David Cross & Andrew Keeling: « October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 »

5 mai 2022

Si vous aimez le rock progressif rapide, vous pouvez arrêter de lire cette critique car il s’agit cette fois de musique douce. October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 est le dernier album de David Cross et Andrew Keeling. David Cross a été actif au sein de King Crimson dans les années 70, et a régulièrement fourni plusieurs albums, seul ou avec d’autres musiciens. Andrew Keeling est un compositeur, producteur et arrangeur, chargé de cours à l’Université de Liverpool et au Royal Northern College of Music de Manchester. Il est un grand fan de King Crimson et un ami de longue date de Robert Fripp. Il est, avec Mark Graham, le co-auteur de la série de livres A Musical Guide to King Crimson. Ils ont déjà collaboré en 2009, lorsqu’ils ont sorti leur premier album commun English Sun, qu’ils ont interprété en live à plusieurs reprises.

La série de CD Electric Chamber Music a probablement débuté en 2006 avec Unbounded de David Cross et Naomi Maki (piano et voix). Il a été suivi en 2009 par English Sun-Electric Chamber Music-Vol.2 de Cross et Keeling. Les enregistrements pour October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 ont commencé en 2009. L’album n’a été achevé qu’en 2020 et est finalement sorti en 2021. Sur l’album, Cross joue aux violons et Keeling joue aux flûtes, à la guitare et aux claviers.

On dit que la musique du duo est basée sur l’improvisation, et pourtant les deux semblent trouver régulièrement ce qu’ils cherchent dans leur recherche spontanée de sujets et d’inspiration. Cross et Keeling échangent constamment les rôles d’accompagnateur et de soliste, ou font des solos ensemble, jouant autour et se complétant l’un l’autre. Les paysages sonores qu’ils créent ensemble ne relèvent pas exclusivement de la musique de chambre, de l’harmonie et de la beauté. Parfois, la tendance aux expériences sombres s’impose. Dans le cadre, cependant, une certaine diversité dans les arrangements s’impose. Par moments, le violon sonne très profond, rappelant davantage un violoncelle. Keeling aime passer de la flûte, du piano et de la guitare pour jouer en duo avec le violoniste. D’autres fois, il ressemble à Eric Satie lorsqu’il joue sur son piano.

La musique de ce disque est principalement dédiée aux ambiances automnales, tandis que English Sun se voulait le reflet des sensations estivales. En plus des instruments conventionnels utilisés, on trouve parfois des enregistrements dits de terrain, qui contiennent les sons purs de la nature. En plus des ambiances romantiques et sombres, l’album offre une certaine mélancolie automnale.

En général, cet album est presque une heure de sons inhabituels, assez difficiles à classer. Il s’agit d’une musique instrumentale pour un auditeur exigeant, mais elle fait vibrer les cordes de la sensibilité et, à sa manière, peut évoquer les attributs d’un paysage d’automne. Mais je pense certainement que le jeu de ces musiciens très expérimentés trouvera son chemin vers certains auditeurs. Surtout ceux qui ont un esprit ouvert, et surtout des oreilles grandes ouvertes pour des solutions sonores ambiguës et loin d’être simples, combinant des éléments de différents styles.

L’album est assez sombre, lugubre et dépressif, ancré dans les structures du jazz moderne et de la musique contemporaine, du rock cross-over, avec même des influences orientales, avec de nombreuses marques de musique de chambre et un peu de folk romantique avec des rythmes répétitifs, souvent assez monotones. On trouve ici et là des éléments de rock progressif ou des traces de jazz-rock.

***1/2


Nick Robinson: « Lost Garden »

1 mai 2022

Nick Robinson, un habitué du Label Discus, expérimente les boucles de guitare depuis plus de vingt ans et son trio expérimental Das Rad trouve des occasions de les entrelacer avec Martin Archer et Steve Dinsdale. Ici, cependant, dans une rare sortie solo, il s’agit de la guitare dans toutes ses manifestations incroyablement variées.

Le nom de l’album provient d’un ancien duo d’ambiance, Lost Garden. La sensation d’être à la dérive dans un jardin de campagne qui n’a pas été visité depuis des années est la clé ici, avec chaque coin, de la clairière ensoleillée au terrain vague rongé par les épines, pris en compte dans le vaste répertoire de sons.

