Rhye: « Home »

24 janvier 2021

Une nouvelle année s’annonce avec de nouvelles musiques et le quatrième album de Rhye, Home. Nous savons tous que 2020 a été une année qui nous a obligés à rester à la maison, y compris Rhye (Michael Milosh). Il est donc tout à fait approprié que l’album ait été inspiré par le fait d’y devoir créer de nouvelles routines grâce à Secular Sabbath, une série d’événements en direct que Rhye a contribué à créer et qui met l’accent sur la méditation, la communauté et la pratique d’une musique d’ambiance consciente et sensibilisante à laquelle des artistes tels que Diplo ont participé. Les événements en direct ayant été annulés, Rhye a dû les diffuser depuis chez lui, et c’est là que l’album a vu le jour.

Home nous emmène immédiatement au milieu d’une église alors qu’une chorale se tient danslun chœur en fredonnant « Intro » et dégage une inspiration religieuse. Une chose est sûre : cette voix sensuelle qui se confond avec celle d’une femme restera toujours la même. Cela fonctionne à chaque fois. Les violons font un début précoce avec des cordes filiformes qui entraînent un piano autrefois plein d’entrain dans une fin lente et brûlante. Rhye est séduisant dans « Beautiful », où il demande à son amante ce qui suit : « Belle femme, oh bébé / Passe ta vie avec moi / Vas-tu respirer / Vas-tu te souffler en moi ? » (Beautiful woman, oh babe / Spend your life with me / Will you breathe / Will you breathe yourself into me?) Et il espère que son amante lui dira oui. Cette intimité profonde se retrouve dans chaque morceau que Rhye a produit ; ce sentiment de voir l’âme de quelqu’un est exactement ce que l’on ressent lorsque Rhye chante.

« Hold You Down » semble être le titre le plus expérimental en termes de synthétiseurs. Une guitare subtile et profonde fait son apparition – elle pourrait facilement se fondre dans  » »I Want You (She’s so Heavy) » d’Eddie Hazel avec un changement de note important – ce qui taquine l’auditeur car elle s’allonge à chaque note. « Oh, I’m loving this feeling / Oh, I’m loving this » est exactement ce que l’on ressent vers la fin de la chanson alors que la guitare est lentement emportée par ces délicieux fredonnements que nous avons entendus auparavant, nous rappelant le Sabbat.  

Dans le morceau « Helpless », Rhye montre clairement que c’est lui qui fredonne les tons angéliques cette fois-ci. « Les choses que je fais pour toi / Ecrire un million de chansons d’amour, hey, hey / Naviguer vers mon coeur / Viens avec moi, s’il te plaît / Donne-moi du coeur, donne-moi de l’amour, donne-moi de la rage » (Things I do for you / Write a million love songs, hey, hey / Sail out to my heart / Come with me, please / Give me heart, give me love, give me rage), montre que Rhye est en pur schéma de miséricorde pour son amante. Il veut tout d’eux, et ce thème de la nostalgie est profondément ancré dans les racines musicales de Rhye.

Les rythmes funky et la danse disco ne sont pas des éléments nouveaux pour Rhye, puisqu’il a déjà joué avec ces éléments dans des œuvres antérieures. « Black Rain » commence par un tourbillon familier d’éléments disco, et c’est ma chanson préférée sur Home. Les paroles « So, don’t go running / Just cause a little black rain / Just give me something, » montrent que Rhye n’a pas peur d’affronter les choses avec ceux dont il est amoureux tant qu’ils essaient.  « Sweetest Revenge » maintient l’élan et dégage un glamour disco Donna Summer avec des cordes de violon vibrantes et éloquemment placées.  

Le mouvement dans la musique de Rhye va et vient par à-coups dans Home, un album rempli de mélodies groovy et de rythmes ambiants apaisants. Il y a une certaine cohérence dans la façon dont il lache sa voix apaisante sur des mélodies soyeuses et artistiques telles que « Safeword », « Need a Lover » et « My Heart Bleeds ». La seule incohérence réside dans l’incapacité de bien imbriquer chaque morceau lors de la transition. La transition de « Black Rain » à « Sweetest Revenge » passe d’une douce soirée dansante à un soudain retour en arrière dans un coin avant de se détendre. La transition de « My Heart Bleeds » nous fait tourner en rond pour nous jeter dans de tristes murmures de piano sur « Fire ».

