Lucidvox: « We Are »

27 octobre 2020

Après une série de maxis, le premier album du groupe russe Lucidvox marque une étape importante. Lucidvox est, en effet, porteur d’une proposition intrigante. À première vue, il s’agit de quatre femmes vivant à Moscou, qui ont un jour créé un groupe à partir de rien, pour rire. Et maintenant, après quelques EPs fougueux et turbulents, elles se retrouvent à sortir leur premier album, We Are,une sortie qui n’est cependant pas une histoire de calcul préconçu, ni de mœurs commerciales de la musique. Il s’agit plutôt d’un témoignage de la façon dont la vie se déroule souvent, des éléments fortuits qui se mettent soudainement en place alors que même les acteurs eux-mêmes n’étaient pas conscients de ce qui se passait. Et We Are est littéralement cela, un disque de quatre jeunes rockeuses vivant dans la Russie moderne et essayant de donner un sens à tout cela.

Il ne s’agit pas de présenter le groupe comme des ingénues ; en tant que Moscovites, elles sont inévitablement, et de manière compréhensible, des débrouillardes. Certains membres du groupe font partie de la foule qui est devenue la caractéristique de la branche moscovite de la « Pain Generation », des fêtards nostalgiques et des fans de musique toujours à la recherche du prochain frisson culturel. Mais ce sont bien plus que des têtes de scène. Comme beaucoup de jeunes Russes, ils sont à la fois très hospitaliers et fêtards et pourtant très réservés, ou timides, peu enclins à cracher le morceau. Comme beaucoup de leurs pairs musiciens, leurs chansons traitent de sujets difficiles auxquels ils se sont habitués depuis leur plus jeune âge, des drames individuels qui éclairent les zones de transition entre la société et l’État. Comme tant d’autres groupes russes (Shortparis, Inturist, Electroforez, Mirrored Lips, Glintshake), les chansons de Lucidvox abordent ce qui est considéré comme acceptable dans la société russe moderne, que ce soit en privé ou en public. Ce faisant, ils jettent un trapèze musical glorieusement multicolore entre les états opposés (personnels) de décision et d’incertitude. Le « single » « Knife », une sombre histoire de violence domestique, est le meilleur exemple de ce type de musique, qui est animée par une étrange colle sonore faite de lignes de guitare raga et de quelques motifs de batterie insistants et légèrement jazzy. Leur musique est également construite de la manière dont vous imaginez beaucoup de choses construites en Russie ; directe, voire brutalement émoussée, mais investie d’un arrière-pays émotionnel considérable.

Bien que We Are soit reconnaissable, inéluctablement, Lucidvox pour ceux qui les ont suivies, ce disque marque un grand pas en avant pour le groupe. On l’entend dans le magnifique morceau d’ouverture, « My Little Star », une pagode luxueuse sous forme d’un morceau qui ne pourrait être personne d’autre et qui est pourtant le son d’un groupe se débarrassant de sa vieille peau créative. L’auditeur aguerri reconnaîtra un nouveau sens de la créativité et de la compréhension, de la façon dont la dynamique musicale peut mieux refléter les émotions que les groupes veulent faire passer. On peut en dire autant du « single » « Runaway », un morceau hypnotique qui évoque un problème familial que l’un des membres du groupe a eu avec l’État. « Runaway » fait montre d’une patience et une force émotionnelle jamais remarquées auparavant dans leur musique. Et c’est toujours un morceau qui s’obstrue, avec des chants et des lignes de guitare sinueuses. Le groupe semble s’être ouvert, être devenu plus heavy et pourtant plus accessible dans sa musique.

De temps en temps, la tête de fête Lucidvox, celle qui est alimentée à la vodka et qu’on peut dans un sous-sol de la vieille ville de Tallinn, fait surface. Les rockers vertigineux, « Body » et « Knife » sont de glorieux tourbillons de claquettes ; le son d’Amon Düül II rencontrant Souxsie Sioux pour une petite clope entre deux sets. Mais ils sont beaucoup plus durs, plus concentrés, et font sortir le drame pour ce qu’il vaut. Toutefois, avec We Are – et contrairement à leurs précédents EP, qui donnaient l’impression d’avoir été enregistrés sous l’effet de l’adrénaline – Lucidvox semble essayer de mettre la main sur un son qui peut faire bien plus que se faire remarquer dans les clubs de Moscou comme l’Agglomerat.

Et – contrairement à leurs précédentes incarnations, plus désordonnées – ils ont porté le rock à onze. « Amok » est une chanson si simple à bien des égards, du rythme standard à la répétition des voix en passant par les plectres de guitare Sabbath-lite. Il est intéressant de mentionner les Sabs, car vous commencez à être agacé par la combinaison de ces coups de guitare en staccato et du rythme sans cesse métallique. C’est aussi audible sur des morceaux comme « Around » et « Sirin », les guitares de milieu de gamme conduisent souvent une mélodie que les vagues incantations vocales prennent ailleurs. Même si je sens le souffle chaud et déclamatoire d’un Osbourne, je pense que certaines coupures sur ce morceau trahissent un lourd culte de C21st Sabbath. La flûte de la chanteuse Alina ajoute un peu de punch des années 70 pour faire bonne mesure.

