For Those I Love: « For Those I Love »

27 mars 2021

En 2018, Paul Curran, l’ami le plus proche et ancien compagnon de groupe de David Balfe, est décédé. Peu après, Balfe s’est retiré dans son studio (le hangar de sa mère à Donaghmede, au nord de Dublin), et a enregistré près de 80 titres sous un nouvel alias solo, For Those I Love. Neuf de ces titres ont été intégrés à son étonnant premier album éponyme.

En proie à un chagrin incessant, l’écriture est devenue une catharsis vitale pour Balfe ; For Those I Love est un hommage à Curran, à l’amour et aux amitiés réparatrices, des réflexions sur la mort et le bouleversement qu’elle laisse dans son sillage, et des réflexions sur une enfance passée dans une partie de l’Irlande décimée par la récession.

Avec une manière de parler qui rappelle Mike Skinner, et un accent irlandais lourd, lephrasé de Balfe est puissante et tranchante. Sur « Top Scheme », il déborde de rage, condamnant l’État sur un rythme de mi-temps lourd, « le monde est foutu », crache-t-il. À l’inverse, un refrain de l’ouverture, « I Have A Love » apparaît dans différentes itérations tout au long du disque : « I have a love/ And it never fades ». De nombreuses autres proclamations d’amour suivent, dans les paroles de Balfe et dans les notes vocales et les messages WhatsApp qui parsèment l’album, archives émouvantes de sa relation avec Curran.

Musicalement, une grande partie de For Those I Love est une ode à la vie nocturne de type « every night we’d dance ’til five », la production rappelant les heures de grande écoute dans les raves, lorsque vous et vos amis atteignez l’euphorie pure. Les moments de tendresse sont soutenus par un simple riff de piano, des bribes de chants d’oiseaux ou une section de cordes, et les observations plus cinglantes de Balfe sont soutenues par des basses lugubres et des rythmes dubstep plus sombres.

Sur « You Live / No One Like You », David Balfe énumère les sons, les images et les expériences dans lesquels vit son meilleur ami : coupes de cheveux, Joy Division, matelas abandonnés, raves dans des entrepôts, dans son amour qui ne s’éteindra jamais. Le chagrin est un monstre capricieux, et, dans For Those I Love, Balfe capture la bête avec une clarté viscérale.

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Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Otzeki: « Now Is A Long Time »

23 mars 2021

Que ce soit à l’intérieur des pubs ou derrière les platines des boîtes de nuit, le duo électronique londonien Otzeki reste ambivalent quant à la place exacte de sa musique. Le duo de cousins, dont les premières sessions de jam ivres se résumaient à des guitares et à une boîte à rythmes semi-fonctionnelle, a depuis cultivé une marque de fabrique d’indietronica qui réussit à unifier les éloges des ravers de fin de soirée et des amateurs de concerts en sous-sol. De retour avec leur première musique depuis deux ans, le deuxième album du duo, Now Is A Long Time, s’appuie sur les fondations établies par leur premier album en continuant à transmettre un message d’espoir et de raison engagé socialement à un monde qui lutte toujours pour se remettre sur pied.

Des guitares texturées et des couches complexes de programmation électronique éparse se déversent sur des rythmes trip-hop et house lo-fi des années 90. Le falsetto de Mike Sharp s’impose dès le départ en glissant au-dessus de la production dense de « Sweet Sunshine ». Le son euphorique du duo est réfracté par des formes d’ondes riches et pénétrantes. Tout à fait contagieux, mais défiant toujours la structure pop conventionnelle, ils se laissent aller à des grooves plus accrocheurs sur « Max Wells-Demon ». L’impulsion d’Otzeki, qui consiste à être à la fois accrocheur et provocateur, ressemble à une mission passionnante.