Le choc dépouillé de notes disparates, l’écho et le fuzz, le rugissement de l’overdrive, une houle proggy avec des tonalités et des textures dures et grinçantes. Si c’était un jardin, voici le terrain vague au fond, plein d’orties et de prunelliers, qui tirent les manches et déchirent la peau, mais avec une beauté cachée dans laquelle se cachent de jeunes oiseaux, un refuge pour les insectes. La distorsion est manipulée et malmenée, mais elle peut faire place à une sensation presque espagnole. Des ciels bleus et clairs sont évoqués et c’est le soin que Nick apporte au placement des notes qui permet à l’auditeur de se laisser guider.

Lost Garden n’est pas un album de guitare virtuose et il n’en est que meilleur. C’est une série complexe et réfléchie de motifs, comme s’il peignait avec la guitare, prenant constamment du recul pour s’assurer que l’effet est bon. La douceur de certaines notes, la juxtaposition d’éléments bouclés à l’envers, tout cela mène toujours plus loin. Il y a du fingerpicking à l’américaine, un sentiment de poursuite le long de chemins de campagne sous des nuages qui s’amoncellent ; et à d’autres moments, nous sommes frappés par l’insistance mélancolique et cyclique. La simplicité et la volonté de laisser les notes pendre, imprégnées d’espace, sont admirables.

Des sons de sirènes, distants, abstraits et inquiétants, résonnent, mais s’allient à une brise légère qui dérive, le plus léger bruissement étant celui des oiseaux qui jacassent dans les arbres. Les drones enveloppent parfaitement la scène sonore, lui apportant de l’ombre, tandis que de brèves explosions d’électricité statique effraient les oiseaux dans les arbres. Si l’on regarde un peu plus loin, au-delà de cet amas arboricole de tranquillité, la paix règne à nouveau, avec juste un soupçon de discorde. Des notes staccato soufflent dans le vent comme autant de feuilles et il y a un calme pastoral dans une grande partie de l’album qui n’aurait pu être produit qu’au Royaume-Uni. Par moments, les morceaux dérivent comme des fantômes, chargés de texture, se déplaçant doucement, les notes étant à peine présentes au milieu d’un silence qui fait écho.

Cela nous fait penser que c’est le genre de son auquel Maurice Deebank serait arrivé s’il avait eu cette inclination, car il y a quelque chose de cette texture Felt et un amour résolu de la guitare. Mais Robinson réussit à aller bien au-delà de ces idées et à les développer, en repoussant les limites et en obtenant quelque chose qui lui est propre.

C’est certainement l’une des explorations de guitare solo les plus satisfaisantes que j’ai entendues et c’est un must pour tous ceux qui sont enclins à le faire.

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Charlotte Roe: « Words Out Of Words »

28 avril 2022

Artiste numérique avant tout, Charlotte Roe, basée à Huddersfield, nous livre avec Words Out Of Words une portion oblique et divertissante d’abstraction musicale. Si l’on se base sur le portfolio de l’artiste en matière de codage et de génération, ainsi que sur les travaux expérimentaux trouvés en ligne, il est probable qu’il y ait une histoire fascinante sur la façon dont les morceaux ont été créés. S’il serait intéressant de savoir s’il s’agit du résultat d’un processus compliqué d’improvisation guidée par le code, la musique se suffit à elle-même.

Constitué de trois courts morceaux qui semblent avoir été réalisés avec le même équipement, Roe a travaillé avec une palette de rythmes bizarrement infléchis, de touches jazzy bancales et de voix aléatoirement coupées, hachées et indiscernables.

La musique de « Ten Foot of the Rare Foot » ressemble à un beat de la deuxième ère des productions de RZA, moins riche en samples, une poignée de notes sinistres sur un rythme de claquement et de claquage. Les voix sont hachées dans un fouillis d’interférences radio déchiquetées et envoyées dans des pierres à sauter semblables à des échos. On a l’impression que les mots sont au cœur de Words Out Of Words, mais aussi qu’ils sont les éléments les plus arbitrairement placés, un accident direct. 

