Sandra Boss, Jonas Olesen, Anders Lauge Meldgaard: « SOL OP: Music For Midified & Modified Pipe Organs »

7 avril 2022

En utilisant uniquement des orgues à tuyaux, le trio composé de Sandra Boss, Jonas Olesen et Anders Lauge Meldgaard crée un monde construit sur la fantaisie et l’air. À l’aide d’un ensemble d’orgues à tuyaux modifiés (et midifiés – ou plutôt MIDIfiés), Boss, Oleseon et Meldgaard assemblent un univers réticulé où des possibilités infinies naissent d’un instrument simple et déconstruit. En utilisant de petits orgues portables, le trio ouvre de nouvelles et innombrables facettes où de petits mondes sonores peuvent se développer.

Avec un éventail diversifié de composants sonores flottant à travers chaque couche de SOL OP, ce sont les sons animaliers qui m’ont le plus frappé. Des oiseaux gazouillent sur des lits de sons dansants sur « Fuglene ». Il y a une sensibilité aqueuse dans la cascade de notes qui se déplacent en cercles concentriques autour des bourdons creux sous-jacents. C’est l’un des nombreux timbres surprenants que le trio utilise tout au long de SOL OP. En utilisant tous les aspects des orgues – du système de soufflerie d’air lui-même aux diverses pièces mécaniques de l’orgue et à l’incorporation du contrôle MIDI – le potentiel de pousser dans tous les plans sonores que ces orgues peuvent offrir devient une réalité.

Les sons animaliers se poursuivent tout au long de SOL OP. Des marmonnements rythmiques gutturaux donnent à « Maskinerne » une colonne vertébrale tactile. Des formes plus aiguës scintillent comme la lumière se réfractant à travers des verres remplis d’eau, le rythme rapide des répétitions imitant les ailes d’un colibri. Les hiboux font la sérénade à la lune dans un chœur de minuit sur « Skovene », les différentes textures bougeant toutes conjointement pour donner à la pièce une impression de mouvement ascendant. C’est hypnotisant.

Même dans les passages ténus où les tons étirés semblent coincés dans les airs, comme dans l’ouverture « Sol Op », les passages allongés sont pleins de tension et d’enjouement. Lorsqu’un orgue glisse vers le haut sur les arrangements hurlants au loin, la dichotomie est intéressante et amusante. Bien que le morceau finisse par s’installer dans une zone plus contemplative, la gamme de sentiments ajoute à sa nature séduisante. « Vindene » fonctionne de la même manière, bien que je ne puisse m’empêcher d’imaginer un monde où les trains ont des conversations et, dans ce cas, ils sont clairement ennuyés, mais le trio construit ces pièces avec ces points de vue et structures originaux qui me donnent envie de tout savoir sur chaque note, chaque arrangement.

SOL OP est une exposition qui consiste à prendre un instrument et à en trouver les limites perçues, puis à les repousser. Il y a tellement d’éléments dans SOL OP qui ne ressemblent à rien de ce que j’ai pu entendre d’un orgue à tuyaux. Plus encore, la façon dont Boss, Olesen et Meldgaard combinent ces sons avec les ronflements et les chuchotements plus familiers élève cette musique à quelque chose de vraiment spécial.

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Tom Rogerson: « Retreat To Bliss »

23 mars 2022

Après la sortie de Finding Shore en 2017, une collaboration qui l’a vu s’associer à Brian Eno, la vie du pianiste et auteur-compositeur-interprète Tom Rogerson a changé de manière tumultueuse. Les années intermédiaires ont apporté la naissance d’un enfant, la perte d’un parent, et un diagnostic bouleversant concernant sa propre santé. Il quitte Berlin et retourne dans le Suffolk, un lieu familier et accueillant datant de son enfance, et commence à composer des pièces minimales pour piano dans l’église qui jouxte la maison de ses parents.

Sur Retreat to Bliss, qui constitue le premier album solo de Rogerson, les touches du piano ainsi que sa propre voix retracent et transcrivent des événements profondément personnels. Elles remontent également dans le passé, comme si elles voulaient revenir à des temps plus innocents. Les pensées intimes et privées qui se trouvent dans le cœur sont transmises par la voix, articulant et exprimant ce qu’un instrument est parfois incapable d’exprimer, car elles viennent directement de son âme.

