Two Door Cinema Club: « Keep on Smiling »

7 septembre 2022

Trois ans et demi après False Alarm en 2019, voici le cinquième album du trio nord-irlandais Two Door Cinema Club. Connu pour avoir plus de rebondissement que la moyenne des groupes, leur marque d’électro pop teintée de guitare a gagné les cœurs, les esprits et les ventes dans une mesure à peu près égale.

Confondant les attentes dès le départ, le nouvel album est proprement (presque) conclu par deux instrumentaux, le sombre « Messenger AD » et son avant-dernier morceau « Messenger HD ». Le premier rappelle les beaux jours de John Carpenter (ou de Stranger Things, selon votre âge). D’une durée de près de trois minutes, c’est un choix courageux pour introduire l’album.

C’est aussi une sorte d’épaulement, une fausse piste, bien qu’intéressante. Ce qui suit tombe, en gros, dans des chants indie-synthétiques bizarres et anguleux, et dans une pop radio-friendly dense et stratifiée, conçue pour les stades et le Stateside. Ou peut-être pour les stades des États-Unis, étant donné le calendrier des tournées du groupe pour les prochains mois.

C’est la première option qui convient le mieux aux forces du groupe. Keep On Smiling prend vie lorsque le groupe est dans son élément de danse indie, lorsqu’il joue rapidement et de manière croisée, avec un rythme effréné. C’est dans ces eaux que les mélodies accrochent le plus. Le récent single « Lucky » se déroule à un rythme motorisé, avec une ligne de basse qui va de pair, et fournit la plateforme parfaite pour les synthés sucrés et leur falsetto familier.

En parlant de familier, il y a des points de référence fugaces qui apparaissent à travers cette collection : le « Sledgehammer » de Peter Gabriel, le phrasé pop pur d’Aztec Camera, et même une touche de Chris Isaaks sur le morceau « High », qui permet de respirer à mi-chemin, semblent tous avoir atterri dans le creuset de Two Door.

Jusque-là, tout va bien. Cependant, que ce soit le groupe qui essaie d’étoffer son son ou les producteurs qui mettent trop de viande sur l’os, il y a des occasions où la production devient trop dense, laissant aux chansons trop peu d’espace pour respirer. « Wonderful Life » est présenté comme un retour à l’énergie des premiers albums du groupe mais, au fur et à mesure que la chanson progresse, elle met tout en avant tout en hurlant ses intentions. De même, le morceau « Disappearer », excessivement compressé et étrangement auto-tuné, semble être un choix étrange pour clore l’album, sacrifiant la nuance ludique pour une batterie lourde et trop de couches. 

C’est dommage car, dans une forêt de groupes habillés en camouflage indie, les mélodies et les accroches de Two Door Cinema Club restent des valeurs sûres. Ils ont juste besoin de s’assurer qu’ils ne crient pas trop fort pour être entendus.

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Nala Sinephro: « Space 1.8 »

4 juin 2022

Nala Sinephro excelle dans la construction de mondes minuscules. Sur son premier album sur Warp Records, Space 1.8, la compositrice belgo-caribéenne crée des espaces luxuriants qui regorgent de sentiments de rajeunissement et de créativité. Il s’agit d’une collection de sessions chaleureuses et libres qui combinent le jazz et la harpe à pédales, les cors et le travail de synthé modulaire, le tout arrangé et exécuté avec une fluidité impressionnante. Allant de la tranquillité d’un enregistrement sur le terrain au synthé-jazz en passant par des explosions maniaques d’énergie bruyante, cet album instrumental témoigne d’un talent brut associé à une profonde intelligence émotionnelle. Sinephro a enregistré Space 1.8 après avoir vaincu une tumeur, ce qui a déclenché une passion pour la création d’une musique curative et joyeuse – pour chérir la vie pendant qu’elle existe encore. Cet entrelacement de chaleur et de guérison est palpable sur le morceau d’ouverture « Space 1 ». Le chant des grillons et la sensation de fraîcheur de l’air du soir sont soigneusement effleurés par une harpe luminescente et des passages mesurés au clavier. La chanson crée son propre écosystème miniature de paix électroacoustique, une introduction aussi accueillante qu’un album puisse l’être. La fascination de Sinephro pour le mélange de sons électroniques et plus conventionnels s’étend sur « Space 2 », où elle troque les sons verdoyants de la nature pour l’atmosphère enfumée d’un concert de jazz. Un saxophone grave et enveloppant envahit la scène sonore, tandis qu’un piano ondulant et une batterie légère complètent l’ensemble. Mais les synthés modulaires de Sinephro prennent le relais à la fin pour un outro hypnotique, renforçant la dualité acoustique et électronique qui définit Space 1.8. Chaque nouveau morceau révèle une facette différente du travail de Sinephro. « Space 6 », en particulier, est d’une intensité inattendue au milieu d’un disque aussi calme, où des trilles de saxophone pulsés s’accumulent et s’entremêlent progressivement pour former un crescendo imposant.

