Maddy Jane: « Not All Bad Or Good »

14 octobre 2020

La guitare de Tassie, qui déchire et raconte des histoires, parvient à nous faire faire instinctivement danser le twist à chaque fois que nous l’entendons. Enfin, le premier album de Maddy Jane, Not All Bad Or Good, est là, et nos hanches sont prêtes.

Une partie du charme de Maddy Jane vient de sa capacité à partager son honnêteté couveuse avec un généreux service d’impertinence. « Crazy Jane Talks To The Bishop », par exemple, est un récit intime et sombre de détachement, contenant certains de ses vers les plus poignants. Pourtant, dans ses dernières secondes, elle devient étonnamment enjouée. Cette attitude brisée, mais méchante, rayonne sur l’ensemble de l’album, apportant un spunk et une excitation sans fin. « Femme » est un plaidoyer spirituel et flagrant pour l’égalité, montrant une maturité nouvelle dans l’écriture des chansons de Jane. « The Other Day » est la chanson classique de la fin de l’album, pleine d’audace et de riffs accrocheurs.

L’album est plus proche, mais les tubes de « Always Saying What They All Can’t Say » sont différents. C’est un morceau solennel sur la fragilité d’une famille brisée et cette attitude traditionnelle de Maddy Jane disparaît complètement et de manière appropriée dans ce cas.

Maddy Jane et son groupe ont une façon de créer des sons qui leur sont propres, en créant une magie indie rock avec un son pop authentique. Un « debut album » magique, compilant des histoires intimes mais universelles dignes d’être répétées en mille mouvements de danse chaloupés.

***1/2


Mary Lattimore: « Silver Ladders »

12 octobre 2020

La harpiste contemporaine Mary Lattimore fait équipe avec Neil Halstead de Slowdive pour livrer un disque vivant à la spontanéité organique. Ce qui se rapproche le plus d’une harpe, c’est le récit biblique qui se joue sur les fresques de la Renaissance, ou la harpe celtique sur une pinte froide de Guinness. Le triste fait est qu’il vous faudra faire un effort pour voir un spécimen du Lyon & Healy Concert Grand de 6 pieds joué de votre vivant, car ils viendront rarement à vous. Même la harpe en général est une race rare, l’instrument étant généralement réservé comme une simple vrille du grand organisme philharmonique. Dans la politique de la musique de harpe moderne, entrez dans le chœur de femmes Mary Lattimore, qui a pris la responsabilité de faire passer la harpe de l’au-delà à l’ici et au présent. Des concertos live allant du classique conventionnel au cool contemporain.

Lattimore y parvient de plusieurs façons. Tout d’abord, et c’est le plus important, elle ne joue pas avec un esprit classique, même si elle a reçu une formation classique. Ses arrangements sont fluides, organiques et libres des coutumes des compositions de concerto basées sur des formules. Deuxièmement, elle fait un usage intensif d’effets et de synthétiseurs pour compléter les bases et les harmoniques de sa harpe. Dans Silver Ladders, elle ajoute des guitares à cette liste d’acteurs de soutien grâce au travail de guitare artisanal de Neil Halstead de Slowdive. Ensemble, ils emmènent l’auditeur dans une promenade de minuit pieds nus le long d’eaux sereines et étoilées et de plages balayées par le vent, avec l’équipement des surfeurs, que l’on ne reverra plus jamais.

Tout au long du disque, Lattimore et Halstead utilisent leurs instruments comme des outils pour traduire les nuances les plus subtiles de l’émotion, les humeurs qui chevauchent le véritable royaume des ombres du sentiment. Non pas les sentiments élémentaires qui sont si clairement identifiés et présentés comme des émotions caricaturales lorsqu’ils sont chantés, les gazouillements de l’amour ou le meuglement de la tristesse, mais les arrière-plans émotionnels plus profonds que les mots peuvent souvent ne pas transmettre avec lucidité.

Silver Ladders n’est pas non plus prémédité dans sa capacité à inspirer ces réflexions. Le premier titre « Pine Trees » ne pèse pas sur le suspense ou le drame pour planter le décor, mais il se lance tête première dans une douce et sans prétention valse de cordes légères et lâches qui ressemble à une chaleureuse accolade d’une tante musquée depuis longtemps disparue. Enfin, les notes les plus aiguës sont jouées alors qu’un organe subtil commence à respirer, souillant le fond de lointaines taches de son flou.

