Holy Fawn: « Dimensional Bleed »

11 septembre 2022

Il y a quatre ans, Holy Fawn s’est présenté à nous grâce à l’ambiance délicate que constituait  «Dark Stone», l’ouverture phénoménale de Death Spell. Aujourd’hui, « Hexsewn » remplit ce rôle pour le deuxième album, et il le fait avec des tons apaisants similaires. Cependant, lorsque «Dark Stone» juxtapose sa tranquillité avec des murs sonores déformés dans les trente secondes, les premiers moments de Dimensional Bleed optent pour respirer plutôt que de s’étouffer. La coupe d’ouverture s’estompe sans établir une structure distincte: au lieu de cela, elle dissout les textures de l’inconfort et du calme dans une structure abstraite de lui-même.
C’est un excellent plan pour Dimensional Bleed, l’un des albums les plus titrés de l’année. Plutôt que de se concentrer sur les moments d’intensité écrasant en ou de développer le don du groupe pour sa splendeur explicite, le disque se déplace latéralement. Le lead single « Death is a Relief » incorpore de magnifiques étincelles et des sections teintées de couleur, mais il y a un sentiment de calme dans la chanson qui semble étrangement désorientant et trompeur. Les synthétiseurs détachés introduisent « Death is a Relief »; les guitares acoustiques déformées signalent sa dissolution, façonnant une juxtaposition efficace. D’une part, l’album se sent organique à travers ses saignées disjointes ; d’autre part, il s’enracine constamment dans plusieurs domaines à la fois par l’incorporation de chaque élément que la bande semble avoir à leur disposition.
En tant que tel, Dimensional Bleed est un record qui exige de la patience. Alors que l’apluction post-métal de « Empty Vials’ et les trois minutes féroces de « Dimensional Bleed » peuvent être relativement immédiates, l’album s’appuie systématiquement sur des subtilités pour ses bénéfices (ou son absence). « Lift Your Head » prend forme à travers un houle éthérée qui souligne son ensemble, nevanissant ni vers l’avant ni reculer. Il ne construit pas ou ne change pas au fur et à mesure que la chanson progresse; au lieu de cela, il fonctionne comme un cadre pour les couches denses que Holy Fawn construit avec soin. De même, l’épopée de sept minutes « Sightless » dépense une bonne partie de son écoulement se prélassant dans des timbres silencieux et imbibés, permettant à la chanson de construire jusqu’à ce qu’elle s’effondre complètement sur elle-même. Cette approche exige et, dans une certaine mesure, toute son attention: la grande houle de la piste est construite autour de subtilités enfouies dans l’excellent mélange – construire un réseau de textures qui aboutit finalement à quelque chose d’aussi abstrait.


Aussi excellents et soigneusement tissés que soient à chaque instant, Dimensional Bleed souffre légèrement de ses propres ambitions nuancées. Alors que Saint Fawn parvient en grande partie à trouver de la force dans un flou constant, les changements exclusivement subtils et les ajustements texturaux de l’enregistrement ne parviennent pas à définir concrètement les chansons comme des entités individuelles. Cela est quelque peu à double tranchant; alors que les saignements dimensionnels de l’album affirment ses thèmes flous et font une expérience explicitement cohésive, il construit également l’expérience de 50 minutes comme un peu impénétrable. Les limites exactes de chaque chanson (et, par extension, l’album) ne sont pas claires; au lieu de cela, il est clair que Holy Fawn laisse chaque porte ouverte.
Heureusement, on peut dire que le groupe ne demande pas la pénétration de la musique. Leur mélange malléable de shoegaze, de post-rock, d’électronique et de black metal existe comme une grande vague qui se profile à l’idée d’être vécue. Dimensional Bleed n’est peut-être pas la déclaration monumentale de sortilèges incarnés, mais elle est certainement capable d’engloutir quiconque veut lui accorder un peu de temps dédié. En outre, il réaffirme la position de Holy Fawn comme l’un des groupes les plus intrigants pour ce qui est la recherche de la tête du son en temps réel et d’une apocalypse dans les paramètres dudit temps.

****


Hater: « Sincere »

8 mai 2022

La juxtaposition des mots « haineux » et « sincère » pourrait être un oxymore – ou des synonymes. Ce sont également deux mots qui ont perdu leur véritable signification au milieu de la sphère en ligne des termes mal interprétés et mal utilisés. Hater fait preuve d’une certaine sincérité sur leur troisième album, mais ils semblent réticents à montrer leurs vraies couleurs.

