Dynfari: « Myrkurs er Þörf »

14 janvier 2021

L’Islande est un pays d’une beauté époustouflante qui se trouve dans un environnement naturel épouvantable. L’obscurité et le froid, les tempêtes et la mer démontée font partie de la vie quotidienne normale en Islande. Ainsi, beaucoup d’Islandais se tournent vers leur intériorité, dans la maison, dans le cercle familial ou aussi en soi-même. Ce tournant vers les éléments intérieurs de la vie peut entraîner une sorte de repli sur soi et d’introspection où l’on doit faire face à ses propres démons, parfois même seul. Il est évident que ce mode de vie introverti n’est pas toujours pour le mieux, même s’il ne faut pas sous-estimer la dureté des gens qui vivent sur cette roche volcanique au milieu de l’Atlantique Nord, à un bruit de corbeau de l’Arctique. 

La musique islandaise est donc très variée, même si, pour être honnête, la plupart de ce que nous entendons de l’île est plutôt sombre, Múm, Minus, Gavon Portland du côté alternatif, et MisÞyrming, Almyrkvi, Svartidaudi du côté métal, tandis que Sigur Ros, Björk et For a Minor Reflection servent les post-rock-aficionados. Et puis il y a des groupes comme Dynfari qui marchent sur le fil du rasoir en combinant post-rock et black metal, non pas à parts égales mais avec plus qu’un soupçon. C’est ce que montre également leur dernier opus Myrkurs er Þörf.

Musicalement, le disque offre tout ce que l’on peut attendre de la combinaison de genres susmentionnée, il est plein d’espoir à certains endroits et dépressif à d’autres, ces derniers dominant un peu à première vue. Néanmoins, le premier morceau que l’on entend « Dauðans dimmu dagar » est un pur morceau post-rock avec un crescendo un peu noirci, la batterie dégageant une atmosphère de black metal. Lorsque le deuxième morceau « Langar Nætur » démarre avec le pied clairement un pas plus dur sur le gaz, il devient évident que ce groupe ne sera pas à sens unique. Nous avons ici un groupe qui, avec quatre longs métrages précédents à son actif, sait comment capturer l’auditeur et le guider dans le labyrinthe en spirale vers le bas et vers le haut.

Le chant du bassiste Jóhann Örn, qui joue également de l’accordéon et des synthés sur ce disque, est noirci, mais pas seulement par des cris et des hurlements, mais, chose intéressante, un peu plus clair que d’habitude pour le genre – si l’on peut comprendre le langage ! Il devient évident que sa voix est plus claire que dans la plupart des cas quand on écoute les passages en anglais, par exemple dans le dernier morceau « Of Suicide Redemption ». Ici, il montre également que le texte de la promo du disque pourrait être vrai lorsqu’il dit que Dynfari se concentre sur les côtés les plus sombres de la vie – le suicide et la tristesse, la dépression et la mort. La musicalité n’est pas unique, mais elle est remarquable. Il semble que tout sur ce disque soit à sa place parfaite et comme tout sonne parfaitement équilibré, il faut également reconnaître la production et le mastering de « Myrkurs er Þörf ». 

Si vous aimez votre post-rock un peu moins lumineux et avec des ombres et des ténèbres, ce groupe mérite certainement votre attention. Les puristes (des deux genres) feraient mieux de s’en éloigner, tandis que les autres restent assis et profitent d’un disque aux multiples facettes et aux dimensions multiples, rempli de chansons atmosphériques fantastiques qui vous mèneront facilement sur une route vers ce rock sombre du nord, à l’intérieur d’une des maisons, dans les profondeurs de l’âme en claustrophobie.

***1/2


Show Me a Dinosaur: « Plantgazer »

4 janvier 2021

Show me a Dinosaur vient de Saint-Pétersbourg sur le front de mer Baltique en Russie, il faitaussi partie d’une scène florissante, intrigante et miraculeuse. Miraculeuse parce que nous ne parlons pas de dizaines de personnes mais d’une poignée ou deux qui, dans diverses constellations et divers projets, sont capables d’inventer sans cesse de nouvelles musiques. Qu’il s’agisse des monolithes de black metal Trna, des évolutionnistes épiques Olhava, les hypnotiques Show me a Dinosaur nous arrivent maintenant avec une nouvelle musique. 

Et ils prouvent une fois de plus pourquoi les bonnes œuvres de blackgaze comme les opéras de Wagner – dans la plupart des œuvres du compositeur allemand, on trouve ces moments où une seule mélodie se fraye un chemin à travers les brumes orageuses de tous ces instruments qui l’entourent, des moments où cette seule mélodie (souvent jouée par un seul instrument) doit se frayer un chemin jusqu’au sommet et finit par éclipser toutes les autres. Le Blackgaze tente souvent d’accomplir la même chose que sa combinaison de post-rock et de black metal, mais cela ne fonctionne que si vous avez des musiciens très polyvalents qui sont capables de construire des riffs de mesures montagneuses tout en laissant lentement passer une seule idée, le plus souvent par le biais des lignes de guitare, avec des crescendos qui conquièrent le sommet en luttant comme des fous contre les riffs déchaînés qui l’entourent. 

