Bobby Gillespie and Jehnny Beth: « Utopian Ashes »

3 juillet 2021

Bobby Gillespie et Jehnny Beth. Un couple étrange sur le papier, l’un étant un ancien du monde du rock indépendant, l’autre une icône du post-punk abrasif. On ne s’attend pas à ce qu’ils collaborent un jour, et encore moins à ce qu’ils collaborent sur un album complet de ballades inspirées de la country. Sur Utopian Ashes, c’est pourtant ce qu’ils ont fait.

Gillespie et Beth partagent une vigueur commune, un manifeste mutuel pour ne jamais rester stagnant sur le plan créatif. Avec leur album en collaboration, Utopian Ashes, les stars de Primal Scream et Savages créent un paysage aride fait de tumbleweed et de bagages émotionnels, et vous invitent à entrer dans leur monde.

Avec ses cordes florissantes et ses accents dramatiques, le morceau d’ouverture « Chase It Down » fait écho à l’ouverture cinématographique d’un western spaghetti, alors que Beth et Gillespie racontent l’effondrement désordonné de la relation des protagonistes. Gillespie répète « I don’t love you anymore » dans le climax, mais à qui ce personnage doit-il le prouver ? Utopian Ashes n’hésite pas à évoquer les complexités de la rupture, comme le titre «  English Town » » de Tom Waits, qui évoque un désir d’évasion futile. « Remember We Were Lovers « , de son côté, marie des harmonies béates à des touches moroses, offrant une thèse désespérée sur la nature de l’amour : « Nous sommes stupides et ingrats, nous n’apprendrons jamais » (we’re stupid and ungrateful, we’ll never ever learn)

L’album ne reste pas désespéré. « Your Heart Will Always Remain » est un rouleau infectieux qui reste doux et sincère au milieu des passages rocheux, et l’alchimie entre Gillespie et Beth scintillera sur « Stones of Silence ». Beth est enjouée et inhabituellement discrète, et bien que Gillespie n’ait jamais été le meilleur des chanteurs, sa voix douloureuse fait passer le désespoir des paroles. Dans « You Don’t Know What Love Is », le personnage de Gillespie se contredit fréquemment ; au début, il accuse l’amour d’être une maladie, mais il retourne la situation à sa partenaire en disant que, quel que soit l’amour, elle ne sait pas «e qu’est l’amour . C’est ce niveau d’écriture émotionnellement mature et stratifié qui élève Utopian Ashes en territoire vraiment passionnant, alors que Beth et Gillespie illustrent leur imagination à l’auditeur.

« Tu t’es transformé en quelqu’un que je ne connais pas » (You turned into someone I don’t know”) chante Beth sur le titre phare de l’album, « You Can Trust Me Now » », un morceau qui commence par une intro parlée de Gillespie et se termine par le même silence fantomatique que l’intro ; leur voix est obsédante dans cette musique country atmosphérique qui n’offre pas de solutions faciles. L’album raconte l’histoire de ceux que l’on croyait aimer et qui changent à cause de la lutte inévitable qui vient avec le vieillissement, ce qui amène Gillespie à conclure que cela nous brise le cœur dans « Living A Lie ». « Sans confiance, comment peut-il y avoir de l’amour ? » (Without trust, how can there be love?) murmure Beth, et bien que les accords de guitare enjoués et les harpes éthérées puissent dire le contraire, au, cune fin heureuse de livre de contes n’attend ce couple. 

Ce qui attend les personnages de Beth et de Gillespie à la fin est incertain. Ce dernier décrit « un vide de toute émotion, rien qui puisse faire frémir » (a void of all emotion, nothing left to thrill) sur le morceau « Sunk In Reverie », mais il n’y a pas de portes fermées. De même, toutes les portes sont ouvertes pour ces deux artistes ; ils n’ont jamais été cantonnés au punk ni aux remixes baggy de Weatherall, mais des visionnaires à part entière. Ensemble, ils s’accordent parfaitement. Peu importe ce qu’ils feront par la suite, et qu’ils fassent ou non un autre disque ensemble, cela reste à voir, mais avoir un effort de collaboration de ce calibre est un honneur qui nous est fait. C’est un album théâtral et vulnérable qui n’est peut-être pas facile à écouter, mais qui est tout simplement une expérience. L’un des plaisirs les plus inattendus de 2021, cela est chose certaine.