Composé de la chanteuse Caroline Landahl, de Måns Leaonartsson, de Frederick Rundquist et de Rasmus Anderson, le quatuor suédois saupoudre des éléments de noise rock dans son son indie sobre. « Summer Turns to Heartburn » serpente tandis que deux guitares s’entrecroisent musicalement, les musiciens se déplaçant de haut en bas sur le manche. Il y a des éléments fluides de shoegaze qui rendent le côté émotionnel du disque agréable à écouter –  » Bad Luck « , par exemple, aurait sa place sur un album de Clairo ou même de DIIV, malgré le manque relatif de fraîcheur de la côte ouest de Hater.

Ce qui remplace cette ambiance de plage dorée, c’est l’obscurité. Réduit à la basse, la guitare et la batterie, Sincere est un album soigneusement rythmé, mené par la voix de Landahl. Sa voix scandinave rappelle celle d’Agnetha Fältskog, légende d’ABBA, mais ce qui ressort le plus de Sincere, c’est son influence des années 90. Pourtant, l’expansivité créée par les groupes classiques de l’ère shoegaze est absente, Hater faisant preuve d’une grande prudence. L’énergie du groupe atteint son apogée avec le refrain de  » Renew, Reject « , qui dynamise ce morceau, mais ne parvient pas à susciter un véritable élan plus largement. 

***


Orange Crate Art: « Contemporary Guitar Music »

31 mars 2022

S’il existe une technique éprouvée pour attirer un certain type d’amateurs de musique vers vos produits, c’est bien celle qui consiste à mettre en avant la nature obscure d’un artiste. Cette approche est applicable dans de nombreux scénarios différents. Si vous êtes un label de réédition, c’est une bonne chose si l’album que vous rééditez a fait l’objet d’un pressage limité à 50 exemplaires pour les amis et la famille en 1969. Si vous essayez d’impressionner vos amis qui pensent avoir tout entendu, dénichez un bootleg d’un groupe qui n’a jamais sorti de musique officielle. Si vous dirigez un label qui publie les nouvelles œuvres d’un artiste actuel, soulignez les longs intervalles entre les albums. Appâtez l’hameçon de la sorte et vous ne tarderez pas à attirer les obsessionnels qui recherchent, tels des junkies de l’audio, leur dernier tube.

On comprend donc la tendance à l’hyperbole dont fait preuve Somewherecold Records à l’occasion de la sortie de Contemporary Guitar Music. « Si vous êtes au courant du contexte, de la mythologie, alors vous saurez que la plupart des œuvres de [Orange Crate Art] n’ont jamais été publiées », affirme le texte accompagnant l’album. Nous sommes certainement intrigués – il y a très peu d’œuvres répertoriées sous Orange Crate Art sur Discogs, alors peut-être y a-t-il un énorme coffre-fort de matériel inédit accumulé au fil des ans. Sauf qu’il y a plus de 20 albums sur la propre page bandcamp du groupe, un mélange d’EPs, d’albums et de bandes sonores. Donc, à moins que nous parlions de niveaux de productivité de Prince, tout ceci indique que la mythologie mentionnée ci-dessus n’est que cela – un mythe.

Pourtant, l’homme de la publicité a fait son travail, et c’est pourquoi vous avez devant vous une critique de Contemporary Guitar Music. Le titre est plutôt prosaïque comparé à certaines des autres sorties d’OCA qui sonnent comme si elles auraient pu être des favoris populaires de Tangerine Dream ou Yes à l’époque, et cela est peut-être dû à un changement de style par rapport à ses autres productions récentes. Les récents EPs d’Orange Crate Art se sont appuyés sur l’attachement de Tobias Bernsand à Brian Wilson, ce qui est compréhensible vu le nom de son groupe ; avant cela, son travail comportait un élément shoegaze plus dépouillé. Cet album est musicalement plus proche de ce dernier, et il conserve un élément chaotique attachant. Comme Bernsand joue toute la musique lui-même, il veut peut-être donner l’impression d’un groupe qui commence à se souder dans une prise live sur le morceau d’ouverture « Stud Phaser ».

« Self-Similarity Fractals » »capture l’essence d’Orange Crate Art sur cet album ; un motif de guitare discipliné tourbillonne sur une guitare basse dubby et une batterie qui passe d’un son de cliquetis serré à la Seefeel à un rythme plus lâche à mi-chemin. Se promenant sur un tempo qu’Andrew Weatherall appelait « drug chug », Bernsand allège ce groove tendu en ajoutant un soupçon de steel drums par-dessus. C’est le stratagème favori des producteurs qui sont aussi des inconditionnels des Beach Boy, et cela fonctionne à merveille. Bernsand se contente de laisser ses morceaux évoluer lentement pendant toute leur durée, et ils prennent leur temps pour le faire – le trio de morceaux d’ouverture dure près de sept minutes chacun. Mais cela lui permet d’orienter occasionnellement l’arrangement dans une autre direction, de laisser la musique se dérouler à peu près comme le ferait un groupe qui improvise. Nous n’avons aucune idée de la façon dont un musicien peut saisir cet esprit, mais nous le félicitons de l’avoir fait.

