Jeff Beck: « Riff in Peace » (1944-2023)

27 janvier 2023

Quand Eric Clapton décida de quitter Les Yardbirds, la raison, pour lui, était simple pour lui ; le groupe était devenu trop « pop » et s’était éloigné de ses racines blues. Jeff Beck, fut, à cet égard, plus qu’un remplaçant, de luxe ou pas.

Puisque dans les mid-sixties, la pop-rockétait en pleine déconstruction, le guitariste apporta au combo une patte indéniable mâtinée d’énergie et de psychédélisme.Il se débarrassa ainsi des oripeaux traditionnels par la version épileptique de « Stroll On » où, dans le film d’Antonioni, Blow Up, on le voit, aux côtés de Jimmy Pages !, massacrer consciencieusement massacrer sa six cordes et son ampli  à l’instar de Pete Towshend, son « collègue » des Who. Du Hendrix avant l’heure.

Il ajouta ensuite une palette qui lui était plus propre, nimbée des courants avang-ardistes de l’époque et gorgée d’effets spéciaux (sustain, distorton, wah wah) tout en restant concis, direct et nerveux comme en témoignent certains des titres légendaires que furent « Shapes of Things »,, « Over Under Sideways Down », « Psycho Daisies » ou « Happening Then Years Time Ago ».

Passage rapide mais prolifique en terme de qualité avant que notre homme ne sorte en solo Blow By Blow puis ne forme The Jeff Beck Group avec dans un premier opus, Rough and Ready, puis un autre, éponyme, avec des artistes aussi renommés que Rod Stewart, Ainsley Dunbar,Nicky Hopkins ou Ron Wood.Page, de son côté, fut plus chanceux et avisé puisqu’il décida de former Led Zeppelin.

Beck, lui, partit très vite vers une nouvelle aventure, on ne peut pas encore dire « expérience » puisqu’il forma ce qu’on appelait alors un super-group, Jeff Beck, Time Bogert Carmine Appice (issus de Vanilla Fudge) , (B.B.A), au même titre que West Bruce & Laing, ou E.L.P (Emerson Lake and Palmer), trois « power-trios » aux registres quelque peu différents.

B.B.A vécut peu de temps et Beck s’orienta peu à peu vers un répertoire qui correspondait plus à sa versatilité, dans un genre qu’on pouvait qualifier de jazz-rock ou rock fusion.

Pour nous, et en toute subjectivité, on gardera à l’esprit le souvenir de celui qui incendiait les salles de concert comme The Marquee Club à Londres, lui aussi disparu et, s’il est un tribut que nous lui prêtons, ce sera celui du coeur, celui que beaucoup d’autres guitaristes s’accorent à qualifier de « guitariste des guitaristes comme un témoignage hommage non usurpé à quelqu’un qui fut bien plus qu’un technicien de la guitare,  mais un maître expert en la manière de faire vibrer les âmes tout autant que les cordes.


Sports: « Team Gulp! »

30 octobre 2022

La Grande-Bretagne a toujours eu une histoire saine en ce qui concerne le rock indé, et on peut même dire que c’est le pays qui a inventé cette classification. Depuis quelques années environ, il semble que ce vaste domaine ait reçu une impulsion créative. Des groupes surgissent de différentes villes et produisent certains de leurs meilleurs morceaux, tout en remettant l’accent sur la sphère musicale.

Les Londoniens de Sports Team sont l’un des nombreux groupes qui font partie de ce renouveau naissant et leur nouvel album Gulp ! signale leur arrivée de manière éclatante. L’album, qui est sorti le 23 septembre sur Island et Bright Antenna Records, combine des paroles accrocheuses, des rythmes énergiques et une vigueur débridée pour créer des morceaux contagieux.

La caractéristique immédiate qui me saute aux yeux à l’écoute est le chant d’Alex Rice. Il a cette façon unique de crooner qui se situe entre la soul de la Motown et l’élégance de la pop orchestrale des années 50. Son registre contribue au dynamisme des chansons, tout comme les guitares de Rob Knaggs et Henry Young. Oli Dewdney à la basse et Al Greenwood à la batterie forment la base des arrangements, tandis que Ben Mack au clavier et aux percussions apporte la touche finale. Ensemble, ces musiciens créent des hymnes délirants et rauques qui résonnent de vibrations optimistes et libératrices.

