Bruce Brubaker & Max Cooper: « Glassforms »

Deux leaders issus de mondes musicaux très différents, le pianiste novateur Bruce Brubaker et le scientifique et artiste électronicien Max Cooper, collaborent pour créer cette dernière expression musicale de Philip Glass et raconter une histoire de diversité et de vulnérabilité. Commandée par la Philharmonie de Paris et présentée à cette occasion en 2019, Glassforms fusionne le piano à queue acoustique de concert avec des synthés et des techniques de production électronique de pointe pour créer un album captivant et une expérience live dynamique. Plutôt que de se contenter de retravailler ou d’enrichir par des moyens traditionnels, Max Cooper et Bruce Brubaker recomposent fondamentalement Glassforms d’une manière qui n’est pas possible avec les outils de composition humains. Max a mis au point un nouveau système d’expression musicale par codage avec le développeur de logiciels Alexander Randon, créant un outil permettant de prendre des données en direct du piano et de les transformer en formes nouvelles mais intimement liées qui pilotent ses synthés sur scène.

Le résultat est que chacune des plages de Glassforms devient son propre « instrument » électronique, un instrument dont Bruce joue en plus et simultanément avec la pièce originale. Alors que Brubaker joue du piano et contrôle les synthés avec son jeu, Cooper module et augmente, ajoutant parfois ses propres mélodies pour former des variantes hybrides. Un disque d’une finesse et d’une maîtrise absolue.

***1/2

Roger O’Donnell: « 2 Ravens »

Le claviériste et compositeur Roger O’Donnell a passé plus de 40 ans sur scène avec des groupes comme Psychedelic Furs, The Thompson Twins et depuis 33 ans (à l’occasion et en dehors) le plus grand groupe culte du monde – The Cure.  Depuis 2005, il mène également une carrière solo active et intéressante. Il a composé et enregistré un album entier, The Truth In Me on a Minimoog Voyager en 2006 pour son premier projet solo et en 2015 il a collaboré avec la violoncelliste Julia Kent sur Love And Other Tragedies, (une écoute recommandée si vous n’avez jamais exploré l’œuvre classique de O’Donnell auparavant) une collection passionnante de compositions pour piano et violoncelle inspirées d’histoires d’amour classiques.

Ces dernières années ont été bien remplies pour O’Donnell – il y a eu une tournée mondiale épuisante en 2016 avec The Cure et un concert à Hyde Park pour célébrer le 40e anniversaire du groupe en 2018. L’année 2019 a été une nouvelle année record pour le groupe, avec l’une des meilleures performances en tête d’affiche jamais réalisées à Glastonbury, ainsi qu’une digne intronisation au Rock and Roll Hall of Fame.  Ainsi, après la tournée, pendant un certain temps d’arrêt, il est retourné chez lui dans le Devon, dans le sud-ouest de l’Angleterre, et a passé du temps à produire 2 Ravens qui est devenu un autre projet de collaboration – cette fois avec la chanteuse et parolière Jennifer Pague du groupe de pop Indie américain, Vita And The Woolf.

2 Ravens a commencé comme un disque instrumental, la première face comportant deux violoncelles et la seconde un quatuor à cordes, lorsque O’Donnell a été présentée à Pague et lui a envoyé le matériel pour qu’elle le commente. Elle lui a ensuite renvoyé 90 secondes de chant sur un morceau et il a été époustouflé par son interprétation. Pague a écrit et fait des démos de ses quatre chansons dans son home studio à Los Angeles et les deux se sont retrouvés à Londres pour enregistrer l’album. Il a été enregistré en cinq jours seulement avec certains des musiciens préférés de O’Donnell : Alisa Liubarskaya, Miriam Wakeling, Aled Jones, Nadine Nagen et Daniel Gea.