Le premier morceau, « [Redacted] », est une mélodie partielle de claviers qui laisse autant de vides que les voix synthétiques. Sur ce morceau, il est possible d’entendre l’ébauche d’une phrase cohérente, sur les deux autres, c’est plutôt un flou de syllabes superflues et de mots coupés. Plus on entend de mots réels, plus l’oreille essaie de s’y accrocher pour trouver un sens, favorisant une curieuse intimité que Roe laisse inachevée.

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MAW (Frank Meadows, Jessica Ackerley, Eli Wallace): « A Maneuver Within »

28 avril 2022

On aime le concept d‘un trio de stars et c’est exactement ce que cet album est. Frank Meadows, Jessica Ackerley et Eli Wallace ont tous trois réalisé d’excellents travaux en solo ces dernières années, en plus d’une foule d’autres projets de collaboration essentiels, mais MAW n’a rien à envier à tous ces projets. A Maneuver Within est une vitrine habile du talent inné de chaque artiste et l’environnement contrôlé apporte une couche supplémentaire d’intimité, donnant l’impression que nous sommes installés dans ce petit espace avec eux. Tout semble à la fois petit et puissant, et si nous respirons trop fort, les structures s’effondreront. La puissance dans les moments calmes est un thème central de A Maneuver Within.

Chaque petit passage requiert une attention constante, mais tant que nous restons dans l’instant, les petits détails et les arrangements réduits offrent des récits profondément gratifiants. Le bouillonnement des basses ondule dans « Prophase » comme si le sol s’était transformé en un liquide visqueux et consommait lentement tout ce qu’il touche. Meadows et Acklerley sont des acrobates qui se déplacent dans tous les angles et dans toutes les directions, mais évitent soigneusement d’entrer en collision à chaque tournant. C’est hypnotisant.

Une tension grinçante s’installe dans la poche de « Metaphase », épelant les noms des fantômes avec une planche ouija électrifiée. Des drones de basse altitude se frayent également un chemin dans la pièce, mais leur tactilité nous fait dresser les cheveux sur la tête. Des ambiances sombres tirent dans des directions disparates, menaçant de rompre le dernier fil avant que « Anaphase » ne prenne le relais. Les squelettes percutants des techniques de piano crépitantes de Wallace voltigent dans l’espace avec une fantaisie énigmatique. Des notes répétées se déchaînent dans l’urgence, tentant d’échapper aux grattages rapides d’Ackerley et aux archets dansants de Meadows. Les figures se déplacent selon des schémas inattendus, laissant des formes angulaires gravées dans les murs en miroir. 

Ackerley continue de montrer qu’il n’y a rien qu’elle ne puisse jouer, ces minuscules spectacles minimalistes devenant un terrain fertile pour qu’elle tisse toutes sortes d’anxiétés dans ses cordes. Elle trouve une courbure émotionnelle dans les paysages expressifs de l’opus latéral « Decay ». Des mondes se développent à partir des passages sonores tendus, se contractant finalement avant de recommencer le processus sous un nouvel angle. 

Des tonalités creuses sautent du piano alors que « Decay » avance à la recherche d’un vide où les avaler avant d’être étouffées par les subtils points de basse archetés de Meadows. Les forces obstinées entre les deux timbres nous incitent à tendre l’oreille pour écouter ce que l’air entre les deux murmure. Des cliquetis et des disséminations en poussière grattée. Le vide se transforme en une chambre d’écho où les pincées d’Ackerley dansent tranquillement à la périphérie, comme si personne d’autre ne pouvait les voir ou les entendre. Tout se rassemble pendant un bref instant avant de se disperser, une fois de plus, parmi les étoiles déclinantes.

***1/2


James Krivchenia: « Blood Karaoke »

18 avril 2022

Peut-être plus connu en tant que batteur de Big Thief et producteur de leur album indie tendance outlaw country Dragon New Warm Mountain I Believe In You, James Krivchenia est un exemple parfait de la quantité de musique que l’on peut vraiment faire en assemblant des échantillons audio et vidéo aléatoires.

Avec 14 chansons, sa dernière création dans le genre de la musique assistée par ordinateur, Blood Karaoke, est un amalgame bizarre de sons trouvés et de vidéos YouTube non regardées qu’il a obtenues par le biais d’un générateur aléatoire. Je peux honnêtement dire qu’il n’y a rien de tel sur le marché actuellement.

