Alex Bleeker: « Heaven On The Faultline »

7 avril 2021

Quand on est le bassiste de Real Estate, l’un des groupes d’indie-rock les plus sympathiques de ces derniers temps, que fait-on en tant qu’artiste solo ? Vous faites quelque chose de tout aussi agréable, à en juger par le premier album solo d’Alex Bleeker en six ans. Ce n’est pas rendre service à Heaven on a Faultline, car il s’agit d’une collection de sons artisanaux qui témoignent de l’intention de Bleeker de se souvenir de la musique qui l’a fait tomber amoureux de cette forme de musique. On a donc droit à un indie-rock sautillant qui rappelle Yo La Tengo, un autre groupe du New Jersey, et à un country folk qui rend hommage à Neil Young.

Et le terme « homespun » n’est pas utilisé comme un simple descripteur ici : Bleeker a initialement réalisé l’album dans sa chambre, le terminant en janvier 2020 avant que le monde ne s’embrase. Après avoir vu le cinquième album de Real Estate sortir en février dernier et avoir été avalé par la pandémie de COVID-19, il a passé le reste de l’année à essayer de communiquer avec ses fans par tous les moyens possibles, et son effort solo a enfin vu la lumière du jour.

Étant donné qu’il s’agissait essentiellement d’un disque destiné à permettre à Bleeker lui-même d’explorer ses racines musicales, le fait que les chansons se connectent à un autre auditeur témoigne de leur qualité. Il s’agit d’une promenade douce et chaleureuse à travers son histoire musicale, pleine de basse qui groove et de guitare qui tord. Des morceaux agréables sur le plan sonore, comme l’instrumental jangly « AB Ripoff » et les méandres de « Swang », abondent. Les mélodies, simples mais mémorables, viennent à Bleeker avec une apparente facilité, comme sur le vintage « Mashed Potatoes » ou le swinguant « La La La La » seule exception en sera le morceau psychédélique sale et groovy « Heavy Tupper ».

Heaven on a Faultline est un album de transitions. Sur le plan lyrique, Bleeker traite des angoisses d’un monde en mutation : « D Plus » a beau contenir des guitares carillonnantes, elle a été écrite le jour de l’investiture de Donald Trump à la présidence ; le jovial « Felty Feel » le voit réfléchir au changement climatique et à son sentiment d’impuissance face à celui-ci, marquant la juxtaposition de mots sombres et de rythmes enjoués d’une certaine passivité : » »N’en parlons pas/ A quoi bon sérieusement/ Je ne veux pas être déprimant/ Mais je ne peux rien faire » (Let’s just not talk about it/ Seriously what’s the use/ Don’t mean to be a downer/ But there’s nothing I can do).

Bleeker utilise également l’album comme un moyen de traiter ses racines géographiques. Le double succès de « Tamalpai » » (lui-même un sommet en Californie) et « Twang » sont ses réflexions sur le fait de quitter la côte Est pour la Californie ; « Je n’arrive pas à trouver le rythme » (I can’t find the rhythm), soupire-t-il sur ce dernier. Il termine l’album avec « Lonesome Call », un cri comme issu du dust bowl, un doux morceau de folk acoustique. Bleeker semble être un homme coincé entre des lieux et des sentiments : »Vous aviez un style du 20ème siècle, mais nous sommes au 21ème siècle maintenant », dit-il à un personnage dans « Mashed Potatoes » (You had a 20th century style but it’s the 21st century now), mais cela pourrait facilement être une remarque lancée à sa propre manière. Pourtant, il ne devrait pas en être autrement : alors que la musique évolue de plus en plus vers un chaos post-générique, un doux rappel des qualités des meilleurs styles musicaux du siècle dernier est le bienvenu. Bleeker ne fera peut-être jamais un disque qui soit accablant, mais ce que cette petite collection d’extraits de guitare fait, c’est vous donner envie de vous retirer dans votre propre chambre et d’enregistrer immédiatement avec cet instrument.

***1/2


Sibille Attar: « A History of Silence »

2 avril 2021

Il y a déjà eu quelques sorties d’album impressionnantes en 2021, et bien que les comparaisons soient quelque peu vulgaires, il est juste de dire que A History of Silence de Sibille Attar est à la hauteur des meilleurse d’entre eux, avec un opus qui se situe joyeusement entre le rock alternatif (presque psych) et l’électro pop, sans même vous faire considérer un instant que cela pourrait être une chose assez difficile à réaliser.

Sibille Attar a été décrite comme la e Reine de l’Indie suédois e, ce qui semble quelque peu grandiose, mais son premier album de 2013, Sleepyhead, édéployait une telle aurorité mature qu’il a été mis en exergue par tout le monde et qu’il l’a tout simplement catapultée pour qu’on lui donne ce titre – ainsi que, plus formellement, pour qu’elle soit nominée pour un Grammy suédois dans la catégorie ‘Best Newcomer ».

Mais il n’est pas facile d’être un membre de la royauté indé, tant l’attention et la clameur autour des musiciens annoncés sont grandes que beaucoup de gens dans l’industrie veulent une part iu gâteau. Il aura donc fallu attendre 5 ans avant que Sibille Attar puisse sortir une suite, sous la forme d’un EP 6 titres intitulé Paloma’s Hand, et ce n’est qu’aujourd’hui, qu’elle est à mêmem de sortir un album dans lequel elle montre qu’elle a clairement pris conscience de ce qu’elle a traversé.

