Godspeed You! Black Emperor: « G_d’s Pee at State’s End! »

5 avril 2021

Godspeed You ! Black Emperor a toujours été en avance sur son temps. LCes légendes du post-rock montréalais ont repoussé les limites du genre alors naissant avec leurs premières sorties, et ont utilisé leurs notes de pochette comme missives ouvertement politiques il y a deux décennies. Lorsqu’ils ont reçu le Prix de la musique Polaris en 2013 pour leur disque de retour, Allelujah ! Don’t Bend ! Ascend !, ils ont critiqué le faste du gala et ont fait don du prix de 50 000 $ à des organismes de bienfaisance qui se consacrent à donner des instruments de musique aux détenus des prisons du Québec.

Les revendications de longue date du groupe en faveur d’une réforme des prisons et de la police, ainsi que le besoin urgent d’unité, sont depuis devenus des positions populaires parmi un chœur croissant de croyants en l’existence d’un monde meilleur. Godspeed a utilisé sa musique et sa plateforme pour faire campagne en faveur de ses convictions – des idées qui, avec ou sans son influence, ont gagné en popularité ces dernières années.

À une époque où le sous-texte politique du groupe a plus de résonance que jamais, ils regardent curieusement en arrière, à bien des égards, sur leur dernier album, G_d’s Pee AT STATE’S END ! Alors que chaque album a joué avec des structures et des compositions uniques, comme les longues suites latérales des premiers travaux, l’alternance entre les disques 12″ et 7″ d’Allelujah ! ou l’unique composition de 40 minutes d’Asunder, Sweet and Other Distress, G_d’s Pee est – de manière atypique – un amalgame d’idées précédentes, oscillant entre deux longues suites multi-mouvements intitulées et deux pièces plus courtes et plus ambiantes. Qu’ils en aient fini avec cette innovation effrénée ou qu’ils prennent simplement un peu de répit (et peut-on les en blâmer ?), leur dernier album présente un ensemble de choix stylistiques issus de leurs 25 dernières années d’existence : des fragments de sons trouvés absents de leurs deux derniers albums ; une pochette austère à deux images qui rappelle celle de leur deuxième album de 2000, Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven ; le placement de leur surnom de longue date, God’s Pee, préféré des fans, au centre du titre de l’album. Alors que beaucoup ont été contraints de se replier sur eux-mêmes, ils sont allés à l’encontre du modèle et ont rejoint la foule.

Les meilleurs travaux de Godspeed ont toujours été plus axés sur la structure que sur le son, et le retour aux formats précédents a donné des résultats similaires. Comme toujours, le groupe est au sommet de son art lorsqu’il est le plus émouvant. Ces moments sont nombreux sur G_d’s Pee, comme les paysages sonores ondulants de « First of the Last Glaciers », la plainte océanique de « Cliffs Gaze », l’apogée de « ASHES TO SEA or NEARER TO THEE » et les cordes élégiaques qui clôturent le disque, « OUR SIDE HAS TO WIN (for D.H) ». La mélodie a toujours été le point fort du groupe, et il en offre beaucoup ici, qu’il s’agisse de canaliser l’horreur sinistre ou le triomphe du poing levé. Mais lorsqu’on se remémore leurs précédents efforts, on a le sentiment inébranlable qu’ils l’ont déjà fait, mais en mieux – même si on ne peut pas leur reprocher de faire ce que tant de post-rockers ont fait au cours des 20 dernières années.

Avec les modes d’expression et de communication qu’ils ont choisis, l’affect exagéré est devenu la carte de visite de Godspeed, et l’un de leurs traits les plus réussis. Sur G_d’s Pee AT STATE’S END, la plupart des fioritures supplémentaires sont reléguées au second plan, comme les collages de sons de radio amateur qui ouvrent les deux plus longs morceaux. Les tirages menaçants de « ‘GOVERNMENT CAME’ (9980.0kHz 3617.1kHz 4521.0 kHz) » ont disparu avant que le message insurrectionnel puisse être pleinement pris en compte, perdant la puissance de ses prédécesseurs dans « Murray Ostril : ‘. …They Don’t Sleep Anymore on the Beach…' » »de Skinny Fists ou même le refrain en fond sonore similaire de « With his arms outstretched » qui démarre Allelujah.