« The Game » donnera le coup d’envoi de l’album avec des guitares foudroyantes, des paroles accrocheuses et des harmonies joyeuses. Si cela ne fait pas danser les gens, je ne sais pas ce qui le fera. Avec un ton plus sombre, « Cool It Kid » illustre la façon dont la voix de Rice peut porter une chanson, tandis que le reste du groupe se joint à elle à divers moments. Un autre morceau qui fera bouger le corps est « Fingers (Taken Off) », surtout lorsque les guitares entrent en jeu après que la batterie et la basse aient mené l’introduction. D’autres points forts de Gulp ! qui méritent une certaine attention sont « The Drop », « Unstuck » et « Kool Aid ».

Cet album est composé de musique qui peut faire en sorte que l’auditeur se sente vivant. Quiconque se branche et appuie sur play aura envie de couper un tapis ou au moins de bouger un peu la tête et de taper du pied. N’est-ce pas là que la musique est la meilleure, lorsqu’elle vous fait ressentir quelque chose de positif ? C’est ce que fait Sports Team et sa musique mérite d’être acclamée et louée. C’est pourquoi leur nouvel album est super bon et les gens devraient l’écouter.

***1/2


Russian Circles: « Gnosis »

27 octobre 2022

Les « héros » du post-rock expérimental que sont Russian Circles reviennent ici avec leur huitième album, Gnosis, un opus abrasif mixé et conçu par Kurt Ballou de Converge. Le guitariste Mike Sullivan a formé Russian Circles en 2004 avec le batteur Dave Turncrantz et le bassiste Colin DeKuiper. Bien que DeKuiper soit parti en 2007, il a été remplacé par le bassiste de These Arms Are Snakes, Brian Cook, et le reste à ce jour. Depuis près de deux décennies, le groupe défie les conventions de la musique lourde avec un son expérimental. Le processus d’enregistrement de cet album marque une nouvelle stratégie d’écriture de chansons pour Russian Circles. Au lieu de faire du brainstorming ensemble dans un studio, le groupe a enregistré ses idées séparément afin de préserver leurs visions individuelles. En fait, le titre gnosis signifie « connaissance des mystères spirituels ».

« Tupilak » lance l’album avec une basse saturée et distordue qui revient sur une seule note. La batterie de Turncrantz augmente avec le volume avant de marteler nos psychés avec un riff tranchant. Un morceau fluctuant, abrasif et ardu, la meilleure façon dont je peux le décrire est le blackgaze. Un moment intéressant se produit avec un effet « washing », où les fréquences imitent les vagues sur une plage. Ensuite, « Conduit » est l’un des singles qui annoncent cet album. Le riff est immédiatement agressif et à la limite du death metal, parmi les plus lourds de leur catalogue. La batterie semble détachée du reste de la production, et on s’interrogee encore pour savoir si c’est un obstacle ou une force.

La chanson titre a donné lieu au tout premier clip du groupe. Un montage cinématographique absolument stupéfiant de clips allant de ruines à de l’herbe qui pousse en passant par des yeux de serpent, la chanson commence par un bourdonnement. C’est une combinaison de prog et de post-rock, de polyrythmes et de sons purs. La basse de Cook réverbère d’une manière qui nous fait croire que les cordes sont lâchées, mais cela ajoute un élément captivant. Juste avant le final de la chanson, ils passent de la pureté du post-rock au blackgaze boueux. Le riff final est sûr de vous faire taper du pied.

L’influence de Black Sabbath se fait sentir sur  » Vlastimil « , un morceau sinistre aux grooves iommiens. Faisant référence à  » Sabbath Bloody Sabbath « ,  » Into the Void  » et  » Black Sabbath « , Sullivan, Cook et Turncrantz livrent une performance effrayante. Mais c’est bien plus que cela. Leur talent pour créer du suspense et de la désolation est sans égal, et réaffirme leur quête constante d’individualité. 

« Ó Braonáin » fait office d’interlude. Des notes aux sonorités agréables sont soutenues pendant quelques mesures qui ont un effet d’épanouissement. Bien qu’il soit court et engageant, il s’enchaîne très brusquement avec « Betrayal », un passage bruyant et glacial. On est un peu trahi de les voir nous exploser les tympans après un moment aussi délicat. Russian Circles aime avoir des guitares et des basses qui s’entrechoquent, mais cela n’est jamais ennuyeux. Ils reviennent au post-rock avec des guitares mélancoliques avant de passer à la dernière piste, « Bloom ».

