Beverly Tender: « Little Curly​/​Boy is a Bird »

La schizophrénie qui explore et déconstruit le son de votre groupe avec plus d’une douzaine de musiciens est-elle la meilleure façon de créer un album de rupture ? Il n’est pas certain que les membres statiques de Beverly Tender, Molly Hastings et Tristan Brooks, aient eu l’intention de répondre à cette question, mais quel que soit le motif, ils l’ont fait. Leur dernier et apparemment dernier album, Little Curly/boy is a Bird, est un collage de bruits parasites, de chants de chorale, de bois qui pleurent, de synthés chauds, de chants désordonnés et de percussions programmées. Cet album, dont les motifs sont apparemment aléatoires et les divagations d’un étrange personnage connu sous le nom de « Gampy », met en évidence les qualités d’écriture de Beverly Tender et son sens de l’esthétique.

Little Curly/boy est une introduction déstabilisante de Bird, « Foreword by Gampy », et le second morceau, simple et accrocheur, « In an old square where the ocean of the bad weather puts its behind on a sad bench with eyes of rain » (Dans une vieille place où l’océan du mauvais temps pose son derrière sur un triste banc avec des yeux de pluie ), donne le ton à une grande partie de l’album. Il y a une nette différence par rapport à l’approche plus directe adoptée pour leurs efforts précédents. Nulle part ailleurs cela n’est plus évident que «  On the moon, a quiet asteroid pelting. Looking back, prognosis badsoes » (Sur la lune, un astéroïde silencieux qui s’éclate).  « Looking back, prognosis badsoes », qui est une reprise de « Theme from Beverly Tender », une chanson de l’album What Have You Done To My Water de 2017. Avec cette nouvelle incarnation, ils démontrent pleinement leur retrait de l’arrangement standard des « groupes de rock » (guitare, basse, batterie et chant) – et ce, avec un effet remarquable.

La divergence de Beverly Tender par rapport à ce format active une partie de l’énergie jusqu’alors inexploitée du groupe. L’interaction et la communication solides entre les instruments, qui apportaient profondeur et dynamisme à leur ancien matériel, ont été remplacées par des percussions numériques discordantes et des interjections incongrues de synthétiseurs. S’alignant sur ces particularités, les mélodies vocales deviennent frénétiques et erratiques mais ne manquent jamais de suivre le rythme et l’irrégularité de l’instrumentation.

La meilleure exploration de cette nouvelle approche est peut-être le morceau « Leaky, omnipresent voice in the sewers ». Une instruction. Une recette ? En soi, il s’agit d’un microcosme de l’album entier. « Leaky… » commence par un riff de guitare intense accompagné d’une batterie puissante et de cris absurdes (hurlant une séquence binaire) qui se poursuit rapidement dans une section plus lyrique et staccato. Le groupe construit et décompose magistralement le morceau jusqu’à ce qu’il se détériore en un paysage sonore doux et synthétisé, qui bien sûr ramène à la frénésie et au désespoir excité du riff d’ouverture original. Cela démontre la capacité polyvalente de Beverly Tender à être extrêmement puissante et vulnérable, souvent simultanément.

Little Curly/boy is a Bird est un étrange et magnifique hochet de la mort, une banque de données corrompue de souvenirs et de mélodies. Son énergie bruyante s’accumule rapidement tout au long des premiers morceaux et refuse de s’éteindre. Même les chansons les plus courtes et les plus expérimentales maintiennent cet élan. Bien que l’album soit malheureusement le dernier que nous entendions du projet, ils nous ont sans aucun doute laissé leur création la plus diverse et la plus sophistiquée à ce jour. Tout comme avec la mort de Gampy, Beverly Tender a finalement voyagé au plus profond de la dissolution du groupe.

***1/2

Goldray: « Feel The Change »

L’album Rising de Goldray, sorti en 2017, a été une formidable fête de la psychologie. Preuve que la foudre peut frapper deux fois, Kenwyn House et Leah Rasmussen sont de retour avec un formidable deuxième album dans Feel The Change.