Rogerson s’ouvre, ce qui est un signe de courage, et cela reflète son comportement naturel ainsi que d’autres qualités vertueuses de sa musicalité. Lorsque le bouclier tombe, il n’y a rien derrière quoi se cacher, et cette vulnérabilité nue rend l’album encore plus puissant. Elle révèle également une force intérieure et une volonté d’être soi-même. Rogerson libère ce qui était refoulé, le déversant à travers le piano, qui n’est pas seulement un ami familier mais une bouée de sauvetage. C’est de là que vient l’authenticité de la musique, il n’y a rien d’artificiel.

« Toute ma vie, le piano a été mon compagnon constant, mon confesseur, mon meilleur ami et mon pire ennemi. J’ai toujours écrit de la musique sur et pour le piano, mais elle me semblait trop personnelle, trop privée pour être publiée. Ces dernières années, j’ai connu des difficultés, des joies et beaucoup de changements. Ma réponse a été de me retirer vers ce en quoi j’ai le plus confiance : le piano, ma voix et le paysage dans lequel j’ai grandi ». 

Sincère et poignant, le piano résonne entre les murs de l’église, un lieu sacré et isolé pour la guérison des blessures. Tout s’effiloche dans ce lieu. Tout se défait. Le retour dans sa maison d’enfance est un purificateur, mais une fragilité subsiste. Quelque chose a été blessé et ressent le besoin de revenir en arrière, mais c’est aussi une lueur d’espoir, car les liens essentiels se recréent à nouveau. Le lieu, son moi et la musique sont tous ramenés au centre.

Retreat to Bliss est en accord avec lui-même, permettant à Rogerson de revenir à une époque plus stable et plus réconfortante. C’est aussi une digestion, une pause réflexive et une acceptation des événements. C’est un hymne chanté à son véritable foyer, qui se trouve aussi bien dans la campagne du Suffolk que dans son piano.

***1/2


Randal Collier-Ford: « The Architects »

24 janvier 2022

Un facteur déterminant dans la musique de Randal Collier-Ford est la façon dont il parvient à chevaucher la ligne entre l’ambient sombre / drone et les sons électroacoustiques traités. En effet, on y trouve plus qu’un clin d’œil aux pionniers de l’acousmatique et de la musique concrète. Bien que The Architects soit l’un de ses plus anciens albums, il est un excellent exemple de la manière dont cette approche non conventionnelle peut être écoutée.

Chacun des huit morceaux, dont la durée varie de 4 à plus de 13 minutes, explore différents points de cet axe. À cette fin, « Eye of the Watches » propose des couches de synthétiseurs qui couvrent lentement et sont accompagnées de sons complexes à caractère mécanique. Et ailleurs « Construction of a Demon » se concentre principalement sur des échantillons sculptés, des objets trouvés et des éléments percussifs électroacoustiques, représentant peut-être les outils et les processus d’un atelier infernal.

Mais là où Collier-Ford brille vraiment, c’est dans l’utilisation d’explosions de bruits étouffants et déchirants comme élément récurrent sur plusieurs pistes. Ces explosions de batterie et de synthétiseur se présentent comme des ondes de choc staccato lentes dans « A New Age et The Return ». Ils accentuent les drones et les percussions susmentionnés d’une manière résolument cinématographique. Alors que certains des autres morceaux pourraient être décrits comme étant au moins un peu ambiants, ces morceaux ne le sont absolument pas. The Architects représente, de ce fait, un effort hautement recommandé venu d’une source injustement sous-estimée.

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Gianluca Becuzzi: « Mana »

14 décembre 2021

Vous avez déjà mis un nouvel album sur votre platine et au milieu de la première piste, vous êtes prêt à acheter tout le catalogue de l’artiste ? C’est ce que peut inspirer l’écoute de Mana de Gianluca Becuzzi. Basé à Rome et actif depuis les années 1980, Becuzzi s’inspire d’une grande variété de styles, dont l’électroacoustique, le drone, l’industriel, l’ambient et l’art sonore, mais son approche est distincte et singulière.

Becuzzi joue de la guitare et de la basse, et incorpore des échantillons et de la programmation dans le mélange. Cristiano Bocci joue de la contrebasse sur deux morceaux.

