Death Valley Girls: « Under the Spell of Joy »

6 octobre 2020

Under the Spell of Joy, le dernier album du combo de Los Angeles, Death Valley Girls, oscille entre le psycho rock cosmique des trous noirs et le pop garage lo-fi punchy, alors que le groupe cherche à séduire les anciens fans et les nouveaux venus avec son son sombre mais optimiste.  

Le noyau dur du groupe (la chanteuse et guitariste Bonnie Bloomgarden, le guitariste Larry Schemel, la bassiste Pickle (Nicole Smith) et le batteur Rikki Styxx) est rejoint par le saxophoniste Gabe Flores et le claviériste Gregg Foreman pour les numéros plus langoureux tels que l’introductif « Hypnagogia ». Nommée pour l’espace entre le sommeil et le réveil du saxophone distant qui nous hante, les pulsations de la basse et les orgues sinistres flottent tous autour de nous avant que Bloomgarden, soutenu par un chœur, ne nous éclaire vocalement.

Ce psycho-rock se poursuit sur la chanson titre de la marche tandis que les drones sourds de « Hey Dena » ne vont jamais nulle part de très intéressant, au contraire, plus près « I’d Rather Be Dreaming » est un jam allongé de dynamite qui incorpore avec succès des cris profonds, des guitares floues, et des vampires d’orgue. Le meilleur des morceaux de style spatial est « The Universe », qui prend un ton flottant et léger lorsque l’orgue fait vibrer le morceau avec succès. 

D’un autre côté, le groupe sort également sa marque de goth-pop lo-fi bubblegum. Des titres comme « Hold My Hand », « Bliss Out » et « Little Things » s’inscrivent tous dans cette lignée, tandis que Styxx joue de la batterie, que la guitare de Schemels s’embrouille et que Bloomgarden chante doucement avec une touche de noirceur. « It All Washes Away » donne un coup de fouet à la périphérie du punk tandis que « 10 Day Miracle Challenge » insuffle un peu de Sleater-Kinney dans le dance rock.  

Ces deux styles distincts fonctionnent bien séparément sur l’album et fusionnent sur le final. « Dream Cleaver » emmène la pop et le psychédélique dans un mélange tourbillonnant de beats groovy, de riffs trébuchants et de refrains sur lesquels on peut crier. Under the Spell of Joy donne aux Death Valley Girls la liberté d’explorer et la structure de se resserrer pendant qu’elles dansent ensemble et se trémoussent dans le vide.

***1/2


Yellow Days: « A Day In A Yellow Beat »

22 septembre 2020

Le très attendu deuxième album de Yellow Days est enfin arrivé. L’auteur-compositeur-interprète de A Day In A Yellow Beat a donné sa propre version de « la musique de danse ironique, pleine de vérités déprimantes sur la distance entre amis… », selon les propres termes de George Van den Broek.

Avec des morceaux comme « Who’s There », un délicieux morceau d’influence disco, plein de fanfaronnades, qui parle de son sentiment d’isolement, on comprend aisément pourquoi : « Je me sens un peu drôle, bébé, je ne sais pas pourquoi, je me sens un peu triste, ça se voit dans mes yeux » (I’m feeling kinda funny baby, I don’t know why, I’m feeling kinda sad, you can see it in my eyes). L’atmosphère nostalgique est accentuée par les synthés et les basses qui rappellent quelque chose que vous auriez pu voir sur Soul Train à l’époque.

La chanteuse Shirley Jones des années 70 y participe, ainsi qu’à « Open Your Eyes », accompagné de Nick Walters. Parmi les autres collaborateurs de cet album figurent Bishop Nehru et Mac DeMarco. « The Curs » » avec DeMarco est un morceau psychédélique et sensuel, mais cette collaboration et les talents de DeMarco auraient pu faire plus. Les paroles parlent de se sortir du marasme, il proclame « Je vis dans un état de peur ». J’ai peur du monde, il est temps que je lève la malédiction »(I been livin’ in a state of fear. I been fearin’ the world, bout time I lift the curse.).