Les cordes de la chanson titre sonnent comme une berceuse céleste. Une comptine sans paroles pour apaiser l’angoisse existentielle de la renaissance finale d’un bébé bodhisattva. Vers la fin, les cliquetis de l’un des mouvements des cordes se condensent et vibrent jusqu’à ressembler à une fleur de cerisier au sommet enneigé qui perd ses pétales dans une grande rafale de rose et de blanc. L’air lui-même vibre avec les fortes harmoniques et le retard atmosphérique généré par la harpe de Lattimore.

Dans « Til A Mermaid Drags You Under », d’une durée de dix minutes, les tics pastoraux de Halstead, jumelés à ses accords mantriques, posent un tapis de velours pour l’entrée éventuelle du chatouillement des notes de Lattimore, saupoudrées de diamants. La harpe génère une subtile électricité de mouvement sur les gémissements et les contorsions de Halstead, aspirant l’auditeur dans un tourbillon de belle mélancolie. Ces rôles sont inversés dans « Sometimes He’s In My Dreams » et « Don’t Look », les grattements séraphiques de Lattimore formant un ponton sonore d’où Halstead peut faire ses plongées nocturnes. Ses accords retardés sont ensuite laissés à nager dans un océan de verre noir alors que la harpe en arrière-plan forme une lumière de surface qui parvient à percer ses profondeurs.

Aucun élan ni aucune force ne pousse Silver Ladders vers l’avant. Aucune direction dans ses agitations d’humeur et de sons qui battent et palpitent comme une feuille prise entre des murs de vent. La beauté de l’album réside dans ce sentiment de spontanéité organique, dans les mouvements qui s’éloignent soudainement et se retirent dans des grottes sans lumière avant de s’assimiler à nouveau dans leurs harmonies glacées. Dans Silver Ladders, Mary Lattimore ramène la harpe sur terre encore couverte de nuages, mais aussi enfilée de veines de ténèbres qui marbrent son éclat argenté.

****1/2


Lawn: « Johnny »

6 octobre 2020

Après une interruption de deux ans et demi, Lawn a finalement ajouté son deuxième opus apres ses débuts acclamés par la critique,Blood on the Tracks,et, bien qu’il puisse y avoir de subtils changements de nuances, l’esthétique générale reste parfaitement cohérente.

Au départ, les riffs de Pavement servent toujours de base pour apporter une « atténuation non dramatique » à l’ensemble. Dans les mains de Lawn, ces riffs sont plus humides, plus sombres et un peu plus rasants, offrant une suggestion post-punk qui n’est jamais tout à fait réalisée au milieu de la vibrance/du tempo dominant.

Au lieu de cela, la fondation est renforcée par un sentiment de semi-manie contrôlée et spasmodique, alors que le son se transforme en une bombe indie-rock frénétique comme « Playing Dumb » et « Talk of the Town », qu’il s’attaque aux riffs obliques et aux délibérations sur les mots à demi parlés de la stylistique de Lewsberg dans « Summertime », ou qu’il plonge tête baissée dans le rock artistique déchiré de Jane Ryan. Tout cela est très Lawn, parfaitement éclectique et nonbstant aventureux.

Au début, ces numéros étaient au mieux lorsqu’ils poussaient les paramètres de l’obtus comme on le voit dans les morceaux précités. Cependant, dans « Johnny, » ce sont les morceaux avec un sens de la mélodie plus poussé qui traversent le bizarre, qui brillent vraiment.

Ainsi, le morceau titre, « Honest to God / Paper, Sunshine and Smile », flirte avec les mélodies sombres et douces qui rappellent Young Guv et Nap Eyes et donne une impression surprenante debizarrerie qui n’était peut-être pas totalement en accord avec leur son précédent. Pour ceux d’entre vous qui sont branchés, cela peut être considéré comme un clin d’œil à un son plus commercial, mais d’une certaine manière, le sentiment d’être « étrange » évite complètement toute accusation de mercantilisme.

Lawn reste sans effort et brillamment obtus sur cette deuxième année, mais il se pourrait bien qu’ils aient ouvert une toute nouvelle fanbase avec leur nouveau sens du «  single qui décoiffe.

