The Bats: « Foothills »

15 décembre 2020

The Bats approchent de leur 40° année de « vie commune » en sortant, sans surprise apparemment, un autre morceau de perfection pop. Leur constance – terme qui peut, ici, être interprété comme un léger compliment – reste étonnante. En quatre décennies, ils ont conservé la même formation, un son à peu près identique et une capacité à sortir des albums dans un endroit tranquille avec peu de baisse de qualité. Foothills arrive à l’improviste (les doux grondements de la Nouvelle-Zélande prennent leur temps pour faire un tour du monde), mais il perpétue la tradition du groupe, utilisant leur son de longue date et leur sens aigu de la mélodie pour raconter de nouvelles histoires à la hauteur de leurs précédents tefforts

Le manque d’innovation ennuierait la plupart des groupes, ou du moins les oreilles de leurs auditeurs, mais les Bats parviennent à maintenir l’intérêt des « revisites ». Le rôle initial du groupe dans le développement de l’identité de Dunedin Sound et de Flying Nun s’est transformé en celui de la préservation de cette identité (le rôle du frontman Robert Scott dans The Clean consolide le lien). Le son s’articule autour du cliquetis lo-fi, qu’il soit au service de rockers enjoués ou de sons plus nostalgiques. Il y a quelques années, une lune bleue s’alignait avec la Croix du Sud et le quatuor réapparaissait comme des criquets tintant pour nous rappeler à quel point ils sont tranchants.

Cette fois-ci, ils sont venus avec le premier « single » « Warwick », l’un des morceaux les plus rythmés de l’album. Le groupe ajoute des lignes de guitares à la propulsion régulière et fait appel à la voix de Kaye Woodward pour rejoindre celle de Scott. La chanson suggère un monde joyeux, tant dans son ton que dans ses paroles, qui parlent de rêves à moitié oubliés et de possibilités imaginatives. En même temps, elle résiste au confort facile. Les rêves s’envolent et les fragments de mémoire peuvent s’effondrer et, si les chauves-souris créent un espace légèrement surréaliste, cena ne fait que justifier ce « tourisme onirique ».

Le titre suivant, eBeneath the Visore, équilibre le son. Le groupe fait descendre le spectacle en offrant un voyage sur l’île où dorment les soucise. Quand Scott chante « Beneath the visor/ The sun comes through/ I’m none the wiser/ With you » (Sous la visière/ Le soleil passe/ Je ne suis pas plus sage/ Avec toi), il reprend une idée de « Warwick ». Là-bas, il a suggéré que nous pouvons manquer l’arrivée de la lumière du jour ; cette fois, c’est une bonne nouvelle car il est perdu dans ses rêveries avec quelqu’un. Les chansons servent de médiateur entre des expériences fantaisistes, empruntant des voies différentes mais suggérant toutes deux les capacités prometteuses de la créativité active.

Cette expression a l’air de s’épanouir. Que le groupe jette un regard lyrique plus sombre ou plus lumineux sur le monde, il fournit surtout un coussin sonore. Même la guitare plus aiguisée du « single » « Another Door » fournit plus un cadre qu’un élément de choc (bien qu’il y ait un peu de bousculade). Il faut cependant faire attention aux détails pour que ce genre de musique fonctionne. The Bats savent exactement quel ton de guitare utiliser, quelles textures mettre derrière leur musique, et même quelles notes soutenues utiliser pour maintenir une ligne dans une image en mouvement. Des morceaux comme « Another Door » cherchent à s’échapper, mais ce que le groupe fait en réalité, c’est de pousser plus loin dans leur monde.

L’innovation n’a pas été le point fort du groupe pendant de nombreuses années, mais elle n’a pas plus d’importance aujourd’hui qu’elle n’en a jamais eu. Ils jouent avec une précision décousue et un formalisme désinvolte qui, même après quatre décennies, continue de sonner neuf, même si l’on peut y retracer une longue histoire musicale à l’heure actuelle. The Bats sont sortis en 2020 et s’ils sonnent comme ce qu’était le lablel Flying Nun

il y a quelques années. Maintenant que tout cela vient à grandir, ce n’est pas seulement une bonne chose – c’est un spectacle impressionnant.