Cette nouvelle approche, cependant, donne toujours l’impression d’être transmise par un ensemble de messages et de gestes codifiés et spécifiquement russes. D’une manière ou d’une autre, le flirt ouvert du groupe avec l’imagerie s’infiltre également dans la conscience de l’auditeur. Lucidvox prend plaisir à se déguiser, à créer et à confondre les tropes et les traditions visuelles russes. Des morceaux tels que « You Are » et « Around » évoquent brillamment cet état ; des intrigues délibérément lentes et secrètes qui fonctionnent également comme des images. La musique fonctionne comme un cinéma pour l’œil intérieur. Ce disque pourrait (si vous le souhaitez) sonoriser les photographies de danseurs prenant la pose pour les représentations d’ouverture des Rites du printemps, ou de femmes soviétiques des années 1930 peintes par Alexandre Deyneka. Ou encore les glorieux dessins de Bilibin sur le folklore slave, Kikimoras et Russalki gravés à l’encre à jamais sur le papier, vous menaçant de toutes sortes d’ennuis si seulement ils pouvaient sauter de la page. Faites votre choix. Ce ne serait pas vraiment un disque Lucidvox si ces éléments ne jouaient pas un rôle.

Lucidvox sonne comme une nouvelle venue de nulle part, un juste avertissement de choses horribles à venir. Mais comme ils enrobent le message avec douceur. Qu’ils l’aient construit ou non à ce degré, leur musique a un caractère apocalyptique, comme une sirène. Des morceaux comme « Body » et « Sever » semblent saisir le sentiment que d’énormes pans de Sibérie s’enfoncent et brûlent. Qu’ils l’aient voulu ou non n’a aucune importance, c’est un simple fait que leur son reflète l’époque. Ils sont un curieux exemple de groupe qui n’existent que comme amis et qui parviennent néanmoins à filtrer un ensemble disparate de sentiments plus larges à travers le maelström de leur musique.

****1/2


A Certain Ratio: « ACR Loco »

21 octobre 2020

Lorsque les groupes restent si longtemps inspirés par les artistes qui se sont tournés vers eux, leur production devient souvent prudente. ACR Loco en est un exemple intéressant, puisqu’il s’agit en gros de l’équivalent musical d’un oncle réservé mais un peu cool qui vous raconte des histoires sur son passé de scénographe. C’est exactement ce à quoi on peut s’attendre du premier disque de A Certain Ratio en douze ans, car le groupe a continué à faire des choix intéressants sur le plan stylistique. Cependant, une sécheresse persistante demeure.

Dans le meilleur des cas, le disque conserve l’ornementation percussive caractéristique de A Certain Ratio. L’ajout de cloches à vache, de sifflets et de xylophones permet aux chansons d’évoluer comme sur une piste de danse lente. Cela a pour effet de donner l’impression que les chansons sont plus longues qu’elles ne le sont en réalité. Ce n’est pas toujours une mauvaise chose, car cela permet aux éléments les plus électroniques de se démarquer sans devenir envahissants.

Cela dit, toutes les ornementations de l’album ne sont pas à son avantage. Bien que le chant ait ses moments de gloire, notamment sur des morceaux comme « Friends Around Us », où la voix de Jez Kerr a un effet de phaseur apaisant et pourtant minuscule, le vocoder de « Supafreak » et de « Bouncy Bouncy » est trop lent. C’est ainsi qu’ACR Loco sonn, en effet, comme un effort tardif de Franz Ferdinand.

Parce qu’il est assez épuré, tous ses éléments sont capables de transparaître, pour le meilleur ou pour le pire. Il n’y a rien de super mémorable dans ce disque, et il n’y a rien d’horriblement offensant non plus. En fin de compte, ACR Loco ne correspond pas aux gloires passées d’A Certain Ratio, mais il n’efface pas non plus leur héritage.

***


Belako: « Plastic Drama »

6 octobre 2020

Ce quatuor basque est la preuve que tous les groupes ne se dégradent pas après leurs débuts. Plastic Drama, leur quatrième album, est un mélange de mantras punk et d’alternatives revisitées qui vous attire immédiatement et vous laisse sur votre faim.

Le son de l’album crée presque une dépendance. Il canalise les vibrations du milieu des années 90 avec sa distorsion grunge, tout en restant charmant et facile à écouter. Les hauts et les bas de l’album vous maintiennent accrochés, créant un mélange sain de danse et de mélancolie. Il n’est pas difficile de s’imaginer en train d’écouter les chansons jouées en direct dans une petite salle, en criant les paroles avec la foule.