Comme elle l’explique elle-même, « Pendant longtemps dans ma vie, j’ai essayé de m’asseoir dans certaines constellations pour plaire aux autres. Et ça ne marchait pas, parce que je ne pouvais le faire que pendant un petit moment avant d’être frustrée et de vouloir faire les choses à ma façon. À un moment donné, j’avais l’impression de ne pas pouvoir faire confiance à l’industrie, et cela me vidait de mon amour pour la musique. Finalement, j’ai compris que l’on ne peut pas vivre sa vie en essayant de rentrer dans le moule de quelqu’un d’autre tout le temps. »

En ce qui concerne le processus d’écriture, d’enregistrement et de mixage, elle a clairement compris qu’il y a sa façon ou pas de façon :  « Je me suis dit : merde, je n’ai pas envie de m’occuper des autres et de leurs opinions ».

Tout cela est important pour le contexte, ainsi que pour l’introduction, parce que ce sont ces chaînes du passé et cette pensée unique qui ont conduit à A History of Silence, un album qui semble si dynamique, si plein d’objectifs et si individuel, qu’on a presque du mal à trouver des comparaisons, ou alors quon ne voudrait certainement pas essayer.

Prenez le morceau d’ouverture « Hurt Me », avec un rythme de batterie explosif, des cordes entraînantes, des voix qui font écho, des phases qui s’enchaînent sans effort et un contenu lyrique qui passe du français à l’anglais, il y a certainement beaucoup de choses à se mettre sous la dent. Et si tout cela vous semble un peu étrange, ce n’est pas le cas, et la fin nous rappell d’ailleurs le premier album de Divine Comedy,  » »Promenade « , qui était également influencé par le français – écoutez « When The Lights Go Out «  et vous en aurez preuve et démonstration.

Sibille Attar a posé un cadre dans lequel elle peut faire ce qu’elle veut, mais dans « Somebody’s Watching », bien que la mélodie soit attrayante, c’est en fait le contenu du texte qui est assez clair : « Someone’s watching me… fall from the sky, face down on the pavement, fumble around in the dark, BANG my head against the wall… » (Quelqu’un me regarde… tomber du ciel, face contre terre sur le trottoir, tâtonner dans le noir, me cogner la tête contre le mur…) avec une grande emphase musicale sur le mot « bang »

Les deux points culminants de l’album viennent ensuite, car « Hard 2 Love » s’ouvre au milieu du morceau où la phrase presque monotone « maybe I’m hard 2 love » se développe soudainement avec le thème musical le plus inspiré, d’abord vocalement et ensuite instrumentalement, et prropre ainsi à rester dans la tête. « Dream State » » est encore plus mémorable, une chanson atmosphérique envoûtante qui se construit avec la plus belle section de cordes – principalement du violoncelle, ce qui lui donne bien sûr ce côté sombre et mélancolique. Sans aucun doute un candidat pour la chanson de l’année d’un point de vue émotionnel et sensationnel.

Pour ce qui est du reste, l’accrocheur « Why u looking » semble nous montrer une Sibille Attar qui se donne la réplique : « Why u looking at the past, it’s never coming back ? » » (Pourquoi tu regardes le passé, il ne reviendra jamais ?) avant d’évacuer toute sa frustration avec un bon vieux solo de saxophone, qui, ironiquement, pourrait venir directement du passé. Ensuite, après les bpercussions plus rock et puissants de « Go Hard or Go Home », plus une reprise de Madonna, l’album se termine par l’affirmation de la vie et le défi de la vie « Life Is Happening Now », un énorme hymne à l’orgue qui se termine par un bébé qui bavarde. Le message qu’il véhicule y est ton ne peut plus lair.

***1/2


Nightshift: « Zoë »

31 mars 2021

Les supergroupes ne sont pas toujours la meilleure idée. En parcourant les listes des « meilleurs supergroupes de tous les temps », seuls un ou deux nous semblent être de véritables réussites (Nick Cave and The Bad Seeds, Crosby, Stills, Nash & Young). Il y a tellement d’accidents de voiture prétentieux et de combinaisons grand public qu’il est rafraîchissant de voir arriver un groupe qui fonctionne vraiment. Nightshift, originaire de Glasgow, est composé d’un casting brillant issu de la scène underground britannique : Andrew Doig (Robert Sotelo, Order Of The Toad), David Campbell (anciennement de I’m Being Good), Chris White (Spinning Coin), Eothen Stern (2 Ply) et Georgia Harris. Compte tenu de l’exode massif de ces dernières années de Londres vers Glasgow, la ville est un creuset croissant de créatifs exceptionnels.

Formé en 2019, nous avons complètement manqué leur premier opus autoproduit l’année dernière et nous le visiterons certainement rétrospectivement.

Nightshift a assemblé Zöe pendant le confinement de 2020, enregistrant séparément dans des home studios, se passant des boucles et superposant des idées folles par-dessus. D’une certaine manière, cela semble incroyablement cohérent et très bien produit.

Le premier morceau, « Piece Together », est délicat et presque méditatif. Il tourne autour d’un simple groove de basse semblable à celui de DEUS et nous trompe quelque peu sur ce à quoi nous devons nous attendre. « Spray Paint the Bridge » est fabuleusement tordu. La séquence d’accords simple et bancale et la voix rythmée proviennent de l’école de pop de Terry. Les touches de clarinette jazzy sont fantastiques. Cela rappelle Kaputt, un autre groupe de Glasgow, mais sans le strut.