Dès les douces touches de piano et les sombres coups de violoncelle du premier morceau « December », on perçoit dans le son global de l’album quelque chose d’introspectif et de pastoral qui est clairement influencé par le paysage qui se trouve devant l’œil de O’Donnell. C’est une œuvre vraiment visuelle et chaque chanson est presque comme un tableau. Le violoncelle occupe le devant de la scène pour deux chansons en particulier, tout d’abord sur la chanson titre « 2 Ravens » – son son riche dégoulinant de mélancolie, magnifiquement moelleux. Ensuite, sur « On The Wing », ses notes profondes sont plus douces, accompagnées de délicats pincements de cordes et de clés.  Les deux chansons évoquent des visions de prairies de fleurs sauvages en été ou de nuages passant sur des landes accidentées et sombres.

Le premier « single », « An Old Train », voit Pague participer à la première des quatre chansons. Sa voix est presque comme un autre instrument et les paroles, bien qu’excentriques, sont une sorte de travail : « Je suis sous le soleil de l’Alaska / je me bats pour ce que je peux / je me réveille le matin / je dors la nuit, l’après-midi » ( I’m in an Alaska sun/fighting for what I can/ I wake in the morning/ sleep in the night,  afternoon) – son talent réside dans sa façon de chanter et non dans ce qu’elle chante – le rythme et la cadence de ses paroles ainsi que le ton chaud de sa voix sont en harmonie avec les arrangements musicaux.

« The Haunt » est le « single » actuel et il démontre parfaitement la puissance et le timbre exceptionnels de la voix de Pague,mystérieuse mais angélique, et travaillant en synergie avec une myriade d’instruments à cordes et les touches de danse de O’Donnell. Les paroles « I’ll get you real good » séduisent l’auditeur au fur et à mesure que la chanson progresse. Elle est magnifiquement construite et constitue l’un des points forts de l’album.

C’est une chanson sur le fait d’être quitté et comment vous, si vous le pouviez, hanteriez la personne qui vous a quitté… et qui ne voudrait pas faire cela ? La chanson a été influencée par une histoire folklorique française, « The Peasant and the Wolf », et lorsque Jen a écrit les paroles, elle a pris une sorte de tournant sombre ce qui transforme une heureuse histoire folklorique et rurale en un conte de vengeance tordu.

Un autre point fort est « The Hearts Fall ». D’une durée d’un peu plus de neuf minutes et demie, il est clair que ce morceau était destiné à d’autres choses – il a été écrit à l’origine par O’Donnell pour un projet de Phillip Glass qui devait être joué lors d’un des concerts de bienfaisance de Glass. Il y a également eu des discussions sur une éventuelle pièce de ballet. Les touches répétées du piano démarrent le morceau avec une certaine urgence tandis que les cordes se font plus aiguës et plus fébriles jusqu’à ce que juste avant les quatre minutes, le morceau subisse une transformation – les notes répétées cessent et ensuite – tout devient calme et tranquille.  Les cordes sont devenues calmes, le violoncelle apaisé et les touches plus réfléchies. Il y a plus d’espace entre les notes – cela évoque l’expérience de faire surface à l’extérieur après un gros orage. La deuxième moitié de cette chanson est belle – cathartique, pleine d’espoir en la guérison.

Les deux dernières chansons sont celles de Pague – « Don’t Tell Me » commence avec des touches douces et un violoncelle avant que deux notes vocales rauques ne donnent presque à la chanson un ton doux, surtout dans le refrain :  « Eh bien, Gee Whizz, ne me dis pas que tu es réel/ mes os sont faits de métal qui vient du camping à l’extérieur » ( Well, Gee Whizz, don’t tell me you’re real/ my bones are made out of metal that came from the campground outside) – sa voix et ses paroles sont vraiment séduisantes et intéressantes et donnent à la chanson un côté différent. Sur l’album plus proche « I’ll Say Goodnight », sa voix est aérienne et éthérée, ses inflexions vocales sont connues avec Vita and The Woolf et elles entrent en jeu. Une fois de plus, la juxtaposition des paroles sombres et de l’instrumentation légère donne à la chanson une petite touche unique.

