Jasmine Guffond & Erik K Skodvin: »The Burrow »

21 octobre 2020

Après le dixième anniversaire de Sonic Pieces à Berlin l’année dernière, la patronne du label, Monique Recknagel, a personnellement choisi trois duos parmi l’impressionnante liste du label pour se produire en concert. Recknagel, a été tellement surprise par la performance de la compositrice électronique Jasmine Guffond et d’Erik K Skodvin du Deaf Center qu’elle a commandé un disque complet. Six mois plus tard, Guffond et Skodvin ont fait équipe pour produire The Burrow. Les deux musiciens se sont rendus au studio VOX-TON de Berlin, où ils ont enregistré pendant deux jours et ont été rejoints par la musicienne finlandaise Merja Kokkonen, qui leur a fourni un ensemble de voix obsédantes.  Guffond a utilisé son ordinateur portable et une cymbale, tandis que Skodvin s’est servi d’un piano, de larsen, d’un orgue farfisa et de percussions.

The Burrowest une nouvelle inachevée, écrite par Franz Kafka environ six mois avant sa mort en 1924. Publiée à titre posthume en 1931, elle est centrée sur une petite créature qui construit à la hâte un terrier pour tenter de se protéger contre les attaques qu’elle perçoit. En se concentrant sur la peur du monde extérieur et la prévalence de l’anxiété, il est facile de comprendre pourquoi l’album est si pertinent ; la peur et l’isolement ont été amplifiés en 2020, et à des degrés étonnants. Chaque morceau de The Burrow porte, en effet, le nom d’un animal soit éteint, soit en voie d’extinction, ce qui met encore plus en évidence la fragilité et la mortalité. La musique donne l’impression de figurer sur une liste d’animaux en voie de disparition, elle aussi. Le chant obsédant et muet crie ou semble être perturbé, criant d’angoisse sur l’état du monde et son érosion continue. Le chant de Kokkonen glisse dans une caverne électronique tandis que des drones grondants et vrombissants sont laissés à l’entrée.

Qu’il s’agisse de deuil ou de rage, les murmures et les cris sont la seule façon d’articuler et de répondre aux horreurs ; oubliez le besoin de paroles distinctes et articulées ou leurs significations poétiques, car le chant ici est capable de frapper plus fort que tout autre mot dans n’importe quelle autre langue. Des échos électroniques et un piano sombre ajoutent au sentiment que ce terrier particulier a été conçu pour ressembler davantage à une petite grotte claustrophobe, ses motifs retentissants déviant des murs sombres et s’enfonçant toujours plus à l’intérieur. Le cliquetis constant des cymbales sur « White Eyes » renforce un esprit nerveux et angoissé, mais, comme le son d’un serpent à sonnette, il devient un avertissement pour les personnes non invitées à rester à l’écart, approfondissant sa nature solitaire ; il pourrait presque être enfermé.

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Phil Tomsett & The Inventors of Aircraft: « The Last Things »

12 octobre 2020

« Rien ne dure, voyez-vous, pas même les pensées qui sont en vous. Et vous ne devez pas perdre votre temps à les chercher. Une fois qu’une chose a disparu, c’est la fin. » (Nothing lasts, you see, not even the thoughts inside you. And you musn’t waste your time looking for them. Once a thing is gone, that is the end of it.) Paul Auster, Au pays des dernières choses.

S’inspirant de ce roman écrit en 1987 par Paul Auster, The Last Things cherche à s’isoler dans la campagne, à s’éloigner du rythme effréné de la vie urbaine pour se consacrer à quelque chose de plus contemplatif et de plus solitaire ; à rechercher le désert au sens propre après l’insatisfaction ou l’agitation. La nature est belle et bénéfique pour la santé et le bien-être de chacun, mais elle peut aussi être vicieuse et imprévisible. La campagne peut être relaxante et paisible, mais elle peut aussi surprendre quelqu’un et le laisser sous le choc, comme le public l’a découvert dans The Blair Witch Project. Une présence pressante colle à la perspective de l’isolement comme de la colle ; les branches dures et ondulantes et les champs bâillants peuvent faire germer le genre de l’horreur populaire avec facilité, et apparemment sans aucune aide supplémentaire ; elle provient de leur propre conception. Cette édition complète de Last Things comprend trois disques et de la musique enregistrée sous le nom de The Inventors of Aircraft, ce qui permet d’ancrer encore plus profondément la musique de Phil Tomsett dans le sol.