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Fly Pan Am: « Frontera »

14 juin 2021

Du blues à la techno en passant par le krautrock et le black metal, il y a une tension dans « la musique de transport » avec des structures répétitives comme base pour des lignes d’évasion psychique. C’est un conflit que Fly Pan Am examine à la loupe avec Frontera, en traduisant en son les frontières, la surveillance et les asymétries flagrantes de pouvoir qu’elles représentent.

À l’origine, une collaboration multimédia avec la chorégraphe Dana Gingras et la compagnie de danse Animals of Distinction, le quintet canadien a créé une musique en réponse à la chorégraphie de la lumière et des danseurs. Les neuf titres de Frontera isolent le rôle de Fly Pan Am dans le projet, mais le fait de retirer le multi du multimédia ne dilue pas les thèmes gravés dans la musique.

L’appareil de sécurité de l’État peut passer d’un inconvénient et d’une préoccupation pour la vie privée à une force inébranlable qui dicte brutalement les chances de votre vie. La dure vérité est que ceux d’entre nous qui sont nés dans le nord du monde ne ressentiront probablement jamais toute la cruauté d’un régime frontalier. La réponse de Fly Pan Am est de tracer l’échelle de la machine de surveillance omniprésente et changeante elle-même. Un groupe habituellement marqué par un contrôle habile de l’espace négatif est devenu étonnamment monolithique.

« Grid/Wall » est, à cet égard, un maillage savant de sons fabriqués au laser, d’électronique caustique et de guitares barbelées qui lacèrent un groove implacable. Même sur les mouvements plus calmes et moins rigides de Frontera, une présence inquiétante se cache, des dirges acousmatiques aux synthés qui sonnent plus dentaires que musicaux.

Qu’il s’agisse du titre d’un album, « N’ecoutez pas », ou du méta-funk glitch de « Ceux qui inventent n’ont jamais », Fly Pan Am a toujours interrogé avec humour les conventions de la musique rock, à mi-chemin entre le grand art et la farce. Les structures formelles sont traitées comme des récipients à remplir de contenus inconnus, le momentum comme quelque chose que l’on peut gentiment faire dévier de sa trajectoire. Les titres phares de Frontera, « Parkour » et « Parkour 2 », voient le groupe repousser les limites de la motorisation, interrogeant la frontière ténue entre lévitation et enfermement, transcendance évasive et chanson de marche. Sur « Parkour », le dénouement est constitué de cris déchirés qui s’échappent d’un crescendo kosmique, l’humain déchirant les barrières du panopticon numérique. Sur « Parkour 2 », c’est un chœur qui frappe un moment d’une beauté saisissante contre les rythmes des machines. Michael Rother a comparé la musique de Neu ! à de l’eau, mais Fly Pan Am fest parvenu à faire éclater les berges de la rivière.

***1/2


Whisper Room: « Lunokhod »

13 mai 2021

Le trio Whisper Room travaille ensemble depuis quelques années maintenant et malgré la multitude d’autres projets des membres (notamment Aidan Baker), ils ont déjà sorti cinq albums depuis 2005.

Avec Lunokhod, ils ont enregistré un morceau de près d’une heure (divisé en 7 parties qui s’enchaînent). Et celui-ci a tout pour plaire. Des percussions lancées vers l’avant sont à l’origine de ce son psychédélique, maniaque et pourtant doux. Les instruments se combinent pour créer un morceau flottant de post-rock psychique ambiant avec un grand sens de l’accroche. Le mélange flottant de mélodies et de sons enveloppe l’auditeur de son doux mur de sons et maintient toujours une tension élevée avec ses parties changeantes. Le département électronique produit beaucoup de sons excitants et expérimentaux, mais aussi ce son de base ambiant qui fait voyager l’auditeur.

Mais le cœur de l’œuvre est bel et bien la percussion, qui disparaît de temps à autre dans le vide, mais qui reprend toujours sa vitesse, sans faiblir et en pleine gloire. Des drones apparaissent, qui sont utilisés moins pour l’effet que pour servir réellement la pièce.

On ne peut pas être plus précis que cela pour décrire ce voyage à travers le son du groupe.