***


Declan McKenna: « Zeros »

6 octobre 2020

« Nous allons nous faire tuer » (We’re gonna get ourselves killed) ; voici un sentiment que l’on peut retrouver et éprouver dans le nouvel album de Declan McKenna, Zeros. Un disque qui utilise la dystopie comme un miroir pour exprimer les préoccupations des temps modernes, atteignant des proportions épiques de malheur imminent.

Dans un chaos époustouflant, vous vous retrouvez en orbite au-dessus de la Terre, esquivant les coups de laser du synthétiseur, essayant de trouver vos repères entre les sections de piano et les riffs qui gonflent comme des supernovas. Pour couronner le tout, un astéroïde est venu nous achever pour de bon et ce n’est que la première piste. L’influence de Bowie sur Declan est évidente, avec des moments sur les « Zéros » nés de la poussière spatiale laissée derrière quand Ziggy Stardust a navigué dans le système solaire.

Il y a un moment très cow-boy de l’espace (space cowboy) avec la chanson « Twice Your Size », qui a pris un air de Nashville, la ville où l’album a été enregistré. Les riffs flottent après avoir été imprégnés d’un swing country, avec des montées soudaines d’intensité qui ont donné lieu à certains des accroches les plus fortes du disque. Observateur intelligent des questions et préoccupations sociétales auxquelles est confrontée une génération de jeunes à ses débuts, Declan a tourné son regard vers l’humanité dans son ensemble.

Combinant l’apocalypse du passé (un déluge de proportions bibliques) et l’un des futurs théorisés (un gros rocher spatial),Zeros observe non seulement les temps modernes mais nous sert aussi de mise en garde sur la responsabilité. Après tout, nous sommes souvent distraits par les médias sociaux qui nous offrent une gratification instantanée, nous plongeant dans les profondeurs de l’internet pour trouver la meilleure conspiration qui soit et nous enfermant dans le confort du consumérisme. La Terre nous envoie des signaux sérieux sur la nécessité d’éviter un changement climatique catastrophique, mais l’apathie du capitalisme pour les actions non rentables est clairement illustrée par les paroles suivantes : « Je vais acheter un sac de crocs et des baskets Nike, un confort que vous pouvez ressentir » (I’m off out to buy a bag of quavers and Nike trainers, comfort you can feel).

SurZeros Declan McKenna a relevé la barre pour contextualiser le discours actuel, en se retirant entre-temps du récit principal. À presque tous les égards, c’est plus grand que ses débuts, il y a urgence aux instrumentaux et aux crescendos de l’opéra, tout cela pour essayer d’observer la folie. Hélas, il est temps de s’installer, de mettre ses lunettes 3D et de regarder tout cela se terminer en glorieuse haute définition.

****


The Jaded Hearts Club: « You’ve Always Been Here »

3 octobre 2020

En 1966, sur fond de protestations, d’émeutes, de violence et de milliers d’Américains morts sans raison, les Four Tops ont sorti leur chanson « Reach Out I’ll Be There », qui a marqué un monde en proie à l’anxiété et à la douleur. Sur cette chanson, Levi Stubbs crie à un ami dans le besoin pour le rassurer, mais il semble que ce soit lui qui s’accroche à la vie. En grattant le haut de son registre vocal et au-delà, on n’entend plus que les larmes dans ses yeux. Un demi-siècle plus tard, la chanson jette toujours une longue ombre sur la culture américaine. C’est une de ces chansons qu’il faut être fou pour ne serait-ce qu’essayer de reprendre. De Michaels de la variété Bolton-et-McDonald, à Gloria Gaynor et même Diana Ross- elle rend humble tous ceux qui essaient de la marquer.

Quand le super groupe The Jaded Hearts Club s’y attaque avec You’ve Always Been Here, il apporte toute la folie et aucune humilité. C’est peut-être l’intrépidité combinée à des conditions culturelles similaires de troubles mondiaux et de désespoir qui rendent cette version si passionnante. Quelque chose d’aussi vital est la dernière chose que l’on puisse attendre de ce qui est essentiellement un groupe de musiciens blancs d’âge moyen jouant de la musique des Baby Boomers. Cette chanson et l’album dont elle fait partie devraient être un gâchis embarrassant. Et pourtant, par miracle, c’est 31 minutes de pur bonheur.

