The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die: « Illusory Walls »

19 octobre 2021

Sur leur quatrième album studio, Illusory Walls, The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die amènent leur marque de post-rock aux accents emo à des endroits plus grands, plus sombres et plus affirmés que jamais. L’album exploite la clarté lyrique de Always Foreign (2019), la grandeur non dissimulée de Harmlessness dn 2015, et le post-rock spacieux de Whenever, If Ever datant de 2013, tout en incorporant une bombance prog-rock et une finesse de studio qui servent à revitaliser le son caractéristique du groupe.

La première moitié d’Illusory Walls fait avancer ce son avec force grâce à de nouvelles textures et structures de chansons. Le morceau d’ouverture, « Afraid to Die », passe du statut de berceuse calme à celui d’hymne rock, rempli à ras bord de synthétiseurs pulsés, de cordes dramatiques et de guitares aux sonorités futuristes. Plus tard, « We Saw Birds Through the Hole in the Ceiling » adopte une approche similaire, passant d’une dream-pop élégante et mystérieuse à un rock hérissé et déchiqueté, tandis que « Invading the World of the Guilty as a Spirit of Vengeance », en perpétuel changement, est dense et menaçant.

Bien que TWIABP expérimente ces nouvelles sonorités, Illusory Walls conserve une orientation thématique qui le distingue du reste de son catalogue. « Blank//Drone » et « Blank//Worker » décrivent tous deux sans ambages les coins dans lesquels les gens de la classe ouvrière sont poussés par les puissants : « Une drogue à 400 000 dollars contre une fois de plus, le câlin de ma mère » (A 400,000-dollar drug versus one more time, my mother’s hug), chante Dave Bello sur ce dernier titre, une sorte de chant funèbre. Une grande partie du contenu lyrique est projeté à travers cette lentille critique, parfois avec une cible concrète, comme sur la chanson « Died in the Prison of the Holy Office », qui se construit vers un final opératique tout en critiquant l’Église catholique.

Ces chansons sont traversées par une désaffection aiguë, mais elle est souvent délivrée avec un désir d’action qui empêche Illusory Walls de paraître nihiliste. De grosses guitares audacieuses soulèvent des harmonies vocales étendues et cristallines qui transforment des paroles défaites telles que « Se dissoudre dans les fluides de la dissolution des frontières travail/vie/ Avez-vous peur ? » (Dissolving in fluidities of dissolving work/Life boundaries/ Are you getting scared ?) en cris de ralliement sur des chansons comme « Trouble ». ; « Ils se sont levés et ont secoué le sang. » (I barely stood/They rose and shook the blood off), chante Bello après qu’un solo de guitare ait fait évoluer la chanson dans une direction plus punchy, plus pop-punk.

Au cours de la seconde moitié de l’album, TWIABP étend et développe encore plus les éléments fondamentaux de sa musique, revisitant son histoire à travers deux morceaux de clôture monstrueux, « Infinite Josh » et « Fewer Afraid », qui occupent ensemble 35 minutes de l’album. Et ils en gagnent chaque seconde, puisant dans le même puits que les morceaux des albums précédents du groupe, comme « Getting Sodas » et « I Can Be Afraid of Anything », mais poussant ce modèle à ses limites.

« Infinite Josh », en particulier, détourne le penchant de l’album pour l’obscurité en une méditation plus ambiguë sur la nostalgie et le changement, le refrain aérien de Katie Dvorak flottant de-ci de-là à côté de l’arrangement lumineux et jangly du morceau. Alors que « Fewer Afraid » s’approchera avec succès de sa durée à deux chiffres grâce à des phases changeantes et des segments quelque peu distincts, « Infinite Josh » s’appuie ainsi sur une répétition patiente et captivante de mélodies de plus en plus entêtantes. Lorsque la ligne thématique clé de l’album apparaît vers la fin de la chanson – Les objets dans lesquels nous sommes enfermés, immobiles et violents/Juste moins comme ça, moins de peur… » ( The objects we’re locked in, immobile and violent/Just fewer like that, fewer afraid) – cela ressemble à l’éveil vers lequel le groupe a toujours tendu.