Dès la première chanson, Plastic Drama s’avère immédiatement palpitant Il y a quelque chose dans « Tie Me Up » qui ressemble à un classique du rock indépendant ; on se sent un peu comme Wolf Alice, avec des riffs de guitare accrocheurs et une batterie amusante dont les harmonies font qu’il est impossible de ne pas aimer. L’album ne perd guère de son élan, chaque minute jusqu’à la jolie acapella qui clôt l’album dans « Trucr » n’étant rien de moins qu’une joie à écouter.

Ce n’est pas seulement la musique qui est puissante – les paroles sont aussi captivantes. Traitant de sujets importants comme la misogynie (« All Nerve ») et la cupidité (« Plastic Drama »), chaque chanson est comme un appel à l’attention. Les paroles ont une manière subtile d’exiger d’être écoutées sans voler la vedette au son – si tant est qu’il y en ait, elles ne font que le mettre en valeur.

Composé de paroles qui font réfléchir et d’un son alternatif magnifique, on pourrait facilement affirmer que Plastic Drama n’est pas très loin d’être un album parfait. Il est mémorable et édifiant, et ,comme quatrième albums, on nepouvait rêver mieux.

***1/2


Tangents: « Timeslips »

6 octobre 2020

Alors que le groupe australien Tangents déploie son histoire avec le battement de cœur d’un collectif, le batteur Evan Dorrian reste le frontman du groupe, si tant est qu’il en ait un. Le style extraverti de Dorrian flirte avec le jazz, l’IDM et le post-rock, entre autres idiomes, pour un effet déroutant et élastique. Sur Timeslips, le quatrième LP du groupe, les rythmes, les résolutions et, oui, les pensées tangentielles de Dorrian conduisent la construction des compositions qui les entourent, comme autant de pistes d’atterrissage pour les avions qui se construisent au fur et à mesure qu’ils volent. Bien que le disque soit plus subtil – voire, parfois, plus discret – que les précédentes sorties du groupe, le travail de Dorrian reste toujours aussi dépouillé.

Dans une certaine mesure, il en a toujours été ainsi. Pour la plupart de ses productions, le groupe a soigneusement édité et modifié en post-production ses suites d’improvisation afin de refléter cette notion même, le fournisseur de temps et de mètre une sorte de source brute de gravité. Mais, là où le New Bodies de 2018 était encombré d’idées et de spasmes d’inspiration, Timeslips est plus feutré que précipité, et les contributions de Dorrian sont d’autant plus frappantes.

Prenez « Old Organs » », que Temporary Residence a judicieusement diffusé avant la date de sortie de Timeslip. La percussion est brillamment colorée, avec des petit noyaux incrustés de bijoux – la grosse caisse et la caisse claire de Dorrian ont été retouchées numériquement et coupées de manière inhabituelle, pratiquement au point de ne plus être reconnaissables. Derrière lui se cachent des pastels d’orgue et de synthé, mais je vous mets au défi d’écouter ces envolées de percussions qui finissent par céder la place à un traditionnel battement de dos de kit. Que ce soit l’électronique d’Ollie Brown ou le pincement des cordes du violoncelle de Peter Hollo, on entend les insinuations d’un thrum bassy, aussi léger soit-il, avant que le groupe ne commence à se fondre autour du centre rythmique de tout cela. Je vous mets au défi de trouver un moment où Dorrian n’élabore pas le récit.

Tangents jouent un tour similaire sur « Survival ». Alors que le thème central de la chanson est une mesure répétée au synthétiseur, ce qui fait chanter la chose, c’est la façon dont Dorrian danse et se balance autour du motif, plus John McEntire que Can. Si vous enlevez toute la composition des percussions, ce ne serait pas un morceau de construction ambiante étudié ; il sonnerait épars et même flasque. Mais ajoutez un mélange hypnotique de batterie, quelque chose pour faire tourner l’auditeur en rond pendant que le synthétiseur lance la transe, et vous êtes sur quelque chose.

Ailleurs, Tangents jouent avec d’autres prétentions – ou, plus exactement, essaient de le faire. Bien qu’Adrian Kim-Klumpes soit au centre de l’ouverture de l’excellent et atypique « Debris », un morceau ultérieur, ce qui est intéressant, c’est la façon dont Kim-Klumpes peint des arpèges de piano et des textures autour des notes du guitariste Sia Ahmad, d’un claquement inhabituel. Ici, Dorrian est inhabituellement muet, ce qui donne une sorte de marche faustienne. Mais c’est l’un des rares morceaux du nouvel album où tout le groupe se sent engagé dans un véritable racket ; le morceau se termine sur de vraies notes de raucité et d’audace.

Le piano et le violoncelle offrent des sous-entendus séduisants sur le « Bylong » de clôture, qui n’a pas besoin de la main lourde d’un éditeur pour faire connaître ses intentions. C’est presque une clôture légèrement pensif – pensez au cinéma de Tindersticks. Des touches lourdement manipulées sont présentes sur « Vessel », qui est en fait la pièce qui ouvre le monde aux possibilités du LP après « Exaptation ». Ici, les motifs répétés, posés sur des cymbales lourdes et un bruit de guitare salace, sont les choses qui vous resteront en tête.

