Gang of Youths: « angel in realtime »

28 février 2022

Au cours des cinq années qui se sont écoulées depuis leur deuxième album, le très acclamé Go Farther In Lightness, le groupe de rock alternatif australien Gang of Youths a connu beaucoup de changements. Fin 2019, le membre fondateur Joji Malani a quitté le groupe, avant d’être remplacé peu après par le multi-instrumentiste (et ancien de Noah and The Whale) Tom Hobden. Mais plus important encore : en 2018, le frontman Dave Le’aupepe a perdu son père, dont la vie et l’héritage servent d’inspiration principale pour leur sensationnel nouvel album, angel in realtime.

Bien qu’angel in realtime soit en fin de compte une histoire personnelle centrée sur la propre perte de Le’aupepe, les thèmes et les émotions qui traversent le disque sont universels. Non seulement il réussit à être un hommage touchant et émotionnel à son défunt père, mais il va plus loin en livrant une œuvre d’art affirmant la vie, qui aborde certains des aspects majeurs de l’expérience humaine – la vie, l’amour, la mort, le deuil et la religion. 

Le son est également éblouissant, Gang of Youths restant un groupe de rock à la base, mais apportant des éléments de musique classique, de danse et de folk, ce qui permet à cette collection de chansons de s’envoler. Il y a également plus d’un clin d’œil à l’héritage de Le’aupepe dans les sons éclectiques présentés, avec des contributions de chanteurs Pasifika et Māori, ainsi que des échantillons des enregistrements du compositeur David Fanshawe de musique indigène des îles polynésiennes et de la région du Pacifique Sud. 

Tout cela est évident dès le début, avec « You In Everything » un morceau d’ouverture envoûtant et très orchestral, où Le’aupepe décrit de manière complexe les derniers moments passés avec son père. Il s’agit d’une mise en scène parfaite, avec une instrumentation sur grand écran, alors que Le’aupepe passe en revue chaque sens sur le refrain déchirant de « I will (need/see/hear/feel) you in everything » (Je vais (avoir besoin/voir/entendre/sentir) de toi en tout). C’est une accroche émotionnelle qui vous entraîne dans le disque, avec le récent « In the Wake of Your Leave » qui poursuit l’histoire, avec des harmonies de soutien fournies par le Auckland Gospel Choir et des percussions de plusieurs batteurs des îles Cook. Le « single » principal, « Angel of 8th Ave. », est le moment où l’on peut vraiment commencer à entendre l’influence de Tom Hobden. C’est une chanson d’amour très hymnique qui se déroule à Londres, portée par des cordes, des synthés et un grand refrain « There’s heaven in you now » (il y a le paradis en toi maintenant).

Le ton change ensuite légèrement avec « The Returner » et « Unison » qui représentent une paire de morceaux folk aux cordes, avec le son du banjo et du saxophone ajouté à l’arrangement riche et varié de ce dernier. Le « single » de la fin de l’année 2021, «  Tend the Garden » » est un titre plus lumineux et estival, Le’aupepe expliquant de manière poétique l’amour de son père pour le jardinage en racontant son difficile voyage de Samoa à Auckland dans les années 60. « The Kingdom Is Within You » et « Forebearance » sont ensuite des crossovers dance/rock hypnotiques qui offrent des nuances de Moby et de Springsteen dans la même mesure, tandis que « Spirit Boy » est l’une des mini-symphonies de l’album grâce à une merveilleuse explosion de cordes sur la dernière ligne droite.

Curieusement, malgré la richesse de la splendeur instrumentale, c’est probablement la chanson la plus dépouillée de l’album qui offre le meilleur moment. Le’aupepe n’a jamais connu l’étendue de la vie et de l’ascendance de son père jusqu’à ce qu’il soit décédé, et c’est là qu’il a appris qu’il avait deux demi-frères plus âgés. Après les avoir retrouvés et rencontrés pour la première fois, il a écrit « Brothers », une ballade brute au piano qui rend hommage à l’héritage de son père tout en décrivant les hauts et les bas des relations qu’il entretient avec ses frères et sœurs. Cette chanson est écrite de manière exquise et constitue un morceau dévastateur et stupéfiant.

« The Man Himself » est un autre morceau orchestral sur lequel Le’aupepe donne une performance vocale émouvante en abordant une fois de plus son propre chagrin. Le grand final de 11 minutes en deux parties s’ensuit avec « Hand of God », un hymne au piano construit sur une imagerie religieuse et un refrain familier d’« Hallelujah », qui se fond dans le morceau de clôture « Goal of the Century ». Avec des cordes plus cinématiques et une influence tribale dans les chœurs et la batterie, il rappelle les textures de la piste d’ouverture et clôt joliment le disque, se terminant parfaitement sur les mots « You were an angel in realtime » (Tu étais un ange en temps réel).

Pour Dave Le’aupepe et Gang of Youths, l’objectif de ce nouveau disque était clair : « J’espère que ce disque sera un monument à l’homme que mon père était et restera longtemps après que je ne serai plus là moi-même. Il le méritait ». »Si le temps nous dira s’ils ont finalement atteint leur objectif, une chose est sûre pour l’instant : il s’agit d’un hommage magnifique et émouvant qui va au-delà des propres expériences de Le’aupepe et permet à l’auditeur de se connecter avec les histoires humaines qu’il trouve au cœur. Avec une écriture magnifique, une résonance émotionnelle, ainsi que des compositions magnifiques et variées, on ne peut s’empêcher d’être complètement emporté.