***1/2


Hara Alonso: « Somatic Suspension »

16 mars 2021

Somatic Suspension, comme son titre l’indique, est un produit de son époque. Un examen du détachement et de l’immobilité. Plein de malaise. Profondément personnel. Sans le mouvement exigé par notre vie sociale, nos trajets quotidiens, nos routines, nous sommes devenus sédentaires. Nous avons eu la chance d’avoir plus de temps pour créer, certes, mais sans nouvelles expériences ni drames personnels (pour les plus chanceux), et pour beaucoup, ce fut un sol stérile sur le plan créatif. La pianiste espagnole Hara Alonso, basée à Stockholm, a utilisé son instrument comme un véhicule pour aller et revenir de l’introspection, d’où ont émergé des lignes de piano frappantes par leur simplicité, leur répétition. Le titre d’ouverture, « Desnuda », mine ses notes douces et spacieuses avec un accord dvelouté qui répète son intonation dérangeante tout au long du morceau. Avec un tempo différent, « The Centre Of The Sun Is Empty » transmet un chant d’ivoire au clavier passionné et de plus en plus anxieux par le biais de notes uniques frappées rapidement, qui persistent pendant six minutes épuisantes avant de s’estomper et de se déformer dans le néant numérique. 

Mais nous avons classé cet album dans la catégorie « Expérimental » parce qu’Alonso s’intéresse moins à la pureté d’un instrument ou à la beauté d’une mélodie qu’elle ne cherche à les soumettre à toutes sortes de traumatismes numériques et à trouver une résonance dans ce qui en tombe ; la beauté et la laideur sont également acceptées. C’est ainsi que nous passons de « Horizontal Disintegration », où les touches ne sont plus discernables, remplacées par des pops rythmiques, des glitches et des scratches se faufilant sous les tonalités avortées des claviers et les carillons numériques qui se gonflent, directement à « The Work of Poetry », où les accords de piano persistants dominent mais sont en partie attirés en marge par un filtre qui désynchronise un peu deux lignes. Le numérique prend le contrôle dans chaque scénario, que ce soit ouvertement ou discrètement.

Il y a un moment, à peu près à la moitié de ce disque, qui déclenche une irritation profondément enfouie. Nous tirant de notre rêverie, un son persistant émerge de la toile, exactement le même que celui que faisaient mes anciens écrans d’ordinateur dans leurs derniers jours (qui sont arrivés bien trop tôt). Le morceau « 40 Days of Silence » » est l’un des plus forts de cet excellent disque, passant par différents états de désintégration qui rendent cet écho personnel de la fin de la technologie, en fait, tout à fait approprié. Mais cela met toujours mal à l’aise (nous rappelent aussi le point culminant dramatique et déroutant du LP A Sun That Never Sets de Neurosis, qui donnait l’impression que le CD sautait ;- sûrement le véritable fléau du discman peu fiable.

Prêtez attention à votre corps, et il vous le rendra en retour. Pour les anxieux, cela peut être débilitant – un tiraillement intérieur qui prend des formes plus graves, mais pour les simples curieux, cela peut être gratifiant. À travers ces simples lignes de piano – certaines ternies par des « erreurs » reconnues qui, comme tout musicien vous le dira, deviennent souvent la véritable âme de leur son ; d’autres déformées, piégées et répercutées au-delà de toute reconnaissance, celleAlonso y transmet une expérience très personnelle. Le morceau le plus abstrait est « Reversed Rain », un titre qui pourrait bien être littéral. Le morceau est dépourvu de mélodie, ou du moins de mélodie complète, alors que les fantômes de ce qui fut autrefois des notes de piano tentent de s’extirper de leurs tombes numériques, mais il est plein de rythmes flous et bruyants qui s’entrechoquent. Le moins abstrait est le plus proche, « La Memoria del Futuro », qui s’attache à une mélodie touchante tout au long de l’album, ses différentes formes ne parvenant pas à masquer la cohérence qui s’en dégage. On peut espérer que cette artiste a trouvé sa voie.