Les tangentes sont devenues expertes dans la sculpture de paysages sonores instrumentaux qui sont plus grands que la somme de leurs parties. Sur Timeslips, cependant, plus que sur tout autre prédécesseur, il est difficile d’imaginer le terrain sans les pistes établies par Dorrian. Il y a une intention derrière le groupe qui fait tourner ses récits en cascade autour de la batterie, si l’on en croit les enregistrements passés. Mais, dans les moments les plus discrets, le groupe présent sur son nouvel album, la batterie ne se contente pas de conduire le récit. Ils deviennent souvent le récit.

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sleepmakeswaves: « these are not your dreams »

30 septembre 2020

Il y a de l’ambition dans le monde de la musique instrumentale. sleepmakeswaves en savent quelque chose : le post-rock australien a passé une bonne partie des 14 dernières années à se faire une place dans un genre connu pour sa puissance, dans lequel la richesse musicale et thématique s’exprime par des crescendos orageux et des explosions mélodiques pointues, assez souvent pour que les groupes s’en écartent délibérément au profit de structures moins traditionnelles. Comme nous l’avons entendu pour la dernière fois sur Made of Breath Only en 2017, leur stock particulier penche vers des nuances plus progressives, et cet album a été ressenti comme la fin de quelque chose et le début d’autre chose.

Lors de la dernière sortie, le trio composé d’Alex Wilson (basse), Tim Adderley (batterie) et Otto Wickes-Green (guitare) s’illustrait, confiant en ses capacités de musiciens individuels et de groupe, en prenant garde de ne pas revenir à la composition de trois albums. Aussi à l’aise sur des projets néo-prog avec des groupes comme Voyager et Skyharbor que sur des groupes plus lourds comme The Contortionist et Rolo Tomassi (ce dernier en première partie de leur tournée australienne de 2021, qui sera sans doute fascinante), leur son est très varié et leur spectre complet est offert à l’auditeur.

S’ouvrant sur l’épopée de 11 minutes en plusieurs mouvements « the endings that we write », le disque s’écoule naturellement, avec patience et pratique, occultant le fait qu’il a été initialement conçu comme trois EPs interconnectés – No Safe Place, Out of Hours et Not an Exit, sorti en plusieurs parties depuis mars. Le fait d’opérer en dehors du format traditionnel de l’album – tout en y existant simultanément – a donné au trio une plus grande liberté créative ; cette collection de 12 titres reprend le flambeau de son prédécesseur et pousse le son sleepmakeswaves vers de nouveaux territoires. La « batavia » est entraînée par les rythmes créatifs d’Adderley et par un sentiment de lourdeur puissante, tandis que la chanson titre de l’album est un exemple clair de la cohésion du trio, pleine de fioritures électroniques de bon goût et de frissons subtils, un final nuancé rempli de détails.

L’ambiance nostalgique de « mind palace » et la façon dont « pyramids » équilibre habilement l’urgence des riffs et les passages atmosphériques, pour n’en citer que deux, surprennent à chaque coin de rue. Une première notable pour le groupe est l’inclusion de voix, en accord avec la nature plus expérimentale du disque. Les contributions supplémentaires de Wickes-Green sur des chansons qui fonctionnent toujours dans le cadre typique du groupe et qui apparaissent à des moments cruciaux de la narration de l’album, illustrent bien la façon dont le trio a modifié et adapté son son pour s’adapter à différents contextes au fil des ans, en incorporant quelque chose que beaucoup de groupes de son genre auraient peur de faire. En effet, le balayage cinématographique de « cascades » et la ruée post-hardcore de « zelda » indiquent que l’ajout des voix de Wickes-Green au mixage sur une base plus permanente pourrait être quelque chose à explorer dans le cadre de leur évolution continue.

Ils n’ont jamais eu peur du changement, et une grande partie de cet album est le son d’un groupe qui réécrit les règles à sa convenance, chaque morceau étant différent du précédent. Dans un genre qui s’enorgueillit d’un maximalisme sonore, il est rafraîchissant d’entendre l’un de ses phares se pousser ainsi. Tout au long de leur nouveau disque de près de 70 minutes, parmi leur éclectisme et leur esprit créatif insatiablement curieux, leur don inné pour la mélodie et la catharsis émotionnelle reste très intact. Plutôt que de se reposer sur leurs lauriers, sleepmakeswaves choisssenit d’accueillir la nouvelle décennie avec enthousiasme et ingéniosité. Ce n’est pas un rêve qui oblige l’auditeur à vérifier ses attentes à la porte, et sa nature exploratoire est un délice sur l’offre la plus engageante et la plus accomplie du groupe à ce jour.