« Bloom » est peut-être le morceau le plus intriguant de l’album. Turncrantz joue de la batterie mais on a l’impression qu’il joue à l’envers à certains moments. Les éclats de chine sont dans une signature temporelle que je n’arrive pas à chronométrer. Sullivan revient à un ton post-rock clair, et la basse de Cook semble largement absente. Construire et vaciller, c’est une belle exploration de leur musicalité. « Bloom » bourdonne, flotte, pique et frappe. 

Après huit albums et pas un mot prononcé, Russian Circles a encore beaucoup à dire. Le trio a la capacité d’imiter une armée. Gnosis est un point de repère dans leur carrière ; conforme à nos attentes, mais les dépassant d’une certaine manière, comme d’habitude. Tous les adjectifs et adverbes du monde ne suffiront pas ; aliénant, colossal, chaleureux, frigide, appliqué.

***1/2


Dry Cleaning: « Slumpwork »

21 octobre 2022

Comme beaucoup de jeunes groupes en 2022, Dry Cleaning a une histoire d’origine difficile à séparer des effets de la pandémie de COVID et des quarantaines associées. Le premier album de l’année dernière, New Long Leg, a été enregistré rapidement et de manière décousue pendant la quarantaine. Aujourd’hui, après des mois de tournée et quelques concerts réussis dans des festivals, ils reviennent avec leur excellent deuxième album, Stumpwork, qui explore les effets de l’isolement, de la connexion et de l’absence de connexion, comme seule la chanteuse Florence Shaw peut le faire.

L’accroche (ou la dissuasion, si vous n’aimez pas le chant parlé) de Dry Cleaning est, comme toujours, la récitation pince-sans-rire de Shaw sur un post-punk à base de guitare. Alors que, dans New Long Leg, l’idée était le crunch, dans Stumpwork l’idée est le jangle. En fait, cette fois-ci, l’ambiance est moins anxieuse, avec plus de textures de clavier et un rythme plus délibéré, sans oublier un grand nombre de mélodies par pouce carré. La chanson « Kwenchy Kups », qui rappelle les années 80 de R.E.M., et « Gary Ashby », le point culminant de l’album, offrent un triple avantage : une mélodie accrocheuse, une progression d’accords cool et un son de guitare génial. La plupart des morceaux sont rapides et précis, mais quelques chansons de la seconde moitié de l’album s’étalent, comme la contemplative « Liberty Log ». Dans l’ensemble, Stumpwork est plus convaincant et plus cohérent que les précédents albums de Dry Cleaning.

Alors oui, le groupe déchire encore mieux sur cet album, mais une fois de plus, la vraie star est Shaw et son ambiance de récital de poésie. Et je veux dire la poésie – ses paroles sont complètement distinctes, obliquement observatrices, et curieusement mesurées. « Weird premise/Weird premise/Staying in my room is what I like to do anyway/If you like this…you may like… » (prémisse bizarre/prémisse bizarre/rester dans ma chambre est ce que j’aime faire de toute façon/si tu aimes ça…). Shaw dit au début de « Liberty Log », qui avec la souris de jeu criée dans « Don’t Press Me » et la ligne « Woah, just killed a giant wolf ! » suggère des paroles portées par le temps passé seule à la maison, à jouer sur PC et à regarder Netflix. Elle a également un don pour l’imagerie absurde (« Je pensais avoir vu un jeune couple s’accrocher à un bébé rond/Mais c’était un tas d’ordures et de nourriture ») et les répliques volontairement inachevées (« Je ne suis pas là pour fournir du vide/Ils peuvent fournir du vide »). Son discours, le plus souvent inaudible, ne conviendra peut-être pas à tout le monde, mais compte tenu de son style lyrique et des arrangements noueux du groupe, il est vraiment cohérent et satisfaisant.