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Sasami: « Squeeze »

27 février 2022

Dans une compte-rendu datant de 2021 sur le deuxième album de System of a Down, Toxicity, un groupe de métal alternatif, un seul musicien non-métallique a été cité – ou du moins, elle n’était pas un musicien de métal à l’époque. « System of a Down exploite cette énergie super sombre et l’applique à quelque chose qui les met vraiment en rage, comme l’insécurité et la toxicité politique de leur pays d’origine, et l’état de l’existence humaine », a déclaré Sasami Ashworth, alias Sasami. Sur son deuxième album Squeeze, la musicienne de 31 ans de Los Angeles imite ses idoles, délaissant le shoegaze et la dream-pop de son premier album éponyme de 2019 pour le métal, l’industriel et le grunge. Grâce à ces nouveaux sons forts et agressifs – Ashworth a également joué du synthé chez Cherry Glazerr et, lors de quelques apparitions télévisées, elle crée un espace dans lequel chacun peut combiner sa propre rage avec la sienne et se sentir nouvellement libéré par une catharsis de groupe, sans infliger aucune violence réelle. Le maelström de guitares distordues et de percussions martelées donne naissance à ses meilleures compositions à ce jour.

En écrivant Squeeze, Ashworth a approfondi la question de savoir comment ses ancêtres Zainichi, des Coréens vivant au Japon, parfois à la suite d’une relocalisation forcée, ont été maltraités et marginalisés. La colère qu’elle a ressentie concorde avec ce qu’elle a appris sur la façon dont l’esprit folklorique y?kai japonais nure-onna – partie serpent, partie femme – épargne les bonnes personnes et anéantit les mauvaises. Dans « Skin a Rat », la colère d’Ashworth est tout aussi spécifique et ciblée : Alors que Dirk Verbeuren, le batteur de Megadeth, se déchaîne derrière le kit, Ashworth et ses choristes – la comédienne Patti Harrison, qui a réalisé la vidéo de la reprise métallique de Squeeze sur la chanson « Sorry Entertaine » » de Daniel Johnston, et Laetitia Tamko, de Vagabon – déversent leur venin sur une « putain d’économie ». Sa cible est claire – le capitalisme – mais c’est la façon dont elle décrit sa colère qui est la plus intéressante. « In a skin a rat mood / Cut ’em / Crush ’em with a big boot » (Dans une humeur de peau de rat / Coupez-les / Ecrasez-les avec une grosse botte ), disent les couplets, qui s’enorgueillissent de guitares glorieuses qui auraient pu être copiées et collées d’une chanson de Korn. Ashworth évoque la violence avec ses paroles, mais c’est une humeur, un fantasme. Elle ne fait jamais de mal à personne, encore moins à un rat.

Ashworth utilise la dureté métallique – parfois grâce à la coproduction avec le dieu du fuzz Ty Segall – pour créer un espace sûr permettant de partager la rage, de la valider et de la transformer en soulagement sans conséquences physiques. Elle ne mentionne jamais l’histoire de sa famille ou sa marginalisation spécifique, même si ces détails ont été à l’origine de la création de Squeeze, et c’est un choix intelligent : il est plus difficile de s’immiscer dans l’art de quelqu’un et de se décharger d’un poids personnel exaspérant quand il appartient si clairement à quelqu’un d’autre. « Need It To Work » passe en trombe sur un langage clair et simple qu’Ashworth livre d’une manière qui relègue toute l’histoire dans les profondeurs de son esprit : « Like me? Do you like me? Do you notice me? » (Tu m’aimes bien ? Est-ce que tu m’aimes ? Est-ce que tu me remarques ?) demande-t-elle d’un ton narquois mais enjoué. On dirait qu’elle tourne frénétiquement en rond dans sa chambre, se préparant à dire quelque chose mais ne trouvant pas encore le courage de le dire. «  I need it to work » (J’ai besoin que ça marche), chante-t-elle à plusieurs reprises au dessus des guitares diaboliques du refrain, et comme ses paroles ne sont pas en phase avec ces guitares et le rythme comprimé de la batterie, le malaise amplifie les enjeux. C’est une musique pour essayer de manifester la disparition de l’obstacle le plus redoutable.

Sur « Say It », le morceau le plus ouvertement inspiré du métal, grâce en partie à la coproduction de Segall et de Pascal Stevenson du groupe post-punk Moaning, la libération de la colère et du stress amoureux vont de pair. « Don’t want to agonize, just say it » (Je ne veux pas mangoisser, dis-le juste), chante Ashworth, suppliant son amoureux de lui dire ce qu’il ressent vraiment ; rien que leurs mots pourraient calmer sa rage. Pourtant, d’autres paroles suggèrent que cette honnêteté pourrait être aussi violente que l’absence même de l’amour qui lui porte sur les nerfs. « Why don’t you rip it off ? » (Pourquoi ne l’arraches-tu pas?) demande une voix grave, fortement décalée, qui semble désincarnée, presque comme une pensée intrusive, au dessus d’un riffage de basse fréquence déchirant. Pour Ashworth, « Say It » suggère que la simple idée qu’un amant pense du mal d’elle peut être aussi enragée et douloureuse que des griffes dans sa peau.

La violence est omniprésente, même dans les moments les moins martelés de Squeeze. « The Greatest » est une « power ballad » surmultipliée mais vaporeuse sur un amour profondément inégal, avec des images de fusils chargés sur la gorge et d’Ashworth abandonnés sans ménagement au bord de l’autoroute. Sur « Call Me Home », que Kyle Thomas de King Tuff a coécrit et qu’Ashworth a produit, des grattages de guitare acoustique et des grosses caisses réverbérantes s’entremêlent avec des synthés qui ressemblent à un chœur criant de derrière un mur, et l’effet combiné est aussi obsédant que magnifique. C’est l’ambiance idéale pour les scènes domestiques mais tendues que peint Ashworth – « Get a real job, and a fake smile » (Trouve un vrai travail, et un faux sourire) résume en hquelques mots mots l’épuisement à joindre les deux bouts – de sorte que lorsque des images de cous étranglés et d’yeux brûlés se joignent à la mêlée, elles ressortent comme des pouces douloureux.