Feel The Change rassemble huit nouvelles chansons écrites par House et Rasmussen et coproduites par Pedro Ferreira (The Darkness, Therapy ?, Enter Shikari, Meatloaf, David Gray) aux studios Spineroad de Göteborg. Progression ? Eh bien, on nous promet une progression plus lourde tout en restant en contact avec leurs racines psychiques.

Il est difficile d’argumenter alors que les mitraillettes d’Oz sont bien plus longues que sept minutes, la guitare House alternant entre riffs trapus et solos de forme libre alors que Rasmussen tient le tribunal pendant sept minutes qui pulsent et hypnotisent. Tous deux sont probablement parés de velours et de brillants vêtements pour ajouter l’élément visuel essentiel à la musique. Il y a un sentiment inhabituel que vous pourriez rencontrer How Soon Is Now avec la pulsation, mais pas pour longtemps. C’est une introduction aussi puissante que vous le souhaiteriez et un autre bel exemple d’introduction à une nouvelle série de chansons avec une démonstration de force. Sept minutes qui valent à elles seules le prix d’entrée proverbial.

Pour ne pas faire une overdose de bonnes choses, la chanson titre offre un comedown car elle évoque un Fleetwood Mac de l’époque  Stevie Nicks, particulièrement au niveau du refrain. Cela dit, il est peu probable que vous entendiez le Mac changer de vitesse dans la coda hard rock qui est présentée ici… « Tenez la lumière et sentez-vous vivant à l’intérieur. »

« Why The Forest » est divisé en deux parties, avec la soul bluesy, presque gospel, dans la première partie. Ont-ils avalé des Blue(s) Pills ? Il se transforme en un riff classique de style Zep/Sabbath qui frappe avec force dans la deuxième partie, ainsi qu’en un solo House inspirant qui se détache et qui colle deux doigts à ceux qui essaient de jouer la carte de la « branlette à la guitare ». C’est une musique brillante qui nous berce inévitablement avec une facilité et une douceur inattendues.

Avec un peu de chance, vous écoutez sur un disque vinyle car le fait de se lever et de retourner le plateau donne un bref répit à un côté étonnant. Et ce n’est pas tout, car le duo mélange encore une fois des arrangements expérimentaux psychologiques et prog. Oui, ils s’inspirent peut-être énormément de la fin des années 60 et du début des années 70, mais nous sommes en 202 et il est très agréable d’entendre la flamboyance de Goldray au centre d’une scène psycho rock vibrante.

D’autres de la même trempe ? Pouvez-vous prendre encore une seule pastille de menthe ? How Do You Know pourrait bien nettoyer la palette pour les pulsations de The Beat Inside alors que House met en place un riff insistant qui ne fait que serpenter et groover. L’apparition d’une guitare acoustique sur Come On nous entraîne dans une éloquence rêveuse sans aucun relâchement de l’intensité. Juste une touche plus légère.

Il n’y a pas un seul morceau de duff sur Feel The Change. Pas un seul instant de perdu. Vous avez déjà pensé qu’ils avaient arrêté de faire de la musique comme ça ? Il est temps de le réaliser. Feel The Change est un chef d’oeuvre de blues-rock psychédélique.

***1/2

Holy Wave: « Interloper »

Formée à l’origine à El Paso, TX, Holy Wave s’est installée à Austin,Texas en 2008. Et ce n’est pas étonnant, car Austin est un haut lieu du rock psychédélique. Les 13th Floor Elevators ont été le premier groupe à qualifier leur musique de « rock psychédélique » et des groupes comme The Black Angels, The Octopus Project, Golden Dawn Arkestra, Holy Wave et bien d’autres ont maintenu cette tradition en vie dans l’autoproclamée « Capitale mondiale de la musique vivante ». En combinant des sons de surf rock, des chants de groupe et des riffs de bourdonnement avec du rock psychédélique, les membres multi-instrumentistes de Holy Wave ont créé un son unique qui captive l’auditeur sur chaque album. Avec leur cinquième sortie en studio, Interloper, Holy Wave ajoute de nouvelles couches à leurs chansons, tant sur le plan musical que sur le plan des paroles.

