Sylvie Courvoisier and Mary Halvorson: « Searching for the Disappeared Hour »

19 octobre 2021

Nous connaissons tous aujourd’hui la notion de « temps pandémique » – lorsque votre routine normale a été perturbée au point qu’il est difficile de se rappeler le jour de la semaine et encore moins l’heure de la journée. Deux compositrices/improvisatrices expérimentées basées à New York, la pianiste Sylvie Courvoisier et la guitariste Mary Halvorson, ont tenté de saisir ce phénomène dans 12 pièces en duo.

Bien que toutes deux soient bien connues dans les cercles du jazz créatif moderne, leur approche sur Searching for the Disappeared Hour est plus orientée vers le classique, ou du moins mieux décrite comme du jazz de chambre. À cet égard, chaque composition comprend une série de structures mélodiques et harmoniques que Courvoisier et Halvorson traversent avec fluidité. Il y a peu de répétitions ou de développement thématique traditionnel – ils disent leur morceau et passent à autre chose. Mais en plus et entre les aspects écrits, il y a beaucoup de place pour l’improvisation.

À première vue, le ton est pastoral et calme, avec des thèmes contrapuntiques colorés et enjoués, allant du dépouillement à la densité des arrangements. Mais après une écoute plus approfondie, l’expérimentalisme de ce duo apparaît au grand jour. L’utilisation par Halvorson de techniques étendues et de note-bending à l’électrique dissipe toute idée de facilité d’écoute, tout comme les moments anguleux et percussifs de Courvoisier. Mais le plus remarquable est sans doute la façon dont ils ont su capturer les montagnes russes émotionnelles des 18 derniers mois. Même au sein d’un morceau, l’humeur peut passer plusieurs fois entre des interludes joyeux et des expressions plus sombres. Le bonheur peut se transformer en un instant en morosité ou en mélancolie, et vice versa.

Par conséquent, Searching for the Disappeared Hour fonctionne à plusieurs niveaux. Il peut être écouté comme un témoignage des prouesses techniques de deux musiciens. Mais c’est aussi une exploration étrangement émouvante de la désorientation que nous avons tous ressentie ces dernières années.

***1/2


Vanishing Twin: « Ookii Gekkou »

19 octobre 2021

Mélange hallucinant de plusieurs genres en un seul paysage sonore intergalactique, Ookii Gekkou est la dernière sortie du groupe expérimental londonien Vanishing Twin. 

Après s’être formé en 2015 grâce à un amour commun pour les instruments inhabituels et les vinyles vintage, Vanishing Twin a entrepris de réaliser une approche synesthésique de la musique, en combinant l’art et l’imagerie avec le son pour créer une expérience du corps entier. Leur dernier album de neuf titres, produit par Malcolm Catto (une figure de la scène groove du nord de Londres), est imprégné de nuances de jazz, de funk et d’exotisme qui s’unissent pour créer une surcharge sensorielle parfaite. À travers la folie et la turbulence de l’enfermement, Ookii Gekkou fournit un récit musical pour les expériences de vie parfois surréalistes et inhabituelles auxquelles nous nous sommes collectivement habitués au cours des 18 derniers mois. 

Le morceau d’ouverture « Big Moonlight » illustre la riche variété de sons, de rythmes et de textures que l’on retrouve tout au long de l’album. Il commence par un shuffle jazz qui tape du pied et se termine par un fondu mystique acid folk. Les paroles et les carillons fantaisistes donnent l’impression que nous sommes entrés dans un jardin magique plein de beauté naturelle, mais qui a aussi un côté sinistre et obsédant, transportant l’auditeur dans un voyage au clair de lune dans un royaume des merveilles surnaturel. 

« Phase One Million » explorera un univers funky incorporant des fusions de psychédélisme et de disco. Un riff insistant exécuté dans le style wah-wah des années 70 fournit un groove impeccable, tandis que des couches de voix harmonieuses offrent un air de tranquillité et de douceur soulfulness à la sensation générale.