Dry Cleaning n’est peut-être pas mentionné dans le même souffle que d’autres jeunes groupes d’art-rock londoniens comme black midi ou Squid, mais ce serait justice qu’ils le soient. Stumpwork prouve, à cet agard, que le style du combo repose sur de solides assises

***1/2


Holy Fawn: « Dimensional Bleed »

11 septembre 2022

Il y a quatre ans, Holy Fawn s’est présenté à nous grâce à l’ambiance délicate que constituait  «Dark Stone», l’ouverture phénoménale de Death Spell. Aujourd’hui, « Hexsewn » remplit ce rôle pour le deuxième album, et il le fait avec des tons apaisants similaires. Cependant, lorsque «Dark Stone» juxtapose sa tranquillité avec des murs sonores déformés dans les trente secondes, les premiers moments de Dimensional Bleed optent pour respirer plutôt que de s’étouffer. La coupe d’ouverture s’estompe sans établir une structure distincte: au lieu de cela, elle dissout les textures de l’inconfort et du calme dans une structure abstraite de lui-même.
C’est un excellent plan pour Dimensional Bleed, l’un des albums les plus titrés de l’année. Plutôt que de se concentrer sur les moments d’intensité écrasant en ou de développer le don du groupe pour sa splendeur explicite, le disque se déplace latéralement. Le lead single « Death is a Relief » incorpore de magnifiques étincelles et des sections teintées de couleur, mais il y a un sentiment de calme dans la chanson qui semble étrangement désorientant et trompeur. Les synthétiseurs détachés introduisent « Death is a Relief »; les guitares acoustiques déformées signalent sa dissolution, façonnant une juxtaposition efficace. D’une part, l’album se sent organique à travers ses saignées disjointes ; d’autre part, il s’enracine constamment dans plusieurs domaines à la fois par l’incorporation de chaque élément que la bande semble avoir à leur disposition.
En tant que tel, Dimensional Bleed est un record qui exige de la patience. Alors que l’apluction post-métal de « Empty Vials’ et les trois minutes féroces de « Dimensional Bleed » peuvent être relativement immédiates, l’album s’appuie systématiquement sur des subtilités pour ses bénéfices (ou son absence). « Lift Your Head » prend forme à travers un houle éthérée qui souligne son ensemble, nevanissant ni vers l’avant ni reculer. Il ne construit pas ou ne change pas au fur et à mesure que la chanson progresse; au lieu de cela, il fonctionne comme un cadre pour les couches denses que Holy Fawn construit avec soin. De même, l’épopée de sept minutes « Sightless » dépense une bonne partie de son écoulement se prélassant dans des timbres silencieux et imbibés, permettant à la chanson de construire jusqu’à ce qu’elle s’effondre complètement sur elle-même. Cette approche exige et, dans une certaine mesure, toute son attention: la grande houle de la piste est construite autour de subtilités enfouies dans l’excellent mélange – construire un réseau de textures qui aboutit finalement à quelque chose d’aussi abstrait.


Aussi excellents et soigneusement tissés que soient à chaque instant, Dimensional Bleed souffre légèrement de ses propres ambitions nuancées. Alors que Saint Fawn parvient en grande partie à trouver de la force dans un flou constant, les changements exclusivement subtils et les ajustements texturaux de l’enregistrement ne parviennent pas à définir concrètement les chansons comme des entités individuelles. Cela est quelque peu à double tranchant; alors que les saignements dimensionnels de l’album affirment ses thèmes flous et font une expérience explicitement cohésive, il construit également l’expérience de 50 minutes comme un peu impénétrable. Les limites exactes de chaque chanson (et, par extension, l’album) ne sont pas claires; au lieu de cela, il est clair que Holy Fawn laisse chaque porte ouverte.
Heureusement, on peut dire que le groupe ne demande pas la pénétration de la musique. Leur mélange malléable de shoegaze, de post-rock, d’électronique et de black metal existe comme une grande vague qui se profile à l’idée d’être vécue. Dimensional Bleed n’est peut-être pas la déclaration monumentale de sortilèges incarnés, mais elle est certainement capable d’engloutir quiconque veut lui accorder un peu de temps dédié. En outre, il réaffirme la position de Holy Fawn comme l’un des groupes les plus intrigants pour ce qui est la recherche de la tête du son en temps réel et d’une apocalypse dans les paramètres dudit temps.

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Hater: « Sincere »

8 mai 2022

La juxtaposition des mots « haineux » et « sincère » pourrait être un oxymore – ou des synonymes. Ce sont également deux mots qui ont perdu leur véritable signification au milieu de la sphère en ligne des termes mal interprétés et mal utilisés. Hater fait preuve d’une certaine sincérité sur leur troisième album, mais ils semblent réticents à montrer leurs vraies couleurs.