« Fire » est la chanson la plus triste de l’album. Rhye se présente comme un mendiant, chantant « Just give me your time baby / Show me words / Sing me a song baby » (Donne-moi un peu de ton temps bébé / Montre-moi des mots / Chante-moi une chanson bébé), et les touches du piano semblent attendre une réponse qui ne manquera pas de nous briser le cœur. Le dernier morceau, « Holy », fixe ma vision initiale de l’album avant que nous n’atteignions l’outro. Ce n’est que lorsqu’il chante « Ne sois pas saint pour moi / Ne sois pas si bon / Tu es dans ma tête / ton goût me traverse / tu es sur le bout de la langue » qu’on se rend compte que cet album est une dévotion à son objet de désir. Ces voix angéliques que nous avons entendues au début semblent signifier que Rhye nous donnait un aperçu de sa version du paradis. Nous entendons à nouveau ces voix angéliques sur « Outro » » et elles me font sortir de l’église.

La maison est la plus belle sensualité dans son ensemble. Cet album est un ajout séduisant à votre bibliothèque. Il touche les parties les plus intimes de soi-même et tout en dynamisant chaque membre extérieur. Home se sent comme une femme modernisée. Malgré les vibrations religieuses qui sont captées, l’album n’est pas destiné à être une expérience religieuse car il n’y a aucun lien avec une quelconque religion. C’est ce qui fait que, quelle que soit, votre confession, ceci est un album à écouter « religieusement »

***1/2


Distant Animals: « Constancy blooms: an abridged history of Rust »

23 janvier 2021

Distant Animals est le projet audio de Daniel Alexander Hignell-Tully, artiste du son, vidéaste et compositeur, réalisé au Royaume-Uni.

Après avoir publié ses œuvres pour des labels importants tels que Hallow Ground, NomadExquisite, Infinite Sync, Engram, Norient et Triple Bath, il arrive sur le label napolitain Liburia Records avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust, réalisé avec l’aide de Colin Tully au saxophone, Kevin Nickells au violon, à la guitare, à la voix et aux percussions et John Guzek au violon et au cor.

Intrigant et éclectique, Constancy Blooms : An Abridged History of Rust est divisé en deux longues suites, chacune d’une durée de 28 minutes, et dans lesquelles Hignell explore le développement de nouvelles techniques de composition et de sites spécifiques.  L’album est difficile à placer : à l’intérieur de celui-ci, musique concrète, classique contemporaine, free-jazz et synthèse électronique coexistent, divisés en deux courants en constante évolution qui reflètent le caractère des lieux où les enregistrements ont été réalisés.

Le premier morceau, « Outer », est soutenu par un léger son de synthétiseur modulaire qui donne l’impression de flotter. Progressivement aidé par le son des cors, le ton s’assombrit donnant vie à un premier contraste entre l’âme free-jazz et l’âme électronique de la composition. Peu à peu, les sons durs s’estompent pour laisser place à une couverture de bourdons qui agit comme une colle avec les sons dramatiques des instruments acoustiques jusqu’à ce que la moitié du morceau révèle l’âme numérique de Hignell. Il est intéressant de voir comment, dans le morceau, Hignell parvient à placer un phrasé de guitare classique sans être une note discordante dans un kaléidoscope de sons comme « Outer ».

Le deuxième morceau, Inner, commence par un tapis d’ambiance léger au rythme bien marqué. Ensuite, les sons déformés et le bruit du grattage des différents éléments acoustiques entrent en jeu, s’imbriquant pour obtenir une texture acousmatique complexe et fascinante, pleine de tension et de secousses. A mi-parcours seulement, le son est atténué par les notes douces et enveloppantes du piano. Une fois de plus, le morceau change de forme et devient une composition pour piano écrasante avant de muter en une masse de sons noirs, denses et viscéraux qui concluront le morceau.

Avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust Distant Animals utilise les notions de mémoire et de symbolisme culturel pour produire une œuvre qui se nourrit de contrastes, composée de nombreuses pièces différentes qui vont constituer un puzzle unique.

***1/2


Ralph Kinsella: « Lessening »

20 janvier 2021

Ralph Kinsella est un guitariste, compositeur et musicien électronique originaire de Dumfries & Galloway, dans les Southern Uplands d’Écosse. Bien que les sites de voyage ne manquent pas pour en souligner les attraits, Kinsella y voit un espace liminal et marginal … où l’Écosse rurale et semi-rurale rencontre inconfortablement les zones urbaines » une caractéristique qui, selon lui, se reflète dans sa musique.

« Le bled, entrecoupé de fragments de débris et de lampadaires vacillants de lotissements. Ces lieux (et l’exploration artistique de ces lieux) imprègnent mon travail ».

Cette perspective s’exprime pleinement sur un nouvel album intitulé Lessening qui s’inspire du parcours de Kinsella dans le rock indie lo-fi et le shoegaze tout en s’aventurant dans des territoires plus obscurs illuminés par des influences allant de la pionnière de la musique électronique Elaine Radigue au légendaire guitariste expérimental Loren Connors.

Le résultat est une sorte de frontière musicale où les paysages sonores abstraits et autres détritus sonores occupent l’espace aux côtés de formes mélodiques accessibles et du trône rassurant des guitares acoustiques et électriques. C’est un concept ambitieux, mais Kinsella le réalise avec brio et crée ainsi un lieu qui lui est propre et dans lequel vous souhaiterez sans doute vous attarder également.

***1/2


Astralseid: « Shamanic Love »

19 janvier 2021

Le duo de musique électronique nordique Astralseid sait vraiment comment plonger dans sa propre conscience et regarder « hors du monde » pour trouver l’inspiration. Le nouvel album Shamanic Love ne comporte peut-être que quatre titres, mais ce sont de longs morceaux d’énergies intrigantes et primitives qui se construisent et se laissent tomber à travers des chants hypnotiques et des rythmes lourds.

En commençant par  « Shadow Love » (le morceau le plus court du disque), nous entrons dans un monde imprégné de transes alors que les chants hypnotiques et les réverbérations, les flux atmosphériques se courbent et s’étendent, développant une base avant qu’un rythme lourd et bas ne commence à tout faire tenir. L’énergie grandit et se développe à mesure que la piste avance et un rythme de tambour plus direct entre en jeu lorsque la piste s’anime. Ce sont des sons cosmiques et éthérés qui vont et viennent avec le contenu de la piste pour reculer si nécessaire afin de laisser une autre couche prendre le dessus et se reconstruire en un autre crescendo sonore. C’est un ouvreur hypnotique qui vous permet de savoir à quoi vous attendre du reste du disque.

« Skydance » emprunte davantage à l’atmosphère dansante des années 90, où les rythmes entrent presque immédiatement en contact avec un riff de synthèse qui se répète et qui prend de l’ampleur au fur et à mesure que le morceau se poursuit. Presque à mi-parcours, nous avons un ralentissement et une montée en puissance intrigants qui pourraient être un peu plus polis, mais qui aident à créer quelque chose de différent et à passer à une section arrière plus dépouillée où la batterie et le chant prennent le devant de la scène. « Liberty » plonge ensuite à nouveau dans l’éther alors que des sons inquiétants et redoutables s’échappent de la piste, sonnant comme les scènes d’ouverture d’un film extraterrestre à l’atmosphère de l’espace profond. Le drone se rapproche de ce son de danse des années 90, tandis que les bruits sourds et les synthés rapides se construisent et se balancent. C’est probablement le morceau le plus nuancé du disque, à la fois cinématographique et brumeux, qui puise dans différents genres et idées pour accomplir son voyage. 