Décrit comme une lutte personnelle à travers le ronflement, le tonnerre et la terreur, Last Things est en quelque sorte un artefact audio, une relique récemment déterrée qui, lorsqu’elle est jouée, traduit la prose d’Auster en une musique de type terrestre. Last Things est resté en sommeil, retranché dans le sol humide, pendant des temps immémoriaux, assez longtemps pour s’imprégner du chant de la terre et du bruissement des champs, ne se décomposant que légèrement avec le temps. On peut tenir dans une main le contentement et une floraison de paix, mais la forêt peut aussi être sauvage, ses cabanes tenant un loup déguisé en douce grand-mère.

Last Things passe de la beauté bijoutée à la peur monumentale. D’une certaine manière, la musique est comme l’exploration d’une vieille maison, au fin fond du pays, où les araignées se sont nichées et installées, et où les planches grincent avec l’âge, n’ayant pas eu un pied sur lequel appuyer et qui bouleverse son bois. La solitude s’infiltre dans l’air, comme une contagion qui s’est faite d’elle-même, se mêlant aux capteurs de rêves de poussière qui s’amoncellent. Des morceaux tels que « I Long For Days That Never Existed » et « These Are The Last Things, She Wrote » montrent que la musique a traversé des périodes difficiles, et ses textures aux taches de mousse semblent se faufiler dans les pièces avec un langage corporel déprimé, proches du deuil avec sa tête baissée alors qu’elle semble se retirer dans sa coquille, verrouillant et verrouillant la porte de cette grande et vieille maison et ne la quittant jamais, même lorsque les vignes en pleine croissance s’effondrent sur les rebords de fenêtres et que le jour se transforme en crépuscule.

***1/2


Jónsi: « Shiver »

6 octobre 2020

En tant que membre fondateur de Sigur Rós, Jónsi Birgisson est une sorte de nom familier dans les cercles de musique expérimentale. Au cours des trois dernières décennies, son groupe est devenu l’un des groupes les plus influents au monde. Leur musique transgresse de nombreux genres, de l’ambient et du post-rock au bruit industriel.

Loin de Sigur Rós, le travail de Birgisson est tout aussi vénéré, et à juste titre. Après plusieurs collaborations, comme les deux albums qu’il a enregistrés avec son partenaire Alex Somers (Riceboy Sleeps en 2009 et Lost & Found l’année dernière)aini que la série Dark Morph avec Carl Michael von Hausswolff, pour n’en citer que quatre, il était probablement grand temps que Birgisson sorte un autre disque en solo (sorti simplement sous le nom de Jónsi).

Shiver est la suite tant attendue de Go, sorti en 2010. Comme pour son prédécesseur, si le chant est reconnaissable entre tous, les accompagnements musicaux oscillent entre de tendres ballades orchestrées au piano et des rythmes traités avec dureté. Enregistrée dans de nombreux endroits sous l’œil attentif du producteur extraordinaire A.G. Cook – peut-être plus connu pour son travail avec Charli XCX et en tant que directeur de la maison de disques PC Music-Shiver – est une collection de chansons qui remonte à près d’une décennie, dont beaucoup ont été laissées dans les coffres mais sont maintenant revisitées pour la dernière excursion sonore de Jónsi.

C’est un bon travail qu’il a fait aussi, car on y trouve un véritable buffet de délices pour aiguiser l’appétit ici. Après avoir déconstruit une grande partie des démos originales, Jónsi et Cook ont conspiré pour créer un album au son expansif, mais aussi riche en nouvelles idées et techniques. Dès l’instant où le morceau d’ouverture « Exhale » attire l’auditeur, Shiver est une expérience timide et parfois à couper le souffle.