Van den Broek a été comparé à DeMarco au cours de l’histoire et le Canadien l’a même choisi comme première partie lors de sa tournée au Royaume-Uni l’année dernière. La spiritualité occupe toujours le devant de la scène, et il y a des influences de Curtis Mayfield, de Marvin Gaye pour n’en citer que quelques-uns, et bien sûr du héros de Van den Broek, Ray Charles. Mais il y a aussi des touches de jazz, de lo-fi, d’indie et, bien sûr, de gospel. « Let’s Be Good To Each Other’ »nous encourage à être, bons les uns envers les autres, un message avec une mélodie inoubliable avec une accroche classique et intemporelleme si elle semble un peu rudimentaire et clichée : « Maintenant les gens peuvent être si cruels, non ils ne semblent pas s’en soucier, non, mais ils devraient » (Now people can be so cruel, no they don’t seem to care, no, but they should).

Van den Broek a également décrit A Day In A Yellow Beat comme une « musique existentielle et joyeuse de crise du millénaire ». Il y a encore des éléments de cette même émotion que l’on retrouve sur son premier album Is Everything Okay In Your World, mais avec des morceaux comme le très funk « Be Free » qui souligne l’importance de la liberté créative sur les ventes de disques et avec des paroles comme « Les gens font de leur mieux pour dominer, mais il faut être libre » (People try their best to supress, but you gotta be free »).

Cet album de 23 titres, qui comprend sept (comptez-les !) intermèdes, est d’une durée d’une heure et vingt minutes. Certains pourraient dire que c’est un peu trop long, mais dans l’ensemble de ce qu’il essaie de réaliser, cela a du sens – à peu près. L’introduction comprend des extraits d’un musicien anonyme qui parle avec lyrisme de l’importance d’avoir un « règne libre » accompagné d’un morceau de muzak facile influencé par le jazz et de la façon dont personne ne lui a dit quoi faire. On sent bien que ce dialogue donne le ton de tout l’album. Il ne s’agit pas de vendre des disques ou d’être numéro 1, mais de la liberté de création. Il ne s’agit pas non plus de vendre des disques ou d’être numéro un, mais de liberté créative. Il s’agit aussi de l’importance d’avoir un son distinctif, ce que Van den Broek s’efforce certainement de réaliser.

A Day In A Yellow Beat est une suite intrigante de son premieropus en 2017, Is Everything OK In Your World, un album à l’âme forte qui aborde des thèmes complexes et mûrs allant de la dépression à la politique. Sans aucun doute, l’angoisse du millénaire est toujours là, mais son son son a mûri et évolué en donnant une impression plus sophistiquée. Cependant, il manque parfois un élément de crudité qui était historiquement présent dans son précédent album. On ne peut cependant pas nier sa qualité de star, ses prouesses à la guitare et bien sûr son chant à la fois émouvant et graveleux qui est à la fois captivant et réconfortant.

***1/2


Coray Flood: « Hanging Garden »

10 septembre 2020

Ce trio indie-pop de Philadelphie Corey Flood, dirigé par Ivy Gray-Klein, aborde ses craintes avec une ambivalence lo-fi.  « Heaven Or », un peu de travers et se dissocie de l’affirmation « Je sais ce que j’ai vu » (I know what I saw), alors que le cacophonique « Slow Bleeder » utilise l’anémie de Gray-Klein comme métaphore de sa peur de l’intimité : « Ça prend du temps / Mais je serai là.» (Takes time / But I’ll be there).

Une certaine nervosité imprègne le premier LP du groupe, qui mène à de nouvelles découvertes musicales – les grooves de samba pulsés, les guitares floues de l’album plus proche « Poppies » – et émotionnelles aussi. Ainsi, comme le chante Gray-Klein sur « Down The Hill » en guise de profession de foi, « Il n’y a pas de honte à l’humilité » (There is no shame in humility).

***


Beverly Tender: « Little Curly​/​Boy is a Bird »

23 juillet 2020

La schizophrénie qui explore et déconstruit le son de votre groupe avec plus d’une douzaine de musiciens est-elle la meilleure façon de créer un album de rupture ? Il n’est pas certain que les membres statiques de Beverly Tender, Molly Hastings et Tristan Brooks, aient eu l’intention de répondre à cette question, mais quel que soit le motif, ils l’ont fait. Leur dernier et apparemment dernier album, Little Curly/boy is a Bird, est un collage de bruits parasites, de chants de chorale, de bois qui pleurent, de synthés chauds, de chants désordonnés et de percussions programmées. Cet album, dont les motifs sont apparemment aléatoires et les divagations d’un étrange personnage connu sous le nom de « Gampy », met en évidence les qualités d’écriture de Beverly Tender et son sens de l’esthétique.

