Young Girl: « The Night Mayor »

26 octobre 2020

S’inspirant clairement des pionniers de l’électronique expérimentale, Autechre et Aphex Twin, cet ensemble australien évoque un paysage de rêve surréaliste semi-éponyme sur The Night Mayor à travers une musique complexe et parfois déroutante.

La première moitié de cet album est une affaire constamment en panne qui semble incapable de rester en place ou de contenir sa propre masse d’idées. Des bips désorientants et des rafales de percussions chaotiques accompagnent des synthés sauvages et ludiques sur le morceau d’ouverture « Vomit Nightmares », qui ressemble à un ordinateur rétro qui essaie de gagner en sensibilité sans y parvenir. Même lorsque les choses deviennent un peu plus atmosphériques sur « The Low Men » pa rexemple, avec des synthés à la fois chauds et troublants, les rythmes énergiques et entraînants restent.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie tremblante n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé.

« The Red Birds » est un voyage malicieux dans un monde sonore psychédélique, et « Toilet Nightmares » continue de s’entasser dans tous ses interstices malgré son pouls plus lent. « Codeine » »est un peu comme un tournant, qui ramène les choses à une simple boucle hypnotique qui laisse place à un passage de guitare joyeux, qui agit comme un pic parmi les vallées de bizarrerie de l’album, et qui ouvre un chemin pour les morceaux restants.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie agitée n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé. Il y a encore des bords effilochés sur des morceaux comme « Frustration Nightmares » »et des sous-entendus perturbés de façon appropriée aux sons ambiants apaisants du duo de clôture « Sleep Paralysis » et « wake up… », mais, à ce stade-là, on a l’impression générale qu’un certain calme médicamenteux a été atteint.

***1/2


Ela Minus: « acts of rebellion »

24 octobre 2020

Ela Minus, artiste basée à Brooklyn, a souvent qualifié son oeuvre de « musique lumineuse pour les temps sombres ». Ces « temps sombres » sont omniprésents dans les circonstances actuelles à travers le monde, où une grande partie de la musique qui sort peut être considérée comme assez sombre et décourageante. Mais cesacts of rebellion,le premier album de Minus, produisent indéniablement un sentiment élevé de curiosité optimiste.

Ayant beaucoup travaillé comme « assembleuse de synthétiseurs », Minus possède un vaste savoir associé à ces appareils électroniques ; c’est pourquoi l’album a été créé uniquement à l’aide de synthéts qu’elle a conçus et construits elle-même. Enregistré dans son home studio, l’appréciation d’Ela Minus pour une variété de genres divers lui permet de donner une tournure unique au genre électronique épuisé pour créer 10 voies distinctes sur lesdits actes de rébellion.

« N19 5NF » désenchante domme il se doit l‘introduction à l’album, principalement en raison du manque de voix, ce dont la musique électronique a désespérément besoin pour pouvoir se connecter avec l’auditeur moyen. Ceci est favorisé par l’instrumentation limitée, qui exprime une sensation et un timbre typiquement associés à la conclusion d’un morceau. « N19 5NF » est le code postal britannique du Whittington Hospital, et c’est ainsi que cetitre d’ouveture se rachète – la construction progressive de sons de synthétiseur plus aigus au moyen du plugin Soundtoys Crystallizer transmet le sentiment de méconnaissance et d’éparpillement communément associé aux hôpitaux.

L’expression « ils nous ont dit que c’était difficile, mais ils avaient tort » (they told us it was hard, but they were wrong) donne à l’auditeur un sens de l’orientation plus clair que l’opener car nous est incluse la voix de Minus tout au long de l’enregistrement, ce qui permet au public de trouver un moyen de se rapprocher d’elle. Le contenu des paroles de ce morceau s’aligne sur le mantra de l’auteur de la chanson « une musique lumineuse pour les temps sombres » ; elle élève l’auditeur avec des paroles telles que « vous voyez comme cela devrait être facile » (you see how easy it should be) et « tout le monde nous a dit que c’était difficile mais ils avaient tort ». Un sentiment électronique beaucoup plus profond émane de « el cielo no es de nadie » – on dirait presque une pièce de danse. Le son de clavier que l’on entend tout au long de la composition juxtaposé à des synthétiseurs distincts, rappelle beaucoup celui du groupe allemand Kraftwerk, don Minus a souvent déclaré qu’il était l’une de ses plus grandes influences. Ces sons à la Kraftwerk poussent encore plus loin l’accent important mis sur l’électronique dans le titre.