Parfois, il ressemble aux rythmes populaires du chill hop hop pour étudier la playlist, d’autres fois, il est complètement fou et ressemble à un ordinateur Mac des années 1990 qui brûle lentement pendant qu’un groupe de hair metal des années 80 joue en fond sonore.

Il n’y a pas vraiment de moyen de décrire l’écriture des chansons car il n’y en a pas. Ce qu’il y a sur Blood Karaoke, ce sont les compétences méticuleuses de Krivchenia en matière de montage. Même si le contenu qu’il a utilisé était en fait aléatoire grâce au générateur – clips de présentations PowerPoint de Microsoft Office, de jeux vidéo, de vieux clips d’informations locales, etc. – Krivchenia a passé au crible ce matériel et l’a assemblé pour former un LP expérimental et surréaliste.

De nombreux artistes ont utilisé cette technique dans le passé comme une forme de libération créative – Blockhead, Panda Bear, Com Truise – mais généralement uniquement pour un titre ou un élément jamais publié. Il faut reconnaître à Krivchenia d’être allé plus loin et de s’être tenu à ce que l’on pourrait appeler une idée gigantesque que beaucoup n’auraient pas vue jusqu’au bout.

« C’était un processus très itératif, long, avec beaucoup de montage et d’assemblage de petits moments ou de morceaux de 10 secondes avec beaucoup d’échantillons. La musique a été conçue pour être une composition de 40 minutes quelque peu ininterrompue et je considère les singles comme des extraits », explique-t-il dans un communiqué de presse.

Les titres des chansons sont également énigmatiques quant à ce que l’auditeur pourrait expérimenter, ce sur quoi de nombreux mélomanes comptent lorsqu’ils se plongent dans la musique strictement instrumentale. Oui, des titres comme « Calendrical Rot », « The Science of Imaginations », « Wall Facer » et « Styles of Imprisonment » ressemblent à des noms de groupes de prog metal, mais ils ont aussi un sens en tant que titres pour les sons de chaque chanson. Je peux dire pourquoi ? Pas dans un million d’années. Il y a une étrange déconnexion que beaucoup de musiciens ressentent lorsqu’ils nomment leurs chansons, surtout les chansons instrumentales, mais l’auditeur peut en tirer sa propre signification.

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High Pulp: « Pursuit of Ends »

18 avril 2022

Réunissez un groupe aux origines diverses et disparates qui combine jazz, punk rock, hip-hop, shoegaze et électronique et vous obtenez le collectif connu sous le nom de High Pulp. Si ce n’était du titre, on pourrait d’abord penser à la scène londonienne, mais le groupe est originaire de Seattle. Il s’agit principalement de bricoleurs, de musiciens sans formation officielle, qui ont de grandes oreilles et une fascination pour suffisamment de formes de musique pour créer une concoction singulière de produits de rêve. Le résultat est suffisant pour attirer certains des meilleurs musiciens contemporains du jazz comme invités, notamment Jaleel Shaw (Nate Smith & Kinfolk, Roy Haynes, Christian McBride), Brandee Younger (Ravi Coltrane, The Roots), le trompettiste Theo Croker (Dee Dee Bridgewater) et le claviériste Jacob Mann (Rufus Wainwright, Louis Cole). Il s’agit des débuts du groupe sur le label ANTI, qui accueille un ensemble diversifié d’artistes allant d’unités similaires comme Alfa Mist et Galactic à d’autres comme Ben Harper et Mavis Staples. High Pulp propose son jazz expérimental et exploratoire sur Pursuit of Ends.

Comme nous l’avons dit, les cinq membres du groupe puisent dans une variété d’influences. Le claviériste Antoine Martel a un penchant cinématographique, inspiré par tout ce qui est synthétisé – les musiques de films et les paysages sonores éthérés.  Son collègue claviériste Rob Homan peut être décrit comme un improvisateur fanatique, tandis que le saxophoniste alto Andrew Morrill est aussi avant-gardiste que les autres. Le saxophoniste ténor et multi-instrumentiste Victory Nguyen est imprégné des sonorités spirituelles de Pharoah Sanders, tandis que le bassiste Scott Rixon est issu des conventions du métal et du hard rock et que le batteur Bobby Granfelt, la lumière directrice du projet, privilégie le bebop et le hip-hop. D’autres membres du personnel agrémentent certains morceaux. Il s’agit d’Alex Dugdale (saxophone ténor, clarinette basse), des trombonistes Greg Kramer, Isaac Poole et Jerome Smith, et du guitariste Gehrig Uhles. Il faut savoir que pas moins de neuf musiciens jouent sur « All Roads Lead to Los Angeles » et « A Ring On Each Finger ».