« Zuum » est, de son côté, certainement l’approximation la plus proche à ce jour de ce à quoi ressemblerait un événement sur Mars, rempli de motifs rythmiques infectieux et d’instruments qui se fondent mystérieusement pour se transformer en d’autres formes toujours changeantes à mesure que le morceau progresse. Les paroles surréalistes ajoutent au ton éthéré du morceau, la chanteuse Cathy Lucas demandant « Who are we ? We are everyone », reconnaissant implicitement que toute crise existentielle doit être affrontée ensemble, en tant que race humaine unie. Ce collectivisme contraste avec la structure musicale variée du morceau qui nous emmène dans un voyage troublant, comme si nous voyagions d’une planète à l’autre dans notre quête incessante d’une solution.

Le morceau le plus expérimental de tous, « The Organism », comprend des carillons en écho, des percussions en bois, des paroles et des touches au milieu d’une large palette de sons qui réveillent l’âme. Le morceau fait référence à des questions fondamentales telles que « Qu’est-ce que cette simulation ? Et pourquoi suis-je ici ? » tout en racontant une histoire de fascination et de confusion, comme si l’entité du titre avait ouvert les yeux et découvert le monde pour la première fois, ou peut-être s’était-elle réveillée dans un monde qu’elle ne reconnaissait plus. Le rythme rapide et répétitif de la chanson et sa mélodie donnent l’impression d’un narrateur qui cherche des réponses dans un environnement inconnu, faisant ainsi allusion à l’incertitude de nos circonstances actuelles. 

La batterie latine de « In Cucina », quant à elle, évoque parfaitement l’agitation d’une atmosphère de carnaval, à la fois vibrante, audacieuse et déroutante. Ce morceau est une expérience d’écoute immersive, pleine d’émotions contrastées et de rythmes effrénés qui reflètent le flux et le reflux de nos vies. 

Concluant l’album sur une note funky, « The Lift » serz un délice énergique dont l’instrumentation robotique et électronique offre un contraste stimulant avec la chaleur de la basse et de la section rythmique. Ses thèmes reflètent le ton général de l’album avec des références aux forces de la nature, à l’exploration humaine et au questionnement existentiel de notre existence. Lucas déclare « I am a dizzy wind » et « a hurricane » et, en tant que collectif, « we are the weather », soulignant que nous sommes tous sur une route sinueuse à travers les modèles changeants de notre temps ». La dernière ligne du morceau nous encourage à « regarder la tempête droit dans les yeux » (look the storm right in the eye) pour qu’ensemble nous continuions à combattre l’adversité et à canaliser nos énergies unies dans des actes, créatifs ou non, qui rendront le monde meilleur. En exprimant de tels sentiments, Ookii Gekkou s’avère être un album pour et sur l’époque dans laquelle nous vivons, s’inspirant du meilleur de l’esprit humain.

***1/2


Alex Cunningham: « As Slow as the Stream »

12 octobre 2021

C’est une année exceptionnelle pour la musique expérimentale interprétée au violon. L’une des sorties mémorables jusqu’à présent – Threshold de gabby fluke-mogul – emmène l’instrument dans des territoires inexplorés, mais ce nouveau projet d’Alex Cunningham prend un chemin totalement différent tout en laissant une impression tout aussi lourde. As Slow as the Stream est une excursion improvisée de 33 minutes qui se déplace à une telle vitesse et avec une telle présence qu’elle finit par devenir une caverne claustrophobe incrustée de diamants, sans espace pour bouger.

Cunningham est adroit, courant sur la touche comme un colibri trouvant un jardin secret et intact. L’urgence et l’excitation brûlent à travers le morceau, éclairant la pièce d’une force sonore. C’est une musique qui demande de l’attention, Cunningham changeant de vitesse avec aisance et s’amusant à enrouler le morceau sur lui-même comme un ouroboros qui joue des tours. Des séquences répétitives deviennent supernova, brillent d’une harmonie surprenante et d’une ferveur sans limite.

De nombreux passages ont un fond mélodique anguleux qui est hypnotisant. Cela nous rappellera Moving My Body Through Space de Ted Byrnes dans le sens où la folie rapide et ininterrompue devient paradoxalement méditative. La nature écrasante et maximale dece que nous livre ici Cunningham, qui avait pour seule contrainte de « ne pas utiliser l’espace », est enveloppante. Une résonance hurlante s’échappe de l’archet de Cunningham. Elle devient effervescente comme si Henry Flynt martelait ce violon avec des sacs de sable remplis de poussière d’étoiles. As Slow as the Stream est un sacré voyage.