L’auditeur doit s’attendre à un voyage ambiant d’une heure avec de nombreuses surprises et un rythme relativement rapide. Une œuvre comme si elle provenait d’une seule et même distribution – un album assez fort, plus qu’assez même…

***1/2


Vapour Theories: « Celestial Scuzz »

11 mai 2021

Les frères Gibbons sont de retour avec un nouvel album, mais ce ne sont probablement pas ceux auxquels vous pensez. John et son frère Michael ne viennent pas du Texas, mais de quelque part en Pennsylvanie. Lorsque les frères s’éloignent de temps en temps de leur travail à plein temps qui consiste à créer un chaos psychédélique dans le groupe culte Bardo Pond, ils n’aiment rien de plus que de créer encore plus de chaos psychédélique sous le nom de Vapour Theories. Et, à l’instar des chemtrails auxquels leur nom fait allusion, ces cinq morceaux de heavy psych qui se tiennent précairement en l’air, évoquent les retombées troposphériques empoisonnées d’un titan de l’aéronautique qui passe.

La pochette de l’album, un mur tourbillonnant de tuiles caustiques dans des ors et des verts boueux, fait référence à la face avant de E2-E4 de Manuel Gottsching, si cette fascinante déclamation krautrock avait été traînée à l’envers dans une haie hérissée. Et c’est un résumé assez juste du son incarné sur les 13 minutes d’ouverture d’ « Unoccupied Blues ». De lentes résonances de basse en écho planent tandis qu’une guitare singulièrement pragmatique égrène un solo foudroyant. Découpé à partir de milliers d’heures d’enregistrements de répétitions, c’est une première manifestation intrigante, humble et absorbante de leur esthétique floue habituelle. Toujours sur le point d’exploser, il se contente de s’éroder avec un abandon éphémère avant de se dissiper dans l’air.

Des grattements acoustiques sonores marquent le début du morceau suivant, « High Treason », tiré d’un modèle similaire, tandis que des cordes chaudement pincées fredonnent et que des rubans de bande magnétique inversée se rétroagissent sur eux-mêmes, exposant la dépendance caractéristique du duo aux riches textures prophétiques et sa dévotion à l’éternel balancement de la pédale de sustain. L’expérience qui en résulte est un continuum de l’humeur et du rythme mesuré de la première piste, s’approchant d’un état presque tantrique alors que les Gibbons travaillent à l’unisson pour fournir une couche reconstituée de souplesse physiologique mouchetée de folk.

Privilégiant une cohésion déterminée à un chahut débridé, vous abordez le reste de l’album sur une trajectoire ascendante de nirvana auditif. Par la suite, l’agitation provoquée par « Breaking Down (The Portals Of Hell) » donne à l’album une impression de densité et d’étroitesse, le bourdonnement incessant étant contrebalancé par des spasmes rythmiques de sons libres. Ses atmosphères embrassent un air de malaise pernicieux, dénué de compassion, après les propositions intimes des 20 minutes précédentes. Le shoegaze en fusion s’effrite, presque inaudible sous sa tonalité obscure, et laisse apparaître une sensibilité ambiante qui renvoie à l’œuvre de Brian Eno, un artiste qu’ils sont souvent amenés à interpréter.

Après s’être attaqués à Here Come The Warm Jets et Music’s In Every Dream Home A Heartache tout en liant dans le Bardo, ils s’attaquent ici aux possibilités mythiques de « The Big Ship », tiré de l’album solo Another Green World d’Eno (1975). Constamment utilisé pour souligner les reprises émotionnelles enflées dans les films indépendants modernes, c’est un morceau de musique aussi inextricablement lié au pathos des grands écrans que « On The Nature Of Daylight » de Max Richter. En ajoutant des couches de perturbations spontanées pour oblitérer sa base sonore reconnaissable, les frères y convergent dynamiquement en opposition, produisant collectivement quelque chose d’invinciblement fort qui conserve le sens corporel de la profondeur de l’original.

Enfin, pour conclure, il y a « Soul Encounters », un morceau économique sur le plan textuel, dont le cadre minimaliste se rompt de manière articulée au cours des deux minutes, dispersant des incantations floues dans le ciel. Combinaison animée de rock ancestral et d’ambiance démonstrative, Celestial Scuzz offre de nouvelles directions dans l’abstraction et devrait inconditionnellement éveiller la curiosité de toute personne intéressée par l’écoute profonde.

