Pale Waves: « Unwanted »

10 août 2022

« Je ne voulais aucune de ces guitares jangly, pointilleuses et haut perchées sur le manche », déclare la chanteuse Heather Baron-Gracie dans un récent communiqué de presse. « Je voulais de la distorsion lourde, du chaos et de la puissance ». Si Who Am I ?, sorti en 2021, ne l’a pas déjà confirmé, Pale Waves est désormais indéniablement punk-rock.

Avec chaque sortie, le quatuor mancunien devient plus personnel, plus honnête et, surtout, plus lui-même. Unwanted – un titre qui représente les expériences de leurs fans LGBTQI+ – n’est pas différent. Nageant dans les sujets sincères de l’amour homosexuel et du manque d’appartenance et d’approbation, Baron-Gracie montre son évolution en tant que parolier et fait un doigt d’honneur aux sceptiques.

Le rock alternatif des années quatre-vingt d’Avril Lavigne était omniprésent sur leur précédent album et reste proéminent ici aussi (« You’re So Vain », « Clean », « Without You »), tout en étant tricoté avec un pop-punk plus moderne et poli (« Reasons To Live », « Unwanted »), grâce à la production puissante de la royauté de la scène, Zakk Cervini.

Parmi les réussites de l’album, « The Hard Way » – bien que puissant, poignant et doté d’une conclusion explosive – s’arrête rapidement, et quelques titres ultérieurs ne sont pas aussi percutants que d’autres. Pourtant, la maturité du groupe est audible pour toutes les oreilles, car Pale Waves continue de tracer sa propre voie et d’embrasser sa meilleure version fougueuse et franche d’eux-mêmes.

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Beach Bunny: « Emotional Creature »

28 juillet 2022

La formule « cet album est une version plus mature de [insérer l’artiste en question] » est probablement le cliché le plus éculé de la critique musicale, mais on ne peut nier qu’elle est parfois pertinente. Le deuxième LP de Beach Bunny, Emotional Creature, est l’un de ces cas. Avec la fusion caractéristique du groupe entre une indie pop accrocheuse et des préoccupations adolescentes, il y a beaucoup de maturité à atteindre, mais la question est de savoir si c’est le bon choix. Un tel changement va-t-il détruire les éléments essentiels qui ont permis au groupe basé à Chicago d’atteindre une grande popularité, grâce à la célébrité sur TikTok de leur chanson « Prom Queen » et à un premier album impressionnant (Honeymoon, sorti en 2020), ou s’agit-il d’un changement essentiel qui permettra au groupe de passer au niveau supérieur ?

Alerte spoiler : en tant qu’album, Emotional Creature ne donne pas de réponse décisive à ces questions. Pour donner un peu de contexte à cette critique, on se doit de faire quelques mises en garde sur mes sentiments personnels concernant la production précédente de Beach Bunny. Tout d’abord, on a trouvé l’assortiment d’EPs du groupe plutôt moyen

mais on a été véritablement subjugué par la magnificence de Honeymoon. Même s’il y avait beaucoup de défauts à relever, cet album était un début exceptionnellement solide et, ce qui est encore plus important, c’était le disque le plus accrocheur jamais entendu depuis cinq ans. Si vous ne me croyez pas, écoutez une chanson comme « Cuffing Season » ou « Dream Boy » trois fois de suite et essayez ensuite de vous endormir sans que l’un ou l’autre de ces airs ne vous reste en tête. Pour résumer, Honeymoon possède cette qualité indie pop tant recherchée, et fait naître de grands espoirs pour les futurs projets de Beach Bunny.

Même si ce nouvel album peut être classé dans les mêmes genres que son prédécesseur, Emotional Creature est une affaire différente. Du côté négatif, c’est un effort diminué dans l’aspect sur lequel Honeymoon a vraiment prospéré : l’accroche pure et simple. Cela ne veut pas dire qu’Emotional Creature est totalement dépourvu de jams, voire de bops, car dès le début de la tracklist, on trouve plusieurs morceaux qui pourraient y prétendre, comme l’ouverture « Entropy » ou « Deadweight », peut-être l’étalon-or de l’album en termes d’accroche. Mais même ces morceaux sont « juste » assez solides, et ne peuvent pas rivaliser avec les albums de la décennie si tel est le Òcritère.

