Suede: « Autofiction »

20 septembre 2022

Suede a réalisé sans doute la reformation et le retour les plus réussis de ces dernières années. Le groupe a choisi de mettre un terme à sa carrière après que son cinquième album, A New Morning, sorti en 2002, n’ait pas répondu aux attentes, mais il s’est regroupé sept ans plus tard pour donner des concerts et, peu après, pour sortir Bloodsports, son album de retour en 2013. Cette démarche n’a pas seulement porté ses fruits, elle a également consolidé leur statut de groupe le plus constant de ces 25 dernières années, tout en leur faisant découvrir un nouveau public.

Autofiction, leur quatrième album depuis leur reformation (et leur neuvième album au total), est plus qu’à la hauteur des normes établies par ses prédécesseurs. Déjà décrit dans des interviews par le vocaliste et auteur-compositeur en chef Brett Anderson comme le disque punk du groupe, Autofiction représente un vaste départ musical par rapport au dernier disque de Suede, The Blue Hour en 2018. Pourtant, en même temps, il s’identifie facilement comme un album de Suede.

Enregistré aux Konk Studios de Londres, avec Ed Buller à la production, Autofiction est aussi vivant et direct qu’un disque de Suede puisse l’être. En effet, cette approche de retour aux sources fonctionne à merveille en termes de flux de l’album. L’album s’ouvre sur le post-punk guttural de « She Leads Me On », une sorte de parenté sonore avec « Ceremony » de Joy Division/New Order. Les tout aussi tapageurs « Personality Disorder » et « 15 Again » suivent, tandis que « The Only Way I Can Love You » et « That Boy on the Stage » poursuivent le contexte autobiographique d’Autofiction.

La chanson « Drive Myself Home », au milieu de l’album, est peut-être la chanson la plus évidente du disque pour ceux qui connaissent le vaste catalogue du groupe. Mais c’est vers la fin d’Autofiction que le disque prend de l’ampleur, notamment sur « It’s Always the Quiet Ones » – qui rappelle le Killing Joke de l’époque de Night Time – et le couplet final « What Am I Without You » et « Turn Off Your Brain and Yell ». La déclaration d’intention grandiose de ce dernier assure presque certainement la présence d‘Autofiction dans les échelons supérieurs de la liste des Best Of de 2022.

***1/2


Placebo: « Never Let Me Go »

25 mars 2022

Écrit après une tournée éreintante célébrant les plus grands succès du combo, Never Let Me Go montre que Placebo continue de ne faire de la musique que pour lui-même, avec des résultats captivants.

Après avoir fait irruption dans les hit-parades au milieu des années 90, arborant couches désordonnées d’eye-liner, Placebo était un antidote passionnant à la Britpop clinquante, apportant angoisse, menace et glamour à une culture masculine de plus en plus ennuyeuse, tout en gagnant des fans comme Robert Smith et David Bowie. Au cours de la quasi-décennie qui s’est écoulée depuis leur dernier album studio, Placebo s’est installé dans le rôle d’aînés, les guitares déchaînées et la menace véhiculée par leur répertoire du début des années 90 ayant cédé la place à des chansons plus douces, aux tonalités majeures, sur les albums plus récents.

Alors que leur tournée des plus grands succès (A Place For Us to Dream est une brillante rétrospective et une parfaite drogue d’introduction pour les nouveaux venus) leur a donné un coup de pouce financier, le groupe s’est lassé des tubes des années 90 qu’il était obligé de faire défiler soir après soir.

Sur Never Let Me Go, Brian Molko et Stefan Olsdal mettent à plat leur processus et le reconstruisent. En commençant par la pochette, puis les titres des chansons, et seulement ensuite en commençant à composer la musique, les treize morceaux sont expansifs, variés et d’une importance cruciale ; Placebo semble pleinement investi ici après quelques morceaux apathiques sur leurs récents albums studio.

« Forever Chemical » est une introduction frissonnante à l’album, avec des synthétiseurs glitchs buggés et des boucles de batterie staccato qui attirent l’attention, avant de prendre un virage atypique vers « Beautiful James » » une berceuse magnifique portée par une ligne de synthétiseur à faire frémir. « Hugz », un rocker pur et dur, et «  Happy Birthday in the Sky » , une rumination morose sur la mort, sont des morceaux classiques de Placebo que le duo pourrait pondre dans son sommeil.

Plus intéressant encore, « The Prodigal » associrae la voix unique de Molko à un orchestre complet. Souvent, les groupes se contentent d’ajouter des cordes sur une ballade standard en fin de production, mais ici l’orchestration est la base de la composition, des notes pizzicato ornant les couplets avant que les violons ne mènent une contre-mélodie dans le refrain.

« Twin Demons » » est un des points forts de la fin de l’album, faisant écho aux rythmes propulsifs du premier tube « Special K » » et conçu pour être joué en live. Vers la fin de l’album, les choses descendent d’un cran, la batterie est habilement tapée plutôt que frappée, et la guitare acoustique et le piano ont de l’espace pour respirer. Individuellement solides, ces morceaux gagneraient peut-être à être espacés dans l’ordre de passage, car la dernière ligne droite s’enlise un peu.

Malgré toute l’invention et la variation, le morceau le plus impactant est peut-être le plus basique d’un point de vue musical. « Try Better Next Time » est, en effet, un joyeux sourire en clé majeure sur notre destin probable (et mérité, selon Molko) aux mains d’une catastrophe climatique, qui est contagieusement accrocheur.

« Je suis aussi psychologiquement brutalisé par ces dernières années que n’importe qui ayant un cœur assez grand pour s’en soucier », a déclaré Molko à propos du sujet de l’album. Bien qu’il ne soit pas ouvertement politique, il y a une colère qui couve à travers l’album, visant le « miroir infini du narcissisme » d’Instagram, le haussement d’épaules pathétique de l’humanité face à la perspective d’un écocide (« Try Better Next Time ») ou la surveillance numérique sur « Surrounded by Spies » (il n’est pas surprenant, à cet égard, que le groupe ait interdit les appareils mobiles lors de ses concerts de lancement cette semaine ; nous aurions tous besoin d’un répit).

Rester pertinent d’un point de vue commercial est probablement hors de leur contrôle à ce stade, alors il faut reconnaître à Molko et Olsdal le mérite de garder les choses intéressantes pour eux, de déconstruire leur processus et d’essayer de nouvelles choses ; même si le résultat n’est pas très différent de ce qui a précédé, il est bon de retrouver Placebo et sa « rage contre la machine ».

***1/2