Il y a aussi des collaborations notables ici. L’icône pop suédoise Robyn joue en duo sur « Salt Licorice »,  un hymne d’appel et de réponse adressé à l’ensemble désenchanté sur base de synthétiseurs opulents et aux rythmes électroniques. Avant cela, l’ancienne chanteuse des Cocteau Twins, Elisabeth Fraser, a prêté sa voix particulière à l’étrange « Canniba » » de la même manière qu’elle avait contribué à « Primitive Painters » de Felt il y a 35 ans. Les résultats sont sans surprise sensationnels.

Ailleurs, Shiver fusionne des rythmes de piègants avec des intermèdes industriels sur le tumultueux « Kórall », tandis que le couplet final, sur « Grenade » et « Beautiful Body » pourrait bien représenter le final le plus apaisant d’un album auquel ces oreilles ont été exposées toute l’année.

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Tangents: « Timeslips »

6 octobre 2020

Alors que le groupe australien Tangents déploie son histoire avec le battement de cœur d’un collectif, le batteur Evan Dorrian reste le frontman du groupe, si tant est qu’il en ait un. Le style extraverti de Dorrian flirte avec le jazz, l’IDM et le post-rock, entre autres idiomes, pour un effet déroutant et élastique. Sur Timeslips, le quatrième LP du groupe, les rythmes, les résolutions et, oui, les pensées tangentielles de Dorrian conduisent la construction des compositions qui les entourent, comme autant de pistes d’atterrissage pour les avions qui se construisent au fur et à mesure qu’ils volent. Bien que le disque soit plus subtil – voire, parfois, plus discret – que les précédentes sorties du groupe, le travail de Dorrian reste toujours aussi dépouillé.

Dans une certaine mesure, il en a toujours été ainsi. Pour la plupart de ses productions, le groupe a soigneusement édité et modifié en post-production ses suites d’improvisation afin de refléter cette notion même, le fournisseur de temps et de mètre une sorte de source brute de gravité. Mais, là où le New Bodies de 2018 était encombré d’idées et de spasmes d’inspiration, Timeslips est plus feutré que précipité, et les contributions de Dorrian sont d’autant plus frappantes.

Prenez « Old Organs » », que Temporary Residence a judicieusement diffusé avant la date de sortie de Timeslip. La percussion est brillamment colorée, avec des petit noyaux incrustés de bijoux – la grosse caisse et la caisse claire de Dorrian ont été retouchées numériquement et coupées de manière inhabituelle, pratiquement au point de ne plus être reconnaissables. Derrière lui se cachent des pastels d’orgue et de synthé, mais je vous mets au défi d’écouter ces envolées de percussions qui finissent par céder la place à un traditionnel battement de dos de kit. Que ce soit l’électronique d’Ollie Brown ou le pincement des cordes du violoncelle de Peter Hollo, on entend les insinuations d’un thrum bassy, aussi léger soit-il, avant que le groupe ne commence à se fondre autour du centre rythmique de tout cela. Je vous mets au défi de trouver un moment où Dorrian n’élabore pas le récit.

Tangents jouent un tour similaire sur « Survival ». Alors que le thème central de la chanson est une mesure répétée au synthétiseur, ce qui fait chanter la chose, c’est la façon dont Dorrian danse et se balance autour du motif, plus John McEntire que Can. Si vous enlevez toute la composition des percussions, ce ne serait pas un morceau de construction ambiante étudié ; il sonnerait épars et même flasque. Mais ajoutez un mélange hypnotique de batterie, quelque chose pour faire tourner l’auditeur en rond pendant que le synthétiseur lance la transe, et vous êtes sur quelque chose.

Ailleurs, Tangents jouent avec d’autres prétentions – ou, plus exactement, essaient de le faire. Bien qu’Adrian Kim-Klumpes soit au centre de l’ouverture de l’excellent et atypique « Debris », un morceau ultérieur, ce qui est intéressant, c’est la façon dont Kim-Klumpes peint des arpèges de piano et des textures autour des notes du guitariste Sia Ahmad, d’un claquement inhabituel. Ici, Dorrian est inhabituellement muet, ce qui donne une sorte de marche faustienne. Mais c’est l’un des rares morceaux du nouvel album où tout le groupe se sent engagé dans un véritable racket ; le morceau se termine sur de vraies notes de raucité et d’audace.

