Ana Foutel & Edgardo Palotta: « Ritual »

4 août 2021

Enregistré à Buenos Aires au premier semestre de cette année, Ritual est la deuxième collaboration entre la pianiste/percussionniste Ana Foutel et le multi-instrumentaliste Edgardo Palotta. Le fait que l’enregistrement ait été réalisé en direct en présence des deux musiciens ne serait pas remarquable dans des circonstances ordinaires, mais à l’époque du COVID, il représente une affirmation presque provocante de la durabilité des liens humains.

Cette connexion est amplement démontrée par la musique acoustique sûre d’elle que les deux musiciens ont enregistrée. Foutel et Palotta explorent un spectre de possibilités d’improvisation allant des duos mélodiques aux confrontations de sons abstraits.

Le tout premier morceau, par exemple, introduit l’ensemble avec le travail de stentor mais pourtant mélodieux de Palotta, qui recouvre avec force l’élégant pianisme de Foutel. En revanche, un morceau comme Acá no nieva passe en douceur de sons à base de hauteurs à des sons non aigus, avec la flûte indienne de Palotta comme pivot. En plus de la flûte indienne, Palotta joue de la clarinette basse, de la clarinette et de la contrebasse pizzicato. Sur les trois morceaux où l’on retrouve ce dernier instrument, Palotta énonce des figures répétées, variant lentement, que Foutel reprend au piano et transforme par des variations d’hélice.

***1/2


Liars: « The Apple Drop »

1 août 2021

En ce qui concerne les métaphores visuelles, la vidéo de « Sekwar » de Liars est pertinente, bien que lourde. Depuis plus de 20 ans, Angus Andrew, de Liars, transmigre des éléments de musique post-punk, expérimentale et électronique dans une œuvre en constante évolution. Il est donc naturel de voir l’artiste déclencher des fusées éclairantes dans un abîme caverneux dans le clip de « Sekwar », pour finalement se lancer dans son prochain voyage. The Apple Drop, le dixième album du groupe, reprend, à cet égard, certains des meilleurs éléments de Liars, tout en propulsant Andrew dans de nouveaux paysages sonores audacieux.

Qu’il s’agisse de contorsionner le dance-punk du début des années 2000 (comme sur le premier album en 2001, They Threw Us All in a Trench and Stuck a Monument on Top), de dissonance électro (voir le « single » de 2004 « There’s Always Room on the Broom ») ou de rythmes de cercles de tambours communautaires (comme sur le LP de 2006, Drum’s Not Dead), Liars a toujours été capable de poser un groove hypnotique. C’est également le cas sur The Apple Drop. « The Start » est un morceau d’épouvante progressive et rampante, qui s’articule autour d’un fuzz de basse décrépit, d’arpèges de synthé post-Carpenter et des gémissements multicouches d’Andrew autour d’un motif de deux notes en clé mineure ;  « Slow and Inward » passe par des cordes pizzicato enivrantes et des effets de guitare à forte teneur en trémolo pour un effet baroque ; l’horreur cyclique de « My Pulse to Ponder » » augmente la méchanceté du disque avec un rythme efficacement accrocheur et sournois à la manière des Cramps.

Tout en faisant écho à des moments de l’histoire de Liars, des titres comme « Sekwar » et « From What the Never Was » » une chanson luxuriante qui fait appel aux basses, rappellent également la période Kid A de Radiohead. Cela dit, l’album ressemble quand même à Liars, grâce à la gamme caractéristique d’Andrew, qui comprend des voix graves et des falsettos déconcertants. Avec « Sekwar » à l’esprit, une toile de fond ornée mais étonnamment nerveuse de synthétiseurs et de rythmes décalés est encadrée par le manifeste du voyageur à moitié parlé d’Andrew : « They told me I’m a juiced-up, worn-out sad sack / And I can’t figure out what I’m trying to do here » (Ils m’ont dit que je suis un sac triste et usé / Et je n’arrive pas à comprendre ce que j’essaie de faire ici). Mais même si le rythme envoûtant de « Sekwar » tourne en boucle vers l’infini existentiel, les sons les plus touchants de la chanson sont sans doute les noodlings de piano précieux, mais peu soignés, vers la fin.