Tout ce dernier paragraphe n’augure rien de bon pour Emotional Creature, certes, mais l’album parvient à combler une bonne partie de la différence. C’est un disque qui voit le groupe prendre des mesures pour diversifier son style, de plusieurs façons. Alors qu’Honeymoon était une collection dominée par des morceaux pop brefs et rapides, Emotional Creature mélange les choses à la fois dans le tempo et dans la longueur des chansons, avec à la fois quelques brefs interludes (dont « Infinity Room » se démarque comme un point culminant) et plusieurs chansons qui sont remarquablement expansives par rapport aux normes modestes de Beach Bunny (la dernière « Love Song » s’étend sur six minutes, y compris une belle outro rêveuse).

Cet album est aussi un peu un voyage, avec une première moitié dominée par des offres power pop mid-tempo, tandis que les dernières parties deviennent plus aventureuses. Outre « Infinity Room » et « Love Song », on trouve « Scream », certainement le morceau le plus expérimental de l’album, et probablement le meilleur de tous. Et cette tentative de secouer les choses s’étend également aux paroles. Lili Trifilio continue à chanter des vers qui ne sont pas si éloignés du fait de souhaiter être une fille de Californie ou d’aborder un certain nombre de tropes adolescents, bien sûr, mais il y a une couche supplémentaire de sombres qui apparaissent ici et là. C’est particulièrement évident dans « Weeds », où l’accent est mis sur la réalisation de soi plutôt que sur l’obsession des relations amoureuses pour la validation. Ne vous attendez pas à quelque chose de Dylanesque, mais on peut voir le groupe s’efforcer de gagner du terrain sur le plan lyrique tout en conservant son approche directe.

Emotional Creature ressemble à un album en crise d’identité, à certains égards. Bien qu’il soit toujours agréable à écouter, les points forts ne sont pas particulièrement clairs, et l’album semble à plusieurs reprises tiré dans différentes directions. C’est une position assez compréhensible. Les Beach Bunny ont atteint leur succès actuel grâce à une certaine formule, et ils sont maintenant confrontés à l’épineux dilemme de savoir s’il faut « ne pas changer de cheval en cours de route » ou s’adapter pour garder les choses fraîches. Emotional Creature offre suffisamment d’éléments pour satisfaire les fans de longue date du groupe, tout en permettant d’explorer d’éventuelles évolutions futures. En bref, c’est l’un de ces albums de transition dont l’héritage dépendra fortement de la réception des futures productions de Beach Bunny. Il est difficile de grandir, mais pour l’instant, Emotional Creature offre le solide portrait de ce que c’est que d’être un groupe en mouvement.

***1/2


Martin Courtney: « Magic Signs »

11 juillet 2022

Dans son deuxième album solo, Martin Courtney évoque les souvenirs qui se perdent avec le temps. L’auteur-compositeur-interprète, plus connu sous le nom de cofondateur du groupe de jangle rock Real Estate, tente de s’y accrocher alors qu’ils s’estompent avec le temps, une pratique sans prétention mais plus difficile à réaliser qu’on ne le pense. C’est le genre de concept que Courtney a exploré dans une certaine mesure à maintes reprises avec son groupe, le LP Days en 2011, sans doute parfait, documentant la banlieue quotidienne dans ce qu’elle a de plus sublime. Mais plutôt que de s’acclimater à ces expériences ici et maintenant, Courtney espère maintenant se rappeler le passé avant qu’il ne soit trop tard.

Au début, Courtney ne sait même pas comment ni où commencer. Dans le morceau d’ouverture aux accents americains, « Corncob », il s’efforce de se souvenir d’une ancienne connaissance dont il peut se rappeler le nom, avant de s’avouer vaincu en réalisant qu’il est temps de laisser tomber. Ce n’est peut-être pas l’idée de chanson la plus convaincante, mais peu de compositeurs parviennent à retracer ces pensées pensibles de manière aussi convaincante que Courtney. Le fait de renouer avec l’étalement urbain du New Jersey est devenu une bouée de sauvetage pour Courtney pendant la pandémie de COVID-19, cartographiant les endroits qu’il pensait connaître ou qu’il n’avait pas encore découverts alors qu’il se promenait en voiture avec ses amis sans destination précise.