C’est un album très personnel pour O’Donnell et son sonorité est fortement influencée par sa vie dans l’Angleterre rurale – son piano joue un rôle de soutien plutôt que de prendre la tête, les arrangements de violoncelle et de cordes encadrent les tableaux qui sont la voix de Pague et les instruments sont remis à l’auditeur pour qu’il puisse imaginer les histoires en l’absence de mots.

2 Ravens est un album qui semble pertinent en ce moment et parfait pour ces jours d’enfermement – Il semble rural et sombre mais il est aussi plein d’espoir, calme et timidement optimiste.

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Noveller: « Arrow »

Sarah Lipstate de Noveller travaille et crée à très grande échelle, en utilisant des guitares, des pédales et des effets pour construire des paysages sonores de densité orchestrale et de drame. « Rune », le premier morceau de son dernier album, prend forme à partir d’éléments silencieux, d’une montée liquide de sonorités synthétiques, d’un frémissement de guitare à deux notes et à battements de cœur, du choc des chutes et des booms soudains et d’une respiration de la voix. Ses textures sont angoissantes, inquiétantes et ne ressemblent pas du tout à celles d’une guitare. On imagine facilement ce morceau joué par un orchestre, les trombones qui s’élèvent, une section de cordes qui s’éloigne furieusement, une clarinette mélancolique qui tisse une mélodie, esquivant des bruits de timbales.

Plus tard, dans « Zeaxathin » (le titre fait référence à une pensée vitaminée pour protéger la vue), elle évoque à nouveau un quatuor à cordes fait de boutons et de pédales ; le thème principal vacillant ressemble à un canto baroque filtré par des tuyaux synthétiques rutilants. Un orgue, un pennywhistle, un hautbois, un petit groupe de violoncelles prennent tous forme puis se désincorporent au fur et à mesure qu’elle construit des sons surnaturels. Et pourtant, il n’y a pas d’orchestre ici, juste Lipstate et sa collection considérable d’effets de guitare, déployés en grandes formations massives de sonorités surgissantes.

Lipstate s’est fait un nom parmi les têtes de pont, en donnant des cours sur les effets de guitare expérimentaux et en jouant d’une guitare BilT personnalisée avec 22 commandes (pour Iggy Pop, rien de moins).  Elle est suffisamment active dans les médias sociaux d’effets de guitare pour que vous puissiez descendre dans n’importe quel terrier de lapin et en apprendre plus sur la façon dont elle produit les sons qu’elle produit. Les notes de son « single » « Canyon », par exemple, font clin clin d’œil à une pédale multi-effets spécialement conçue pour elle, le et nommé Moon Canyon, Dr No.

Pourtant, la meilleure façon d’apprécier ses compositions cinématographiques est peut-être d’éteindre tout ce comment et de se concentrer sur le quoi. « Pattern Recognition », par exemple, sonne plus comme une musique de guitare que beaucoup d’eutres morceaux, avec une chaude et rayonnante rafale de piques soniques au premier plan, un rythme de basse qui s’agite et qui la pousse en avant. Ici aussi, des sons inachevés enveloppent la chanson d’une aura changeante, comme celle des aurores boréales, mais le morceau a aussi de l’élan et du mouvement. « Effektology » utilise certainement un matériel élaboré, mais vous pouvez quand même vous perdre dans son done spatial et profond, son bourdonnement de voix humaines dénaturées, sa mélodie synthétique aiguë qui ressemble au chant d’un ange.  

Ce sont des mondes sonores ambiants plutôt beaux, mais Lipsate les a créés, pleins d’effroi, d’anticipation, de joie et de paix. Il est peut-être préférable de ne pas voir les fils, les boutons et les prises qui les rendent possibles.