Comme son nom l’indique, « megapunk » diffuseraun sentiment d’angoisse ; il traite de motifs lyriques qui résonnent en accord avec l’actualité mondiale, comme dans la première ligne, « We can’t find a reason to stay quiet ». Avec un backbeat menaçant et des lignes de synthétiseur fortement compressées, cette chanson développe une puissance copieuse et un grand degré d’énergie, permettant à Minus de poursuivre cette sentimentalité punk.

Comme le morceau qui nous a fait entrer dans le monde des acts of rebellion, « pocket piano » se contente d’un point médian insatisfaisant. Le morceau ne renonce pas à son origine, ce qui lui donne un peu l’impression de ne pas être à sa place. Cependant, le morceau suivant, « dominique », remet l’album sur les rails. Une fois de plus, elle démontre sa capacité unique à jeter un éclairage différent sur un genre fortement homogénéisé. Elle le fait grâce à la composition de lignes de synthé excentriques et superposées. L’une de ces couches est un son qui imite une percussion d’acier, ce qui renforce cet élément de curiosité et d’individualité mis en avant dans les actes de rébellion.

Le morceau suivant, « let them have the internet », est un autre instrumental, le plus fort de l’album. Il n’a pas la pléthore de couches auxquelles nous sommes habitués sur la première moitié des acts of rebellion, mais il le fait à son avantage, car l’absence d’instrumentation détaillée communique une qualité quelque peu cinématographique dans le morceau. Il fonctionne efficacement comme une introduction prolongée au morceau suivant, « tony ». Cette chanson a été enregistrée entièrement en espagnol, ce qui montre la capacité de Minus à donner son éclat distinctif au genre électronique. Une fois de plus, les sons et textures peu familiers produits par les synthétiseurs sur ce morceau sont assez évocateurs de Kraftwerk, ce qui donne au morceau son propre éclat inimitable.

« do whatever you want, all the time » est encore un autre morceau sans paroles, mais il est différent de ceux qui l’ont précédé dans la liste des instrumentaux. Il s’agit d’un titre sans couture ni ossature, qui pourrait être considéré comme idéal pour la détente, et qui démontre encore plus le mantra de Minus. Les synthétiseurs minimalistes se mélangent pour générer leur propre domaine, ce qui lui permet de se démarquer véritablement des autres morceaux de l’album. 


acts of rebellion s’achèvent avec le bien nommé « close », mettant en vedette le futur artiste Helado Negro. Sa voix agit presque comme un antidote à celle de Minus », ce qui leur permet de se contraster magnifiquement. Il est notamment plus énergique que les neuf morceaux précédents, principalement en raison de la présence accrue de la voix et du battement des tambours. C’est une fin satisfaisante pour cet album inventif qui fait partie, en effet des acts of rebellion.

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Legowelt: « Unconditional Contours « 

10 octobre 2020

Pour Unconditional Contours, Legowelt a obtenu un accès pratique rare aux 5000 synthés, orgues, boîtes à rythmes et unités d’effets du Musée Suisse des Instruments de Musique Electronique (SMEM) – mais avant de vous emballer, sachez que cet accès ne soit disponible que pour leurs artistes en résidence. Le résultat est une série de dix morceaux expérimentaux assez courts qui présentent différents synthés, les citant souvent par leur nom dans les titres des morceaux, mais qui, pour la plupart, se présentent aussi comme un album à part entière.