***1/2


Thee Holy Brothers: « My Name Is Sparkle »

25 novembre 2020

Thee Holy Brothers, l’auteur-compositeur-interprète Marvin Etzion (alias « Buddy Holy ») et le chanteur/multi-instrumentiste Willie Aron (alias « Johnny B. Holy » » ont conçu un premier album profondément convaincant. L’auteur-compositeur américain Paul Zollo, rédacteur en chef, a décrit la chanson titre de l’album comme « un miracle de la chanson », avant de poursuivre en s’enthousiasmant : « C’est un travail sérieux d’écriture et d’enregistrement, mais non sans une bonne dose d’humour sacré ».

À ce propos, il explque sueMy Name Is Sparkle est une expérience ambitieuse qui intègre le laïque et spirituel, l’histoire d’un personnage androgyne nommé Sparkle qui est à la recherche de Dieu. L’album est une pièce en deux actes et sur le format numérique dans lequel nous incluons le morceau de clôture original  « The End
of Suffering » pour laquelle Paul Buckmaster s’était chargé de l’écriture estinée à être interprétée en quartet. Malheureusement, cela n’a pas eu lieu, mais l’album en soi
a deux pistes incluses dans la version numérique.

Sparkle se rend à Jérusalem, la capitale spirituelle du monde, pour retrouver Elvis., il envisage le suicide, mais finit par poursuivre sa quête.

Dans une chanson clé, « If God Let Go », Sparkle pose la question ultime de l’oeuvre : « Que se passerait-il… si Dieu lâchait tout ? Est-ce que tout s’effondrerait ? Serait-il toujours sombre ? » (what would happen…if God let go of everything? Would it all fall apart? Would it always be dark?) Dans un monde déconnecté mais tout autant dur un mode qui n’est pas virtuel, les questions posées par Sparkle sont plus pertinentes que jamais.

Ce drnier conclut son voyage en chantant « si c’est toi Dieu, continue de m’écraser » (if it is you God, keep crushing me ) sur le titre « Keep Crushing Me ». C’est peut-être là que nous en sommes dans notre voyage en tant que race humaine, car des centaines de milliers de personnes meurent sans cause, par exemple le COVID dont l’origine peut être aussi bien une erreur humaine qu’une intervention divine qui nous oblige à nous fermer et à reconsidérer notre façon d’avancer vers le 22e siècle ?

À la fin de la ce qui peut être considéré comme une pièce, Sparkle est en paix, sachant que « la fin de la souffrance est dans votre cœur » (he end of suffering is in your heart.). Aussi difficile que la vie puisse être, Sparkle choisit de vivre, choix que chacun chacun de nous fera ; vivre tant que nous sommes en vie.

Auteur de la musique, James Gadson (Marvin Gaye, Bill Withers, Beck) est le batteur. James Gadson a été produit par Jeff Peters (Beach Jeff Peters Boys) et masterisé par Sean Magee (The Beatles) aux studios Abbey Road.

La critique musicale du Coachella Valley Weekly, Eleni P. Austi Coachella Valley Weekly n déclare : « Thee Holy Brothers ont façonné un album impressionnant et ambitieux qui fait véritablement écho à des pierres de touche dévotionnelles comme All Things Must Pass de George Harrison et Who Came First de Pete Townshend ».

« Chaque fois que nous chantons ces chansons ensemble, c’est comme si une autre voix que nous deux entrait en scène – presque comme si une troisième entité émergeait », dit Etzion.Ce sur quoi Willie Aron ajoute : « Nous sommes vraiment attirés par la puissance et l’intimité de nos deux voix, car elles sont le véhicule idéal pour la nature ardente de ces chansons. »

Marvin et Willie se sont rencontrés il y a plusieurs décennies chez Aron’s Records à Los Angeles, lorsque Willie était lycéen et que Marvin travaillait derrière le comptoir comme vendeur. Une admiration mutuelle pour les Who les a liés. En l’espace de quelques ans, Marvin a été co-fondateur des pionniers du cowpunk Lone Justice, tandis que Willie a été un membre fondateur de l’innovateur folk￾rock The Balancing Act.

Marvin est un chanteur, un auteur-compositeur et un producteur de disques nommé aux Grammy Awards. Il a collaboré avec des artistes emblématiques tels que Counting Crows, Peter Case, Voice of the Beehive, et bien d’autres.