Les premiers sons de style dEUS (bien sûr, c’est juste notre cadre de référence) reviennent sur « Outta Space ». Les légères courbes et harmoniques bizarres rappellent des morceaux comme « A Shocking Lack Thereof » et « Great American Nude ».

Mais la comparaison s’arrêtera là. En effet, les voix spatiales et les grandioseseffets en pâmoison des synthés créent une sensation presque trip-hop. Et elle est subtilement ludique.

« Make Kin » est plus optimiste. Le son sale de la basse crée une texture satisfaisante dans une sorte de groove no-wave « Need New Body ». C’est le morceau le plus « in your face » jusqu’à présent et Nightshift prend alors un virage légèrement plus pop avec le morceau « Fences » de Doig. Le son y est glorieux presque baîllantet offre oujours un plaisir à entendre, surtout avec des mélodies qui rappeleront Harry Nilsson. Musicalement, il approndira alors tune sensation de jam ouverte qui se marie bien avec le reste de l’album.

« Power Cut » est une composition absolument magnifique. Le drone du synthétiseur et la section rythmique des Talking Heads s’étendent jusqu’à un merveilleux point culminant optimiste et euphorique qui comprend des mélodies feel good à la Sacred Paws, le mur de son de My Bloody Valentine et une ligne de synthétiseur triomphante des années 80 de Springsteen. La voix du refrain nous rappellera étrangement le « Prince Charming » d’Adam Ant ( !).

Il est suivi par le scintillement sinistre d’ « Infinity Winner » arboranr un soupçon de The Sea et de Cake. Les touches staccato et la superbe ligne de guitare soutiennent la voix de Doig, qui semble presque endeuillée. « Romantic Mud » est éparpillé et fusionné, à l’image de Tortoise, avec un chant presque culte et un son de synthétiseur bizarre et guêpier dans le refrain. Cette approche hachée se poursuit dans la chanson titre « Zöe ». Le rythme 5/4 devient lentement méditatif, tandis que la guitare en sourdine et le rythme de la batterie s’installent comme un hamster qui tourne constamment sur une roue.

Le chant se situe quelque part entre la beauté de Bas Jan et le plaisir chantant de Sacred Paws, déjà mentionné. Comme toutes les bonnes choses, cela doit avoir une fin, et Nightshift va, ici, ermr boutique avec le sobre et rêveur « »Receipts ».

Savoir que tout cela a été réalisé en vase clos est remarquable. Tout au long de Zöe, le groupe semble complètement en phase les uns avec les autres. Chaque chanson se développe d’une manière tellement organique qu’on a l’impression qu’elle est le produit de plusieurs sessions de jam en groupe. C’est un album vraiment spécial réalisé par un e réunion de musiciens fantastiques qui, à chaque écoute, nous immergentdavantage dans leur monde cyclique. Un must absolu !

****


Lost Horizons: « In Quiet Moments »

31 mars 2021

Dans une interview accordée au média britannique Loud and Quiet en 2014, l’ex-propriétaire du label Cocteau Twins et Bella Union, Simon Raymonde, se souvient d’un simple voyage à New York pour obtenir un inhalateur pour son asthme, qui a donné lieu à un bilan de santé compliqué concluant qu’il aurait dû, à l’époque, être mort. Lles médecins se sont trompés car pisque, six ans plus tard, l’homme a surmonté une pandémie, enregistré un disque incroyable et signé autant d’artistes qu’il a pu faire entrer dans l’immeuble de bureaux de Bella Union.

Lost Horizons est le fruit de la collaboration entre Simon Raymonde et l’ancien membre de Dif Juz Richie Thomas, une relation qui remonte à l’époque où ils étaient frères d’armes au sein de l’emblématique label londonien 4AD, qui a accueilli Cocteau Twins et Dif Juz dans les années 80 et au début des années 90, dans le cas du premier. Cependant, ce n’est pas comme si le plan avait été mis en route à ce moment-là. En fait, les deux musiciens étaient en hiatus depuis 20 ans lorsqu’ils se sont retrouvés en 2017 pour la conception et la sortie du premier album de Lost Horizons, Ojalá. Avec un nouvel espoir dans la musique, fortement soutenus par le formidable roster de Bella Union, les deux ont commencé à poser les bases d’une suite. Le projet a connu son premier coup dur lorsque la mère de Raymonde est décédée, ce qui a fait de Lost Horizons un catalyseur de son chagrin. Seize titres instrumentaux sont écrits de manière improvisée et envoyés à une vaste sélection de chanteurs et de compositeurs, la plupart appartenant au label de Raymonde, qui feront partie de ce deuxième disque.

Le thème de In Quiet Moments a été fixé par la débâcle qu’a été 2020, l’année de Covid-19. En essayant de discerner les petits feux inébranlables qui alimentaient encore chaque cœur humain dans le monde, Raymonde et Thomas ont réalisé que si quelque chose de bon était sorti de la pandémie, c’était que, en général, tout le monde avait pris du recul et s’était arrêté pour contempler et réfléchir. C’est une partie des paroles écrites par le légendaire chanteur de Portland Ural Thomas, qui joue sur la chanson titre, qui a créé l’ambiance sombre mais contemplative des seize morceaux qui forment le deuxième recueil de chansons de Lost Horizons, et qui lui a également donné le titre nécessaire pour représenter cette idée.