Si ce disque résonne en vousi, tout dépend si vous êtes également attiré par ses bribes de cohérence et son chaos sous-jacent. Quelque part dans cette rencontre, illustrée par l’écho de haut-parleurs qui seraient comme âbimés, on y trouvera harmonie.

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effe effe: « Tuning Scapes »

8 mars 2021

effe effe est un projet solo de Federica Furlani, une artiste prolifique – en tant qu’altiste et également en tant qu’artiste conceptuelle.  Issue d’une formation classique, elle a ensuite étudié la musique électronique au Conservatoire de Milan et à Berlin. Elle s’est produite sur scène en tant qu’altiste avec Einsturzende Neubauten et Blonde Redhead, parmi beaucoup d’autres.

Elle travaille comme concepteur/compositeur de son et interprète de musique en direct pour le théâtre et lla danse (La Biennale di Venezia, Piccolo Teatro di Milano, Teatro Stabile di Torino).

Ses recherches sont également axées sur l’étude des paysages sonores, l’éducation sonore et le potentiel social et artistique des nouvelles technologies.

Son dernier album, Tuning Scapes,prend par surprise car la voix off de son premier morceau présentait l’ensemble du concept comme s’il s’agissait d’un retour à la présentation tout à fait typique du processus artistique que l’on trouve dans le concept art américain. Toutefois, par la suite, il s’est transformé en une sorte d’écoute facile/non facile, à la fois mélodique et rythmique, où les compromis et les mélanges sont magnifiques. Et tout l’album est imprégné et rempli de cet esprit. L’électroacoustique avec une belle touche de mélodie, les expériences électroniques en filigrane ont un bon timing et une excellente texture. C’est une marque de fabrique de son travail qui ne peut que nous rendre impatient de découvrir ses nouvelles compositions. 

***1/2


Martina Bertoni: « All The Ghosts Are Gone »

18 février 2021

Un changement total n’est possible que par l’effacement du formulaire actuel. Il ne peut pas être ajouté à l’entité existante. Les anciennes formes doivent être décomposées et utilisées à nouveau comme matière première, réduites à une poudre de pure possibilité, libérées des structures qui forcent la création d’une manière ou d’une autre. Le violoncelle est le sujet de cette transformation sur All The Ghosts Are Gone, et le processus semble donc particulièrement physique : bois déformé et courbes fracturées, éclats poussant vers le haut à travers le vernis comme des dents. Des piles de bruit s’amoncellent sur les bords comme des monticules de débris balayés, des morceaux de carcasse de violoncelle sont visibles au milieu des fragments de distorsion et d’électronique. Mais au centre, il y a un tremblement de couleur : une corde solitaire courbée qui s’élève comme une fleur en herbe. Les premiers signes de renaissance apparaissent au milieu des ruines.

Il n’est pas surprenant que All The Ghosts Are Gone soit ressenti comme une entreprise douloureuse. La mélodie est rare et sa manifestation est soit fanée, soit naissante, frôlant la mort et la vie comme une fissure dans un cheveu. Ailleurs, les grincements des cordes de violoncelle creusent l’interstice comme les fantômes du titre, rendus sans abri par la transition. D’une certaine manière, Bertoni parvient à capturer à la fois une misérable physicalité – des cordes arrachées au corps, du bois bouclé en bois d’allumage – et une déprimante absence de forme, qui sème l’action en écho, encadrant cette destruction matérielle dans un contexte d’incertitude existentielle. Souvent, nous constatons que la liminalité est représentée dans des nuances d’aquarelle pâles, flottant au-dessus du domaine physique tout entier ; la musique de Bertoni réimpose ce processus avec un travail émotionnel et un corps brisé.