Et c’est et cela a toujours été la force de Show me a Dinosaur – leurs deux guitaristes Pavel Volkov et Artem Selyugin sont certainement parmi les meilleurs duos de black metal de ces dernières années et ils pourraient bien devenir les meilleurs de tous s’ils continuent à livrer la marchandise de cette façon. Très souvent, on ne peut que rester en retrait en écoutant avec effroi la beauté de leur musique. Les guitares dansent l’une autour de l’autre comme un couple de danseurs professionnels – l’une n’est rien sans l’autre, mais en même temps, les deux doivent s’efforcer de se surpasser pour devenir un couple vraiment de classe mondiale. 

Néanmoins, il ne faut pas ignorer la section rythmique de Philip Chernonog à la basse et de Daniel Kourdakov à la batterie. Si vous écoutez le début de la première partie de « Sunflower », vous remarquerez à quel point leur travail est important : ce qui commence comme un simple indie-rocker est lentement ralenti jusqu’à ce qu’ils fassent un long pas en arrière après environ cent secondes et donnent à la chanson le temps nécessaire pour respirer avant de la reprendre avec un tapis sonore beaucoup plus léger et plus haut sur lequel les belles piqures semi-acoustiques peuvent danser. L’écriture d’une chanson parfaite nécessite une exécution parfaite.

Sur le plan conceptuel, il faut noter que Plantgazer est un disque qui a besoin du contexte de l’époque pandémique dans laquelle nous vivons. Le titre-néologisme est destiné à identifier une personne qui est toujours assise chez elle à regarder ses plantes tout en étant incapable d’aller dehors. Il y a un an, nous aurions pu associer cette personne à certains autres problèmes – en 2020, la raison de rester chez soi est aussi évidente qu’elle peut l’être : La personne vit dans un environnement fermé et n’a pas le droit de sortir. Ainsi, le narrateur développe une sorte d’anxiété qui ne semble jamais se dissiper mais qui est toujours à la base de tout. 

Même les voix livrent les moments wagnériens susmentionnés – par exemple lorsqu’un chœur épique apparemment à plusieurs voix accompagne la fin de « Marsh » : Il semble que toute une bande de marins nous saluent à l’intérieur alors qu’ils quittent le port afin de nous donner de l’espoir en trouvant quelque chose pour nous aider. Vont-ils recevoir de l’aide ? Vont-ils nous sauver ? Nous préserver du danger ? 

Il faut toutefois admettre que le chois du premier single « Hum » avait de quoi nous déphaser, mais, dans le contexte de l’album entier, la chanson est parfaitement logique. À cet égard, c’est l’autre signe d’un grand disque ; rendre les chansons meilleures qu’elles ne le sont en les intégrant dans le meilleur environnement possible. 

Plantgazer est un album qui grandit en vous – certaines personnes hypercritiques pourraient dire que Show me a Dinosaur n’a rien inventé de nouveau, que leur formule est simplement répétée. Cependant, dans le contexte de 2020, il faut admettre qu’il correspond à e qui pourrait en faire un des meilleurs disques de cette année, avec des groupes qui ne se redéfinissent pas mais qui offrent un nouveau niveau de perfection musicale que même les plus optimistes n’auraient peut-être pas vu venir. 

Show me a Dinosaur restent les rois du blackgaze orienté post-rock en créant un disque puissant que tout le monde devrait écouter. Et ne vous plaignez pas si vous n’arrivez pas, chemin faisant, à lvous le sortir de l’esprit.

***1/2


Post Louis: « Descender »

11 décembre 2020

Il est agréable de penser à l’art comme un répit du monde du travail, comme une forme d’expression qui vit en dehors de notre besoin de survivre et qui trouve une vérité transcendantale pour le monde. C’est bien, mais ce n’est pas vrai. Après tout, l’art est une autre marchandise et, plus que jamais, les artistes dépendent du travail non artistique pour soutenir leurs efforts de création. 

C’est le cas de Stéphanie Davin, la chanteuse principale de Post Louis. Bien que le groupe ait trouvé un certain crédit indie grâce à une série de singles à succès, une réputation post-rock naissante ne paie pas les factures. « Je suis descendue directement d’un bus de tournée et j’ai traversé les portes à double vitrage d’un énorme immeuble de bureaux pour commencer un nouveau travail », raconte Stephanie Davin.  » »’était un choc. J’ai travaillé pendant des heures interminables dans cet endroit, souvent jusque tard dans la nuit, à calculer des chiffres et à écrire des e-mails au cœur de la machine de l’entreprise ».