Contrairement à de nombreux courriers électroniques de l’année dernière, nous ne vivons pas une époque sans précédent, ce dont Godspeed est bien conscient. C’est pourquoi ils font comme d’habitude sur G_d’s Pee AT STATE’S END, même si c’est un mode qu’ils ont typiquement évité auparavant.

***1/2


Moon and Bike: « One »

22 mars 2021

Le duo de guitares instrumentales qu’est Moon and Bike laisse parler ses instruments sur son nouvel album, One. Musiciens, compositeurs et amis de longue date, Moon and Bike font preuve de courage avec leur nouvel album, One. Composé uniquement de guitares acoustiques et électriques, sans aucune piste vocale, l’album s’appuie sur la musicalité du duo pour créer des flux attrayants et addictifs qui maintiennent l’auditeur en haleine. 

La piste « River » donne un avant-goût du son de Moon and Bike, les guitares dansant les unes autour des autres de manière intrigante. La guitare électrique met en évidence la dextérité de l’artiste, tandis que la guitare acoustique maintient la cohésion du morceau grâce à des rythmes séduisants et un jeu de doigts serré. L’atmosphère créée est subtile mais poignante car le son crée une histoire ludique sans paroles. 

Le morceau suivant, « Nearer Sky », reprend ce thème avec un son plus hymnique, de type ballade, qui prend de l’ampleur au fur et à mesure qu’il progresse, cette fois la guitare acoustique se frayant un chemin et donnant à la guitare électrique quelque chose à jouer par-dessus.

Garder les choses fraîches allait toujours être un peu difficile avec seulement deux instruments impliqués, mais les garçons se débrouillent étonnamment bien pour garder les choses intéressantes. « Two of Us » parvient à construire des rythmes folkloriques sur des guitares électriques pleines d’échos, qui deviennent de plus en plus intenses au fur et à mesure que le morceau avance, tandis que « Nativ »e prend un virage vers le côté sombre, avec des rythmes blues et des flux sulfureux qui le font évoluer vers un son soul et un refrain bien défini. Malheureusement, le son de « Before Dark » manque d’idées intéressantes qui ont été utilisées dans les morceaux précédents. Star subit le même sort, mais présente tout de même un jeu de doigts prononcé et adroit.

Il est difficile de baser un album entier autour de deux guitares sans être à court d’idées, mais le duo s’en sort bien. Leur musicalité est irréprochable et la façon dont les deux guitares donnent l’impression de ne faire qu’un seul instrument tant elles sont synchronisées est un plaisir à écouter. Il serait intéressant de voir ce qu’ils pourraient faire avec un ou deux instruments supplémentaires, mais cela n’enlèverait rien à leur son unique. 

***1/2


Bell Orchestre: « House Music »

18 mars 2021

À bien des égards, House Music ressemble à un reboot de Bell Orchestre. Ayant débuté de manière informelle au début des années 2000 en tant que groupe de musiciens qui fournissaient occasionnellement des partitions pour les projets artistiques de divers amis, ce n’est qu’en 2003 qu’ils ont atteint un point de cohésion et ont entrepris l’enregistrement de leur premier album. Mais quelque chose d’important s’est alors produit. Ce quelque chose était, bien sûr, Arcade Fire. Et comme ce projet en pleine ascension partageait Richard Reed Parry et Sarah Neufeld avec Bell Orchestre, le groupe a été plus ou moins mis en pause.

Le premier album de 2003, Recording a Tape the Colour of the Light, est finalement sorti en 2005 chez Rough Trade. Bien qu’il ait été assez bien accueilli, de même que la suite As Seen Through Windows produite par John McEntire en 2009, le profil du groupe a bénéficié et souffert de qualifications critiques comme étant soit un post-scriptum à Arcade Fire, soit des partenaires juniors de la scène post-rock montréalaise en plein essor, avec des groupes comme Godspeed You ! Black Emperor et Silver Mt. Zion au sommet de leur art.