High Pulp fait le tour de la question – des traces de fusion vintage avec le côté éthéré de Weather Report, mais les doubles claviers et les multiples synthés les font entrer dans le domaine des groupes de fusion plus contemporains tels que les groupes britanniques The Comet Is Coming et Alfa Mist, avec des éléments cinématographiques de Slowly Moving Camera et des Dreamers de Mark Lockheart. En fin de compte, cependant, cela semble plus une coïncidence qu’une imitation. Certaines pièces présentent des aspects de tous ces points de référence. Considérez leur histoire pendant une minute. Leur premier album, Bad Juice, est sorti sur le label britannique King Underground, et leur série de trois EPs intitulée Mutual Attraction a réimaginé le travail de Sun Ra, Cortex et Frank Ocean, entre autres.

Le morceau d’ouverture, « Ceremony », penche dans la direction cinématographique, avec des paysages sonores étendus sur des signatures temporelles non conventionnelles qui produisent un flux et un reflux ondulants qui amènent l’auditeur dans des endroits à la fois heureux et inquiétants. « All Roads Lead to Los Angeles » est résolument frénétique avec ses breakbeats et ses cuivres pulsés, comme s’il s’agissait d’un carrefour animé attendant l’arrivée d’un personnage important. Il s’agit de l’altiste invité Jaleel Shaw qui se pavane en soufflant avec abandon. Cette énergie débridée se dissipe dans un état brumeux et rêveur sur « Blaming Mercury » et s’illumine légèrement dans l’électronique industrielle centrée sur les claviers et les synthés de « Window To A Shimmering World ». Le spacieux « Chemical X », soutenu par des rythmes hip-hop, ressemble aux paysages sonores familiers de Jonny Greenwood dans le film Power of the Dog, avec des lignes de guitare envolées enveloppées de claviers et de synthés luxuriants. 

L’effet stratifié d’un choral à 11 voix de vents, de cors et de piano met en scène des instruments tels que la clarinette basse, deux trombones et un tuba dans l’onirique « A Ring On Each Finger », qui, plus que tout autre, est une étude de la retenue, car il semble que l’un des instruments veuille percer le nuage sonore comme un éclat de soleil, mais reste en place. L’invité Jacob Mann prend le premier solo de synthétiseur dans le pétillant « Kamishinjo », tandis que le « Inner Crooner », sans invité, est un bref morceau mettant en vedette les saxophonistes Morrill et Nguyen.  Le son distinctif de la harpe de Brandee Younger donne le ton de la vague et du vertige psychédélique de « Wax Hands ».  L’intro grondante de la batterie de Granfelt pour « You’ve Got to Pull It Up From the Ground » laisse présager un parcours plus aventureux avec le fougueux trompettiste Theo Croker se joignant aux saxophonistes, mais en fin de compte, ce parcours reste doux, pas cahoteux.

Granfelt l’a bien dit lorsqu’il a déclaré que leur son tendait plus vers la synthèse que vers la fusion. Il y a peu de solos dans cette musique d’ensemble, rêveuse, qui va de l’avant et se perd.  Les moments d’agressivité et d’acharnement sont rares, les paysages sonores luxuriants et stratifiés prévalant.

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Alabaster DePlume: « Gold »

11 avril 2022

Au début de l’année 2020, Alabaster DePlume a publié To Cy & Lee : Instrumentals Vol. 1, une belle collection qui a fait découvrir à beaucoup le style de composition brumeux de DePlume et son jeu de saxophone alto tremblant. La différence majeure de ce nouveau double album, Gold, est que la voix de DePlume occupe une place prépondérante sur plus de la moitié de ces 19 titres. Il faut un peu de temps pour s’habituer à son style vocal, à la fois parlé et mystique, qui ressemble à la 3D de Massive Attack dans une fête foraine. À l’instar de la voix de DePlume, Gold n’a pas à rougir de son exécution décousue et ouverte à tous les canaux. L’ambiance est facilement résumée dans le sous-titre de l’album, Go Forward In The Courage Of Your Love, qui provient d’un poème que DePlume récite en direct au début de « Fucking Let Them », et qu’il répète sur « Again » et « Broken Like ».