C’est dans ces circonstances – répétitives et éprouvantes – que le groupe a fait ses débuts avec un disque, Descender,qui est un album d’épuisement : de travail, d’expression, d’intimité. Sur presque tous les morceaux, Davin finit par s’attarder sur une seule phrase, répétée à n’en plus finir ; sa poésie se rétrécit comme un océan dans une rivière, errant au début jusqu’à ce qu’elle s’enferme dans son mantra. Cette répétition crée un monde musical qui reflète les conditions dans lesquelles il a été créé. Les paroles se répètent jusqu’à ce qu’elles prennent un sens nouveau et inexplicable ; les riffs s’itèrent sur eux-mêmes, jouant un jeu de téléphone jusqu’à ce qu’ils deviennent le reflet de leur passé ; les rythmes font avancer le groupe avec précision jusqu’à ce qu’une pause dans le groove vous désoriente. Tout cela aboutit à un disque aussi cinématographique que musical, un post-rock qui transforme la technique en émotion.

Parfois, comme le grincement d’une trop longue semaine de travail, Descender semble beaucoup trop interminable – son utilisation constante de la répétition combinée à sa durée d’exécution de 50 minutes suffisent à vous épuiser. Pendant ce temps, les transitions brusques entre les pistes vous laissent à bout de souffle. Le plus souvent, cependant, Post Louis utilise la répétition comme un outil permettant d’affiner la puissance des petites variations.

Mais en fin de compte, ce sont les grands écarts de forme qui ressortent le plus, qui restent dans votre esprit comme un souvenir idiosyncrasique d’une semaine autrement quotidienne. Sur « Ghostwriter », un post-rock à l’image de Modest Mouse, Andy Stern reprend le chant principal pour la seule fois de l’album, offrant un compliment profond à Davin, qui brille dans son bref passage comme ornementation sonore. La chanson titre se déploie avec luxure dans son instrumentation foisonnante – le violoncelle et la harpe l’élèvent vers un autre monde tandis que Davin explore l’absence de vie qui vient avec le fait d’être piégé dans le monde du travail. 

Plus que tout, c’est l’œil muet deDescender ; sa tempête qui frappe le plus durement. Au milieu de l’ouragan d’émotions du disque se trouve « Labyrinthitis », un interlude instrumental qui vous téléporte dans un avion de bonheur insouciant. Ses cordes s’écoulent comme la marée, preuve qu’il existe une beauté naturelle, même au milieu d’une vie envahie par l’enthousiasme des entreprises. C’est un moment éphémère, certes, mais c’est un répit bienvenu dans le délire que Post Louis traduit dans Descender. Si le reste de son œuvre – pour le meilleur et pour le pire – témoigne de la difficulté de vivre et de se sentir dans un monde qui vous voit comme un simple travail, ses moments de transcendance sont là pour nous rappeler que la vie est plus que le simple résultat. Et, peut-être que, malgré la lutte pour se maintenir, l’art, après tout, trouve un moyen de le faire.

***1/2


Topographies: « Ideal Form »

9 décembre 2020

Dans un monde où le temps est soit rapidement éphémère pour les uns, soit excessif pour les autres, tous ont à un moment donné envisagé le but de leur existence. Pourquoi sommes-nous ici et comment devrions-nous utiliser le temps dont nous disposons ? Comment pouvons-nous accepter que notre vie puisse se terminer trop tôt ou que nous puissions en voir d’autres passer trop tôt ? Ces questions existentielles – ou plus précisément notre crise existentielle collective – sont réfléchies dans le premier album passionnant de Ideal Form,Topographies.

Le trio composé de Jérémie Ruest (guitare, synthé), Justin Oronos (basse, synthé) et Gray Tolhurst (chant, guitare) (dont le père est en fait le co-fondateur de The Cure, Lol Tolhurst) a conçu un disque qui rend parfaitement compte de l’humeur désastreuse de 2020. Il s’agit d’une combinaison magistrale de post-punk et de cold wave à l’allure de shoegaze rêveur. Le groupe du père du Goth-rock Tolburst, popularisé il y a quatre décennies, rayonne également dans toute la musique. Chacune des huit chansons du LP est effrayante, mais elles émanent d’un optimisme tranquille. Le itre « Mirror » donne le ton avec sa ligne de basse lancinante et sa guitare cristalline qui s’envole, créant la sensation d’un disque solitaire à 3 heures du matin au milieu de nulle part. C’est le moment de rassembler ses pensées et, comme le dit Tolburst, de voir « au fond de soi-même » et de réaliser le vide qui existe. Le temps est peut-être infini, mais il est fini pour nous.

Ce doute s’attarde sur le faux désir dévorant. Avec ses sonorités pénétrantes et déchirantes et la marque de fabrique de Tolhurst, le chant fantomatique, la chanson est comme un premier pas dans un royaume interdit. Mais au lieu de faire marche arrière, nous continuons à avancer. Même les paroles de Tolhurst reflètent l’attraction magnétique qui nous fait plonger plus profondément dans l’inconnu, car c’est la seule façon de comprendre qui nous sommes.