Après un peu plus d’une décennie de séparation, alors que les membres Pietro Amato et Stefan Schneider se concentraient sur les Luyas et que Michael Feuerstack sortait un nombre constant d’albums sous le nom de Snailhouse et finalement sous son propre nom, ils se sont retrouvés pour une escapade de deux semaines dans la maison de Neufeld dans le Vermont. Ce qui est maintenant House Music est né de sessions de groupe improvisées, enregistrées en direct et montées en un morceau de musique continu divisé en 10 mouvements.

Le catalyseur musical du projet est une boucle rythmique que Parry a apportée avec lui et qu’il joue à la contrebasse dans le déchirant « I : Opening » » puis dans « II : House », pour finalement réapparaître comme une pierre de touche dans les sections suivantes. Ni exactement funky ni mécanique, la boucle rappelle toujours la pulsation qui traverse le Bitches Brew de Miles Davis et le rythme motorisé qui traverse le Krautrock des années 70, renforcé par le jeu de batterie inventif de Schneider. L’espace à l’intérieur de la maison est transmis par la pedal steel à la dérive de Feuerstack et le cor d’Amato aux côtés de la trompette de Kaveh Nabatian.

Le violon de Neufeld finit par prendre le dessus avec une introduction cinglante de style mi-européen et folklorique québécois sur « III : Dark Steel ». Il finit par se fondre dans un flot de sons générés par les claviers et l’électronique qui mutent et enveloppent les sons organiques, préparant ainsi « V : Movement », la pièce maîtresse et le point fort de l’album. On y retrouve le retour de la boucle de basse et l’énoncé le plus direct de quelque chose qui ressemble à un thème cohérent passant avec agilité de la pédale d’acier à la trompette, au violon et vice-versa. Le contrecoup de ces moments forts et gracieux se fait sentir dans les trois morceaux suivants, comme les rides d’une éclaboussure importante.

L’album se résout avec quelque chose comme un coucher de soleil, un crépuscule, puis une obscurité totale, alors que les éléments percussifs s’effacent et laissent les instruments restants s’écouler les uns sur les autres en de longues lignes liquides. On s’attend presque à des grillons après que le violon de Neufeld ait glissé dans le silence à la fin. Il s’agit d’une expérience magistrale, riche en détails, réalisée par un sextuor d’artistes qui sont non seulement des joueurs de haut niveau, mais aussi d’excellents auditeurs et (« ré)écoutants ».

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nothing,nowhere.: « Trauma Factory »

14 mars 2021

Apparemment, dans sa quête permanente de continuer à avancer, et de ne jamais s’arrêter, nothing,nowhere. inspire les autres autant qu’il apprécie l’inspiration qu’il peut tirer des personnes avec lesquelles il parle.

Même pendant la pandémie mondiale actuelle, l’artiste du Vermont a maintenu son engagement avec ses fans du monde entier, et l’artiste, auteur-compositeur et conteur à multiples facettes a cherché à renforcer la communauté dont il fait partie, en s’assurant que tout le monde y participe. – À une époque où l’isolement est presque la norme, et où certains artistes, de manière assez compréhensible, se sont retirés, les méthodes de Joe Mulherin semblent être exactement le contraire, il a continué à parler aux fans, et cela semble porter ses fruits.

Ainsi,il utilise les médias sociaux de manière innovante, en leur offrant des gâteries uniques. L’année dernière, le tournage à l’intérieur de sa maison dans le Vermont a permis de voir les chambres, le jardin et le studio HOMECOMING – At Home With… nothing,nowhere.

Au début de ce mois, il a allumé un feu, fait bouillir de l’eau de neige pour faire du thé à la menthe poivrée au milieu des bois, tout en partageant des messages intimes et personnels de ses fans. Une idée d’originalité et de pureté à coup sûr, qui restera sans doute inégalée. De même, la réunion d’isolement de mai de l’année dernière, où il a réalisé un spectacle dans la nature, en est un exemple frappant. – Décrivant le titre de son nouvel album Trauma Factory, il a déclaré : « C’est une pièce de théâtre sur le bouddhisme, qui fait partie de la vie, et il y a une sorte de beauté dans tout cela ». Une collection de chansons écrites à une époque déconcertante, le disque aborde l’idée d’accepter le présent et de suivre votre « véritable nord à travers la souffrance de la vie humaine ».