Willie est devenu un compositeur primé de films et d’émissions de télévision et est un musicien/producteur de session pour des artistes tels que Victoria Williams, Syd Straw, Peter Himmelman et Rickie Lee Jones. Willie fait le portrait d’un membre du célèbre équipage de démolition dans le biopic Love and Mercy sur le fondateur des Beach Boys, Brian Wilson. Marvin et Willie n’ont jamais vraiment envisagé d’enregistrer un album ensemble jusqu’à ce que leur rabbin les appelle Thee Holy Brothers lors d’un service au temple.

« The » a été remplacé par « Thee »,et les répétitions ont rapidement suivi. Lors de leur premier spectacle, Thee Holy Brothers a reçu de grands encouragements le soutien de nul autre que Leonard Cohen, leur ami et collègue du temple Leonard Cohen. Marvin et Willie ont testé de nombreuses chansons de l’album dans les clubs de L.A. Ils ont également joué dans des endroits très convoités au Calgary Folk Festival au Canada. Le Calgary Herald a écrit : « Thee Holy Brothers… [était] l’un des plus beaux cadeaux du festival. »Après une gestation prolongée de plusieurs années, en raison de la double tragédie de la perte d’une famille et d’une grave maladie, My Name Is Sparkle est enfin de sortie, un « enfin » qui est marque de soulagement.

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Tim Minchin: « Apart Together »

23 novembre 2020

Quel était votre film préféré quand vous étiez enfant ? Avez-vous chanté chaque mot lorsque la comédie musicale est apparue ? Qui ne l’a pas fait ? et, à cet égard, nous devons remercier Tim Minchin pour cela. Roi de l’écriture musicale, Minchin a décidé de sortir de sa zone de confort et de sortir son premier album pop solo. Il a peut-être vendu le Royal Albert Hall, mais peut-il vendre son nouveau disque ?

Apart Together est un album qui restera certainement dans le cœur de Minchin, avec de nombreuses références personnelles et des histoires tirées de ses expériences de vie. Il n’y a pas de personnages derrière lesquels se cacher et les paroles de ses récits expliqueront certainement chaque centimètre de ses pensées.

Beaucoup de ces morceaux sont raisonnablement longs pour des chansons pop, la plupart d’entre eux allant de 4 à 6 minutes. Cependant, vous pouvez entendre les capacités musicales de Mangin dans chacune d’entre elles car l’orchestration produit une atmosphère qui ne peut être imaginée qu’en direct et crée des souvenirs édifiants qui non seulement empêchent la possibilité d’une trop grande répétitivité causant l’ennui mais vous emmènent dans un monde d’émerveillement.

On se surprend presque à se demander comment on a pu écouter une chanson de cinq minutes sans vérifier combien de temps il restait. « I’ll take Lonely Tonight » et « The Absence Of You « en sont deux exemples clairs, car ils commencent par de belles mélodies pour piano, à la fois mûres et simples, qui se transforment en de magnifiques chefs-d’œuvre d’atmosphère orchestrale. 

Malgré l’orchestration de ses instruments qui chantent magnifiquement tout au long de chaque morceau, sa force vocale n’est peut-être pas à la hauteur de ce que l’on attendrait. Avec une touche country unique, son falsetto dans « Leaving LA » et « If This Plane Goes Down » n’est pas exactement celui d’une personnalité comme Sam Smith. Cependant, la chanson « If The Plain Goes Down » elle-même détourne notre attention de ce sujet car elle vous fait vraiment réfléchir à la façon dont vous voulez que votre héritage vive après votre départ, en remettant en question votre moralité et la façon dont les gens vous perçoivent. 

Cet album n’est pas seulement rempli de grands instruments et de jolis accompagnements au piano, Minchin s’exprime parfois à travers des lignes de basse et de synthétiseur funky qui nous donnent une pause bien méritée et nous montrent comment s’amuser. « Talk Too Much », « Stayed Too Long » et « Airport Piano » font exactement cela, donc si vous voulez quelque chose qui vous fasse lever, alors ce sont certainement les chansons qui vous aideront. Même dans le morceau  « Apart Together », la ligne de trompette produit une aura douce pour nous. Il est toujours audacieux pour quelqu’un de sortir de sa zone de confort, mais Tim Minchin a prouvé une fois de plus qu’il est un touche-à-tout, zone de confort ou pas. 

***1/2


Palace Winter: « …Keep Dreaming Buddy »

14 novembre 2020

Le son élégant et jeune de Palace Winter est exactement le genre de chose qui calme les nerfs alors que la nuit approche et que la chaleur de l’air se libère pour un temps qui nécessite de se couvrir. Heureusement, le groupe a le bon nom pour correspondre à la musique de son dernier album Keep Dreaming, Buddy, sorti chez Tambourhinoceros en vinyle, CD et téléchargement.