« Seul, je sens les limites de ma luxure…Je ne peux faire confiance qu’aux ténèbres » (Alone I feel the boundaries of my lust …Only darkness I can trust).

Plus sombre encore sont « This Evening Als » et « Image », sur lesquels le groupe se rapproche le plus de la réplique de The Cure et, plus précisément, de l’époque de la pornographie du groupe légendaire. Sur le premier, les synthés tourbillonnent autour des tremblements post-punk tandis que Tolhurst révèle à quel point la mémoire d’un autre est comme des doigts autour du cou. Sa vie est liée à celle d’un autre, dont il ne peut se libérer. Il décrit en outre comment cette personne le hante surcla magnifique « Image » de mauvais augure. La basse à la Peter Hook est le moteur de la chanson, et c’est elle qui donne le marteau aux paroles de Tolburst qui lui rongent les ongles. À travers le tumulte et le bruit, il trouve difficile de vivre et de vivre en vous chaque jour. Mais la douleur est-elle la sienne ou est-ce son ami, son parent, son proche qui souffre ?

Il offre une réponse sur le magnifique numéro de Goth-Shoegaze, « See You As You Fall ». Alors que la guitare qui s’attarde, les rythmes tremblants et les rafales de synthétiseurs créent un paysage sonore éblouissant, Tolhurst raconte l’histoire du destin de la fin. Mais la vie continue. Il crie tranquillement « Je suis au paradis », tout comme il voit quelqu’un qu’il ne s’attendait pas à rencontrer. Notre existence n’est pas seulement liée à notre temps sur Terre, mais elle s’étend au-delà de nos cœurs qui battent. Elle existe dans les autres. Tout comme il y a du bonheur à voir quelqu’un, la séparation est inévitable. Avec l’approche militaire,Topographies révèlent que notre vie n’est rien d’autre qu’une figure solitaire. Cette entité est une autre personne, une divinité, ou même seulement nous-mêmes. Qui que ce soit, nos vies seront bouleversées encore et encore.

Alors que la nuit est sur le point de tomber, le groupe tire le rideau sur la « Rose of Sharon »,ce qui estla pièce maîtresse de l’album est un pays de rêve imprégné de Goths. Le carillon de la guitare fait pleuvoir des rayons de lumière chatoyante tandis que les synthés, la basse et la batterie remplissent chaque espace d’un délice enivrant. Un étourdissement s’installe, mais la voix transcendante de Tolhurst nous maintient sur notre chemin. Il est là pour nous guider et nous rattraper si nécessaire. Il ne nous permettra pas de tomber et de succomber au « plaisir déguisé ».

Il est peut-être trop tard, cependant, car lui, Ruest et Oronos nous ont emmenés dans le sombre abîme des possibilités. Ils nous ont fait comprendre que notre temps ici expirera, mais que notre existence est éternelle. Elle peut être faite de pierre, comme le révèle « A Wine Dark Sea », ou notre énergie peut flotter librement ailleurs. Nos vies ne s’arrêtent pas. Notre histoire ne fait que commencer, comme c’est ce qui va être le cas pour Topographies.

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Calexico: « Seasonal Shift »

5 décembre 2020

Souvenez-vous de la fin des années 90, lorsque Calexico combinait la musique occidentale et mexicaine de spaghetti balayée par les vents sur ses premiers albums comme Black Light et Hot Rail, et qu’elle était audacieuse et aventureuse ? Cette époque semble bien loin dans le rétroviseur, en particulier sur certaines parties du nouvel album du groupe sur le thème de Noël.

Le duo de Joey Burns et John Convertino s’est progressivement tourné vers des eaux indie plus commerciales au cours des deux dernières décennies. Ils se sont plongés dans l’ouverture de cette sortie agréable mais parfois loin d’être à la mode. Le premier et le plus évident « single » du disque, « Hear the Bells », un titre qui se joue en poussant la chansonnette et en s’imprégnant de l’orchestration. Il s’agit d’une évocation de la saison sur grand écran, tempérée par des trompettes Mexicali et des paroles en espagnol, le tout au service de ce qui tente, avec succès pour la plupart, d’être une grande déclaration audacieuse et intemporelle sur le fait de laisser les vieux derrière soi avec « Take a breath to soothe your sorrows/Until’s gone…as the years fade away », les couvertures de l’obscur et émouvant « Christmas All Over Again » de Tom Petty, ainsi que la lecture onirique de ce qui est aujourd’hui le cliché de John et Yoko « Happy Xmas (War is Over) » ne poussent pas non plus à l’enveloppe, bien qu’il s’agisse dans les deux cas d’agréables inclusions. Burns et Convertino sont aidés par des instruments tels que la guitare portugaise, les vibes, le mellotron et de nombreuses percussions qui amplifient le son. D’autres chanteurs, comme les charmantes Gisela Joao, Gaby Moreno et Camilo Lara, se joignent à eux pour apporter un changement vocal rafraîchissant.