Il faudrait beaucoup de temps et d’espace pour entrer dans le détail de chaque morceau de In Quiet Moments, et les points forts seront très probablement différents selon la personne qui se trouve de l’autre côté des enceintes. C’est pourquoi il faudra aborder brièvement la plupart des chansons incluses, en me concentrant sur celles qui, pour une raison ou une autre, peuvent le plus résonner en nous, tout en énumérant, sans ordre particulier, certains des noms qui ont contribué au deuxième album de Lost Horizons. Comme on peut s’y attendre, compte tenu du cursus de Raymonde et Thomas, la base de tous les morceaux et une bonne partie de l’écriture leur est revenue, Raymonde étant en charge de la basse, des guitares et des claviers et Thomas s’occupant de la batterie et, occasionnellement, des claviers et des parties de guitare supplémentaires. Avec Raymonde crédité comme seul producteur et Matt Colton derrière le mastering, l’album a été enregistré dans les studios Bella Union à l’est de Londres et il a été confié à quinze chanteurs différents et quelques musiciens supplémentaires pour lui donner les touches finales et définitives qui ont abouti à l’une des sorties les plus intéressantes de 2021 jusqu’à présent.

La première moitié deu disque sorti en décembre de l’année dernière, s’ouvre sur « Halcyon », un morceau lent et psychédélique, interprété par KookieLou et Jack Wolter, membres des Penelope Isles de Brighton. Peu après, l’album passe rapidement du psychédélisme au funk lo-fi de The Hempolics et à la remarquable performance vocale de Nubiya Brandon dans « I Woke Up With An Open Heart ». C’est un changement de rythme rapide et risqué, qui semble décousu au début, mais au fur et à mesure que le disque avance, on se rend compte que le lien entre eux est plus fort qu’il n’y paraît. Après deux pistes, certains détails commencent à faire surface : la production, qui laisse beaucoup d’air aux chanteurs pour respirer et briller, et l’instrumentation très subtile mais délicieuse de chaque piste de cet enregistrement. L’une de nos chmpositions préférées, la troisième, « Grey Tower », met en scène l’ex-Midlake Tim Smith qui offre l’une des performances les plus émouvantes de l’album. Elle est immédiatement suivie de « Linger », un morceau dark wave broyant et groovy mené par la voix de la sensationnelle Gemma Dunleavy de Dublin.

La première moitié de l’album comprend également des éléments tels que Dana Margolin du groupe post-punk Porridge Radio au chant et Paul Gregory, de Lanterns on the Lake, à la guitare dans « One For Regret », la chanteuse suédoise Kavi Kwai qui fait revivre l’esprit de Cocteau Twins avec « Every Beat That Passed », et John Grant, des Czars, croonant sur le lynchien « Cordelia » sur un arpège de guitare fantôme et les cordes de Fiona Brice (Gorillaz, Placebo) embrassant le morceau comme un manteau d’ombres.

La seconde moitié de In Quiet Moments, est également de très bon goût, avec le titre précédemment mentionné magnifiquement interprété par Ural Thomas, laissant place aux performances de l’auteur-compositeur écossais C Duncan sur  » »Circle » », de Ren Harvieu, nominé 2012 pour le BBC Sound, sur le cinématique «  Unraveling in Slow Motion » et de Laura Groves (alias Blue Roses) sur l’un des morceaux les plus doux de l’album, « Blue Soul », qui comprend également la guitare de Petur Hallgrimsson, musicien de session de Sigur Ros et Kylie Minogue. Lorsque « lutter » arrive, mené par la voix de Rosie Blair, chanteuse de l’école de ballet de Berlin, l’ambiance s’est profondément installée. La deuxième œuvre de Lost Horizons est fortement marquée par un sentiment mélancolique dont il est impossible de se défaire. Les notes de piano disparaissent dans la réverbération tandis que les cordes les guident aux côtés des belles mélodies de Blair, rappelant les compositions d’Akira Yamaoka pour la série Silent Hill. L’un des noms les plus populaires du label, la diva américaine du dark folk, Marissa Nadler, est présente sur « Marie », qu’elle transforme facilement en un morceau à part entière, Richie Thomas livrant également une performance magistrale à la batterie. L’album s’achève sur deux titres interconnectés, la pop onirique de « Heart of a Hummingbird », menée une fois de plus par la voix de Penelope Isles, KookieLou, suivie par le piano endeuillé qui mène « This is the Weather » » qui accompagne le dernier morceau, la voix toujours incroyable de Karen Peris, membre de The Innocence Mission.

In Quiet Moments rappelle un album qui a marqué une génération d’artistes pendant la seconde moitié des années 80, un projet connu sous le nom de This Mortal Coil introduit par un album intitulé It’ll End In Tears, qui a été inspiré par le directeur de 4AD, Ivo Watts-Russell, et auquel Raymonde a participé en tant que membre de Cocteau Twins, aux côtés de membres des Pixies et de Dead Can Dance pour n’en citer que quelques-uns. Après l’une des pires années de l’histoire moderne, Raymonde et Thomas ont rendu possible une célébration différente mais en même temps très similaire. Une célébration qui se réjouit de Bella Union et de sa magnifique liste d’artistes, et en plus, une célébration de la renaissance, de l’espoir, et un doux rappel que la musique traversera les ténèbres les plus épaisses pour vous retrouver de l’autre côté. Une pensée apaisante, bien nécessaire après les trop nombreux moments de calme de 2020.