L’attachement de Liars au groove est inébranlable, mais il y a aussi des moments moins rythmés sur The Apple Drop. Après un drone de synthétiseur introductif et divers bruits de delay, par exemple, « Star Search » réduit sa section centrale à un piano de saloon malade et aux rêveries merveilleusement inconfortables d’Andrew dans les aigus sur, peut-être, les limites de la célébrité : « You can forget your job/You can forget your life/You’re gonna be a star/That’s all you ever are » (Tu peux oublier ton travail/Tu peux oublier ta vie/Tu vas être une star/C’est tout ce que tu as jamais été). « New Planets New Undoings » est un final plus libre de piano et de folie vocale vocodée.

TFCF en 2017 et Titles With The Word Fountain l’année suivante ont été la réaction artistique d’Andrew au départ du cofondateur de Liars, Aaron Hemphill, du projet – la pochette de chacun d’eux montre Andrew habillé d’une robe de mariée, un commentaire sur l’aspect semblable au mariage des partenariats créatifs. Bien qu’il ait avancé en solo sur ces projets, il s’est lancé dans The Apple Drop avec une idée de groupe en tête. « Mon objectif était de créer au-delà de mes capacités, quelque chose de plus grand que moi », explique-t-il dans un communiqué de presse. « Pour la première fois, j’ai embrassé la collaboration dès le début, en permettant au travail des autres d’influencer le mien ».

S’entourer de l’équipe de choc du batteur de jazz d’avant-garde Laurence Pike (son groove maigre et verrouillé sur « Big Appetite » et le funk plus impressionniste de « Leisure War » sont de premier ordre), du multi-instrumentiste Cameron Deyell et de la parolière Mary Pearson Andrew a fait des merveilles pour le dernier album de Liars. C’est Andrew qui est à l’origine de la flamme, mais cela ne ferait pas de mal de faire venir quelques autres Liars pour la balade.

***1/2


Field Kit: « Field Kit »

1 août 2021

Field Kit est le premier album éponyme de ce collectif musical basé à Berlin, dirigé par la violoniste et compositrice allemande Hannah von Hübbenet. Pour cet album, cette dernière a collaboré avec le pianiste, compositeur et producteur berlinois John Gürtler, et ensemble, ils ont produit un album de compositions originales et surprenantes.

Grâce à un savant mélange de sons industriels glacials et d’épisodes acoustiques plus chaleureux, une atmosphère de « cyber-noi » s’installe. Le futur rencontre le rétro, et leurs deux mondes sonores individuels entrent en collision. Des sections de cordes délicatement pincées entourent la voix et les autres instruments, dégageant une certaine chaleur corporelle et réchauffant la musique, et la nature hautement rythmique de la musique est toujours au cœur de la tempête. Les sons mécanisés et robotiques sont toujours à portée de main, donnant une impression d’acier à tous les autres morceaux. Mais, en se libérant, en se coupant complètement des fils désordonnés de l’émotion humaine, les sections les plus motorisées de Field Kit ont pour effet de renforcer la musique, de la rendre plus résolue, plus froide ; ses bras robotiques sont capables de soulever des poids qui auraient écrasé un squelette mortel. C’est l’équilibre que von Hübbene et Gürtler ont cherché à atteindre, et ils avancent d’un pas assuré.

Field Kit est, ainsi, capable de façonner un son innovant en utilisant des débris et des matériaux provenant de décennies plus anciennes, ainsi qu’un futur pas encore réalisé, qui résonne dans les couloirs d’un temps à venir. La musique semble mûre pour la cueillette, même si certaines parties de son son se situent quelque part dans le futur, et, comme beaucoup de science-fiction spéculative, elle ne dépeint pas les perspectives les plus roses. Les cordes sont capables de porter des coups dévastateurs, avec de nombreuses guerres à mener encore à l’horizon, et à d’autres moments, elles se flétrissent dans la chaleur suffocante due au spectre implacable du changement climatique, qui est ici et maintenant, dans les récentes et sans précédent inondations européennes et les températures punitives le long de la côte ouest des États-Unis. C’est pourquoi ce disque est aussi très humain, dans la mesure où il aborde de front le concept et la réalité de la souffrance, qui a une emprise permanente sur l’espèce, s’accrochant à l’humanité quelle que soit l’époque actuelle ; c’est une constante.

D’une manière ou d’une autre, le tandem a sculpté un disque aux angles aigus et à l’architecture forte, un son qui ne ressemble à aucun autre, mais une musique qui est toujours capable de s’unir, alors qu’on aurait pu penser que c’était impossible. Les contraires s’attirent, et la musique ici est capable de transcender ses différences, ses contrastes, faisant renaître quelque chose de nouveau de ses cendres.