Les morceaux tels que « Unconditional Contours Memory Moog » et » »Swiss Fairytales » ont un côté « rêve de mandarine » inévitable, bien que le morceau le plus long ne dépasse guère les quatre minutes, il y a une certaine statique : chaque morceau ressemble à une vignette sonore d’un arrangement particulier de boutons et de cadrans, et aucun d’entre eux n’est vraiment autorisé à évoluer et à progresser de façon continue. Letitre « Evolution EVS-1 ProMars and Prophet » possède une mélodie absolument charmante, mais elle est à peine plus longue que son propre titre.

Elle est certainement influencée par la dance et la dream-music. Les boîtes à rythmes sont mises à contribution dans des morceaux comme « Chateaux Dans Le Ciel Farfisfa Synthorchestra » qui est assez qemblable à du Underworld vers la fin, et où les aspects lo-fi et envahissants des vieux sons de synthé semblent être appréciés plutôt qu’évités.

L’élément de spoken word inattendu dans » »Prophet Vector Synth Dazzling in the Sun », avec son discours sur les cascades de cristal, les vecteurs et les chemins oubliés, ressemble à un retour à la transe du début des années 90, mais joué avec des synthés du début des années 80, tandis que le rythme plus glauque de « SMEM23 Digital Clap Trap Promars Prophe » » rappelle T.Raumschmiere.

C’est plutôt sérieux, mais l’enjouement ressort très légèrement dans des éléments tels que les basses caoutchouteuses de « Roxannes Magic Watch » ».Il se situe quelque part entre un véritable album électronique analogique et une série de pistes de démonstration de matériel, mais parvient à fournir suffisamment de la première pour être cohérent. Un peu plus d’expérimentation et d’ambition aurait peut-être permis de repousser les limites un peu plus loin, mais il a certainement du mérite en tant qu’album d’écoute pour les fans des vieux sons de synthé et les amateurs de synthétiseurs analogiques.

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MJ Guider: « Sour Cherry Bell »

1 octobre 2020

Sour Cherry Bell est le deuxième  album de Melissa Guion après Precious Systems qui datait de2016 Dans les années qui ont suivi, un son plus sombre s’est infiltré dans sa musique. Sa voix est parfois submergée par une distorsion acide, et la batterie semble se pencher sur un son industriel, non seulement en donnant à ses morceaux une stabilité rythmique vitale, mais aussi en les polluant par son attitude dure et proche de la limite. Une atmosphère gothique provoque un brouillard autour de ses harmonies brumeuses, et son chant lourd en réverbération s’accorde avec l’électronique ténébreuse, presque camouflée entre la basse terreuse et la batterie, ce qui donne à la musique la mécanique du shoegaze.

En parlant de Sour Cherry Bell et de ses outils spécifiques, Guion disait qu’elle était curieuse de voir jusqu’où elle pouvait aller avec eux, même si cela signifiait atteindre les limites de leur capacité à faire ce à quoi elle s’attendait. Elle ne les a jamais épuisés et il n’y a pas d’épuisement dans ce nouvel opus non plus. En fait, la musique est vivante, elle bat, pompe, donne des coups de pied comme un bébé dans l’utérus. Sur certains morceaux, comme « Body Optics », les percussions sont immergées, restent sourdes mais sont d’autant plus lourdes que leur masse est aqueuse, comme des vêtements trempés suspendus à un cadre squelettique, qui se jettent contre le haut-parleur. Sa voix sombre entre, éclairant d’une lumière pâle les bois environnants, où les textures noueuses se faufilent comme des lianes dans les sous-bois.

Des mélodies plus vives et plus rapides éblouissent l’auditeur avec des motifs répétitifs, semblables à une transe : une euphorie informatisée, mais sa voix confère une présence humaine vitale à un monde par ailleurs numérique, qui ne passe pas par un écran brillant et immaculé ou un ordinateur de pointe, mais qui est plutôt pris dans un état de déclin permanent, un monde au bord de la ruine et de la décrépitude.  « Quiet Time » le fait parfaitement, en martelant une série de textures industrielles tout en transportant la musique directement à travers la ville nocturne. « Simulus » est le morceau phare de l’album, avec ses synthés lumineux qui s’orientent vers le cœur de l’ambient-pop, rappelant le Common Era de Belong avec ses progressions d’accords floues. Sour Cherry Bell est marié à la nuit, et sa musique propulsive ne dort jamais.