Composé de la chanteuse Caroline Landahl, de Måns Leaonartsson, de Frederick Rundquist et de Rasmus Anderson, le quatuor suédois saupoudre des éléments de noise rock dans son son indie sobre. « Summer Turns to Heartburn » serpente tandis que deux guitares s’entrecroisent musicalement, les musiciens se déplaçant de haut en bas sur le manche. Il y a des éléments fluides de shoegaze qui rendent le côté émotionnel du disque agréable à écouter –  » Bad Luck « , par exemple, aurait sa place sur un album de Clairo ou même de DIIV, malgré le manque relatif de fraîcheur de la côte ouest de Hater.

Ce qui remplace cette ambiance de plage dorée, c’est l’obscurité. Réduit à la basse, la guitare et la batterie, Sincere est un album soigneusement rythmé, mené par la voix de Landahl. Sa voix scandinave rappelle celle d’Agnetha Fältskog, légende d’ABBA, mais ce qui ressort le plus de Sincere, c’est son influence des années 90. Pourtant, l’expansivité créée par les groupes classiques de l’ère shoegaze est absente, Hater faisant preuve d’une grande prudence. L’énergie du groupe atteint son apogée avec le refrain de  » Renew, Reject « , qui dynamise ce morceau, mais ne parvient pas à susciter un véritable élan plus largement. 

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Orange Crate Art: « Contemporary Guitar Music »

31 mars 2022

S’il existe une technique éprouvée pour attirer un certain type d’amateurs de musique vers vos produits, c’est bien celle qui consiste à mettre en avant la nature obscure d’un artiste. Cette approche est applicable dans de nombreux scénarios différents. Si vous êtes un label de réédition, c’est une bonne chose si l’album que vous rééditez a fait l’objet d’un pressage limité à 50 exemplaires pour les amis et la famille en 1969. Si vous essayez d’impressionner vos amis qui pensent avoir tout entendu, dénichez un bootleg d’un groupe qui n’a jamais sorti de musique officielle. Si vous dirigez un label qui publie les nouvelles œuvres d’un artiste actuel, soulignez les longs intervalles entre les albums. Appâtez l’hameçon de la sorte et vous ne tarderez pas à attirer les obsessionnels qui recherchent, tels des junkies de l’audio, leur dernier tube.

On comprend donc la tendance à l’hyperbole dont fait preuve Somewherecold Records à l’occasion de la sortie de Contemporary Guitar Music. « Si vous êtes au courant du contexte, de la mythologie, alors vous saurez que la plupart des œuvres de [Orange Crate Art] n’ont jamais été publiées », affirme le texte accompagnant l’album. Nous sommes certainement intrigués – il y a très peu d’œuvres répertoriées sous Orange Crate Art sur Discogs, alors peut-être y a-t-il un énorme coffre-fort de matériel inédit accumulé au fil des ans. Sauf qu’il y a plus de 20 albums sur la propre page bandcamp du groupe, un mélange d’EPs, d’albums et de bandes sonores. Donc, à moins que nous parlions de niveaux de productivité de Prince, tout ceci indique que la mythologie mentionnée ci-dessus n’est que cela – un mythe.

Pourtant, l’homme de la publicité a fait son travail, et c’est pourquoi vous avez devant vous une critique de Contemporary Guitar Music. Le titre est plutôt prosaïque comparé à certaines des autres sorties d’OCA qui sonnent comme si elles auraient pu être des favoris populaires de Tangerine Dream ou Yes à l’époque, et cela est peut-être dû à un changement de style par rapport à ses autres productions récentes. Les récents EPs d’Orange Crate Art se sont appuyés sur l’attachement de Tobias Bernsand à Brian Wilson, ce qui est compréhensible vu le nom de son groupe ; avant cela, son travail comportait un élément shoegaze plus dépouillé. Cet album est musicalement plus proche de ce dernier, et il conserve un élément chaotique attachant. Comme Bernsand joue toute la musique lui-même, il veut peut-être donner l’impression d’un groupe qui commence à se souder dans une prise live sur le morceau d’ouverture « Stud Phaser ».

« Self-Similarity Fractals » »capture l’essence d’Orange Crate Art sur cet album ; un motif de guitare discipliné tourbillonne sur une guitare basse dubby et une batterie qui passe d’un son de cliquetis serré à la Seefeel à un rythme plus lâche à mi-chemin. Se promenant sur un tempo qu’Andrew Weatherall appelait « drug chug », Bernsand allège ce groove tendu en ajoutant un soupçon de steel drums par-dessus. C’est le stratagème favori des producteurs qui sont aussi des inconditionnels des Beach Boy, et cela fonctionne à merveille. Bernsand se contente de laisser ses morceaux évoluer lentement pendant toute leur durée, et ils prennent leur temps pour le faire – le trio de morceaux d’ouverture dure près de sept minutes chacun. Mais cela lui permet d’orienter occasionnellement l’arrangement dans une autre direction, de laisser la musique se dérouler à peu près comme le ferait un groupe qui improvise. Nous n’avons aucune idée de la façon dont un musicien peut saisir cet esprit, mais nous le félicitons de l’avoir fait.