Little Curly/boy est une introduction déstabilisante de Bird, « Foreword by Gampy », et le second morceau, simple et accrocheur, « In an old square where the ocean of the bad weather puts its behind on a sad bench with eyes of rain » (Dans une vieille place où l’océan du mauvais temps pose son derrière sur un triste banc avec des yeux de pluie ), donne le ton à une grande partie de l’album. Il y a une nette différence par rapport à l’approche plus directe adoptée pour leurs efforts précédents. Nulle part ailleurs cela n’est plus évident que «  On the moon, a quiet asteroid pelting. Looking back, prognosis badsoes » (Sur la lune, un astéroïde silencieux qui s’éclate).  « Looking back, prognosis badsoes », qui est une reprise de « Theme from Beverly Tender », une chanson de l’album What Have You Done To My Water de 2017. Avec cette nouvelle incarnation, ils démontrent pleinement leur retrait de l’arrangement standard des « groupes de rock » (guitare, basse, batterie et chant) – et ce, avec un effet remarquable.

La divergence de Beverly Tender par rapport à ce format active une partie de l’énergie jusqu’alors inexploitée du groupe. L’interaction et la communication solides entre les instruments, qui apportaient profondeur et dynamisme à leur ancien matériel, ont été remplacées par des percussions numériques discordantes et des interjections incongrues de synthétiseurs. S’alignant sur ces particularités, les mélodies vocales deviennent frénétiques et erratiques mais ne manquent jamais de suivre le rythme et l’irrégularité de l’instrumentation.

La meilleure exploration de cette nouvelle approche est peut-être le morceau « Leaky, omnipresent voice in the sewers ». Une instruction. Une recette ? En soi, il s’agit d’un microcosme de l’album entier. « Leaky… » commence par un riff de guitare intense accompagné d’une batterie puissante et de cris absurdes (hurlant une séquence binaire) qui se poursuit rapidement dans une section plus lyrique et staccato. Le groupe construit et décompose magistralement le morceau jusqu’à ce qu’il se détériore en un paysage sonore doux et synthétisé, qui bien sûr ramène à la frénésie et au désespoir excité du riff d’ouverture original. Cela démontre la capacité polyvalente de Beverly Tender à être extrêmement puissante et vulnérable, souvent simultanément.

Little Curly/boy is a Bird est un étrange et magnifique hochet de la mort, une banque de données corrompue de souvenirs et de mélodies. Son énergie bruyante s’accumule rapidement tout au long des premiers morceaux et refuse de s’éteindre. Même les chansons les plus courtes et les plus expérimentales maintiennent cet élan. Bien que l’album soit malheureusement le dernier que nous entendions du projet, ils nous ont sans aucun doute laissé leur création la plus diverse et la plus sophistiquée à ce jour. Tout comme avec la mort de Gampy, Beverly Tender a finalement voyagé au plus profond de la dissolution du groupe.

***1/2


Goldray: « Feel The Change »

5 juillet 2020

L’album Rising de Goldray, sorti en 2017, a été une formidable fête de la psychologie. Preuve que la foudre peut frapper deux fois, Kenwyn House et Leah Rasmussen sont de retour avec un formidable deuxième album dans Feel The Change.

Feel The Change rassemble huit nouvelles chansons écrites par House et Rasmussen et coproduites par Pedro Ferreira (The Darkness, Therapy ?, Enter Shikari, Meatloaf, David Gray) aux studios Spineroad de Göteborg. Progression ? Eh bien, on nous promet une progression plus lourde tout en restant en contact avec leurs racines psychiques.

Il est difficile d’argumenter alors que les mitraillettes d’Oz sont bien plus longues que sept minutes, la guitare House alternant entre riffs trapus et solos de forme libre alors que Rasmussen tient le tribunal pendant sept minutes qui pulsent et hypnotisent. Tous deux sont probablement parés de velours et de brillants vêtements pour ajouter l’élément visuel essentiel à la musique. Il y a un sentiment inhabituel que vous pourriez rencontrer How Soon Is Now avec la pulsation, mais pas pour longtemps. C’est une introduction aussi puissante que vous le souhaiteriez et un autre bel exemple d’introduction à une nouvelle série de chansons avec une démonstration de force. Sept minutes qui valent à elles seules le prix d’entrée proverbial.