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The Album Leaf: « One Day XX »

18 octobre 2021

One Day XX est une édition spéciale 20e anniversaire et une reprise de One Day I’ll Be On Time de The Album Leaf, alias Jimmy LaValle. Sorti à l’origine en 2001 cet opus a changé la donne pour The Album Leaf. Presque du jour au lendemain, il est passé d’un projet solo à temps partiel à un groupe complet. Des tournées avec Sigur Rós et la fondation du groupe de rock instrumental Tristeza ont également suivi.

Les mélodies sont placées sur les plus hauts sommets, les ailes douces et planantes s’étirant vers l’extérieur dans des mouvements méditatifs et des rythmes balayés. Plus c’est calme, plus c’est puissant.

LaValle a fait appel à un collaborateur de longue date, James McAlister (Sufjan Stevens, The National, David Bazan), et à des membres de son groupe pour réimaginer la musique de l’album qui a lancé sa carrière, en travaillant sur les compositions avec un regard neuf et des années d’expérience. Les chansons ont été vues sous des angles différents et présentent heureusement une « clarté émotionnelle » renouvelée, ce qui n’était pas possible au moment de l’enregistrement original – seules les années écoulées peuvent le faire.

LaValle n’a pas repris la musique dans le but de l’élever ou de la nettoyer. Au contraire, il donne aux jeunes mélodies le respect et l’espace nécessaires pour se dresser à nouveau. L’authenticité de l’original n’a pas été entamée, mais elle a été revisitée par des mains plus âgées et plus sûres, et les sons sont maintenant influencés et façonnés par vingt ans d’expérience. La musicalité peut changer, se déplacer et évoluer au fil des ans, mais la compétence demeure, voire s’accroît.

LaValle a enregistré cet album alors qu’il avait une vingtaine d’années, et le temps lui a permis de mieux comprendre sa progression en tant que musicien. Il s’agit d’une rétrospective dans laquelle le renouvellement est embrassé et l’original du passé est respecté. Les fans adoreront ce remaniement, car il reste fidèle à l’original tout en recevant un look rafraîchi ; c’est le même corps dans une nouvelle tenue. One Day XX est une musique pour l’ici et le maintenant, mais elle est issue du passé.

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Seims: « Four »

2 octobre 2021

Lorsqu’il est bien fait, le post-rock peut être transformateur. C’est le cas chez Seims, un groupe australien, fruit de l’imagination du compositeur Simeon Bartholomew, qui joue également de la basse, des guitares, des synthés, du piano et du chant, tandis que d’autres musiciens contribuent à la batterie, au violon, à l’alto, au violoncelle, à la contrebasse, au trombone, au bugle, à la trompette et à la harpe.

Sans s’écarter du genre susmentionné, l’album présente un rock orchestral avec du speed picking, des structures répétées, des mélodies qui se construisent jusqu’à des crescendos énergiques, et une ou deux signatures temporelles étranges. La durée des morceaux est assez limitée, de deux à six minutes. Néanmoins, chaque morceau se développe à sa manière, depuis des interludes relativement simples à la guitare et au clavier jusqu’à des riffs enflammés et des rythmes complexes. Tout au long de ces efforts, Bartholomew incorpore le minimalisme et les influences du rock progressif moderne et du math rock. Le résultat est à la fois plein de vitalité et cinématographique.

Ainsi, « Elegance over Confidence » va commencer par un motif de piano répétitif et une batterie étrangement syncopée qui se transformeront rapidement en un rôle de soutien pour une explosion rapide avec de lourds accords de guitare et des drones de violon. Quelque part après le milieu, un passage évoque le hard rock des années 80 jusqu’à ce qu’il s’estompe avec un mur de guitare et de touches. D’autre part enfin, « Nuance Lost in Translation « fait un clin d’œil au livre de jeu de Phillip Glass avant de prendre une direction plus complexe avec des cordes et une harpe.

Four, c’est du rock, mais d’une manière convaincante et intelligente. bravo à Bartholomew et à son équipe pour ce qui est une véritable œuvre.