***1/2


Dag Rosenqvist: « Vraen Centrum »

18 février 2021

Vraen Centrum de Dag Rosenqvist, et un opus futuriste et immergé dans la pluie, emmenant les auditeurs dans une métropole nocturne et nous soffrant un spectacle époustouflant. Ses rues regorgent de synthétiseurs en sang, qui brillent comme des joyaux et scintillent comme des logos éclairés au néon. La musique de l’album porte ses influences sur ses manches, les brandissant comme un impressionnant ensemble de tatouages. Des éléments de néo-noir, de science-fiction, de cyberpunk et de tech noir peuplent chaque coin et chaque rue, mais il a aussi un pied dans le passé, grâce à son histoire d’amour avec les années 80. Toute sa luminescence et ses couleurs vives et néo-normandes se retrouvent dans l’ordinateur central de Rosenqvist, mais la musique marche aussi à un rythme soutenu d’un morceau à l’autre, se déroulant patiemment, donnant à ce nouveau LP une ambiance de bande-son lourde, comme Blade Runner dans une autre dimension.

Les synthés sont aussi froids que la pluie, n’émettant pas vraiment beaucoup de lumière à part un bref flash ou un stroboscope intermittent de néon. Rosenqvist a toujours tenté de faire progresser sa musicalité, et sa musique est capable de s’affranchir d’un style ou d’un genre concret grâce à cela. La musique immersive est rendue d’autant plus forte par des enchaînements ambiants, qui offrent un répit par rapport à un synthétiseur à lames dures. À un moment donné, une guitare se dose sur une épaisse réverbération, et ses notes éclaboussent de profondes flaques. Mais même dans ce cas, les synthés de la police ne sont jamais bien loin, traquant les notes les plus douces grâce à son I.A. sensible. D’épaisses plaques électroniques planent au-dessus de la tête, perçant l’air comme les pales rotatives d’un hélicoptère de la future technologie. Ces synthés acrimonieux semblent avoir faim et, d’une certaine manière, cette approche sera sûre de vous mettre en appétit.

***1/2


Rhye: « Home »

24 janvier 2021

Une nouvelle année s’annonce avec de nouvelles musiques et le quatrième album de Rhye, Home. Nous savons tous que 2020 a été une année qui nous a obligés à rester à la maison, y compris Rhye (Michael Milosh). Il est donc tout à fait approprié que l’album ait été inspiré par le fait d’y devoir créer de nouvelles routines grâce à Secular Sabbath, une série d’événements en direct que Rhye a contribué à créer et qui met l’accent sur la méditation, la communauté et la pratique d’une musique d’ambiance consciente et sensibilisante à laquelle des artistes tels que Diplo ont participé. Les événements en direct ayant été annulés, Rhye a dû les diffuser depuis chez lui, et c’est là que l’album a vu le jour.

Home nous emmène immédiatement au milieu d’une église alors qu’une chorale se tient danslun chœur en fredonnant « Intro » et dégage une inspiration religieuse. Une chose est sûre : cette voix sensuelle qui se confond avec celle d’une femme restera toujours la même. Cela fonctionne à chaque fois. Les violons font un début précoce avec des cordes filiformes qui entraînent un piano autrefois plein d’entrain dans une fin lente et brûlante. Rhye est séduisant dans « Beautiful », où il demande à son amante ce qui suit : « Belle femme, oh bébé / Passe ta vie avec moi / Vas-tu respirer / Vas-tu te souffler en moi ? » (Beautiful woman, oh babe / Spend your life with me / Will you breathe / Will you breathe yourself into me?) Et il espère que son amante lui dira oui. Cette intimité profonde se retrouve dans chaque morceau que Rhye a produit ; ce sentiment de voir l’âme de quelqu’un est exactement ce que l’on ressent lorsque Rhye chante.

« Hold You Down » semble être le titre le plus expérimental en termes de synthétiseurs. Une guitare subtile et profonde fait son apparition – elle pourrait facilement se fondre dans  » »I Want You (She’s so Heavy) » d’Eddie Hazel avec un changement de note important – ce qui taquine l’auditeur car elle s’allonge à chaque note. « Oh, I’m loving this feeling / Oh, I’m loving this » est exactement ce que l’on ressent vers la fin de la chanson alors que la guitare est lentement emportée par ces délicieux fredonnements que nous avons entendus auparavant, nous rappelant le Sabbat.  