Et sur le ludique « Space 3 », des synthés ondulants se mêlent à une batterie jazz galopante (interprétée par le percussionniste des Sons Of Kemet, Eddie Hick). Bien qu’il s’agisse des moments les plus audacieux et les plus intéressants de l’album, ils se terminent brusquement, juste au moment où ils prennent de l’ampleur – en particulier « Space 3 », qui dure un peu plus d’une minute. On a l’impression que c’est juste au moment où Sinephro s’apprête à aller dans un endroit inattendu qu’elle coupe court à l’expérience, de peur de casser sa propre ambiance délicate. Mais ces moments laissent présager des orientations futures passionnantes pour Sinephro, comme si Space 1.8 n’était qu’une rampe de lancement pour des choses plus fortes et plus grandes. À l’autre bout du spectre, le morceau de clôture « Space 8 » est un chef-d’œuvre méditatif et stupéfiant. D’une durée de plus de 17 minutes, il s’imprègne de l’environnement montagneux et printanier que Sinephro construit si habilement. Des vibrations de saxophone dignes d’une berceuse, une électronique douce et des cordes de harpe brumeuses s’attardent et percolent, l’exemple le plus clair de sa quête d’une musique réconfortante et apaisante. Mais le plus grand moment de clarté de Space 1.8 arrive dans « Space 5 », beaucoup plus court. Dans ce bain sonore centré sur le saxophone et la harpe, le son d’un battement de cœur amplifié et régulier garde le rythme. Sa position au centre même de l’album semble intentionnelle : Les espaces de Sinephro ne sont pas seulement pleins de vie, ils sont aussi construits avec les sons mêmes de celle-ci, nous rappelant de ne pas la prendre pour acquise.

***1/2

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Jeremiah Chiu & Marta Sofia Honer: « Recordings from the Åland Islands »

4 juin 2022

Archipel situé à l’entrée du golfe de Botnie dans la mer Baltique, niché entre la Finlande et la Suède, les îles Åland sont un endroit curieux sur la carte. Région autonome et démilitarisée de la Finlande (elles ont fêté l’an dernier le centième anniversaire de leur statut d’autonomie), les habitants parlent majoritairement suédois. Composée de près de 300 îles habitables et de quelque 6 200 écueils et rochers désolés, la grande majorité de la population vit sur la plus grande île, Fasta Åland, qui ne compte elle-même que quatre autoroutes (les quatre seules de toute la région d’Åland).

Jeremiah Chiu et Marta Sofia Honer ont visité les îles Åland pour la première fois en 2017, en allant aider des amis à construire un hôtel à Kumlinge, une municipalité située à l’est de Fasta Åland et comptant environ 313 habitants. Si l’intention était que l’hôtel puisse servir de lieu d’accueil pour des résidences d’artistes et des ateliers, l’atmosphère des îles elles-mêmes a amorcé le travail bien avant qu’un tel événement ne puisse se produire. Alors qu’ils découvraient ce nouveau terrain, enchantés par la tranquillité et l’étrangeté d’un lieu où le soleil ne se couche pas en été et se lève à peine en hiver, l’inspiration a commencé à poindre. Chiu et Honer ont déjà commencé à rassembler des bribes de voix, des enregistrements de terrain et des improvisations sur divers instruments. Grâce à une subvention du ministère de la Culture, le duo est retourné dans les îles en 2019 pour donner un concert au Kumlinge Kyrka ; ils ont utilisé ce concert comme base pour créer leur album Recordings From the Åland Islands.