***1/2


« Public Service Broadcasting: Bright Magic »

1 octobre 2021

Chaque sortie du groupe post-rock londonien Public Service Broadcasting a été motivée par une sorte de concept. L’idée derrière le premier album Inform-Educate-Entertain était plus un fil conducteur qu’un thème, compilant des échantillons des Archives nationales et du British Film Institute pour capturer le 20e siècle en constante évolution à la manière de bulletins d’information qui se chevauchent. Pour leur deuxième album The Race for Space, l’histoire de l’ère spatiale est intégrée dans le titre de l’album, sans parler des titres des chansons comme « Gagarin » et « Sputnik ». Ils l’ont suivi avec Every Valley, un album sombre qui décrit les hauts et les bas de l’industrie du charbon au Royaume-Uni.

Pour leur quatrième album, Public Service Broadcasting fait référence à un lieu très spécifique. Il semble que le guitariste J. Willgoose, fondateur du groupe et leader de facto, ait été tellement attiré par la ville de Berlin que leur nouvel album, Bright Magic ,ne pouvait pas éviter le sujet. « Je savais que l’album allait parler de la ville, de son histoire et de ses mythes, et j’allais déménager là-bas », déclare-t-il dans le communiqué de presse. Bright Magic reflète ostensiblement la vie berlinoise sans pour autant s’engager dans une histoire. Heureusement pour l’auditeur, il n’est pas nécessaire d’avoir une histoire pour apprécier le nouvel opus. Sinon, comment pourrait-on espérer démêler cette phrase de Willgoose ? « C’est devenu un album sur le fait de déménager à Berlin pour écrire un album sur des gens qui déménagent à Berlin pour écrire un album ».

Avec des titres de chansons essentiellement allemands et presque toutes les paroles chantées en allemand, on pourrait être tenté d’apposer l’étiquette Krautrock à Bright Magic. Et vous n’auriez pas tort. Les échos synthétiques de Tangerine Dream, Kraftwerk, Can et Kluster résonnent haut et fort. Les samples sont réduits au minimum cette fois-ci, permettant aux guitares et aux claviers de dominer le mix. Étant donné que Public Service Broadcasting est composé d’au moins trois multi-instrumentistes, ils continuent à couvrir plus de terrain sonore à tout moment que la moyenne des groupes de rock instrumental ordinaires. En écoutant l’album d’un bout à l’autre, on a le sentiment glacial que le groupe a réussi à transcender ses débuts déjà prometteurs ; est-ce l’arrivée d’un classique, ou est-ce simplement que ça sonne vraiment bien ?

L’ouverture « Der Sumpf (Sinfonie der Großstadt) » est si brève et si subtile qu’elle peut à peine être considérée comme une introduction. Le titre suivant, « Im Lichit », se rattrape avec un refrain simple mais magnétique, incanté par une voix robotique. La dynamique varie d’un silence propulsé uniquement par la basse de JF Abraham et la grosse caisse de Wrigglesworth à une cathédrale scintillante de magie de synthétiseurs. La performance vocale désabusée d’Eera sur « People, Let’s Dance » dément toute invitation au booty-shake, même si la musique ressemble à un New Order de l’ère 1987 embrassant encore plus étroitement sa culture club. Sa performance sur la valse « Gib mir das Licht » est douce et fantomatique en comparaison. Blixa Bargeld d’Einstürzenda Neubauten apporte sa voix menaçante sur le très industriel « Der Rhythmus der Maschinen ». Étrangement, c’est le morceau avec Andreya Casablanca qui se démarque le plus, bien que ce ne soit pas sa faute. Malgré tout, « Blue Heaven » est une chanson pop étrangement normale dans un champ de synthé-rock expérimental. C’est un bon choix pour l’antenne mais un choix déroutant pour représenter l’album. La seconde moitié de Bright Magic est dominée par des morceaux sinistres et impressionnistes qui rappellent facilement l’époque Low de David Bowie.