Bernsand a révélé qu’il s’agit de sa troisième tentative d’enregistrement d’un album pour le label Somewherecold ; cela n’allait pas en 2017 et 2019, mais tout s’est mis en place en juin 2021. Nous ne sommes toujours pas convaincus par les tentatives du label de mythifier les œuvres inédites d’Orange Crate Art, bien qu’il ait fallu attendre cinq ans pour cela, ce qui est peut-être compréhensible. Certes, le titre de l’album n’a pas été retenu – on dirait qu’il s’agit d’un disque de guitare folk acoustique – mais musicalement, l’album ne fait pas fausse route. Bernsand a créé un son vaporeux et hypnotique, tendu mais toujours lâche, parfait pour s’écrouler par une après-midi ensoleillée. Contemporary Guitar Music devrait, espérons-le, permettre à Orange Crate Art de se libérer de l’étiquette d « artiste obscur ».

***1/2


The Neuro Farm: « Vampyre »

30 mars 2022

Vampyre est le troisième opus de The Neuro Farm un groupe de Washington DC, après The Descent (2019) et Ghosts (2014). Si les titres des albums suggèrent l’obscurité et la hantise, c’est tout à fait approprié pour un groupe qui récolte des influences dans le domaine qui contient Joy Division, Radiohead, Nine Inch Nails, Siouxsie and the Banshees, Sigur Ros, Chelsea Wolfe, Portishead et Rammstein.

Composé de Brian Wolff (guitare, voix), Rebekah Feng (violon, voix), DreamrD (batterie) et Tim Phillips (synthétiseur), le violon et le synthétiseur s’efforcent d’apporter des éléments instrumentaux plutôt inhabituels au format, notamment en l’absence d’une basse en direct. Ce n’est certainement pas une impédance (les seules personnes qui s’en prennent à la basse synthétique semblent ironiquement être des fans de The Sisters of Mercy qui n’ont pas tourné la page de 1985 – pour qui boîte à rythmes voulait dire cool et basse synthétique signifiait pas cool).

Chose dite, Vampyre est un album conceptuel, qu’ils expliquent comme suit : notre héroïne titulaire, attirée par la promesse de l’immortalité, se voit imposer cette malédiction par le leader égocentrique d’un culte vampirique. Mais au sein du culte, les désillusions se multiplient et l’héroïne crée ses propres adeptes. Elle finit par rejeter son créateur, se rebellant contre lui et son institution en décomposition. Elle fait un dernier adieu à son mari mortel, se détournant de l’humanité et embrassant sa nouvelle nature. Elle tue son ancien maître lors d’un « massacre de minuit » et se déclare reine.

Même si on est un défenseur des albums plutôt que des collections aléatoires de chansons, on peut avoir parfois du mal avec les albums conceptuels, dans la mesure où suivre une narration est souvent assez difficile. Trop de narration peut être ennuyeux ; trop peu, et vous êtes perdu, vous demandant ce qui se passe. C’est un territoire épineux sur lequel il faut naviguer en toutes circonstances.

« Cain » est, à cet égard, une introduction audacieuse et théâtrale, lespersussions sombres qui roulent et grondent fournissant une toile de fond stoïque à des voix théâtrales et dramatiques. « Feng » n’est pas seulement opératique dans sa prestation, mais elle est soutenue par un arrangement choral complet, puis le violon s’insinue et l’échelle cinématique de la composition se révèle alors dans toute son excentricité.

C’est aussi ce qui va se passer avec «  Purity », un morceau lent qui, en six minutes et demie, se faufile entre le gothique Christian Death de l’ère Rozz, le stoner rock laborieux et le post-rock qui va crescendo.