Bernsand a révélé qu’il s’agit de sa troisième tentative d’enregistrement d’un album pour le label Somewherecold ; cela n’allait pas en 2017 et 2019, mais tout s’est mis en place en juin 2021. Nous ne sommes toujours pas convaincus par les tentatives du label de mythifier les œuvres inédites d’Orange Crate Art, bien qu’il ait fallu attendre cinq ans pour cela, ce qui est peut-être compréhensible. Certes, le titre de l’album n’a pas été retenu – on dirait qu’il s’agit d’un disque de guitare folk acoustique – mais musicalement, l’album ne fait pas fausse route. Bernsand a créé un son vaporeux et hypnotique, tendu mais toujours lâche, parfait pour s’écrouler par une après-midi ensoleillée. Contemporary Guitar Music devrait, espérons-le, permettre à Orange Crate Art de se libérer de l’étiquette d « artiste obscur ».

***1/2


The Neuro Farm: « Vampyre »

30 mars 2022

Vampyre est le troisième opus de The Neuro Farm un groupe de Washington DC, après The Descent (2019) et Ghosts (2014). Si les titres des albums suggèrent l’obscurité et la hantise, c’est tout à fait approprié pour un groupe qui récolte des influences dans le domaine qui contient Joy Division, Radiohead, Nine Inch Nails, Siouxsie and the Banshees, Sigur Ros, Chelsea Wolfe, Portishead et Rammstein.

Composé de Brian Wolff (guitare, voix), Rebekah Feng (violon, voix), DreamrD (batterie) et Tim Phillips (synthétiseur), le violon et le synthétiseur s’efforcent d’apporter des éléments instrumentaux plutôt inhabituels au format, notamment en l’absence d’une basse en direct. Ce n’est certainement pas une impédance (les seules personnes qui s’en prennent à la basse synthétique semblent ironiquement être des fans de The Sisters of Mercy qui n’ont pas tourné la page de 1985 – pour qui boîte à rythmes voulait dire cool et basse synthétique signifiait pas cool).

Chose dite, Vampyre est un album conceptuel, qu’ils expliquent comme suit : notre héroïne titulaire, attirée par la promesse de l’immortalité, se voit imposer cette malédiction par le leader égocentrique d’un culte vampirique. Mais au sein du culte, les désillusions se multiplient et l’héroïne crée ses propres adeptes. Elle finit par rejeter son créateur, se rebellant contre lui et son institution en décomposition. Elle fait un dernier adieu à son mari mortel, se détournant de l’humanité et embrassant sa nouvelle nature. Elle tue son ancien maître lors d’un « massacre de minuit » et se déclare reine.

Même si on est un défenseur des albums plutôt que des collections aléatoires de chansons, on peut avoir parfois du mal avec les albums conceptuels, dans la mesure où suivre une narration est souvent assez difficile. Trop de narration peut être ennuyeux ; trop peu, et vous êtes perdu, vous demandant ce qui se passe. C’est un territoire épineux sur lequel il faut naviguer en toutes circonstances.

« Cain » est, à cet égard, une introduction audacieuse et théâtrale, lespersussions sombres qui roulent et grondent fournissant une toile de fond stoïque à des voix théâtrales et dramatiques. « Feng » n’est pas seulement opératique dans sa prestation, mais elle est soutenue par un arrangement choral complet, puis le violon s’insinue et l’échelle cinématique de la composition se révèle alors dans toute son excentricité.

C’est aussi ce qui va se passer avec «  Purity », un morceau lent qui, en six minutes et demie, se faufile entre le gothique Christian Death de l’ère Rozz, le stoner rock laborieux et le post-rock qui va crescendo.

Le titre « Maker « apporte une touche de grandiloquence, à l’image du « Carmina Burana » de Carl Orff, en passant par divers passages où le ma^îre-mot sera grandeur et où on trouvera, en effet, myriade d’élements à assimiler. Le prog-rock spatial de  » »Enthralled », l’électro industrielle glauque du « single » « Confession » ou la mélancolie chargée de cuivres du métallique « Decay ». Le titre de l’album, guidé par des pianos et des échos, est une sorte de chef-d’œuvre gothique, sombre, ombrageux, avec des voix envolées. Il déborde de qualités épiques qui touchent les centres émotionnels et s’épanouit dans une cascade glorieuse de soleil, où le goth et le post-rock sont en parfaite concordance. Cela ressemble à un final, mais les trois chansons restantes continuent de projeter des atmosphères riches et résonnantes, avec « Midnight Massacre «  qui débarque de manière inattendue sur la fin avec un glam-stomp aux accents lugubres. C’est du vrai rock gothique, parfaitement réalisé.