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Uniform: « Shame »

17 septembre 2020

Shame, le quatrième album studio de ces favoris de l’underground new-yorkais que sont Uniform, est une sorte d’album concept. L’essence du disque résonne avec le thème de l’anti-héros non résolu qui existe dans une sphère narrative sans repentir ni réconciliation. Il s’agit d’une approche du noise rock industriel à la manière d’un film noir et d’un roman de gare qui ne se manifeste que de temps en temps, caché derrière une belle raquette toute puissante.

C’est le premier album où Mike Sharp est à la batterie, et son inclusion ajoute une touche plus humaine et émotionnelle aux morceaux à la place du cliquetis de la boîte à rythmes des précédentes sorties. Le chant de Michael Berdan conserve la sensation métallique à laquelle nous sommes habitués – comme un Dalek super énervé – et les effets vocaux et son débit donnent un sentiment d’aliénation presque bréchtien sur l’ensemble du disque, car les nuances de la voix se perdent derrière la distorsion de la grille.  

« Delco » donne le coup d’envoi de l’album et est plus anthemique et plus lent que l’habituel noise-rock que produit Uniform comme signature sonore. Peut-être que le fait de traîner avec The Body  et de sortir deux albums en collaboration avec eux au cours des deux dernières années a déteint sur Uniform. Dans l’ensemble, Shame est un disque moins frénétique que la plupart des productions précédentes du groupe, bien qu’il soit toujours frénétique par endroits. Un album aussi rauque et sauvage ne peut pas vraiment être décrit comme accessible, mais on a le sentiment que Shame pourrait et devrait ouvrir le groupe à un public plus large, même s’il s’agit encore d’un groupe de niche.  

Le refrain lyrique « Vous êtes ce que vous avez fait / Vous êtes ce qu’on vous a fait » sur « Delco » devient de plus en plus insensé à chaque reprise, un motif de frustration toujours plus grand face aux limites sémantiques. La chanson est centrée sur les effets psychologiques de la violence infantile et s’installe à un BPM implacable qui ajoute un sentiment d’oppression généralisé auquel l’auditeur a du mal à échapper. Des bruits de retour se font entendre dans l’espace entre les notes, et le trio parvient à sonner comme une armée entière. Les cris de Berdan à la fin ressemblent au David Yow de Jesus Lizars dans sa prime jeunesse chaotique, et il y a beaucoup de choses sur la honte qui rappellent les jongleurs du début des années 90 tels que Helmet, Big Black et Cherubs.

Le deuxième morceau « The Shadow of God’s Hand » suit le ton donné par « Delco » en étant un mastodonte plus lent que d’habitude, mais le venin et l’intensité du jeu sont toujours là. L’uniforme le maintient lent jusqu’à la moitié, lorsque le ressort de tension enroulé qui s’est accumulé sur le disque est libéré dans une ruée toute puissante de riffs et de tambours à double temps. C’est une ruée cathartique et entêtante, et juste au moment où vous vous installez dans le nouveau chaos qui vous est proposé, le groupe revient au tempo langoureux du début. À ce stade du disque, vous commencez à réaliser que même si vous pensez connaître Uniform grâce à ses précédentes sorties, ce n’est jamais deux fois le même groupe. C’est tout un exploit, c’est certain.

C’est un album qui doit être joué fort. Faire autrement serait lui rendre un mauvais service. Les morceaux plus lents comme « This Won’t End Well » ne laissent pas de place à l’énergie et à l’angoisse – il n’y a pas de répit ici. Quand Uniform baisse la tête pour jouer des chansons plus directes et lourdes en riffs, on dirait la progéniture bâtarde de Steve Albini et Al Jourgensen, « Dispatches From the Gutter » étant l’exemple le plus évident de cet ajout surprenant, bien que pas malvenu, au canon de Uniform.

Le titre de l’album, qui arrive à mi-parcours, est une introspection gothique qui couve, claque et piétine, avec plus qu’un soupçon d’influence d’Alien Sex Fiend en son cœur. L’une des meilleures choses à propos d’Uniform est qu’ils semblent s’inspirer d’un large éventail de sources, ce qui les rend à la fois caméléonesques dans une certaine mesure, mais aussi difficiles à classer en eux-mêmes. Leur identité est à la fois fixe, mais avec un véritable sentiment de fugacité positive et un besoin de ne pas s’installer.   

« I Am The Cancer » clôt les choses de manière tendue avec un riff qui est retenu avant qu’une guitare à bourdonnements ne brise le mur du son et ne fasse dévier le morceau en territoire punk. Puis il change à nouveau de direction avec une ligne de basse synthétisée industrielle et lancinante, avant que le groupe ne revienne et s’emballe dans une autre direction tonale avec un penchant pour le stoner-rock. Les uniformes sont des changeurs de forme, le bricolage post-moderne d’un million de groupes qui existent dans les limites de ce trois pièces, mais jamais de manière dérivée. Ils sont, au fond, des fans de musique forte.