***1/2


Washed Out : « Purple Noon »

23 août 2020

Lorsque le travail de l’auteur-compositeur-interprète et producteur américain Ernest Greene est entré dans le monde de la musique sous son alias Washed Out, avec son premier EP (officiel) Life Of Leisure en 2009, l’artiste s’est retrouvé au milieu d’un genre émergent populaire, alors que les producteurs de lo-fi beats et de bedroom-pop commençaient à se faire reconnaître davantage par le public pour leur vision distincte de la musique électronique « chill-out ». 

Les rythmes alternatifs de chillwave, souvent inspirés du trip-hop, ont émergé et, suite à son développement au fil des ans, peuvent maintenant être considérés comme un terme générique du genre en soi, Washed Out étant connu comme l’un des artistes pionniers de l’époque.

Au fil des ans, Ernest Greene s’est fait un nom sous le nom de Washed Out sans se concentrer sur des sorties incessantes ; au contraire, le musicien aborde chaque sortie avec une vision claire et un coup de projecteur sur la progression en tant qu’artiste, avec son incorporation d’éléments visuels qui accompagnent les récits des albums tout aussi importants dans la représentation de ses œuvres.

Avec la sortie de son dernier album Purple Noon, sorti via Sub-Pop : Greene explore des thèmes plus personnels et mélancoliques que les précédents. Bien que l’artiste conserve sa personnalité propre inspirée par la chillwave, qui a évolué au fil des ans, l’inspiration citée derrière Purple Noon en dit long sur la nature de l’album.

Le titre est tiré du film français romantique de René Clément de 1960, lui-même basé sur le thriller psychologique The Talented Mister Ripley, un roman de Patricia Highsmith. Le romantisme, le charme, la passion et les thèmes de la perte sont profondément présents dans l’album, mais ils sont décrits de manière délicate et complexe, l’album conservant un côté facile à écouter et des visuels tranquilles, inspirés des côtes de la Méditerranée et de la culture de l’île.

L’un des aspects les plus remarquables de Purple Noon est la prédominance du chant de Greene dans la majorité des morceaux, par opposition aux lointains lavages de voix réverbérantes généralement associés à l’artiste. Par exemple, des morceaux tels que « Time To Walk Away » et « Paralyzed » sont très harmonieux, la technique vocale douce et mélancolique de Greene et ses paroles introspectives étant à l’honneur.

La disposition ensoleillée de « Time To Walk Away », chatoyante avec une atmosphère légère et aérée qui rappelle les jours calmes et détendus à la plage et l’électronique minimaliste et pourtant flottante, juxtapose « Paralyzed » à la fois dans le ton et le thème tout en conservant une douce fluidité. » Paralyzed » rappelle une ballade d’amour passionnée mais pleine de charme, avec un tempo plus lent et plus graduel qui permet un bonheur texturé étincelant dans le royaume contemplatif et rêveur.

« Game Of Chance », « Don’t Go » et « Haunt » sont des titres qui se démarquent sur l’album, car ils montrent un côté différent de la composition de Greene, en particulier dans le cadre de Purple Noon qui est centré sur la sérénité plus tranquille d’une île, s’étendant avec des grains de sable comme des étoiles réfléchissantes et des vagues émotionnelles qui clapotent tranquillement sur le rivage. 

« Game Of Chance » met l’accent sur la voix de velours de Greene et les mélodies compatissantes d’une guitare acoustique. Alors que des houles atmosphériques parsèment le morceau, l’accent est davantage mis sur les rêveries amoureuses de Greene en tant qu’auteur-compositeur-interprète que sur celles d’un producteur de musique électronique – ce qui était assez rafraîchissant dans son sens plus ambiant de vulnérabilité et d’absence de beats lo-fi. Dans « Don’t Go », Greene s’inspire de Phil Collins ; les percussions, graduelles mais puissantes et dévouées, sont une touche intrigante, qui accompagne une électronique scintillante et une tristesse qui fait écho.