***1/2


Yes/And: « Yes/And »

30 juillet 2021

La guitariste expérimentale Meg Duffy (Hand Habits) et le producteur Joel Ford (Oneohtrix Point Never, North Americans) ont commencé leur collaboration à Los Angeles. Leurs sessions de studio ont eu lieu alors que le reste de la Californie et le pays dans son ensemble se débattaient sous la totalité de Covid-19, en proie à l’obscurité permanente de la pandémie.

Enregistré à une époque où la maladie se propageait rapidement et où le nombre de décès s’accumulait, on pourrait penser que la musique qui en résulte est une pilule amère à avaler. En réalité, c’est l’inverse qui se produit : elle est pleine de couleurs, de chaleur et de vie, positive dans tous les domaines. Calme et claire, la guitare est portée par une pensée positive, regardant l’extérieur avec une bonne dose d’optimisme. Les textures de Ford se trouvent à l’arrière-plan, couchées mais aussi actives, touchant et balayant les notes de la guitare comme un tissu léger, transformant sa teinte et influençant sa tonalité. Les textures créent beaucoup de distance, élargissant le son global jusqu’à ce qu’il surplombe une vue ouverte et spacieuse, sans fin. Learning About Who You Are » est particulièrement doué pour la dérive, et ses textures colorées s’écoulent sans effort dans une progression floue, dissimulée dans des niveaux de réverbération montagneux, tandis qu’un déclin grésillant ronge ses bords, décomposant la musique au moment même où elle s’apprêtait à se construire.

Ce disque est un collage cohésif, à mi-chemin entre l’épanouissement et la dissolution. L’alias du duo, yes/and, « embrasse un élan insaisissable et curieux », et en l’espace de dix morceaux, la musique bouillonnante est capable de parler clairement malgré son âme expérimentale. Elle n’a aucun poids par rapport au monde réel et à ses récents problèmes. Si l’on regarde à l’extérieur, au-delà de la sécurité des murs du studio, le monde est bien différent. La musique a toujours été un moyen d’évasion, mais cela semble d’autant plus évident ici, car la déconnexion entre la musique optimiste et les événements du monde réel est mise en évidence. Mais c’est exactement ce dont on avait besoin… c’est un remède. La composition « In My Heaven All Faucets Are Fountains », qui clôt leur album éponyme, dégouline de notes lumineuses ; elles chassent la peur, la négativité, la puanteur de la maladie, purifiant l’air grâce au pouvoir de leur musique et à celui d’une amitié durable.

***1/2


Origamibiro: « Miscellany »

12 juillet 2021

Cette saison particulière accueille Origamibiro de retour après un hiatus qui a duré près de six ans et qui se manifeste sous la forme d’un album comprenant un ensemble de travaux amassés depuis la sortie de l’album Odham’s Standard de 2014, chaleureusement accueilli. Il marque également le retour du projet à ses origines en tant qu’entreprise essentiellement solo du compositeur et producteur Thomas William Hill, basé à Nottingham, bien que ce dernier n’hésite pas à souligner que le contrebassiste et multi-instrumentaliste Andy Tytherleigh, qui faisait partie de son incarnation en tant que trio audiovisuel, reste un collaborateur important.

La nouvelle collection s’appelle Miscellany, un titre qui s’avère approprié non pas parce qu’il sonne comme un album cousu ensemble à partir de travaux disparates sur une longue période de temps – bien au contraire – mais parce que c’est un mot qui capture l’essence du modus operandi éclectique d’Origamibiro, à savoir une « exploration de la nature tangible des objets quotidiens et des textures à la fois dans et hors de la maison ». Les ronces de la forêt, les jouets en plastique et les débris de pièces de piano démolies ne sont que quelques-uns des objets dont on nous dit qu’ils sont réutilisés pour tout le potentiel sonore qu’ils offrent, aux côtés d’une palette instrumentale variée comprenant la viole de gambe, le piano, la cithare, le bol chantant, le glockenspiel, les boîtes à rythmes et les gongs.