Dans le morceau « Helpless », Rhye montre clairement que c’est lui qui fredonne les tons angéliques cette fois-ci. « Les choses que je fais pour toi / Ecrire un million de chansons d’amour, hey, hey / Naviguer vers mon coeur / Viens avec moi, s’il te plaît / Donne-moi du coeur, donne-moi de l’amour, donne-moi de la rage » (Things I do for you / Write a million love songs, hey, hey / Sail out to my heart / Come with me, please / Give me heart, give me love, give me rage), montre que Rhye est en pur schéma de miséricorde pour son amante. Il veut tout d’eux, et ce thème de la nostalgie est profondément ancré dans les racines musicales de Rhye.

Les rythmes funky et la danse disco ne sont pas des éléments nouveaux pour Rhye, puisqu’il a déjà joué avec ces éléments dans des œuvres antérieures. « Black Rain » commence par un tourbillon familier d’éléments disco, et c’est ma chanson préférée sur Home. Les paroles « So, don’t go running / Just cause a little black rain / Just give me something, » montrent que Rhye n’a pas peur d’affronter les choses avec ceux dont il est amoureux tant qu’ils essaient.  « Sweetest Revenge » maintient l’élan et dégage un glamour disco Donna Summer avec des cordes de violon vibrantes et éloquemment placées.  

Le mouvement dans la musique de Rhye va et vient par à-coups dans Home, un album rempli de mélodies groovy et de rythmes ambiants apaisants. Il y a une certaine cohérence dans la façon dont il lache sa voix apaisante sur des mélodies soyeuses et artistiques telles que « Safeword », « Need a Lover » et « My Heart Bleeds ». La seule incohérence réside dans l’incapacité de bien imbriquer chaque morceau lors de la transition. La transition de « Black Rain » à « Sweetest Revenge » passe d’une douce soirée dansante à un soudain retour en arrière dans un coin avant de se détendre. La transition de « My Heart Bleeds » nous fait tourner en rond pour nous jeter dans de tristes murmures de piano sur « Fire ».

« Fire » est la chanson la plus triste de l’album. Rhye se présente comme un mendiant, chantant « Just give me your time baby / Show me words / Sing me a song baby » (Donne-moi un peu de ton temps bébé / Montre-moi des mots / Chante-moi une chanson bébé), et les touches du piano semblent attendre une réponse qui ne manquera pas de nous briser le cœur. Le dernier morceau, « Holy », fixe ma vision initiale de l’album avant que nous n’atteignions l’outro. Ce n’est que lorsqu’il chante « Ne sois pas saint pour moi / Ne sois pas si bon / Tu es dans ma tête / ton goût me traverse / tu es sur le bout de la langue » qu’on se rend compte que cet album est une dévotion à son objet de désir. Ces voix angéliques que nous avons entendues au début semblent signifier que Rhye nous donnait un aperçu de sa version du paradis. Nous entendons à nouveau ces voix angéliques sur « Outro » » et elles me font sortir de l’église.

La maison est la plus belle sensualité dans son ensemble. Cet album est un ajout séduisant à votre bibliothèque. Il touche les parties les plus intimes de soi-même et tout en dynamisant chaque membre extérieur. Home se sent comme une femme modernisée. Malgré les vibrations religieuses qui sont captées, l’album n’est pas destiné à être une expérience religieuse car il n’y a aucun lien avec une quelconque religion. C’est ce qui fait que, quelle que soit, votre confession, ceci est un album à écouter « religieusement »

***1/2


Distant Animals: « Constancy blooms: an abridged history of Rust »

23 janvier 2021

Distant Animals est le projet audio de Daniel Alexander Hignell-Tully, artiste du son, vidéaste et compositeur, réalisé au Royaume-Uni.