Shame est un autre grand disque d’Uniform. Légèrement plus mature, peut-être même plus confiant, que certaines des plaques viscérales d’adrénaline pure qui ont marqué leurs précédentes sorties, c’est un disque qui joue avec les extrêmes mais avec une maîtrise du bruit créé. L’intention thématique générale du disque se perd, à vrai dire, à mesure que la ruée des sons submerge les paroles, mais cela vous donne une raison supplémentaire d’y revenir pour mettre de côté ces éléments narratifs. La honte est vraiment une chose merveilleuse.

***1/2


Sam Prekop: « Comma »

14 septembre 2020

Même si l’on ne connaît pas The Sea and Cake and Shrimp Boat (ses groupes), ni ses liens avec Jim O’Rourke et Tortoise on a des preuves de la prolixité musicale de Sam Prekop. Nous retrouvons ici son cinquième opus solo, un Comma doté d’une boîte à rythmes, de bruits et de pulsations construite par un synthé modulaire et organisée en dix morceaux bien pensés et composés qui, en fait, s’attaquent un de près et de loin à certains des problèmes des synthés modulaires.

Il faut être un passionné d’Eurorack et de synthétiseurs analogiques pour goûter la grande beauté du synthétiseur modulaire dans la mesure où il est vivant, organique, haptique et imprévisible. Mais c’est aussi parfois sa malédiction. Vous voyez, la musique faite sur des synthés modulaires sonne trop souvent comme ça, et seulement ça. Le miracle de l’utilisation de ces machines n’est pas toujours reproduit dans l’écoute, et nous pouvons nous retrouver avec des marathons de méandres sub-subotniens qui, au-delà du comportement intéressant du système lui-même, n’offrent que peu de valeur créative. Il faut beaucoup de temps pour affiner l’art de la synthèse et trouver des formes et des structures qui semblent compositionnelles, un séquençage qui profite vraiment de la répétition, une modulation qui améliore plutôt qu’elle n’obscurcit. Mais Prekop semble bien au-delà de ces obstacles. Voici un album qui semble avoir une vraie direction. Il a plié ces machines à sa volonté. Et cela fonctionne vraiment.

Le morceau-titre est comme une sorte de gamelan high-tech avec un portamento en glissando maladroit qui entre et sort du rythme de la conduite. Il n’a pas supprimé les sons reconnaissables et les tropes de synthétiseur, mais il les a utilisés avec beaucoup de goût. Les enveloppes sont soigneusement conçues et articulées par des drones à retardement et à saturation sonore. Écoutez « September Remember » pour en avoir un bon exemple. Très peu de cette musique correspond à ce que nous reconnaissons comme EDM, bien qu’elle soit souvent dansable. Sur le morceau d’ouverture, « Park Line », nous sommes en quelque sorte quatre au sol, mais l’album joue un jeu plus long que la satisfaction rapide que nous procure ce côté de la musique électronique, même s’il utilise en grande partie le même langage pour ainsi dire.

Ce n’est pas un disque sombre, mais son contenu est en quelque sorte confiné. Même les sons déformés sont jolis. Ce n’est pas mièvre, mais c’est joli et généreux. Ce sont des basses analogiques chaudes et de belles ondes triangulaires robustes, des arpèges majeurs et des intervalles doux. « Approaching » est peut-être le plus beau morceau de tous. C’est une magnifique tapisserie de timbres et d’harmonies parfaitement formés, qui plonge l’auditeur dans un univers luxuriant. Il semble contenir un si grand équilibre entre les percussions et les harmoniques que tout semble aller de pair. C’est tout simplement magique.

Ce n’est pas que tout soit heureux ou chanceux sur cet album, mais même les moments de dissonance sont rendus d’une manière qui semble objectivement agréable, si agréable qu’on pourrait peut-être supporter un peu plus de violence. On ne peut donc pas pas nier l’habileté et l’imagination qui sont ici et qui fait de Comma un très beau disque comme l’est, par exemple, le mouvement de « Circle Line », le charme de « Summer Places ». Comma est un exercice de goût, d’expertise et d’habileté autant que n’importe quoi d’autre, et c’est la preuve (si jamais elle était mise en doute) que les synthés modulaires contemporains peuvent être utilisés avec beaucoup d’émotion et de beauté.

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Barely Civil: « I’ll Figure This Out »

10 septembre 2020

De l’emo du Middle West ; avec le travail de pionnier de groupes comme American Football, Cap n’ Jazz et The Get Up Kids au milieu des années 90 et sa récente résurgence sous des groupes comme The Hotelier, The World is a Beautiful Place et Into it, Barely Civil a fait ses preuves en tant que niche générationnelle clé dans le renouveau de l’émotion. Originaire du Wisconsin, le combo s’est annoncé comme un compatriote prometteur de la communauté avec un premier album We Can Live Here Forever, sorti en 2018. Cette sortie, comme celle de ce deuxième opus, semble familière. À savoir, être résent et correct, c’est tout ce que l’on peut attendre du sous-genre : les refrains chantés, les guitares qui piaillent, les mélodies arpégées – Barely Civil ressemble à leurs aînés. 