Interloper est un album qui traite de la dualité de la vie sur la route et à la maison. L’ouverture de l’album, « Schmetterling », immerge instantanément l’auditeur dans des synthés tourbillonnants et aériens qui donnent un sentiment d’être à l’air libre et rayonnent d’une aura d’optimisme. Le deuxième morceau, « R&B », sonne comme une combinaison des Beach Boys et de Spiritualized avec ses vibrations de surf rock. Des paroles simplistes telles que « I knew I wanted to be with you when you kissed me » et « I take you everywhere I go by the hand/or in my mind » ajoutent une touche Beach Boys au morceau. Ce sentiment d’amour jeune est juxtaposé sur le morceau « No Love », qui véhicule des sentiments de regret opposés.« »No love/No feeling at all» est chanté sur un air plus bourdonnant qui se termine par un solo de saxophone grinçant qui draine un sentiment de mélancolie. Le morceau offre des synthés cinématographiques qui s’ajoutent à la pop de rêve de Holy Waves qui rappelle les débuts de Pink Floyd. « Buddhist Pete » est le point culminant de l’album, avec un rythme entraînant qui laisse l’album plus calme « Redhead » à l’auditeur pour qu’il se remette avec ses synthés pensifs et son chant bourdonnant.

Interloper prouve que Holy Wave continue à développer et à affiner ses arrangements et son écriture, et devient de plus en plus un groupe avec lequel il faut compter. Il est également intéressant de noter qu’Interloper a une absence notable de guitares au premier plan. Ce n’est pas qu’elles soient complètement absentes, elles sont juste en arrière-plan pendant la plus grande partie de l’album et servent à ajouter de la texture plutôt qu’à donner de l’élan à la chanson. A grâce à  Interloper, Holy Wave a fait de grands progrès et, comme ils ont déclaré que cet album est un peu expérimental, on peut dire sans risque que l’expérience a fonctionné.

***1/2

Art Feynman: « Half Price at 3:30 »

Art Feynman est l’alter ego plus grand que nature de l’auteur-compositeur-interprète Luke Temple. Sur la pochette de son deuxième album, il se cache coquettement derrière une paire de lunettes de soleil en forme de cœur. La pochette est une copie carbone de Sally Can’t Dance (1974) de Lou Reed, teintée d’une touche de Lolita (1962) de Kubrick – sulfureuse et douce.

Cet album scintille comme un rêve pailleté de lustre et de morosité. Il passe à toute vitesse de la pop synthé sombre et minimaliste au glamour psychédélique en passant par la pop pure – me rappelant tour à tour Kevin Ayers et Bill Nelson. On dirait que le punk n’est jamais arrivé (pour citer Dave Rimmer), une vision tremblante du passé futur. Cependant, malgré toute l’ironie de la chose, cette fabrication rétrofuturiste dégage toujours une véritable chaleur spirituelle.

***1/2

Psychic Markers: « Psychic Markers »

Lorsqu’un groupe décide de sortir un album éponyme, et que ce n’est pas leur premier, c’est signe qu’ils cherchent une sorte de rupture nette, un changement, un nouveau départ. Cela pourrait être le cas de Psychic Markers, un groupe multinational qui a décidé de faire de son troisième album un disque éponyme.

Qu’est-ce qui pourrait provoquer ce changement et comment cela affecte-t-il le son du combo ? Comme l’explique Steven Dove, l’un des leaders du groupe, l’une des influences clés de l’album, de son thème et de son son est le lien avec le fait que le groupe a été pris dans une grosse tempête de sable lors d’un road trip aux États-Unis.  « Ces choses-là ont un impact sur vous », dit-il. « J’ai pensé à la nature humaine, à notre propension à l’erreur, à l’imperfection et aux implications d’une prise de décision réactionnaire ».