Cette période de pause a permis à Courtney d’écrire Magic Signs, en se réservant des plages de temps pour écrire des chansons le soir, lorsque sa femme travaillait et que les enfants dormaient. Il décrit ce processus dans « Living Rooms », luttant contre le froid dans sa cave tout en se souvenant de la bonne volonté qui l’entoure. Mais pour l’essentiel, Courtney est cohérent avec ses retraites dans le passé – qu’il profite de l’éclat du soleil après une longue journée (« Shoes »), qu’il évoque des images de jeune amour (« Merlin ») ou qu’il remplisse les espaces qui se sont effacés pour de bon (« Outcome »). Les maisons vacantes et les porches d’entrée deviennent des images photographiques vides imprimées dans son esprit, mais Courtney est tout de même heureux de les regarder en arrière.

Courtney a fait appel à l’aide du producteur et ingénieur Rob Schnapf (Elliott Smith, Tokyo Police Club, Kurt Vile) pour améliorer ces chansons, qu’ils imprègnent d’une intimité chaleureuse semblable à celle du travail du producteur avec le regretté Smith. Schnapf traite sans effort les arrangements simples que Courtney a écrits, certains des plus forts que Courtney ait écrits depuis son LP de 2017 avec Real Estate, In Mind. Une chaleur domestique et langoureuse rayonne à travers les arpèges majestueux de « Shoes », se terminant par un ton de clavier doux et resplendissant qui persiste longtemps après sa fin. L’imagerie vivante de Merlin résonne encore plus lorsqu’elle est associée à ses guitares scintillantes, qui dérivent vers une coda sublime comparable aux moments les plus délicieusement sinueux de « Days ».

Même dans ses moments les plus tapageurs, comme sur l’amicale fuzz de « Sailboat », Courtney adopte une méthode similaire à celle du trio du New Jersey Yo La Tengo : augmenter la distorsion sans perdre son centre. Il fait ce qui sert le mieux la chanson au lieu de trop la sculpter au point qu’elle perde sa raison d’être, comme il le dit avec justesse sur l’un des morceaux phares de In Mind. Courtney pourrait donner l’impression qu’il cherche à faire passer le temps avec Magic Signs par un effort mineur, un palliatif avant de passer à un projet relativement plus ambitieux. Mais il ne pourrait pas être plus dans son élément, passant d’un point de vue à l’autre alors qu’il retrouve son émerveillement de jeunesse – et, vraiment, le fait d’y arriver n’est-il pas une tâche en soi ?

***1/2


Foals: « Life Is Yours »

11 juillet 2022

Ce groupe d’Oxford, au Royaume-Uni, a connu des changements épiques au cours des trois dernières années. Au cours de cette période, le groupe a connu des hauts enivrants et des bas douloureux. La sortie en 2019 de l’album en deux parties Everything Not Saved Will Be Lost a atteint la première place des charts, soutenue par une tournée au succès retentissant, offrant au groupe une expérience au sommet.

Foals a perdu deux de ses membres fondateurs, qui ont tous deux démissionné du groupe. En 2018, le bassiste Walter Gervers l’a quitté pour fonder une famille et le claviériste Edwin Congreave pour terminer ses études d’économie. Les résultats de ces changements ont montré un groupe continuant en tant que trio pour se resserrer sur leurs constructions musicales.

Foals continue à travailler sur le prochain album, sans savoir si ou quand ils pourront partir en tournée pour soutenir leurs efforts. Le groupe sort Life Is Yours, son septième album studio, une célébration triomphante de l’affirmation de la vie alors que le monde émerge du confinement L’album est rempli de musique enjouée qui incite l’auditeur à danser avec lui.