****


The Antlers: « Green to Gold »

27 mars 2021

Avec Green to Gold, le premier album de The Antlers depuis sept ans, Peter Silberman documente deux années de sa vie, sans envelopper les thèmes de la chanson de mystères et de métaphores : « Je pense que c’est le premier album que j’ai fait qui ne soit pas sinistre. Je me suis mis en tête de faire de la musique du dimanche matin ».

L’ouverture instrumentale, « Strawflower », est pleine de sons de guitare emo et d’échantillons de sons de la nature, tandis que les couches d’instrumentation ajoutent sans effort au son pour créer quelque chose de beau et de profond. Il est suivi par le récent « single « , « Wheels’ Roll Hom »’, qui montre une fois de plus un côté plus chaleureux du groupe avec sa basse bancale, ses mélodies douces et ses paroles positives mais mélancoliques : « Don’t go before you leave, every second we got, we gotta make believe » (Ne pars pas avant d’être parti, chaque seconde que nous avons, nous devons y faire croire). « Solstice » » est basé sur le jour le plus long et sur la façon dont nous savons que nous entrons dans l’été quand il arrive avec des textes de type « The week went slow, the year flew by from the end of June back to last July » (La semaine s’est écoulée lentement, l’année a filé à toute allure de fin juin à juillet dernier)qui résumant involontairement l’étrange calendrier que nous avons tous vécu au cours des 12 derniers mois. Il y a des éléments de Sparklehorse ou de Julien Baker dans le son, tandis que le message sur le fait de s’accrocher à ces moments spéciaux est résolument plein d’espoir : « We can see in the dark with our sunset sight. We delay the dusk, keepin’ bright bright bright » (Nous pouvons voir dans l’obscurité avec notre vue du coucher du soleil. Nous retardons le crépuscule, en restant brillants, brillants, brillants).

Sur « Stubborn Man », Silberman évalue son propre comportement : Maybe I’m strong-willed, settled at a standstill. Maybe I’m headstrong, iffy, but rarely wrong’; ‘My overgrown comfort zone, my narrow mind is mine alone » (Peut-être que j’ai une volonté de fer, que je suis installé dans une impasse. Peut-être que je suis têtu, incertain, mais rarement dans l’erreur » ; « Ma zone de confort envahie, mon esprit étroit n’appartient qu’à moi). Ainsi, partant de cette constatation, cela lui permet de voir comment il peut changer pour le mieux, tandis que « Just One Sec » continuera dans cette veine d’introspection par le biais dun climat retenu et raffiné avec des moments d’arrêt et des harmonies vocales qui se mélangent et où Silberman s’autorise alors de se poser la question : « Do you think you could free me from the man I’ve been? » (Penses-tu pouvoir me libérer de l’homme que j’ai été ? ). « It Is What It Is » évoque le changement des saisons, la beauté de la nature et la façon dont elle continue à tourner, quelles que soient les circonstances personnelles, et aborde même le thème de la mortalité – un thème que nous connaissons tous et que les Antlers couvrent si bien : « This is the first day our friend is free from pain. Voyaging on while the rest of us remain » ( C’est le premier jour où notre ami est libéré de la douleur. Continuant de voyager alors que le reste d’entre nous est toujours sur place).

« Volunteer » vous emmènera dans un voyage de découverte : « Galloping, inhabiting, nothing inessential. Scattering, wondering, ‘am I incidental ? » (Galoper, habiter, rien d’inessentiel. Se disperser, se demander si je suis accessoire) sur un son qui se situe entre Phil Elverum et Spiritualized, tandis que « Green to Gold », une pièce maîtresse de 7 minutes, se concentrera à nouveau sur les différences entre les saisons et sur la façon dont les promenades matinales vous donnent la chance d’admirer ces moments merveilleux, tout en comprenant à quel point nous sommes tous petits : «  Sun is climbing out from underneath, lighting up and roasting tired leaves green to gold » (Le soleil sort des sous-bois, éclaire et fait griller les feuilles fatiguées qui deviennent vertes et dorées). Le chanteur fait également référence au gel et à la glace, avant de revenir au printemps suivant : «  eager bits of green start peeking through » (des bouts de verure impatients commencent à apparaître) et à l’été, où, inévitablement, «  We sit in front of fans and wait for rain »(Nous nous asseyons devant des ventilateurs et attendons la pluie).

L’avant-dernier cmoceau, «  Porchlight », s’ouvre sur des cordes acoustiques et propose un examen de la foi : « Trying to retrace my steps to God, shining my light but my light looks odd, like it’s walling me in » (J’essaie de retracer mes pas vers Dieu, j’éclaire ma lumière, mais ma lumière a l’air bizarre, comme si elle m’enfermait à l’intérieur) au milieu d’effets de valse, avant que le son puissant et légèrement teinté d’Americana de l’instrumentale « Equinox «  ne vienne clore en beautéun Green to Gold doucement émouvant et incroyablement attachant ; un disque qui est une véritable écoute en or réalisé par l’un des meilleurs groupes du moment.

****


Black Nash: « Black Nash »

26 mars 2021

Il y a un sentiment de mystère autour du premier album éponyme de Black Nash. Jody Smith, la force créative derrière le projet, a terminé un séjour de cinq ans dans l’armée à la fin de 2019. Tout au long de son engagement, il a enregistré ses chansons à la maison. Lorsqu’il s’est retrouvé fraîchement libéré, sans emploi et en quarantaine chez lui en 2020, il a décidé de créer un album complet. C’est à peu près tout ce que nous avons en termes d’histoire, mais heureusement, la musique parle d’elle-même. Le premier album de Smith sonne comme un reflet direct de l’année écoulée, un ensemble serré de chansons rock claustrophobes tout droit sorties du cœur de la quarantaine.