De « The Visitor » aux trois mouvements de « Lichtspiel », vos oreilles glissent dans un tunnel de 17 minutes d’électricité pulsée mélangée à une félicité nocturne, et l’actrice Nina Hoss a le dernier mot dans une performance orale sur « Ich und die Stadt ». Bright Magic oscille entre un très bon mashup krautrock/post-rock et le joyau de la discographie de Public Service Broadcasting. Lorsque le charme opère à plein régime, on peut être sur le point de proclamer qu’il s’agit d’un Another Green World urbain du 21e siècle. Dans des circonstances moins euphoriques, Bright Magic reste un régal de la part d’un groupe véritablement agité. Dans tous les cas, vous gagnez.

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Bobby Gillespie and Jehnny Beth: « Utopian Ashes »

3 juillet 2021

Bobby Gillespie et Jehnny Beth. Un couple étrange sur le papier, l’un étant un ancien du monde du rock indépendant, l’autre une icône du post-punk abrasif. On ne s’attend pas à ce qu’ils collaborent un jour, et encore moins à ce qu’ils collaborent sur un album complet de ballades inspirées de la country. Sur Utopian Ashes, c’est pourtant ce qu’ils ont fait.

Gillespie et Beth partagent une vigueur commune, un manifeste mutuel pour ne jamais rester stagnant sur le plan créatif. Avec leur album en collaboration, Utopian Ashes, les stars de Primal Scream et Savages créent un paysage aride fait de tumbleweed et de bagages émotionnels, et vous invitent à entrer dans leur monde.

Avec ses cordes florissantes et ses accents dramatiques, le morceau d’ouverture « Chase It Down » fait écho à l’ouverture cinématographique d’un western spaghetti, alors que Beth et Gillespie racontent l’effondrement désordonné de la relation des protagonistes. Gillespie répète « I don’t love you anymore » dans le climax, mais à qui ce personnage doit-il le prouver ? Utopian Ashes n’hésite pas à évoquer les complexités de la rupture, comme le titre «  English Town » » de Tom Waits, qui évoque un désir d’évasion futile. « Remember We Were Lovers « , de son côté, marie des harmonies béates à des touches moroses, offrant une thèse désespérée sur la nature de l’amour : « Nous sommes stupides et ingrats, nous n’apprendrons jamais » (we’re stupid and ungrateful, we’ll never ever learn)

L’album ne reste pas désespéré. « Your Heart Will Always Remain » est un rouleau infectieux qui reste doux et sincère au milieu des passages rocheux, et l’alchimie entre Gillespie et Beth scintillera sur « Stones of Silence ». Beth est enjouée et inhabituellement discrète, et bien que Gillespie n’ait jamais été le meilleur des chanteurs, sa voix douloureuse fait passer le désespoir des paroles. Dans « You Don’t Know What Love Is », le personnage de Gillespie se contredit fréquemment ; au début, il accuse l’amour d’être une maladie, mais il retourne la situation à sa partenaire en disant que, quel que soit l’amour, elle ne sait pas «e qu’est l’amour . C’est ce niveau d’écriture émotionnellement mature et stratifié qui élève Utopian Ashes en territoire vraiment passionnant, alors que Beth et Gillespie illustrent leur imagination à l’auditeur.

« Tu t’es transformé en quelqu’un que je ne connais pas » (You turned into someone I don’t know”) chante Beth sur le titre phare de l’album, « You Can Trust Me Now » », un morceau qui commence par une intro parlée de Gillespie et se termine par le même silence fantomatique que l’intro ; leur voix est obsédante dans cette musique country atmosphérique qui n’offre pas de solutions faciles. L’album raconte l’histoire de ceux que l’on croyait aimer et qui changent à cause de la lutte inévitable qui vient avec le vieillissement, ce qui amène Gillespie à conclure que cela nous brise le cœur dans « Living A Lie ». « Sans confiance, comment peut-il y avoir de l’amour ? » (Without trust, how can there be love?) murmure Beth, et bien que les accords de guitare enjoués et les harpes éthérées puissent dire le contraire, au, cune fin heureuse de livre de contes n’attend ce couple. 