Des pensées profondes. Très souvent, cependant, cela ne se reflète pas beaucoup sur le son qui est présenté aux auditeurs. Mais cette fois-ci, Dove, Dufficy et le reste du groupe ont étayé leurs grands mots par des changements substantiels dans leur son.

Ils n’ont donc pas complètement abandonné leurs racines psychédéliques mais ont décidé d’y ajouter des couches d’électronique. Certains pourraient faire des comparaisons avec le dernier né de Tame Impala. D’une certaine manière, c’est la même chose mais c’est très différent. Si cela a un sens.

Ce que Psychic Markers ont fait, c’est varier leur son. Ils ont évidemment ingéré pas mal de Krautrock entre-temps. « Silence In The Room » pourrait, à cet égard, certainement être vu/entendu comme un hommage psychologique à Kraftwerk, et « Enveloping Cycles » est un morceau inédit de Harmonia/Michael Rother, avec des voix en prime. Ailleurs, « Pulse » et « Sacred Geometry » comprennent certainement de l’électronique mais sont pleins de sons que ceux qui sont conscients des marqueurs psychiques d’avant connaissent mieux.

L’expérience de Psychic Markers dans la vie réelle a profondément influencé leur son, sans vraiment les éloigner de leurs racines psychiques, et c’est tant mieux.

***

Brigid Dawson & The Mothers Network: « Ballet of Apes »

Les années Brigid Dawson de Thee Oh Sees ont été parmi les plus belles que le groupe de longue date ait eu à offrir. Bien qu’elle soit toujours une collaboratrice fréquente (mais plus un membre principal), il faut mentionner que sa présence a toujours amélioré le groupe, en offrant des voix et des touches et une touche légèrement plus raffinée à l’étrange spectacle de punk garage toujours changeant (ceci est un compliment). Aujourd’hui, après toutes ces années, Dawson a sorti son premier album solo, Ballet of Apes, sous le grand nom de Brigid Dawson & The Mothers Network. Bien que l’intrigue ait fait de ce disque l’un de nos plus attendus, l’album est tout à fait brillant, un joyau intemporel d’un début qui s’améliore à chaque écoute.

Enregistré avec la contribution de Mike Donovan (Peacers, Sic Alps), Mikey Young (Eddy Current, Total Control) et Sunwatchers, il y a une vieille âme dans le Ballet des singes, mais un son qui refuse de rester immobile, canalisant un psychisme floral, un folk acide, une âme réverbérante et une ballade caustique. Chaque chanson évolue dans un espace et un temps qui lui sont propres, la voix magnifique de Dawson et son écriture contemplative étant le fil conducteur qui relie le tout. C’est l’un des meilleurs disques néo psychédéliques de l’année.

****

Elephant Tree: « Habits »

Habits est le genre de disque addictif qui, dès la première écoute, déclencherait d’approfondir les raisons pour lesquelle il suscite une telle déclaration. Tout d’abord, ce disque a été qualifié de « doom » ou de « stoner », car le premier album éponyme d’Elephant Tree s’il était extrêmement lourd, était également accompagné de mélodies et d’une bonne dose de blues. Mais l’étiquette va bien sûr rebuter beaucoup de gens parce qu’elle peut être un peu définitive. Deuxièmement, c’est le premier effort du groupe qui affichecette réputation de chansons turbulentes du chaos sonique bruyant avec lequel jeunes frères et sœurs sèement la zizanie chez les membres plus âgés de leur famille.

Si on considère cet album comme une passerelle vers tout ce qui précède on pourradéfier quiconque aime la musique de ne pas aimer ces airs. La combinaison de la mélodie, de la lourdeur et de la psychédélie a peut-être déjà été essayée mais rarement a-t-on fait en sorte qu’elle sonne si fraîche et édifiante.