L’intention de nothing,nowhere. de créer un album sans restriction de genre transparaît dans ce projet, puisqu’il incorpore des éléments de post-punk, de new wave, de hard rock, d’électro-pop, de folk et plus encore. Alors que quinze pistes pourraient sembler riches, chaque chanson ne dure en moyenne pas plus de deux à trois minutes.

Les plaisirs sont nombreux, allant du moment électropop de «  lights «  à l’ambiance alt-rock de « buck  » et  » upside down « . Comprenant les paroles « I needed a place for the pain, the grieving, the loving », « pain place » est un moment mémorable. Avec l’artiste londonien MISOGI, des harmonies hypnotiques et émotionnelles rencontrent des rythmes électro poignants.

La nature hymne de l’emo, l’énergie de l’alt-rock de « fake friend » donnent un coup de fouet, tandis que « death », aux allures de Rage Against the Machine, est un morceau aussi furieux que possible. « Blood » sera est un instant hypnotique. Inspiré par Joy Division et The Cure, il met en scène le chanteur et rappeur KennyHoopla, qui représente un moment particulier. Apparemment, l’écriture de la composition n’a pris que vingt minutes.

Si la souffrance ou la douleur humaine n’est pas joyeuse, l’artisanat spécial de nothing,nowhere. l’est très certainement, et Trauma Factory est une splendide occasion de célébration de ce que peut être une expérience émotionnelle.

***1/2


God Is an Astronaut: « Ghost Tapes #10 »

11 mars 2021

Le groupe instrumental irlandais, God Is An Astronaut atteint une sorte de repère dans sa carrière avec la sortie de son dixième album studio Ghost Tapes #10. Celui-ci ravive le line-up classique du groupe avec Jamie Dean au piano et à la guitare, reprenant là où le quatuor s’était arrêté en 2018.

L’album se met en route avec le titre d‘ouverture, « Adrift « , qui démarre avec un jeu de guitare typique de GIAA. Au début, on pourrait être tenté de décrire la chanson comme un énième gribouillage instrumental stéréotypé, pourtant, au bout de 2 minutes, les choses commencent à devenir vraiment intéressantes. Tout d’abord, la batterie prend une tangente breakbeat sauvage et le riff dissonant vous fait monter en puissance. Un peu plus tard, les synthés prennent une place plus importante, tandis que l’accroche de la chanson, pour tous les amateurs de post-rock, est la coda apaisante de synthés et de piano éthérés. Oui, c’est exactement le point fort du groupe pour lequel on l’aime.

Après l’album de 2010, Age of the Fifth Sun, le groupe a été « consulté » de manière aléatoire. Les deux derniers albums studio, Helios I Erebus (2015) et Epitaph (2018), sont plutôt corrects mais ils n’ont pas exactement livré un knock-out technique, cependant – pas comme ces quelques sorties plus anciennes. Certains titres individuels géniaux sont venus et sont repartis ces derniers temps, oui, mais on ne peut qu’être enclin à affirmer qu’aucun d’entre eux n’a pu égaler l’impact du titre obsédant, «  Burial « , sur ce nouvel album. Le morceau commence presque comme un instrumental stéréotypé de Boards of Canada, de type leftfield-electronica. Rapidement, l’électronique cède la place à la luminescence de la guitare, marque de fabrique du groupe, qui alterne avec un piano retardé très évocateur et des arpèges de synthétiseur décalés – et POW ! Et,avant même qu’on ait pu s’en rendre compte compte, jon se retrouve au tapis.

