Western Edges: « Dependency »

22 octobre 2021

On peut dire sans se tromper que nous avons tous été assez contrariés lorsque Hood, icône de l’indé britannique, s’est séparé ou a fait une pause en 2006, mais il s’avère que ce sentiment n’était pas très clair. Depuis lors, nous avons eu une abondance de projets Hoodish, tels que le magnifique projet Bracken à orientation électronique de Chris Adams, ainsi que downpour qui l’a vu exorciser ou peut-être exercer ses démons de la drum and bass. Pendant ce temps, son frère Richard Adams s’est concentré sur le côté ambiant de l’électronique avec son magnifique projet Declining Winter, tout en créant un groupe, Memory Drawings, avec le joueur de dulcimer martelé Joel Hanson et la violoniste Sarah Kemp. Il a été fascinant d’observer la progression de leurs sons, et impossible de ne pas entendre la subtile filiation avec Hood, même si ce n’est que périodiquement dans le ton mélancolique – ou juste parce que vous voulez qu’il soit là.

Western Edges est un autre projet de Richard Adams et il n’est rien de moins que sublime. Dependency est son deuxième album sous ce nom après un Prowess en 2019, opus qui ressemblait à une série de tonalités électroniques chaudes et parfois nostalgiques.

C’est une musique avec un pied sur le dancefloor, ou en fait peut-être que le pied est à un bloc du dancefloor, et le son imprègne doucement les murs comme un battement de cœur flou. C’est de l’électronique, mélancolique, sans hâte, une sorte d’electronica lofi qui doit autant à son passé d’indie DIY qu’à la musique ambiante, où des beats flous côtoient des pads éthérés et mélancoliques. C’est le genre de musique qui vous coupe le souffle.

Par moments, elle est durable, presque post rock dans la façon dont les motifs répétitifs se construisent jusqu’à des moments extatiques cathartiques, à d’autres moments, elle semble être plus une question d’humeur avec ces doux paysages sonores évocateurs qui rappellent son prédécesseur. On peut entendre des éléments des œuvres ambiantes collectées d’Aphex Twin ou des voyages en forêt de Wolfgang Voigt comme Gas. Il y a un hypnotisme dans l’instant, dans la répétition. On dirait le reflet d’une fête – la vapeur qui existe dans l’air pendant quelques secondes avant de s’évaporer. Chaque chose a sa place pour Adams. Tout est séquentiel, tout progresse et a un sens. Il n’y a pas d’aspérités ici. La musique est séduisante. Elle vous attire.

On l’aime parce que ce n’est pas qu’une seule chose. Parfois, vous pensez qu’il s’agit d’une sorte de gueule de bois ambiante de fin de soirée post-club où le doux bruit de la techno se répercute encore dans votre corps, à d’autres moments, il s’agit d’un design sonore atmosphérique – travaillant avec la densité et l’humeur. Vous voulez le mettre dans une boîte mais vous ne pouvez pas. C’est ce qui vous pousse à continuer à revenir. C’est ainsi qu’il déroute tout en séduisant. Et qu’il vous incite àle rouver.

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Jason van Wyk: « Threads »

22 octobre 2021

Le compositeur, producteur et pianiste Jason van Wyk, basé au Cap, est signé sur le légendaire label n5MD de Mike Cadoo, basé à Oakland, pour son quatrième album studio solo, intitulé Threads. Nous avons entendu parler de van Wyk en 2016, lorsqu’il a sorti Attachment pour Eilean Rec, puis repris et remastérisé par Home Normal ; un album quon a décrit comme étant plein de beauté simple et non dissimulée, bien qu’avec des soubassements sophistiqués, se situant quelque part entre les tendres compositions pour piano solo de Nils Frahm et son propre jeu de nuit tranquille.