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Godspeed You! Black Emperor: « G_d’s Pee at State’s End! »

5 avril 2021

Godspeed You ! Black Emperor a toujours été en avance sur son temps. LCes légendes du post-rock montréalais ont repoussé les limites du genre alors naissant avec leurs premières sorties, et ont utilisé leurs notes de pochette comme missives ouvertement politiques il y a deux décennies. Lorsqu’ils ont reçu le Prix de la musique Polaris en 2013 pour leur disque de retour, Allelujah ! Don’t Bend ! Ascend !, ils ont critiqué le faste du gala et ont fait don du prix de 50 000 $ à des organismes de bienfaisance qui se consacrent à donner des instruments de musique aux détenus des prisons du Québec.

Les revendications de longue date du groupe en faveur d’une réforme des prisons et de la police, ainsi que le besoin urgent d’unité, sont depuis devenus des positions populaires parmi un chœur croissant de croyants en l’existence d’un monde meilleur. Godspeed a utilisé sa musique et sa plateforme pour faire campagne en faveur de ses convictions – des idées qui, avec ou sans son influence, ont gagné en popularité ces dernières années.

À une époque où le sous-texte politique du groupe a plus de résonance que jamais, ils regardent curieusement en arrière, à bien des égards, sur leur dernier album, G_d’s Pee AT STATE’S END ! Alors que chaque album a joué avec des structures et des compositions uniques, comme les longues suites latérales des premiers travaux, l’alternance entre les disques 12″ et 7″ d’Allelujah ! ou l’unique composition de 40 minutes d’Asunder, Sweet and Other Distress, G_d’s Pee est – de manière atypique – un amalgame d’idées précédentes, oscillant entre deux longues suites multi-mouvements intitulées et deux pièces plus courtes et plus ambiantes. Qu’ils en aient fini avec cette innovation effrénée ou qu’ils prennent simplement un peu de répit (et peut-on les en blâmer ?), leur dernier album présente un ensemble de choix stylistiques issus de leurs 25 dernières années d’existence : des fragments de sons trouvés absents de leurs deux derniers albums ; une pochette austère à deux images qui rappelle celle de leur deuxième album de 2000, Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven ; le placement de leur surnom de longue date, God’s Pee, préféré des fans, au centre du titre de l’album. Alors que beaucoup ont été contraints de se replier sur eux-mêmes, ils sont allés à l’encontre du modèle et ont rejoint la foule.

Les meilleurs travaux de Godspeed ont toujours été plus axés sur la structure que sur le son, et le retour aux formats précédents a donné des résultats similaires. Comme toujours, le groupe est au sommet de son art lorsqu’il est le plus émouvant. Ces moments sont nombreux sur G_d’s Pee, comme les paysages sonores ondulants de « First of the Last Glaciers », la plainte océanique de « Cliffs Gaze », l’apogée de « ASHES TO SEA or NEARER TO THEE » et les cordes élégiaques qui clôturent le disque, « OUR SIDE HAS TO WIN (for D.H) ». La mélodie a toujours été le point fort du groupe, et il en offre beaucoup ici, qu’il s’agisse de canaliser l’horreur sinistre ou le triomphe du poing levé. Mais lorsqu’on se remémore leurs précédents efforts, on a le sentiment inébranlable qu’ils l’ont déjà fait, mais en mieux – même si on ne peut pas leur reprocher de faire ce que tant de post-rockers ont fait au cours des 20 dernières années.

Avec les modes d’expression et de communication qu’ils ont choisis, l’affect exagéré est devenu la carte de visite de Godspeed, et l’un de leurs traits les plus réussis. Sur G_d’s Pee AT STATE’S END, la plupart des fioritures supplémentaires sont reléguées au second plan, comme les collages de sons de radio amateur qui ouvrent les deux plus longs morceaux. Les tirages menaçants de « ‘GOVERNMENT CAME’ (9980.0kHz 3617.1kHz 4521.0 kHz) » ont disparu avant que le message insurrectionnel puisse être pleinement pris en compte, perdant la puissance de ses prédécesseurs dans « Murray Ostril : ‘. …They Don’t Sleep Anymore on the Beach…' » »de Skinny Fists ou même le refrain en fond sonore similaire de « With his arms outstretched » qui démarre Allelujah.

Contrairement à de nombreux courriers électroniques de l’année dernière, nous ne vivons pas une époque sans précédent, ce dont Godspeed est bien conscient. C’est pourquoi ils font comme d’habitude sur G_d’s Pee AT STATE’S END, même si c’est un mode qu’ils ont typiquement évité auparavant.