Gold serpente pendant plus d’une heure, ses morceaux variant en longueur de 90 secondes (« Visitors XT8B – Oak ») à sept minutes (« Now (Pink Triangle, Blue Valley) »). Les notes de pochette font état de 22 musiciens, dont le batteur Tom Skinner (Sons of Kemet, The Smile), ainsi que des guitares, des basses, des synthés, des cordes, des cuivres et de nombreuses voix féminines. Par moments, la musique s’approche du reggae défoncé et tapageur (« The World Is Mine »), du jazz-folk dépouillé (« I’m Gonna Say Seven ») et de l’électro-dub ondulante (« Do You Know A Human Being When You See One ? »).

Cependant, Gold est au plus beau et le plus attachant lorsque DePlume s’abstient de faire de la poésie rythmique et laisse la musique s’étirer et parler. Le premier titre, « A Gentle Acaba (Vento Em Rosa) », fait entrer l’auditeur dans le monde sonore brumeux de l’album grâce à une combinaison sans rythme de basse, d’harmonies vocales fredonnées et de saxophone. Cette palette simple mais efficace est revisitée sur « The Sound Of My Feet On This Earth Is A Song To Your Spirit » avec un violoncelle à archet supplémentaire. « Now (Stars Are Lit) » est un instrumental fantomatique et cosmique propulsé par une batterie clairsemée, des voix aigües et des synthés et violoncelles ondulants. « Visitors YT15 – Krupp Steel Condition Pivot » fait appel à des chuchotements vocaux et à des cordes bourdonnantes et lugubres pour un effet magnifique. Et le dernier morceau « Now (Pink Triangle, Blue Valley) » se déploie patiemment autour de strums de guitare électrique d’influence post-rock. 

Étant donné que la voix de DePlume est une saveur si forte, l’attrait de Gold dépendra sans doute de votre goût. Je la trouve très bien à petites doses, mais dominante sur un double album. Il y a de la bonne musique ici si vous avez la patience de choisir les meilleurs morceaux.

***1/2


Orange Crate Art: « Contemporary Guitar Music »

31 mars 2022

S’il existe une technique éprouvée pour attirer un certain type d’amateurs de musique vers vos produits, c’est bien celle qui consiste à mettre en avant la nature obscure d’un artiste. Cette approche est applicable dans de nombreux scénarios différents. Si vous êtes un label de réédition, c’est une bonne chose si l’album que vous rééditez a fait l’objet d’un pressage limité à 50 exemplaires pour les amis et la famille en 1969. Si vous essayez d’impressionner vos amis qui pensent avoir tout entendu, dénichez un bootleg d’un groupe qui n’a jamais sorti de musique officielle. Si vous dirigez un label qui publie les nouvelles œuvres d’un artiste actuel, soulignez les longs intervalles entre les albums. Appâtez l’hameçon de la sorte et vous ne tarderez pas à attirer les obsessionnels qui recherchent, tels des junkies de l’audio, leur dernier tube.

On comprend donc la tendance à l’hyperbole dont fait preuve Somewherecold Records à l’occasion de la sortie de Contemporary Guitar Music. « Si vous êtes au courant du contexte, de la mythologie, alors vous saurez que la plupart des œuvres de [Orange Crate Art] n’ont jamais été publiées », affirme le texte accompagnant l’album. Nous sommes certainement intrigués – il y a très peu d’œuvres répertoriées sous Orange Crate Art sur Discogs, alors peut-être y a-t-il un énorme coffre-fort de matériel inédit accumulé au fil des ans. Sauf qu’il y a plus de 20 albums sur la propre page bandcamp du groupe, un mélange d’EPs, d’albums et de bandes sonores. Donc, à moins que nous parlions de niveaux de productivité de Prince, tout ceci indique que la mythologie mentionnée ci-dessus n’est que cela – un mythe.