Le titre « Maker « apporte une touche de grandiloquence, à l’image du « Carmina Burana » de Carl Orff, en passant par divers passages où le ma^îre-mot sera grandeur et où on trouvera, en effet, myriade d’élements à assimiler. Le prog-rock spatial de  » »Enthralled », l’électro industrielle glauque du « single » « Confession » ou la mélancolie chargée de cuivres du métallique « Decay ». Le titre de l’album, guidé par des pianos et des échos, est une sorte de chef-d’œuvre gothique, sombre, ombrageux, avec des voix envolées. Il déborde de qualités épiques qui touchent les centres émotionnels et s’épanouit dans une cascade glorieuse de soleil, où le goth et le post-rock sont en parfaite concordance. Cela ressemble à un final, mais les trois chansons restantes continuent de projeter des atmosphères riches et résonnantes, avec « Midnight Massacre «  qui débarque de manière inattendue sur la fin avec un glam-stomp aux accents lugubres. C’est du vrai rock gothique, parfaitement réalisé.

Le plus souvent, tout ce qui se dit gothique et qui emprunte la voie du vampire » a tendance à être maladroit, ringard et cliché, mais malgré tous ses penchants conceptuels, Vampyre n’est rien de tout cela ; au contraire, c’est comme un plongeon plus sombre et plus gothique dans le domaine des premiers iLiKETRAiNS. Mais par-dessus tout, c’est un exercice varié, imaginatif, dramatique et vraiment spectaculaire.

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Caroline: « Caroline »

21 février 2022

Il semble presque inévitable que le premier album éponyme de Caroline soit comparé aux autres post-rockers britanniques Black Country, New Road. En effet, les deux groupes s’inspirent d’une variété de styles et utilisent les mêmes inflexions vocales sing-speak en vogue ; là où Black Country, New Road s’installe dans un groove post-punk presque jazzy sur des chansons comme « Sunglasses », Caroline joue plus directement son post-rock. Ils ne sont pas très différents, en fait, d’un groupe comme Godspeed You ! Black Emperor, sauf que Caroline a des voix, qui, conformément au genre, sont traitées plus comme une autre texture que comme le point central de la musique.

Le morceau d’ouverture de près de sept minutes « Dark Blue », par exemple, fait plus office de prélude d’introduction que de chanson à part entière – bien qu’il s’agisse évidemment d’un morceau magistral. Il se construit à partir d’un crescendo répétitif, parsemé de violons, jusqu’à ce que le chant arrive, presque comme un chant de «  I want it all », sur des coups de guitare minimalistes ; le groupe ne retrouve jamais cette même énergie pendant le reste de la chanson, laissant à chaque instrument un bref moment pour se lâcher avant de reprendre les choses en main.

Lorsque le morceau suivant, « Good morning (red) », utilise un modèle similaire à un rythme slowcore, le jeu général de Caroline devient clair. Dans les documents de presse précédant la sortie de l’album, le groupe explique que parfois, les choses sonnent beaucoup mieux lorsqu’il y a un espace vide. En effet, Caroline fait amplement usage de cette règle, les chansons tournent en boucle sur elles-mêmes et répètent des éléments encore et encore, en n’apportant que des changements subtils à chaque fois. C’est une stratégie qui récompense la patience, une stratégie bien plus ancrée dans les schémas de transe du post-rock ou du slowcore que dans le post-punk ou le rock indépendant en général ; cela signifie que, peut-être, pour certains auditeurs, Caroline sera un peu un défi, un album qui en dit trop peu et en montre trop. Bien que les comparaisons entre Black Country et New Road soient fréquentes, Caroline est en réalité plus proche d’un groupe comme Balmorhea ou Rachel’s, tant au niveau du son que de l’approche. L’ambient « Engine (eavesdropping) » en est un excellent exemple, un morceau qui prend environ deux minutes entières pour passer d’une percussion extrêmement calme et crachotante à une composition de drones à part entière, avant que des cuivres et une guitare bluesy ne trouvent leur place dans le mélange ; le morceau est cacophonique et désordonné, chaque membre se battant pour noyer les autres à son propre rythme, ce qui donne au morceau un sentiment d’improvisation.

Une grande partie de Caroline nous fait partagr cette sensation, notamment les pseudo-interludes qui interrompent presque tous les autres morceaux du disque. Le groupe a beaucoup parlé de ses influences folkloriques appalachiennes dans les documents de pré-sortie, et des titres comme « messen #7 » et « zilch » sont celles qui les font le plus ressortir. Constituées d’un peu plus que de guitares grattées négligemment et des bruits ambiants de la pièce dans laquelle elles ont été enregistrées, elles confèrent au disque, par ailleurs tentaculaire et presque vertigineux, un sentiment d’intimité.