Certains moments, comme la valse soporifique écrite par Burns, « Nature’s Domain », dépouillent l’atmosphère mais ne représentent rien de saisonnier musicalement ou philosophiquement avec les paroles « Winter’s disguise has rendered me blind », peut-être en plus de mentionner la saison. La musique prend une tournure inhabituelle mais décontractée vers l’Afrique, avec le Niger comme invité de Bombino pour « Heart of Downtown ». C’est une délicieuse diversion, d’autant plus que les cuivres mexicains font un mélange plus mondain, même si, là encore, il n’y a rien de Noël. « Peace of Mind », le charmant titre de Burns, composé d’un groupe de country folk très solitaire, célèbre le fait de rester chez soi, du moins cette année, dans le moment le plus doux et le plus authentique du disque.

Les choses se terminent sur une note frustrante, car de nombreuses personnes nous souhaitent de bonnes vacances dans différentes langues sur « Mi Burrito Sabranero (Reprise) », une nouveauté fringante que vous écouterez une fois puis que vous passerez rapidement à d’autres diffusions.

Malgré, ou peut-être à cause, de cetassortiment musical aux sauces en dispersion, Calexico nous livre un album agréable, avec suffisamment de moments artistiquement divertissants pour en valoir la peine, même si son approche globale est plus déconcentrée que festive.

***1/2


Yellow6: « Silent Streets And Empty Skies »

3 décembre 2020

Cet album de Yellow6, le projet de Jon Attwood, nous présente ici un opus, Silent Streets and Empty Skiesdont le titre ne peut qu’immédiatement attentio tant il correspond parfaitement à l’air du temps.

C’est, en effet, une déclaration douce mais sombre sur cette époque troublée. Tous les morceaux ont été enregistrés entre avril et juin 2020, pendant la première période de confinement et de quarantaine. Attwood a pris le temps de s’inspirer de la désolation dont il a été témoin autour de lui. Des parcs vides, l’absence d’avions dans le ciel, des gens qui évitent les rues. C’est une expérience visuelle étrange, mais qu’Attwood a magnifiquement traduite en un album d’ambiance apaisante.

Sur cet album, vous trouverez neuf morceaux, tous assez similaires et se fondant les uns dans les autres, ce qui garantit un bonheur d’écoute de 77 minutes. Attwood utilise des paysages sonores minimaux, des mélodies de guitare provisoires et des textures ambiantes aérées pour recréer ces joyaux. « V2 » en est le titre-phare, il semble se diriger avec précaution vers la scène du jazz ambiant, ce qui correspondrait parfaitement à ce que Yellow6 voulait faire. À d’autres occasions, comme dans « Broadcast », Attwood dépouille toute la scène post-rock pour créer quelque chose d’émotionnel.

C’est peut-être l’aspect le plus fort de cet album. Vous y trouverez des tas d’émotions, une atmosphère quelque peu hantée qui reflète modestement le monde qui nous entoure. Certains d’entre vous peuvent verser quelques larmes en écoutant le sombre « Panam », d’autres peuvent trouver de l’espoir dans les sons apaisants de « Silent Flight », mais on peut être certain que tous les fans d’ambient minimal et de post rock discret apprécieront beaucoup, et pendant très longtemps, ces neuf morceaux de pastilles sonores.

***1/2


Instant Lake: « Dystodream »

8 novembre 2020

Fondé à l’origine comme un duo expérimental par Dario Amoroso (synthé / boîte à rythmes) et Pierluigi Michele Grauso (guitares) au début de 2015 à Caserta – Italie, ils ont ajouté, la même année, Daniele Landolfi (voix / synthé, membre fondateur du Club 100) et Carlo Landolfi (guitare basse), atteignant un son plus puissant.

Les premières démos en ligne orientées new wave / post-punk ont attiré l’attention de certains labels spécialisés. Plus tard, Brazilian Wave Records a signé avec eux, pour un album, et le « single » « Caustèro » est sorti (+ vidéo, déc 2016), suivi du remix « Caustèro Paolo » Favati Remix at Blue Velvet » (+ vidéo) et du second single « Sit Back ». 

L’album Refractory s‘articule autour de la recherche de sons obsédants et de mélodies sombres sur des rythmes électroniques minimaux.

Après ce premier travail en studio, Instant Lake revient avec un tout nouvel album, Dystodream, qui sortira en triple version, Vinyl-Cd-Digital, encore une fois par le label brésilien Wave-Records. C’est le deuxième album du quatuor du sud de l’Italie avec cette nouvelle formation : Gennaro De Lena (chant et paroles), Pierluigi Grauso (guitare et thérémine), Carlo Landolfi (basse) et Dario Amoroso (synthé et programmation).