De Taylor Swift aux exclusivités du Bandcamp Day, on entend aujoud’hui beaucoup de disques « pandémiques ». Alors que toute cette musique est née de notre situation actuelle, Black Nash est le premier album qui ressemble réellement de cette expéreince de vie. Les riffs de guitare sont fortement distordus, ils semblent presque gorgés d’eau. Les moments de catharsis (comme les cris à la fin de l’ouverture « Alligator » ou les soupirs de « Zodiac ») se noient sous leur propre poids. Des images hallucinogènes de dauphins, de serpents et de singes défilent. Smith a souvent l’air d’un animal en cage, qui grince désespérément les barreaux pour s’échapper. Comme l’année dernière, c’est un truc bizarre, effrayant et insulaire.

L’écriture de Smith est forte tout au long de l’album ; on ne peut s’empêcher de penser, à cet égard, que si Marc Bolan essayait de faire un disque dans son petit appartement de Brooklyn, cela pourrait ressembler à ça. Le glam et le psychédélisme tourbillonnent ensemble, dépouillés de toute bombance et distillés jusqu’à leur essence. Mais plus que tout, cet album est une vibration, celle que l’on pourrait ressentir après ne pas avoir été dehors pendant trois jours ou d’être incapable de se souvenir de la dernière fois que vous avez vu votre ami en personne. Et surtout, c’est un rappel que cela aussi passera. Sur la tendre chanson d’amour qui clôt l’album, « It’s You », la production s’ouvre un peu. Le sentiment de claustrophobie se dissipe, et on se pâme devant les mots doux de Smith. La porte de la cage s’ouvre et Smith nous conduit à nouveau vers la lumière du soleil. Nous n’y sommes peut-être pas encore, mais nous l’espérons.

***1/2


Black Honey: « Written & Directed »

20 mars 2021

Après l’éclat de leur premier album éponyme, on pourrait s’attendre à ce que Black Honey dépoussière sa boule à facettes et se livre à un autre rodéo disco-inferno chatoyant pour son deuxième album. Et si le quatuor de Brighton reste toujours aussi bizarre et merveilleux, alors que leur album de 2018 se prête à des mondes forgés par des moyens d’échapper à la réalité – odes au Far West et aux fantasmes du Studio 54, au surréalisme de Twin Peaks et à la grandeur poussiéreuse du vieil Hollywood – Written & Directed se penche sur la vie après que les paillettes aient disparu. 

« J’ai fait ce disque pour que les jeunes femmes se sentent invincibles », déclare la frontwoman Izzy B. Phillips à propos du deuxième album du groupe. Cette sortie la voit se confronter à une présence qui faisait cruellement défaut à sa jeune personne, qui grandissait et découvrait le rock pour la première fois : celle de femmes fortes et formidables. Elles existaient, bien sûr – Debbie Harry, Shirley Manson, Gwen Stefani, Courtney Love, pour n’en citer que quelques-unes – mais elles étaient peu nombreuses, sur une route pas si facilement accessible. Une voie où il fallait se battre bec et ongles pour être pris au sérieux. C’est un sentiment qui est encore vrai aujourd’hui, pour les femmes, sur et en dehors de la scène, qui sont confondues avec la fangirl, la groupie, la femme, la petite amie, la partenaire ; on leur refuse l’entrée à leurs propres spectacles – des personnages secondaires dans leur propre récit. Et c’est exactement cela que Written & Directed bouleverse. 

Faisant fi de la représentation cinématographique séculaire des femmes, le disque met en selle la sirène de l’écran, la femme fatale, la demoiselle en détresse – des personnages enracinés dans les « faiblesses » de leur genre – en tant que protagonistes pour la toute première fois ; un appel aux armes pour toutes celles qui s’identifient comme femmes, pour qu’elles jettent de l’huile sur le regard masculin toxique et le regardent partir en flammes, lunettes en forme de cœur en option.

Avec sa lentille tranchante et Phillips à la barre, le disque est plein d’accroches et incisif, chaque morceau tournant autour de la barre des trois minutes. Pas plus, pas moins. Le premier morceau de l’album, « I Like The Way You Die », est assoiffé de sang, avec un rythme trépidant, une veuve noire et un pont caressant. De même, l’inquiétant « Run For Cover » est audacieux, provocateur, à l’affût avec cette phrase « I wanna be your favorite mistake ». Mais ce qui est le plus déconcertant dans Written & Directed, c’est sa capacité à passer des regards qui tuent aux yeux de biche de « Gabrielle », au chant sulfureux au clair de lune de « Back of the Bar «  tout droit sorti d’une vieille scène de bal de fin d’année, aux drapés et aux carrés de Cry-Baby, de manière aussi fluide qu’il traverse ses thèmes de féminité, de pouvoir et d’identité.