Ce qui attend les personnages de Beth et de Gillespie à la fin est incertain. Ce dernier décrit « un vide de toute émotion, rien qui puisse faire frémir » (a void of all emotion, nothing left to thrill) sur le morceau « Sunk In Reverie », mais il n’y a pas de portes fermées. De même, toutes les portes sont ouvertes pour ces deux artistes ; ils n’ont jamais été cantonnés au punk ni aux remixes baggy de Weatherall, mais des visionnaires à part entière. Ensemble, ils s’accordent parfaitement. Peu importe ce qu’ils feront par la suite, et qu’ils fassent ou non un autre disque ensemble, cela reste à voir, mais avoir un effort de collaboration de ce calibre est un honneur qui nous est fait. C’est un album théâtral et vulnérable qui n’est peut-être pas facile à écouter, mais qui est tout simplement une expérience. L’un des plaisirs les plus inattendus de 2021, cela est chose certaine.

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Fly Pan Am: « Frontera »

14 juin 2021

Du blues à la techno en passant par le krautrock et le black metal, il y a une tension dans « la musique de transport » avec des structures répétitives comme base pour des lignes d’évasion psychique. C’est un conflit que Fly Pan Am examine à la loupe avec Frontera, en traduisant en son les frontières, la surveillance et les asymétries flagrantes de pouvoir qu’elles représentent.

À l’origine, une collaboration multimédia avec la chorégraphe Dana Gingras et la compagnie de danse Animals of Distinction, le quintet canadien a créé une musique en réponse à la chorégraphie de la lumière et des danseurs. Les neuf titres de Frontera isolent le rôle de Fly Pan Am dans le projet, mais le fait de retirer le multi du multimédia ne dilue pas les thèmes gravés dans la musique.

L’appareil de sécurité de l’État peut passer d’un inconvénient et d’une préoccupation pour la vie privée à une force inébranlable qui dicte brutalement les chances de votre vie. La dure vérité est que ceux d’entre nous qui sont nés dans le nord du monde ne ressentiront probablement jamais toute la cruauté d’un régime frontalier. La réponse de Fly Pan Am est de tracer l’échelle de la machine de surveillance omniprésente et changeante elle-même. Un groupe habituellement marqué par un contrôle habile de l’espace négatif est devenu étonnamment monolithique.

« Grid/Wall » est, à cet égard, un maillage savant de sons fabriqués au laser, d’électronique caustique et de guitares barbelées qui lacèrent un groove implacable. Même sur les mouvements plus calmes et moins rigides de Frontera, une présence inquiétante se cache, des dirges acousmatiques aux synthés qui sonnent plus dentaires que musicaux.

Qu’il s’agisse du titre d’un album, « N’ecoutez pas », ou du méta-funk glitch de « Ceux qui inventent n’ont jamais », Fly Pan Am a toujours interrogé avec humour les conventions de la musique rock, à mi-chemin entre le grand art et la farce. Les structures formelles sont traitées comme des récipients à remplir de contenus inconnus, le momentum comme quelque chose que l’on peut gentiment faire dévier de sa trajectoire. Les titres phares de Frontera, « Parkour » et « Parkour 2 », voient le groupe repousser les limites de la motorisation, interrogeant la frontière ténue entre lévitation et enfermement, transcendance évasive et chanson de marche. Sur « Parkour », le dénouement est constitué de cris déchirés qui s’échappent d’un crescendo kosmique, l’humain déchirant les barrières du panopticon numérique. Sur « Parkour 2 », c’est un chœur qui frappe un moment d’une beauté saisissante contre les rythmes des machines. Michael Rother a comparé la musique de Neu ! à de l’eau, mais Fly Pan Am fest parvenu à faire éclater les berges de la rivière.

***1/2


Whisper Room: « Lunokhod »

13 mai 2021

Le trio Whisper Room travaille ensemble depuis quelques années maintenant et malgré la multitude d’autres projets des membres (notamment Aidan Baker), ils ont déjà sorti cinq albums depuis 2005.