Pour ne pas faire une overdose de bonnes choses, la chanson titre offre un comedown car elle évoque un Fleetwood Mac de l’époque  Stevie Nicks, particulièrement au niveau du refrain. Cela dit, il est peu probable que vous entendiez le Mac changer de vitesse dans la coda hard rock qui est présentée ici… « Tenez la lumière et sentez-vous vivant à l’intérieur. »

« Why The Forest » est divisé en deux parties, avec la soul bluesy, presque gospel, dans la première partie. Ont-ils avalé des Blue(s) Pills ? Il se transforme en un riff classique de style Zep/Sabbath qui frappe avec force dans la deuxième partie, ainsi qu’en un solo House inspirant qui se détache et qui colle deux doigts à ceux qui essaient de jouer la carte de la « branlette à la guitare ». C’est une musique brillante qui nous berce inévitablement avec une facilité et une douceur inattendues.

Avec un peu de chance, vous écoutez sur un disque vinyle car le fait de se lever et de retourner le plateau donne un bref répit à un côté étonnant. Et ce n’est pas tout, car le duo mélange encore une fois des arrangements expérimentaux psychologiques et prog. Oui, ils s’inspirent peut-être énormément de la fin des années 60 et du début des années 70, mais nous sommes en 202 et il est très agréable d’entendre la flamboyance de Goldray au centre d’une scène psycho rock vibrante.

D’autres de la même trempe ? Pouvez-vous prendre encore une seule pastille de menthe ? How Do You Know pourrait bien nettoyer la palette pour les pulsations de The Beat Inside alors que House met en place un riff insistant qui ne fait que serpenter et groover. L’apparition d’une guitare acoustique sur Come On nous entraîne dans une éloquence rêveuse sans aucun relâchement de l’intensité. Juste une touche plus légère.

Il n’y a pas un seul morceau de duff sur Feel The Change. Pas un seul instant de perdu. Vous avez déjà pensé qu’ils avaient arrêté de faire de la musique comme ça ? Il est temps de le réaliser. Feel The Change est un chef d’oeuvre de blues-rock psychédélique.

***1/2


Holy Wave: « Interloper »

4 juillet 2020

Formée à l’origine à El Paso, TX, Holy Wave s’est installée à Austin,Texas en 2008. Et ce n’est pas étonnant, car Austin est un haut lieu du rock psychédélique. Les 13th Floor Elevators ont été le premier groupe à qualifier leur musique de « rock psychédélique » et des groupes comme The Black Angels, The Octopus Project, Golden Dawn Arkestra, Holy Wave et bien d’autres ont maintenu cette tradition en vie dans l’autoproclamée « Capitale mondiale de la musique vivante ». En combinant des sons de surf rock, des chants de groupe et des riffs de bourdonnement avec du rock psychédélique, les membres multi-instrumentistes de Holy Wave ont créé un son unique qui captive l’auditeur sur chaque album. Avec leur cinquième sortie en studio, Interloper, Holy Wave ajoute de nouvelles couches à leurs chansons, tant sur le plan musical que sur le plan des paroles.

Interloper est un album qui traite de la dualité de la vie sur la route et à la maison. L’ouverture de l’album, « Schmetterling », immerge instantanément l’auditeur dans des synthés tourbillonnants et aériens qui donnent un sentiment d’être à l’air libre et rayonnent d’une aura d’optimisme. Le deuxième morceau, « R&B », sonne comme une combinaison des Beach Boys et de Spiritualized avec ses vibrations de surf rock. Des paroles simplistes telles que « I knew I wanted to be with you when you kissed me » et « I take you everywhere I go by the hand/or in my mind » ajoutent une touche Beach Boys au morceau. Ce sentiment d’amour jeune est juxtaposé sur le morceau « No Love », qui véhicule des sentiments de regret opposés.« »No love/No feeling at all» est chanté sur un air plus bourdonnant qui se termine par un solo de saxophone grinçant qui draine un sentiment de mélancolie. Le morceau offre des synthés cinématographiques qui s’ajoutent à la pop de rêve de Holy Waves qui rappelle les débuts de Pink Floyd. « Buddhist Pete » est le point culminant de l’album, avec un rythme entraînant qui laisse l’album plus calme « Redhead » à l’auditeur pour qu’il se remette avec ses synthés pensifs et son chant bourdonnant.

Interloper prouve que Holy Wave continue à développer et à affiner ses arrangements et son écriture, et devient de plus en plus un groupe avec lequel il faut compter. Il est également intéressant de noter qu’Interloper a une absence notable de guitares au premier plan. Ce n’est pas qu’elles soient complètement absentes, elles sont juste en arrière-plan pendant la plus grande partie de l’album et servent à ajouter de la texture plutôt qu’à donner de l’élan à la chanson. A grâce à  Interloper, Holy Wave a fait de grands progrès et, comme ils ont déclaré que cet album est un peu expérimental, on peut dire sans risque que l’expérience a fonctionné.