Bien que dérivé, le groupe sonne bien au-delà de ses années : ils savent à quoi, ou à qui, ils veulent ressembler et ils le font avec compétence et conviction. Sur I’ll Figure this Out, le groupe se retrouve à réfléchir à son développement personnel et à un meilleur avenir grâce à son introspection et à son honnêteté émotionnelle typiques. L’album a une propension post-rock pour la mélodie calme/vif : « Graves Avenue » oppose le chant feutré du frontman Conor Erickson à des guitares qui claquent et à une batterie qui bat la chamade ; « North Newhall » suit le mouvement, ponctuant les guitares qui claquent de « blast beats » sporadiques.

Ce n’est pas nouveau, en fait, c’est sur cela que American Football et The World is a Beautiful Place ont construit leurs carrières respectives, et on peut le voir venir à un kilomètre d’ici. 

Il y a quelques points forts : » Box for my Organs » combine la « bombasserie » sonore et la vulnérabilité émotionnelle à l’effet d’excitation de l’âme et T »he Worst Part of December » propose une méditation astucieuse et sobre sur le déclin de la vingtaine. Ces moments forts sont cependant trop peu nombreux et trop éloignés pour que l’album ne soit qu’une imitation de ses influences réalisée avec compétence. 

Barely Civil a besoin d’avoir un peu confiance en ses capacités, c’est une équipe incroyablement soudée et elle fait ce qu’elle fait avec des prouesses impressionnantes. On ne peut pas s’empêcher de penser que le désir du groupe d’imiter ses ancêtres les a empêchés de réaliser leur potentiel.

***1/2


Instant Lake: « Dystodream »

6 septembre 2020

Fondé à l’origine comme un duo expérimental par Dario Amoroso (synthé / boîte à rythmes) et Pierluigi Michele Grauso (guitares) au début de 2015 à Caserta – Italie, ils ont ajouté, la même année, Daniele Landolfi (voix / synthé, membre fondateur du Club 100) et Carlo Landolfi (guitare basse), atteignant un son plus puissant.

Les premières démos en ligne orientées new wave / post-punk ont attiré l’attention de certains labels spécialisés. Plus tard, Brazilian Wave Records a signé avec eux, pour un album, et le « single » « »Caustèro » est sorti (+ vidéo, déc 2016), suivi du remix « Caustèro Paolo Favati Remix at Blue Velvet » (+ vidéo) et du second « single »,  « Sit Back ».  (+ vidéo, mai 2017), en ligne sur bandcamp et YouTube.

L’album Refractory (2017) s‘articule autour de la recherche de sons obsédants et de mélodies sombres sur des rythmes électroniques minimaux. Après ce premier travail, Instant Lake revient avec, aujourd’hui, un tout nouvel album, Dystodream, qui sortira en triple version, Vinyl-Cd-Digital. C’est le deuxième album du quatuor du sud de l’Italie avec cette nouvelle formation : Gennaro De Lena (chant et paroles), Pierluigi Grauso (guitare et thérémine), Carlo Landolfi (basse) et Dario Amoroso (synthé et programmation).

Un autre album qui vaut vraiment la peine d’être écouté attentivement, du premier au dernier morceau, Dystodream combine, en effet, la musique électronique avec une version synth wave plus post punk, je pourrais dire rappelant une époque plus moderne de Joy Division, The Cure, Bauhaus et bien d’autres admirables groupes du genre.

Quelques combos nous surprennent cette saison, l’un d’eux est Iinstant Lake ace présent opus. Il y a encore quelques musiciens qui aiment ce qu’ils font et qui n’oublient pas de nous rappeler que ce qu’ils font, ils le font si bien avec un peu de spontanéité un peu d’émotion et quelques bons musiciens arrivent pour sortir la combinaison parfaite.

Un des morceaux-phares sera « Death To Slavery ». Les guitares mélodiques combinées à des rythmes atmosphériques parcourent l’esprit mélancolique, les paroles parlent de quelqu’un ou de quelques personnes qui vivent des pertes, des pertes qui apportent la nostalgie et la solitude et la soif de retrouver leur propre terre, où ils ont grandi. Une chanson où les paroles vous font réfléchir, parce que peut-être quelque chose vous fait identifier votre propre histoire. L’introduction de cette chanson commence par un murmure qui ressemble à une prière, la voix de Gennaro De Lena a de l’émotion et cela ressort dans toutes les chansons de l’album. C’est aussi lui qui écrit les paroles et cela le fait aller au fond de son rôle et vivre chaque mot de cette chanson. Synth et guitares harmonisées, et plus tard avec la basse, ainsi que les guitares et les beats les plus modernes, dont Pierluigi Grauso et Dario Amoroso sont responsables.