Gorgé de fuzz, frénétique et imprégné de nostalgie, le groove passionné qui traverse l’album, cette teinte familière de western spaghetti signifient que l’album est autant destiné à la danse qu’à la domination du monde, un hommage excentrique au cinéma de grindhouse et aux films de gare kitsch avec une instrumentation de fanfare et un claquement de mains occasionnel. Si le titre de l’album lui-même est un clin d’œil à Tarantino, il fait également référence à la narration la plus singulière de Written & Directed, qui vise à inspirer la confiance en soi, célébrant la force dans la vulnérabilité tout autant que la force dans le feu. 

Jamais loin du chaos, Written & Directed est un album incendiaire, sans arrière-pensée, sans reproche ; la collection de chansons la plus intense de Black Honey à ce jour. Enregistré en 2019 pendant les pauses de la tournée, Phillips dit que le disque « ressemble à une prémonition des choses à venir », non seulement dans le grunge politiquement chargé de « Disinfect », un morceau lourd mené par les guitares et truffé de distorsions, mais aussi dans la satire cathartique de « Believer » et l’inévitable hymne des fans « Fire ». Rauques et inébranlables, les dix morceaux sont une confession visionnaire pour l’émeute de 2021, capturant dans l’espace et le temps une industrie et un monde qui reposent leurs lauriers sur un patriarcat dépassé, et plantant le drapeau pour des femmes féroces et fortes partout. 

Il y a un moment particulièrement poignant dans tout cela : la virée de « Summer ’92 » et sa phrase « I’m your favourite mistake » (Je suis ton erreur préférée). Un changement marqué par rapport à « Run For Cover », une aube aveuglante de clarté qui dit que vous pouvez tout avoir, que les temps changent.

****


Palberta: « Palberta5000 »

6 mars 2021

Tout est dans le nom. Zélé et fidèle à sa forme, Palberta5000 évoque une version allégée de ce qui fait Palberta, Palberta et c’est ce qu’elles livrent, sans circonspections Ani Ivry-Block, Lily Konigsberg et Nina Ryser, qui ont un style frénétique, s’en servent pour créer des chansons pop dynamiques et tendues. 

A la fois étudiés et autodidactes, avec des trous remplis d’instinct, un savant musical scratche a toujours été au cœur de l’identité du groupe, grâce à plus de huit ans d’échanges d’instruments, de lignes vocales et de styles musicaux. C’est sans doute cette même alchimie qui est à l’origine de la chorégraphie serrée des harmonies sur le nouveau disque. La danse de leurs voix qui s’entremêlent, planent au-dessus, se contournent et même se chevauchent communique une grande partie de la progression de Palberta vers un savoir-faire pop plus conventionnel.

Le terme « pop » représente ici la résonance émotionnelle. Bien sûr, il y a une structure de chanson plus traditionnelle qui suit, avec de grands refrains accrocheurs à la clé. Mais plus que tout, ces chansons sont humaines. Elles nous font ressentir. Certains morceaux sont capricieux, sujets à vaciller entre différents modes, ou s’épuisent. Sur « Fragile Place », des coups de poing, des lignes de guitare barbelées et un refrain doux et chuchotant s’échangent jusqu’à ce que le son atteigne son maximum et que le tempo diminue jusqu’à la fin. La pause acapella dans « Corner Store » souligne le caractère romantique du morceau, en développant ces sentiments chaleureux au fur et à mesure que chaque instrument est réintroduit un par un. « Hey ! » est une montée d’adrénaline, soutenue par une mélodie de basse à plein régime, presque caricaturale.

Sur les œuvres précédentes, la construction narrative du trio s’est faite à partir de petites vignettes, vives, détaillées, voire disparates, qui formaient une sorte de pointillisme populiste collé, un portrait qui se dessine finalement à quelques pas de distance. Leur huitième enregistrement en studio emprunte un chemin beaucoup plus direct pour raconter l’histoire piste par piste en construisant un monde intime qui n’existe qu’entre le « vous » et le « je » dans une chanson. En retour, leur style d’écriture idiosyncrasique prend une dimension universelle dans des paroles répétitives et singulières. Les réflexions hyper-spécifiques sur soi-même, sur l’amitié, sur les aliments du petit déjeuner, même les moments qui sont moins des réflexions et plus des chocs d’énergie ou des sentiments non raffinés deviennent tous des mélodies, deviennent des expériences partagées.

« Before I Got Here » arrive à un rythme effréné qui se maintient pendant une minute avant de se dissoudre dans quelque chose d’entièrement différent : une marche au collet saturée de cors triomphants et d’un picking brillant et métallique qui clôt l’album sur un ton célébrant leur nouvelle direction accomplie. Ce qui certifie que Palberta est un artiste complet va bien au-delà de sa capacité à faire de la grande musique. En effet, après presque dix ans d’existence, le groupe a modifié son style et son approche pour en faire quelque chose de totalement différent sur Palberta5000, et personne ne peut dire avec certitude vers quoi il se dirigera.

***1/2


Groupie: « Ephemeral »

5 mars 2021

Après le EP Validatedqui, en 2018, a installé Groupie au premier plan grâce à ses percussions rythmiques ses guitares punk, et une série de « singles » l’année écoulée, Groupie est de retour avec son premier opus, unEphemeral constitué d’une grande partie de ses précédents enregisteement. Comme avecValidated avant lui, le ombo a zoomé sur ses vulnérabilités pour examiner ce dont elles sont faites tout en zoomant pour appliquer ces examens à une critique sociale plus large. D’une durée d’un peu moins de quarante minutes, Ephemeral en dit long sans condescendance ni humiliation, un témoignage des paroliers Ashley Kossakowski et Johanna Healy pour avoir traité des sujets compliqués avec introspection et empathie.