La première chose que l’on remarque dans Mana, ce sont les accords de guitare surchargés. Néanmoins, Becuzzi module ces riffs massifs avec des percussions et des échantillons d’instruments acoustiques ainsi que des sons aux sources moins identifiables. Vous entendrez donc des cordes, des bois, des synthés et des tambours… ou du moins quelque chose qui ressemble à ces instruments. D’autres samples sont plus ésotériques ou abstraits, notamment des bruits sculptés, des chants de moines tibétains et des sons de la nature. Certains morceaux ont une allure décousue, passant d’une palette à l’autre, mais Becuzzi parvient à les faire fonctionner.

En ce qui concerne l’ambiance, elle est sombre et dérangeante. Becuzzi incorpore souvent la dissonance, en explorant les motifs de battement entre deux notes ou par le biais de la distorsion électronique. Le résultat est inquiétant et obsédant, même si son jeu de guitare apporte des niveaux d’énergie élevés. Les percussions sont souvent de nature martiale, ce qui correspond au ton inquiétant de l’album.

Mana est une version 2CD, avec plus de 90 minutes de musique. C’est ce que l’on obtiendrait si une chimère génétique Dead Can Dance / Sunn O))) allait en enfer, collaborait avec Stockhausen, et revenait un ordre de grandeur encore meilleur. Bravo et doigts lévés pour manifester son appréciation.

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No Translation: « Inner Distance »

5 décembre 2021

Inner Distance, le premier album d’Emma Palm sous le nom de No Translation, crée des formes sonores spacieuses à partir des moments les plus intimes et personnels. Comme toujours, Palm construit ses paysages sonores en utilisant principalement des synthétiseurs et sa voix, mais les morceaux les plus profonds d’Inner Distance proviennent des enregistrements de terrain qu’elle et sa mère, à Tapei, ont fait et se sont envoyés au cours des deux dernières années. Ces connexions personnelles attirent la musique vers l’intérieur comme un acte de contemplation et de connexion pour naviguer dans les liens fragiles qui nous tiennent ensemble.

La musique de Palm est captivante par sa douceur viscérale. Avec ses sonorités vaporeuses et ses arrangements sans artifice, on s’attend à ce que ce genre de musique passe inaperçu. No Translation n’offre pas un tel soulagement, car la touche légère masque la lourdeur émotionnelle de l’œuvre. Des morceaux comme « Frame of Reference » et « Two Days » se situent dans un espace flou, nous poussant dans le monde tout en exigeant une attention soutenue. Des pas texturés s’éloignent sur la première, chacun d’entre eux étant une dague alors que cette figure s’éloigne au loin, entourée d’oiseaux qui gazouillent et de voix désincarnées. « Two Days » tente de cristalliser des souvenirs perdus au plus profond de soi, des houles montantes et des échos argentés obscurcissant encore les sons juste à l’abri des regards. On ne peut pas détourner le regard sous peine de manquer la partie qui débloque le reste.

Inner Distance voyage à travers l’espace et le temps en comblant des fossés impossibles à combler. Le morceau d’ouverture, « Momentary », glisse comme une brise sur l’océan, rapide et aérienne, s’élevant vers un trou dans les nuages pour trouver le rayon de lumière le plus net. La voix de Palm flotte sans effort, se fondant dans les opulentes nappes de synthé pour devenir un abri lumineux. Des griffures se promènent sur la surface de la ligne de verre, comme des pages que l’on tourne dans une histoire oubliée, un rappel des palais que nous recherchons. C’est doux, magique.

L’album est décrit comme un cadeau pour la mère de Palm : un espace de guérison où le soleil de Joshua Tree peut atteindre les lumières de Taipei. Dans cet espace, il y a de la place pour que chacun de nous trouve sa propre force. En faisant un geste vers le ciel étoilé, la chanson titre comble le dernier fossé dans les derniers moments de Inner Distance. Les chemins de pierre polie se dirigent vers les portes arpégées du château, ouvertes pour la première fois depuis des lustres et prêtes à laisser entrer nos esprits. Ce premier album de No Translation est une tranche de divinité.