Le troisième morceau de l’album, « In Flux », prend gentiment son élan, galopant en rythme 7/8, jusqu’à ce que la chanson explose dans un maelström de riffs d’émotion. Peut-être que c’est la signature temporelle étrange ou un brin de nostalgie, mais pour moi, la chanson résonne avec la forte aura du morceau d’ouverture, « Radau », sur l’album Far From Refuge du groupe. On ne peut qu’en être ravi tant la musique instrumentale a le potentiel d’évoquer des illustrations mentales par défaut – et God Is An Astronaut n’est rien moins qu’éminent dans l’art de peindre des images avec la musique.

« Spectres » et « Fade » sont tous deux de beaux morceaux post-rock uptempo, avec peut-être une sensation de conduite plus forte que celle que l’on rencontre habituellement dans un morceau post-rock stéréotypé. Certains puritains du genre nous condamneraient fortement d’avoir étiqueté God Is An Astronaut comme un groupe de post-rock ; disons que le quatuor irlandais fait du post-rock dans le même esprit que le groupe allemand Long Distance Calling Ils opèrent tous deux avec des éléments sonores post-rock mais n’ont pas la qualité inhérente, la marque de fabrique de tant de « vrais » groupes de post-rock – cette sensation d’ennui d’aller nulle part, au ralenti.

Ghost Tapes #10 a le sens d’une narration globale, l’intrigue s’épaississant vers la fin. L’avant-dernier morceau, « Barren Trees », s’élève vers des sommets émotionnels avec l’aide des produits sonores du groupe – comme au bon vieux temps ! La chanson ressemble à un plongeon insouciant dans un espace infini ou à une voix bourdonnante provenant du désert des rêves – en apesanteur et très immersive.

L’album s’achève sur le titre de clôture méditatif « Luminous Waves », avec le virtuose du violoncelle de quête Jo Quail. La chanson est essentiellement un magnifique dialogue entre une guitare arpégée et des legatos de violoncelle. Lorsque la dernière note se dissout dans l’air, on ne peut m’empêcher d’éclater d’un sourire niais qui ne manque pas de donner toutes les apparences du plaisir. Sur leur nouvel album God Is An Astronaut démontre qu’ils n’ont pas perdu la vieille magie qui m’a tant fait apprécier leurs premiers albums. En fait, ce nouvel opus est si convaincant que l’on va peut-être devoir donner une autre chance à ces albums intermédiaires.

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Nonconnah: « Songs For And About Ghosts »

27 février 2021

Nonconnah est né des cendres noircies de Lost Trail, après le déménagement de Denny et Zachary Corsa de la Caroline du Nord à Memphis, Tennessee. Les fans reconnaîtront peut-être leur série de drones influencés par des shoegazes et leur brume lo-fi caractéristique, alors que le duo mari et femme continue à évoquer l’esprit de leur projet précédent. Certes, des similitudes existent dans le ton et l’atmosphère générale, mais Nonconnah est le produit de l’évolution, et leur musique est un nouveau pas en avant.

De fragiles éclats de lumière plus brillante se retrouvent dans la musique de Nonconnah, qui est saupoudrée de poussière de lutin, rendant sa musique magique grâce à ses ficelles de folk et de kaléidoscopie, de somnolence lo-fi. Songs For And About Ghosts est un magnifique disque qui scintille et brille constamment de douceur et de lumière.

À l’aide de guitares, d’enregistrements sur le terrain, d’orchestres radiophoniques et d’instruments acoustiques (banjo, accordéon et mandoline), les quatre pièces, qui ressemblent à des collages, se succèdent et se transforment au fur et à mesure de leurs mouvements, parfois en rotation, parfois en pause, mais toujours en émettant un faisceau rayonnant de couleur prismatique. Pour son troisième album, Nonconnah est rejoint par Owen Pallett (de Final Fantasy, The Arcade Fire) et Jenn Taiga, ce qui donne encore plus de relief à l’album. Les radiofréquences et les appels téléphoniques sont captés sur la bande des ondes courtes, et des sujets tels que les messages subliminaux et la présence de traînées chimiques sont tissés en lumière et en drones lointains. Des intermèdes arpégés offrent un nectar mélodique. Les textures tourbillonnantes ne manquent pas, et certaines notes sont laissées à l’envers en permanence, coincées dans une boucle, créant un vortex fragile dans lequel la musique glisse glorieusement.