Le piano et le violoncelle offrent des sous-entendus séduisants sur le « Bylong » de clôture, qui n’a pas besoin de la main lourde d’un éditeur pour faire connaître ses intentions. C’est presque une clôture légèrement pensif – pensez au cinéma de Tindersticks. Des touches lourdement manipulées sont présentes sur « Vessel », qui est en fait la pièce qui ouvre le monde aux possibilités du LP après « Exaptation ». Ici, les motifs répétés, posés sur des cymbales lourdes et un bruit de guitare salace, sont les choses qui vous resteront en tête.

Les tangentes sont devenues expertes dans la sculpture de paysages sonores instrumentaux qui sont plus grands que la somme de leurs parties. Sur Timeslips, cependant, plus que sur tout autre prédécesseur, il est difficile d’imaginer le terrain sans les pistes établies par Dorrian. Il y a une intention derrière le groupe qui fait tourner ses récits en cascade autour de la batterie, si l’on en croit les enregistrements passés. Mais, dans les moments les plus discrets, le groupe présent sur son nouvel album, la batterie ne se contente pas de conduire le récit. Ils deviennent souvent le récit.

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Bismut: « Retrocausality »

30 septembre 2020

Ce groupe néerlandais  ne peut que susciter intérêt. De longues chansons, sans chant, jouées par un trio de choc qui semble avoir enfermé ses cornes dans une sorte de match de répétition psychique en cage. Le dernier qui joue gagne le jackpot ! Un projet sérieux et entreprenant.

Retrocausality est, comme on peut s’y attendre, un paysage sonore liquide et lourd. Chaque morceau est finement travaillé, et le groupe lui-même peut jouer comme de manière acharnée et jeter dans le chaudron de la magie des effets rouges, vous avez entre les mains l’un des disques les plus intéressants de l’année.

Musicalement, ils font penser à Tool sans prétention, mais avec un sous-courant de métal distinct à leur son. Sans trop se plonger dans chaque chanson, ils divisent leurs compétences pour battre le meilleur de la chanson, des tambours de guerre tonitruants criant à la mort imminente, à un style de guitare qui pulvérise une ligne de plomb déchirante pour aboutir à des « mélodies vocales » sinistres et discordantes. Le tout équilibré pour tirer le meilleur de leurs ressources. Le rythme est presque classique en terme de musique) il s’élève ou rugit pour exprimer l’ambiance. Une matière capiteuse.

Dans l’ensemble, Retrocausality est un LP intéressant et excentrique. Tous les morceaux, sauf un, durent plus de 13 minutes et sont tous instrumentaux. Le niveau de dévouement, d’engagement et le désir presque masochiste de créer un disque comme celui-ci sont extrêmes. Le résultat est également très bon. Chaque chanson a une direction qui lui est propre, et les instruments individuels se combinent tous pour raconter l’histoire, chaque partie s’exprimant dans une énigme auditive qui, simultanément, enlève des couches pour les replier et créer un nouveau puzzle.

Retrocausality permet de créer une résonance dystopique dans la tête, une romance dystopique et post-apocalyptique des montagnes dont cet album serait la parfaite bande sonore.

***1/2


Instant Lake: « Dystodream »

6 septembre 2020

Fondé à l’origine comme un duo expérimental par Dario Amoroso (synthé / boîte à rythmes) et Pierluigi Michele Grauso (guitares) au début de 2015 à Caserta – Italie, ils ont ajouté, la même année, Daniele Landolfi (voix / synthé, membre fondateur du Club 100) et Carlo Landolfi (guitare basse), atteignant un son plus puissant.

Les premières démos en ligne orientées new wave / post-punk ont attiré l’attention de certains labels spécialisés. Plus tard, Brazilian Wave Records a signé avec eux, pour un album, et le « single » « »Caustèro » est sorti (+ vidéo, déc 2016), suivi du remix « Caustèro Paolo Favati Remix at Blue Velvet » (+ vidéo) et du second « single »,  « Sit Back ».  (+ vidéo, mai 2017), en ligne sur bandcamp et YouTube.