Ce qui fait que l’album fonctionne si bien, c’est que Hill ne se contente pas d’explorer les propriétés sonores de divers objets et instruments pour la nouveauté, mais semble surtout découvrir toute la gamme de leur musicalité. Il est vrai que l’on peut se surprendre à essayer de comprendre l’origine de tel ou tel son ou à s’amuser de l’ingéniosité dont font preuve des morceaux ludiques comme « Zoo », mais la vision musicale de Hill et ses compétences de compositeur font que le tout s’assemble de manière cohérente et convaincante. Les divers sons et textures sont étroitement tissés dans des structures rythmiques agiles et fusionnés avec une instrumentation luxuriante, des mélodies engageantes et une chaleur pastorale amicale qui en font un véritable plaisir à écouter. Si Miscellany englobe des travaux compilés dans le passé d’Origamibiro, il semble également ouvrir un nouveau chapitre pour le projet, ce qui est une perspective séduisante.

***1/2


Marcus Fisher: « Monocoastal » & Shuttle358: « Frame »

19 juin 2021

Le label expérimental américain 12k réédite certains de ses plus anciens disques, qui ont tous deux résisté à l’épreuve du temps. Frame, de Shuttle358, a été produit à l’origine en 2000 à Pasadena, en Californie, tandis que Monocoastal, de Marcus Fischer, fête son 10e anniversaire. Pour la première fois, les deux disques seront publiés en vinyle.

Monocoastal est décrit comme étant « l’un des moments les plus déterminants de l’évolution de 12k ». C’était la première sortie de Fischer, qui est devenu depuis un habitué du label, à la fois comme partenaire de tournée et comme collaborateur. Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce fut une sortie capitale. Monocoastal a également eu un impact sur le label dans son ensemble, façonnant ses sorties au cours de la décennie suivante, devenant ainsi un fil essentiel de la structure du label.

Pour ce disque, Fischer s’est inspiré de ses déplacements sur la côte ouest américaine. Le sifflement de la bande magnétique avance et recule, au rythme de la marée du Pacifique, et des sons organiques et minuscules se déploient comme un origami musical. Les enregistrements de terrain se mêlent aux instruments plus traditionnels et aux sons trouvés. Un piano a été trouvé, situé dans le coin d’un entrepôt de récupération, seul, abandonné, et a été ressuscité pour revenir à la vie une fois de plus. Il est assis à côté d’un xylophone, fabriqué à partir de clés en métal. Pour cette raison, Monocoastal contient à la fois des supports analogiques et numériques. Les sons naturels sont encouragés et on leur donne de l’espace pour respirer.

Le fondement de Monocoastal est un son lo-fi, dont les textures s’érodent et sont sur le point de se dissoudre complètement, en grésillant de façon distante. Les imperfections sont essentielles aux textures parfaitement formées du disque, et le son reste sobre et minimal. Les boucles tenteront toujours de se resserrer, mais les couches supplémentaires offrent un aperçu de l’expansion.

Minimalisme et design froid peuvent souvent aller de pair, mais bien que la musique de Fischer tende vers le minimal, les tons qu’il déploie sont en fait pleins de familiarité et de confort, rappelant deux décennies de vie sur la côte ouest. Les tonalités lo-fi font en sorte que la musique est effilochée, déchirée et usée, et cela vient du fait de vivre sa vie et de progresser avec le temps ; des rides et des plis vont apparaître, le visage frais finit par vieillir. Il en va de même pour la musique, et son vieillissement est la chose la plus naturelle du monde. La musique met l’accent sur la lumière et la côte ouest, se promenant le long des routes côtières et offrant ses vibrations détendues et côtières, bien que les tons soient encore quelque peu restreints. L’espace est essentiel, et rien n’est caché. Les notes conventionnelles « moins attrayantes » ont l’occasion de briller. Dans la musique populaire, ces mêmes notes auraient été éditées, polies ou rejetées, mais la beauté ne devrait jamais être définie par la popularité, et les sifflements discrets et les textures réfractaires à la lumière sont rendus encore plus beaux par leurs imperfections.

***1/2

L’édition du 20e anniversaire de Frame est citée comme étant la sortie « classique » du label basé à New York. Frame a inauguré une ère d’humanisme, de mélodie et d’organique à l’époque du Microsound et du mouvement Clicks and Cuts au début du siècle. Alors qu’il était encore imprégné de son numérique et de la magnification de l’erreur en tant qu’intention, l’album a ainsi a réussi d’une certaine manière à fusionner l’émotion dans ce qui était devenu un mouvement musical très structuraliste et froid ».