***1/2


Western Edges: « Dependency »

22 octobre 2021

On peut dire sans se tromper que nous avons tous été assez contrariés lorsque Hood, icône de l’indé britannique, s’est séparé ou a fait une pause en 2006, mais il s’avère que ce sentiment n’était pas très clair. Depuis lors, nous avons eu une abondance de projets Hoodish, tels que le magnifique projet Bracken à orientation électronique de Chris Adams, ainsi que downpour qui l’a vu exorciser ou peut-être exercer ses démons de la drum and bass. Pendant ce temps, son frère Richard Adams s’est concentré sur le côté ambiant de l’électronique avec son magnifique projet Declining Winter, tout en créant un groupe, Memory Drawings, avec le joueur de dulcimer martelé Joel Hanson et la violoniste Sarah Kemp. Il a été fascinant d’observer la progression de leurs sons, et impossible de ne pas entendre la subtile filiation avec Hood, même si ce n’est que périodiquement dans le ton mélancolique – ou juste parce que vous voulez qu’il soit là.

Western Edges est un autre projet de Richard Adams et il n’est rien de moins que sublime. Dependency est son deuxième album sous ce nom après un Prowess en 2019, opus qui ressemblait à une série de tonalités électroniques chaudes et parfois nostalgiques.

C’est une musique avec un pied sur le dancefloor, ou en fait peut-être que le pied est à un bloc du dancefloor, et le son imprègne doucement les murs comme un battement de cœur flou. C’est de l’électronique, mélancolique, sans hâte, une sorte d’electronica lofi qui doit autant à son passé d’indie DIY qu’à la musique ambiante, où des beats flous côtoient des pads éthérés et mélancoliques. C’est le genre de musique qui vous coupe le souffle.

Par moments, elle est durable, presque post rock dans la façon dont les motifs répétitifs se construisent jusqu’à des moments extatiques cathartiques, à d’autres moments, elle semble être plus une question d’humeur avec ces doux paysages sonores évocateurs qui rappellent son prédécesseur. On peut entendre des éléments des œuvres ambiantes collectées d’Aphex Twin ou des voyages en forêt de Wolfgang Voigt comme Gas. Il y a un hypnotisme dans l’instant, dans la répétition. On dirait le reflet d’une fête – la vapeur qui existe dans l’air pendant quelques secondes avant de s’évaporer. Chaque chose a sa place pour Adams. Tout est séquentiel, tout progresse et a un sens. Il n’y a pas d’aspérités ici. La musique est séduisante. Elle vous attire.

On l’aime parce que ce n’est pas qu’une seule chose. Parfois, vous pensez qu’il s’agit d’une sorte de gueule de bois ambiante de fin de soirée post-club où le doux bruit de la techno se répercute encore dans votre corps, à d’autres moments, il s’agit d’un design sonore atmosphérique – travaillant avec la densité et l’humeur. Vous voulez le mettre dans une boîte mais vous ne pouvez pas. C’est ce qui vous pousse à continuer à revenir. C’est ainsi qu’il déroute tout en séduisant. Et qu’il vous incite àle rouver.

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Jason van Wyk: « Threads »

22 octobre 2021

Le compositeur, producteur et pianiste Jason van Wyk, basé au Cap, est signé sur le légendaire label n5MD de Mike Cadoo, basé à Oakland, pour son quatrième album studio solo, intitulé Threads. Nous avons entendu parler de van Wyk en 2016, lorsqu’il a sorti Attachment pour Eilean Rec, puis repris et remastérisé par Home Normal ; un album quon a décrit comme étant plein de beauté simple et non dissimulée, bien qu’avec des soubassements sophistiqués, se situant quelque part entre les tendres compositions pour piano solo de Nils Frahm et son propre jeu de nuit tranquille.

Il a enchaîné un an plus tard, une fois de plus sur Home Normal, avec Opacity, qui nous emmène de son studio intime vers la galaxie extérieure de son imagination, où, comme sur ce présent opus, les houles ambiantes qui s’élèvent lentement frôlent leurs homologues à cordes acoustiques pour une montée en scène sonore à large spectre dans le système solaire. Le piano a commencé à s’effacer en arrière-plan, tout en jouant un rôle essentiel dans une partition musicale. De ce fait, pour son dernier album, van Wyk s’aventure encore plus loin dans les atmosphères ouvertes et hautement texturées, créant avec soin un passage cinématographique pour le moment présent, que j’écoute en boucle maintenant, comme une bande sonore apaisante pour l’angoisse quotidienne.