Les chansons moins métalliques de Squeeze ne sont pas aussi cexcentriques et justes que les « headbangers » ; bien que « Tried to Understand » soit une chanson folk-pop accrocheuse et « Make It Right » soit une composition amusante et bluesy, il leur manque la vigueur et la fureur qui font de Squeeze une urne pour les cendres de la rage : comment pouvez-vous déverser votre colère dans une chanson si elle n’a pas sa propre colère ? Squeeze excelle lorsqu’il fournit la bande-son parfaite pour percer un trou dans un mur, ou du moins pour en fantasmer.

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Keeley Forsyth: « Limbs »

27 février 2022

Limbs, le deuxième album de l’actrice anglaise devenue musicienne Keeley Forsyth, est une confrontation étonnamment intime avec le corps humain. Au fil des huit chansons, Forsyth développe une atmosphère épaisse et enivrante. Au cœur de la musique se trouve sa voix : une mezzo-soprano inoubliable. Sur Limbs, elle repousse les limites de sa voix, découvrant de nouveaux sons qu’elle peut produire et de nouvelles façons dont elle peut représenter le corps entier lui-même. C’est un disque hanté et obsédant d’une artiste qui n’a pas peur d’incorporer tout son être dans la musique.

Debris, le premier album de Forsyth sorti il y a deux ans, était un disque austère, issu de la tradition de l’avant-folk d’albums comme Desertshore de Nico. La musique mettait en valeur une instrumentation plus détendue, souvent accompagnée d’une guitare acoustique et d’un piano. Avec Limbs, Forsyth étend son son au-delà de l’instrumentation de l’auteur-compositeur-interprète et s’aventure sur un terrain électronique, ponctuant ses paysages sonores lents de lourdes distorsions et de percussions brutales. L’épine dorsale de la musique de Forsyth est un mélange minimaliste de drones inquiétants et de cordes délicates : des textures aériennes plus ambiantes que mélodiques. C’est à la fois plus cohérent et plus envoûtant que Debris. Le mélange d’orchestration de cordes classiques et d’électronique distordue est la clé de l’ambiance tendue et désespérée de l’album. Par exemple, sur « Blindfolded », une section de violon mélancolique est recouverte par un pad de synthétiseur bruyant, qui noie les sons purs des cordes dans la distorsion. Rien n’est purement joli sur Limbs. Il y a toujours une violence sous-jacente au moindre soupçon de tendresse.

La voix de Forsyth est au centre de toutes les compositions de l’album. C’est une voix dramatique et opératique, qui se déploie presque toujours dans des états de grande émotion. Forsyth a un don pour la vulnérabilité, laissant sa voix vaciller avec un vibrato intense, tout en gardant un contrôle impeccable sur les chansons. Dans ses performances live, elle incarne un personnage, se déplaçant de manière recroquevillée et gesticulant lentement avec des bras tendus. Pour Forsyth, le son est intimement lié au mouvement. Elle ressent la chanson avec ses bras et ses jambes (d’où le titre approprié de l’album, peut-être), comprenant le rôle du chanteur comme une performance : une qualité évidente même en dehors de ses performances live.

Les enjeux du drame dans Limbs sont certainement la vie et la mort. Le personnage que Forsyth incarne sur l’album est dans un état perpétuel de désespoir. Elle supplie sans cesse des personnages anonymes. « Save me from the chair/ Where sadness lies », crie-t-elle sur « Fire » » Le deuxième morceau, « Bring Me Water », s’articule autour de deux suppliques répétées : la ligne du titre et « Let me begin again ». Forsyth mendie constamment son salut, s’humiliant sans prétention pour demander l’aide d’autrui. Les chansons habitent un état de quasi-désespoir, envahi par des sentiments de noirceur intérieure. Ces supplications qui jaillissent des lèvres de Forsyth se lisent comme un ultime effort de survie. L’esprit de la mort plane toujours sur ces chansons : une terreur dont l’horreur découle de son caractère inévitable.

Avec Limbs, Forsyth s’éloigne partiellement de la poésie plus directe de son précédent album. Sur certaines chansons, comme « Blindfolded », les paroles se déploient comme des énoncés de mots uniques, répartis sur toute la piste. Dans d’autres, elle s’attarde sur des sons non verbaux produits par sa bouche : des gémissements profonds ou de doux soupirs. L’album est lent et sombre, mais il est aussi un témoignage clair du potentiel illimité de la voix humaine. Bien que dépourvu de présence visuelle, Limbs met toujours en avant le corps : sa production de sons et sa capacité à encapsuler une tapisserie de sentiments. Une fois de plus, Forsyth démontre une capacité impeccable à mettre tout son être – corps et âme – dans sa musique.

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Metronomy: « Small World »

27 février 2022

S’il y a une constante dans la vie et l’époque de Metronomy, c’est le frontman et unique membre du groupe, Joseph Mount. Agissant comme le métronome titulaire qui garde le rythme à travers les différentes itérations du groupe, Mount est un leader intéressant, un penseur constant sur les questions de cœur qui ne peut s’empêcher de garder une distance ironique. Mais pas cette fois-ci. L’avènement de leur dernier renouveau et de l’album correspondant, Small World, voit émerger un nouveau Mount, en paix avec son rôle de romantique et débordant d’espoir pour un monde dépassant les deux dernières années. Sans son côté sardonique, cependant, il y a peu de choses qui le différencient de ses influences pop des années 90.