****


Josefin Rusteen: « Hana – Three Bodies »

11 octobre 2021

L’année dernière, Josefin Runsteen a collaboré avec Charles Spearin sur Thank God the Plague Is Over.  Cette année, elle dévoile une partition composée pour la chorégraphie de la danseuse de Butoh Caroline Lundblad.  Rien qu’avec ces deux œuvres, elle démontre sa diversité, mais il y a aussi une grande diversité dans les cinq mouvements de Hana.  Le titre fait référence au mot japonais pour « fleur », et l’album célèbre la nature, les éléments et la capacité de renouvellement de la terre.

Cet album a une forte connotation religieuse, comme le montre l’image de la couverture (Edwin Landseer, 1851) qui fait référence à des histoires magiques et spirituelles.  Les titres des scènes ~ vide, eau, feu, terre, air ~ sont à peu près analogues aux contes de la création.  La musique est réfléchie, la chorégraphie est à la limite du divin.  Le traitement multigenre suggère différents chemins de croissance, chacun convergeant vers un plan supérieur.

Au commencement, Dieu créa le ciel et la terre.  Et la terre était sans forme et vide.  Dans la scène d’ouverture, on entend le vent souffler sur le vaste inconnu ; le rush est interrompu par un carillon et des oiseaux.  La nature commence à abonder, se développant sur la musique abstraite de la création, chacune sans forme, cherchant l’ordre.  La harpe semble appropriée, les notes augmentant en volume et en confiance.  Maintenant la voix, maintenant les cuivres, maintenant la forme qui se fond dans le glissando.

Une pluie fine commence à tomber, nettoyant l’air des notes de piano.  Une éclaboussure soudaine ramène « Water » dans l’obscurité, avec des textures électroniques et des bruits de protoplasme.  Des basses profondes invitent les danseurs.  Un chanteur chante sur des gouttes et des tambours, puis se retire pour respirer.  L’arrière-plan bouge et se transforme ; il n’y a pas de terre ferme.  La musique s’arrête, le tonnerre gronde.

« Fire » éclaire son chemin par le biais d’une guitare et des cordes définies.  Des drones de guitare épais descendent comme la fumée d’incendies pas trop lointains.  Un gémissement sans paroles s’élève du maelström comme une supplication.  Dans la scène IV (« Earth »), nous pouvons enfin voir une partie de la chorégraphie en action, la terre elle-même est lancée comme une balle, moulée, façonnée, lissée sur une pulsation cardiaque. La balle est maltraitée, malmenée, lâchée, couchée, aplatie.  La caméra s’enfonce pour révéler la vraie terre en dessous.  Des vrilles descendent comme des toiles d’araignée.  La musique est d’abord tribale, puis se transforme en syllabes.  Sa-ku-ra.  D’autres vrilles sortent de l’argile et s’élèvent vers le haut.  Une fille regarde les scènes d’un train de voyageurs.  Nous ne sommes pas sûrs du lapin (bien qu’il y ait des lapins sur la couverture), mais à la fin, la boule d’argile a pris une vie propre, n’ayant pas besoin de mains pour flotter, accompagnée d’un chœur.

La vidéo du final, « Air », comprend des fragments de la chorégraphie de l’ensemble du spectacle, tandis que la musique contient un extrait de la poésie de Krishnamurti.  Les cordes sont sereines, les éléments intégrés.  Il y a de la place pour tous ici ~ les rythmes de danse reviennent avec un fragment de chanson.  À la sixième minute, nous pouvons ressentir la joie du danseur de Butoh.  Un segment visuel de tourbillon (comme un derviche) est suivi d’un segment musical de chœur, se terminant par une cascade de cordes. Le son final : une inspiration, l’aboutissement de la vie.  Nous avons été restaurés par la nature, en tant que nature.  Les


Sonae: « Summer »

11 octobre 2021

Des mouvements audacieux et provocateurs accumulent des tensions qui dictent une contorsion dans une réaction émotive qui fait parfois fléchir la perspective psychologique de l’été alors que la narration sonore de Sonae cultive des arcs dans des chapitres hypnotiques.