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Black Tape For a Blue Girl: « The Cleft Serpent »

13 octobre 2021

Remerciez qui vous voulez pour Sam Rosenthal. Auteur-compositeur, concepteur de sons et propriétaire de label, il fait tourner son groupe Black Tape For a Blue Girl depuis trente-cinq ans maintenant, connaissant des moments de grande renommée et d’obscurité, mais ne reculant jamais devant sa vision. Bien qu’il ait longtemps été associé à la scène gothique (une désignation qu’il a adoptée, même s’il s’en tient légèrement à l’écart), BTFABG ne s’assoit pas confortablement sur une chaise, sauf celle de « réalisateur ». L’esthétique de Rosenthal est personnelle, tant dans sa conception que dans son contenu. Il trace sa propre voie sans tenir compte des tendances ou de la mode, et il est toujours profondément émotif. Il crée l’une des expressions de soi les plus pures de la planète.

C’est aussi vrai pour son dernier album The Cleft Serpent que pour tous ses autres disques. Rejoint par ses nouveaux compagnons de groupe, Jon DeRosa au chant et Henrik Meierkord au violoncelle (est-ce la première fois qu’il n’a pas de compagnons féminins ?), Rosenthal peint un paysage élégant, quoique sombre, avec des claviers et de l’électronique soigneusement déployés, évitant les percussions. S’inspirant plus – beaucoup plus – des quatuors à cordes, du minimalisme et de la chanson d’art que du rock gothique et de la darkwave auxquels le groupe est associé, les chansons dérivent comme des feuilles à la surface d’un lac – colorées, hypnotiques, et une fois que l’on y prête attention, on ne peut plus s’en détacher jusqu’à ce qu’elles disparaissent. Cela convient parfaitement aux paroles, qui s’attardent sur ce qui semble être un amour contrarié, peut-être même toxique, condamné à être brisé, vie après vie, par l’interférence de forces obscures. « The Trickster » et la chanson titre montrent clairement que quelque chose ou quelqu’un ne laissera pas ces amoureux se reposer, quelle que soit l’époque à laquelle ils se trouvent. Lorsque nous arrivons à « So Tired of Our History » et à « I’m the One Who Loses », un morceau épuisant sur le plan émotionnel, nous sommes presque aussi épuisés spirituellement que les protagonistes.

C’est le genre de musique qui pourrait devenir envahissante entre de mauvaises mains, un voyage lugubre vers nulle part. Mais Rosenthal conduit toujours ses thèmes désespérés avec une véritable puissance émotionnelle, sans jamais tomber dans le mélodrame ou le misérabilisme. Le charme est particulièrement puissant cette fois-ci grâce aux bons collaborateurs – le violoncelle de Meierkord ajoute des textures éthérées qui donnent de la profondeur à la musique, tandis que DeRosa chante tout avec un équilibre parfait entre l’expression du cœur sur la main et une dignité majestueuse. « Pourquoi nous battons-nous, aimons-nous et mourons-nous ? » (Why do we fight and love and die?), chantonne-t-il avec simplicité dans « To Touch the Milky Way », tout en connaissant déjà la réponse. Avec ces partenaires artistiques, Rosenthal a créé, avec The Cleft Serpent, une autre méditation bien pensée et indéniablement sincère sur la recherche futile de l’amour et sur les raisons pour lesquelles il vaut la peine de le poursuivre.

***1/2

 


Perila: « 7.32/2.11 »

12 octobre 2021

La couverture de 7.32/2.11 représente un test de Rorschach délavé. L’image en niveaux de gris, éparpillée et floue, pourrait représenter un million de choses différentes, mais la morosité cache une quantité surprenante de mouvement. Des silhouettes fantomatiques font la queue, attendant leur chance pour franchir une porte dans les profondeurs de la montagne. Les aurores boréales dansent dans le ciel, marionnettistes tirant des ficelles cosmiques, riant malgré la douleur, respirant la dégradation de l’hiver comme le plus doux des parfums. Perila creuse des tranchées peu profondes au cours de son voyage, alors que le temps s’arrête, mais que la mort et le chagrin continuent de jeter des regards furtifs.

Des houles de basse creuses poussent contre des pads fantômes, la combinaison dense de fréquences comme un massage de l’oreille interne, une couverture emmaillotant les synapses dans un faux confort. La retenue de Perila pourrait maintenir les nuages en place. La mélancolie aspire à une nouvelle saison dans les légers scintillements électroniques, la résonance passe-bas s’ouvrant et se fermant comme un clocheton sous-marin. Elle revient, tenant la main aux échelons supérieurs, créant un espace pour le souffle doux de Perila sur les timbres envoûtants et méchants de « Haven’t Left Home 4 4 Days ». Des motifs simples et répétitifs construisent des murs géométriques, sa voix étant la figure informe qui flotte sans but tout en cherchant une issue vers le haut. 