Sur Life Is Yours, en effet, Foals propose un amalgame de musique ensoleillée, motorisée, influencée par la disco et la house, combinée au son qui lui est propre, fait de guitares entraînantes et de synthés math rock. Le groupe est tourné vers l’avenir mais fait référence à ses premiers albums, Antidotes et Total Life Forever. Le changement de composition semble permettre au groupe de trouver une nouvelle façon de s’exprimer. L’ambiance lourde de leur dernier album studio, Everything Not Saved Will Be Lost, est relevée par une glorieuse fête pop comme seul Foals peut en présenter.

Le groupe ne laisse aucun doute sur le fait qu’il s’agit d’une affaire de fête avec la sélection éponyme d’ouverture, « Life is Yours », qui éclate avec un punch pop alors que leur sonorité de guitare distinctive prend le devant de la scène, rassurant les fidèles de Foals que les éléments qui les ont rendus si séduisants sont toujours présents. Ils déclarent qu’il est temps de laisser la pandémie derrière nous, en utilisant une basse funky addictive pour créer une grande chanson d’été qui explosera en live.

Le groupe continue comme il a commencé avec « Wake Me Up », un autre morceau plein d’énergie qui s’intègre parfaitement à l’ouverture. La chanson nous demande de venir danser avec eux dans les rues alors que les lockdowns ne sont plus qu’un souvenir. Le refrain est une panacée pour les deux dernières années d’angoisse. « 2 am » ralentit l’euphorie en se penchant sur les changements dans les relations. C’est ici en particulier, mais aussi tout au long de l’album, que les membres restants du groupe semblent montrer une certaine nostalgie face au départ de leurs amis et camarades.

« 2001 » offre des basses disco très dansantes en vantant les mérites de l’été, « Blue tongues and candy floss ». Encore une fois, ce mariage brillant de sonorités de l’album Total Life Forever de Foals mélangées à des éléments pop et disco produit un morceau gagnant. « Flutter » revient à l’époque du math rock du groupe, en ajoutant le chant de fausset du chanteur Yannis Philippakis pour créer un autre morceau exceptionnel. « Looking High » est un de nos préférés. La belle structure de la chomposition permet un sentiment de tourbillon sans jamais perdre le rythme de la danse. Les paroles de la chanson l’empêchent d’être trop légère, car le narrateur semble chercher haut et bas la vie d’avant l’enfermement. Le morceau continue de se construire jusqu’à un final explosif qui est un classique de Foals.

« Under the Radar » est un morceau rempli d’éléments post-punk et new-wave, à l’image de Devo et des Talking Heads. « Crest of the Wave » passe à une ambiance mélancolique au fur et à mesure que ce morceau flottant et doux se déroule. Ici, la voix de Philippakis prend le devant de la scène et la chanson offre une nostalgie ensoleillée teintée d’écume avec des paroles presque lugubres : « I’ll always be waiting for the crest of the wave » (J’attendrai toujours la crête de la vague). « The Sound » est l’œuvre de Foals, qui nous offre un fantastique morceau de blue-eyed soul. La batterie, la basse funky et les claviers inflexibles délivrent un punch franc. Le dernier morceau, « Wild Green », est une combinaison envoûtante de motorik et de techno. L’énergie et la complexité de cette sélection sont remarquables : l’élan monte et monte jusqu’à une explosion dramatique, tandis que la guitare caractéristique de Foals guide à travers la cacophonie, puis le néant.

Life Is Yours est un ajout digne de ce nom à la discographie de Foals et plaira aux fans qui se délecteront de la qualité de cet album. Peu de groupes ont pu encaisser le choc de la perte de deux membres fondateurs et ne pas flancher un peu sur un nouvel album. Les membres restants ont pris les pertes à bras le corps, développant une nouvelle façon de s’exprimer sans perdre le noyau central de ce qui les a toujours rendus si séduisants.

Leur objectif avec Life Is Yours était de célébrer le réveil du monde, et ils y sont parvenus. Alors que le monde se réveille du cauchemar de la pandémie, nombreux sont ceux qui apprécient les groupes qui reconnaissent cette pandémie et qui s’en éloignent. Avec Life is Yours, Foals célèbre sans détour son retour à la musique.