« Awakening » clôt le disque, en continuant dans la même veine que le morceau précédent avec des sous-entendus sombres et une construction lente et régulière. Parfois, on a l’impression que le morceau pourrait fonctionner un peu mieux s’il était plus court et plus serré – les 10 minutes de durée du morceau peuvent sembler un peu laborieuses par endroits. Vous pouvez voir ce qu’ils essaient de faire en construisant un arc d’histoire sans paroles, et pour la plupart, cela fonctionne et vous garde intrigué. 

Si vous n’êtes pas en phase avec ce type de musique mystifiante et primitive, alors Shamanic Love d’Astralseid sera une écoute différente, mais si vous pouvez vous asseoir, vous détendre et vous laisser emporter, il vous emmènera en voyage. C’est une musique pour quand vous êtes dans un certain type d’humeur et un certain type d’espace de tête qui développe lentement des idées et des connexions d’une manière intrigante et cosmique. Elle permet à l’auditeur de se replonger dans son propre esprit.

***1/2


Joshua Van Tassel: « Dance Music Volume II: More Songs For Slow Motion »

19 janvier 2021

More Songs For Slow Motion, comme beaucoup de « collègues » de Van Tassel de ce côté-ci de la grille musicale, reconnaît et embrasse le besoin actuel d’instantanéité. Il flirte entre deux côtés ; le premier est principalement la lamentation, une mélancolie vaguement définie qui hante la plupart des morceaux ici avec perte et creux. L’autre, ce sont les brefs moments de répit, l’amour et la lumière rayonnante en contrepoint, la préciosité en manque.

Comme l’explique l’introduction « Muttering Spells », on sent ici le besoin de magie, l’absence de quelque chose de spécial et le désir ardent de retrouver la lenteur et la beauté. Le rare instrument qu’est Ondea marque ici son entrée avec ses tons synthétiques chantants et peints, peignant des espaces inconfortables qui se remplissent de cordes complémentaires dans une brève visite de l’éthéré morne. Il existe cependant comme une sorte d’aberration, car son orthographe affecte quelque chose de « Conjuror-er », le deuxième titre.

Ici, le mouvement commence à se développer, l’espace commence à se former, les débuts cinématographiques donnent naissance à des hauteurs pleines d’espoir alors que de luxuriantes sources de cordes s’élèvent au milieu de la lueur vacillante de l’arpégiation électronique propulsive. Moins au ralenti et plus à pleine vitesse, il se précipite prêt à exploser de dynamisme, mais son enthousiasme est insoutenable et il passe plusieurs dernières minutes perdues dans le marasme de la rémanence, les moments de distance et d’immobilité n’étant que trop courts.

Avec les suites creuses et aux yeux vitreux de « Their Love Was Alive Before They Were Dead » et la spécieuse « Eternal Turtle », on a l’impression que la lumière est hors de portée, qu’elle ne reviendra jamais. Jusqu’à ce que « Shadows Smile For You » arrive avec ses scintillements ondins ultra-délicats et ses drones aériens. Des possibilités se font jour et de fragiles espoirs s’épanouissent, se retirant à tous sauf aux synthétiseurs les plus prudents, craignant de briser la magie du moment.

Avec les évocations au piano de « Their Hands on Their Hands », qui posent de nouvelles bases dans l’intimité, l’album culmine dans les belles hauteurs de « Nest of Light ». Les textures calmes d’Ondea définissent la palette, coexistant avec douceur avec les violons qui montent et le piano doux. Aucune voix ne s’élève au-dessus des autres, le morceau s’épanouit simplement avec éclat à son propre rythme. Son nadir ne fait que susciter la passion, ses douces étreintes se densifiant en des énergies de bourdonnement qui inondent les sens d’un amour bref mais bouleversant.