Créé dans un moment d’inspiration frugale en 2017 – lorsque le guitariste Jamie Davis ne voulait pas payer 30 000 dollars pour engager un groupe de reprises des Beatles -, le Jaded Hearts Club est principalement composé des amis musiciens qui ont répondu au téléphone lorsque Davis a appelé avec son idée folle. Ces amis qui se sont pointés pour tordre le coup et crier ? Nul autre que Matt Bellamy de Muse, Graham Coxon de Blur, Nic Cester de Jet, Miles Kane des Last Shadow Puppets et le batteur Sean Payne de Zutons. Après quelques années de concerts privés et caritatifs de haut niveau – dont un où Sir Paul McCartney lui-même a pris d’assaut la scène pour chanter avec le groupe – le Jaded Hearts Club a décidé d’amener en studio son lot croissant de fans et de raretés de la Northern Soul.

Malgré ses origines de groupe fêtard, The Jaded Hearts Club est très sérieux quant aux bons moments qu’il passe sur You’ve Always Been Here. Il n’y a pas d’allusion à la généalogie ou à un détachement ironique et négligé, imprégné de bière. Les tâches vocales sont réparties entre Kane et Cester qui jouent selon les dons particuliers de chaque chanteur. Le style R&B de Kane convient parfaitement à des morceaux comme « Love’s Gone Bad » de Chris Clark et « Nobody But Me » des Isley Brothers. Le chant de Cester semble canaliser à parts égales Sam Cooke et Roger Daltry alors qu’il déchire « Long and Lonesome Road » de Shocking Blue, le susnommé « Reach Out I’ll Be There » et surtout « This Love Starved Heart of Mine (It’s Killing Me) » de Marvin Gaye.

Le manque de pression convient parfaitement à Coxon – qui s’amuse manifestement comme un fou – car il ne fait que voler la vedette à Cester dans « I Put a Spell on You » de Jay Hawkins. Matt Bellamy, qui n’est pas connu pour ses conneries, brille vraiment dans son rôle de bassiste et il convient parfaitement à la batterie de Payne. Lorsque Bellamy joue de la basse, les résultats sont prévisibles au 23e siècle, mais l’approche moderne de la section rythmique tient constamment cet album à l’écart des pentes glissantes de la nouveauté.

Le plus grand raté est le morceau de clôture, où Bellamy se lance en solo sur « Fever » »de Peggy Lee. La tentative de « sexy smolder » n’atteint pas tout à fait son but, ressemblant plutôt à un appel de grincheux effrayant. Il y a aussi des moments sur l’album où l’approche bombastique de Bellamy dans la production est en contradiction avec la joie et la spontanéité – deux mots rarement associés à son groupe Muse- du matériel d’origine. Mais même dans ces moments-là, l’alchimie et l’enthousiasme de ses compagnons d’orchestre continuent de faire la différence pour que la fête continue.

Cet album n’est probablement pas destiné à définir les moments que nous vivons autant que les chansons qui l’habitent. Mais avec tout ce qui peut nous échapper de nos jours, il est difficile de reprocher au Jaded Hearts Club de se perdre si complètement dans ce concept. Alors qu’un groupe de fêtards ne va pas sauver le monde, les 31 minutes de bonheur que l’on retrouve dans You’ve Always Been Here ressemblent à un acte de pure rébellion à la fin de l’année 2020. et, en effet, la fête continue.

****


Born Ruffians: « Squeeze »

2 octobre 2020

Au début de l’année, Born Ruffians ont sorti Juice – un condensé parfait du son pop effervescent qu’ils ont peaufiné au cours des quinze dernières années. Les sessions pour cet album ont trouvé le groupe débordant de matériel, et le résultat se retrouve dans leur dernier album, Squeeze. Mais loin d’être un album d’écueils de studio et d’idées à moitié cuites, Squeeze voit le combo explorer des domaines plus expansifs et plus aventureux de leur écriture de chansons.