Issu de la scène de Los Angeles, Chiu est professeur à l’Otis College of Art and Design le jour, mais aussi collaborateur musical et artiste visuel, tandis que Honer est le joueur de session recherché qui a travaillé avec Fleet Foxes, Angel Olsen, Adrian Younge et Beyoncé. Recordings From the Åland Islands semble présenter une affinité musicale qui s’est affinée au fil des décennies, car l’album fusionne de manière transparente les univers des deux artistes en un son d’une beauté trouble, curieusement séduisant et langoureux. L’écoute de l’album donne l’impression d’une visite guidée à travers les routes de l’île qui sortent des sentiers battus ; il capture cet émerveillement étoilé que procure la découverte d’un nouveau paysage impressionnant.

Le duo a une façon de cultiver un véritable sens de l’espace qui, même s’il n’est pas familier à la plupart des gens, leur est familier. Le synthé blafard du morceau d’ouverture « In Åland Air » donne l’impression d’apercevoir un paysage lointain avec une main recouvrant l’œil afin de bloquer le soleil, tandis que « By Foot By Sea », avec ses arpèges flottants et transformés, donne l’impression de flotter sur les chemins de l’océan à un rythme tranquille. Les carillons du vent et les accords synthétiques du soleil de fin d’été sur « On the Other Sea » ressemblent à des souvenirs de vacances d’été. L’alto magnifique de Honer sonne comme des bribes de mélodies de chansons qui sont nichées dans le fond de votre esprit, mais dont vous ne vous souvenez pas du nom ; une chanson d’enfance peut-être, ou l’air que votre mère fredonnait pour elle-même dans le jardin.

Comme les enregistrements de terrain de Haiku Salut avant l’ajout de toute l’électronique, et peut-être un soupçon de múm à cause de l’accent mis sur la texture, Chiu et Honer ont peut-être quelques points de référence, mais ils créent surtout leur propre monde. L’alto presque folklorique de « Snåcko » rappelle par exemple l’œuvre Echolocations d’Andrew Bird, mais la chaleur est propre au duo. On peut même trouver une légère note de Tim Hecker sur « Kumlinge Kyrka » et « Anna’s Organ », mais c’est le sens de la touche personnelle qui ressort le plus ; sur ce dernier morceau, la façon dont les notes de l’orgue tremblent et vibrent est étrangement artificielle mais finalement fascinante. Sur « Stureby House Piano », un événement similaire se produit : des ondulations de notes de piano tourbillonnent dans un gouffre auditif alors que le son passe de l’organique au synthétique sans qu’il soit possible de discerner le moment exact où cela se produit.

Le seul moment où l’album faiblit est l’avant-dernière piste « Archipelago ». En extrayant une teinte plus sombre de l’air nocturne hérissé de longues notes d’alto sur sept minutes, le morceau reste captivant, mais donne l’impression d’avoir le moins à dire. Lorsque le dernier morceau « Under the Midnight Sun » arrive, cela n’a pas d’importance. Scintillant comme les constellations, il a aussi cette qualité d’évaporation, passant des synthés caoutchouteux au chant des oiseaux. Il ramène l’album à la nature, aux sons des îles qui sont parsemés tout au long de l’album.

***1/2

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Sweeney: « Stay for the Sorrow »

1 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Sweeney qu’on attend avec impatience et que’on redoute à chaque fois que jl’on reçoit une de ses nouvelles parutions de SIS. D’un côté,on sait que la musique sera intéressante. De l’autre, on est conscient que ce sera vraiment triste. Le dernier album de Sweeney, Misery Peaks (2021), était assez sombre, mais le titre nous enavait prévenu. Avec le quatrième album de Sweeney, Stay for the Sorrow, je pensais être assez bien préparé à ce qu’on allait écouter. Vraisemblablement, on avait tort.

Non, il ne s’agit pas, en effet, d’une joyeuse parade au titre trompeur, mais plutôt d’une plongée plus profonde dans Sweeney que ce à quoi on s‘attendait. L’amour, la perte, le chagrin et la rédemption occupent une place prépondérante dans cet album de 38 minutes composé de 10 titres, dont aucun ne dépasse 4 minutes et demie. IL est vrai que l’on avait déjà fait des commentaires à ce sujet, mais la voix de Jason Sweeney est remarquablement similaire à celle de David Sylvian par moments, mais, maintenant, on entend un aspect différent dans la voix de Sweeney, une fragilité qui avait peut-être négligée auparavant. C’est cet aspect vulnérable qui rend les chansons de Sweeney si personnelles et émouvantes.