Le combo , une fois de plus,ne déçoit jamais avec des sorties brillantes qui font que les auditeurs attendent avec impatience leurs prochaines offres et, à cet égard, Life Is Yours porte la marque d’un nouvel et excellent un album de nos natifs d’Oxford.

***1/2


Interpol: « The Other Side Of Make-Believe »

10 juillet 2022

Deux décennies se sont écoulées depuis que les New Yorkais ont sorti leur premier album, Turn On The Bright Lights, un opus qui a marqué son époque. Le calice empoisonné de la capture parfaite d’une sorte d’air du temps les a traqués pendant une grande partie des vingt années suivantes, les regards d’acier revenant à chaque fois pour voir s’ils avaient une fois de plus réussi à mettre en bouteille la foudre de ce premier instantané d’une ville industrielle confrontée au désespoir et cherchant une échappatoire. Il y a des raisons pour lesquelles Joy Division est apparu si souvent comme une référence à leurs débuts, mais la musique d’Interpol est venue avec une couche supplémentaire de brillance, une bombance presque théâtrale où les guitares tranchantes étaient complétées par une production complète qui les enveloppait d’une chaleur réconfortante. On a murmuré que c’était le signe que quelque chose de vraiment magique allait sortir d’eux et, alors que Antics et Our Love To Admire ont fait de solides tentatives pour être à la hauteur de …Bright Lights, le désir de retrouver l’impact de ce premier coup a conduit à des rendements lentement décroissants sur les trois albums qui ont suivi. Le Marauder de 2018 a vu le vent tourner, bien que le disque ait été dépourvu de la dynamique dont les chansons avaient besoin pour être vraiment portées.

Interpol n’est pas le premier groupe à ressentir le poids d’un premier album aussi parfait et ne sera certainement pas le dernier, mais maintenant, sur leur nouvel album, The Other Side Of Make-Believe, on a l’impression qu’ils émergent vraiment, comme le titre le suggère, de l’autre côté, à un endroit où il y a un sentiment croissant de libération dans leur son, bien que couplé avec des paroles qui se concentrent sur l’aliénation de notre monde moderne.

Le fait que ce nouvel album ait été écrit et fait l’objet de démos, comme beaucoup d’autres ces dernières années, avec le groupe séparé a annoncé une partie du changement, une dynamique plus feutrée qui se répand sur une grande partie de l’album. Le groupe n’interprète plus la nuit en ville, mais plutôt le lever du soleil qui se faufile à travers le brouillard matinal. Ce changement, qui, selon le chanteur Paul Banks, est dû au fait que, séparé par un océan, il n’écrivait pas en chantant par-dessus le volume du groupe, mais plutôt seul, enfermé pendant des mois à Édimbourg, est présent dès le début de la chanson d’ouverture « Toni ». Elle s’élève lentement sur une simple ligne de piano, mélancolique mais belle, mettant à nu le sentiment renouvelé de libération de Banks. « Le but maintenant est toujours la perfection / Le but maintenant est de tout laisser derrière soi » (The aim now is perfection always / The aim now is fuckin’ leave it all behind). Mais le texte contient dans sa simplicité un double sens. Alors que nous sommes de plus en plus aspirés dans un métavers dystopique, où l’anonymat permet la dépersonnification, nous nous corrigeons et nous modifions continuellement pour atteindre ce que nous pensons que les autres percevront comme la perfection, en abjurant notre véritable moi et le monde dans lequel nous vivons. Il n’y a pas de place pour l’imperfection.

Cette approche de l’écriture a également permis au groupe de développer un aspect plus fantomatique de son son, comme sur l’inquiétant « Something Changed ». La rareté et l’ouverture laissent de l’espace pour que la dynamique s’échappe et se propage lorsque la batterie de Sam Fogarino marque un tel changement. La chanson se rapproche du travail de Banks avec Muzz par son instrumentation en couches. Les harmonies vocales et ce qui ressemble à une clarinette passent en dessous comme des fantômes dans la machine, ajoutant un sentiment de désespoir aux paroles qui semblent traiter de la futilité d’exister dans un monde dans lequel nous sommes piégés par notre propre désillusion d’être incapables d’être à la hauteur des avatars que nous créons dans nos esprits. « Je veux parler vite / Et comme nous le savons, sans substance… Ça devient automatique / Ça devient tout sauf libre » ( I wanna speak fast / And as we know, without substance…It becomes automatic / It becomes all but free). C’est le paradoxe d’un monde dans lequel la liberté est vendue comme une construction qui resserre essentiellement les chaînes invisibles qui nous lient.