Plus près, « Haunt » rappellera un des premiers travaux de Greene dans Washed Out ; bien que l’atmosphère insulaire de Purple Noon soit toujours présente, sa voix n’est pas nécessairement le moteur de l’ensemble du morceau. La relation harmonieuse entre les années 70 et 80, qui a inspiré les timbres traditionnels et les percussions à la Phil Collins, ainsi que le crescendo des textures superposées permettent de faire ressortir un sens audacieux de l’expérimentation, ce qui, dans un album qui semble s’écouler sans effort, est un changement apprécié.

***1/2


Drift: « Symbiosis »

5 août 2020

Le premier album est difficile, quel que soit le niveau auquel on se trouve, parfois on le réussit bien et parfois c’est juste une courbe d’apprentissage.

D’après ce que l’on sait, l’artiste nommée Drift ne voulait pas que e disque soit rempli de « singles » et elle souhaitait que le projetdonne l’impression d’avoir été tissé « ensemble ». Même si cela sonne prometteur, nous obtenons toutefois quelque chose d’assez terne. La plupart des morceaux de l’album semblent se fondre dans un ensemble étrange, encombré et répétitif. Ces morceaux sont indiscernables, n’évoquant aucune réponse sur le plan émotionnel et encore moins en termes de plaisir.

Un seul titre se dégage, « Raytheons Raider », un morceau électro-synthétique qui bourdonne avec des voix (légèrement) plus vivantes et qui se démarque du reste de l’album. Le seul autre morceau qui se démarque est « Human », qui se construit progressivement avec des synthés bourdonnants et des voix samplées, mais qui s’effondre dans le néant.

Sylbiosis ‘est une expérience certes, pas une expérience passionnante. Les morceaux sont assez cohérents, mais avec d’étranges fioritures dans lesquelles il est assez difficile de s’investir sur le plan emotionnel ou de choisir un morceau qui se démarque du lot.

**1/2


Strangerous: « Death By Anticipation »

31 juillet 2020

« Tout doit changer. Tout doit changer. » (Everything needs to change. Everything needs to change). À chaque loop de sample ainsi prononcé l’émotion est drainée de cette déclaration ; chaque son du morceau d’ouverture de 17 minutes est induit dans une orbite serrée et maniaque de répétition sans fin. Les voix de fausset commencent à battre comme une sirène, des bruits statiques se font entendre à plusieurs reprises, et le tintement des carillons perd son charme de paresse lorsqu’on les fait tourner en rond. Une autre voix se fait entendre, apparemment issue d’un reportage – « le changement climatique affecte déjà des millions de vies » (climate change is already affecting millions of lives) – alors que les boucles commencent à se bousculer et à se multiplier, entassées dans une zone d’urgence croissante et de familiarité banale. Des cris humains jaillissent à travers les marges, s’épaississant au fur et à mesure que le reportage se poursuit.

Alors que la musique s’enfonce dans la cacophonie, la demande de changement stagne – elle n’est plus le précurseur de l’action, mais une vocalisation habituelle, divorcée du sens.

Ailleurs, la répétition est maniée comme un adhésif par la force : un moyen brutal de fusionner le son des pas sur la neige, les surfaces métalliques perturbées et le souffle des ventilateurs de refroidissement, rompant le lien ombilical entre le son et son contexte d’origine.

Ces échantillons deviennent des éclaboussures d’autoréférence. Ce qu’ils gagnent en multifonctionnalité – des jokers sonores sans allégeances lourdes au paysage et au matériel – ils le perdent en familiarité avec le monde réel. La récurrence les rend étonnants. Les voix adoptent la texture désincarnée des sons sinusoïdaux purs ; le cliquetis du plastique commence à ressembler à des dents qui claquent. Les sons gagnent en intensité et en chaleur alors que l’esprit s’efforce de les placer, ce qui transforme l’auditeur en un paradoxe de connaissance et d’aliénation, et l’entraîne dans un bourdonnement insidieux en niveaux de gris alors que la musique résonne comme une machine à distiller de l’horreur.