L’album Refractory (2017) s‘articule autour de la recherche de sons obsédants et de mélodies sombres sur des rythmes électroniques minimaux. Après ce premier travail, Instant Lake revient avec, aujourd’hui, un tout nouvel album, Dystodream, qui sortira en triple version, Vinyl-Cd-Digital. C’est le deuxième album du quatuor du sud de l’Italie avec cette nouvelle formation : Gennaro De Lena (chant et paroles), Pierluigi Grauso (guitare et thérémine), Carlo Landolfi (basse) et Dario Amoroso (synthé et programmation).

Un autre album qui vaut vraiment la peine d’être écouté attentivement, du premier au dernier morceau, Dystodream combine, en effet, la musique électronique avec une version synth wave plus post punk, je pourrais dire rappelant une époque plus moderne de Joy Division, The Cure, Bauhaus et bien d’autres admirables groupes du genre.

Quelques combos nous surprennent cette saison, l’un d’eux est Iinstant Lake ace présent opus. Il y a encore quelques musiciens qui aiment ce qu’ils font et qui n’oublient pas de nous rappeler que ce qu’ils font, ils le font si bien avec un peu de spontanéité un peu d’émotion et quelques bons musiciens arrivent pour sortir la combinaison parfaite.

Un des morceaux-phares sera « Death To Slavery ». Les guitares mélodiques combinées à des rythmes atmosphériques parcourent l’esprit mélancolique, les paroles parlent de quelqu’un ou de quelques personnes qui vivent des pertes, des pertes qui apportent la nostalgie et la solitude et la soif de retrouver leur propre terre, où ils ont grandi. Une chanson où les paroles vous font réfléchir, parce que peut-être quelque chose vous fait identifier votre propre histoire. L’introduction de cette chanson commence par un murmure qui ressemble à une prière, la voix de Gennaro De Lena a de l’émotion et cela ressort dans toutes les chansons de l’album. C’est aussi lui qui écrit les paroles et cela le fait aller au fond de son rôle et vivre chaque mot de cette chanson. Synth et guitares harmonisées, et plus tard avec la basse, ainsi que les guitares et les beats les plus modernes, dont Pierluigi Grauso et Dario Amoroso sont responsables.

Le morceau suivant, assez édifiant, est « Trauma », avec une version sombre plus orientale, un beat fort et un chant fort. Avec un style oriental et des guitares pleines de distorsion, comme l’exclamation du chanteur « Strong », le couplet a donc un sens pour nous. Vous vous battez avec vous-même pour sortir de la rage et cela vous rend aussi fort que possible.

« Tirsch », cette chomposition est écrite en allemand et s’inspire du livre de Richard von Krafft-Ebing, « Psychopathia Sexualis ». Le texte est inspiré de l’histoire de Tirsch, un homme de cinquante-cinq ans originaire de Prague, condamné à vingt ans pour tentative de viol sur une fillette de dix ans. Son psychisme malade, qui vit dans l’illusion, va dévier vers la violence.

Ce texte est symbolique, il ne décrit pas les faits, mais il décrit la douceur de l’illusion et la violence de sa réalité. C’est cet horizon thématique vers lesuqle ce disque nous emmène soniquement et ça ne mérite pas d’être mis sous le manteau.

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Hekla: « Sprungur »

1 septembre 2020

Sprungur est le deuxième disque de la musicienne de thérémine islandaise Hekla. Parfois glacé et rongé par l’obscurité, et toujours comme une écoute hantée, Sprungur est un disque envoûtant qui s’inscrit dans la continuité de son prédécesseur, adapté à l’automne puis à la descente imminente vers l’hiver. Avec son climat subpolaire, Hekla capture l’atmosphère de l’Islande. Le disque a été écrit et enregistré dans son home studio à Reykjavik alors qu’elle était en congé de maternité.