Le producteur électronique expérimental basé à Bologne, Sonia Güttler (alias Sonae), revient avec sa dernière sortie sur le label centurion limited output laaps. Summer est 40 minutes de confrontation, d’acceptation et d’optimisme pragmatique. Des mouvements audacieux et provocateurs accumulent des tensions qui dictent une contorsion dans une réaction émotive qui fait parfois fléchir la perspective psychologique de Summer, tandis que la narration sonore de Sonae cultive des arcs dans des chapitres hypnotiques.

Le titre d’ouverture, dont le commentaire sonore introduit l’auditeur à un moment dans le temps, un territoire où la perte renverse toute sensibilité et tout raisonnement. Ce n’est qu’à travers le martèlement des basses que l’on est projeté vers l’avant alors que la ligne du temps derrière nous disparaît dans un éther saturé où aucune mémoire ne tient longtemps.

Sonae maintient le rythme alors que nous nous frayons un chemin vers un pickup acid swinguant sur « La Nuit », un branchement éléctronique qui a un effet purgatif alors que les pensées pensives se désengagent dans cet environnement sensible aux impulsions.

Parmi les autres points forts, citons « Soleil Noir », avec sa trajectoire spatiale granuleuse. Seule une attraction gravitationnelle étirée dans le temps nous retient dans ce monde soliloque de l’été. « Tropennacht » démontre également que le temps est un guérisseur, car Sonae renverse organiquement la mélancolie en un équilibre avec un horizon effervescent. Une collection touchante d’œuvres qui évoquent des émotions mutuelles à travers une découverte abstraite.

***


Megan Alice Clune: « If You Do »

4 octobre 2021

If You Do de Megan Alice Clune est une œuvre d’extase contenue. S’inspirant de son intérêt pour les traditions minimalistes étendues, en particulier les explorations des accords variables que l’on retrouve dans les œuvres en orbite autour des personnes impliquées dans le Theatre Of Eternal Music, Clune conçoit un disque d’approfondissement constant. Chaque pièce se déploie dans la suivante, et tout en existant individuellement, elles fonctionnent également comme une masse sonore collectée. If You Do est un flux constant, presque un flux de conscience, de voix, de drones, de claviers et d’électronique.

Pour Megan Alice Clune la genèse de son opus est liéeà son rêve d’écrire un opéra. Incapable d’écrire beaucoup de musique elle est revenue de trois mois à Tokyo où cet album a été initialement conçu. Cela a été pour elle d’observerla plus longue pause créative connue au cours des cinq dernières années. Lles petites mélodies qu’elle avait chantées dans son micro tard dans la nuit, en silence pour que mes voisins ne les entendent pas, ont pris une plus grande ampleur, qui semblait faire écho à l’ampleur engendrée par 2020. Le confinement à la maison, les événements épiques qui se déroulent à l’extérieur

Sa petite voix timide filtrait à travers une myriade de technologies ; amplifiée, déformée, compressée, égalisée., acélérée, ralentie par l’arrivée de on Wi-Fi. If You Do est alors devenu un album pour voix solo et un ensemble de technologies, un album sur la contorsion du corps (voix) à travers le temps (rythme, pulsation), la répétition et la forme. L’œuvre est nostalgique des futurs passés : souhaitant l’optimisme technologique de la fin des années 70 et du début des années 80, de Timothy Leary croyant que l’ordinateur offrirait une libération aux masses. Un temps avant le Big Tech, le Big Data. C’est un disque fait seul, rêvant d’une interaction sans intermédiaire avec un public qui n’arrivera peut-être jamais…. De retour à Tokyo,elle a demandé comment nous en étions arrivés là et elle a réfléchi à la place de sa musique dans ce contexte. Elle a ainsi rassemblé chacun des noms de morceaux à partir de son environnement – des choses lues, entendues ou ramassées à la fois au Japon (le titre If You Do vient d’un collier trouvé au marché aux puces de l’hippodrome d’Ohi) et, plus tard, à la maison, en ligne. En tant que tel, l’album occupe un espace amorphe. Dans le genre de la musique ambiante, mais tout juste. Il crée un espace qui est encore fortement médiatisé, mais qui espère se situer et communiquer directement. Coincée dans une boucle d’écho,et cherchant des signes pour continuer à écrire If You Do évoqera au final Big Science de Laurie Anderson, Subterraneans de David Bowie ou Born Slippy d’Underworld.