***1/2

Duet for Theremin and Lap Steel: « Halocline »

Duet for Theremin and Lap Steel (DfTaLS) est un nom assez descriptif, car le groupe est composé de Scott Burland pour le thérémine et de Frank Schultz pour le lap steel. Halocline est la dernière d’une quarantaine de sorties mettant en scène ce duo ou les tenues connexes. Techniquement, il s’agit ici d’un trio, puisque Dane Waters le rejoint au chant. Mais ne vous attendez pas aux sons traditionnels de la science-fiction du thérémine ou au son country de la steel guitar. DfTaLS génère plutôt une ambiance fortement improvisée et espacée qui a probablement plus de points communs avec la Berlin School qu’avec toute autre chose.

Ainsi, Halocline propose des paysages sonores expansifs et planants, un peu comme ceux de Klaus Schulze ou de Tangerine Dream au début de l’ère moderne. La différence réside dans le fait que des voix sans paroles remplacent les séquenceurs et qu’une obscurité sous-jacente imprègne la plupart des morceaux. En effet, les deux instruments principaux sont joués de manière à se fondre l’un dans l’autre au point qu’il peut être difficile de les distinguer. Ainsi, pris dans un sens, c’est un album cinématographique et cosmique. Mais en écoutant plus attentivement, on peut identifier grossièrement les contributions de chaque instrument pour révéler les couches de détails qui se cachent sous la surface. Sur la plupart des morceaux, Waters propose un chant guttural et lyrique qui se mélange ou accentue le thérémine et le lap steel, ajoutant ainsi des couches supplémentaires. Foudroyant.

***1/2

The Dorf / Phill Niblock: « Baobab & Echoes »

The Dorf (qui signifie « village » en Allemand) a pris une bonne dose de la musique de Phill Niblock. L’impact sur les musiciens, réunis pour jouer une version double du « Baobab » de Niblock et (dans un second set) trois airs de Dorf, a été profond. C’était un peu comme aller à l’église – une expérience vraiment spirituelle. Au début, le public n’a pas cru à l’annonce que la pièce « drone » durerait 46 minutes. Par la suite, leurs réactions ont montré l’impression que la musique de Niblock avait produit sur eux. Après une pause de 20 minutes, trois morceaux ont suivi — un jeu complètement différent, mais lié à « Baobab » de la manière dont l’énergie et la sensation de la soirée avaient été minutieusement établies par M. Niblock.

Sa présence physique avait déjà changé l’accueil des musiciens et des auditeurs et le goût pour ce mur du son était palpable. Le Dorf (en soi déjà un orchestre de quelque 25 personnes) avait été augmenté par des amis pour atteindre un total de 35 musiciens – presque trop grand pour être vrai. Dans la deuxième partie de la soirée, Katherine Liberovskaya a projeté en musique une partie de son remarquable travail vidéo, qui n’est évidemment pas documenté sur cet album. Jouez le disque à un volume pas trop doux et tenez-le. D’une manière ou d’une autre, la musique vous atteindra.

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H. Moon: « Trustblood »

Après avoir joué dans le groupe The Mary Onettes depuis 2000, et dans le duo Det Vackra Livet avec son frère Henrik depuis 2010, le musicien suédois Philip Ekström se met à son compte sous le nom de H. Moon. S’il y a une signification à ce surnom, on ne peut qu’imaginer qu’il pourrait s’agir d’une référence à l’aficionado de jazz Howard Moon de la comédie britannique The Mighty Boosh. Bien que le surréalisme et l’humour irrévérencieux de The Mighty Boosh ne soient pas présents dans le premier album solo d’Ekström, Trustblood, il y a certainement une tendance de Moon à une intense réflexion sur lui-même. 