Il est beaucoup de gens qui semblent incapables d’exister sans une certaine forme de distraction, que ce soit de la musique ou un téléphone, et qui vivent leur vie avec un degré de séparation du monde. Lorsque nous commençons à nous débarrasser de ces choses, nous nous engageons dans une plus grande intimité avec les choses qui nous entourent, le paysage, la faune, les gens. Il peut être inconfortable d’affronter la perspective de passer du temps avec soi-même, de réduire sa concentration à une tâche ou à une personne à la fois, de se consacrer plus singulièrement et plus patiemment, mais on récolte ce que l’on sème. Des pensées plus mesurées, des actions plus réfléchies, des liens plus profonds : voilà la clé de Songs For Slow Motion.

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Cuts: « Unreal »

30 décembre 2020

Unreal a été écrit en grande partie pendant le confinement et l’isolement, dans la banlieue de Bristol, en mars 2020. Il se veut est un livre à l’avant-garde de la société et de la vie contemporaine, qui n’a pas peur d’affronter les problèmes d’aujourd’hui. En fait, il va à la jugulaire.

Par le passé, CUTS (le musicien et cinéaste Anthony Tombling Jr.) a conçu des albums conceptuels autour de l’Anthropocène et de la paralysie du sommeil, mais cette fois-ci, Unreal s’attaque à la pandémie COVID-19, à la montée du populisme et à ses effets sur la société (tant au niveau national que mondial), et aux tactiques de désinformation. Sa musique est un exutoire cathartique et une rage contre le système actuel. Par la musique, CUTS exorcise et purifie l’air. Les sons industrialisés et les rythmes électroniques dispersés, lourds comme des mitraillettes, se heurtent à une force émotionnelle directe, et une fois que les premières distorsions de « R U OK » ont mis les choses en place, elles s’amplifient à partir de là, établissant le modèle pour le reste du disque. Les rythmes donnent des coups de pied très puissants (et le disque a un côté plus dur), et l’électronique est imprégnée du poison du venin. Les voix flottantes coupent la brume, mais elles sont maîtrisées et dominées par le rythme… On pourrait dire que les voix sont presque sous leur propre verrouillage strict, celui créé par la mélodie toute puissante et la police rythmique générale. 

 « J’ai toujours réagi à mon environnement, et beaucoup des thèmes que j’explore sur Unreal tournent autour de la crise climatique, des pandémies et de la montée terrifiante des orateurs de droite ».

Tombling a déménagé dans une maison isolée trois jours avant l’introduction de la fermeture du printemps. Il n’y avait ni téléphone, ni internet. La musique est devenue son pain quotidien. Cela a conduit à un son plus concentré et plus direct. Émotionnellement brut, anxieux, avec des niveaux de stress qui crèvent le plafond et beaucoup de frustration, Unreal est un disque nécessaire et pertinent. Les voix peuvent s’élever au-dessus des rythmes du punchbag grâce à leur son de vocodeur plus léger, s’élevant plus haut dans les airs avant d’être ramenées sur terre à travers les mailles collantes de l’électricité statique et les creux de la distorsion épaisse et boueuse, mais les voix ne restent pas longtemps en place. Unreal met le doigt sur le pouls du monde. Il est capable d’une fusion euphorique tout en étant mentalement endommagé par les événements récents, s’avérant être brutal et mélodieux, et se sentant en quelque sorte comme un animal plus rude pour la rencontre avec 2020. La musique d’Unreal doit être entendue, conçue et influencée par l’état actuel du monde.

***1/2


Lauren Bousfield: « Palimpsest »

7 décembre 2020

Ces derniers temps, il nous a été donné de réfléchir longuement à notre relation avec les médias sociaux. Leur plus grand pouvoir, la capacité à mettre en lumière des sujets considérés comme sous-représentés, voire tabous socialement, n’a d’égal que leur potentiel de destruction et la force des fourches anonymes qui brandissent des légions. Ces chambres d’écho aident ainsi à magnifier les questions relatives aux minorités, ce qui est devenu à la fois une bénédiction et une malédiction, en mettant en lumière l’ignorance de la société, tout en exigeant une action à une échelle exagérée.