***1/2


Art Feynman: « Half Price at 3:30 »

4 juillet 2020

Art Feynman est l’alter ego plus grand que nature de l’auteur-compositeur-interprète Luke Temple. Sur la pochette de son deuxième album, il se cache coquettement derrière une paire de lunettes de soleil en forme de cœur. La pochette est une copie carbone de Sally Can’t Dance (1974) de Lou Reed, teintée d’une touche de Lolita (1962) de Kubrick – sulfureuse et douce.

Cet album scintille comme un rêve pailleté de lustre et de morosité. Il passe à toute vitesse de la pop synthé sombre et minimaliste au glamour psychédélique en passant par la pop pure – me rappelant tour à tour Kevin Ayers et Bill Nelson. On dirait que le punk n’est jamais arrivé (pour citer Dave Rimmer), une vision tremblante du passé futur. Cependant, malgré toute l’ironie de la chose, cette fabrication rétrofuturiste dégage toujours une véritable chaleur spirituelle.

***1/2


Psychic Markers: « Psychic Markers »

7 juin 2020

Lorsqu’un groupe décide de sortir un album éponyme, et que ce n’est pas leur premier, c’est signe qu’ils cherchent une sorte de rupture nette, un changement, un nouveau départ. Cela pourrait être le cas de Psychic Markers, un groupe multinational qui a décidé de faire de son troisième album un disque éponyme.

Qu’est-ce qui pourrait provoquer ce changement et comment cela affecte-t-il le son du combo ? Comme l’explique Steven Dove, l’un des leaders du groupe, l’une des influences clés de l’album, de son thème et de son son est le lien avec le fait que le groupe a été pris dans une grosse tempête de sable lors d’un road trip aux États-Unis.  « Ces choses-là ont un impact sur vous », dit-il. « J’ai pensé à la nature humaine, à notre propension à l’erreur, à l’imperfection et aux implications d’une prise de décision réactionnaire ».

Des pensées profondes. Très souvent, cependant, cela ne se reflète pas beaucoup sur le son qui est présenté aux auditeurs. Mais cette fois-ci, Dove, Dufficy et le reste du groupe ont étayé leurs grands mots par des changements substantiels dans leur son.

Ils n’ont donc pas complètement abandonné leurs racines psychédéliques mais ont décidé d’y ajouter des couches d’électronique. Certains pourraient faire des comparaisons avec le dernier né de Tame Impala. D’une certaine manière, c’est la même chose mais c’est très différent. Si cela a un sens.

Ce que Psychic Markers ont fait, c’est varier leur son. Ils ont évidemment ingéré pas mal de Krautrock entre-temps. « Silence In The Room » pourrait, à cet égard, certainement être vu/entendu comme un hommage psychologique à Kraftwerk, et « Enveloping Cycles » est un morceau inédit de Harmonia/Michael Rother, avec des voix en prime. Ailleurs, « Pulse » et « Sacred Geometry » comprennent certainement de l’électronique mais sont pleins de sons que ceux qui sont conscients des marqueurs psychiques d’avant connaissent mieux.

L’expérience de Psychic Markers dans la vie réelle a profondément influencé leur son, sans vraiment les éloigner de leurs racines psychiques, et c’est tant mieux.

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Brigid Dawson & The Mothers Network: « Ballet of Apes »

31 mai 2020

Les années Brigid Dawson de Thee Oh Sees ont été parmi les plus belles que le groupe de longue date ait eu à offrir. Bien qu’elle soit toujours une collaboratrice fréquente (mais plus un membre principal), il faut mentionner que sa présence a toujours amélioré le groupe, en offrant des voix et des touches et une touche légèrement plus raffinée à l’étrange spectacle de punk garage toujours changeant (ceci est un compliment). Aujourd’hui, après toutes ces années, Dawson a sorti son premier album solo, Ballet of Apes, sous le grand nom de Brigid Dawson & The Mothers Network. Bien que l’intrigue ait fait de ce disque l’un de nos plus attendus, l’album est tout à fait brillant, un joyau intemporel d’un début qui s’améliore à chaque écoute.