Avec Lunokhod, ils ont enregistré un morceau de près d’une heure (divisé en 7 parties qui s’enchaînent). Et celui-ci a tout pour plaire. Des percussions lancées vers l’avant sont à l’origine de ce son psychédélique, maniaque et pourtant doux. Les instruments se combinent pour créer un morceau flottant de post-rock psychique ambiant avec un grand sens de l’accroche. Le mélange flottant de mélodies et de sons enveloppe l’auditeur de son doux mur de sons et maintient toujours une tension élevée avec ses parties changeantes. Le département électronique produit beaucoup de sons excitants et expérimentaux, mais aussi ce son de base ambiant qui fait voyager l’auditeur.

Mais le cœur de l’œuvre est bel et bien la percussion, qui disparaît de temps à autre dans le vide, mais qui reprend toujours sa vitesse, sans faiblir et en pleine gloire. Des drones apparaissent, qui sont utilisés moins pour l’effet que pour servir réellement la pièce.

On ne peut pas être plus précis que cela pour décrire ce voyage à travers le son du groupe.

L’auditeur doit s’attendre à un voyage ambiant d’une heure avec de nombreuses surprises et un rythme relativement rapide. Une œuvre comme si elle provenait d’une seule et même distribution – un album assez fort, plus qu’assez même…

***1/2


Vapour Theories: « Celestial Scuzz »

11 mai 2021

Les frères Gibbons sont de retour avec un nouvel album, mais ce ne sont probablement pas ceux auxquels vous pensez. John et son frère Michael ne viennent pas du Texas, mais de quelque part en Pennsylvanie. Lorsque les frères s’éloignent de temps en temps de leur travail à plein temps qui consiste à créer un chaos psychédélique dans le groupe culte Bardo Pond, ils n’aiment rien de plus que de créer encore plus de chaos psychédélique sous le nom de Vapour Theories. Et, à l’instar des chemtrails auxquels leur nom fait allusion, ces cinq morceaux de heavy psych qui se tiennent précairement en l’air, évoquent les retombées troposphériques empoisonnées d’un titan de l’aéronautique qui passe.

La pochette de l’album, un mur tourbillonnant de tuiles caustiques dans des ors et des verts boueux, fait référence à la face avant de E2-E4 de Manuel Gottsching, si cette fascinante déclamation krautrock avait été traînée à l’envers dans une haie hérissée. Et c’est un résumé assez juste du son incarné sur les 13 minutes d’ouverture d’ « Unoccupied Blues ». De lentes résonances de basse en écho planent tandis qu’une guitare singulièrement pragmatique égrène un solo foudroyant. Découpé à partir de milliers d’heures d’enregistrements de répétitions, c’est une première manifestation intrigante, humble et absorbante de leur esthétique floue habituelle. Toujours sur le point d’exploser, il se contente de s’éroder avec un abandon éphémère avant de se dissiper dans l’air.

Des grattements acoustiques sonores marquent le début du morceau suivant, « High Treason », tiré d’un modèle similaire, tandis que des cordes chaudement pincées fredonnent et que des rubans de bande magnétique inversée se rétroagissent sur eux-mêmes, exposant la dépendance caractéristique du duo aux riches textures prophétiques et sa dévotion à l’éternel balancement de la pédale de sustain. L’expérience qui en résulte est un continuum de l’humeur et du rythme mesuré de la première piste, s’approchant d’un état presque tantrique alors que les Gibbons travaillent à l’unisson pour fournir une couche reconstituée de souplesse physiologique mouchetée de folk.

Privilégiant une cohésion déterminée à un chahut débridé, vous abordez le reste de l’album sur une trajectoire ascendante de nirvana auditif. Par la suite, l’agitation provoquée par « Breaking Down (The Portals Of Hell) » donne à l’album une impression de densité et d’étroitesse, le bourdonnement incessant étant contrebalancé par des spasmes rythmiques de sons libres. Ses atmosphères embrassent un air de malaise pernicieux, dénué de compassion, après les propositions intimes des 20 minutes précédentes. Le shoegaze en fusion s’effrite, presque inaudible sous sa tonalité obscure, et laisse apparaître une sensibilité ambiante qui renvoie à l’œuvre de Brian Eno, un artiste qu’ils sont souvent amenés à interpréter.