Le plus souvent, tout ce qui se dit gothique et qui emprunte la voie du vampire » a tendance à être maladroit, ringard et cliché, mais malgré tous ses penchants conceptuels, Vampyre n’est rien de tout cela ; au contraire, c’est comme un plongeon plus sombre et plus gothique dans le domaine des premiers iLiKETRAiNS. Mais par-dessus tout, c’est un exercice varié, imaginatif, dramatique et vraiment spectaculaire.

****


Caroline: « Caroline »

21 février 2022

Il semble presque inévitable que le premier album éponyme de Caroline soit comparé aux autres post-rockers britanniques Black Country, New Road. En effet, les deux groupes s’inspirent d’une variété de styles et utilisent les mêmes inflexions vocales sing-speak en vogue ; là où Black Country, New Road s’installe dans un groove post-punk presque jazzy sur des chansons comme « Sunglasses », Caroline joue plus directement son post-rock. Ils ne sont pas très différents, en fait, d’un groupe comme Godspeed You ! Black Emperor, sauf que Caroline a des voix, qui, conformément au genre, sont traitées plus comme une autre texture que comme le point central de la musique.

Le morceau d’ouverture de près de sept minutes « Dark Blue », par exemple, fait plus office de prélude d’introduction que de chanson à part entière – bien qu’il s’agisse évidemment d’un morceau magistral. Il se construit à partir d’un crescendo répétitif, parsemé de violons, jusqu’à ce que le chant arrive, presque comme un chant de «  I want it all », sur des coups de guitare minimalistes ; le groupe ne retrouve jamais cette même énergie pendant le reste de la chanson, laissant à chaque instrument un bref moment pour se lâcher avant de reprendre les choses en main.

Lorsque le morceau suivant, « Good morning (red) », utilise un modèle similaire à un rythme slowcore, le jeu général de Caroline devient clair. Dans les documents de presse précédant la sortie de l’album, le groupe explique que parfois, les choses sonnent beaucoup mieux lorsqu’il y a un espace vide. En effet, Caroline fait amplement usage de cette règle, les chansons tournent en boucle sur elles-mêmes et répètent des éléments encore et encore, en n’apportant que des changements subtils à chaque fois. C’est une stratégie qui récompense la patience, une stratégie bien plus ancrée dans les schémas de transe du post-rock ou du slowcore que dans le post-punk ou le rock indépendant en général ; cela signifie que, peut-être, pour certains auditeurs, Caroline sera un peu un défi, un album qui en dit trop peu et en montre trop. Bien que les comparaisons entre Black Country et New Road soient fréquentes, Caroline est en réalité plus proche d’un groupe comme Balmorhea ou Rachel’s, tant au niveau du son que de l’approche. L’ambient « Engine (eavesdropping) » en est un excellent exemple, un morceau qui prend environ deux minutes entières pour passer d’une percussion extrêmement calme et crachotante à une composition de drones à part entière, avant que des cuivres et une guitare bluesy ne trouvent leur place dans le mélange ; le morceau est cacophonique et désordonné, chaque membre se battant pour noyer les autres à son propre rythme, ce qui donne au morceau un sentiment d’improvisation.

Une grande partie de Caroline nous fait partagr cette sensation, notamment les pseudo-interludes qui interrompent presque tous les autres morceaux du disque. Le groupe a beaucoup parlé de ses influences folkloriques appalachiennes dans les documents de pré-sortie, et des titres comme « messen #7 » et « zilch » sont celles qui les font le plus ressortir. Constituées d’un peu plus que de guitares grattées négligemment et des bruits ambiants de la pièce dans laquelle elles ont été enregistrées, elles confèrent au disque, par ailleurs tentaculaire et presque vertigineux, un sentiment d’intimité.

Mais pour dépasser cette maladresse calculée, des chompositions omme « IWR », le morceau qui accompagnait l’annonce de l’album, ont une accroche presque indescriptible. La chanson se compose presque exclusivement d’une ligne de paroles : « Somehow I was right / all night long », répétée à l’infini tandis que la musique se déplace de façon presque tectonique, passant d’un chant funèbre proche de la musique folklorique à une magnifique explosion de musique classique contemporaine. Le morceau de fin de près de neuf minutes, « Natural Death », est l’apogée de tout cela, un titre qui réimagine la dernière moitié d’Illusory Walls sous la forme d’un folk indé désintégré. C’est le morceau qui met tout le reste de Caroline en perspective, qui réaffirme que chaque morceau précédent était un tremplin vers un point final particulier.