Le thérémine d’Hekla se transforme lentement en fantôme, comme une apparition, planant, vacillant avec un vibrato, glissant vers le bas, puis s’effondrant. Le son spectral du thérémine continue à résonner longtemps après que sa voix se soit calmée, comme s’il jouait pour un public absent dans une pièce vide. Le timbre obsédant donne naissance à un son incroyablement sinistre, empreint de mystère et de mémoire, tandis que les synthés tourbillonnent dans des bassins de texture de plus en plus profonds. Le thérémine est magique, envoûtant, et Hekla est une virtuose ; à tel point que l’instrument devient une extension d’elle-même. Sur ce disque, elle est capable d’accroître la portée de son son et de réaliser de nouvelles possibilités.

La musique a la sensation d’un lourd enchantement, d’une berceuse, d’une Belle au bois dormant qui repose pendant des années, piégée dans un château à l’orée d’une forêt. Mais Sprungur est un album calme et insidieux, d’une grande élégance et d’une grande sérénité.

 D’autres sons flottent dans ses eaux troubles : des fantômes de piano et sa propre voix éthérée, qui danse, qui apparaît fugitivement dans l’ombre et qui se dissipe tout aussi rapidement. Ces autres sons montrent qu’Hekla tient à prolonger et à élargir sa fable musicale, et si le thérémine s’empare de tous les titres, le piano, les cordes, les synthés et d’autres éléments sont tout aussi importants dans la création d’un album équilibré.

Dans ses mains, l’instrument couvre de multiples sentiments et émotions. Sa gamme dynamique est impressionnante. Elle couvre aussi beaucoup de terrain tout en parvenant à maintenir une atmosphère stable et froide qui ne serait pas déplacée par un matin d’octobre froid et brumeux. Comme dans un sombre conte de fées, sa voix berce l’auditeur, lui racontant peut-être une histoire qui lui est propre. En fait, l’un des morceaux de Sprungur est un arrangement d’une berceuse islandaise traditionnelle, qui faisait peur à Hekla quand elle était petite. Ses paroles se traduisent par « Dans le glacier gronde de profondes fissures mortelles », et c’est de là que vient le titre de Sprungur, qui explore l’imagerie des grandes bêtes mythiques qui peuplent la terre et provoquent de profondes fissures par leurs mouvements grondants. Il y a quelque chose de fantastique dans sa musique, qui résonne dans la longue nuit. Sa voix commence l’enchantement, et le thérémine répète la mélodie, la terminant.

***1/2


Anna von Hausswolff: « All Thoughts Fly »

30 août 2020

La chanteuse Anna von Hausswolff se tourne vers l’orgue à tuyaux sur All Thoughts Fly, un album solo de morceaux ne comportant que cet instrument. Sur ses sept titres, elle couvre un large éventail de thèmes en termes d’ambiance, de style et de texture. En effet, Anna von Hausswolff semble volontairement difficile à cerner, passant de mélodies sinistres et rebondissantes à des bourdons, à une approche évocatrice de celles du playbook de Philip Glass.

Par exemple, sur « Solore di Orsini », les accords sont lents et délibérés, chacun ayant le temps de s’accrocher dans l’air avant d’être accompagné de gémissements plus exigeants.

En revanche, « Sacro Bosso » présente un rythme laborieux, avec des bourdonnements et des houles à la texture étrange et aux fréquences plus élevées. « Persefone » contient des accords tombants qui rappellent «  Koyaanisqatsi, » tandis que la chanson titre de 12 minutes comprend des cycles rapides de notes qui se transforment en vagues.

Malgré sa diversité, une noirceur personnelle imprègne All Thoughts Fly – non pas de manière menaçante en soi, mais exprimée par une tristesse et une mélancolie subtiles. Et c’est l’exploration intrépide de ces émotions plus fragiles par von Hausswolff qui rend l’album si convaincant et si fortement recommandé.

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Francesca Naibo: « Namatoulee »

24 août 2020

Cela commence par un cri, un doux hurlement… un vide, alors que tout l’air s’échappe de l’univers. Se déployant comme une fleur extraterrestre sortant d’un oeuf, une fleur élégante et inconnue, quelques minutes plus tard, Mae Lougon pourrait introduire le 2001 de Kubrick. En regardant dans cet abîme, ce que vous voyez ne dépend que de vous. Il en ressort des tonalités profondes, semblables à celles du violoncelle, des grognements, des gémissements et la vision expansive de Francesca Naibo sur les possibilités de la guitare électro-acoustique.