Ces deux qualités, introspection et empathie, se retrouvent partout dans Ephemeral, mais nulle part ne sont-elles plus présentes que sur le cinquième titre de l’album, « Daleko ». Signifiant « loin » en polonais, le titre voit les éléments féminins de Groupie, la bassiste Ashley et la guitariste Johanna, narrer la séparation de la famille causée par des circonstances à la fois immédiates (la pandémie de coronavirus apparemment sans fin) et lointaines (l’immigration). En grande partie chanté en polonais et co-écrit avec la mère d’Ashley, une immigrante qui a fui la Pologne communiste dans les années 80, « Daleko » est un regard sur ce qui se passe quand on est déraciné de ce qui nous relie. : « istance, temps, désir, oubli / C’est ainsi que sont les gens, / nous devons aller de l’avant / Cœur brisé, / Mais au bout d’un moment, l’oubli / Pourquoi la distance / doit toujours nous diviser ? » (Distance, time, longing, forgetfulness / This is how people are, / we must go forward / Broken heart, / But after a moment, forgetting / Why the distance / must always divide us?) La chanson est déchirante dans la mesure où elle saisit les exigences du moment tout en parlant simultanément de thèmes plus larges de la distance de nos familles occosionnéepar des forces extérieures et hors de notre contrôle.

Alors qu’Ashley et Johanna sont introspectives et chantent sur un ton pince-sans-rire pendant une grande partie de l’album, Ephemeral est également une vitrine pour présenter la gamme sonore du groupe. Comme Groupie l’a fait avec Validated précédemment, le quatuor prend divers éléments du rock – y compris la dream-pop, le shoegaze, le punk et le surf – et les combine en un seul disque infectieux et groovy. Prenez le dernier « single » et le quatrième morceau de l’album, « Thick as Glue » : le morceau chanson s’ouvre sur des accords de guitare boueux avant qu’un grincement perçant ne vienne couper le rythme pour donner le coup d’envoi du rythme entraînant d’Aaron Silberstein et de la ligne de basse lisse d’Ashley. Puis il y a « Poor You », un morceau qui critique les pseudo-martyrs dont le rythme ondulé démentant son explosivité alors que « Lonely Dog » présentera le côté plus doux de Groupie, avec une instrumentation et un chant encore plus discrets. Tout cela culmine avec le dernier morceau « No Hands », qui semble avoir été coupé de l’époque du rock alternatif des débuts avec son paysage sonore très proche de celui de MTV.

Ce qui est le plus intéressant dans l’effort préalable du groupe, cependant, c’est la façon dont sa dernière ligne se rattache aux intentions derrière Ephemeral. Sur « Cannibal Wave », la dernière chanson de l’EP Validated de 13 minutes, le groupe chante : « Quand le moment est insupportable, survolez la sensation d’une vague cannibale » (When the moment’s unbearable, ride the feeling like a cannibal wave). Cela aurait pu être difficile à réaliser sur un projet beaucoup plus court, mais Groupie est à la hauteur et s’attaque de front à la tâche avec ce nouvel album, surmontant une myriade de sentiments insupportables pour susciter une sorte de compréhension. Après tout, tout cela est éphémère de toute façon. Rien n’est fait pour durer, mais en comprenant (et en acceptant) la brièveté de tout, nous pouvons apprendre à apprécier les choses que nous avons en ce moment.

***1/2


Arab Strap: « As Days Get Dark »

4 mars 2021

Le premier album studio d’Arab Strap depuis The Last Romance, sorti en 2005, est marqué par un sentiment d’insatisfaction ; tout est là, mais il n’exploite pas tout à fait son potentiel. Une bonne moitié du disque s’inscrit dans la lignée du single d’ouverture et de retour The Turning of Our Bones, des boîtes à rythmes, des arpèges de guitare légèrement anguleux et de la dissection largement parlée de Moffat sur l’âge moyen. Cela fonctionne à merveille sur l’intro susmentionné, mais « Compersion Pt 1 » et » Bluebird » ne tiennent jamais correctement en main, ils glissent simplement, à aucun moment ils ne sont désagréables à l’écoute, mais ils n’affectent jamais particulièrement l’un ou l’autre.

L’album est à son meilleur lorsqu’il se détourne de ce son pour se diriger vers des eaux plus étranges. Les guitares de « Another Clockwork Day » sont plus occupées, plus folkloriques, tournant autour du récit de Moffat sur la déception pornographique avant qu’il n’aille à la foire de la renaissance avec de jolies fanfares de cuivres et de cordes, tandis que les paroles saisissent avec une brillante spécificité le confort de la mémoire.

« Tears on Tour », quant à lui, a quelque chose du Nick Cave des derniers jours, laissant la voix de Moffat errer au centre d’énormes lavages de synthétiseurs pour un effet véritablement émouvant. « I Was Once a Weak Man » agit comme une sorte de microcosme pour le disque ; il est construit sur des cordes magnifiques et est plein de lignes drôles, mais le refrain est un peu peu peu convaincant et les lignes de guitare pleurnichantes sonnent comme un cliché. C’est symptomatique d’un problème qui touche pas mal de chansons du disque, un sentiment que quelques idées parfaitement bonnes ne se fondent jamais en de bonnes chansons. Cela laisse un album de moments forts et de passages qui malheureusement disparaissent souvent beaucoup trop vite.

***