Malgré leur association avec la scène indé, Metronomy a depuis longtemps gardé son propre rythme, un rythme qui remonte à l’électronique abstraite et ambiante du premier album solo de Mount sous le nom de Metronomy, Pip Paine (Pay Back the £5000 You Owe), sorti en 2006. Mais c’est sur le disque mélancolique et funk de Nights Out (2008) que le groupe a mis en avant son facteur de différenciation, en introduisant la voix rauque de Mount, perpétuellement inoffensive mais immédiatement reconnaissable. Avec The English Riviera (2011), Metronomy s’est annoncé comme un groupe pop à part entière, bien qu’il soit rendu frappant par les ruminations de Mount sur les amours non partagées et la psychose des petites villes. Chaque album suivant a ajouté une nouvelle ride à leur éclat pop sucré, qu’il s’agisse de considérations méta sur leur propre percée sur Summer 08 en 2016, ou d’un retour aux enregistrements solo de Mount avec Metronomy Forever en 2019.

Alors quel est le facteur de différenciation ici ? Eh bien, le dernier mouvement de pendule musical de Mount fait dévier le groupe vers une pop si douce qu’elle fond pratiquement au contact du tympan. Délaissant les lignes de basse synthétiques qui formaient autrefois l’épine dorsale de leur funk électronique, Metronomy dérive maintenant sur une mer de guitares rythmiques inoffensives, naviguant sur des twangs acoustiques, des harmoniques mignonnes et des sentiments tièdes. Il y a bien quelques touches de psychédélisme, comme sur le délavé « I lost my mind », et une ligne de synthétiseur qui perce à travers le kitsch, mais c’est un album plutôt direct. Il y a même des sifflements.

En parlant de Small World Mount a exposé son inspiration : « Je me suis souvenu de ce que c’était quand j’étais enfant, quand j’étais assis sur la banquette arrière de la voiture de mes parents et qu’ils passaient leur musique et je me disais ‘c’est horrible’, mais il y avait une ou deux chansons que j’aimais bien ». Pourtant, malgré son clin d’œil à la pop enjouée des Boo Radleys et à la chanson « inanimement positive » qu’est « Shiny Happy People » de R.E.M., ce disque est un effort essentiellement sincère pour capturer la nostalgie de la douce brise de la pop moyenne des années passées. En ce sens, il est difficile de dire que Small World est autre chose qu’un succès, mais un succès en ces termes ne peut s’empêcher de ressembler à une mimesis superficielle. Le mieux que l’on puisse dire, c’est que ce n’est pas affreux.

Comparé aux discursions tentaculaires de leur dernier album, Metronomy Forever (une entreprise gigantesque de 17 chansons, qui menaçait de durer une heure entière), c’est une affaire beaucoup plus dépouillée, dépassant à peine la demi-heure. Alors que Forever s’inspirait des excès de Drake et consorts, où un album est plutôt un amas d’idées déconnectées, Small World, au titre approprié, restreint la vision de Mount. Mais sans les divergences créatives de son prédécesseur, on se retrouve avec une bouillie assez oubliable, sauvée uniquement par sa brièveté. Le même sens de l’accroche pop répétitive et accrocheuse persiste, comme sur « It’s good to be back », un titre qui prouve le talent de Mount pour les mélodies enjouées, mais qui manque de sentiment au-delà d’un optimisme beige post-pandémique pour l’avenir.

Si Small World clarifie quelque chose, c’est que Mount a toujours été un papa rockeur des années 90. Ce qui ne répond pas à la question de savoir à qui s’adresse ce disque. Est-il destiné aux parents assis à l’avant, qui n’absorbent rien d’autre que les progressions d’accords joyeuses, ou à l’enfant assis à l’arrière, qui prie pour que la sédation sereine cesse ? Lorsque l’album se termine par la répétition mantrique « I have seen enough… », on a l’impression que Mount anticipe les critiques sur sa tendance à la mièvrerie. Tout ce qu’on peut espérer, c’est que le prochain coup de Metronomy aura un peu plus de poids.

***1/2

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Black Marble: « Fast Idol »

27 février 2022

Lorsque Chris Stewart a fait le tour de la presse pour son dernier projet, Bigger Than Life, il a donné un petit aperçu de la façon dont le fait d’avoir occupé un emploi épuisant dans la publicité à Manhattan lorsqu’il était plus jeune – entouré de travailleurs à vie de 9 à 5 qui n’étaient peut-être pas très créatifs mais qui exécutaient leur jeu d’entreprise au maximum – l’a préparé à être l’unité solitaire qu’est Black Marble. « Pour moi, le fait d’avoir une expérience dans ces emplois stressants où il faut être prêt à tout, m’a permis d’être une sorte d’homme-orchestre qui peut faire la musique, faire tout le design, travailler sur les vidéos (parce que j’ai fait une école d’arts visuels), donc je connais tout le monde visuel et musical », avait déclaré Stewart. « Vous allez tellement vous faire arnaquer si vous n’avez pas ces compétences en tant que créatif, surtout dans le monde du booking si vous ne comprenez pas les chiffres, vous allez complètement vous faire avoir. Tout est fait pour vous baiser, alors si vous savez comment vous défendre… »

Cette autodéfense s’accompagne d’une détermination sans faille à développer sa petite crevasse de genre : la coldwave. Stewart a construit une carrière réussie en se fiant à une fantaisie interne particulière qui consiste à mettre en boucle des synthés aux sons improvisés, des boîtes à rythmes qui mettent une seconde à démarrer, et des motifs de basse qui rappellent le passage textuel de la fin des années 70 et du début des années 80 du punk tapageur à la new wave capricieuse.

New Order, les premiers 45 tours de Madonna, certains moments de The Cure, les débuts d’OMD, et des éléments du groupe de power pop The Necessaries avec Arthur Russell et Ernie Brooks de Modern Lovers –on ne fait pas référence à quelque chose de nouveau ici, ces comparaisons ont déjà été mentionnées. Mais ces mondes sonores glacials restent intemporels. Toujours des clics, des bips et des tics pour un arrangement mécanique qui, lorsqu’il est bien fait, évoque des visions de mohawks bleus allant et venant devant une lumière rouge dans un dancefloor de sous-sol rempli de brouillard, où tous les isolationnistes se pâment joyeusement tout seuls, faisant discrètement honneur à l’espace post-rock.