Après s’être attaqués à Here Come The Warm Jets et Music’s In Every Dream Home A Heartache tout en liant dans le Bardo, ils s’attaquent ici aux possibilités mythiques de « The Big Ship », tiré de l’album solo Another Green World d’Eno (1975). Constamment utilisé pour souligner les reprises émotionnelles enflées dans les films indépendants modernes, c’est un morceau de musique aussi inextricablement lié au pathos des grands écrans que « On The Nature Of Daylight » de Max Richter. En ajoutant des couches de perturbations spontanées pour oblitérer sa base sonore reconnaissable, les frères y convergent dynamiquement en opposition, produisant collectivement quelque chose d’invinciblement fort qui conserve le sens corporel de la profondeur de l’original.

Enfin, pour conclure, il y a « Soul Encounters », un morceau économique sur le plan textuel, dont le cadre minimaliste se rompt de manière articulée au cours des deux minutes, dispersant des incantations floues dans le ciel. Combinaison animée de rock ancestral et d’ambiance démonstrative, Celestial Scuzz offre de nouvelles directions dans l’abstraction et devrait inconditionnellement éveiller la curiosité de toute personne intéressée par l’écoute profonde.

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Godspeed You! Black Emperor: « G_d’s Pee at State’s End! »

5 avril 2021

Godspeed You ! Black Emperor a toujours été en avance sur son temps. LCes légendes du post-rock montréalais ont repoussé les limites du genre alors naissant avec leurs premières sorties, et ont utilisé leurs notes de pochette comme missives ouvertement politiques il y a deux décennies. Lorsqu’ils ont reçu le Prix de la musique Polaris en 2013 pour leur disque de retour, Allelujah ! Don’t Bend ! Ascend !, ils ont critiqué le faste du gala et ont fait don du prix de 50 000 $ à des organismes de bienfaisance qui se consacrent à donner des instruments de musique aux détenus des prisons du Québec.

Les revendications de longue date du groupe en faveur d’une réforme des prisons et de la police, ainsi que le besoin urgent d’unité, sont depuis devenus des positions populaires parmi un chœur croissant de croyants en l’existence d’un monde meilleur. Godspeed a utilisé sa musique et sa plateforme pour faire campagne en faveur de ses convictions – des idées qui, avec ou sans son influence, ont gagné en popularité ces dernières années.

À une époque où le sous-texte politique du groupe a plus de résonance que jamais, ils regardent curieusement en arrière, à bien des égards, sur leur dernier album, G_d’s Pee AT STATE’S END ! Alors que chaque album a joué avec des structures et des compositions uniques, comme les longues suites latérales des premiers travaux, l’alternance entre les disques 12″ et 7″ d’Allelujah ! ou l’unique composition de 40 minutes d’Asunder, Sweet and Other Distress, G_d’s Pee est – de manière atypique – un amalgame d’idées précédentes, oscillant entre deux longues suites multi-mouvements intitulées et deux pièces plus courtes et plus ambiantes. Qu’ils en aient fini avec cette innovation effrénée ou qu’ils prennent simplement un peu de répit (et peut-on les en blâmer ?), leur dernier album présente un ensemble de choix stylistiques issus de leurs 25 dernières années d’existence : des fragments de sons trouvés absents de leurs deux derniers albums ; une pochette austère à deux images qui rappelle celle de leur deuxième album de 2000, Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven ; le placement de leur surnom de longue date, God’s Pee, préféré des fans, au centre du titre de l’album. Alors que beaucoup ont été contraints de se replier sur eux-mêmes, ils sont allés à l’encontre du modèle et ont rejoint la foule.