Le spectre des sons ici est une chose, une autre est leur utilisation totalement naturelle (bien que souvent mélodiquement tordue) – rien n’est forcé, pas de sons carrés dans des oreilles rondes, … tout est audacieux, beau, envoûtant et absolument juste.

Sur Toundaleda, les harmoniques atonales scintillent et résonnent avec un vibrato à glissement libre, qui se tord dans le vent. Une boîte à musique se fraye un chemin à travers une trame sonore atonale ; le chemin est clair (avec le recul) mais pas droit. Des voix sans voix s’harmonisent (et non) avec le sciage de Nadare Nura, qui ressemble à un violon. Dans « Làmeda Lemèda » et « Tandiketi », des indices d’une approche fracturée non-idiomatique inspirée de Bailey se répandent dans l’espace de tête, flirtant avec une cueillette plus fluide, menaçant une mélodie. Ailleurs, nous rencontrons des drones lourds de type synthétiseur et de la science-fiction, le son de la noyade et un bruit élégamment abstrait.

L’impression générale est celle d’une libre errance, d’un contrôle virtuose et d’une étreinte sans peur de l’inattendu. Pourtant, grâce à une sensibilité d’avant-garde et à des techniques et une amplification étendues, on peut entendre le bois – c’est un son organique produit par les doigts sur le bois de rose et l’acier – chaud, vivant, croissant même…

Cet album est une carte postale de l’au-delà, au-delà des limites que la plupart des guitaristes acceptent habituellement, une zone dans laquelle chaque centimètre carré de l’instrument est une source sonore, filtrant l’imagination sonore fébrile de l’artiste.

***1/2


Alessandra Novaga: « I Should Have Been a Gardener »

23 août 2020

Proposant une approche visionnaire de la guitare solo, l’expérimentaliste milanaise Alessandra Novaga livre une méditation étendue sur le défunt cinéaste Derek Jarman avec I Should Have Been a Gardener, présenté par Die Schachtel. Alessandra Novaga est l’une des principales figures de proue de la nouvelle scène musicale italienne, expérimentale et improvisée, qui se distingue par ses efforts remarquables en solo et ses collaborations tout aussi remarquables avec Stefano Pilia, Paula Matthusen, Elliott Sharp, Sandro Mussida, Travis Just et d’autres. Remarquablement ambitieuse et avant-gardiste, son approche de la guitare s’écarte des trajectoires de l’émotivité viscérale et des techniques de textures étendues qui ont eu une influence sur les applications de l’instrument dans des contextes d’avant-garde au cours du dernier demi-siècle, la rencontrant sans cesse en train de déconstruire et de repenser ses propriétés uniques par des applications de structure, de résonance, d’espace et de son. I Should Have Been a Gardener (2017) est le deuxième album de Novaga à s’inspirer de son amour pour le cinéma. Plutôt que de se concentrer sur un point d’inspiration fixe, l’album prend la forme d’une distillation, tirant de la vie, de la mort, du travail, de l’engagement politique et des journaux intimes de Derek Jarman.

Émergeant comme un portrait sonore éthéré de l’homme, le son – des interventions de tonalité avec des sources non instrumentales – et le silence se joignent en un seul corps unifié qui cherche la rédemption et la purification aux limites de la vie ; une empreinte qui, comme le jardin de Jarman au Prospect Cottage, est magique – des fleurs fleurissant entre les pierres – planant dans l’espace brut entre une mer sans fin et l’ombre post-moderne d’une centrale nucléaire. Aussi remarquablement audible que stimulant et riche en idées, I Should Have Been a Gardener de Novaga représente un pas en avant étonnamment aisé dans les potentialités de la musique expérimentale. Assumant courageusement les attentes omniprésentes de la guitare, Novaga a refusé de renoncer à la clarté de la source et du son, forçant l’oreille à repenser ce qui est accepté et connu à chaque instant. Un voyage immersif de l’une des plus importantes voix contemporaines d’Italie.

***1/2