Dystodream combine la musique électronique avec une version synth wave plus post punk, qu’on pourrait dire comme rappelant une époque plus moderne de Joy Division, The Cure, Bauhaus et bien d’autres groupes du genre.

Quelques groupes nous surprennent cette saison et l’en d’entre eux est indubitablement Distant Llke avec ce nouvel album tant il montre qu’il y a encore quelques musiciens qui aiment ce qu’ils font et qui n’oublient pas de nous rappeler que ce qu’ils font, ils le font si bien, entre musicalité, émotion et spontanéité ; bref la combinaison parfaite !

Un des titres phares sera « Death To Slavery ». Les guitares mélodiques combinées à des rythmes atmosphériques parcourent l’esprit mélancolique, les paroles parlent de quelqu’un ou de quelques personnes qui vivent des pertes, des pertes qui apportent la nostalgie et la solitude et la soif de retrouver leur propre terre, où ils ont grandi. Une chanson où les paroles vous font réfléchir, parce que peut-être quelque chose vous fait identifier votre propre histoire. L’introduction de cette chanson commence par un murmure qui ressemble à une prière, la voix de Gennaro De Lena a de l’émotion et cela ressort dans toutes les chansons de l’album. C’est aussi lui qui écrit les paroles et cela le fait aller au fond de son rôle et vivre chaque mot de cette chanson. Synth et guitares harmonisées, et plus tard avec la basse, ainsi que les guitares et les beats les plus modernes, dont Pierluigi Grauso et Dario Amoroso sont responsables.

Le titre « Trauma » est un morceau extensible et assez édifiant, avec une version sombre plus orientale, un beat fort et un chant fort. Avec un style oriental et des guitares pleines de distorsion, comme l’exclamation du chanteur ‘ »Strong’ », le couplet a donc un sens pour nous. Vous vous battez avec vous-même pour sortir de la rage et cela vous rend aussi fort que possible.

« Tirsch »est écrite en allemand et s’inspire du livre de Richard von Krafft-Ebing, Psychopathia Sexualis. Le texte est inspiré de l’histoire de Tirsch, un homme de cinquante-cinq ans originaire de Prague, condamné à vingt ans pour tentative de viol sur une fillette de dix ans. Son psychisme malade, qui vit dans l’illusion, va dévier vers la violence.

Ce texte, symbolique, ne décrit pas les faits, mais il décrit la douceur de l’illusion et laonctionne en violence de sa réalité ; il est le parfait résumé de ce sur quoi Instant Lake s’appuie en termes d’inspiration et créativité, en allant de la synth-wave à des sons plus martiaux.

***1/2


Lore City: « Alchemical Task »

8 novembre 2020

Laura Mariposa Williams et Eric Angelo Bessel sont Lore City, un duo d’art rock de Portland, OR, dont le magnifique troisième lopus, Alchemical Task, vient de sortir, mettant en avant à la fois la solidité de l’écriture et l’évolution du groupe, puisque l’ensemble du disque ressemble à une ferme entreprise créative, tout en étant ouvert à l’interprétation, et apte à marquer différentes sortes d’humeurs. Ce nouvel album a été enregistré à la fin de l’année dernière dans le studio de Lore City, dans leur ville natale, et produit par le groupe.

Composé de six chansons, dont la plupart sont longues et dépassent confortablement les six minutes, Alchemical Task est une représentation appropriée des temps inquiétants que nous traversons et de la pesanteur qui s’installe alors que le mot se rapproche progressivement de l’apocalypse moderne qui, jusqu’à présent, a été plus proche de la fiction que de la réalité.

Separateness commence Alchemical Task d’une manière onirique, en établissant un ton sombre et en rendant limpide le subtil fond de dreampop du disque. Les progressions, l’utilisation intelligente de la répétition et beaucoup d’expérimentation audacieuse deviennent les attributs déterminants du son de Lore City, car le style de composition du groupe offre plus qu’assez d’espace pour que l’auditeur s’immerge dans leur pouvoir créatif presque méditatif et insaisissable.

Le brillant « It’s All Happening » prend une direction plus sombre, suggérant des influences de la période ultérieure de Swans, ainsi que les numéros sombrement éthérés du catalogue de 4AD, avec un virage artistique vers le post-rock et la darkwave. Bien que ce ne soit pas le seul point central, la chanson a l’aura d’un jalon et d’une pièce maîtresse de l’album, et sa plénitude de dix minutes ne se relâche pas.

« Beacon of Light », plus optimiste, est un morceau concis qui se joue comme un interlude, se penchant sur un aspect plus idéalisé de l’existentialisme et semblant lyrique, pour être suivi par « Into Your Blue », un autre point fort poétique qui frappe le post punk, tandis que l’on peut également entrevoir les sensibilités pop directes dans le style d’écriture des chansons du duo. 