Ailleurs, comme sur « Passenger », le guitariste Daniel Kessler élabore des riffs vertigineux et cycliques qui se déploient en spirale, s’étendent et enveloppent d’une manière qui rapproche la chanson de ce que nous attendons de Jonny Greenwood. Ses arpèges en boucle tournent en rond, ajoutant de temps en temps des notes dissonantes qui renforcent le sentiment de malaise, qui se poursuit sur Greenwich, qui suit. À la fin de ce morceau, nous sommes engloutis dans une cacophonie sonore paranoïaque, dense et grinçante, le bruit blanc statique de la vie bloquant la beauté qui ne peut être appréciée qu’en enlevant les distractions du miroir noir. La pochette de l’album l’exprime simplement et efficacement, un couteau aiguisé soutenant un miroir dans un espace vide, aiguisé et pointé uniquement sur soi. Nous sommes la cible, la victime et notre propre agresseur, nous nous concentrons sur nous-mêmes alors que tout ce qui nous entoure est dénudé et insignifiant.

Lorsque le groupe revient au son de ces guitares staccato du passé, comme sur Renegade Hearts, il reste plein d’ombres et de lumières bien que le sentiment général soit plus dense. Alors que le groupe serpente à travers un rythme menaçant, les guitares crient de l’intérieur comme des oiseaux de proie qui tournent au-dessus, et à nouveau cette préoccupation moderne qui traverse l’album ressort clairement. « Subliminal, nous tournons la page / Mais tu peux sauver les peurs programmables » ( “Subliminal, we turn the page / But you can save the programmable fear).

Le groupe lui-même a reconnu que l’implication de Flood, aux côtés de l’ancien coproducteur Alan Moulder, les a aidés à façonner cette évolution de leur son. Fogarino en particulier a déclaré que Flood leur a donné un sens renouvelé de l’honnêteté dans leur écriture et c’est quelque chose qui lui a permis de jouer, sur des chansons comme « Renegade Hearts « et le fantastique Gran Hotel, d’une manière telle que la batterie, plutôt que de jouer pour accentuer et contrebalancer la mélodie, fait avancer les chansons avec force. L’effet est un sens renouvelé de l’objectif du groupe, qui se manifeste du début à la fin. Ils ne se remettent plus en question et ne remettent plus en question les réactions à leur travail, mais sont plutôt renforcés par une croyance renouvelée en ce qu’ils font.

La combinaison de Banks, Kessler et Fogarino est indéniable, mais The Other Side Of Make-Believe est l’Interpol le moins « Interpol », apparemment libéré du spectre de ses débuts et libre d’explorer quelque chose de plus vaste. Si vous êtes à la recherche d’un retour à …Bright Lights, alors votre recherche est futile car le groupe à l’époque faisait partie d’un moment fulgurant, un moment que ni eux ni leurs pairs ne répéteront jamais. En l’acceptant, ils ont produit leur album le plus fort depuis quinze ans, un album qui grandit et se révèle davantage à chaque écoute.

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Slang: « Cockroach In A Ghost Town »

31 mai 2022

Le premier album de Slang, combo basé à Portland, OR, a mis du temps à sortir. Drew Grow et Janet Weiss ont formé le groupe il y a plus de dix ans et nous livrent enfin aujourd’hui leur premier opus studio, Cockroach In A Ghost Town

Grow (guitare, chant) et Weiss (batterie, claviers, chant) forment la base de cet album de neuf chansons qui ne s’arrête jamais, changeant de style et de substance tout au long de l’album, avec le soutien de Sam Coomes et Kathy Foster à la basse, Anita Lee Elliot à la guitare et au chant, et d’autres amis.  Le morceau d’ouverture « Wilder » donne un ton inquiétant, avec des battements de tambours caverneux, des voix envolées et une touche de gothique grandiose, tandis que les percussions et les claviers flottent partout. 