Ce qui est intéressant dans la musique électronique, à un niveau général, c’est qu’elle semble avoir évolué au rythme du monde moderne. Le BPM a été poussé vers le haut au fil des ans, des genres comme Glitch et Industrial sondant toujours plus loin les limites de l’agression pour correspondre à la férocité qu’une vie électronique a imprégné en nous. À mesure que la ferveur des aléas de l’Internet s’est accrue, que la patience a diminué et que les binaires politiques se sont enracinés, la musique de l’époque s’est développée avec elle.

Même le dernier album de Lauren, Avalon Vales, sorti en 2013, semble presque apprivoisé maintenant, et ce n’était pas un hasard. Mais qui parmi nous peut dire qu’il n’a pas changé en sept ans, qu’il n’a pas été aspiré dans le broyeur numérique et qu’il n’a pas craché l’autre côté après avoir été fomenté par des diatribes électroniques ? Malgré une certaine résistance, on se retrouve toujours prisonnier du discours amer et colérique de ce monde moderne, et , puisque c’est ca, voilà le son quii en est la résultatnte.

Palimpsesten déborde, à tel point que prendre des notes mentales pendant les 31 minutes de son écoute est un exercice fiévreux, les idées s’y déversant comme une avalanche, forcés par l’assaut des sentiments et des textures qui tombent du disque. Malgré le rythme fiévreux, l’action était fluide, pratiquée, comme si on savait instinctivement ce que le disque voulait exprimer, avant même qu’il ne soit terminé..

Il y a deux pics dans Palimpsest : le premier est « Clean Strategic Narratives With Relatable Messaging Murder Them Violently Make Their Children Watch ». Comme dans tous les morceaux, en contradiction avec son matériel précédent, les voix sont complètement perdues dans le mixage et le traitement, une force d’appui supplémentaire imprégnée de sens et de valeur mais perdue au milieu du raz-de-marée de bruit qui l’entoure. Sa vitesse augmente prudemment, jusqu’à un point de rupture inévitable, quelques coups de piano prudents font la transition vers une explosion hallucinante de pépins stroboscopiques et d’électronique, qui se transforme en un bruit torturé qui éclate aux coutures dans l’angoisse.

Le second est le « single » en pré-édition « Crawling Into A Fireplace Cackling », qui contient certains des éléments de base du premier, des rythmes cristallins et des crescendos prudents ; en fait, c’est probablement le morceau le plus rythmé et le plus développé ici. Il consacre sa portée à un sommet déformé, guidé comme il l’est par sa propre boussole interne et des forces externes, pivotant dans des violons staccato qui poignardent sans relâche avant de sombrer dans l’oubli, poussé au bord de la surcharge de texture spasmodique.

Le reste du disque se situe n’importe où dans le spectre de suggestif à modérément extrême, et la plupart du temps avec des durées d’exécution limitées, en raison de la courte durée d’attention de la modernité. « Another World Is Possible – Presented by US Bank » est le morceau le plus réducteur du lot, coulé dans des synthés bizarrement groovy mais rampants, coulant avec des tons boueux.

Quelques morceaux ont une atmosphère de vieille école comme « Futurelessness » où les chants croassés, tenus juste à la surface, et les diverses électroniques se déplacent avec des mouvements massifs familiers mais sans ordre du jour précis. « Adraft » » s’inscrit dans la même veine que les paroles d’autrefois, qui se glissent derrière le voile de percussions lourdes et de synthés en plomb, des sentiments encadrés mais à peine perceptibles derrière l’idéologie. Il en va de même dans l’avant-dernier « A Joke Poorly Told » de 4 minutes, où le bombardement est abandonné au profit d’un son de la vieille école qui broie l’orchestration légèrement, agréablement, en paillis. La franchise, même à son apogée ici, se trouve subsumée par des méta-couches de sens et malgré son audace dans la présentation, elle ne semble pas pouvoir percer sans être interrogée.