***


Jeff Surak: « AllSiver »

2 octobre 2021

Longtemps en gestation, AllSilver est une collection de sons provocateurs de l’expérimentateur de la région de Washington, Jeff Surak. Surak apprécie et exploite ce que beaucoup d’entre nous ignorent dans notre environnement sonore. Le titre de la première piste de l’album, Love and Production, reflète bien l’esthétique de Surak : l’amour des sons les plus durs que la plupart des gens n’aiment pas, et la production de sons bruts à partir de matériaux plus bruts comme des enregistrements de dictaphone, de vieux synthétiseurs, des radios lo-fi, des objets mécaniques et une cithare désaccordée. AllSilver est un album qui puise dans les technologies électroniques numériques et analogiques pour produire un son global conforme à la marque particulière de l’art lofi de Surak.

Parfois, ce son englobe des paysages sonores étendus, comme dans « Love and Production » et le drone luxuriant et ondulant de « Nicéphore Niépce » ; il peut aussi prendre la forme des textures granuleuses sur « And the Sun Will Eat Itself », ou des mystérieux sons percussifs qui ponctuent « Keep Dancing After the Music Stops ». « The Fence » est un morceau abrasif de scrunge post-industriel – les sons d’une machine in extremis ; « Zawawa » canalisera, lui, le fantôme d’une radio à ondes courtes cassée, réglée entre deux stations. La pièce maîtresse de l’album sera le dernier morceau : l’épique « Scattered Lie the Saints », long de vingt minutes, un morceau de drone complexe qui mélange les sons de l’école berlinoise avec un grésillement et un sifflement rappelant une radio à transistors minuscule, et qui se perd dans le néant d’un écho qui s’estompe.

***


Jerusalem In My Heart: « Qalaq »

2 octobre 2021

Sur Qalaq, Jerusalem In My Heart livre un disque de bombance délibérée et d’émotion brute, des frémissements de faiblesse rencontrant le contraire de la puissance pure. Un ensemble d’éléments électroacoustiques spacieux et d’électronique aux couleurs de la mort se combine aux appels obsédants de l’arabe parlé et chanté – fournis par le fondateur Radwan Ghazi Moumneh – et l’ajout du buzuq ne fait qu’ajouter à son atmosphère incertaine.

Un collaborateur différent apparaît sur chaque morceau. Moor Mother, Tim Hecker, Lucrecia Dalt, Greg Fox, Alanis Obomsawin et Rabih Beaini sont tous des artistes invités, mais ce n’est pas un disque décousu. Le disque a été poli et semble complet, mince et bien entretenu. Les sections parlées sont plus vulnérables, à découvert et attendant d’être abattues, et la livraison est un facteur décisif à cet égard, tandis que les sections chantées retrouvent une confiance intérieure. Qalaq est un mot arabe, et Moumneh a voulu qu’il reflète une « profonde inquiétude ». Pas seulement à un niveau personnel ou local, mais à l’échelle planétaire. Moumneh évoque aussi spécifiquement les problèmes du Liban et de sa capitale, Beyrouth, avec « l’effondrement de sa politique intérieure, de son économie et de ses infrastructures, ses pays voisins et sa géopolitique tragique ». La violence a blessé et marqué sa topographie, et les sections chantées crient leur douleur, s’unissant dans le deuil tout en sonnant incroyablement soul.

Sur la deuxième face, les morceaux portent tous le même nom : « Qalaq ». Il représente « le degré auquel la violence complexe du Liban et du Levant a atteint ces deux dernières années, de l’échec complet et total de l’État libanais sectaire qui a conduit l’économie à un arrêt brutal, à sa gestion désastreuse de l’afflux de migrants en provenance des États défaillants voisins, à la corruption endémique qui a conduit à l’explosion du port en août 2020, au dernier chapitre de l’effacement palestinien et à une nouvelle campagne de bombardement brutalement asymétrique et disproportionnée sur Gaza ».