***1/2


Moon and Bike: « One »

22 mars 2021

Le duo de guitares instrumentales qu’est Moon and Bike laisse parler ses instruments sur son nouvel album, One. Musiciens, compositeurs et amis de longue date, Moon and Bike font preuve de courage avec leur nouvel album, One. Composé uniquement de guitares acoustiques et électriques, sans aucune piste vocale, l’album s’appuie sur la musicalité du duo pour créer des flux attrayants et addictifs qui maintiennent l’auditeur en haleine. 

La piste « River » donne un avant-goût du son de Moon and Bike, les guitares dansant les unes autour des autres de manière intrigante. La guitare électrique met en évidence la dextérité de l’artiste, tandis que la guitare acoustique maintient la cohésion du morceau grâce à des rythmes séduisants et un jeu de doigts serré. L’atmosphère créée est subtile mais poignante car le son crée une histoire ludique sans paroles. 

Le morceau suivant, « Nearer Sky », reprend ce thème avec un son plus hymnique, de type ballade, qui prend de l’ampleur au fur et à mesure qu’il progresse, cette fois la guitare acoustique se frayant un chemin et donnant à la guitare électrique quelque chose à jouer par-dessus.

Garder les choses fraîches allait toujours être un peu difficile avec seulement deux instruments impliqués, mais les garçons se débrouillent étonnamment bien pour garder les choses intéressantes. « Two of Us » parvient à construire des rythmes folkloriques sur des guitares électriques pleines d’échos, qui deviennent de plus en plus intenses au fur et à mesure que le morceau avance, tandis que « Nativ »e prend un virage vers le côté sombre, avec des rythmes blues et des flux sulfureux qui le font évoluer vers un son soul et un refrain bien défini. Malheureusement, le son de « Before Dark » manque d’idées intéressantes qui ont été utilisées dans les morceaux précédents. Star subit le même sort, mais présente tout de même un jeu de doigts prononcé et adroit.

Il est difficile de baser un album entier autour de deux guitares sans être à court d’idées, mais le duo s’en sort bien. Leur musicalité est irréprochable et la façon dont les deux guitares donnent l’impression de ne faire qu’un seul instrument tant elles sont synchronisées est un plaisir à écouter. Il serait intéressant de voir ce qu’ils pourraient faire avec un ou deux instruments supplémentaires, mais cela n’enlèverait rien à leur son unique. 

***1/2


Bell Orchestre: « House Music »

18 mars 2021

À bien des égards, House Music ressemble à un reboot de Bell Orchestre. Ayant débuté de manière informelle au début des années 2000 en tant que groupe de musiciens qui fournissaient occasionnellement des partitions pour les projets artistiques de divers amis, ce n’est qu’en 2003 qu’ils ont atteint un point de cohésion et ont entrepris l’enregistrement de leur premier album. Mais quelque chose d’important s’est alors produit. Ce quelque chose était, bien sûr, Arcade Fire. Et comme ce projet en pleine ascension partageait Richard Reed Parry et Sarah Neufeld avec Bell Orchestre, le groupe a été plus ou moins mis en pause.

Le premier album de 2003, Recording a Tape the Colour of the Light, est finalement sorti en 2005 chez Rough Trade. Bien qu’il ait été assez bien accueilli, de même que la suite As Seen Through Windows produite par John McEntire en 2009, le profil du groupe a bénéficié et souffert de qualifications critiques comme étant soit un post-scriptum à Arcade Fire, soit des partenaires juniors de la scène post-rock montréalaise en plein essor, avec des groupes comme Godspeed You ! Black Emperor et Silver Mt. Zion au sommet de leur art.

Après un peu plus d’une décennie de séparation, alors que les membres Pietro Amato et Stefan Schneider se concentraient sur les Luyas et que Michael Feuerstack sortait un nombre constant d’albums sous le nom de Snailhouse et finalement sous son propre nom, ils se sont retrouvés pour une escapade de deux semaines dans la maison de Neufeld dans le Vermont. Ce qui est maintenant House Music est né de sessions de groupe improvisées, enregistrées en direct et montées en un morceau de musique continu divisé en 10 mouvements.