Palimpsest est un excellent titre pour quelque chose qui se trouve rempli de sentiments et d’idées qui doivent constamment se battre et écraser non seulement ce qui l’entoure, mais aussi lui-même. Dans un monde où nous nous retrouvons sans cesse à lire ce que les autres pensent (en soi des sables mouvants de la pensée), comment pouvons-nous trouver la clarté de nous-mêmes au milieu de cette densité ? Comment pouvons-nous utiliser notre voix pour le changement alors qu’il n’y a déjà plus de place pour elle ? Où s’arrête l’idéologie et où commence-t-elle ? Il y a parfois une colère justifiée ici, mais est-elle la nôtre, luttant à la fois pour et contre cette masse d’énergie tribale. C’est un assaut confus et fulgurant, et il est brillant.

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PlanetDamage: « Relapse Protocol »

20 novembre 2020

Le premier album de Planetdamage, Relapse Protocol, suit en grande partie une formule électro-cyberpunk qui est, du moins en apparence, très familière. Des lignes de synthétiseurs et des motifs de batterie pulsés sont le lit sur lequel sont posés des monologues angoissants, à demi criés et légèrement déformés sur la politique et l’état du monde, infusés de frustration et de détermination. Ce sont les paroles qui sont placées au centre de la scène, tandis que l’électronique est surtout là pour fournir un cadre et un sentiment d’urgence.

L’affirmation de « Kompromat » selon laquelle l’histoire est truquée, « Hi Rez Lo Life » qui s’intéresse à l’Internet et aux médias sociaux, parle de « pay per click » ou « Vex » qui a recours à la désignation d’une sélection de multinationales à considérer avec suspicion en sont des exemples alors que ‘The Mark » utilise le chant de questionner l’autorité, un message qui atteindra que ceux qui le font déjà. On n’est pas forcément en désaccord avec de telles affirmations mais on les voudrait moins maniérées.

Aussi, bien qu’il soit relativement court (40 minutes), l’album finit par être un peu dramatique et d’une seule ntonalité. Le fait que les pistes soient enchaînées de manière fluide crée parfois un mouvement intéressant mais il ne sert malheureusement qu’à mettre en évidence les similitudes excessives de ton et de rythme entre chacune des plages. La voix y est, en outre, toujours la même, a tendance à banaliser le message qu’elle tente de transmettre. Ajoutons un manque flagrant de drame dans le discours, tant au niveau des paroles que de la musique : les synthés sont légèrement agressifs mais n’ont jamais vraiment fait parler d’eux, et les remplissages et les chutes sont clairsemés, secs et simples. Ainsi, l‘ouverture de « Regret Gunner » est prometteuse, puis s’aplatit très vite. Sans vouloir se plier à la culture populaire dominante, quelques riffs plus forts n’auraient pas été de trop, en particulier quand des bribes de techno sont à l’honneur (« Firewalls »ou les tons légèrement acides de « The Mark »)qui manquent trop caractère distinct et perspicacité lyrique pour pouvoir gagner en écoute et popularité..

**1/2


Drew McDowall: « Agalma »

6 novembre 2020

L’œuvre solo du compositeur électronique écossais Drew McDowall existe dans l’ombre de ses contributions à Coil ; en tant que membre pendant leur période prolifique du milieu à la fin, et l’un des responsables du catalogue après la mort de Peter Christopherson, l’œuvre de McDowall sera inévitablement toujours comparée et liée à celle du légendaire groupe industriel. Que cela dérange ou non McDowall (et il y a de bonnes raisons de croire que ce n’est pas le cas, comme en témoigne sa tournée Time Machines et son travail pour Dais sur les différentes rééditions qu’ils ont entreprises), cela détermine le nombre d’auditeurs qui abordent tout ce qu’il fait de nouveau. Dans le cas de son dernier opus, les liens subconscients et conscients avec son travail passé sont en fait un atout : plus que toute autre musique qu’il a encore publiée sous son propre nom, Agalma convoque la majesté, la beauté et les états émotionnels dissociatifs de cet héritage.