Un chant choral brillant et des drones lumineux ouvrent le disque avec « To Follow Us Through Fields Of Lightning », qui commence dans un état d’euphorie presque totale avant de se transformer en un doux coucher de soleil de bégaiements, d’électronique brouillée et de mélodie encore chaude, bien qu’elle se brise et se désintègre ; c’est un cocktail plus discret de douce psychédélie. C’est le calme avant la tempête, alors qu’un océan de distorsion emporte rapidement tout le reste. La vague de surmultiplication du grincement semble triomphante, elle aussi, et pourquoi pas ? Elle est capable de dévorer n’importe quoi, et on sent un renouvellement d’énergie presque visible, envoyant des ondes de choc sismiques à travers la musique, qui s’agite d’une excitation incontrôlée, et même de la joie.

Songs For And About Ghosts est capable de retourner son son à l’envers et à l’endroit. Il y a beaucoup de diversité à découvrir en se promenant dans son conte de fées toujours en mouvement, qui semble être le bon accompagnement pour une promenade du dimanche après-midi dans une forêt printanière. Mais en même temps, il y a des thèmes et des tons communs, ce qui donne au disque un sentiment de stabilité et d’uniformité même lorsqu’il est éclaboussé de couleurs ultra-brillantes. Ils ont laissé les fantômes derrière eux, les laissant à leur place, fermant la porte au surnaturel et à la pourriture des banlieues délavées tout en choisissant de s’enraciner dans les champs. Ce faisant, les Nonconnah foulent un nouveau sol.

***1/2


Mogwai: « As The Love Continues »

18 février 2021

25 ans. C’est le temps que Mogwai a passé, silencieusement (et bruyamment), à faire exploser des guitares au son d’une pédale d’overdrive Stuart Braithwaite. Après tout ce temps, le combo a sans aucun doute une méthode, mais le beau bruit qu’ils ont fait au fil des ans n’a tenu que grâce à leur dévouement à réimaginer le potentiel du volume pur et des murs de bruit plongeants.

Si The Love Continues a toutes les caractéristiques qui le caractérisent (les accalmies plaintives, les pics qui s’envolent, la colère qui tourbillonne), aussi éprouvées que soient ces structures, il y a quelques subtilités inattendues qui font du dixième album de Mogwai une écoute surprenante.

« Pat Stains » et « Drive The Nail » sont les éclairs de la rage calme et violente qui a rendu le Every Country’s Sun de 2017 si tendu et impétueux. « Fuck Off Money » et « It’s What I Want To Do, Mum » rafraîchissent la mélancolie tumultueuse et vocale de l’époque de Happy Songs for Happy People, et « Midnight Flit » se transforme en un crescendo de guitare et d’orchestre qui s’entrechoque, s’élève et s’effondre pour donner un effet de superproduction. Mais c’est la délicatesse du premier « single », » « Dry Fantasy, » qui fait un tabac. Rêveur et mélodieux, il dérive comme les premières mesures d’un opus de M83, en remplaçant les accords de puissance par une pluie de synthétiseurs et une réverbération bien grasse qui se répand délicieusement.

C’est Mogwai comme vous les avez toujours entendus, mais aussi comme vous ne les avez jamais entendus auparavant. Trois décennies plus tard, leur « guitarmageddon » évolutif continue de surprendre.

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Hilang Child: « Every Mover »

11 février 2021

Les albums sortis en début d’année sonnent souvent l’impression d’occuper une place particulière. En se présentant devant l’avalanche de nouveaux disques qui arrive plus tard dans l’année, ils ont un peu plus de place pour se mettre en avant et s’établir tranquillement (même si cela les fait parfois injustement passer inaperçus dans les listes de fin d’année).

Every Mover, le deuxième adisque de Hilang Child (le nom d’enregistrement du chanteur/musicien mi gallois, mi indonésien Ed Riman), se perçoit comme étant particulièrement bien adapté à sa sortie en début d’année, car il sonne particulièrement frais tout en apportant un peu d’espoir et d’optimisme bien nécessaires dans un contexte de désillusion permanente. C’est d’autant plus impressionnant qu’une grande partie de l’album a été une réponse à diverses difficultés et défis personnels auxquels Riman a dû faire face après la sortie de son premier album, Years, en 2018.