Le catalyseur musical du projet est une boucle rythmique que Parry a apportée avec lui et qu’il joue à la contrebasse dans le déchirant « I : Opening » » puis dans « II : House », pour finalement réapparaître comme une pierre de touche dans les sections suivantes. Ni exactement funky ni mécanique, la boucle rappelle toujours la pulsation qui traverse le Bitches Brew de Miles Davis et le rythme motorisé qui traverse le Krautrock des années 70, renforcé par le jeu de batterie inventif de Schneider. L’espace à l’intérieur de la maison est transmis par la pedal steel à la dérive de Feuerstack et le cor d’Amato aux côtés de la trompette de Kaveh Nabatian.

Le violon de Neufeld finit par prendre le dessus avec une introduction cinglante de style mi-européen et folklorique québécois sur « III : Dark Steel ». Il finit par se fondre dans un flot de sons générés par les claviers et l’électronique qui mutent et enveloppent les sons organiques, préparant ainsi « V : Movement », la pièce maîtresse et le point fort de l’album. On y retrouve le retour de la boucle de basse et l’énoncé le plus direct de quelque chose qui ressemble à un thème cohérent passant avec agilité de la pédale d’acier à la trompette, au violon et vice-versa. Le contrecoup de ces moments forts et gracieux se fait sentir dans les trois morceaux suivants, comme les rides d’une éclaboussure importante.

L’album se résout avec quelque chose comme un coucher de soleil, un crépuscule, puis une obscurité totale, alors que les éléments percussifs s’effacent et laissent les instruments restants s’écouler les uns sur les autres en de longues lignes liquides. On s’attend presque à des grillons après que le violon de Neufeld ait glissé dans le silence à la fin. Il s’agit d’une expérience magistrale, riche en détails, réalisée par un sextuor d’artistes qui sont non seulement des joueurs de haut niveau, mais aussi d’excellents auditeurs et (« ré)écoutants ».

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nothing,nowhere.: « Trauma Factory »

14 mars 2021

Apparemment, dans sa quête permanente de continuer à avancer, et de ne jamais s’arrêter, nothing,nowhere. inspire les autres autant qu’il apprécie l’inspiration qu’il peut tirer des personnes avec lesquelles il parle.

Même pendant la pandémie mondiale actuelle, l’artiste du Vermont a maintenu son engagement avec ses fans du monde entier, et l’artiste, auteur-compositeur et conteur à multiples facettes a cherché à renforcer la communauté dont il fait partie, en s’assurant que tout le monde y participe. – À une époque où l’isolement est presque la norme, et où certains artistes, de manière assez compréhensible, se sont retirés, les méthodes de Joe Mulherin semblent être exactement le contraire, il a continué à parler aux fans, et cela semble porter ses fruits.

Ainsi,il utilise les médias sociaux de manière innovante, en leur offrant des gâteries uniques. L’année dernière, le tournage à l’intérieur de sa maison dans le Vermont a permis de voir les chambres, le jardin et le studio HOMECOMING – At Home With… nothing,nowhere.

Au début de ce mois, il a allumé un feu, fait bouillir de l’eau de neige pour faire du thé à la menthe poivrée au milieu des bois, tout en partageant des messages intimes et personnels de ses fans. Une idée d’originalité et de pureté à coup sûr, qui restera sans doute inégalée. De même, la réunion d’isolement de mai de l’année dernière, où il a réalisé un spectacle dans la nature, en est un exemple frappant. – Décrivant le titre de son nouvel album Trauma Factory, il a déclaré : « C’est une pièce de théâtre sur le bouddhisme, qui fait partie de la vie, et il y a une sorte de beauté dans tout cela ». Une collection de chansons écrites à une époque déconcertante, le disque aborde l’idée d’accepter le présent et de suivre votre « véritable nord à travers la souffrance de la vie humaine ».

L’intention de nothing,nowhere. de créer un album sans restriction de genre transparaît dans ce projet, puisqu’il incorpore des éléments de post-punk, de new wave, de hard rock, d’électro-pop, de folk et plus encore. Alors que quinze pistes pourraient sembler riches, chaque chanson ne dure en moyenne pas plus de deux à trois minutes.

Les plaisirs sont nombreux, allant du moment électropop de «  lights «  à l’ambiance alt-rock de « buck  » et  » upside down « . Comprenant les paroles « I needed a place for the pain, the grieving, the loving », « pain place » est un moment mémorable. Avec l’artiste londonien MISOGI, des harmonies hypnotiques et émotionnelles rencontrent des rythmes électro poignants.