La pop bourdonnante et décalée de « King Gunn » apporte une touche de Breeders alors que le groupe étend ou resserre les sons autour de la voix désespérée de Grow et de la guitare de l’invitée Mary Timony (Ex Hex, Wild Flag). Hit The City » et « In Hot Water » amplifient les sons tourbillonnants et les synthétiseurs autour de la grosse batterie avec Weiss qui rocke lourdement, tandis que les « ooh and ahh » spatiaux cascadent autour d’un rythme de batterie boom-bap dans « Time Bomb » qui brille dans un style rétro-glam à la David Bowie.

Slang va ainsi déployer une énergie nerveuse et frénétique tout au long de Cockroach In A Ghost Town, notamment dans le crépitement acoustique/électrique de la schizophrénique « Wrong Wrong Wrong » et le bourdonnement pulsé et serré de « Chipped Tooth ». Ce type de convulsions mentales caféinées (ou pire) est à la fois séduisant et rebutant, exactement comme le groupe l’a prévu, jouant avec les émotions et ne laissant jamais l’auditeur à l’aise dans sa propre peau.    

Le groupe apporte des touches électro bizarres, de gros grooves et un flair théâtral, alors que le disque solide se termine par deux morceaux qui rappellent le son de Flaming Lips. L’effort titre s’envole autour du refrain de Grows « I Have Dreams About The Ending/But I Don’t Dream About The End » tandis que l’album se termine avec son titre le plus accrocheur, « My #1 », qui frémit et prend le large avec une mélodie béate grâce au chant de Weiss et aux riffs de guitare flous de Stephen Malkmus (Pavement). 

Il y a une génération, on aurait qualifié cette musique d’alternative, mais aujourd’hui, une alternative à quoi ? Cockroach In A Ghost Town, le « debut album » du groupe, est une tranche de rock étrange qui se tortille avec les questions frénétiques d’un monde hors de contrôle, tout en se frayant un chemin dans vos oreilles. 

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Young Guv: « Guv III »

30 mai 2022

L’histoire d’origine du troisième album de Young Guv, Guv III, suggère l’étoffe d’une saga épique et psychédélique. En 2020, alors que le monde entier était contraint de s’ancrer sur place, Ben Cook et ses compagnons se sont réfugiés dans le désert du Nouveau-Mexique, dans une maison surnommée « The Earthship ». Ils ont partagé une existence communautaire, cuisinant tous les jours, se baignant dans le Rio Grande et admirant la majesté des montagnes qui les entouraient. Leur histoire évoque des visions de hippies cherchant l’illumination dans la vaste inspiration de la générosité de la nature, ou peut-être juste une toile de fond idéale pour prendre beaucoup de champignons, mais probablement pas pour écrire les chansons qui deviendraient un ensemble infectieux et chatoyant de power pop jangly.

Avec Guv III, le groupe ne se plonge pas dans des passages prolongés de claviers new age doux comme la plume ou dans des jams de stoner rock noueux, mais plutôt dans le polissage et le perfectionnement de ses hymnes pop immaculés à trois et quatre accords. En tant qu’ancien membre de Fucked Up, Cook a prouvé sa polyvalence, mais avec le temps, il devient de plus en plus évident qu’il est capable de créer des accroches pop qui peuvent rivaliser avec les meilleurs de Teenage Fanclub, Big Star ou même Tom Petty. Sur un morceau comme « Lo Lo Lonely », par exemple, il y a beaucoup de bombardements de guitare, mais c’est dans les couches sonores subtiles et les harmonies vocales hypnotiques qu’il se transforme d’une chanson rock parfaitement agréable en une chanson qui vous fait réaliser à quel point la musique rock peut encore être amusante.