Leur musique capture des morceaux électro trippés, apparemment assemblés de manière habile avec une production propre comme un sifflet, tout en capturant des basses profondes, des refrains colorés et de larges constructions de chansons qui plairont sans aucun doute à l’élite du rock dans la foule. « Monument Phase » se fraye un chemin jusqu’à la première place grâce aux comparaisons de Spacemen 3, alors que des claviers à décalage progressif illuminent le développement de la chanson, « Won’t Be Long » répète l’exploit posé devant lui avec un refrain hypnotique et doux tout en fredonnant des motifs de guitare floue qui ajoutent une couche supplémentaire de sophistication à la piste.

Rembobiner l’horloge avec un morceau intitulé « 1996 » pourrait faire réfléchir à des jours plus vertueux, des jours d’innocence et d’exploration. Il semblerait donc que cette année, le groupe l’ait fait avec un morceau apparemment influencé par les vibrations de l’heure d’été qui impliquent un saxophone soul. « Keep Dreaming Buddy » est un morceau électro-instrumental acoustique aux claviers lisses qui mène joliment au morceau qui tue sur l’album The Deeper End. Sonnant comme un croisement entre Primal Scream, les Spacemen 3 mentionnés ci-dessus et le chant de Jason Lyttle, le morceau se construit doucement en un crescendo de coeur, alors que des cloches d’église peuvent être entendues au milieu du masterblast qui brûle lentement.

L’un des derniers morceaux de l’album, « Rose », semble avoir été influencé par un autre groupe légendaire qui a utilisé des synthèses de moog à son avantage,  « World Of Twist » et leur délicat et mystérieux morceau « The Lights ». Il semblerait que Palace Winter soit en bonne compagnie avec leur première sortie depuis plus de deux ans. Les efforts qu’ils ont déployés pendant de longues années ont été salués par tous, ce qui devrait leur permettre de se faire une place de plus sur la carte rythmique des merveilles mélodiques de haute performance.

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Catherine Anne Davies & Bernard Butler: « In Memory Of My Feelings »

1 novembre 2020

Comme le dit le vieil adage, les meilleures choses valent la peine d’être attendues. En ce qui concerne In Memory Of My Feelings, cette attente s’est étendue sur six longues années.

Catherine Anne Davies enregistre de la musique sous le nom de The Anchoress depuis 2013, et a collaboré et tourné avec des artistes tels que Simple Minds, Paul Draper et Manic Street Preachers (c’est Davies qui joue en duo avec James Dean Bradfield sur la chanson Manics Dylan & Caitlin). Bernard Butler, bien sûr, est l’ancien guitariste de Suede devenu producteur réputé, et quand il a rencontré Davies pour la première fois il y a un peu plus de dix ans, les deux hommes ont commencé à écrire quelques chansons ensemble.

Et puis… silence. La grande majorité des chansons que le couple a achevées ont été enregistrées en 2014, mais après une succession de contretemps de la part de diverses maisons de disques, l’album semblait destiné à rester sur les tablettes. Ce n’est que lorsque le radiodiffuseur et journaliste Pete Paphides a créé son propre label Needle Mythology que le projet a été relancé, et In Memory Of My Feelings est maintenant devenu la première sortie officielle du label.

Il n’est pas surprenant pour quiconque connaît les précédents travaux de Davies et de Butler que cette rencontre particulière semble tout à fait naturelle. Les riffs de guitare de Butler n’ont jamais sonné aussi fougueux depuis les débuts de Suede, et les chansons de Davies sont intenses, passionnées et intemporelles. Il n’est pas exagéré de dire que l’alchimie musicale que le duo produit sur cet album est proche de l’alchimie.

Il commence avec « The Breakdown », un premier titre au rythme lent et à l’atmosphère sombre, mais c’est lorsque les riffs insensés de Butler donnent le coup d’envoi de « Ten Good Reasons » que l’album prend vraiment son envol. Il y a une rage contrôlée qui pullule à travers ce morceau et les suivants « Sabotage (Looks So Easy) » qui saisit vraiment l’auditeur par la peau du cou dès les premières notes.