Si les précédents albums ont vu Born Ruffians se propulser de A à B dans un tourbillon de riffs pop et accrocheurs et de mélodies à la sauvette, Squeeze trouve qu’ils prennent la route longue et sinueuse qui les mène à cette même destination. Cela ne veut pas dire que ce disque est lourd ou trop indulgent – non, Born Ruffians cloue toujours les moments pop et suscite des moments de joie plus hédonistes – c’est juste que cette fois, ils n’ont pas peur de prendre la route la moins évidente.

« Sentimental Saddl », par exemple, nous emmène sur une sort de vague de radiations psychiques – il s’ouvre, les synthés bourdonnants font place à un psychisme hippie des années 60, avant que le mini-crescendo de façon « A Day In The Life » ne s’enchaîne pour former une section finale pleine de rebondissements. Le premier « single », « 30th Century War, » voit les Ruffians nés à leur meilleur – une explosion de joie brillante et vive qui oppose «The Headmaster’s Ritual » des Smiths à la tension de Talking Heads. Mais si l’on craignait que les périls de 2020 ne l’aient enlevé au groupe, le « uh huh » parfaitement placé du chanteur Luke Lalonde au début du morceau replace les choses dans leur contexte. « 30th Century War » n’est pas un réquisitoire criard et sarcastique sur l’état des choses, mais plutôt un regard flétrissant, à demi-savant eeu point de vue oblique plutôt que rectiligne.

Le premier acte de l’album est complété par la rêverie assurée de « Waylaid ». Lalonde, accompagnée de la chanteuse Hannah Georgas, et son ton naturel et discret sont parfaitement placés pour ramener sur terre les thèmes capiteux de l’amour et de la perte. Sur une batterie bien aiguisée, une basse grondante et des guitares sensuelles aux couleurs dorées, sa voix a la qualité quotidienne et séduisante de celle de Soccer Mommy et Frankie Cosmos. Peut-être le plus beau morceau de l’histoire, il se transforme progressivement en un outro superposé et fanfaron et confirme le partenariat entre Georgas et les Born Ruffians comme une association improbable mais merveilleusement assortie.

Ailleurs, les Born Ruffians continuent leur voyage vers de nouveaux territoires : « Sinking Ships », « Death Bed », et « Leaning On You » ont la production des Beatles, un peu étourdie et trébuchante, après avoir laissé leurs vadrouilles devenir hirsute et leurs barbes se faire longues. Tout est fait de delay et de réverbération, avec des parties de guitare et de synthétiseur cousues ensemble pour créer un fond presque orchestral. « Death Bed » en plusieurs parties, en particulier, est le plus tortueux et le plus sinueux – s’épanouissant en une dernière partie de chant, tandis que Leaning On You bénéficie de quelques superbes années 80, la production de soft rock s’épanouit.

Tout compte fait, Squeezemontre des Born Ruffians qui plongent prudemment dans de nouvelles eaux, sans vraiment faire le grand saut. Les nouvelles textures et approches qui parsèment le disque constituent un changement de ton bienvenu et justifient sans aucun doute la sortie de leur deuxième album cette année. Il faut dire, cependant, que leur force reste dans leur sensibilité pop exubérante. Hormis le merveilleux duo avec Georgas, c’est la pop de « 30th Century War » et » Rainbow Superfriends » qui vous accompagnera le plus longtemps.

****


Phony Knock: « Yourself Out »

17 septembre 2020

Knock Yourself Out est une bande son pour la fatigue. Sonorisée, elle convient smirablement pour vous endormir, en dégageant une aura frémissante. Elle est également faible, comme la mâchoire de tigre en ce sens.  Elle s’inspire de la dureté du shoegaze et de la nature étalée du slowcore, certains morceaux penchant fortement vers l’un plus que vers l’autre. « Waffle House » et « Turnstile Effect » sont les plus brumeux et les plus apaisants. « Relax », l’un des titres les plus forts du projet, a une sonorité captivante, et « Peach » se termine par une série de riffs puissants.  Le chant est tempéré, s’enfonçant souvent dans les instrumentaux et s’égalisant presque avec eux à plusieurs reprises. 