La nature hymne de l’emo, l’énergie de l’alt-rock de « fake friend » donnent un coup de fouet, tandis que « death », aux allures de Rage Against the Machine, est un morceau aussi furieux que possible. « Blood » sera est un instant hypnotique. Inspiré par Joy Division et The Cure, il met en scène le chanteur et rappeur KennyHoopla, qui représente un moment particulier. Apparemment, l’écriture de la composition n’a pris que vingt minutes.

Si la souffrance ou la douleur humaine n’est pas joyeuse, l’artisanat spécial de nothing,nowhere. l’est très certainement, et Trauma Factory est une splendide occasion de célébration de ce que peut être une expérience émotionnelle.

***1/2


God Is an Astronaut: « Ghost Tapes #10 »

11 mars 2021

Le groupe instrumental irlandais, God Is An Astronaut atteint une sorte de repère dans sa carrière avec la sortie de son dixième album studio Ghost Tapes #10. Celui-ci ravive le line-up classique du groupe avec Jamie Dean au piano et à la guitare, reprenant là où le quatuor s’était arrêté en 2018.

L’album se met en route avec le titre d‘ouverture, « Adrift « , qui démarre avec un jeu de guitare typique de GIAA. Au début, on pourrait être tenté de décrire la chanson comme un énième gribouillage instrumental stéréotypé, pourtant, au bout de 2 minutes, les choses commencent à devenir vraiment intéressantes. Tout d’abord, la batterie prend une tangente breakbeat sauvage et le riff dissonant vous fait monter en puissance. Un peu plus tard, les synthés prennent une place plus importante, tandis que l’accroche de la chanson, pour tous les amateurs de post-rock, est la coda apaisante de synthés et de piano éthérés. Oui, c’est exactement le point fort du groupe pour lequel on l’aime.

Après l’album de 2010, Age of the Fifth Sun, le groupe a été « consulté » de manière aléatoire. Les deux derniers albums studio, Helios I Erebus (2015) et Epitaph (2018), sont plutôt corrects mais ils n’ont pas exactement livré un knock-out technique, cependant – pas comme ces quelques sorties plus anciennes. Certains titres individuels géniaux sont venus et sont repartis ces derniers temps, oui, mais on ne peut qu’être enclin à affirmer qu’aucun d’entre eux n’a pu égaler l’impact du titre obsédant, «  Burial « , sur ce nouvel album. Le morceau commence presque comme un instrumental stéréotypé de Boards of Canada, de type leftfield-electronica. Rapidement, l’électronique cède la place à la luminescence de la guitare, marque de fabrique du groupe, qui alterne avec un piano retardé très évocateur et des arpèges de synthétiseur décalés – et POW ! Et,avant même qu’on ait pu s’en rendre compte compte, jon se retrouve au tapis.

Le troisième morceau de l’album, « In Flux », prend gentiment son élan, galopant en rythme 7/8, jusqu’à ce que la chanson explose dans un maelström de riffs d’émotion. Peut-être que c’est la signature temporelle étrange ou un brin de nostalgie, mais pour moi, la chanson résonne avec la forte aura du morceau d’ouverture, « Radau », sur l’album Far From Refuge du groupe. On ne peut qu’en être ravi tant la musique instrumentale a le potentiel d’évoquer des illustrations mentales par défaut – et God Is An Astronaut n’est rien moins qu’éminent dans l’art de peindre des images avec la musique.

« Spectres » et « Fade » sont tous deux de beaux morceaux post-rock uptempo, avec peut-être une sensation de conduite plus forte que celle que l’on rencontre habituellement dans un morceau post-rock stéréotypé. Certains puritains du genre nous condamneraient fortement d’avoir étiqueté God Is An Astronaut comme un groupe de post-rock ; disons que le quatuor irlandais fait du post-rock dans le même esprit que le groupe allemand Long Distance Calling Ils opèrent tous deux avec des éléments sonores post-rock mais n’ont pas la qualité inhérente, la marque de fabrique de tant de « vrais » groupes de post-rock – cette sensation d’ennui d’aller nulle part, au ralenti.

Ghost Tapes #10 a le sens d’une narration globale, l’intrigue s’épaississant vers la fin. L’avant-dernier morceau, « Barren Trees », s’élève vers des sommets émotionnels avec l’aide des produits sonores du groupe – comme au bon vieux temps ! La chanson ressemble à un plongeon insouciant dans un espace infini ou à une voix bourdonnante provenant du désert des rêves – en apesanteur et très immersive.