C’est aussi, et ce n’est peut-être pas une coïncidence, le morceau le plus traditionnellement structuré, passant d’un premier couplet ambiant et vocal à un pont passionné dans lequel des giclées de cordes trémolos vont et viennent sur des coups de cymbales et des coups de piano, avant qu’une coda de guitare déchirante ne vienne clore le disque. Voicit une chanson tout à fait impressionnante, qui reprend en miniature tout l’arc du combo, la plus immédiatement captivante. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas l’écouter quelques fois avant de l’entendre, mais une fois qu’elle est là, elle est vraiment là. C’est un rappel qu’il n’y a rien de mal à laisser un peu plus d’espace pour respirer, un peu plus de temps pour s’imprégner. Caroline est un disque qui récompense la patience, et cela, en soi en est une bien belle.

****


Saint 44: « Blood on My Guitar »

1 janvier 2022

À l’époque de sa sortie en 2013, l’album Moving Mountains n’a pas fait grand bruit. Son ton sobre et plus endormi en faisait une sortie beaucoup moins immédiatement captivante que leurs précédentes sorties, et le groupe s’est séparé peu après. Dans les années qui ont suivi, l’influence de cet album est devenue évidente. Des groupes comme Overgrow, Seer Believer et Valleyheart se sont inspirés du cadre établi par Moving Mountains et ont expérimenté dans ces limites. Blood on My Guitar, le premier album de Saint 44, est probablement le groupe qui s’est le plus approché de ce son.

Blood on My Guitar n’est pourtant en aucun cas une copie de Moving Mountains ; pour commencer, le groupe de Ian Karoway a beaucoup plus en commun avec la musique traditionnelle des auteurs-compositeurs-interprètes qu’avec le post-rock automnal de Moving Mountains, mais l’influence se fait clairement sentir. C’est dans la voix de Karoway qu’elle est la plus évidente, adoptant un ton râpeux et haletant similaire à celui de Greg Dunn sur cet album, mais ailleurs, des chansons comme « A Bridge Elsewhere » et « The Orchid » s’épanouissent et se déploient d’une manière qui rappelle les crescendos majestueux de « Seasonal » ou « Eastern Leaves ».

Une grande partie du disque, cependant, s’inscrit dans le moule de l’auteur-compositeur-interprète, consistant en un peu plus de voix et de guitare. « Push & Pull » et « First Beach », qui constituent la pièce maîtresse de Blood on My Guitar, sont clairsemés et aériens ; ils ressemblent davantage aux premiers travaux de Noah Gundersen qu’à un projet de groupe. Le fait que les deux morceaux soient dos à dos aurait pu, sur un album plus long, provoquer un affaissement du disque dans sa partie centrale, mais pris en sandwich entre la conclusion explosive de « The Orchid » et le vif « Nail in the Coffin », le morceau le plus optimiste de Blood on My Guitar, ils ne font que donner un peu d’air.

Comme Moving Mountains, Blood on My Guitar peut être considéré comme un disque d’ambiance, qui se consacre surtout à créer et à maintenir une atmosphère de calme cohérente plutôt qu’à loger certaines mélodies dans la tête de l’auditeur ; pour sa variété sonore, l’album s’en tient effectivement à des tempos et des sentiments similaires. Mais là encore, pour un album qui n’atteint même pas une demi-heure, ce n’est pas un inconvénient. C’est plutôt la preuve que Saint 44 excelle dans ce qu’il entreprend. Sa prochaine collection sera certainement encore plus serrée et plus impressionnante – un exploit, car Blood on My Guitar est un merveilleux « debut album ».

****


Maybeshewill: « No Feeling is Final »

31 décembre 2021

Maybeshewill est de retour ! Il semblait que la voix séminale du post-rock britannique était terminée après leur spectacle à guichets fermés au Koko en 2016, avec Fair Youth de 2014 servant de chant du cygne en studio. Pourtant, il était peut-être inévitable que la séparation ne dure pas longtemps – les voici en 2021, tentés de sortir de leur retraite avec une nouvelle collection de chansons qui, comme ils l’ont dit eux-mêmes, «  ont remis le groupe sur pied « .

No Feeling is Final est certainement Maybeshewill pour la génération du changement climatique. Il y a une colère apocalyptique à l’œuvre ici, alors que le groupe fulmine contre le refus obstiné de la société de changer face à une planète mourante. Mais c’est surtout une profonde tristesse qui imprègne l’album – de sombres cordes occupent le devant de la scène tout au long de l’album, menaçant de dévorer le son de synthé habituellement optimiste qui a fait le nom du groupe. C’est un album sombre, mais on peut y trouver des lueurs d’optimisme, et bien sûr un défi politique qui a toujours été la marque de fabrique de la musique de Maybeshewill.