Mais sur le plan thématique, c’est aussi le résultat d’un sentiment de dépassement. L’exemple le plus marquant est le morceau « I’m Not Going To Your Show », qui est un message vocal du cousin de Neil Berthier, David, le frontman du Phony, l’informant qu’il va manquer le prochain concert du groupe. « J’ai une journée de dix heures le vendredi », explique-t-il, « et je dois apprendre à faire quelque chose en un jour que la plupart des gens apprennent à faire en trois jours ». (I have a ten-hour day on Friday …   « and I have to learn how to do something in one day that most people learn how to do in like, three.)

La messagerie vocale elle-même est relativement simple ; elle provient d’un homme exaspéré et accablé par lle « FOMO » (fear of missing out/ peur de louper quelque chose) qui aimerait avoir plus de temps et d’énergie. Mais quant à la décision de Berthier de l’inclure, il y a plus de place pour l’interprétation. On peut au moins en déduire que c’était délibéré, et que le stress et le désarroi de David se retrouvent dans l’écriture de l’album. Il y a des rumeurs sur le fait de subir une crise d’angoisse et de réaliser que l’on est peut-être au bord du gouffre. « Two Thousand », qui se lit plus comme un collage de paroles que comme une chanson cohérente, tourne au nihilisme et s’ouvre sur « Je crois que certains diraient que le monde est maudit pour se vider de son sang » (I believe that some would say the world is cursed to bleed away). Puis sur « Peac » », Berthier est hanté par les souvenirs idylliques d’une flamme romantique passée, mais aussi conscient de la nécessité de la laisser culminer afin de permettre à quelque chose de mieux de s’épanouir : « quand cela s’effacera dans le noir / vous ressentirez quelque chose de nouveau » (when this fades to black / you’ll feel something new).

***


James Dean Bradfield: « Even In Exile »

14 septembre 2020

Cela fait 14 ans que James Dean Bradfield a fait ses débuts en solo avec The Great Western, 14 ans que sa suite était attendue et patience est, ici, parfaitement récompensée. Intitulée Even In Exile, elle documente la vie du chanteur/compositeur, poète et militant politique chilien Victor Jara, brutalement assassiné en 1973. Bradfield y fusionne sa vision musicale sur grand écran avec une série de mots écrits par le célèbre poète gallois Patrick Jones. Even In Exile emmène l’auditeur dans un paysage sonore éclectique qui fait référence à David Sylvain et Rush entre autres, ainsi qu’à des territoires plus familiers labourés dans le travail quotidien de Bradfield comme chanteur et guitariste de Manic Street Preachers.

Ayant commencé à travailler sur le projet au début de l’année 2019, Even In Exile s’est réuni au cours de la dernière année. Bradfield s’est inspiré du « Washington Bullets » de Clash (qui portait sur Jara) et de « Street Fighting Years » de Simple Minds, qui a été consacré au même Jara il y a 31 ans. Il s’est attelé à la construction d’un disque qui permettrait à la fois de sensibiliser à l’héritage du poète tout en rendant à son sujet la justice qu’il mérite. Ainsi, « La Partida » du sixième album de Jara, El Derecho De Vivir En Paz, est couvert de façon exquise. Le ton particulier et affecté de Bradfield ajoute une touche poignante.

Ailleurs, Even In Exile propose de subtiles ballades acoustiques comme « There’ll Come a War », tandis que « Santiago Sunrise », plus proche, offre des complaintes à la fois provocantes et sombres : « Tu ne traverseras jamais la rivière si tu as peur de te mouiller » (You’ll never cross the river if you’re scared of getting wet) chante Bradfield sur ce dernier titre. Tout en restant optimiste sur le film biographique « The Boy From the Plantation » et même en s’éclatant sur « Without Knowing the End (Joan’s Song) », Even In Exile se réjouit de l’optimisme qu’il inspire, à savoir que tout est possible si l’on est prêt à se battre pour cela.

Cet opus est tout sauf un stop entre les disques de Manic Street Preachers. S’appuyant sur les bases impeccables posées par son successeur en 2006, Even In Exile est un album qui illustre pleinement la stature de Bradfield en tant qu’artiste solo de renom.