Il a enchaîné un an plus tard, une fois de plus sur Home Normal, avec Opacity, qui nous emmène de son studio intime vers la galaxie extérieure de son imagination, où, comme sur ce présent opus, les houles ambiantes qui s’élèvent lentement frôlent leurs homologues à cordes acoustiques pour une montée en scène sonore à large spectre dans le système solaire. Le piano a commencé à s’effacer en arrière-plan, tout en jouant un rôle essentiel dans une partition musicale. De ce fait, pour son dernier album, van Wyk s’aventure encore plus loin dans les atmosphères ouvertes et hautement texturées, créant avec soin un passage cinématographique pour le moment présent, que j’écoute en boucle maintenant, comme une bande sonore apaisante pour l’angoisse quotidienne.

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Black Tape For a Blue Girl: « The Cleft Serpent »

13 octobre 2021

Remerciez qui vous voulez pour Sam Rosenthal. Auteur-compositeur, concepteur de sons et propriétaire de label, il fait tourner son groupe Black Tape For a Blue Girl depuis trente-cinq ans maintenant, connaissant des moments de grande renommée et d’obscurité, mais ne reculant jamais devant sa vision. Bien qu’il ait longtemps été associé à la scène gothique (une désignation qu’il a adoptée, même s’il s’en tient légèrement à l’écart), BTFABG ne s’assoit pas confortablement sur une chaise, sauf celle de « réalisateur ». L’esthétique de Rosenthal est personnelle, tant dans sa conception que dans son contenu. Il trace sa propre voie sans tenir compte des tendances ou de la mode, et il est toujours profondément émotif. Il crée l’une des expressions de soi les plus pures de la planète.

C’est aussi vrai pour son dernier album The Cleft Serpent que pour tous ses autres disques. Rejoint par ses nouveaux compagnons de groupe, Jon DeRosa au chant et Henrik Meierkord au violoncelle (est-ce la première fois qu’il n’a pas de compagnons féminins ?), Rosenthal peint un paysage élégant, quoique sombre, avec des claviers et de l’électronique soigneusement déployés, évitant les percussions. S’inspirant plus – beaucoup plus – des quatuors à cordes, du minimalisme et de la chanson d’art que du rock gothique et de la darkwave auxquels le groupe est associé, les chansons dérivent comme des feuilles à la surface d’un lac – colorées, hypnotiques, et une fois que l’on y prête attention, on ne peut plus s’en détacher jusqu’à ce qu’elles disparaissent. Cela convient parfaitement aux paroles, qui s’attardent sur ce qui semble être un amour contrarié, peut-être même toxique, condamné à être brisé, vie après vie, par l’interférence de forces obscures. « The Trickster » et la chanson titre montrent clairement que quelque chose ou quelqu’un ne laissera pas ces amoureux se reposer, quelle que soit l’époque à laquelle ils se trouvent. Lorsque nous arrivons à « So Tired of Our History » et à « I’m the One Who Loses », un morceau épuisant sur le plan émotionnel, nous sommes presque aussi épuisés spirituellement que les protagonistes.

C’est le genre de musique qui pourrait devenir envahissante entre de mauvaises mains, un voyage lugubre vers nulle part. Mais Rosenthal conduit toujours ses thèmes désespérés avec une véritable puissance émotionnelle, sans jamais tomber dans le mélodrame ou le misérabilisme. Le charme est particulièrement puissant cette fois-ci grâce aux bons collaborateurs – le violoncelle de Meierkord ajoute des textures éthérées qui donnent de la profondeur à la musique, tandis que DeRosa chante tout avec un équilibre parfait entre l’expression du cœur sur la main et une dignité majestueuse. « Pourquoi nous battons-nous, aimons-nous et mourons-nous ? » (Why do we fight and love and die?), chantonne-t-il avec simplicité dans « To Touch the Milky Way », tout en connaissant déjà la réponse. Avec ces partenaires artistiques, Rosenthal a créé, avec The Cleft Serpent, une autre méditation bien pensée et indéniablement sincère sur la recherche futile de l’amour et sur les raisons pour lesquelles il vaut la peine de le poursuivre.