Très vite, l’étalage est fait. « Zarah », avec son sample prolongé (oui, les samples sont de retour sur cet album, même si ce n’est que très brièvement) fonctionne presque comme une déclaration de mission du groupe, un morceau rock et agressif qui montre que la foule de Leicester a toujours le feu sacré. « Complicity » bondit avec une menace appropriée, avant de céder la place au rythme mélancolique des claviers d’ « Invincible Summer ». Le solo de saxophone à la fin du premier  « single » « Refuturing » est une surprise bienvenue, complétant un morceau sombre qui projette néanmoins des airs d’optimisme. Il est suivi d’un autre moment fort, le folksy « Green Unpleasant Land », dont les méandres pastoraux finissent par céder la place à l’une des sorties les plus chaotiques de l’album.

En fin de compte, No Feeling is Final finit par être un peu creux. Il n’y a pas de mauvais morceau sur l’album – « Even Tide » et « The Last Hours » sont tous deux un peu trop longs, peut-être, mais ont quand même leurs moments. C’est juste qu’il n’y a pas grand-chose ici qui reste longtemps dans la mémoire – Maybeshewill, à leur meilleur, sont les maîtres du post-rock qui sinsinue dans les oreilles, mais il n’y a pas grand-chose pour rivaliser avec des titres comme « Red Paper Lanterns » ici. Trop de titres finissent par passer à côté, se confondant en un mélange de terreur sociétale.

Peut-être est-ce parce que l’apocalypse sombre de l’album s’avère un peu lassante au bout d’un moment. Il semble qu’il faille une éternité avant d’arriver à « Tomorrow », le morceau le plus proche, et à sa vision d’un avenir meilleur. C’est pourtant cette approche sombre qui fait que No Feeling is Final vaut la peine. Tant de groupes dans la position de Maybeshewill auraient roulé sur leur retour, se contentant de jouer les mêmes chansons dans les mêmes festivals jusqu’à leur prochaine retraite. Pourtant, ici, l’équipe de Leicester prouve qu’ils sont de retour pour une raison, qu’ils ont encore quelque chose à dire. Ce n’est pas encore le travail d’un groupe qui tire sur tous les cylindres, mais Maybeshewill est de retour et c’est en soi une raison d’être optimiste.

***


Delwood: « Delwood »

9 décembre 2021

On regrette vraiment l’âge d’or du post-rock musclé et sinueux qui était pratiqué par les mensonges de Shipping News et June Of 44. Heureusement pour nous, le groupe Delwood, composé de deux guitares basses, est entré dans la danse et sa première sortie est un véritable succès.

L’idée de deux guitares basses nous fait d’abord penser à Rothko et ensuite à Girls Against Boys, mais Delwood s’écarte bien du type de son que ces deux groupes très distincts ont produit et se dirige vers quelque chose qui carillonne et culbute, mais qui est toujours insistant dans sa propulsion rythmique. Les chansons sont constamment en mouvement, incapables de rester immobiles, se transformant légèrement, évoluant doucement mais rôdant comme un serpent dans le désert.

Le morceau d’ouverture « Hearts As Clocks » est directement lancé, les deux basses soutenant des parties très différentes du morceau mais s’entrelaçant. Le rythme vigoureux est rejoint par des chuchotements vocaux dont la menace croissante met l’auditeur en alerte. C’est comme une mèche allumée, mais sans savoir combien de temps il reste avant qu’elle ne rencontre la charge utile ou si elle pourrait simplement être un raté ; c’est cette tension qui traverse l’album. Les doux cors de Clement Dechambre s’opposent à la férocité latente et la basse chantante et swinguante joue le rôle de médiateur.

C’est le sentiment d’anticipation qui rend les choses fascinantes ici, une possibilité rampante d’une explosion contenue, comme une boîte pleine de ressorts qui grincent et se tendent en attendant une libération qui pourrait ne jamais venir. La texture et le ton de la basse sur « Ultimate » sont délicieux et la batterie souple, toujours bien dosée pour le morceau, donne un sentiment d’agilité, permettant de contenir les hurlements de la guitare et les chants célestes, tandis que les voix aléatoires et la basse lancinante de « The Sound Of Victory » rappellent un souvenir délavé de The Jesus Lizard.

Des éléments électroniques aléatoires sont intercalés dans une partie de « The Sequence Of Facts » par le génie des claviers Vincent O, dont la pression majestueuse m’a rappelé certains des éléments les plus longs et les plus abstraits de Physics, un groupe de San Diego qui nous a beaucoup manqué, tandis que « Parallax » est un post-hardcore tendu et laconique, mais qui cherche constamment une nouvelle route, s’enfonçant de plus en plus dans un avenir brillant mais imparfait, toujours méfiant et toujours préparé.