« Sails », la première véritable chanson – l’intro, « Wake.Repea » », est une sorte de battement de coeur à la Dark Side of the Moon – a un refrain qui vous ouvre grand le coeur, tandis que « Faceless », qui suit, a une belle ligne mélodique qui est presque impossible à sortir de votre tête. Puis il y a « Bird », qui s’élève aussi haut que son nom l’indique.

Les sons de guitare peuvent être doux et profonds et la basse peut être riche et souple, entraînée par une grosse caisse qui se profile à l’horizon et soutenue par des claviers occasionnels. Ensemble, ils évoquent des riffs à mourir. Mais au-dessus du mur du son, il y a des voix harmonisées qui sont accordées et fragiles, dans le bon sens du terme – comme ces battements de cœur de la fin des années 1960 qui semblaient déterminés à se frayer un chemin à travers la psychedelia envahissante.

Et pour compléter le tout, les chansons sont si bien assemblées. Leur premier album était très bon mais l’écriture des chansons est ici à des années-lumière de ce qu’ils ont produit précédemment. On a l’impression que si Elephant Tree n’était pas tombé dans lun trou d’anonymat, leurs mélodies feraient la joie des fans de pop. Sérieusement.

Prenez « Exit the Soul » »comme exemple. Il n’est pas aussi accrocheur que les morceaux susmentionnés, mais il a un riff apaisant qui est l’incarnation d’un grand géant sympathique. Il vous fera sursauter lorsqu’il se glissera dans vos oreilles, mais une fois qu’il est là et qu’il s’est installé confortablement, il est clair qu’il ne veut pas faire de mal, même s’il se décompose en un rythme d’escargot. Et si ce chiffre ne suffit pas à vous convaincre que ces gars savent comment écrire un morceau, la chanson acoustique « The Fall Chorus » fera l’affaire. C’est une chanson magnifique, avec une coda folklorique cool et mélancolique qui fait appel à un violon. Elle vous transporte dans un pays mythique de patchouli et de velours, de cheveux longs et de doux hallucinogènes.

L’album se termine par les deux plus lourdes des huit chansons. « Wasted » plonge dans les recoins de la psychchedelia, avec des solos prolongés, des voix filtrées et des paroles comme celle-ci : « Je perds mon temps à essayer de trouver une raison de rimer, une raison pour laquelle des choses étranges se produisent dans mon esprit. » (I am wasting my time, trying to find a reason to rhyme, a reason why strange things are happening in my mind). C’est une chanson énorme et elle met en valeur tout ce qui est étonnant dans cet album : non seulement le ton et la mélodie, mais aussi la façon dont elle est à la fois lourde et édifiante, sans effort.

« Broken Nails », quant à elle, est surtout instrumentale et très, très sombre. Il s’agit d’un bon contrepoint à la mélodie que l’on retrouve ailleurs, car il s’agit de riffs. Et de l’effrayant. Mais ne vous laissez pas effrayer. Retournez au début et enveloppez-vous à nouveau dans l’album. Croyez-le, vous aurez envie de le faire encore et encore.

***1/2

Caleb Landry Jones: « The Mother Stone »

Bien qu’il soit connu pour ses rôles d’acteur dans des films comme Get Out (2017) et X-Men : First Class (2011), Caleb Landry Jones nourrit depuis longtemps des ambitions musicales. À part le projet éphémère de Robert Jones dans les années 2000, il a relégué ses idées dans les profondeurs de son esprit et les séances d’enregistrement occasionnelles dans la grange de ses parents. Plutôt que de laisser mourir ses chansons, Jones a nourri son art dans la grande déclaration de son premier album. The Mother Stone est un travail de maître en matière de musique psychédélique expansive, envoûtante et saisissante.