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Chra: « Seamans »

26 juillet 2020

En quelques secondes et sans pitié aucune, Seamans vous entraîne dans ses profondeurs électroniques. L’enregistrement se construit et se détruit simultanément, comme la démocratie en Amérique, tandis qu’en réalité, des eaux vicieuses et vertigineuses tourbillonnent sous la surface. Seamans est un album avancé et progressif, mais une partie de celui-ci veut régresser, enclin à l’autodestruction et à l’instabilité. Un nouveau muscle est construit à partir de la rupture de l’ancien ; une nouvelle peau recouvre le sang coagulant sous une vieille blessure, et il en va de même pour ce disque.

Chra est le pseudonyme de la musicienne autrichienne Christina Nemec. Enregistrée à Vienne, au Waldviertel, en Crète, dans les avions et les cimetières, la musique de Nemec se déplace constamment dans l’air, s’inversant et se retournant sur elle-même. L’overdrive mousse et menace de consommer les haut-parleurs, et ce qui ressemble à une tornade déformée tourne autour de « Vicious Water Regimes », créant un puissant vortex.

Rageur et vengeur, son cœur battant la chamade à cause de courants de tension et d’anxiété, Seamans est une musique électronique sombre et incontournable. Comme la vérité, les mélodies étranglées sont étouffées et supprimées, les voix aspirant à la cohérence mais étant réprimées par des agences ou des forces gouvernementales haut placées, changeant, éditant et adaptant le message original à leur version des événements. La voix ne peut pas converser ou articuler quoi que ce soit, si ce n’est une série de bégaiements et de sautillements étouffants ; leur potentiel traîne et retarde et l’électronique étouffe.

La musique ne fait rien pour encourager le bégaiement ou son état de souffrance actuel, mais elle ne le repousse pas non plus. En ce sens, la musique est complice du sentiment de malaise croissant et de la chute qui s’ensuit. Une voix submergée se retrouve piégée sous l’eau, et des bulles de son qui résonnent remontent à la surface. La musique s’échappe de toute régularité rythmique, de sorte qu’elle se sent suspendue dans un éther électronique.

« Let Sharks Sleep » possède une mélodie dingue qui glisse et se déplace de manière désordonnée et déséquilibrée, ses sons paraissant dérangés et presque hystériques, avec de nombreux changements de tonalité et des boucles récurrentes. « Widow Walks » est tout aussi sombre et hanté. Les sons sont incomplets, rappelant de manière fantomatique quelque chose qui s’est effondré. À la fois progressif et régressif, Seamans est une musique d’engagement et de rupture.

***1/2


Test Card: « Music For The Towers »

14 juillet 2020

L’hiver a duré longtemps longtemps, ou du moins c’est ce qu’on a l’impression de vivre. Le vent et la pluie apparemment sans fin et le ciel gris : la suppression de l’humeur est vraiment devenue palpable ces dernières semaines. Une de mes amies m’a dit récemment qu’elle ne pouvait pas attendre l’été et pouvoir s’asseoir dans le jardin le soir, en buvant quelque chose de froid et d’alcoolisé. Je commence à ressentir la même chose.

Des signes de printemps se profilent cependant à l’horizon, avec quelques fleurs ici et là, et les jonquilles sont là aussi. Et à l’intérieur ? Eh bien, Music For The Towers est un vestige de l’été comme on en a rarement entendu, et un rêve des changements à venir malgré sa date de sortie au milieu de l’hiver.

Composée de simples accords de guitare, de synthés, d’enregistrements en champ distal et de lignes de drones élégiaques, Music For The Towers sonne comme un écho, un fragment de temps bucolique piégé dans la radiosphère. « « We Oscillated Like Sheep Grazing on Grassy Waveforms » » peint des scènes pastorales entières, des chants d’oiseaux nichés au milieu de longs mouvements de l’electronica rougeoyante. Le mouvement d’une soirée d’été, peint et prolongé, est projeté dans l’espace, des vibrations apaisantes issues de la résonance sonore.