Sur Frame, Dan Abrams, alias Shuttle358, a produit un disque de conception minimaliste, avec de minuscules bruits de poussière, des clics et des micro-rythmes, qui ont ensuite été lavés dans une lueur ambiante, un éparpillement de débris numériques mis en ordre. Aujourd’hui, la musique semble toujours aussi fraîche qu’une marguerite, et c’est un signe fort et évident d’un disque spécial. Malgré sa mécanisation, la musique est toujours aussi chaleureuse et émotionnelle. D’une manière ou d’une autre, Abrams a inséré de l’âme et de l’émotion dans des grappes de sons semblables à des machines, et c’est là toute la magie de la musique. Quant à savoir pourquoi ou comment, on ne pourra jamais le comprendre, le révéler ou y répondre complètement… mais c’est là, tout de même.

Alors que les rythmes tournent en boucle, la robotique devient hypnotique, les rythmes formant une ligne de conception ordonnée, uniforme et quelque peu stricte dans ce qu’elle produit. D’une certaine manière, cependant, les textures austères sont imprégnées de quelque chose de très humain, et il y a un flux lâche et détendu dans sa musique, comme si, au milieu de ses murs de statique qui se dissolvent, il y avait un aperçu de quelque chose de plus, une âme enfermée dans les profondeurs du code de la machine mais toujours capable de chanter et de faire connaître sa présence. Frame n’a jamais l’impression d’être un disque décousu, même avec toutes ses pièces microscopiques et ses appareils tranchants. S’il y a des erreurs, elles sont exaltées au lieu de faire l’objet d’un sentiment de honte, elles font partie intégrante de la musique et influencent son flux et sa forme générale.

Comme le dit Abrams, « si vous placez un cadre vide contre un mur vierge, vous remarquez soudain la couleur, les motifs, les imperfections du plâtre. Le cadre est comme une fenêtre de perception. Il place le mur hors du temps. Le cadre attire l’attention sur ce qu’il contient – il l’agrandit, vous vous concentrez sur lui, il commence à symboliser le mur tout entier ».

***1/2


Karris Vasseur Duo: « A Step in the Dark Stirs the Fire »

16 juin 2021

Pendant la période de confinement de la pandémie, Reid Karris, improvisateur bruyant de Chicago, a enregistré un certain nombre de morceaux à l’aide d’instruments de percussion divers, tels que des bols en métal, des boîtes à ressort et des skatchbox. Il les a envoyées au guitariste français Christian Vasseur, qui les a assemblées en ajoutant son propre jeu de mohan veena et des traitements électroniques (le mohan veena est une sorte de croisement entre un sitar et une guitare acoustique). Les résultats sont capturés sur les onze enregistrements que l’on trouve sur A Step in the Dark Stirs the Fire.

Le choix d’instrumentation de Vasseur et son style délibéré et soigneusement rythmé contrastent avec le chaos organisé de Karris. L’album dégage une impression de douceur et de folie, Vasseur pinçant des notes sur les percussions à base d’objets de Karris. D’autre part, les deux hommes ne sont pas opposés à prendre des tangentes librement improvisées qui impliquent des notes tordues, des grattages et des structures psychédéliques.

Sur au moins un morceau, Vasseur s’attache à transformer les contributions de Karris en un mur de son inhabituel, mais pas désagréable. Mais la plupart du temps, Vasseur représente un semblant de normalité rurale tandis que Karris ajoute des textures et des sons plus sombres et étranges en arrière-plan.

On pourrait dire que Karris et Vasseur se situent à des endroits différents sur plusieurs axes – pays, culture, instrumentation et style, pour n’en citer que quelques-uns. A Step in the Dark Stirs the Fire est une offre brumeuse et tordue qui fait un travail remarquable pour réduire la distance euclidienne entre les points représentant Karris et Vasseur dans cet espace multidimensionnel. Fortement recommandé.

***1/2


Kajsa Lindgren:   »Momentary Harmony »

8 juin 2021

Envoûtant dans sa simplicité, Momentary Harmony de Lindgren est le genre de disque expérimental dont le label Recital est coutumier. Avec Sean McCann, la grosse pointure de Recital, et d’autres instrumentistes de renom, dont Maxwell August Croy (le propriétaire de l’impressionnant mais défunt label Root Strata), Momentary Harmony se savoure, constellé qu’il est d’un ensemble dinterprètes réputés aptes à saisir la vision de Lindgren.