Bien que les morceaux comprenant Delwood partagent une même esthétique, ils varient considérablement, certains restant instrumentaux tandis que les morceaux vocaux passent de la menace murmurée à la frustration rauque et gutturale, et ils ont tous des virages, des creux et des plongées. Cela ressemble à cette sensation de se tenir sur une route au milieu de la nuit noire ; vous savez qu’un véhicule s’approche car vous pouvez voir les lumières, mais lorsqu’il prend un virage, les lumières disparaissent, puis réapparaissent beaucoup plus près, leur approche inexorable et leur proximité palpable. Arrivera-t-il jusqu’à vous ou fera-t-il un écart à la dernière minute ?

L’album s’achève sur le trébuchement furieux de « Lighthouses », dont les quelques secondes de silence sont si émouvantes que l’éclat de la voix vous sort de toute rêverie. C’est une fin convaincante et dense pour un album plein de lumière et d’ombre, mais rempli à ras bord d’aventure et d’intrigue.

***1/2


Richard Dawson & Circle: « Henki »

26 novembre 2021

Ne jamais rencontrer ses héros, dit le vieil adage, et pour ceux qui ont rencontré des idoles musicales ou autres, il peut certainement y avoir du vrai dans ce cliché.

Mais Richard Dawson, l’un des rares musiciens folk britanniques qui semble réellement aimer les plus anciennes traditions folkloriques de l’île, plutôt que d’écrire des chansons rock avec un banjo, offre une réfutation de cette affirmation sur son septième album studio. L’album est une collaboration avec Circle, un groupe de post-rock finlandais éclectique et expérimental dont Dawson a dit un jour qu’il était son préféré de tous les temps. « C’était comme si j’étais un adolescent et qu’on me demandait soudainement de monter sur scène avec Iron Maiden », a-t-il dit, à propos de la première fois où ils l’ont invité à se produire avec eux. C’est dire à quel point ce groupe est important pour lui

Les deux projets – le premier, un one-man-show d’un Geordie (habitant du Nord-Est de l’Angleterre) qui utilise son style vocal animé pour chanter des chansons dont l’action se déroule dans les centres d’exécution d’Amazon et au 400e siècle, et l’autre, un groupe finlandais de six musiciens ayant 32 albums à leur actif – semblent être une association improbable, mais le fait que leurs styles se complètent si bien ne devrait pas être une surprise. Bien que la joie de Dawson soit principalement lyrique et celle de Circle largement instrumentale, les deux ont une histoire commune de créativité et de réinvention sans relâche. Aucune chanson de Dawson ne se ressemble, et ses sujets vont du meurtre au jogging. Circle, quant à lui, a tâté de l’ambient, du jazz, du krautrock et du métal au cours de ses trois décennies d’existence, et relève le défi de complimenter un chanteur aussi loquace sur Henki.

Tout comme Dawson est manifestement ravi d’avoir pu enregistrer avec Circle, l’album donne l’impression d’être un cadeau offert à l’auditeur à l’approche de Noël. Il y a tellement de choses à déballer ici. C’est une œuvre tentaculaire, la chanson la plus courte étant de six minutes, la plus longue de plus de douze. Sur le plan lyrique, Dawson est en pleine forme. Tout comme son album Peasant en 2017, où toutes les histoires se déroulaient entre 400 et 600 ans, Henki reprend un thème : la flore et la faune. Il y a un air livré du point de vue d’une graine vieille de 32 000 ans gelée dans le permafrost, et d’autres d’explorateurs et d’herbologues moins connus. Si cela semble sec, ce n’est pas le cas. Dawson ne semble pas se préoccuper des tropes thématiques de 90% des chansons, ce qui signifie que les paroles sur la chercheuse en plantes vasculaires Isobel Cookson sur l’ouverture « Cooksonia » sont délivrées avec la même énergie qu’Ariana Grande chante sur un ex. « J’ai réussi à étudier à l’université de Melbourne ! » affirme ainsi Dawson à la fin d’un des couplets de la chanson.

Aussi captivantes que soient les histoires de ces chansons, Circle n’est en aucun cas un simple accompagnateur sur ce disque. « Ivy », un riff psychédélique sur divers mythes grecs, est orné de chœurs hargneux et de guitares propulsives à la manière d’aucune chanson de Richard Dawson avant elle. La chanson « Pitcher », qui clôt l’album, est un morceau krautrockien qui comporte même des chants d’opéra de la part du chanteur du groupe, Jussi Lehtisalo ; lui et Dawson sont perdus dans l’œil d’une tempête qui semble remonter jusqu’à la fin de la chanson. Les meilleurs morceaux les montrent tous les deux au sommet de leur art, comme sur l’épique « Siliphium », qui raconte l’histoire de la plante du même nom, sur laquelle la ville romaine de Cyrène a construit un empire, mais qui comporte également un interlude instrumental prolongé, qui montre Circle au meilleur de sa forme. Vous n’avez pas rencontré vos héros ? Peut-être. Mais faire un album avec eux ? On ne peut pas se tromper.