Pourtant, l’homme de la publicité a fait son travail, et c’est pourquoi vous avez devant vous une critique de Contemporary Guitar Music. Le titre est plutôt prosaïque comparé à certaines des autres sorties d’OCA qui sonnent comme si elles auraient pu être des favoris populaires de Tangerine Dream ou Yes à l’époque, et cela est peut-être dû à un changement de style par rapport à ses autres productions récentes. Les récents EPs d’Orange Crate Art se sont appuyés sur l’attachement de Tobias Bernsand à Brian Wilson, ce qui est compréhensible vu le nom de son groupe ; avant cela, son travail comportait un élément shoegaze plus dépouillé. Cet album est musicalement plus proche de ce dernier, et il conserve un élément chaotique attachant. Comme Bernsand joue toute la musique lui-même, il veut peut-être donner l’impression d’un groupe qui commence à se souder dans une prise live sur le morceau d’ouverture « Stud Phaser ».

« Self-Similarity Fractals » »capture l’essence d’Orange Crate Art sur cet album ; un motif de guitare discipliné tourbillonne sur une guitare basse dubby et une batterie qui passe d’un son de cliquetis serré à la Seefeel à un rythme plus lâche à mi-chemin. Se promenant sur un tempo qu’Andrew Weatherall appelait « drug chug », Bernsand allège ce groove tendu en ajoutant un soupçon de steel drums par-dessus. C’est le stratagème favori des producteurs qui sont aussi des inconditionnels des Beach Boy, et cela fonctionne à merveille. Bernsand se contente de laisser ses morceaux évoluer lentement pendant toute leur durée, et ils prennent leur temps pour le faire – le trio de morceaux d’ouverture dure près de sept minutes chacun. Mais cela lui permet d’orienter occasionnellement l’arrangement dans une autre direction, de laisser la musique se dérouler à peu près comme le ferait un groupe qui improvise. Nous n’avons aucune idée de la façon dont un musicien peut saisir cet esprit, mais nous le félicitons de l’avoir fait.

Bernsand a révélé qu’il s’agit de sa troisième tentative d’enregistrement d’un album pour le label Somewherecold ; cela n’allait pas en 2017 et 2019, mais tout s’est mis en place en juin 2021. Nous ne sommes toujours pas convaincus par les tentatives du label de mythifier les œuvres inédites d’Orange Crate Art, bien qu’il ait fallu attendre cinq ans pour cela, ce qui est peut-être compréhensible. Certes, le titre de l’album n’a pas été retenu – on dirait qu’il s’agit d’un disque de guitare folk acoustique – mais musicalement, l’album ne fait pas fausse route. Bernsand a créé un son vaporeux et hypnotique, tendu mais toujours lâche, parfait pour s’écrouler par une après-midi ensoleillée. Contemporary Guitar Music devrait, espérons-le, permettre à Orange Crate Art de se libérer de l’étiquette d « artiste obscur ».

***1/2


Katarina Gryvul: « Tysha »

27 mars 2022

Sur Tysha, le deuxième album de l’artiste Katarina Gryvul, née en Ukraine et basée en Autriche, les planètes sont brisées en morceaux pour être réassemblées en paysages imaginatifs et complexes. L’utilisation par Katarina Gryvul d’instruments acoustiques et de traitements électroniques crée une vaste palette où aucun son n’est hors de portée. Sa vision et ses compétences illimitées en tant que compositeur sont le ciment qui permet de trouver de nouvelles et belles façons de relier cette toile tentaculaire d’idées sonores.

Le morceau titre s’ouvre sur des feuilles électriques qui tombent en motifs répétitifs avant que des rythmes cataclysmiques ne submergent tous les sens. C’est déstabilisant, mais aussi séduisant. Les flûtes ressemblant à des harpes reviennent, colorant l’espace entre les coups de basse avec une élégance éphémère. Les voix traitées et respirées se répandent comme des éclats de lumière alors que « Tysh » » oscille entre beauté et chaos. Les cordes font monter le drame jusqu’à la fièvre avant que tout ne se dissipe comme de la fumée au loin. Quelle déclaration incroyable et puissante pour ouvrir l’album.

Des couches répétées de mélodies vocales sont au centre du morceau phare « Vidsutni », qui gagne en force émotionnelle tandis que les vrombissements électroniques et les drones de basse profonde aspirent tout l’oxygène. Il y a un courant sous-jacent de supplication, plein d’émotion incandescente et de détermination stoïque, tissé dans chaque phrasé. C’est puissant et hypnotique. Lorsque l’instrumentation se retire, il ne reste que la voix de Gryvul en équilibre sur un fil d’argent où elle revient dans la mêlée tandis que les rythmes grondants avancent sans se décourager. 