« Beyond Done » reviendra sur les territoires plus sombres du post-rock où Lore City excelle, en gardant un rythme régulier et en progressant vers un point culminant qui pourrait ne jamais faire surface, mais cette absence de moment éruptif est compensée par le mélange majestueux d’un excellent lyrisme, d’une voix floue et d’instruments carrément immersifs.

« Don’t Be Afraid », le « closer » du disque, marquera l’incarnation de cet équilibre particulier entre l’obscurité et la lumière que l’ensemble du disque porte, avec une voix élégiaque qui se démarque, ressemblant à une Siouxsie plus audacieuse ou à une Elizabeth Fraser plus douce, et qui est la principale raison pour laquelle la chanson, et par conséquent l’album tout entier, continue à résonner dans l’air même après sa conclusion.

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Lucidvox: « We Are »

27 octobre 2020

Après une série de maxis, le premier album du groupe russe Lucidvox marque une étape importante. Lucidvox est, en effet, porteur d’une proposition intrigante. À première vue, il s’agit de quatre femmes vivant à Moscou, qui ont un jour créé un groupe à partir de rien, pour rire. Et maintenant, après quelques EPs fougueux et turbulents, elles se retrouvent à sortir leur premier album, We Are,une sortie qui n’est cependant pas une histoire de calcul préconçu, ni de mœurs commerciales de la musique. Il s’agit plutôt d’un témoignage de la façon dont la vie se déroule souvent, des éléments fortuits qui se mettent soudainement en place alors que même les acteurs eux-mêmes n’étaient pas conscients de ce qui se passait. Et We Are est littéralement cela, un disque de quatre jeunes rockeuses vivant dans la Russie moderne et essayant de donner un sens à tout cela.

Il ne s’agit pas de présenter le groupe comme des ingénues ; en tant que Moscovites, elles sont inévitablement, et de manière compréhensible, des débrouillardes. Certains membres du groupe font partie de la foule qui est devenue la caractéristique de la branche moscovite de la « Pain Generation », des fêtards nostalgiques et des fans de musique toujours à la recherche du prochain frisson culturel. Mais ce sont bien plus que des têtes de scène. Comme beaucoup de jeunes Russes, ils sont à la fois très hospitaliers et fêtards et pourtant très réservés, ou timides, peu enclins à cracher le morceau. Comme beaucoup de leurs pairs musiciens, leurs chansons traitent de sujets difficiles auxquels ils se sont habitués depuis leur plus jeune âge, des drames individuels qui éclairent les zones de transition entre la société et l’État. Comme tant d’autres groupes russes (Shortparis, Inturist, Electroforez, Mirrored Lips, Glintshake), les chansons de Lucidvox abordent ce qui est considéré comme acceptable dans la société russe moderne, que ce soit en privé ou en public. Ce faisant, ils jettent un trapèze musical glorieusement multicolore entre les états opposés (personnels) de décision et d’incertitude. Le « single » « Knife », une sombre histoire de violence domestique, est le meilleur exemple de ce type de musique, qui est animée par une étrange colle sonore faite de lignes de guitare raga et de quelques motifs de batterie insistants et légèrement jazzy. Leur musique est également construite de la manière dont vous imaginez beaucoup de choses construites en Russie ; directe, voire brutalement émoussée, mais investie d’un arrière-pays émotionnel considérable.

Bien que We Are soit reconnaissable, inéluctablement, Lucidvox pour ceux qui les ont suivies, ce disque marque un grand pas en avant pour le groupe. On l’entend dans le magnifique morceau d’ouverture, « My Little Star », une pagode luxueuse sous forme d’un morceau qui ne pourrait être personne d’autre et qui est pourtant le son d’un groupe se débarrassant de sa vieille peau créative. L’auditeur aguerri reconnaîtra un nouveau sens de la créativité et de la compréhension, de la façon dont la dynamique musicale peut mieux refléter les émotions que les groupes veulent faire passer. On peut en dire autant du « single » « Runaway », un morceau hypnotique qui évoque un problème familial que l’un des membres du groupe a eu avec l’État. « Runaway » fait montre d’une patience et une force émotionnelle jamais remarquées auparavant dans leur musique. Et c’est toujours un morceau qui s’obstrue, avec des chants et des lignes de guitare sinueuses. Le groupe semble s’être ouvert, être devenu plus heavy et pourtant plus accessible dans sa musique.

De temps en temps, la tête de fête Lucidvox, celle qui est alimentée à la vodka et qu’on peut dans un sous-sol de la vieille ville de Tallinn, fait surface. Les rockers vertigineux, « Body » et « Knife » sont de glorieux tourbillons de claquettes ; le son d’Amon Düül II rencontrant Souxsie Sioux pour une petite clope entre deux sets. Mais ils sont beaucoup plus durs, plus concentrés, et font sortir le drame pour ce qu’il vaut. Toutefois, avec We Are – et contrairement à leurs précédents EP, qui donnaient l’impression d’avoir été enregistrés sous l’effet de l’adrénaline – Lucidvox semble essayer de mettre la main sur un son qui peut faire bien plus que se faire remarquer dans les clubs de Moscou comme l’Agglomerat.