Parfois, Sweeney est en mode chanson directe, comme dans le morceau d’ouverture, « Lonely Faces », qui est principalement composé de Sweeney et de son piano. La suite, « The Break Up », a un fond électronique plus abstrait mais reste riche en mélodies, et l’orchestration qui prend éventuellement le relais fait des merveilles. En fait, cet album semble plus orchestré que le précédent. Par exemple, le saxophone de Melinda Pianoroom donne beaucoup d’atmosphère à « Home Song ». Des chansons délicates et semi-abstraites comme « Fallen Trees Where Houses Meet » et « You Will Move On » sont difficiles à décrire, mais si vous imaginiez une collaboration Eno/Sylvian, ce serait plus proche de la vérité.

Au milieu de l’album (« Years »), vous vous trouverez peut-être dans une humeur très introspective, vous interrogeant sur vos propres relations, passées, présentes et futures. Il est facile de se laisser aller à écouter Sweeney, surtout si l’on se sent un peu brisé. Le fait est qu’il ne va pas vous aider à vous débarrasser de votre blues avec des chansons pop entraînantes. Il va cependant vous donner une très, très bonne chanson avec « Anxiety », peut-être la meilleure de l’album. On n’a pas été aussi convaincu par la chanson titre, qui a semblé un peu exagérée. Le très abstrait « To Be Done » est bref mais lui ressemble terriblement, et le dernier morceau « I Will Be Replaced » pourrait être le thème non planifié du travailleur du spectacle, mais a un attrait universel pour ceux qui se sentent un peu inutiles, et le saxophone de Melinda à la fin perpétue le chagrin. Oui, Sweeney a livré un autre album plein de mélancolie, mais il s’en faut de peu que ce soit un chef-d’œuvre.

***1/2

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Sandra Boss, Jonas Olesen, Anders Lauge Meldgaard: « SOL OP: Music For Midified & Modified Pipe Organs »

7 avril 2022

En utilisant uniquement des orgues à tuyaux, le trio composé de Sandra Boss, Jonas Olesen et Anders Lauge Meldgaard crée un monde construit sur la fantaisie et l’air. À l’aide d’un ensemble d’orgues à tuyaux modifiés (et midifiés – ou plutôt MIDIfiés), Boss, Oleseon et Meldgaard assemblent un univers réticulé où des possibilités infinies naissent d’un instrument simple et déconstruit. En utilisant de petits orgues portables, le trio ouvre de nouvelles et innombrables facettes où de petits mondes sonores peuvent se développer.

Avec un éventail diversifié de composants sonores flottant à travers chaque couche de SOL OP, ce sont les sons animaliers qui m’ont le plus frappé. Des oiseaux gazouillent sur des lits de sons dansants sur « Fuglene ». Il y a une sensibilité aqueuse dans la cascade de notes qui se déplacent en cercles concentriques autour des bourdons creux sous-jacents. C’est l’un des nombreux timbres surprenants que le trio utilise tout au long de SOL OP. En utilisant tous les aspects des orgues – du système de soufflerie d’air lui-même aux diverses pièces mécaniques de l’orgue et à l’incorporation du contrôle MIDI – le potentiel de pousser dans tous les plans sonores que ces orgues peuvent offrir devient une réalité.

Les sons animaliers se poursuivent tout au long de SOL OP. Des marmonnements rythmiques gutturaux donnent à « Maskinerne » une colonne vertébrale tactile. Des formes plus aiguës scintillent comme la lumière se réfractant à travers des verres remplis d’eau, le rythme rapide des répétitions imitant les ailes d’un colibri. Les hiboux font la sérénade à la lune dans un chœur de minuit sur « Skovene », les différentes textures bougeant toutes conjointement pour donner à la pièce une impression de mouvement ascendant. C’est hypnotisant.

Même dans les passages ténus où les tons étirés semblent coincés dans les airs, comme dans l’ouverture « Sol Op », les passages allongés sont pleins de tension et d’enjouement. Lorsqu’un orgue glisse vers le haut sur les arrangements hurlants au loin, la dichotomie est intéressante et amusante. Bien que le morceau finisse par s’installer dans une zone plus contemplative, la gamme de sentiments ajoute à sa nature séduisante. « Vindene » fonctionne de la même manière, bien que je ne puisse m’empêcher d’imaginer un monde où les trains ont des conversations et, dans ce cas, ils sont clairement ennuyés, mais le trio construit ces pièces avec ces points de vue et structures originaux qui me donnent envie de tout savoir sur chaque note, chaque arrangement.