L’une des caractéristiques de Every Mover est sa sonorité expansive et mobile poussant vers le haut. C’est une musique avec le vent dans les voiles. Cette qualité n’est nulle part aussi bien vue que sur le « single » « Anthropic (Cold Times) », un morceau de premier plan, plein d’émotion et à la hauteur des montagnes. Sur le plan des paroles, le morceau s’adresse à une personne anonyme, mais son message principal est plus largement racontable, la simple phrase « vous aimez la vraie vie, détendez-vous, survivez » (you love real life, relax, survive) offrant confort et réconfort.

Plus tard, les paroles parlent positivement de la façon dont « quand le rideau sera tiré, nous nous conjuguerons encore et encore » (when the curtain’s drawn, we’ll conjugate ourselves again and again), ce qui pourrait également passer pour un commentaire sur le monde actuel de l’enfermement et de l’isolement. Musicalement, comme dans le reste de l’album, la guitare, le piano et les synthés se conjuguent pour créer des impressions attrayantes et durables. La dynamique rapide de « King Quail » et la libération dynamique de « Play ‘Til Evening » ont des effets similaires. Avant la sortie de l’album, Riman a dit qu’il était souvent décrit comme une personne ouvertement émotive et ces chansons en sont une sorte d’incarnation musicale.

Des morceaux en haute définition comme ceux-ci se distinguent naturellement, mais l’album possède également plus de variété et de nuances. » Seen The Boreal » et « Pesawat Aeroplane » présentent tous deux des changements d’échelle agréables et comportent des passages qui sont accrochés dans l’air de manière séduisante. « The Next Hold » et « Magical Fingertip » sont quant à eux plus brumeux et plus horizontaux, ce qui permet à la voix de Riman de s’épanouir et de s’imposer en douceur. Steppe offre une autre dimension, s’éloignant dans un style discret qui n’aurait pas sa place sur un album de Sigur Rós. C’est un moment de détachement et de calme qui s’achève, et un autre moment pour suggérer que Every Mover contient plus qu’assez de substance et de puissance tranquille pour durer jusqu’en 2021.

***1/2


Black Country: « New Road For The First Time »

5 février 2021

Attachez-vos ceintures pour un voyage tortueux fait de hauts et de bas aque nous prpose Black Country New Road dans son premier album, For the First Time. Le septuor de Cambridge, en Angleterre, s’est fait un nom grâce à la force de ses singles « Sunglasses » et « Athens, France » et à ses concerts très appréciés. L’album, enregistré en direct pendant six jours avec le producteur de My Bloody Valentine, Andy Savours, capture le groupe dans son moment présent, mis au point après une année de tournée intensive.

For the First Time comprend six nouvelles chansons et des versions rénovées de « Sunglasses » et « Athens, France ». Les nouvelles versions sont plus fidèles à la façon dont le groupe les joue en concert actuellement. BCNR a poli les deux « singles » précédents et les a traités avec des paroles modifiées. Ainsi, « Athens, France » est toujours aussi léger et rythmé. La voix nerveuse du chanteur/guitariste Isaac Wood est toujours au bord de l’effondrement. « Sunglasses » a été la chanson la plus longue du groupe, avec 8 minutes 55 secondes. Mais une nouvelle intro à la guitare et le son des sirènes poussent la version de l’album à presque 10 minutes.

Un autre changement marqué dans les nouvelles versions se trouve dans le chant de Wood. Il s’est éloigné de la parole et s’est rapproché du chant. Il attribue ce changement à une plus grande aisance en tant que chanteur.

BCNR a inclus les versions mises à jour pour montrer l’évolution des membres en tant que musiciens. Ils ont notamment appris à exploiter la puissance du silence. « Sunglasses » et « Athens, France » ont oscillé entre des passages sombres et des moments explosifs. Mais le silence est l’arme secrète de BCNR sur For the First Time.