Il y a aussi de merveilleux arrangements musicaux à écouter tout au long du disque – la chanson titre a de glorieuses mélodies plongeantes et des changements de temps soudains, tandis que le superbe « I Know, » l’un des meilleurs morceaux de l’album, a une touche vintage et pleine d’âme qui rappelle le travail de Butler sur le premier album de Duffy. La voix de Davies est ici à son meilleur, tandis que la guitare douloureuse de Butler lui sert presque de chorale.

Il y a une touche de Du Blonde dans l’arrogance terreuse de « Judas », tandis que le duo se montre tout aussi habile à manipuler les émois u coeur dans « The Patron Saint Of Lost Causes, » le genre de chanson qui est parfaite pour s’asseoir et se vautrer quand on s’apitoie sur son sort. Ce dernier morceau comporte également une section de cordes qui rappelle les vieux amis de Davies, Manic Street Preachers.

On ne sait pas encore si nous verrons un jour une autre collaboration Davies/Butler (bien qu’un nouvel album d’Anchoress soit prévu dans un avenir pas trop lointain). Si cela doit être le seul résultat de ce partenariat, les deux parties peuvent être assurées d’avoir produit l’un des albums qui compteront pour le bilan de l’année et ce, malgré sa longue période de gestation.

***1/2


The Moons: « Pocket Melodies »

30 octobre 2020

Depuis leur « arrivée sur terre », The Moons ont plongé leurs oreilless dans le genre des groupes de guitare indie des années 60 et ont bâti leur réputation autour de chansonnettes de 3 minutes tout en regardant la partie la plus pimpante en sifflant et en jouant de la flûte. Leur dernier album,Pocket Melodies, voit le groupe poursuivre avec enthousiasme sa quête pour devenir des experts de leur art

Le morceau d’ouverture « Today » est un merveilleux classique de la dream-pop. Sorti à l’origine via le projet parallèle Crofts and Gordelier avec le reste des membres du groupe live de Paul Weller intitulé The Songbook Collective, le morceau ne serait pas déplacé sur Something Else des Kinks, il possède des harmonies idylliques et rêveuses et un scintillement aigu des touches de clavier avec des paroles pittoresques qui vous éloignent de la normale pour vous emmener dans les prés et les champs d’émerveillement et d’excitation.

Le reste de l’album suit dans la même veine, « Riding Man » a un air de « Love The One Your With » avec des harmonies façon Manfred Mann des années 70 ; « Old Brigade » affiche des similitudes avec « Dead End Street », « Far Away » galope en vue avec abondance de percussions qui donnent le rythme de cet adorable air lyrique et « Maybe I’m The Perfect Man For You » affiche des similitudes avec les Beatles période guitares Rickenbacker en flambeaux.

Le morceau-phare de l’album est « Lone Wolf », qui mélange ce qui ressemble à un orchestre complet avec le BBC Tomorrows World moog, tout en sonnant comme un cousin éloigné du du « It’s Not The End Of The World » des Super Furry Animals, un titre craquant absolu. Il y a aussi du temps pour un morceau co-écrit avec Paul Weller, « Tunnel Of Time », mais dans l’ensemble, le moment appartient aux Moons Une sortie pastorale avec des touches de folk, pop, library et blues, le genre de sortie qui conviendra parfaitement à tout amateur des Beatles, des Kinks et de la Jam.

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Kevin Morby: « Sundowner »

26 octobre 2020

On peut être assez cynique pour le dire tout de suite : Kevin Morby veut désespérément être Leonard Cohen. Il suffit de vous je vous mettre au d’écouter Sundowner, le nouvel album de l’ancien front-man des Babies et de se dire qu’il ne ressemble pas à la dernière légende. Lisez dans cette remarque une sorte de compliment détourné que Morby a presque réussi à faire.

« Valley » et lest un titre simple et puissant, mais « Campfire » va n peu plus loin, avec une légère touche de poésie. Ailleurs, « A Night at the Little Los Angeles » ajoute un travail délicat à la guitare, tandis que l’élégant « Velvet Highway », et un bel instrumental, où il lâche tout pour le ipano.

On aurait pu souhaiter que Sundowner soit plus proche de ce nmorceau mais Kevin Morby est profondément en phase avac sa muse sur ce disque, de sorte que même une excellente composition, comme « Provisions » menace d’être oubliée lorsqu’elle est entendue à côté d’une douzaine d’autres compositions de même facture.