La voix de Gryvul est une entité toute-puissante qui protège une civilisation entière contre des forces extérieures effrontées. De nombreux aspects de Tysha donnent l’impression de préserver et de trouver un refuge. Des paysages sonores caustiques aux arêtes vives cherchent continuellement à pénétrer dans le sanctuaire intérieur, mais l’utilisation par Gryvul de mélodies fantomatiques et d’une instrumentation douce agit comme un bouclier. Ces résonances douces et changeantes sont impénétrables et toujours soutenues par la voix magique de Gryvul. « Ruyina » oscille entre des ruminations funèbres et des motifs sismiques oscillants, mais des expressions sans paroles à la dérive lient le tout avec un ruban noir.

Tysha est spectaculaire dans sa façon de se déplacer et de dériver autour de ce sentiment central d’incertitude situé au bord du précipice de l’instant présent. La musique de Gryvul s’attaque à ces nuages sombres et à ces moments épars en s’y enfonçant tête première. Lorsque des pulsations de basse propulsent les arpèges statiques et autres bugs de « Porozhn’o » dans l’atmosphère, la voix de Gryvul perce comme un phare. Elle le fait sur presque chaque chanson et cela ne cesse jamais d’être envoûtant. C’est la lumière au bout du tunnel, la voie à suivre. Tysha se termine par un murmure flou, prêt à affronter à nouveau la longue nuit. Stupéfiant.

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Jadelain: « Pumping A Contrarian Heart »

19 mars 2022

Dans nos poitrines, il y a une lueur. Parfois, elle est douce, à peine visible. À d’autres moments, elle est aveuglante. Nous traversons chaque jour en suivant les schémas circadiens qui circulent dans nos veines, en espérant que le soleil continue de se lever alors que de petits moments s’entrecroisent pour créer une tapisserie légère autour de notre cœur. L’album Pumping A Contrarian Heart de Jadelain célèbre ces petits espaces et se déplace avec une cadence semblable aux battements du cœur. Ces chansons sont remplies de mélodies accrocheuses et cristallines et d’arrangements énergiques qui oscillent entre la fantaisie du quart-monde et la contagion de la pop, le tout enveloppé dans la superbe couverture de Filip Olszewski.

Des arpèges sans fin se faufilant dans les vignes suspendues sur le séduisant morceau d’ouverture, « Daphne Loves Darby ». Les rythmes de célesta dessinent une brume anxieuse sur des guitares qui s’agitent, voguant sur un doux jetstream. Il y a une joie tranquille dans chaque note. Jadelain fait une musique qui est à la fois organique et pure. Des mélodies familières prennent des formes différentes, construites avec des timbres futuristes et des structures de chansons surprenantes qui créent un autre type de paysage.

« Contrarian Heart 1 » est une cascade de verre entourée d’une flore vibrante aux teintes atypiques. Nous sommes béatement suspendus dans un hamac de platine, poussés par les ondulations sonores aqueuses jusqu’à un endroit où nous ne pouvons nous empêcher de nous sentir enchantés et vivants. Ce sentiment continue de croître sur « Contrarian Heart 2 », nous faisant glisser sur des rivières transparentes comme un galet qui saute allègrement vers l’autre rive sans penser à plonger dans les profondeurs glacées. La magie est ici présente sous toutes ses formes.

La précision robotique ne semble jamais stérile sur Pumping a Contrarian Heart. Les pincées MIDI rapides qui ponctuent l’ensemble de l’album dansent en couches superposées, comme une chorégraphie avec les feuilles qui volent et les volées d’étourneaux majestueux. « 1950 » est plein d’anticipation, la nostalgie est éparpillée dans l’arrangement comme le duvet de pissenlit après un vent vif de printemps, la fraîcheur d’après tempête ponctuée par des rythmes incisifs et des pistes bouillonnantes. Chaque moment de Pumping A Contrarian Heart est animé d’un but et l’espoir est omniprésent. Jadelain a construit un monde sonore chimérique que l’on ne veut jamais quitter.

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