Fast Idol, le quatrième album de Black Marble, ronronne pendant une bonne partie des 52 minutes de ce communiqué synth-pop de onze chansons. Dans certains passages, il fait perdre à vos oreilles et à votre cœur la notion du temps, glorieusement, surtout quand cette étendue frappe un type juste de tristesse automatisée. Tout comme l’essence de « Frisk », de son excellent album It’s Immaterial de 2016, il a mis en avant les bonnes choses, des « bangers » tristes à faire saute plutôt que pleurer. « Bodies », le deuxième morceau, permet à Stewart de rester inébranlable avec des choix sonores délicieusement rétro et ostentatoires, alors qu’il décrit en vers et en sentiments, un certain type de relation qui doit prendre fin, car le présage devient bien trop évident pour être ignoré. Ce titre, qui est un véritable tube, montre comment la production de Stewart – qui s’autoproclamait autrefois comme pourvoyeuse d’accroches glacées et synthés ondulants toujours sur le point de se désaccorder, s’est transformée en textures mélancoliques polies et solides qui repoussent l’enveloppe de l’esthétique pop dans des régions acérées. Dans la même veine, on retrouve « Royal Walls », un « jammer » en mode freestyle, avec des claquements de mains et des vibrations de basse cathodique, contenant des paroles qui serpentent le long de la ceinture pour capturer des bribes évocatrices de la vie quotidienne et des frictions et conflits que nous devons tous traverser.

Stewart choisit son approche d’homme-orchestre à la fois comme une esthétique et un moyen de survie. Pendant la majeure partie de Fast Idol, c’est l’approche qui fonctionne le mieux.

***1/2

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Charming Disaster: « Our Lady of Radium »

27 février 2022

Voici le deuxième « concept album » sur un personnage historique féminin célèbre chroniqué ici par Charming Disaster, celui concernant a découvreuse du radium. Le duo musical Charming Disaster, basé à Brooklyn, a été formé en 2012 par Ellia Bisker et Jeff Morris. Inspirés par l’humour gothique d’Edward Gorey et de Tim Burton, les récits noirs de Raymond Chandler, les « murder ballads » de la tradition Americana et le flair dramatique du cabaret, ils écrivent des chansons qui racontent des histoires, utilisant deux voix pour explorer des récits et des personnages sombres avec une sensibilité macabre ludique. Leur quatrième album, Our Lady of Radium, s’éloigne des thèmes occultes pour lesquels le duo gothique-folk s’est fait connaître dans ses précédents albums. Sur ce nouvel opus, Ellia Bisker et Jeff Morris appliquent leur sensibilité artistique sombre et ludique à la vie et aux découvertes de la scientifique pionnière Marie Curie, ainsi qu’à l’histoire tragique des « Radium Girls » et à d’autres conséquences du travail de Curie.

Our Lady of Radium, c’est 9 titres en 38 minutes de chansons joliment arrangées et mélodieuses, avec des mélodies mémorables et une touche de mélancolie. Si vous pensiez à un gars et une fille avec une guitare ou deux, vous vous trompiez. Ellia et Jeff s’échangent les voix sur les chansons et leurs harmonies vont de pair, et leurs chansons sont aussi bien cabaret/art rock que folk. Il y a aussi beaucoup d’humour ironique. Le groupe le plus proche de Charming Disaster est Voltaire, qui, on le peut penser, est une référence parlante.

En commençant par le sinistre « Bad Luck Hard Rock », Bisker et Morris parlent de trésors enfouis… ou d’enterrement de corps… ou plus probablement d’extraction de matériaux radioactifs. Ce n’est certainement pas un duo à la Belle et Sebastian. Il y a un soupçon de familiarité sur « Forces of Nature » et cela nous rappelle Suzanne Vega, et quelqu’un d’autre sur lequel on n’arrive pas à mettre le doigt ; peut-être plusieurs personnes.

Un autre type de rayonnement est à l’origine de l’histoire légèrement alambiquée de «  Power of the Sun » », qui explore la science et la mythologie d’une manière que seul un nerd peut aimer, tout comme on ne peut qu’être irradié par la façon dont la voix d’Ellia glisse de haut en bas à la fin. « Eat Drink Sleep » est une chanson sur ce qu’il reste à faire lorsque votre amant meurt, évidemment rendue plus poignante en cette ère de pandémie, mais plus personnellement, abordant le chagrin de Marie Curie après la mort tragique de Pierre. Doucement mélancolique, elle aurait pu être beaucoup plus triste, mais heureusement, elle a été juste dans son sentiment. « Darkened Room » est un numéro optimiste et amusant sur les médiums, le spiritisme et les fantômes avec lesquels ils interagissent prétendument, et dans son contexte, le célèbre médium dont les Curie ont assisté aux séances. Bien sûr, « Radium Girls » rend hommage aux ouvrières d’usine qui ont contracté un empoisonnement aux radiations en peignant des cadrans de montres avec de la peinture autolumineuse ; un splendide hommage aux femmes qui ont donné leur vie pour que nous puissions lire l’heure dans le noir. L’énigmatique « A Glow About Her » est chanté en leitmotiv ce qui ajoute à l’obscurité des problèmes relationnels complexes et des situations sociales compliquées.

Charming Disaster garde le meilleur pour la fin sur la chanson titre avec un refrain qui vous restera dans la tête comme la farine d’avoine vous colle aux côtes un jour d’hiver. C’est l’un des morceaux les plus instrumentaux de l’album, mais il atteint la perfection dans sa simplicité. Après une première écoute on se dit que l’album est plutôt bien pour un couple de hipsters de Brooklyn. Maintenant, après avoir passé plus de temps avec lui, on réalise que ce n’est pas juste un bon album mais c’en est un excellent avec le charme qu’apporte un désatre qui na rien de désastreux.