***1/2

 


Perila: « 7.32/2.11 »

12 octobre 2021

La couverture de 7.32/2.11 représente un test de Rorschach délavé. L’image en niveaux de gris, éparpillée et floue, pourrait représenter un million de choses différentes, mais la morosité cache une quantité surprenante de mouvement. Des silhouettes fantomatiques font la queue, attendant leur chance pour franchir une porte dans les profondeurs de la montagne. Les aurores boréales dansent dans le ciel, marionnettistes tirant des ficelles cosmiques, riant malgré la douleur, respirant la dégradation de l’hiver comme le plus doux des parfums. Perila creuse des tranchées peu profondes au cours de son voyage, alors que le temps s’arrête, mais que la mort et le chagrin continuent de jeter des regards furtifs.

Des houles de basse creuses poussent contre des pads fantômes, la combinaison dense de fréquences comme un massage de l’oreille interne, une couverture emmaillotant les synapses dans un faux confort. La retenue de Perila pourrait maintenir les nuages en place. La mélancolie aspire à une nouvelle saison dans les légers scintillements électroniques, la résonance passe-bas s’ouvrant et se fermant comme un clocheton sous-marin. Elle revient, tenant la main aux échelons supérieurs, créant un espace pour le souffle doux de Perila sur les timbres envoûtants et méchants de « Haven’t Left Home 4 4 Days ». Des motifs simples et répétitifs construisent des murs géométriques, sa voix étant la figure informe qui flotte sans but tout en cherchant une issue vers le haut. 

Une grande partie de 7.32/2.11 est imprégnée des traces de la solitude pensive de la séparation et de l’isolement. Les images nostalgiques sont enveloppées dans des couvertures rafraîchissantes, les idées d’évasion sont atténuées par des tonalités ruminatives et des passages disparates. « This Story Doesn’t Make Any Sense » est à la hauteur de son titre, remettant en question les situations incroyables qui continuent à échapper à tout contrôle. Perila se lamente, dans un monologue intérieur qui s’estompe dans le ciel qui s’assombrit : « Je ne peux pas parler maintenant. Mes deux mains sont occupées » (I can’t talk right now. My both hands are busy). La distraction et l’évasion se déplacent en tandem dans les dérives vocales sans paroles et les grattages de guitare répétitifs, le tout manœuvrant doucement autour d’un cadre synthétique frémissant qui crache des débris auditifs.

La brume de 7.32/2.11 est imprégnée d’une voix sous-jacente et interrogative qui se demande sans cesse ce qu’il faut faire maintenant. Les explorations au piano trempé sur « Crash Sedative »n’offrent aucune réponse, mais permettent de continuer à faire couler l’eau et de garder un œil sur la lueur de la lune. Dans cet état constant d’impermanence, certains repères deviennent des balises énigmatiques. Personne n’a la moindre idée de ce qui va se passer, mais même dans les espaces les plus isolés, il y a toujours des moments et des connexions à partager.

***1/2


Alister Fawnwoda, Suzanne Ciani, & Greg Leisz: « Milan »

12 octobre 2021

Alister Fawnwoda, artiste originaire de de Detroit, a le vent en poupe. Après une poignée d’excellents morceaux en collaboration avec Omar S, son regard se tourne vers l’extérieur et vers le haut, dans l’univers en expansion de Milan. S’associer à deux figures légendaires, Suzanne Ciani et Greg Leisz (qui joue exclusivement de la pedal steel sur Milan) pour créer quelque chose d’une telle profondeur méditative n’est jamais une mauvaise idée, mais Fawnwoda guide ces sessions sans effort. Avec le producteur et ingénieur Sonny DiPerri, Fawnwoda fait de Milan quelque chose de magique.

Un terrain sonore immaculé est sculpté dans un marbre céleste, des courbes généreuses balayent de vastes plaines cristallines sur « Sweetheart ». Le bonheur résonnant de la pedal steel de Leisz est rencontré, en force, par des arpèges scintillants et des houles massives de synthétiseurs. Des hectares d’espace permettent à chaque artiste de respirer et de créer une présence individuelle, mais l’enchevêtrement d’idées et de sons dans une sphère centrale attire les auditeurs, offrant un portrait intime de ce monde magnifique et imaginé. Des sirènes à bout de souffle chantent d’en haut, des ombres dorées filtrant à travers les tons complexes et chorégraphiés de la glassine.