Mais pour dépasser cette maladresse calculée, des chompositions omme « IWR », le morceau qui accompagnait l’annonce de l’album, ont une accroche presque indescriptible. La chanson se compose presque exclusivement d’une ligne de paroles : « Somehow I was right / all night long », répétée à l’infini tandis que la musique se déplace de façon presque tectonique, passant d’un chant funèbre proche de la musique folklorique à une magnifique explosion de musique classique contemporaine. Le morceau de fin de près de neuf minutes, « Natural Death », est l’apogée de tout cela, un titre qui réimagine la dernière moitié d’Illusory Walls sous la forme d’un folk indé désintégré. C’est le morceau qui met tout le reste de Caroline en perspective, qui réaffirme que chaque morceau précédent était un tremplin vers un point final particulier.

C’est aussi, et ce n’est peut-être pas une coïncidence, le morceau le plus traditionnellement structuré, passant d’un premier couplet ambiant et vocal à un pont passionné dans lequel des giclées de cordes trémolos vont et viennent sur des coups de cymbales et des coups de piano, avant qu’une coda de guitare déchirante ne vienne clore le disque. Voicit une chanson tout à fait impressionnante, qui reprend en miniature tout l’arc du combo, la plus immédiatement captivante. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas l’écouter quelques fois avant de l’entendre, mais une fois qu’elle est là, elle est vraiment là. C’est un rappel qu’il n’y a rien de mal à laisser un peu plus d’espace pour respirer, un peu plus de temps pour s’imprégner. Caroline est un disque qui récompense la patience, et cela, en soi en est une bien belle.

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Saint 44: « Blood on My Guitar »

1 janvier 2022

À l’époque de sa sortie en 2013, l’album Moving Mountains n’a pas fait grand bruit. Son ton sobre et plus endormi en faisait une sortie beaucoup moins immédiatement captivante que leurs précédentes sorties, et le groupe s’est séparé peu après. Dans les années qui ont suivi, l’influence de cet album est devenue évidente. Des groupes comme Overgrow, Seer Believer et Valleyheart se sont inspirés du cadre établi par Moving Mountains et ont expérimenté dans ces limites. Blood on My Guitar, le premier album de Saint 44, est probablement le groupe qui s’est le plus approché de ce son.

Blood on My Guitar n’est pourtant en aucun cas une copie de Moving Mountains ; pour commencer, le groupe de Ian Karoway a beaucoup plus en commun avec la musique traditionnelle des auteurs-compositeurs-interprètes qu’avec le post-rock automnal de Moving Mountains, mais l’influence se fait clairement sentir. C’est dans la voix de Karoway qu’elle est la plus évidente, adoptant un ton râpeux et haletant similaire à celui de Greg Dunn sur cet album, mais ailleurs, des chansons comme « A Bridge Elsewhere » et « The Orchid » s’épanouissent et se déploient d’une manière qui rappelle les crescendos majestueux de « Seasonal » ou « Eastern Leaves ».

Une grande partie du disque, cependant, s’inscrit dans le moule de l’auteur-compositeur-interprète, consistant en un peu plus de voix et de guitare. « Push & Pull » et « First Beach », qui constituent la pièce maîtresse de Blood on My Guitar, sont clairsemés et aériens ; ils ressemblent davantage aux premiers travaux de Noah Gundersen qu’à un projet de groupe. Le fait que les deux morceaux soient dos à dos aurait pu, sur un album plus long, provoquer un affaissement du disque dans sa partie centrale, mais pris en sandwich entre la conclusion explosive de « The Orchid » et le vif « Nail in the Coffin », le morceau le plus optimiste de Blood on My Guitar, ils ne font que donner un peu d’air.

Comme Moving Mountains, Blood on My Guitar peut être considéré comme un disque d’ambiance, qui se consacre surtout à créer et à maintenir une atmosphère de calme cohérente plutôt qu’à loger certaines mélodies dans la tête de l’auditeur ; pour sa variété sonore, l’album s’en tient effectivement à des tempos et des sentiments similaires. Mais là encore, pour un album qui n’atteint même pas une demi-heure, ce n’est pas un inconvénient. C’est plutôt la preuve que Saint 44 excelle dans ce qu’il entreprend. Sa prochaine collection sera certainement encore plus serrée et plus impressionnante – un exploit, car Blood on My Guitar est un merveilleux « debut album ».

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