Il n’est pas surprenant d’apprendre que Trustblood est né d’une période de turbulences dans la vie personnelle d’Ekström. Alors qu’il travaillait sur la musique d’un film intitulé Endings, Beginnings sur la rupture d’une relation, Ekström a lui-même vécu une séparation. Une telle rupture émotionnelle est écrite en grand à travers ces dix chansons (les titres des chansons seuls, tels que « Back To Where It Hurts », « Sparks Of An End » et « Devotion », offrent des indications thématiques assez claires). L’autre force dominante est la maîtrise par Ekström de la conception sonore cinématographique. La production et les arrangements sont universellement profonds et riches, amplifiant la résonance émotionnelle de ces chansons lentes et tristes. Des guitares retardées se font entendre sur des synthés et des pianos bourdonnants, sur des rythmes simples et lourds, la voix d’Ekström s’enlace dans une réverbération, se fondant dans son environnement.

Les détails instrumentaux sont particulièrement satisfaisants lors de l’écoute au casque. L’insistant et lourd lub-dup en arrière-plan de la chanson titre est soutenu par un arpège de synthétiseur en spirale, avant que les battements de cœur du rythme ne se libèrent pour être rejoints par des léchages de guitare rêveurs. La boucle de guitare au début de l’instrumental « Good Grief » sonne d’abord comme un moustique nuisible, pour être ensuite noyée par le son saturé d’eau du piano d’Ekström, fortement réverbéré. Heureusement, il y a un contrepoids à la densité mélancolique des arrangements et aux tempos pessimistes. Sur « Back To Where It Hurts », des peaux de pédale d’acier semblent promettre la libération de la gravité de la douleur ; « DD » instrumental ajoute ce qui ressemble à un koto scintillant, traçant un refrain brillant dans les registres supérieurs ; et sur « Golden », la pulsation électronique a suffisamment d’élan pour donner l’impression d’une rupture avec les souvenirs du passé. 

L’Anglais étant sa deuxième langue, il n’est pas surprenant que les paroles d’Ekström soient assez dépouillées, la plupart du temps dirigées vers son ex-partenaire éloigné. « I miss you most of the time » reprend le refrain de « Play Me Seldom Chords », répété à chaque fois avec un accent différent, comme s’il retournait les mêmes souvenirs dans son esprit, essayant de trouver un moyen de rendre la solitude moins aiguë. Le tournant semble se produire à mi-parcours de l’album, alors qu’il se résout à trouver un moyen d’aller de l’avant : « Il touche à sa fin… Je veux savoir où je peux recommencer sans avoir le cœur qui bat la chamade » ( It is coming to an end… I want to know where I can start again without a raging heart). Puis, en se rapprochant de « Golden », Ekström semble avoir trouvé un moyen de faire la paix avec son ex-partenaire en reconnaissant leur importance dans sa vie : « Ton âme est dorée pour moi. » (Your soul is golden to me.) C’est un moment d’acceptation touchant dans un album plein de petits aperçus de salut potentiel.

***1/2

Sarah Davachi: « Gathers »

« Documenting Sound » est une nouvelle série de documents numériques des éditions Boomkat. Au fil du temps, ils publieront un certain nombre d’enregistrements d’une sélection d’artistes, tous issus de différentes régions du globe et d’un large éventail de disciplines musicales. Ces morceaux, réalisés au cours des deux derniers mois de la pandémie, offrent un aperçu personnel et intime de l’artiste et de sa musique. La seule condition était que la musique soit enregistrée à la maison ou dans son propre environnement, sans trop de planification préalable ni de réflexion sur sa composition. Ainsi, la musique est ouverte et inattendue, sort des sentiers battus et s’égare, ce qui en fait une série parfaite pour l’exploration artistique. Au lieu de présenter un point de vue appauvri sur le confinement, la pandémie a entraîné une explosion créative, les artistes et les musiciens vivant et enregistrant depuis chez eux. Les enregistrements sur le terrain, les sons trouvés, l’improvisation, la parole et l’écriture de chansons ont tous été encouragés, et cette édition, intitulée Gathers, présente une heure de nouvelle musique de Sarah Davachi, enregistrée chez elle à Los Angeles au printemps 2020.