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SeeYouSpaceCowboy: « The Romance Of Affliction »

26 février 2022

De tous les groupes de la scène dite « revivalcore »t, les Californiens de SeeYouSpaceCowboy sont sans doute les plus populaires. Avec un son et une esthétique qui renvoient à l’époque de MySpace, des longues franges et des titres de chansons encore plus longs, le quintette semble avoir touché une corde sensible non seulement chez ceux qui ont grandi à cette époque, mais aussi chez ceux qui l’ont ratée la première fois. The Romance Of Affliction est leur deuxième album, la suite très attendue de The Correlation Between Entrance And Exit Wounds, sorti en 2019. Tout comme cet album, le groupe s’appuie sur un mélange puissant et nostalgique de metalcore et de post-hardcore, imprégné de son propre culot. Ils ont également élargi leurs horizons, cet album étant sans doute le plus vaste à ce jour.

Il suffit de regarder les invités qui apparaissent sur The Romance Of Affliction pour se faire une idée de la réputation que SYSC s’est faite en quelques années. Par exemple, l’ouverture de « Life As A Soap Opera Plot, 26 Years Running » n’a pour invité que Keith Buckley de Every Rime I Die. Etant donné que tout ce que Buckley touche semble se transformer en or, il n’est pas surprenant que ce morceau soit un véritable délire. Avec ses breakdowns violents et ses accords dissonants, il place la barre très haut pour le disque suivant. Ailleurs, Aaron Gillespie d’Underoathprête ses talents à la huitième piste et au récent single Intersecting Storylines To The Same Tragedy. Il est encore plus à l’aise avec SYSC, son chant clair se juxtaposant de manière frappante aux cris déchirés de la frontwoman Connie Sgarbossa.

L’apparition du rappeur Shalin G sur le quatrième morceau « Sharpen What You Can » est peut-être encore plus intéressante. C’est certainement une association moins évidente, mais qui fonctionne étonnamment bien. G s’intègre facilement dans le processus, délivrant un couplet percutant sur la menace metalcore qui s’installe progressivement au sein du groupe. Pour compléter cet impressionnant casting de collaborateurs, on retrouve les anciens partenaires de SYSC dans If I Die First, qui apparaissent sur le titre final, ainsi que le producteur Isaac Hale de Knocked Loose, lui-même déjà sur la voie de la royauté du hardcore et de la production.

Les apparitions des invités peuvent embellir le disque, mais aucune d’entre elles n’occulte la qualité des performances de SYSC. Les deux « singles », « Misinterpreting Constellations » et « The End To A Brief Moment Of Lasting Intimacy » prouvent exactement cela. Les deux morceaux dégoulinent d’émotion, avec des parties vocales claires et massives qui ajoutent un côté puissamment mélodique. Ces voix claires restent une caractéristique commune de l’ensemble du disque, bien plus que dans les productions précédentes du groupe. Elles tendent même vers le pop-punk à certains moments, notamment sur le cinquième titre « With Arms That Bind And Lips That Lock ». Pour la plupart, elles sont un ajout bienvenu, bien qu’il faille reconnaître qu’elles pourraient agacer certains auditeurs. 

Ceux qui recherchent la sauvagerie ne devraient pas être déçus non plus. » Sgarbossa », mentionné plus haut, en particulier, l’apporte à la pelle, soutenu par la lourde attaque métallique du groupe. Sur le plan lyrique, « Sgarbossa » examine la lutte contre l’adversité tout en essayant de trouver la beauté dans ce combat et l’espoir du triomphe. Elle alimente une performance toujours passionnée et féroce, avec ses cris brûlants capturant une douleur d’autant plus grande qu’elle a failli mourir d’une overdose deux semaines seulement après la fin de l’enregistrement du groupe.

Avec un peu moins de 40 minutes, The Romance Of Affliction est une durée raisonnable pour un disque comme celui-ci. Une durée plus longue aurait probablement nécessité un peu plus de variation, mais cela ne veut pas dire que ce disque est unidimensionnel. Du début à la fin, SeeYouSpaceCowboy équilibre une férocité à couper au couteau avec des mélodies émouvantes et un fort sentiment de poids émotionnel. Ils ont peut-être perdu un peu de l’énergie de leurs premiers albums, mais il ne fait aucun doute qu’il s’agit toujours d’un groupe qui peut faire référence à l’histoire de la musique.

***1/2

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Johnny Marr: « Fever Dreams Pts 1-4 »

26 février 2022

Fever Dreams Pts 1-4 est né du désir de réaliser l’œuvre la plus vaste et la plus ambitieuse de la carrière de Johnny Marr. À ce sujet, il déclare : « Je voulais que cet album sonne classique et universel. C’est ce que je ressentais. Je voulais regarder à l’intérieur, mais faire une musique vraiment tournée vers l’extérieur ». De ce point de vue, la mission est accomplie.

Ce quatrième album solo est, comme son titre le suggère, une collection de quatre séquences témoignant de ce travail expansif et exploratoire.  

Emotif, émouvant, direct, Johnny prend son amour de la musique soul et y ajoute son habituel style rock ‘n’ roll. Vous pouvez entendre des éléments et la familiarité de son travail précédent, comme Playland en 2014, mais cela ressemble avant tout à l’album que notre guiariste eu envie de faire pendant des années. C’est ici, en effet, qu’il a créé une nouvelle vague d’expression sonore.

Le morceau d’ouverture «  Spirit, Power And Soul «  reflète cette tendance et donne vraiment le ton de l’album. Marr lui-même le décrit comme un «  gospel électro «  – c’est un hymne, intriguant et audacieux, souligné par ces houles de guitare infectieuses qui lui appartiennent si bien.

Le morceau « Ariel », qui contient des synthétiseurs et une ligne de basse entraînante, et « Sensory Street » sont des titres remarquables qui s’intègrent parfaitement à l’appel aux armes qu’est « Lightning People ».