***1/2


Clinic: « Fantasy Island »

2 novembre 2021

De nos jours, tout le monde semble se mettre en orbite, qu’il s’agisse de William Shatner, de Tom Cruise ou des acteurs d’un prochain thriller russe filmé dans la station spatiale internationale. Mais on peut dire que les avant-gardistes analogiques Clinic sont arrivés les premiers et qu’ils ont passé les vingt années qui ont suivi leur premier album Internal Wrangler dans les étoiles, en surrégime interstellaire.

Alimentés par des claviers vintage et divers bric-à-brac sonores souvent obtenus dans des brocantes, les anticonformistes de Liverpool sont en mission illimitée pour explorer de nouveaux genres étranges. Et de chercher une nouvelle vie dans l’espace profond inexploré entre l’indie, l’électronique, le krautrock et le psychédélisme.

En cours de route, ils se sont fait une place en tant que groupe underground avec de grandes idées. Avec leur penchant pour les masques identitaires, ils ont critiqué le stéréotype du groupe de rock comme un monument à l’ego du chanteur. Comment faire la part belle au chanteur quand tout le monde se ressemble ?

Sur l’album Wheeltappers and Shunters (2019), ils ont entre-temps interrogé la « britannicité » dans le paradigme post-Brexit, où les mythes nationaux détrempés ont été transformés en préjugés modernes. Ou, comme le chanteur Ade Blackburn, perpétuellement inconsolable, le dit dans « Complex », « le bon vieux temps, les bonnes vieilles manières… les drapeaux flottent » (the good old days, the good old ways … flags are flying ).

L’angoisse du Brexit est manifestement absente de Fantasy Island. C’est un disque conceptuel où le concept est qu’il n’y a pas de concept. Dans ses paroles et son paysage sonore, le projet est en constante évolution. Du disco vintage à l’acid pop en passant par le funk lo-fi, les plaques tectoniques sont en perpétuel changement. C’est un projet éparpillé avec une vengeance.

C’est aussi un opus très amusant quand il le veut. S’élançant vers l’avant sur un vaste groove ondulant, « Take A Chance » est un bopper psychédélique situé entre T-Rex et le psychédélisme du Wirral de The Coral. Et sur « Refractions (In The Rain)’ » une énorme basse grinçante est associée aux pings et aux parps du BBC Radiophonic Workshop.

« People that play the music … join the people that play the music », chante Blackburn. Les paroles sont d’une banalité consciencieuse. Pourtant, elles sont rehaussées par le zèle chamanique avec lequel Blackburn enroule sa bouche autour des consonnes.

Blackburn sait aussi crooner. Sur « I Can’t Stand the Rain » (l’un des deux morceaux sur le thème de la précipitation), il ressemble ainsi à un Scott Walker aux œufs et aux frites qui contemple une averse à travers les fenêtres d’une cuillère grise lugubre.

Clinic a toujours été considéré comme un outsider et il est facile d’oublier tout ce qu’il a accompli au début de sa carrière. Ils ont fait une tournée avec Radiohead et leur deuxième album, Walking With Thee (2002), a été nominé pour le Grammy du meilleur album alternatif. Ils ont finalement perdu face à Coldplay. En revanche, Fantasy Island ne risque pas de causer à Chris Martin trop de nuits perdues (à moins que la chanson-titre de Beatles-do the-Wicker Man ne surgisse sur une playlist juste avant qu’il n’aille se coucher).

Le neuvième album de Clinic est une boîte à sueur noueuse, débordante d’humour mais souvent en conflit avec elle-même. Veut-il être loufoque ou profond ? Bête ou effrayant ? Et lorsque le groupe se plonge dans le monotone Kraftwerk-on-Mersey de « Fine Dining », plaisante-t-il ou regarde-t-il vers l’abîme ?

« Fine dining, fine dining », bredouille Blackburn, comme s’il s’agissait d’un sketch tragique. Et puis il chante « Dans le vide, tous, dans le vide » (all into the void all, into the void(. Comme ça, la chanson est passée dans un endroit au-delà de la lumière et de l’espoir : du bout de la jetée à la fin de l’univers.

Mais peut-être que ce brouillard de confusion est le but recherché. Et peut-être que le LP a un message après tout. Nous vivons une époque chaotique. Il est souvent difficile de savoir si nous devons rire, sangloter, nous réfugier ou embrasser la folie. Et avec Fantasy Island, Clinic a tendu un miroir à cette réalité post-réalité. C’est à la fois troublant et réjouissant, plein d’esprit et décourageant. Et bien qu’il ait été enregistré il y a deux ans, il capture d’une certaine manière l’essence de ce que c’est que d’être une entité consciente négociant le monde en 2021.

***1/2