronise un peu deux lignes. Le numérique prend le contrôle dans chaque scénario, que ce soit ouvertement ou discrètement.

Il y a un moment, à peu près à la moitié de ce disque, qui déclenche une irritation profondément enfouie. Nous tirant de notre rêverie, un son persistant émerge de la toile, exactement le même que celui que faisaient mes anciens écrans d’ordinateur dans leurs derniers jours (qui sont arrivés bien trop tôt). Le morceau « 40 Days of Silence » » est l’un des plus forts de cet excellent disque, passant par différents états de désintégration qui rendent cet écho personnel de la fin de la technologie, en fait, tout à fait approprié. Mais cela met toujours mal à l’aise (nous rappelent aussi le point culminant dramatique et déroutant du LP A Sun That Never Sets de Neurosis, qui donnait l’impression que le CD sautait ;- sûrement le véritable fléau du discman peu fiable.

Prêtez attention à votre corps, et il vous le rendra en retour. Pour les anxieux, cela peut être débilitant – un tiraillement intérieur qui prend des formes plus graves, mais pour les simples curieux, cela peut être gratifiant. À travers ces simples lignes de piano – certaines ternies par des « erreurs » reconnues qui, comme tout musicien vous le dira, deviennent souvent la véritable âme de leur son ; d’autres déformées, piégées et répercutées au-delà de toute reconnaissance, celleAlonso y transmet une expérience très personnelle. Le morceau le plus abstrait est « Reversed Rain », un titre qui pourrait bien être littéral. Le morceau est dépourvu de mélodie, ou du moins de mélodie complète, alors que les fantômes de ce qui fut autrefois des notes de piano tentent de s’extirper de leurs tombes numériques, mais il est plein de rythmes flous et bruyants qui s’entrechoquent. Le moins abstrait est le plus proche, « La Memoria del Futuro », qui s’attache à une mélodie touchante tout au long de l’album, ses différentes formes ne parvenant pas à masquer la cohérence qui s’en dégage. On peut espérer que cette artiste a trouvé sa voie.

Si ce disque résonne en vousi, tout dépend si vous êtes également attiré par ses bribes de cohérence et son chaos sous-jacent. Quelque part dans cette rencontre, illustrée par l’écho de haut-parleurs qui seraient comme âbimés, on y trouvera harmonie.

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effe effe: « Tuning Scapes »

8 mars 2021

effe effe est un projet solo de Federica Furlani, une artiste prolifique – en tant qu’altiste et également en tant qu’artiste conceptuelle.  Issue d’une formation classique, elle a ensuite étudié la musique électronique au Conservatoire de Milan et à Berlin. Elle s’est produite sur scène en tant qu’altiste avec Einsturzende Neubauten et Blonde Redhead, parmi beaucoup d’autres.

Elle travaille comme concepteur/compositeur de son et interprète de musique en direct pour le théâtre et lla danse (La Biennale di Venezia, Piccolo Teatro di Milano, Teatro Stabile di Torino).

Ses recherches sont également axées sur l’étude des paysages sonores, l’éducation sonore et le potentiel social et artistique des nouvelles technologies.

Son dernier album, Tuning Scapes,prend par surprise car la voix off de son premier morceau présentait l’ensemble du concept comme s’il s’agissait d’un retour à la présentation tout à fait typique du processus artistique que l’on trouve dans le concept art américain. Toutefois, par la suite, il s’est transformé en une sorte d’écoute facile/non facile, à la fois mélodique et rythmique, où les compromis et les mélanges sont magnifiques. Et tout l’album est imprégné et rempli de cet esprit. L’électroacoustique avec une belle touche de mélodie, les expériences électroniques en filigrane ont un bon timing et une excellente texture. C’est une marque de fabrique de son travail qui ne peut que nous rendre impatient de découvrir ses nouvelles compositions. 

***1/2


Martina Bertoni: « All The Ghosts Are Gone »

18 février 2021

Un changement total n’est possible que par l’effacement du formulaire actuel. Il ne peut pas être ajouté à l’entité existante. Les anciennes formes doivent être décomposées et utilisées à nouveau comme matière première, réduites à une poudre de pure possibilité, libérées des structures qui forcent la création d’une manière ou d’une autre. Le violoncelle est le sujet de cette transformation sur All The Ghosts Are Gone, et le processus semble donc particulièrement physique : bois déformé et courbes fracturées, éclats poussant vers le haut à travers le vernis comme des dents. Des piles de bruit s’amoncellent sur les bords comme des monticules de débris balayés, des morceaux de carcasse de violoncelle sont visibles au milieu des fragments de distorsion et d’électronique. Mais au centre, il y a un tremblement de couleur : une corde solitaire courbée qui s’élève comme une fleur en herbe. Les premiers signes de renaissance apparaissent au milieu des ruines.

Il n’est pas surprenant que All The Ghosts Are Gone soit ressenti comme une entreprise douloureuse. La mélodie est rare et sa manifestation est soit fanée, soit naissante, frôlant la mort et la vie comme une fissure dans un cheveu. Ailleurs, les grincements des cordes de violoncelle creusent l’interstice comme les fantômes du titre, rendus sans abri par la transition. D’une certaine manière, Bertoni parvient à capturer à la fois une misérable physicalité – des cordes arrachées au corps, du bois bouclé en bois d’allumage – et une déprimante absence de forme, qui sème l’action en écho, encadrant cette destruction matérielle dans un contexte d’incertitude existentielle. Souvent, nous constatons que la liminalité est représentée dans des nuances d’aquarelle pâles, flottant au-dessus du domaine physique tout entier ; la musique de Bertoni réimpose ce processus avec un travail émotionnel et un corps brisé.

***1/2