Explication: « Je suis passée par différentes étapes de mouvement – certains jours, je ne peux pas être motivée pour faire quoi que ce soit et d’autres jours, je peux passer de longues heures à travailler sur la musique et à l’approfondir. Quand j’ai pu m’asseoir pour faire de la musique, cela a été incroyablement significatif et me reconfigure en ce moment.  Je suis reconnaissante d’avoir le temps dans mon studio, une pièce qui est calme et tranquille et qui me semble assez éloignée du monde extérieur, et cette cassette est essentiellement le reflet de cet état d’être intériorisé ».

Gathers est ainsi le fruit de deux idées et albums distincts – l’un terminé mais pas encore publié, l’autre en cours de développement. La bande improvisée et non éditée peut emmener l’auditeur ailleurs, même s’il reste à la maison, se perdant dans la musique, et Gathers se sent à la fois méditatif et concentré. La face A réunit le clavecin, l’harmonium et le piano. Sarah décrit son clavecin comme étant « mon instrument principal ces dernières semaines… ces accords Renaissance ont une telle profondeur, une maison aux couloirs interminables, et c’est un grand réconfort de s’y perdre temporairement ».

Ces derniers mois ont également disparu, les après-midi bizarres et brumeux s’effaçant, le temps s’écoulant au fur et à mesure que le printemps se transforme en été, mais ils ont également permis aux connexions de se développer à nouveau – des connexions et des racines qui ont été coupées ou du moins diminuées par les exigences de la vie quotidienne. Les temps morts ont peut-être entraîné une plus grande flexibilité, ouvrant des pensées introverties à mesure que les gens s’adaptent à un mode de vie plus sédentaire. Dans cet enregistrement, le temps glisse ; la musique mise en quarantaine est le son d’une journée de sommeil et d’une journée qui se prolonge, mais elle sonne aussi concentrée, profonde. Une séance peut devenir une plongée profonde, et l’on peut rester immergé pendant des heures.

La face B rassemble trois études électroniques pour le Mellotron, l’orgue électrique et le synthétiseur, qui est combiné avec l’écho de bande. Davachi les décrit comme ses… « instruments électroniques choisis, et ceux grâce auxquels j’ai toujours trouvé les plus hauts degrés d’immobilité et de transformation » Et c’est ce que ce verrouillage a fait : non seulement une pause, mais un cocon dans lequel une transformation a eu lieu, et d’où la musique a finalement émergé, prenant son premier vol dans un monde nouveau et changé.

***1/2

Susan Alcorn: « The Heart Sutra »

Susan Alcorn est une joueuse de steel guitar qui s’est affranchie des limites supposées de l’intrument, ou du moins de son repertoire traditionnel. Elle s’est donc éloignée de la musique country traditionnelle pour privilégier une approche post-classique aux frontières de l’avant-garde.
The Heart Sutra voit sa musique prendre ainsi ces chemins inattendus sous la houlette de Janel Leppin qui en offre une vision élégante et intemporelle, avec ses arrangements post-classiques survolant des zones aux frontières expérimentales.

Cet album est une leçon d’équilibre et de finesse, de dérives oraganiques et d’abstraction acoustique, où cordes, clarinette, basse, guitare et voix donnent le tourbillon, entrainant l’auditeur dans un monde étrange, aux bruissements éclatants et aux frémissements poétiques.

Le travail d’arrangement de Janel Leppin est d’une grande subtilité, avec ses instants de silence suspendus et ses plages de clair-obscur flirtant avec l’étrangeté, créant des étendues aux tensions élastiques, virevoltant entre musique traditionnelle et approche contemporaine.  Un pont suspendu comme on en rêverait d’autres.

***1/2

Lauren Redhead: « Imagined Method »

Les trois morceaux composant Imagined Method de Lauren Redhead durent au total un peu moins de 20 minutes. Elle y fait une déclaration concise et passe à autre chose, ce qui est louable. Lauren Redhead est une compositrice électroacoustique et une sculptrice sonore basée au Royaume-Uni qui, du moins dernièrement, se concentre sur la musique chorale associée à l’électronique. Son album Hearmleoþ-Gieddunga, sorti en 2018, est remarquable et figure encore en bonne place sur une liste fantasmée des meilleurs albums de cette année-là.