SOL OP est une exposition qui consiste à prendre un instrument et à en trouver les limites perçues, puis à les repousser. Il y a tellement d’éléments dans SOL OP qui ne ressemblent à rien de ce que j’ai pu entendre d’un orgue à tuyaux. Plus encore, la façon dont Boss, Olesen et Meldgaard combinent ces sons avec les ronflements et les chuchotements plus familiers élève cette musique à quelque chose de vraiment spécial.

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Tom Rogerson: « Retreat To Bliss »

23 mars 2022

Après la sortie de Finding Shore en 2017, une collaboration qui l’a vu s’associer à Brian Eno, la vie du pianiste et auteur-compositeur-interprète Tom Rogerson a changé de manière tumultueuse. Les années intermédiaires ont apporté la naissance d’un enfant, la perte d’un parent, et un diagnostic bouleversant concernant sa propre santé. Il quitte Berlin et retourne dans le Suffolk, un lieu familier et accueillant datant de son enfance, et commence à composer des pièces minimales pour piano dans l’église qui jouxte la maison de ses parents.

Sur Retreat to Bliss, qui constitue le premier album solo de Rogerson, les touches du piano ainsi que sa propre voix retracent et transcrivent des événements profondément personnels. Elles remontent également dans le passé, comme si elles voulaient revenir à des temps plus innocents. Les pensées intimes et privées qui se trouvent dans le cœur sont transmises par la voix, articulant et exprimant ce qu’un instrument est parfois incapable d’exprimer, car elles viennent directement de son âme.

Rogerson s’ouvre, ce qui est un signe de courage, et cela reflète son comportement naturel ainsi que d’autres qualités vertueuses de sa musicalité. Lorsque le bouclier tombe, il n’y a rien derrière quoi se cacher, et cette vulnérabilité nue rend l’album encore plus puissant. Elle révèle également une force intérieure et une volonté d’être soi-même. Rogerson libère ce qui était refoulé, le déversant à travers le piano, qui n’est pas seulement un ami familier mais une bouée de sauvetage. C’est de là que vient l’authenticité de la musique, il n’y a rien d’artificiel.

« Toute ma vie, le piano a été mon compagnon constant, mon confesseur, mon meilleur ami et mon pire ennemi. J’ai toujours écrit de la musique sur et pour le piano, mais elle me semblait trop personnelle, trop privée pour être publiée. Ces dernières années, j’ai connu des difficultés, des joies et beaucoup de changements. Ma réponse a été de me retirer vers ce en quoi j’ai le plus confiance : le piano, ma voix et le paysage dans lequel j’ai grandi ». 

Sincère et poignant, le piano résonne entre les murs de l’église, un lieu sacré et isolé pour la guérison des blessures. Tout s’effiloche dans ce lieu. Tout se défait. Le retour dans sa maison d’enfance est un purificateur, mais une fragilité subsiste. Quelque chose a été blessé et ressent le besoin de revenir en arrière, mais c’est aussi une lueur d’espoir, car les liens essentiels se recréent à nouveau. Le lieu, son moi et la musique sont tous ramenés au centre.

Retreat to Bliss est en accord avec lui-même, permettant à Rogerson de revenir à une époque plus stable et plus réconfortante. C’est aussi une digestion, une pause réflexive et une acceptation des événements. C’est un hymne chanté à son véritable foyer, qui se trouve aussi bien dans la campagne du Suffolk que dans son piano.

***1/2

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Randal Collier-Ford: « The Architects »

24 janvier 2022

Un facteur déterminant dans la musique de Randal Collier-Ford est la façon dont il parvient à chevaucher la ligne entre l’ambient sombre / drone et les sons électroacoustiques traités. En effet, on y trouve plus qu’un clin d’œil aux pionniers de l’acousmatique et de la musique concrète. Bien que The Architects soit l’un de ses plus anciens albums, il est un excellent exemple de la manière dont cette approche non conventionnelle peut être écoutée.

Chacun des huit morceaux, dont la durée varie de 4 à plus de 13 minutes, explore différents points de cet axe. À cette fin, « Eye of the Watches » propose des couches de synthétiseurs qui couvrent lentement et sont accompagnées de sons complexes à caractère mécanique. Et ailleurs « Construction of a Demon » se concentre principalement sur des échantillons sculptés, des objets trouvés et des éléments percussifs électroacoustiques, représentant peut-être les outils et les processus d’un atelier infernal.