Authentique et réfléchi, l’album comporte des chœurs et des basses de Simone Marie et Meredith Sheldon de Primal Scream, qui sont toutes deux de splendides collaboratrices.

Bien qu’il y ait un bref clin d’œil au passé (récent) dans l’entraînant » »Night And Day » avec des lignes telles que « Fuse burns up/ The world stirs up/ The news shakes up/ The mood blows up » (Le fusible brûle/ Le monde s’agite/ Les nouvelles secouent/ L’humeur explose. ), il ne fait aucun doute que la majeure partie de cet album traite de l’importance du changement et du regard vers l’avenir.

Fever Dreams Pts 1-4 « est une vitrine des prouesses incroyables de Marr en tant que guitariste impeccable, mais aussi de sa profonde capacité à créer une série de chansons incroyablement fortes qui fusionnent sans effort un élément intemporel de rock ‘n’ roll avec des influences de T. Rex, Depeche Mode et New York Dolls, aainsi qu’un groove soul irrésistible et apaisant.

Pour clore l’album, on trouve une magnifique composition, « Human », qui parle de rédemption et d’espoir, et qui évoque le sentiment que quelque chose « de mieux doit arriver » (better’s got to come), ce qui lie efficacement le sentiment d’humanité, d’intimité et d’intensité à une belle conclusion.

Révélateur, émotionnel, puissant et progressif, Fever Dreams Pts 1-4 est une œuvre impressionnante et engagée, un point d’orgue dans une carrière déjà bien riche.

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Publié par rockdecibels

Bob Burger: « Marching with Feathers »

26 février 2022

Le travail au clavier de Rob Burger peut être entendu dans tout, des vitrines Guggenheim au film à succès Ocean’s 8 – en plus des albums de John Zorn, Laurie Anderson et Iron & Wine – mais les compositions au clair de lune qu’il égrène seul sont peut-être son œuvre la plus fascinante.

Son dernier projet solo, Marching With Feathers, s’éloigne de l’exotisme et du climat cosmique de l’album The Grid sorti en 2019 pour se diriger vers un balancement sans genre d’appréhension électrifiée et de rumination pianistique. Depuis l’isolement involontaire de son home studio à Nashville, Burger utilise ses compétences, aiguisées par des années de bande sonore et de travail de session, pour transmuter les difficultés de la nouvelle décennie en un paysage de rêve hibernatoire.

Musicien depuis toujours, Burger a commencé à apprendre le piano à l’âge de quatre ans et a étudié avec des sommités du jazz comme Max Roach, Archie Shepp et Yusef Lateef à l’université du Massachusetts. Comme si son éducation formelle n’était pas assez impressionnante, son éducation informelle consistait en de fréquentes visites dans les centres de création de New York, comme la Knitting Factory et The Kitchen, où Burger est devenu une mouche du coche pour des artistes légendaires comme Arthur Russell, David Byrne et Laurie Anderson (avec qui il a fini par travailler). Burger a ensuite changé de côte et a fait une impression durable sur la scène musicale de la Bay Area avec son groupe Tin Hat Trio, tout en développant son travail de compositeur de musique de session et de musique de film. Lorsque Tin Hat Trio s’est dissous au début des années 2000, Burger s’est retrouvé à New York, où il a rencontré Sam Beam (alias Iron & Wine) lors d’un spectacle hommage à Neil Young. Depuis lors, Burger est une composante inextricable du groupe et de la discographie de Beam, contribuant à chaque album, de The Shepherd’s Dog en 2007 à Beast Epic en 2017.

Entre ces deux albums, une famille qui s’agrandit et une envie de calme ont conduit Burger à Portland, dans l’Oregon, où il a amassé une collection enviable de claviers vintage afin de créer The Grid. Alors que cet opus tressait la jovialité de l’exotisme du milieu du siècle avec l’exploration contrôlée du krautrock et du kosmische, le nouvel album Marching With Feathers révèle davantage la maîtrise de Burger de l’humeur et de la texture sans avoir besoin de référentialité stylisée.

« Figurine » ouvre gracieusement le disque avec un refrain mélodique au piano qui échappe aux attentes autant qu’il les apaise. Au moment où le morceau, qui ressemble à un ballet, se résout, un léger bourdon arrive de loin avant de se solidifier dans « Library Science », une vignette psychédélique aride qui siffle et bourdonne à travers le désert d’altitude comme dans un montage de Michael Mann, tandis qu’une boîte à rythmes déterminée tape sous un wurlitzer grondant et un mur de synthés brûlants.

L’album se poursuit avec des morceaux contemplatifs comme « Waking Up Slowly » et « Still », qui transforment la plaine désertique en une feuille de marbre blanc. Des morceaux rythmés comme « Hotel For Saints » et « Marching With Feathers » imprègnent la collection d’un groove vital, faisant de Burger le maître tranquille de son domaine.

Le titre de l’album a été inspiré par les randonnées que Burger faisait avec sa famille dans les collines entourant Nashville, dans le Tennessee. C’était au milieu des années 2020 et la nation commençait tout juste à faire face à une pandémie mondiale et à une institution d’injustice raciale. Lors de ces promenades en famille, il a été frappé par l’image de ses enfants ramassant des plumes et les ramenant chez eux dans leurs poches.

« Les gens étaient en armes », expliqu-t-il, « La marche fait référence à notre besoin profond et à notre volonté d’unification, ainsi qu’au travail nécessaire pour reprendre le contrôle, nous libérer et contribuer à nos communautés. Les plumes représentent la manière pacifique dont nous transmettons notre message, nos besoins, notre aspiration. »

Cette vision combinée de la force et de la douceur, du pouvoir et de la vulnérabilité, est peut-être ce qui rend Marching With Feathers si efficace. En unissant ces concepts apparemment opposés, Burger vous prend au dépourvu en traçant des pistes qui passent du mirage à la dure réalité à chaque virage. À la fin de l’album, l’auditeur a l’impression de se réveiller d’un rêve, pensif mais déterminé à s’élever, comme un randonneur perdu qui atteint une vue – ou un poing serré plein de plumes.