Ceelle-ciest d’abord connue pour ses habitudes électroacoustiques et de field recording, mais Momentary Harmony explore la répétition à travers un large spectre, chaque composition capturant de manière similaire les rythmes naturels du monde extérieur. Il y a un impact spirituel et écologique lorsqu’on s’installe dans ce bijou d’album. « Interlute » est une mélodie déterminée que nous entendons d’une distance indéterminée ; le plumage et le cri qui l’accompagne ne peuvent être observés de près, mais doivent être perçus aveuglément de loin. « Punes » est un exercice vocal saisissant qui fait écho aux parois secrètes d’un canyon et qui se mêle à un bourdon subtil comme une pluie rafraîchissante et rinçante de la jungle.

Lindgren transforme les instruments en leur propre ensemble de sons trouvés et d’enregistrements de terrain. À une époque où la nature et l’homme semblent être de plus en plus en désaccord, ce sont les fortes rafales (parfois au sens propre) qui donnent l’impression que Mère Nature nous pousse avec une réelle détermination, nous giflant pour que nous nous réveillions face au défi actuel. Mais Momentary Harmony est généralement plus subtil que cela dans son exécution, mais le message n’est pas perdu dans ses tons plus calmes. Parfois, crier au-dessus du vacarme peut fonctionner pendant un moment, mais le sentiment humble et aiguisé de Lindgren, répété à l’infini, fait bien mieux avancer l’intrigue au fil du temps.

***1/2


Andrew Tasselmyer: « Piano Frameworks »

5 juin 2021

Andrew Tasselmyer a enregistré Piano Frameworks (Disintegration State) au cours de l’hiver 2020, sinistrement calme, alors que le port du masque était indispensable, que la police de Covid patrouillait et parcourait les rues, et que les nations étaient prises dans le cycle répétitif des confinements successifs. Neuf « cadres » émotifs constituent le corps du disque, dont la musique s’étend et s’étire au maximum. Un son fluide, semblable à de l’eau, est enveloppé dans la couche humide de la réverbération, ses notes se pliant sans véritable squelette, musculature ou forme définitive, mais fournissant néanmoins une série d’harmonies lumineuses qui, au début, semblent ancrées et sûres. Au fur et à mesure que la musique progresse, cependant, les harmonies commencent à se décomposer, et l’impermanence est un thème majeur du disque.

Piano Frameworks est aussi un album de redécouverte, à la fois du potentiel musical illimité du piano lorsqu’il est utilisé comme outil de conception sonore, et de la redécouverte des libertés musicales, comme la rupture des frontières et la déconstruction et l’effacement progressif des classifications de genre. Les possibilités sont toujours là, prêtes à être explorées, s’étendant au-delà du champ de vision normal et au-delà de l’horizon, et, sur Piano Frameworks, Tasselmyer puise dans le grand inconnu avec une musique rajeunie. C’est un peu contradictoire, car la musique est pleine de vie malgré son déclin et sa mort éventuelle, et le disque est presque une célébration de la vie persistante contenue dans ses notes mourantes. Le disque ressemble effectivement à un rajeunissement, mais, comme le dit Tasselmyer, « je voulais lui donner un sentiment général d’impermanence. Les pianos, les magnétophones et même la cassette sur laquelle la musique est imprimée vont inévitablement se dégrader, être remplacés ou tomber en morceaux. Tout cela est susceptible de se dégrader ».

Cela dit, la musique semble vivante, et c’est peut-être dû au fait qu’elle accepte le caractère inévitable de sa propre dégradation. Les magnétophones et autres équipements physiques tombent en panne, mais la musique peut aussi s’user. Cette acceptation est la raison pour laquelle Piano Frameworks semble si libre et si vivant, même si ses notes commencent à s’effriter et à se défaire. 

« Outgrowth » donne en fait l’impression de se débarrasser de sa vieille peau, d’évoluer en quelque sorte, plutôt que de s’éloigner et de retourner dans un silence qu’il appelait autrefois sa maison. Bien que les notes soient affaiblies et effilochées sur les bords, elles sont encore capables de briller, et le rythme léger, syncopé et tremblant est une injection de vitalité ; la musique ne se rendra pas.

La musique tombera un jour, retournant au silence, mais elle le fera avec un visage courageux, se prélassant dans la lumière d’une victoire glorieuse plutôt que de succomber à sa propre faiblesse et fragilité.