Les meilleurs travaux de Godspeed ont toujours été plus axés sur la structure que sur le son, et le retour aux formats précédents a donné des résultats similaires. Comme toujours, le groupe est au sommet de son art lorsqu’il est le plus émouvant. Ces moments sont nombreux sur G_d’s Pee, comme les paysages sonores ondulants de « First of the Last Glaciers », la plainte océanique de « Cliffs Gaze », l’apogée de « ASHES TO SEA or NEARER TO THEE » et les cordes élégiaques qui clôturent le disque, « OUR SIDE HAS TO WIN (for D.H) ». La mélodie a toujours été le point fort du groupe, et il en offre beaucoup ici, qu’il s’agisse de canaliser l’horreur sinistre ou le triomphe du poing levé. Mais lorsqu’on se remémore leurs précédents efforts, on a le sentiment inébranlable qu’ils l’ont déjà fait, mais en mieux – même si on ne peut pas leur reprocher de faire ce que tant de post-rockers ont fait au cours des 20 dernières années.

Avec les modes d’expression et de communication qu’ils ont choisis, l’affect exagéré est devenu la carte de visite de Godspeed, et l’un de leurs traits les plus réussis. Sur G_d’s Pee AT STATE’S END, la plupart des fioritures supplémentaires sont reléguées au second plan, comme les collages de sons de radio amateur qui ouvrent les deux plus longs morceaux. Les tirages menaçants de « ‘GOVERNMENT CAME’ (9980.0kHz 3617.1kHz 4521.0 kHz) » ont disparu avant que le message insurrectionnel puisse être pleinement pris en compte, perdant la puissance de ses prédécesseurs dans « Murray Ostril : ‘. …They Don’t Sleep Anymore on the Beach…' » »de Skinny Fists ou même le refrain en fond sonore similaire de « With his arms outstretched » qui démarre Allelujah.

Contrairement à de nombreux courriers électroniques de l’année dernière, nous ne vivons pas une époque sans précédent, ce dont Godspeed est bien conscient. C’est pourquoi ils font comme d’habitude sur G_d’s Pee AT STATE’S END, même si c’est un mode qu’ils ont typiquement évité auparavant.

***1/2


Moon and Bike: « One »

22 mars 2021

Le duo de guitares instrumentales qu’est Moon and Bike laisse parler ses instruments sur son nouvel album, One. Musiciens, compositeurs et amis de longue date, Moon and Bike font preuve de courage avec leur nouvel album, One. Composé uniquement de guitares acoustiques et électriques, sans aucune piste vocale, l’album s’appuie sur la musicalité du duo pour créer des flux attrayants et addictifs qui maintiennent l’auditeur en haleine. 

La piste « River » donne un avant-goût du son de Moon and Bike, les guitares dansant les unes autour des autres de manière intrigante. La guitare électrique met en évidence la dextérité de l’artiste, tandis que la guitare acoustique maintient la cohésion du morceau grâce à des rythmes séduisants et un jeu de doigts serré. L’atmosphère créée est subtile mais poignante car le son crée une histoire ludique sans paroles. 

Le morceau suivant, « Nearer Sky », reprend ce thème avec un son plus hymnique, de type ballade, qui prend de l’ampleur au fur et à mesure qu’il progresse, cette fois la guitare acoustique se frayant un chemin et donnant à la guitare électrique quelque chose à jouer par-dessus.

Garder les choses fraîches allait toujours être un peu difficile avec seulement deux instruments impliqués, mais les garçons se débrouillent étonnamment bien pour garder les choses intéressantes. « Two of Us » parvient à construire des rythmes folkloriques sur des guitares électriques pleines d’échos, qui deviennent de plus en plus intenses au fur et à mesure que le morceau avance, tandis que « Nativ »e prend un virage vers le côté sombre, avec des rythmes blues et des flux sulfureux qui le font évoluer vers un son soul et un refrain bien défini. Malheureusement, le son de « Before Dark » manque d’idées intéressantes qui ont été utilisées dans les morceaux précédents. Star subit le même sort, mais présente tout de même un jeu de doigts prononcé et adroit.

Il est difficile de baser un album entier autour de deux guitares sans être à court d’idées, mais le duo s’en sort bien. Leur musicalité est irréprochable et la façon dont les deux guitares donnent l’impression de ne faire qu’un seul instrument tant elles sont synchronisées est un plaisir à écouter. Il serait intéressant de voir ce qu’ils pourraient faire avec un ou deux instruments supplémentaires, mais cela n’enlèverait rien à leur son unique. 

***1/2