Sur cette offre, elle mélange les éléments choraux susmentionnés – qui sont souvent présentés de manière quasi-liturgique ou grégorienne – avec des éléments électroniques qui tendent à ajouter de la consonance au chant.  Le style des vocalises rappelle celui de Stockhausen, avec des sons humains et synthétisés qui produisent des couches, des vagues et des sifflements.

Sur la dernière piste, les voix divergent dans une certaine mesure, avec des paroles accompagnant les chanteurs et des crescendos périodiques. L’électronique joue également un rôle plus important et plus particulier, les manipulations sonores présentant les caractéristiques des murs de bruit.

Dans l’ensemble, Imagined Method est une belle façon de passer une partie de l’après-midi avec une expérimentrice en devenir et « en avenir ».

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Andi Otto & F.S. Blumm: « Entangleland »

F.S.Blumm est entré dans le studio d’Andi Otto avec toute une palette de cordes et la mission de créer des paysages sonores excentriques et paisibles. Les artistes mêlent guitares acoustiques et électriques, harpes, basse électrique, psaltérion et violoncelle dans onze compositions électroniques allant de la gravité néo-classique (« Entangleland ») à des jams dub espacées (« Active Fault Map »). « Yukiyama » évolue dans des motifs multicouches tressés sur un bruit de bande chaud. « Kilani » rappelle les enregistrements ECM de Rabih Abou Khalil, avec sa gamme orientale et un rythme qui compte jusqu’à sept. Les airs brillent le plus quand le silence prend le dessus, quand les sons trouvent l’espace pour se déployer et se décomposer. Loin d’être des berceuses ambiantes triviales, ces compositions regorgent de détails : Les cloches cliquettent, une kalimba résonne et des synthés vintage induisent leur tension dans la trame acoustique. Andi Otto et F.S.Blumm collaborent en studio et sur scène entre Berlin et Tokyo depuis plus d’une décennie maintenant, l’apogée étant leur précédent album en duo The Bird And White Noise en 2014. Sur Entangleland, Andi Otto contribue à l’enregistrement des violoncelles, de la harpe et des synthés et s’occupe du mixage.

Par rapport à ses récentes sorties, ces morceaux sont moins orientés vers les pistes de danse. Le calme de cet album est un environnement florissant pour Otto, qui peut s’adonner au violoncelle acoustique que l’on entend habituellement de manière plus élaborée dans ses œuvres solo. F.S.Blumm contribue aux enregistrements de guitare et de basse ainsi qu’aux échos de percussions saturées de sa boîte à spirales qu’il a lui-même fabriquée. Blumm est célèbre pour ses productions acoustiques en solo depuis ses premières sorties sur Morr Music ou Tomlab. Il est également apparu à quelques reprises sur Pingipung, par exemple avec son album Up Up And Astray (2013) ou en tant que collaborateur de Lee « Scratch » Perry avec le projet Quasi Dub Development en 2014. Il a enregistré trois albums en duo avec Nils Frahm et est membre du puissant collectif Jeff Özdemir & Friends à Berlin. Entangleland voit les deux artistes tisser ensemble une masse de motifs acoustiques, de mélodies synthétiques, de séqyences musicales joueées à la basse et aux claviers et de jams d’improvisation où la magie émerge de la somme des parties. « Il ne s’agit pas d’accompagner un thème de violoncelle avec la guitare ou vice versa », explique Andi Otto. « L’enchevêtrement des sons signifie qu’il faut lâcher les hiérarchies, que personne n’est le premier. Notre studio n’est pas une salle de contrôle, c’est un lieu d’imagination où l’on démonte les choses et où l’on les assemble ». Dont acte.

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