Une grande partie de 7.32/2.11 est imprégnée des traces de la solitude pensive de la séparation et de l’isolement. Les images nostalgiques sont enveloppées dans des couvertures rafraîchissantes, les idées d’évasion sont atténuées par des tonalités ruminatives et des passages disparates. « This Story Doesn’t Make Any Sense » est à la hauteur de son titre, remettant en question les situations incroyables qui continuent à échapper à tout contrôle. Perila se lamente, dans un monologue intérieur qui s’estompe dans le ciel qui s’assombrit : « Je ne peux pas parler maintenant. Mes deux mains sont occupées » (I can’t talk right now. My both hands are busy). La distraction et l’évasion se déplacent en tandem dans les dérives vocales sans paroles et les grattages de guitare répétitifs, le tout manœuvrant doucement autour d’un cadre synthétique frémissant qui crache des débris auditifs.

La brume de 7.32/2.11 est imprégnée d’une voix sous-jacente et interrogative qui se demande sans cesse ce qu’il faut faire maintenant. Les explorations au piano trempé sur « Crash Sedative »n’offrent aucune réponse, mais permettent de continuer à faire couler l’eau et de garder un œil sur la lueur de la lune. Dans cet état constant d’impermanence, certains repères deviennent des balises énigmatiques. Personne n’a la moindre idée de ce qui va se passer, mais même dans les espaces les plus isolés, il y a toujours des moments et des connexions à partager.

***1/2


Alister Fawnwoda, Suzanne Ciani, & Greg Leisz: « Milan »

12 octobre 2021

Alister Fawnwoda, artiste originaire de de Detroit, a le vent en poupe. Après une poignée d’excellents morceaux en collaboration avec Omar S, son regard se tourne vers l’extérieur et vers le haut, dans l’univers en expansion de Milan. S’associer à deux figures légendaires, Suzanne Ciani et Greg Leisz (qui joue exclusivement de la pedal steel sur Milan) pour créer quelque chose d’une telle profondeur méditative n’est jamais une mauvaise idée, mais Fawnwoda guide ces sessions sans effort. Avec le producteur et ingénieur Sonny DiPerri, Fawnwoda fait de Milan quelque chose de magique.

Un terrain sonore immaculé est sculpté dans un marbre céleste, des courbes généreuses balayent de vastes plaines cristallines sur « Sweetheart ». Le bonheur résonnant de la pedal steel de Leisz est rencontré, en force, par des arpèges scintillants et des houles massives de synthétiseurs. Des hectares d’espace permettent à chaque artiste de respirer et de créer une présence individuelle, mais l’enchevêtrement d’idées et de sons dans une sphère centrale attire les auditeurs, offrant un portrait intime de ce monde magnifique et imaginé. Des sirènes à bout de souffle chantent d’en haut, des ombres dorées filtrant à travers les tons complexes et chorégraphiés de la glassine.

Milan interpelle à de multiples niveaux. Au-delà de l’expertise technique et compositionnelle affichée, comme dans les profonds couloirs du tentaculaire « complexe du léopard », c’est un récit émotionnel qui se déploie et captive. Alors que Ciani construit des couches de dérive synthétique en apesanteur, saturant davantage « Leopard Complex » de sentiments de liberté et de soulagement, Liesz texture magnifiquement la surface avec des passages émotifs, ajoutant un élément d’expérience vécue à la piste. Chaque aspect se déplace à l’unisson, des parties disparates tressées ensemble formant un tout singulier et éblouissant. Cette même notion de purification devient un point d’exclamation sur le redoutable « Snow Ritual » 

Tout au long de Milan, l’horizon nous attire. Cette musique est baignée de lumière, suivant le soleil dans ses déplacements dans le ciel, à la recherche d’un endroit où se reposer. Milan est une leçon de retenue où chaque artiste donne et prend de l’espace selon les besoins, laissant la puissance de la résonance combinée de ces compositions laisser tranquillement une impression durable. Des premières spirales de « Night Bunny » aux derniers gazouillis de « Snow Ritual », Milan est une réussite incontestable.

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