Les drones sont les éléments constitutifs d’Agalma et sont à la fois intimes et étrangers. Il est réconfortant d’entendre le son familier que McDowall appelle à travers eux, les sons profondément impassibles qui sont animés par des ondes profondes de modulation subtile et de traitement direct. En effet, il y a une réelle physicalité et un véritable portance à ces sons profonds synthétisés et échantillonnés qui leur donnent un volume d’écoute presque physique. La tension entre leur nature ouvertement synthétique et la rareté de leur arrangement et leur chaleur et expressivité fournit une riche base émotionnelle sur laquelle McDowall et ses collaborateurs peuvent s’appuyer. Il n’est pas surprenant que ce soit un disque quelque peu mélancolique dans l’ensemble, bien qu’il y ait des nuances bien définies : le pressentiment et finalement la libération cathartique dans la construction au ralenti de la collaboration avec l’expérimentateur multi-instrument Robert Aiki Aubrey Lowe sur « Agalma III » est distinct de l’inquiétude bruyante de « Agalma VI ».

C’est souvent dans la nature des nombreux effondrements de l’album que l’on comprend le mieux la touche de McDowall en tant qu’arrangeur et compositeur. « Agalma II » parle à la fois de son approche lente de l’assemblage des chansons et du séquençage complexe et évolutif du travail de la synthétiseuse italienne Caterina Barbieri, trouvant une riche complexité interne qui s’approfondit émotionnellement à mesure que le morceau progresse. En revanche, « Agalma V » trouve que McDowall se synchronise avec les compositions méditatives et minimalistes de Kali Malone d’une manière qui fait un usage inquiétant de la proximité, ses sons existant à un poil de distance les uns des autres sans jamais se fondre dans le mélange. Le moment triomphal du disque est l’imposant « Agalma VII (Toyor El Janeh) » de neuf minutes, où les efforts du beatmaker jordanien Bashar Suleiman, de l’artiste sonore et chanteur Elvin Brandhi et du producteur-chanteur saoudien MSYLMA sont tissés ensemble en un merveilleux ensemble, s’invitant puis se perdant dans un vaste et inconnaissable univers sonore.

Malgré toute l’abstraction et la portée d’Agalma, ce n’est jamais un disque qu’on ne peut pas saisir, sentir et expérimenter. Il y a un confort très humain dans ses salles, ses passages et ses recoins, et une tangibilité à l’aide qu’il peut apporter. Avec lui, Drew McDowall a réalisé un disque qui non seulement affirme ses contributions considérables au dernier quart de siècle de musique et d’expérimentation industrielles et post-industrielles, mais qui se trouve aux côtés de certains des grands disques de cette tradition. Agalma est aussi profond et fascinant qu’il est mystérieux et numineux. Hautement recommandé.

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Yui Onodera: »Ray »

3 novembre 2020

Enrichi de ses diverses collaborations, le parcours de Yui Onodera l’amène aujourd’hui à envisager une orientation musicale un peu différente. Délaissant son ambiance plutôt homogène, l’artiste japonais opte pour une approche plus fragmentée, portée par des composantes électro-acoustiques et un piano préparé. La filiation est d’ailleurs bien présente puisqu’il s’agit, ici, de livrer la bande-son d’un prochain film sur John Cage.

Bien que nous ne soyons pas vraiment en présence d’un décalque du compositeur minimaliste, la dimension percussive des différents instruments utilisés (piano préparé, donc, mais aussi des matériaux plus aquatiques ou lumineux, ainsi que des formes numériques de pizzicati à cordes) se retrouve régulièrement sur le disque. De plus, on semble se retrouver, par endroits, face à un harmonica de verre, ou à un vibraphone (« Rayon 6 »).

Toutefois, le Japonais sait aussi faire s’épanouir des climats arythmiques, offrant de charmants petits bouts de mélodie et une atmosphère primesautière (« Rayon 7 »), ou plus rétro-futuriste et, là encore, des contours un peu aquatiques (« Rayon « 9). A la fin del’album,une fois explorées différentes sections électro-acoustiques, mêlées à une belle ambiance lumineuse, Yui Onodera invite Robert Lippok (de To Rococo Rot) à relire le titre d’ouverture, sans les tapotements du piano, conjuguésà des touchers un peu plus présents en arrière-plan, en un bel élan conclusif… et concluant.

***1/2