L’album s’achève sur le titre de clôture méditatif « Luminous Waves », avec le virtuose du violoncelle de quête Jo Quail. La chanson est essentiellement un magnifique dialogue entre une guitare arpégée et des legatos de violoncelle. Lorsque la dernière note se dissout dans l’air, on ne peut m’empêcher d’éclater d’un sourire niais qui ne manque pas de donner toutes les apparences du plaisir. Sur leur nouvel album God Is An Astronaut démontre qu’ils n’ont pas perdu la vieille magie qui m’a tant fait apprécier leurs premiers albums. En fait, ce nouvel opus est si convaincant que l’on va peut-être devoir donner une autre chance à ces albums intermédiaires.

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Nonconnah: « Songs For And About Ghosts »

27 février 2021

Nonconnah est né des cendres noircies de Lost Trail, après le déménagement de Denny et Zachary Corsa de la Caroline du Nord à Memphis, Tennessee. Les fans reconnaîtront peut-être leur série de drones influencés par des shoegazes et leur brume lo-fi caractéristique, alors que le duo mari et femme continue à évoquer l’esprit de leur projet précédent. Certes, des similitudes existent dans le ton et l’atmosphère générale, mais Nonconnah est le produit de l’évolution, et leur musique est un nouveau pas en avant.

De fragiles éclats de lumière plus brillante se retrouvent dans la musique de Nonconnah, qui est saupoudrée de poussière de lutin, rendant sa musique magique grâce à ses ficelles de folk et de kaléidoscopie, de somnolence lo-fi. Songs For And About Ghosts est un magnifique disque qui scintille et brille constamment de douceur et de lumière.

À l’aide de guitares, d’enregistrements sur le terrain, d’orchestres radiophoniques et d’instruments acoustiques (banjo, accordéon et mandoline), les quatre pièces, qui ressemblent à des collages, se succèdent et se transforment au fur et à mesure de leurs mouvements, parfois en rotation, parfois en pause, mais toujours en émettant un faisceau rayonnant de couleur prismatique. Pour son troisième album, Nonconnah est rejoint par Owen Pallett (de Final Fantasy, The Arcade Fire) et Jenn Taiga, ce qui donne encore plus de relief à l’album. Les radiofréquences et les appels téléphoniques sont captés sur la bande des ondes courtes, et des sujets tels que les messages subliminaux et la présence de traînées chimiques sont tissés en lumière et en drones lointains. Des intermèdes arpégés offrent un nectar mélodique. Les textures tourbillonnantes ne manquent pas, et certaines notes sont laissées à l’envers en permanence, coincées dans une boucle, créant un vortex fragile dans lequel la musique glisse glorieusement.

Un chant choral brillant et des drones lumineux ouvrent le disque avec « To Follow Us Through Fields Of Lightning », qui commence dans un état d’euphorie presque totale avant de se transformer en un doux coucher de soleil de bégaiements, d’électronique brouillée et de mélodie encore chaude, bien qu’elle se brise et se désintègre ; c’est un cocktail plus discret de douce psychédélie. C’est le calme avant la tempête, alors qu’un océan de distorsion emporte rapidement tout le reste. La vague de surmultiplication du grincement semble triomphante, elle aussi, et pourquoi pas ? Elle est capable de dévorer n’importe quoi, et on sent un renouvellement d’énergie presque visible, envoyant des ondes de choc sismiques à travers la musique, qui s’agite d’une excitation incontrôlée, et même de la joie.

Songs For And About Ghosts est capable de retourner son son à l’envers et à l’endroit. Il y a beaucoup de diversité à découvrir en se promenant dans son conte de fées toujours en mouvement, qui semble être le bon accompagnement pour une promenade du dimanche après-midi dans une forêt printanière. Mais en même temps, il y a des thèmes et des tons communs, ce qui donne au disque un sentiment de stabilité et d’uniformité même lorsqu’il est éclaboussé de couleurs ultra-brillantes. Ils ont laissé les fantômes derrière eux, les laissant à leur place, fermant la porte au surnaturel et à la pourriture des banlieues délavées tout en choisissant de s’enraciner dans les champs. Ce faisant, les Nonconnah foulent un nouveau sol.

***1/2