Sunowner n’est pas le genre de chose qur laquelle se précipiterait autant que n’importe quelle autre sortie de The Babies, mais il est assez bien fait dans le registre qui est le sien. Votre degré d’appréciation peut dépendre de la façon dont vous abordez ce disque, et si vous lui accordez toute votre attention il vous permettra de vous y laisser prendre.

***1/2


Maddy Jane: « Not All Bad Or Good »

14 octobre 2020

La guitare de Tassie, qui déchire et raconte des histoires, parvient à nous faire faire instinctivement danser le twist à chaque fois que nous l’entendons. Enfin, le premier album de Maddy Jane, Not All Bad Or Good, est là, et nos hanches sont prêtes.

Une partie du charme de Maddy Jane vient de sa capacité à partager son honnêteté couveuse avec un généreux service d’impertinence. « Crazy Jane Talks To The Bishop », par exemple, est un récit intime et sombre de détachement, contenant certains de ses vers les plus poignants. Pourtant, dans ses dernières secondes, elle devient étonnamment enjouée. Cette attitude brisée, mais méchante, rayonne sur l’ensemble de l’album, apportant un spunk et une excitation sans fin. « Femme » est un plaidoyer spirituel et flagrant pour l’égalité, montrant une maturité nouvelle dans l’écriture des chansons de Jane. « The Other Day » est la chanson classique de la fin de l’album, pleine d’audace et de riffs accrocheurs.

L’album est plus proche, mais les tubes de « Always Saying What They All Can’t Say » sont différents. C’est un morceau solennel sur la fragilité d’une famille brisée et cette attitude traditionnelle de Maddy Jane disparaît complètement et de manière appropriée dans ce cas.

Maddy Jane et son groupe ont une façon de créer des sons qui leur sont propres, en créant une magie indie rock avec un son pop authentique. Un « debut album » magique, compilant des histoires intimes mais universelles dignes d’être répétées en mille mouvements de danse chaloupés.

***1/2


Mary Lattimore: « Silver Ladders »

12 octobre 2020

La harpiste contemporaine Mary Lattimore fait équipe avec Neil Halstead de Slowdive pour livrer un disque vivant à la spontanéité organique. Ce qui se rapproche le plus d’une harpe, c’est le récit biblique qui se joue sur les fresques de la Renaissance, ou la harpe celtique sur une pinte froide de Guinness. Le triste fait est qu’il vous faudra faire un effort pour voir un spécimen du Lyon & Healy Concert Grand de 6 pieds joué de votre vivant, car ils viendront rarement à vous. Même la harpe en général est une race rare, l’instrument étant généralement réservé comme une simple vrille du grand organisme philharmonique. Dans la politique de la musique de harpe moderne, entrez dans le chœur de femmes Mary Lattimore, qui a pris la responsabilité de faire passer la harpe de l’au-delà à l’ici et au présent. Des concertos live allant du classique conventionnel au cool contemporain.

Lattimore y parvient de plusieurs façons. Tout d’abord, et c’est le plus important, elle ne joue pas avec un esprit classique, même si elle a reçu une formation classique. Ses arrangements sont fluides, organiques et libres des coutumes des compositions de concerto basées sur des formules. Deuxièmement, elle fait un usage intensif d’effets et de synthétiseurs pour compléter les bases et les harmoniques de sa harpe. Dans Silver Ladders, elle ajoute des guitares à cette liste d’acteurs de soutien grâce au travail de guitare artisanal de Neil Halstead de Slowdive. Ensemble, ils emmènent l’auditeur dans une promenade de minuit pieds nus le long d’eaux sereines et étoilées et de plages balayées par le vent, avec l’équipement des surfeurs, que l’on ne reverra plus jamais.

Tout au long du disque, Lattimore et Halstead utilisent leurs instruments comme des outils pour traduire les nuances les plus subtiles de l’émotion, les humeurs qui chevauchent le véritable royaume des ombres du sentiment. Non pas les sentiments élémentaires qui sont si clairement identifiés et présentés comme des émotions caricaturales lorsqu’ils sont chantés, les gazouillements de l’amour ou le meuglement de la tristesse, mais les arrière-plans émotionnels plus profonds que les mots peuvent souvent ne pas transmettre avec lucidité.

Silver Ladders n’est pas non plus prémédité dans sa capacité à inspirer ces réflexions. Le premier titre « Pine Trees » ne pèse pas sur le suspense ou le drame pour planter le décor, mais il se lance tête première dans une douce et sans prétention valse de cordes légères et lâches qui ressemble à une chaleureuse accolade d’une tante musquée depuis longtemps disparue. Enfin, les notes les plus aiguës sont jouées alors qu’un organe subtil commence à respirer, souillant le fond de lointaines taches de son flou.