Le morceau suivant, assez édifiant, est « Trauma », avec une version sombre plus orientale, un beat fort et un chant fort. Avec un style oriental et des guitares pleines de distorsion, comme l’exclamation du chanteur « Strong », le couplet a donc un sens pour nous. Vous vous battez avec vous-même pour sortir de la rage et cela vous rend aussi fort que possible.

« Tirsch », cette chomposition est écrite en allemand et s’inspire du livre de Richard von Krafft-Ebing, « Psychopathia Sexualis ». Le texte est inspiré de l’histoire de Tirsch, un homme de cinquante-cinq ans originaire de Prague, condamné à vingt ans pour tentative de viol sur une fillette de dix ans. Son psychisme malade, qui vit dans l’illusion, va dévier vers la violence.

Ce texte est symbolique, il ne décrit pas les faits, mais il décrit la douceur de l’illusion et la violence de sa réalité. C’est cet horizon thématique vers lesuqle ce disque nous emmène soniquement et ça ne mérite pas d’être mis sous le manteau.

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Fair Mothers: « In Monochrome »

25 août 2020

Fair Mothers de Kevin Allan est le deuxième projet, plus expérimental, de ce dernier. In Monochrome., avec des invités comme Faith Eliott, Dana Gavanski (chant), Esther Swift (harpe), Pete Harvey (violoncelle) et Jonny Lynch du Pictish Trail, l’album a été enregistré au Happiness Hotel d’Édimbourg au cours des deux dernières années et exporte des thèmes sur l’isolement du monde, de ceux que vous aimez et de vous-même.

Des percussions intenses qui s’accumulent progressivement et de douces notes de piano marquent le début de l’album, qui s’intitule »Magic Bullets for Dracula ». Les mots « N’étiez-vous pas assez ? » (Weren’t you enough?) résonnent dans le paysage sonore troublant qui se situe quelque part entre Tom Waits, Mount Eerie et Radiohead. Après presque 10 minutes, « Birds & Beas & Tiny Fleas » suit et cette combinaison expérimentale et déformée d’electronica, de miserabilia et de post rock commence par des instruments avant d’être hantée par des chants en écho qui se doublent les uns les autres pour exprimer les inquiétudes sur l’avenir de l’humanité… Cela est parfaitement résumé par les derniers sons de la nature qui se bat contre le bruit électronique. Le récent « single » « Harpy » est le suivant et cette histoire macabre amène Kevin et Faith à se demander ce qui pourrait arriver de pire quand on retourne sur la scène d’un crime au milieu de riffs intenses.

Le poignant et puissant « In Black Covered » s’ouvre sur des cordes acoustiques et un débordement d’émotion au milieu de cordes parfaitement accordées – « Personnellement, je n’ai pas besoin de ça, à vrai dire, en ce moment. Dites les bons mots et vous êtes un génie, mais vous ne pouvez pas réparer mon voeu » (Personally I don’t need this, truth be told, right now. Say the right words and you’re a genius but you can’t fix my vow)– tandis que la « Unwinding Road », dépouillée, est à la fois pleine d’âme et sombre, et se termine comme un misérable Sufjan Stevens : « Une route sinueuse, tout ce que vous connaissez. Il y a des versions de moi, il y a des versions de toi » ( winding road, all you know. There are versions of me, there are versions of you). « Crazy Lamb » s’ouvre sur un rire qui rompt le chant (ce que nous aimons toujours entendre dans les enregistrements) avant que Kevin Allen ne prononce la phrase fatidique : « Throw away the Queen ». Puis il prévient : « Ils vont transformer ta peau en une toison d’or, et tu erreras sur le chemin du milieu du Seigneur » (They’ll turn your skin ino a golden fleece, then you’ll roam in the way of the middle of the Lord).

Écrit après une intense dispute avec sa femme, le titre de Kevin est sombre et réfléchi avec ses premiers mots : « Tu as à peine dit un mot depuis que tu t’es calmé. Retiens tes peurs, garde-les loin de moi » ( You hardly said a word since you quietened down. Hold back your fears, Keep them from me) et ensuite l’admission « Nous allons laisser entrer des vents froids dans notre maison » (We’ll let cold winds into our home ). Alors que « Faith » nous livre un chant façon « sha la las » tiré du « Baby It’s You » des Shirelles, écrite par Burt Bacharach, et où Allen « Qu’est-ce qu’ils en savent/ il est 16.39 » (‘What do they know?’/‘16.39)

clôt le disque avec une déclaration de « Je déteste ces sales mensonges » et « Bienvenue dans les ténèbres, célébrez les ténèbres, marchez dans les ténèbres » (Welcome to the darkness, celebrate the darkness, walk into the darkness), prononcées au milieu d’énormes riffs que The Twilight Sad ou The Jesus and Mary Chain seraient fiers de faire leurs, avant que le violoncelle, des tonalités douces et une musique de fond naturelle et ambiante ne viennent clore le disque et nous font penqer que, bien qu’il y ait de l’obscurité dans In Monochrome, vous aurez envie de l’embrasser.

***1/2