Milan interpelle à de multiples niveaux. Au-delà de l’expertise technique et compositionnelle affichée, comme dans les profonds couloirs du tentaculaire « complexe du léopard », c’est un récit émotionnel qui se déploie et captive. Alors que Ciani construit des couches de dérive synthétique en apesanteur, saturant davantage « Leopard Complex » de sentiments de liberté et de soulagement, Liesz texture magnifiquement la surface avec des passages émotifs, ajoutant un élément d’expérience vécue à la piste. Chaque aspect se déplace à l’unisson, des parties disparates tressées ensemble formant un tout singulier et éblouissant. Cette même notion de purification devient un point d’exclamation sur le redoutable « Snow Ritual » 

Tout au long de Milan, l’horizon nous attire. Cette musique est baignée de lumière, suivant le soleil dans ses déplacements dans le ciel, à la recherche d’un endroit où se reposer. Milan est une leçon de retenue où chaque artiste donne et prend de l’espace selon les besoins, laissant la puissance de la résonance combinée de ces compositions laisser tranquillement une impression durable. Des premières spirales de « Night Bunny » aux derniers gazouillis de « Snow Ritual », Milan est une réussite incontestable.

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Erik Jarl: « Spectrum Confusion »

9 octobre 2021

Le Suédois Erik Jarl a une longue discographie qui remonte à plus de 20 ans. Son dernier effort se situe dans le domaine de l’avant-garde électronique, quelque part entre l’ambient sombre à base de synthétiseurs, la musique kosmiche des années 1970 (pensez à Klaus Schulze) et les manipulations générées électroniquement de Roland Kayn. Composé de trois titres, chacun d’une durée de 12 à 21 minutes, Spectrum Confusion est à la fois vaste, majestueux, spacieux et étrange.

La première piste, intitulée « Spectrum Confusion Part 1 », présente des tonalités oscillantes provenant de couches de synthés. Il y a un élément brut de grésillement dans certains d’entre eux, tandis que d’autres sont plus lisses.

Chaque voix semble être mise en boucle, s’élevant et s’abaissant selon son propre modèle. Celles-ci se construisent lentement les unes sur les autres, avec de courts motifs répétitifs clairement discernables parmi un mur de bruit croissant. Vers le milieu de la piage, la nature du morceau change et comprend un plus petit nombre de pulsations cosmiques. Les boucles sont à nouveau utilisées, ainsi que les échos. Cette approche s’intensifie, strate après strate, jusqu’à ce que l’on puisse entendre au moins une demi-douzaine d’éléments distincts, ce qui amène la composition à un crescendo. Les deux autres morceaux suivent le même chemin, explorant des variations chatoyantes et bruyantes sur ces thèmes.

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Megan Alice Clune: « If You Do »

4 octobre 2021

If You Do de Megan Alice Clune est une œuvre d’extase contenue. S’inspirant de son intérêt pour les traditions minimalistes étendues, en particulier les explorations des accords variables que l’on retrouve dans les œuvres en orbite autour des personnes impliquées dans le Theatre Of Eternal Music, Clune conçoit un disque d’approfondissement constant. Chaque pièce se déploie dans la suivante, et tout en existant individuellement, elles fonctionnent également comme une masse sonore collectée. If You Do est un flux constant, presque un flux de conscience, de voix, de drones, de claviers et d’électronique.

Pour Megan Alice Clune la genèse de son opus est liéeà son rêve d’écrire un opéra. Incapable d’écrire beaucoup de musique elle est revenue de trois mois à Tokyo où cet album a été initialement conçu. Cela a été pour elle d’observerla plus longue pause créative connue au cours des cinq dernières années. Lles petites mélodies qu’elle avait chantées dans son micro tard dans la nuit, en silence pour que mes voisins ne les entendent pas, ont pris une plus grande ampleur, qui semblait faire écho à l’ampleur engendrée par 2020. Le confinement à la maison, les événements épiques qui se déroulent à l’extérieur