Si les Beatles ont enregistré The White Album avec Tom Waits et David Axelrod, cela pourrait ressembler à cette énorme entreprise. L’album commence avec ses deux plus longs morceaux, « Flag Day / The Mother Stone » et « You’re So Wonderful ». Les deux chansons pourraient remplir des albums entiers avec leurs arrangements. Alors que les orchestres de chambre se mêlent à une section rythmique psycho-rock, Caleb Landry Jones compose encore sa voix émotionnelle. Qu’il crie ou qu’il chante en souriant, il fait évoluer son chant pour s’adapter aux changements d’humeur de la musique. Quoi qu’il en soit, le tout este fermement ancré dans des mélodies mémorables.

Avec une durée de plus d’une heure, The Mother Stone se présente comme une longue excursion. Les transitions entre les chansons semblent complètement disjointes, à moins que vous ne les preniez dans une succession sans faille. Même si les rythmes nuancés, les arrangements luxuriants des cordes et le piano lourd créent une ambiance unique sur « I Dig Your Dog », il semble incomplet en lui-même.

Il en va de même pour « All I Am in You / The Big Worm ». Jones intègre des riffs de guitare grunge et des chants de baryton lunatiques dans sa version excentrique de British Invasion, mais cela ne constitue qu’une petite partie de l’histoire. On ne saurait trop insister sur le zèle créatif de cet album. Tout semblant de composition conventionnelle de chansons s’enfonce inévitablement dans une atonalité contrôlée et des crescendos symphoniques. Il y a trop de couches pour les compter, et pourtant vous vous retrouverez accroché à des crochets flottants au milieu de l’océan agité.

Il est facile de faire des comparaisons avec Tom Waits lorsqu’il est confronté à la voix croassante de Jones au début de « Katya », mais la véritable similitude réside dans ce qui est essentiellement une « méthode de jeu de la voix ». Evil Jones a un timbre grave et aigre, tandis que Good Jones apporte un ton bienveillant, car il joue des personnages dans une production théâtrale kaléidoscopique. C’est un sentiment qui se reflète musicalement, alors que des morceaux comme « The Hodge-Podge Porridge Poke » se détachent comme un air de spectacle de Broadway. Les changements de temps, les accents dynamiques et l’instrumentation élargie restent aussi abondants que naturels.

Des voyages de huit minutes aux anecdotes de deux minutes, chaque instant de The Mother Stone est minutieusement pensé. Le sillon ondulant de « No Where’s Where Nothing’s Died » et le déformé « The Great I Am », qui s’écrase, reflètent la nature polarisée de The White Album. Mais le sens de la portée et l’attention aux détails de Jones vont bien au-delà de l’imitation des imaginateurs originaux du rock, surtout en termes de dynamique de balayage et de production immaculée.

Plutôt que de noyer ses chansons dans la bizarrerie, Jones laisse toujours place à un grain rustique et à un son serein et agréable. Ce contraste permet à « Lullabbey » de dériver sur un nuage de chants et d’orgues angéliques, tout en étant ancré dans le sol par des tensions constantes à la batterie et à la guitare. Une telle placidité contraste avec les hits explosifs et les rythmes accélérés de « No Where’s Where Nothing’s Died (A Marvelous Pain) » » La chanson peut aussi bien être le thème du Fantôme de l’Opéra joué par un groupe de psycho-rock.

En dépit de sa musicalité exubérante, le travail de Jones conserve une solide colonne vertébrale lyrique. Malgré une musique intéressante, « For The Longest Time » et I Want To Love You » sont des histoires d’une grande richesse narrative. Abordant respectivement l’amour turbulent et le romantisme désespéré, les performances évocatrices de Jones sont remplies de récits basés. Cela peut sembler être un trip d’acide chasmique, mais il y a toujours de l’humanité dans le mélange.

The Mother Stone est un album pour mélomanes, écrit par quelqu’un qui aime son processus créatif. Les carillonsen arpèges, les cordes qui gonflent et le rebondissement rythmique de type cirque de « Thanks For Staying » se développent avec grâce, tout en restant fondés sur d’incroyables coups d’écriture. « Little Planet Pig » se termine par un geste conceptuel final, rappelant les modulations d’ouverture de l’album.