Mais là où Collier-Ford brille vraiment, c’est dans l’utilisation d’explosions de bruits étouffants et déchirants comme élément récurrent sur plusieurs pistes. Ces explosions de batterie et de synthétiseur se présentent comme des ondes de choc staccato lentes dans « A New Age et The Return ». Ils accentuent les drones et les percussions susmentionnés d’une manière résolument cinématographique. Alors que certains des autres morceaux pourraient être décrits comme étant au moins un peu ambiants, ces morceaux ne le sont absolument pas. The Architects représente, de ce fait, un effort hautement recommandé venu d’une source injustement sous-estimée.

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Gianluca Becuzzi: « Mana »

14 décembre 2021

Vous avez déjà mis un nouvel album sur votre platine et au milieu de la première piste, vous êtes prêt à acheter tout le catalogue de l’artiste ? C’est ce que peut inspirer l’écoute de Mana de Gianluca Becuzzi. Basé à Rome et actif depuis les années 1980, Becuzzi s’inspire d’une grande variété de styles, dont l’électroacoustique, le drone, l’industriel, l’ambient et l’art sonore, mais son approche est distincte et singulière.

Becuzzi joue de la guitare et de la basse, et incorpore des échantillons et de la programmation dans le mélange. Cristiano Bocci joue de la contrebasse sur deux morceaux.

La première chose que l’on remarque dans Mana, ce sont les accords de guitare surchargés. Néanmoins, Becuzzi module ces riffs massifs avec des percussions et des échantillons d’instruments acoustiques ainsi que des sons aux sources moins identifiables. Vous entendrez donc des cordes, des bois, des synthés et des tambours… ou du moins quelque chose qui ressemble à ces instruments. D’autres samples sont plus ésotériques ou abstraits, notamment des bruits sculptés, des chants de moines tibétains et des sons de la nature. Certains morceaux ont une allure décousue, passant d’une palette à l’autre, mais Becuzzi parvient à les faire fonctionner.

En ce qui concerne l’ambiance, elle est sombre et dérangeante. Becuzzi incorpore souvent la dissonance, en explorant les motifs de battement entre deux notes ou par le biais de la distorsion électronique. Le résultat est inquiétant et obsédant, même si son jeu de guitare apporte des niveaux d’énergie élevés. Les percussions sont souvent de nature martiale, ce qui correspond au ton inquiétant de l’album.

Mana est une version 2CD, avec plus de 90 minutes de musique. C’est ce que l’on obtiendrait si une chimère génétique Dead Can Dance / Sunn O))) allait en enfer, collaborait avec Stockhausen, et revenait un ordre de grandeur encore meilleur. Bravo et doigts lévés pour manifester son appréciation.

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No Translation: « Inner Distance »

5 décembre 2021

Inner Distance, le premier album d’Emma Palm sous le nom de No Translation, crée des formes sonores spacieuses à partir des moments les plus intimes et personnels. Comme toujours, Palm construit ses paysages sonores en utilisant principalement des synthétiseurs et sa voix, mais les morceaux les plus profonds d’Inner Distance proviennent des enregistrements de terrain qu’elle et sa mère, à Tapei, ont fait et se sont envoyés au cours des deux dernières années. Ces connexions personnelles attirent la musique vers l’intérieur comme un acte de contemplation et de connexion pour naviguer dans les liens fragiles qui nous tiennent ensemble.

La musique de Palm est captivante par sa douceur viscérale. Avec ses sonorités vaporeuses et ses arrangements sans artifice, on s’attend à ce que ce genre de musique passe inaperçu. No Translation n’offre pas un tel soulagement, car la touche légère masque la lourdeur émotionnelle de l’œuvre. Des morceaux comme « Frame of Reference » et « Two Days » se situent dans un espace flou, nous poussant dans le monde tout en exigeant une attention soutenue. Des pas texturés s’éloignent sur la première, chacun d’entre eux étant une dague alors que cette figure s’éloigne au loin, entourée d’oiseaux qui gazouillent et de voix désincarnées. « Two Days » tente de cristalliser des souvenirs perdus au plus profond de soi, des houles montantes et des échos argentés obscurcissant encore les sons juste à l’abri des regards. On ne peut pas détourner le regard sous peine de manquer la partie qui débloque le reste.