De douces vagues déferlent sur les bords de « Let Single Sideband Loneliness Receivers Be Happy », des synthétiseurs qui suivent de près toutes les lueurs avec un bourdonnement d’énergie qui s’épanouit avec éclat. Les transmissions ponctuelles de la guitare se fissurent en éclats mélodiques périodiques, donnant à la pièce un poids étrange, une sensation de plomb qui rend compte de cette saison de marée : s’il vous plaît, n’y allez pas/retournez. Une version moins explicite arrive au début de « Data Taken Over Under Rating », dont les lignes rythmiques vont et viennent dans des vagues douces, des bourdons ondulants faisant place à de luxuriants pickings de guitare et des dérives éthérées de synthétiseurs.

Insouciant, mignon et pittoresque, il se déplace avec précision, mais aussi avec une grâce manuelle nonchalante. Il est facile à vivre, ininterrompu, détendu. Ce n’est que dans son dernier quart que le synthé arpégé arrive pour lui donner une certaine structure, une douce rigueur électronique esquissant juste le contour du ciel de la nuit d’été qui commence à scintiller au-dessus de nos têtes.

Le meilleur est à trouver dans la luxuriante « Horizontal Sweep Correction Lullaby », berçant ces pulsations de synthétiseur presque majestueuses qui gonflent comme la lumière du soleil se courbant sous l’horizon. Le monde nage pour voir, porté par les suggestions du gazouillis radio qui s’engouffre dans le fond, suspendant l’électronique scintillante qui se déploie en rubans rayonnants.

Ce serait bien de revoir le Soleil bientôt, mais pour l’instant on va sans doute s’en tenir à Test Card et ses envolées prometteuses et souces-amères.

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Zoe Polanski : «Violent Flowers »

14 juillet 2020

Dans les quelques secondes que prend le traitement d’une image Polaroid, on ne sait jamais vraiment comment la photo va se dérouler – telles sont les variables que la lumière et le mouvement peuvent jouer. L’image qui orne le nouveau disque de Zoe Polanski, Violet Flowers, se trouve dans cet état de flux même – ses tons sourds ne sont pas complètement développés – qui reflète les deux côtés distinctifs de cet album.

La première chose qui frappe dans le morceau d’ouverture et de titre est sa boucle de synthétiseur colorée – qui, associée au chant d’oiseaux voltigeant – donne l’impression d’un mariage parfait lorsque la voix douce de Polanski apparaît. L’auteure israélienne chuchote presque : « Montre-moi le chemin du retour… » (Show me the way back home…) avant que la boucle ne prenne de l’ampleur et ne s’élargisse, offrant juste un aperçu de la vibrante pop électronique hybride qui nous attend.

Comme dans les expérimentations de Coldplay avec le producteur Brian Eno, des percussions maladroites, des guitares qui font trébucher et des boucles vocales de chorale fleurissent sur « Closer », marquant l’apogée mélodique du disque. Le meilleur exemple des collaborations de l’actuel résident de New York avec le concepteur sonore et ami, Aviad Zinemanas, est peut-être le plus proche de la traversée totale de Polanski – mais cela montre que l’auteur n’a pas peur de fusionner les mondes de l’avant-garde et du commerce.

Au fur et à mesure que le disque avance, la chaleur initiale se disperse pour prendre des teintes plus froides : les tambours programmés sont un peu plus durs, les paysages sonores sont un peu plus menaçants, la liberté mélodique est un peu plus présente. « The Willows, » un bon exemple de cela, a une onirisme analogue qui rappelle The Dream My Bones Dream de Eiko Ishibashi, sorti en 2018. Mais Polanski reste à l’aise sous cette apparence également pour un début de voyage qui est tout sauf ce que sa manche lavée sépia peut suggérer au départ.

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