Et – contrairement à leurs précédentes incarnations, plus désordonnées – ils ont porté le rock à onze. « Amok » est une chanson si simple à bien des égards, du rythme standard à la répétition des voix en passant par les plectres de guitare Sabbath-lite. Il est intéressant de mentionner les Sabs, car vous commencez à être agacé par la combinaison de ces coups de guitare en staccato et du rythme sans cesse métallique. C’est aussi audible sur des morceaux comme « Around » et « Sirin », les guitares de milieu de gamme conduisent souvent une mélodie que les vagues incantations vocales prennent ailleurs. Même si je sens le souffle chaud et déclamatoire d’un Osbourne, je pense que certaines coupures sur ce morceau trahissent un lourd culte de C21st Sabbath. La flûte de la chanteuse Alina ajoute un peu de punch des années 70 pour faire bonne mesure.

Cette nouvelle approche, cependant, donne toujours l’impression d’être transmise par un ensemble de messages et de gestes codifiés et spécifiquement russes. D’une manière ou d’une autre, le flirt ouvert du groupe avec l’imagerie s’infiltre également dans la conscience de l’auditeur. Lucidvox prend plaisir à se déguiser, à créer et à confondre les tropes et les traditions visuelles russes. Des morceaux tels que « You Are » et « Around » évoquent brillamment cet état ; des intrigues délibérément lentes et secrètes qui fonctionnent également comme des images. La musique fonctionne comme un cinéma pour l’œil intérieur. Ce disque pourrait (si vous le souhaitez) sonoriser les photographies de danseurs prenant la pose pour les représentations d’ouverture des Rites du printemps, ou de femmes soviétiques des années 1930 peintes par Alexandre Deyneka. Ou encore les glorieux dessins de Bilibin sur le folklore slave, Kikimoras et Russalki gravés à l’encre à jamais sur le papier, vous menaçant de toutes sortes d’ennuis si seulement ils pouvaient sauter de la page. Faites votre choix. Ce ne serait pas vraiment un disque Lucidvox si ces éléments ne jouaient pas un rôle.

Lucidvox sonne comme une nouvelle venue de nulle part, un juste avertissement de choses horribles à venir. Mais comme ils enrobent le message avec douceur. Qu’ils l’aient construit ou non à ce degré, leur musique a un caractère apocalyptique, comme une sirène. Des morceaux comme « Body » et « Sever » semblent saisir le sentiment que d’énormes pans de Sibérie s’enfoncent et brûlent. Qu’ils l’aient voulu ou non n’a aucune importance, c’est un simple fait que leur son reflète l’époque. Ils sont un curieux exemple de groupe qui n’existent que comme amis et qui parviennent néanmoins à filtrer un ensemble disparate de sentiments plus larges à travers le maelström de leur musique.

****1/2


A Certain Ratio: « ACR Loco »

21 octobre 2020

Lorsque les groupes restent si longtemps inspirés par les artistes qui se sont tournés vers eux, leur production devient souvent prudente. ACR Loco en est un exemple intéressant, puisqu’il s’agit en gros de l’équivalent musical d’un oncle réservé mais un peu cool qui vous raconte des histoires sur son passé de scénographe. C’est exactement ce à quoi on peut s’attendre du premier disque de A Certain Ratio en douze ans, car le groupe a continué à faire des choix intéressants sur le plan stylistique. Cependant, une sécheresse persistante demeure.

Dans le meilleur des cas, le disque conserve l’ornementation percussive caractéristique de A Certain Ratio. L’ajout de cloches à vache, de sifflets et de xylophones permet aux chansons d’évoluer comme sur une piste de danse lente. Cela a pour effet de donner l’impression que les chansons sont plus longues qu’elles ne le sont en réalité. Ce n’est pas toujours une mauvaise chose, car cela permet aux éléments les plus électroniques de se démarquer sans devenir envahissants.

Cela dit, toutes les ornementations de l’album ne sont pas à son avantage. Bien que le chant ait ses moments de gloire, notamment sur des morceaux comme « Friends Around Us », où la voix de Jez Kerr a un effet de phaseur apaisant et pourtant minuscule, le vocoder de « Supafreak » et de « Bouncy Bouncy » est trop lent. C’est ainsi qu’ACR Loco sonn, en effet, comme un effort tardif de Franz Ferdinand.

Parce qu’il est assez épuré, tous ses éléments sont capables de transparaître, pour le meilleur ou pour le pire. Il n’y a rien de super mémorable dans ce disque, et il n’y a rien d’horriblement offensant non plus. En fin de compte, ACR Loco ne correspond pas aux gloires passées d’A Certain Ratio, mais il n’efface pas non plus leur héritage.

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