Enregistré avec la contribution de Mike Donovan (Peacers, Sic Alps), Mikey Young (Eddy Current, Total Control) et Sunwatchers, il y a une vieille âme dans le Ballet des singes, mais un son qui refuse de rester immobile, canalisant un psychisme floral, un folk acide, une âme réverbérante et une ballade caustique. Chaque chanson évolue dans un espace et un temps qui lui sont propres, la voix magnifique de Dawson et son écriture contemplative étant le fil conducteur qui relie le tout. C’est l’un des meilleurs disques néo psychédéliques de l’année.

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Elephant Tree: « Habits »

3 mai 2020

Habits est le genre de disque addictif qui, dès la première écoute, déclencherait d’approfondir les raisons pour lesquelle il suscite une telle déclaration. Tout d’abord, ce disque a été qualifié de « doom » ou de « stoner », car le premier album éponyme d’Elephant Tree s’il était extrêmement lourd, était également accompagné de mélodies et d’une bonne dose de blues. Mais l’étiquette va bien sûr rebuter beaucoup de gens parce qu’elle peut être un peu définitive. Deuxièmement, c’est le premier effort du groupe qui affichecette réputation de chansons turbulentes du chaos sonique bruyant avec lequel jeunes frères et sœurs sèement la zizanie chez les membres plus âgés de leur famille.

Si on considère cet album comme une passerelle vers tout ce qui précède on pourradéfier quiconque aime la musique de ne pas aimer ces airs. La combinaison de la mélodie, de la lourdeur et de la psychédélie a peut-être déjà été essayée mais rarement a-t-on fait en sorte qu’elle sonne si fraîche et édifiante.

« Sails », la première véritable chanson – l’intro, « Wake.Repea » », est une sorte de battement de coeur à la Dark Side of the Moon – a un refrain qui vous ouvre grand le coeur, tandis que « Faceless », qui suit, a une belle ligne mélodique qui est presque impossible à sortir de votre tête. Puis il y a « Bird », qui s’élève aussi haut que son nom l’indique.

Les sons de guitare peuvent être doux et profonds et la basse peut être riche et souple, entraînée par une grosse caisse qui se profile à l’horizon et soutenue par des claviers occasionnels. Ensemble, ils évoquent des riffs à mourir. Mais au-dessus du mur du son, il y a des voix harmonisées qui sont accordées et fragiles, dans le bon sens du terme – comme ces battements de cœur de la fin des années 1960 qui semblaient déterminés à se frayer un chemin à travers la psychedelia envahissante.

Et pour compléter le tout, les chansons sont si bien assemblées. Leur premier album était très bon mais l’écriture des chansons est ici à des années-lumière de ce qu’ils ont produit précédemment. On a l’impression que si Elephant Tree n’était pas tombé dans lun trou d’anonymat, leurs mélodies feraient la joie des fans de pop. Sérieusement.

Prenez « Exit the Soul » »comme exemple. Il n’est pas aussi accrocheur que les morceaux susmentionnés, mais il a un riff apaisant qui est l’incarnation d’un grand géant sympathique. Il vous fera sursauter lorsqu’il se glissera dans vos oreilles, mais une fois qu’il est là et qu’il s’est installé confortablement, il est clair qu’il ne veut pas faire de mal, même s’il se décompose en un rythme d’escargot. Et si ce chiffre ne suffit pas à vous convaincre que ces gars savent comment écrire un morceau, la chanson acoustique « The Fall Chorus » fera l’affaire. C’est une chanson magnifique, avec une coda folklorique cool et mélancolique qui fait appel à un violon. Elle vous transporte dans un pays mythique de patchouli et de velours, de cheveux longs et de doux hallucinogènes.

L’album se termine par les deux plus lourdes des huit chansons. « Wasted » plonge dans les recoins de la psychchedelia, avec des solos prolongés, des voix filtrées et des paroles comme celle-ci : « Je perds mon temps à essayer de trouver une raison de rimer, une raison pour laquelle des choses étranges se produisent dans mon esprit. » (I am wasting my time, trying to find a reason to rhyme, a reason why strange things are happening in my mind). C’est une chanson énorme et elle met en valeur tout ce qui est étonnant dans cet album : non seulement le ton et la mélodie, mais aussi la façon dont elle est à la fois lourde et édifiante, sans effort.

« Broken Nails », quant à elle, est surtout instrumentale et très, très sombre. Il s’agit d’un bon contrepoint à la mélodie que l’on retrouve ailleurs, car il s’agit de riffs. Et de l’effrayant. Mais ne vous laissez pas effrayer. Retournez au début et enveloppez-vous à nouveau dans l’album. Croyez-le, vous aurez envie de le faire encore et encore.

***1/2