Les tons sont impermanents, comme tout le reste, et ils ont fini par accepter le fait que rien ne dure éternellement. Mais ce n’est pas une raison pour abandonner et, au contraire, la musique tire le meilleur parti du moment, tant en termes de potentiel que de qualité. Tasselmyer est un habitué de la composition d’ambiances, et l’expérience dégouline de chaque morceau de musique : des couches d’ambiances lumineuses remplissent les zones environnantes, capables d’étendre le son, tandis que le piano roule doucement. La décadence ne s’arrête pas, et elle ne peut être inversée. Il n’y a pas de crème anti-âge pour combler les lacunes, ni de maquillage pour dissimuler sa véritable nature, et avec des morceaux comme « Made New », les contrastes sont là pour que tout le monde puisse voir – que, malgré sa mort lente, une partie d’elle renaît, créant quelque chose de nouveau, à chaque respiration et chaque note. La musique continue de s’éteindre jusqu’à ce que le soleil se couche entièrement, mais ce n’est pas une musique mélancolique ou douce-amère ; c’est comme si elle savait déjà que de meilleures choses l’attendent…

***1/2


T. Griffin: « The Proposal »

4 juin 2021

Depuis plus de vingt ans, T. Griffin, artiste originaire de Brooklyn, compose des musiques de films atmosphériques. À ce jour, il a une cinquantaine de partitions de longs métrages à son actif, ainsi que cinq albums solo et de nombreuses autres collaborations. Plus récemment, Griffin a fourni la bande-son de Boys State, lauréat du Grand Prix du Jury au festival Sundance 2020, et de Life, Animated, nominé aux Oscars.

The Proposal est sort en édition d’art limitée et fait office de musique originale pour le film éponyme de Jill Magid. Décrite comme « un docu-fiction sur le monde de l’art qui trace un chemin cryptique et méditatif autour de l’héritage de l’architecte mexicain Luis Barragán, soulevant au passage des questions de propriété intellectuelle, d’appropriation, de réification et d’obsession », la bande-son de The Proposal est capable de se suffire à elle-même, même lorsque l’imagerie du film est révoquée et complètement coupée.

La musique est de grande qualité en termes de composition et d’ingénierie, mais elle excelle également par la diversité de son instrumentation. Banjo sans frette, guitare, percussions, claviers, enregistrements de terrain et échantillons sont alignés et en parfaite symétrie avec l’instrumentation électronique. Ajoutez à cela un excellent casting de collaborateurs, tels que Matana Roberts, Jason Ajemian (Helado Negro, Jaimie Branch), Jim White (Xylouris White, The Dirty Three) et Sophie Trudeau (Godspeed You ! Black Emperor) et The Proposal est une bande originale très forte. L’ouverture ambiante est aussi légère qu’il est possible de l’être, mais un bombardement assourdissant de percussions est à portée de main et se transforme en un profond flirt avec le jazz.

Les blips électroniques du sonar de « Manufacture » assurent la stabilité alors que d’autres éléments électroniques vont et viennent, se déplaçant et se balançant dans des motifs ultra brillants et stroboscopiques et affichant toutes les couleurs de l’arc-en-ciel. À ce stade (seulement trois pistes), la musique s’est déjà révélée être une étendue sans genre et diverse, capable de couleurs caméléon et d’éclairages effervescents. Barragán utilisait la couleur de manière intéressante et irrégulière, en accentuant la beauté de l’environnement naturel ; il considérait ses bâtiments comme des lieux de sérénité, des endroits pour évoquer des émotions et des sensations, et amplifier les expériences intérieures, les fantasmes et la nostalgie.

La diversité de la musique peut représenter les différents épisodes de la vie de Barragán, mais elle reflète aussi son architecture, ce qui explique la floraison et la flamboyance de ses couleurs musicales. L’expérience transparaît, car The Proposal est capable de passer d’une ambiance introvertie et feutrée à une guitare classique complexe et à une électronique saisissante. L’ensemble du disque est un équilibre entre ces éléments plus introspectifs et plus calmes et des moments plus extravertis et excités, mais les deux extrêmes sont des poussées d’expression passionnées. Lorsqu’ils sont combinés ensemble, vivant sous une même bande sonore, ils ajoutent tellement plus à sa musique et à sa vitalité. Comme son architecture, The Proposal déborde de vie.

***1/2