Sa petite voix timide filtrait à travers une myriade de technologies ; amplifiée, déformée, compressée, égalisée., acélérée, ralentie par l’arrivée de on Wi-Fi. If You Do est alors devenu un album pour voix solo et un ensemble de technologies, un album sur la contorsion du corps (voix) à travers le temps (rythme, pulsation), la répétition et la forme. L’œuvre est nostalgique des futurs passés : souhaitant l’optimisme technologique de la fin des années 70 et du début des années 80, de Timothy Leary croyant que l’ordinateur offrirait une libération aux masses. Un temps avant le Big Tech, le Big Data. C’est un disque fait seul, rêvant d’une interaction sans intermédiaire avec un public qui n’arrivera peut-être jamais…. De retour à Tokyo,elle a demandé comment nous en étions arrivés là et elle a réfléchi à la place de sa musique dans ce contexte. Elle a ainsi rassemblé chacun des noms de morceaux à partir de son environnement – des choses lues, entendues ou ramassées à la fois au Japon (le titre If You Do vient d’un collier trouvé au marché aux puces de l’hippodrome d’Ohi) et, plus tard, à la maison, en ligne. En tant que tel, l’album occupe un espace amorphe. Dans le genre de la musique ambiante, mais tout juste. Il crée un espace qui est encore fortement médiatisé, mais qui espère se situer et communiquer directement. Coincée dans une boucle d’écho,et cherchant des signes pour continuer à écrire If You Do évoqera au final Big Science de Laurie Anderson, Subterraneans de David Bowie ou Born Slippy d’Underworld.

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Christopher Otto: « Rag’sma »

3 octobre 2021

Rag’sma peut être apprécié de deux manières différentes. À première vue, l’album est un ensemble irrésistible de drones fournis par le JACK Quartet. Mais en creusant un peu plus, on s’aperçoit que la structure de ces sons soutenus et sinistres suit des règles mathématiques précises.

Otto est violoniste et membre fondateur de JACK, une formation surtout connue pour ses interprétations de morceaux de musique difficiles et exigeants. Ici, Otto demande à son groupe d’utiliser l’intonation juste afin d’obtenir des variations de tonalité si infimes qu’il est peu probable qu’elles soient perçues consciemment. De plus, la base de la pièce est constituée de deux enregistrements combinés de JACK qui se rapprochent et s’éloignent très légèrement l’un de l’autre.

Là encore, il faudrait une oreille remarquable pour s’en rendre compte, et la plupart d’entre nous (y compris cet auditeur) doivent se contenter du sentiment d’inquiétude que procurent les bourdons de cordes qui en résultent. Mais une deuxième variation de Rag’sma est également incluse, ajoutant un troisième enregistrement de JACK aux autres. Ce nouveau motif va et vient entre les deux originaux, les unifiant dans une certaine mesure.

Selon Otto, la variation du double quatuor peut se suffire à elle-même ou servir de piste de fond à un troisième quatuor qui improvise en fonction de ses contraintes. Rag’sma se prêterait certainement à une interprétation en direct de cette manière, mais pourrait aussi fonctionner comme une installation sonore. Indépendamment des détails techniques, cet album est vivement recommandé à tous ceux qui s’intéressent aux drones à cordes à 8 ou 12 voix.

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Heliochrysum: « We Become Mist »

3 octobre 2021

We Become Mist est la création d’Heliochrysum (Michael Deragon et Daniel Lea), dont les paysages sonores de science-fiction présentent des mastodontes éblouissants et des structures de conception intelligente renforcées par des synthés. Basé à Los Angeles, le duo utilise des méthodes analogiques et numériques pour ouvrir des portails de sons futuristes. Leur musique cinématique transporte les auditeurs vers de nouveaux mondes au milieu de l’étendue de l’espace. D’une profondeur texturale étonnante, ces paysages sonores immersifs sont parfois luxuriants et spacieux, avec l’intégralité du cosmos à explorer.