***1/2

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Venus Blake: « The Other Side of Midnight »

25 février 2022

Auteur-ecompositrice-interprète de pop gothique, pianiste, guitariste et poètsse, Venus Blake n’est pas étrangère au style de vie bohème. Elle a été élevée à Londres, au Royaume-Uni, par des parents grecs et juifs russes, mais s’est enfuie de la maison à l’âge de 16 ans pour poursuivre une vie de musique. Elle a voyagé dans toute l’Europe en se produisant avec divers groupes de tribute, en jouant dans des piano-bars et parfois en faisant du busking, ce qui attirait son âme de gitane. L’esprit vagabond de Blake est résumé dans son premier album, The Other Side of Midnight, une collection de 11 titres qui voit l’artiste explorer le monde du dehors, l’abîme sombre où les marginaux s’épanouissent avec des histoires d’isolement, de chaos, de dépendance et d’amour perdu.

Selon Blake, « les auteurs-compositeurs-interprètes sont comme des troubadours des temps modernes, qui errent à travers le monde et écrivent leurs chansons sur les hauts et les bas de la condition humaine, nous sommes comme les chroniqueurs de l’humanité, enregistrant nos expériences, nos pensées et nos émotions les plus profondes et cristallisant ces moments et ces sentiments dans des chansons de quatre minutes ». Blake est, à cet égard, capable de capturer cet esprit de troubadour dans ses chansons, ayant écrit les chansons de cet album après minuit et l’ayant enregistré dans un grenier bohème de la campagne italienne. Elle façonne ainsi ces sons avec son personnage magique d’auteur-compositeur-interprète, magnétisant les auditeurs avec ses pouvoirs vocaux étonnamment obsédants et une musique véritablement atmosphérique, la plupart du temps au piano. Unique en son genre et d’une grande beauté, The Other Side of Midnight est son premier album solo et, pour un début, c’est un sacré début !

The Other Side of Midnight commence par « Hungry Ghosts », où le son de la pluie et du tonnerre donne le coup d’envoi de ce morceau hautement atmosphérique. Une fois que la voix envoûtante de Blake entre en jeu, on sent vraiment que la musique se met en place. Sa voix est seule associée au piano. Alors que sa voix s’élève avec une puissance émotionnelle, vous pouvez sentir la musique s’envoler avec sa voix vulnérable et sa cadence riche. J’ai été hypnotisé dès le début. Blake emploie des tonnes d’émotion dans son chant, elle roucoule et chantonne avec émotion. Une mélodie mélodieuse au piano serpente un peu sur « Red Win » ». Le ruissellement des touches nous attire doucement vers les harmonies vocales hypnotiques de Blake. La voix exceptionnelle dela vocaliste s’exprime avec beaucoup d’humeur et de sentiment. Le piano d’humeur est présent sur « Tragedy ». Une fois que les voix de Blake sont arrivées, j’ai eu des vibrations très Amy Winehouse et Adele. Comme ces artistes, les capacités vocales de Blake s’avèrent être vraiment spectaculaires et elle chante son répertoire avec un véritable art.

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Une mélodie mélancolique au piano ajoute une ambiance glaciale à « Love We Lost ». Une fois que la voix de Blake entre en jeu, les sons obsédants continuent de vous envahir. C’était un autre morceau puissant venant de l’artiste. La mélodie de « Here Comes The Flood » s’accélère pour un appel à saveur très pop. Cette fois, la voix de Blake est accompagnée d’un piano et d’une batterie. Le son est à la fois sulfureux et chaud et on ne peut qu’être hypnotisé par les riffs bluesy dès le début. Blake possède un son fumeux et bon sur ce disque. Le tintement des cloches et ses voix parlées créeront, de surcroît, une ambiance glaciale sur l’interlude obsédant « The Wanderlust Interlude ». Les synthés ajoutent également à l’atmosphère. Peu à peu, tout s’éclaircit pour laisser place à un morceau de piano au son délicat. La mélodie du piano se construit, serpentant et errant pendant un moment. C’était principalement un numéro instrumental avec Blake au premier plan au piano.

Avec, « Chocolate Morphine », des rythmes programmés et des synthés ajoutent une ambiance grésillante à cette chanson. Cela m’a rappelé la musique des années 80. Le son des sirènes de police ajoute également un caractère immédiat à ce numéro. La voix irrésistible de Blake donne le ton à ce morceau, électrisant dès le début. Vers « Me And The Sea », le son est très éthéré et onirique. La voix de Blake seule résonne dans les magnifiques notes d’ouverture. Le jet d’eau de mer associé à la voix de Blake est très envoûtant et séduisant. Je me suis sentie captivée dès le début. Le chant de Blake ici sonnait juste à la perfection. Elle s’attaquera à la guitare et au piano pour un super son acoustique sur « Escape ». C’est une façon mémorable de conclure un album où elle nous envoie ce final émouvant et émotionnel.

Dramatique, atmosphérique et obsédant, The Other Side of Midnight est tout cela et plus encore. Blake apporte son étrange esprit bohème dans ces morceaux dirigés par des pianos, conduisant les sons avec une lourde vibration gothique. On adorera la façon dont tout sonnait sombre et riche et où, aAu centre de ces morceaux, on trouve une voix et unepianiste accompli talents de musicienne au piano ; ensemble, ils tissent une force envoûtante remplie d’émotion, d’humeur et d’ambiance. L‘artiste ne fait que commencer et on ne peut qu’être impatients de voir d’autres morceaux de cette trempe arriver bientôt.

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Publié par rockdecibels

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