Les cordes de la chanson titre sonnent comme une berceuse céleste. Une comptine sans paroles pour apaiser l’angoisse existentielle de la renaissance finale d’un bébé bodhisattva. Vers la fin, les cliquetis de l’un des mouvements des cordes se condensent et vibrent jusqu’à ressembler à une fleur de cerisier au sommet enneigé qui perd ses pétales dans une grande rafale de rose et de blanc. L’air lui-même vibre avec les fortes harmoniques et le retard atmosphérique généré par la harpe de Lattimore.

Dans « Til A Mermaid Drags You Under », d’une durée de dix minutes, les tics pastoraux de Halstead, jumelés à ses accords mantriques, posent un tapis de velours pour l’entrée éventuelle du chatouillement des notes de Lattimore, saupoudrées de diamants. La harpe génère une subtile électricité de mouvement sur les gémissements et les contorsions de Halstead, aspirant l’auditeur dans un tourbillon de belle mélancolie. Ces rôles sont inversés dans « Sometimes He’s In My Dreams » et « Don’t Look », les grattements séraphiques de Lattimore formant un ponton sonore d’où Halstead peut faire ses plongées nocturnes. Ses accords retardés sont ensuite laissés à nager dans un océan de verre noir alors que la harpe en arrière-plan forme une lumière de surface qui parvient à percer ses profondeurs.

Aucun élan ni aucune force ne pousse Silver Ladders vers l’avant. Aucune direction dans ses agitations d’humeur et de sons qui battent et palpitent comme une feuille prise entre des murs de vent. La beauté de l’album réside dans ce sentiment de spontanéité organique, dans les mouvements qui s’éloignent soudainement et se retirent dans des grottes sans lumière avant de s’assimiler à nouveau dans leurs harmonies glacées. Dans Silver Ladders, Mary Lattimore ramène la harpe sur terre encore couverte de nuages, mais aussi enfilée de veines de ténèbres qui marbrent son éclat argenté.

****1/2


Lawn: « Johnny »

6 octobre 2020

Après une interruption de deux ans et demi, Lawn a finalement ajouté son deuxième opus apres ses débuts acclamés par la critique,Blood on the Tracks,et, bien qu’il puisse y avoir de subtils changements de nuances, l’esthétique générale reste parfaitement cohérente.

Au départ, les riffs de Pavement servent toujours de base pour apporter une « atténuation non dramatique » à l’ensemble. Dans les mains de Lawn, ces riffs sont plus humides, plus sombres et un peu plus rasants, offrant une suggestion post-punk qui n’est jamais tout à fait réalisée au milieu de la vibrance/du tempo dominant.

Au lieu de cela, la fondation est renforcée par un sentiment de semi-manie contrôlée et spasmodique, alors que le son se transforme en une bombe indie-rock frénétique comme « Playing Dumb » et « Talk of the Town », qu’il s’attaque aux riffs obliques et aux délibérations sur les mots à demi parlés de la stylistique de Lewsberg dans « Summertime », ou qu’il plonge tête baissée dans le rock artistique déchiré de Jane Ryan. Tout cela est très Lawn, parfaitement éclectique et nonbstant aventureux.

Au début, ces numéros étaient au mieux lorsqu’ils poussaient les paramètres de l’obtus comme on le voit dans les morceaux précités. Cependant, dans « Johnny, » ce sont les morceaux avec un sens de la mélodie plus poussé qui traversent le bizarre, qui brillent vraiment.

Ainsi, le morceau titre, « Honest to God / Paper, Sunshine and Smile », flirte avec les mélodies sombres et douces qui rappellent Young Guv et Nap Eyes et donne une impression surprenante debizarrerie qui n’était peut-être pas totalement en accord avec leur son précédent. Pour ceux d’entre vous qui sont branchés, cela peut être considéré comme un clin d’œil à un son plus commercial, mais d’une certaine manière, le sentiment d’être « étrange » évite complètement toute accusation de mercantilisme.

Lawn reste sans effort et brillamment obtus sur cette deuxième année, mais il se pourrait bien qu’ils aient ouvert une toute nouvelle fanbase avec leur nouveau sens du «  single qui décoiffe.

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