La rage est perceptible dans le rythme électrisant du buzuq (luth oriental), et les percussions propulsives alignées dans des positions qui encouragent le conflit et la guerre. Il ne reflète pas seulement la turbulence de la région, utilisant la musique comme un vaisseau créatif pour canaliser les troubles et faire une déclaration, mais c’est aussi un exutoire et un déchaînement, dénonçant la folie du monde. Les sections frénétiques, où la musique s’enfonce dans les sonorités délibérément racoleuses de l’expérimentalisme, témoignent de la décadence de la région, la musique et le pays étant entraînés dans un trou noir dont on ne peut s’échapper. Le degré de dissonance est élevé, même lorsque les notes elles-mêmes ne le sont pas, ce qui fait de Qalaq une musique vitale pour les temps désespérés.

Le tremblement d’une inquiétude incessante se répercute dans ses tonalités éparses et dans les tambours bombardés, un assaut sur les sens mais aussi une indication des niveaux actuels de souffrance, une infection qui dépasse les frontières, un fléau de destruction et de mort, une pandémie qui a ses pieds dans le monde antique, mais qui n’a jamais disparu ni vu son appétit rassasié. Jerusalem In My Heart s’élève de la fumée et des flammes, et a produit un album étonnant. Il comprend également une image de couverture appropriée de la photographe Myriam Boulous, prise pendant la révolution d’octobre de Beyrouth en 2019, et la pochette intérieure contient des photographies de Tony Elieh, couvrant l’explosion du port de Beyrouth et renforçant encore une inquiétude grandissante ; Qalaq en est son titre.

***1/2


Galán / Vogt: « The Sweet Wait »

2 octobre 2021

On dit que la patience est une vertu, mais en période d’attente, elle peut donner l’impression d’être tout sauf cela. The Sweet Wait est le titre de la collaboration entre le compositeur espagnol d’ambient/expérimental Pepo Galán et la chanteuse australienne de dreampop Karen Vogt. Lorsqu’ils s’unissent, leur musique devient élégante et émotionnelle. Comme l’indique son intitulé, The Sweet Wait explore les thèmes de la patience, de l’abandon de l’ego et de l’abandon ultime, ce qui, dans un monde où le contrôle est tout, est recherché, est valorisé par-dessus tout, peut être un concept difficile à saisir.

Avec des éléments d’ambient sombre, de dreampop, de shoegaze, de néo-classique et d’ambient, leur premier disque est un doux mélange, avec de l’affection et de l’amour qui s’échappent de son son, traçant des lignes de rivière à travers sa géographie ambiante obsédante, qui contient une guitare faisant écho au désir, un piano âgé, un ensemble plus jeune de voix tourbillonnantes, aspirant toujours à recevoir et traînant derrière dans le courant ambiant, et un violoncelle grinçant. Il s’agit d’absence et de doute, parce que pendant une saison d’attente, les choses peuvent ressembler à une impasse, comme si tout espoir avait été perdu. Mais c’est aussi un album d’acceptation dans la capitulation (ce qui n’est pas la même chose que la résignation), et d’humilité profonde pour envisager de se rendre.

Écrite et enregistrée entre Paris et Malaga, la musique offre ici un magnifique mélange entre les paysages sonores ambiants de Galán, élégants, vastes et profondément texturés, et la voix de Vogt, qui scintille entre les deux, creusant discrètement un espace dans le son ambiant, parfois océanique, et le complétant avec délicatesse et humilité. Karen a cofondé le groupe de dreampop Heligoland, et sa voix a toujours été un élément essentiel de la production du groupe ; il en va de même ici et une ambiance onirique et lyrique est rendue réelle, tant les mots nagent dans l’air…

Dans une société qui place la gratification instantanée sur un piédestal, l’attente peut être considérée comme une chose difficile. Mais il y a également une douceur et une innocence dans ladite attente, un esprit patient qui cultive le calme et la confiance, ainsi qu’une connaissance profonde que les choses finiront par se révéler, avec le temps. Il n’est pas nécessaire que tout soit sombre, ni que ce soit difficile. Si l’on ne peut pas contrôler les influences et les événements extérieurs, on peut en revanche contrôler sa réaction.