***1/2


Vita and the Woolf : « Anna Ohio »

2 septembre 2020

Originaires de Philadelphie et vivant désormais à Los Angeles, Vita and the Woolf, alias de Jen Pague, ont fait de leur mieux pour leur troisième album, Anna Ohio. Leur dernier effort est une évolution continue qui a commencé en 2014 sur la démo de Fang Song, avec beaucoup de guitares, et qui a continué à se développer avec Tunnels en 2017. Pour Anna Ohio, il semble que Vita and the Woolf aient pleinement adopté leurs tendances pop avec des accroches fortes et une production élaborée. Pague s’est appropriée le personnage de la fictive Anna Ohio et en a conclu, comme elle le dit, qu’un « examen onirique de la vie sous le capitalisme tardif (« Home », « Auntie Anne’s Waitress ») et le désir d’évasion (« Operator ») sont en quelque sorte plus réels que la réalité ».

Sur ‘Mess Up », le premier « single » de l’album, ils mettent tout en œuvre pour la production du morceau et d’une vidéo montrant une actrice trébuchant et dansant dans un petit appartement enfumé. Ce titre est gigantesque. La production est entièrement consacrée à la pop West Coast et ce ne serait que justice d’entendre ce titre absolument partout en quelques mois. Le deuxième »single », « Operator »,est doté d’un rythme lent et agréable, accompagnant des textes tels que « Vous avez une machine à remonter le temps dans la cave et la seule fois où nous pouvons la faire fonctionner, c’est quand nous sommes saouls et défoncés dans la cave quand nos corps sont froids » (You have a time machine in the basement and the only time we get to operate it is when we’re drunk and stoned in the basement when our bodies are cold . La vidéo, de son côté, y montre Pague et un ami errant dans le désert en combinaison d’astronaute. 

Le premier morceau, « Out of State », présente une atmosphère dfaçon Beach Boys. Sur « Confetti », le thème est le regret : « Ai-je vraiment cru que la cocaïne allait tapisser les rues et les sommets des montagnes ? » (Did I really think cocaine would line the streets and mountaintops ?) ,Le troisième morceau, « Home », s’inscrit dans l’ambiance des clubs de dance avec un beat façon Katy Perry. « Kentucky » reviendra aux racines folk avec une basse à plectre et une mélodie de falsetto envoûtante. « Feet » vantera un rythme très agréable et met en scène la chanteuse qui se languit de son « camping back home » sur une énorme ligne de basse. « Machine » est une chanson disco-esque, avec un grand refrain hérité, lui de, Lady Gaga. « Auntie Anne’ Waitress » surprendra l’auditeur avec un nouveau beat, sexy de type R&B, cette fois-ci propre à se vider la tête. Le morceau de clôture, « Paris », terminera l’album avec un funk plus sexy et un chant de falsetto. 

La côte Est manque peut-être au combo, et Philadelphie sûrement, mais L.A. a clairement eu un effet sur ce groupe. Ce déménagement a eu une influence positive sur l’écriture et la production de ce dernier album. C’est leur meilleur travail à ce jour ; du moins si on apprécie de pouvoir entendre une musique qui pourra s’apprécier dans une salle d’attente, une station-service ou un Starbucks.

***


The Apartments : « In and Out of the Light »

1 septembre 2020

Cet album du groupe de Peter Milton Walsh se caractérise par une mélancolie profonde, des paroles sincères et une ambiance à la fois feutrée et passionnée. Le son du groupe rappelle une version plus détendue de The Church (The Apartments sont également Australiens), bien que les paroles de Walsh soient nettement plus directes que celles de Steve Kilbey.

Il faudra peut-être s’habituer à la voix usée de Walsh, mais cela vaut la peine de faire un petit effort ; c’est l’instrument parfait pour transmettre le contenu lyrique fatigué, résigné et parfois nostalgique. Le morceau le plus fort de l’album, « What’s Beauty to Do », a peut-être des textures subtilement jangle-pop, mais son ton reste cohérent avec celui des autres albums. « Butterfly Kiss » est sombrement élégiaque, un cousin antipode de « Holocaust » de Big Star, avec trompette.

Une technique intéressante utilisée tout au long de l’album est la voix doublée de Walsh qui chante deux ensembles de paroles différents, parfois avec des mélodies différentes. L’effet de diaphonie est intentionnellement désorientant, mais il a pour effet d’attirer l’auditeur plus loin dans la musique. La musique est déjà invitante, mais ce sont les paroles de Walsh qui constituent le cœur de In and Out of the Light. Le déchirement a rarement été aussi agréable.

***