Après avoir publié ses œuvres pour des labels importants tels que Hallow Ground, NomadExquisite, Infinite Sync, Engram, Norient et Triple Bath, il arrive sur le label napolitain Liburia Records avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust, réalisé avec l’aide de Colin Tully au saxophone, Kevin Nickells au violon, à la guitare, à la voix et aux percussions et John Guzek au violon et au cor.

Intrigant et éclectique, Constancy Blooms : An Abridged History of Rust est divisé en deux longues suites, chacune d’une durée de 28 minutes, et dans lesquelles Hignell explore le développement de nouvelles techniques de composition et de sites spécifiques.  L’album est difficile à placer : à l’intérieur de celui-ci, musique concrète, classique contemporaine, free-jazz et synthèse électronique coexistent, divisés en deux courants en constante évolution qui reflètent le caractère des lieux où les enregistrements ont été réalisés.

Le premier morceau, « Outer », est soutenu par un léger son de synthétiseur modulaire qui donne l’impression de flotter. Progressivement aidé par le son des cors, le ton s’assombrit donnant vie à un premier contraste entre l’âme free-jazz et l’âme électronique de la composition. Peu à peu, les sons durs s’estompent pour laisser place à une couverture de bourdons qui agit comme une colle avec les sons dramatiques des instruments acoustiques jusqu’à ce que la moitié du morceau révèle l’âme numérique de Hignell. Il est intéressant de voir comment, dans le morceau, Hignell parvient à placer un phrasé de guitare classique sans être une note discordante dans un kaléidoscope de sons comme « Outer ».

Le deuxième morceau, Inner, commence par un tapis d’ambiance léger au rythme bien marqué. Ensuite, les sons déformés et le bruit du grattage des différents éléments acoustiques entrent en jeu, s’imbriquant pour obtenir une texture acousmatique complexe et fascinante, pleine de tension et de secousses. A mi-parcours seulement, le son est atténué par les notes douces et enveloppantes du piano. Une fois de plus, le morceau change de forme et devient une composition pour piano écrasante avant de muter en une masse de sons noirs, denses et viscéraux qui concluront le morceau.

Avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust Distant Animals utilise les notions de mémoire et de symbolisme culturel pour produire une œuvre qui se nourrit de contrastes, composée de nombreuses pièces différentes qui vont constituer un puzzle unique.

***1/2


Ralph Kinsella: « Lessening »

20 janvier 2021

Ralph Kinsella est un guitariste, compositeur et musicien électronique originaire de Dumfries & Galloway, dans les Southern Uplands d’Écosse. Bien que les sites de voyage ne manquent pas pour en souligner les attraits, Kinsella y voit un espace liminal et marginal … où l’Écosse rurale et semi-rurale rencontre inconfortablement les zones urbaines » une caractéristique qui, selon lui, se reflète dans sa musique.

« Le bled, entrecoupé de fragments de débris et de lampadaires vacillants de lotissements. Ces lieux (et l’exploration artistique de ces lieux) imprègnent mon travail ».

Cette perspective s’exprime pleinement sur un nouvel album intitulé Lessening qui s’inspire du parcours de Kinsella dans le rock indie lo-fi et le shoegaze tout en s’aventurant dans des territoires plus obscurs illuminés par des influences allant de la pionnière de la musique électronique Elaine Radigue au légendaire guitariste expérimental Loren Connors.

Le résultat est une sorte de frontière musicale où les paysages sonores abstraits et autres détritus sonores occupent l’espace aux côtés de formes mélodiques accessibles et du trône rassurant des guitares acoustiques et électriques. C’est un concept ambitieux, mais Kinsella le réalise avec brio et crée ainsi un lieu qui lui est propre et dans lequel vous souhaiterez sans doute vous attarder également.

***1/2