Inner Distance voyage à travers l’espace et le temps en comblant des fossés impossibles à combler. Le morceau d’ouverture, « Momentary », glisse comme une brise sur l’océan, rapide et aérienne, s’élevant vers un trou dans les nuages pour trouver le rayon de lumière le plus net. La voix de Palm flotte sans effort, se fondant dans les opulentes nappes de synthé pour devenir un abri lumineux. Des griffures se promènent sur la surface de la ligne de verre, comme des pages que l’on tourne dans une histoire oubliée, un rappel des palais que nous recherchons. C’est doux, magique.

L’album est décrit comme un cadeau pour la mère de Palm : un espace de guérison où le soleil de Joshua Tree peut atteindre les lumières de Taipei. Dans cet espace, il y a de la place pour que chacun de nous trouve sa propre force. En faisant un geste vers le ciel étoilé, la chanson titre comble le dernier fossé dans les derniers moments de Inner Distance. Les chemins de pierre polie se dirigent vers les portes arpégées du château, ouvertes pour la première fois depuis des lustres et prêtes à laisser entrer nos esprits. Ce premier album de No Translation est une tranche de divinité.

***1/2

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Western Edges: « Dependency »

22 octobre 2021

On peut dire sans se tromper que nous avons tous été assez contrariés lorsque Hood, icône de l’indé britannique, s’est séparé ou a fait une pause en 2006, mais il s’avère que ce sentiment n’était pas très clair. Depuis lors, nous avons eu une abondance de projets Hoodish, tels que le magnifique projet Bracken à orientation électronique de Chris Adams, ainsi que downpour qui l’a vu exorciser ou peut-être exercer ses démons de la drum and bass. Pendant ce temps, son frère Richard Adams s’est concentré sur le côté ambiant de l’électronique avec son magnifique projet Declining Winter, tout en créant un groupe, Memory Drawings, avec le joueur de dulcimer martelé Joel Hanson et la violoniste Sarah Kemp. Il a été fascinant d’observer la progression de leurs sons, et impossible de ne pas entendre la subtile filiation avec Hood, même si ce n’est que périodiquement dans le ton mélancolique – ou juste parce que vous voulez qu’il soit là.

Western Edges est un autre projet de Richard Adams et il n’est rien de moins que sublime. Dependency est son deuxième album sous ce nom après un Prowess en 2019, opus qui ressemblait à une série de tonalités électroniques chaudes et parfois nostalgiques.

C’est une musique avec un pied sur le dancefloor, ou en fait peut-être que le pied est à un bloc du dancefloor, et le son imprègne doucement les murs comme un battement de cœur flou. C’est de l’électronique, mélancolique, sans hâte, une sorte d’electronica lofi qui doit autant à son passé d’indie DIY qu’à la musique ambiante, où des beats flous côtoient des pads éthérés et mélancoliques. C’est le genre de musique qui vous coupe le souffle.

Par moments, elle est durable, presque post rock dans la façon dont les motifs répétitifs se construisent jusqu’à des moments extatiques cathartiques, à d’autres moments, elle semble être plus une question d’humeur avec ces doux paysages sonores évocateurs qui rappellent son prédécesseur. On peut entendre des éléments des œuvres ambiantes collectées d’Aphex Twin ou des voyages en forêt de Wolfgang Voigt comme Gas. Il y a un hypnotisme dans l’instant, dans la répétition. On dirait le reflet d’une fête – la vapeur qui existe dans l’air pendant quelques secondes avant de s’évaporer. Chaque chose a sa place pour Adams. Tout est séquentiel, tout progresse et a un sens. Il n’y a pas d’aspérités ici. La musique est séduisante. Elle vous attire.

On l’aime parce que ce n’est pas qu’une seule chose. Parfois, vous pensez qu’il s’agit d’une sorte de gueule de bois ambiante de fin de soirée post-club où le doux bruit de la techno se répercute encore dans votre corps, à d’autres moments, il s’agit d’un design sonore atmosphérique – travaillant avec la densité et l’humeur. Vous voulez le mettre dans une boîte mais vous ne pouvez pas. C’est ce qui vous pousse à continuer à revenir. C’est ainsi qu’il déroute tout en séduisant. Et qu’il vous incite àle rouver.

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