Caleb Landry Jones vient peut-être de commencer sa carrière solo en se surpassant. The Mother Stone est une expérience vraiment captivante. Les années passées sur chaque morceau s’attestent à chaque écoute, alors qu’une autre facette de la vision de l’auteur se dévoile.

****1/2

Harold Nono: « We’re Almost Home »

Ce musicien d’Edimbourg livre une musique intrigante sous diverses permutations et via de nombreuses collaborations depuis près de 20 ans maintenant et We’re Almost Home est sa quatrième sortie en solo.

Comme poursles précédentes productions, on y déniche maltitude de sonss, de samples, de craquelures et de bibelots soniques qui s’agitent autour de titres terriblement absurdes comme « Ron’s Mental Leap Coach » (un bain de champagne apaisant), « Gold Lame Neckhold » (un opéra sinistre et glitchy tout droit sorti d’un film de David Lynch), et le toujours populaire et nombriliste en mode ambient « Annie’s Phantom Life-Raft Choir ».

Des équipements de construction industrielle ont reproduit les rails pour un « Menton Train Jump » faustien en diable et Morishige Yasumune prête ses talents de violoncelliste au cinématographique « The Shout ». « Annie & Bunny Get Fast-Tracked » est un manège de carnaval qui tourne mal, car nos héros (héroïnes ?), prêtés par Bunny & The Invalid Singers, se faufilent avec insouciance sur ledit manège.

Fidèle à la mission de Nono, qui est d’être « inattendu », « Shaking On An Iron Bed » est une pure improvisation Coltrane (bravo au saxophoniste Anthony Osborne) qui traînera derrière elle une musique de film d’ambiance, et « Let The Light In (Prince of Darkness) » poursuivra cette fanfaronnade cinématographique impertinente. Alors que « The Gurney Trips » ressemble plus à une chaîne de télé qui surfe sur le net qu’à un véritable trip à l’acide et que « The Art of Rosa »pourrait s’apparenter à un enregistrement de The Conet Project, il y aura suffisamment d’avant-gardisme pour aiguiser votre appétit ; vouloir détruire et déconstruire vos ondes cérébrales afin de les reséquencer en un enregistrement du 21e siècle qui refuse de suivre les règles. Au final, ce sera une excellente chose pour notre playbook musical !

***1/2

The Dream Syndicate: « The Universe Inverse »

Les chansons et la guitare de Steve Wynn sont au centre de Dream Syndicate depuis que le groupe a débuté sur la scène du Paisley Underground de Los Angeles au début des années 80. Mais ce n’est pas le cas sur The Universe Inside, leur troisième album depuis que Wynn a relancé le groupe avec le nouveau guitariste Jason Victor et le clavier Chris Cacavas.

Les morceaux sont issus de jam sessions d’improvisation et les voix sont principalement des récitations conspiratrices entrecoupées de longs grooves entraînants.

Bien que le groupe ait exploré de longues chansons dans le passé – notamment le « John Coltrane Stereo Blues » de près de neuf minutes du Medicine Show de 1984 – il s’agissait généralement de duels de guitares entre un Velvet Underground qui aurait rencontré Crazy Horse. Cette fois-ci, les touches frappées par Cacavas et le saxophone et la trompette de Marcus Tenney prennent souvent le dessus.

Les cinq chansons de l’album sont étonnamment psychédéliques et proggy, avec des échos de groupes de moto allemands comme Neu ! et Can (sur « Apropos of Nothing » et « Dusting Off the Rus » », tous deux d’une durée d’environ neuf minutes), d’albums de jazz fusion comme Bitches Brew de Miles Davis (sur « The Regulator », 20 minutes), et surtout des débuts de Roxy Music (sur « The Slowest Rendition », 11 minutes).

Ces points de référence peuvent venir d’il y a environ un demi-siècle, mais The Universe Inside sonnent toujours frais et demeure, ancore aujourd’hui, trippant.

***1/2