« Science Fair », discordante et combustible, pourrait être leur meilleure utilisation du silence. Toute la chanson ressemble à une bombe à retardement. Elle menace d’exploser à tout moment. Mais pendant tout ce temps, la chanson a une mélodie de guitare libre, la batterie tempérée de Charlie Wayne et la ligne de basse impatiente de Tyler Hyde. La guitare de cratère ondulante, enveloppée dans un silence fragile, ressemble aux paysages sonores de la terre brûlée de Slint. BCNR en est bien conscient, avec une référence plaisante au fait d’être » »le deuxième meilleur acte d’hommage à Slint au monde ». « Science Fair » atteint un point de rupture avec un maelström grésillant de saxophones, de guitares étranglées, de tambours martelés et d’altos fiévreux. Ironiquement, la basse reste à égalité.

Parmi les autres points forts de l’album, citons l’ouverture furtive qu’est « Instrumental » et le « closer » caréné de l’album « Opus ». Tous deux s’inspirent du saxophoniste Lewis Evans et de l’expérience de la violoniste Georgia Ellery en tant que musicienne klezmer. Et « Track X » apportera une bouffée d’air frais inattendue. De doux éclats de saxophone et de violon animent cette chanson tendre et mélodieuse.

« Je suis invincible dans ces lunettes de soleil / Je suis le Fonz / Je suis le Valet de Coeur » (I am invincible in these sunglasses / I am the Fonz / I am the Jack of Hearts), chante Woods sur « Sunglasses ». Mais ce n’est qu’une fausse bravade : « Et vous ne pouvez pas dire que j’ai peur / … / Je suis si ignorant maintenant avec tout ce que j’ai appris » (And you cannot tell that I am scared / … / I’m so ignorant now with all that I’ve learned), chante-t-il sur un accord de guitare répétitif et un saxophone paniqué. Il est vrai qu’il n’y a pas assez de vies pour apprendre tout ce qu’il y a à savoir. Mais peu à peu, Black Country, New Road apprennent tout ce qu’ils doivent savoir, dans ce qui est leur moment présent.

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Yellow6: « Silent Streets and Empty Skies »

22 janvier 2021

Yellow6 et le projet de Jon Attwood et le titre de son album, Silent Streets and Empty Skies, ne peut qu’attirer plus que l’attantion en ces temps de réflexion liés à la pandémie et aux confinements tant il correspond parfaitement à l’air du temps, si c’est cela qu’on peut dire.

En effet, il s’agit ici,d’une déclaration douce mais sombre sur cette époque troublée. Tous les morceaux ont été enregistrés entre avril et juin 2020, pendant la première période de quarantaine. Attwood a pris le temps de s’inspirer de la désolation dont il a été témoin autour de lui. Des parcs vides, l’absence d’avions dans le ciel, des gens qui évitent les rues. C’est une expérience visuelle étrange, mais qu’Attwood a magnifiquement traduite en un album ambient qui se veut apaisant. 

Sur cet opus, vous trouverez neuf morceaux, tous assez similaires et se fondant les uns dans les autres, ce qui garantit un bonheur d’écoute de 77 minutes. Attwood utilise des paysages sonores minimaux, des mélodies de guitare provisoires et des textures ambiantes aérées pour recréer ces joyaux. « V2 » est le morceau le plus notable tant il semble se diriger avec précaution vers la scène du jazz ambiant, ce qui correspondrait parfaitement à ce que Yellow6 voulait faire alors que, à d’autres occasions, comme dans « Broadcast », Attwood dépouille toute la scène post-rock pour créer quelque chose d’émotionnel.

C’est peut-être l’aspect le plus fort de cet album. Vous y trouverez pléthore d’émotions, une atmosphère quelque peu hantée qui reflète modestement le monde qui nous entoure. Certains d’entre vous peuvent verser quelques larmes en écoutant le sombre « Panam », d’autres peuvent trouver de l’espoir dans les sons apaisants de « Silent Flight », mais jil est certaoin que tous les fans d’ambient minimal et de post rock discret apprécieront beaucoup ces neuf titres de sucreries délabrées par leur arrière-fond sonore.

***1/2