The Sweet Wait présente deux photographies étonnantes de la photographe française Aurélie Scouarnec, qui capture l’obscurité, les ombres et la vie entre les voiles. Le sacré, le respect, la nature extrêmement précieuse de la vie et la délicatesse d’un seul instant, où le caché est aussi important que le révélé, se déploient dans chaque photographie. Il en va de même pour les choses cachées dans l’attente et la patience. Une forte volonté est nécessaire. Pour chaque chose il y a une saison ; le fruit a, ici,mûri.

****


Haiku Salut: « The Hill, The Light, The Ghost »

1 octobre 2021

Le trio expérimental Haiku Salut a des années d’avance sur la plupart de ses pairs depuis plus de dix ans maintenant. Apparu dans le Derbyshire rural en 2010 après avoir joué avec les favoris indie locaux The Deirdres, le trio – Louise Croft, Sophie Barkerwood et Gemma Barkerwood – a passé les années suivantes à se construire une réputation comme l’un des groupes les plus progressifs sur les côtes britanniques. Il est facile de comprendre pourquoi en parcourant la discographie du groupe, notamment par ordre chronologique. Chaque disque est un document sur l’évolution d’Haiku Salut, depuis les singles qui ont précédé le premier Tricolore de 2013 jusqu’à la remarquable bande originale du film The General de Buster Keaton de 2019. Aucun genre n’est exclusif, qu’il s’agisse de folk ambiant, de paysages de rêves pastoraux ou d’electronica glitchy. La musique d’Haiku Salut traverse toutes les frontières et tous les genres, ce qui la rend d’autant plus exquise.

Il n’est donc pas surprenant que The Hill, The Light, The Ghost, le cinquième album d’Haiku Salut, représente leur déclaration d’intention la plus audacieuse à ce jour. Essentiellement inspiré par une collection d’enregistrements de terrain capturés par Sophie sur un appareil Tascam portable, The Hill, The Light, The Ghost a commencé à prendre forme après que Sophie et Gemma se soient rendues à Berlin pour jouer un spectacle pendant que Louise, troisième membre du groupe, était en congé parental. Au cours de leur voyage, elles ont visité une ancienne maison de médecin qui était abandonnée et vide depuis les années 1980. Après avoir réglé le Tascam sur « enregistrement », Sophie a sauté par-dessus le portail, est entrée dans la maison, puis a joué quelques notes au piano. Cet enregistrement est devenu « Entering », la deuxième composition de l’album et c’est ainsi que The Hill, The Light, The Ghost est né.

S’inspirant de cet enregistrement et de l’environnement fantomatique qui l’accompagnait, le trio s’est ensuite mis à rechercher activement des fantômes, puis à élaborer des idées de chansons autour d’eux. En créant une exploration du son et de sa relation avec la mémoire, sans contexte personnel et en construisant leurs propres mondes autour de chacun d’entre eux, ce nouvel opus s’inspire de ces émotions pour créer neuf morceaux qui sont tous liés à un lieu et un moment spécifiques. Un album conceptuel en quelque sorte, mais qui ne suit pas nécessairement un récit musical préétabli. The Hill, The Light, The Ghost pourrait facilement être le « moment Loveless » de Haiku Salut.

Prenez « All Watched Over By Machines of Loving Grace » par exemple, qui oscille entre l’ambiance fracturée de My Bloody Valentine au plus effervescent et John Cage au plus obtus. Rien n’est laissé au hasard et toutes les pistes sont explorées. De même sur le délicat « I Dreamed I Was Awake For a Very Long Time », qui est probablement le morceau le plus proche, en termes de son, de tout ce que Haiku Salut a sorti auparavant. Ce qui le distingue, c’est la façon dont il se glisse sans effort dans le segment suivant, « How the Day Starts ».

Pour un groupe qui s’est toujours poussé au-delà de toute contrainte ou attente, The Hill, The Light, The Ghost pourrait bien être la collection la plus audacieuse d’Haiku Salut à ce jour. Définitif dans son exécution et inégalé par tous les contemporains du groupe, c’est un exercice magistral d’expérimentation qui révèle quelque chose de nouveau à chaque nouvelle écoute.

***1/2