La musique d’Heliochrysum semble étrangère dans sa géographie et sa construction. Des synthés sombres et stroboscopiques recouvrent la musique et des nuages denses planent dans l’atmosphère. De temps en temps, la musique est en état d’alerte, mais elle est toujours curieuse de faire de nouvelles découvertes, et elle ne fait jamais un pas en arrière. D’autres sons se situent du côté le plus sinistre du spectre des synthétiseurs, et se rapprochent des tonalités industrielles. Affûtés comme des lasers et traçant une ligne piquante à travers tout ce qu’ils touchent, les synthés sont capables de faire de profondes incisions dans le mixage ou de couvrir l’harmonie d’un jet mélodique de néon. L’avenir inconnu est suspendu au-dessus de nos têtes comme la Faucheuse, un élément permanent, qui semble passer de la bienveillance à une malveillance rampante au milieu de ses étoiles, qui cachent des intentions peu claires.

Les paysages sonores de science-fiction sont complexes, mais accessibles. Au fur et à mesure que les synthés se développent, ils se baladent dans l’éther comme des tentacules éclairés par les étoiles, parfois piégés dans une série de bouleversements et de violence, et parfois formant un arc doux. Quel que soit le type de mouvement ou d’improvisation proposé, il est toujours possible de suivre des modèles perceptibles dans le son. Les rythmes sont forgés comme les mélodies sont formées, et une progression continue peut être ressentie à tout moment ; l’auditeur est toujours en mouvement, toujours en voyage.

Heliochrysum signifie tournesol en latin, et la musique est une source de vie, aussi étrange ou turbulente qu’elle puisse paraître ; les choses sont en gestation, on leur donne une nouvelle vie. Dans son univers sensible, sur une autre planète, le soleil brille encore et apparaît dans le ciel, même si sa lumière est faible, brillant d’étranges teintes extraterrestres. Avec la dernière piste, We Became Mist se transforme en « We Became Matter », soulignant la progression de l’Univers et annonçant l’arrivée d’une nouvelle forme de vie.

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Andreas Brandal: « Primal »

1 octobre 2021

Il y a quelque chose dans cette nouvelle offre d’Andreas Brandal qui ressemble à la bande sonore de ce qui se passe dans les coins poussiéreux et couverts de toile d’araignée de mon cerveau ces derniers temps. En fouillant dans les détritus, on trouve beaucoup d’espace vide qui pique avec une acuité surprenante, mais de l’or transsonique émerge au sein de cette trépidation conflagrante.

Primal est une bande originale d’horreur. D’innombrables raclements et cliquetis mélangés à des sons banals de la vie quotidienne et à des tonalités synthétiques et oscillantes créent une atmosphère tendue et sordide. Des structures en décomposition envoient des lignes de vie sur « Sense », derniers souffles de joie résonnante dans un vide mourant qui s’élève, agissant comme une gomme auditive. Une fois la poussière retombée, des silhouettes encapuchonnées émergent, traînant des os sur « Urge » sur le sol d’un dépotoir, tandis que le paysage dense se transforme dans toutes les nuances de gris possibles.

Les pensées chaleureuses sont rejetées dès qu’elles percent le voile caustique de minuit. Des voix et des éléments sonores riches vacillent sur « Instinct », même une guitare acoustique surprise, le tout faisant partie d’un rêve d’évasion pour nous rappeler que sous l’enveloppe pourrie, nous sommes toujours en vie. Creusant à travers des tiroirs d’éclats métalliques, « Fear » est un souvenir implanté qui se développe comme un champignon dans les crevasses où aucune lumière ne peut entrer. L’électricité statique grésille sur les fils jusqu’à ce qu’ils se désintègrent, le son d’un passé lointain et effacé.

La résolution se matérialise enfin sur « Solution », le titre qui clot l’album. Des passages mélodiques surprenants gagnent en puissance avant de se dissoudre dans un flou passager. Une sonnerie glitch devient plus forte, grattant des messages dans la poussière comme un avertissement avant d’être étirée et déchirée. Brandal a créé un monde complexe et détaillé sur Primal, mais avec son odeur de désolation et de méfiance, il apparaîtra comme un spectre dans l’obscurité moisie.

***1/2