Premier d’un double album prévu (mais sorti en plusieurs parties), Guv III ne donne pas l’impression qu’il lui manque un deuxième élément et ne s’embourbe pas dans un concept – si tant est qu’il y en ait un, si ce n’est l’idée de deux albums écrits dans le même laps de temps. En fin de compte, le concept se résume à faire sonner les guitares de façon formidable, Cook et compagnie créant quelques-unes des meilleures pop à la guitare contemporaines grâce à une approche faussement simple. Le refrain de « Only Wanna See You Tonight » offre une application transcendante et innocemment romantique de l’accroche de type samedi soir dans les seventies qu’est « Good Time » trouve un terrain de prédilection dans la juxtaposition éprouvée de guitares électriques et acoustiques, et « She Don’t Cry For Anyone » porte plus qu’un petit air badass dans son tourbillon de riffs de 12 cordes Rickenbacker.

Bien qu’il y ait peu de visions psychédéliques sur Guv III, il y a une harmonie indéniable dans ces 11 chansons, au sens propre comme au sens figuré. Ce sont toutes des chansons impeccablement écrites et arrangées, aucune d’entre elles ne franchit la limite des quatre minutes et aucune n’est capable de s’épuiser. Young Guv ne repense pas radicalement le rock, mais prouve simplement que, lorsqu’il est aussi bien fait, il ne perd jamais vraiment son attrait.

***1/2


Just Mustard: « Heart Under »

27 mai 2022

Du rock atmosphérique. Qu’est-ce que cela signifie vraiment ? Trop souvent, les groupes cherchent à créer une ambiance en se contentant d’un pédalier bien rempli, cachant leur manque de voix authentique derrière des murs de réverbération impies.

Comme beaucoup d’autres avant eux, Just Mustard aurait pu très facilement tomber dans ce piège. Au lieu de cela, le groupe de Dundalk a rapidement réussi à s’élever au-dessus des prétendants. Heart Under, leur deuxième album, se libère des chaînes de la chambre d’écho avec dix titres d’une obscurité néo-gothique superbement obsédante et agressive sur le plan sonore.

L’appel désespéré des sirènes de « 23 » met les choses en place dès le début. Le morceau s’enfonce dans une caverne de sons avant de s’effondrer sur lui-même dans un moment de destruction irréfléchie, nous préparant à un voyage solitaire dans l’abîme.

La disposition extrêmement lunatique du groupe se poursuivra tout au long de l’album, propulsant l’auditeur dans l’obscurité. Still » et « Seed » sont si lugubres que l’on peut presque entendre la glace sèche. Le premier glisse comme la bande-son de votre nouveau drame policier scandinave préféré, tandis que le second se précipite vers le paysage infernal avec un plaisir tordu. Les guitares furieusement creuses du morceau se désintègrent lentement, réduisant le bruit à de simples sentiments, de la meilleure façon possible.

Just Mustard est un groupe qui ne fait qu’un avec son son, et avec Heart Under, il est passé maître dans l’art du rock atmosphérique. Pas mal pour un deuxième album – pas mal du tout.

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Porrige Radio: « Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky »

24 mai 2022

Porridge Radio est un groupe synonyme de la  nouvelle scène britannique en plein essor : souvent associé au post-punk britannique, il habite les thèmes de la douleur brute, de l’amour et de la mélancolie. Le quatuor de Brighton a accédé à la notoriété avec son deuxième disque, Every Bad (2020), qui lui a valu la reconnaissance de la critique et une fanbase fidèle : Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky arrive donc avec une attente considérable.

Le premier titre de l’album et single principal  » Back To The Radio  » est une réintroduction immédiate à Porridge Radio : dès le début, Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky voit le combo atteindre sa vitesse de croisière. Les sentiments de frustration sont omniprésents, la voix de Margolin reflétant les sons anxieux de la guitare. La voix de Margolin brille tout au long de Waterslide : elle chante volontairement juste au-delà de son registre par moments, ce qui signifie que de nombreux morceaux occupent un espace sonore similaire à celui de Courtney Barnett. Les sentiments de détresse, de regret, d’envie et de besoin transparaissent à travers les morceaux :  » Flowers « ,  » Jealousy  » et le morceau titre sont tous forts – il est donc clair quele groupe a augmenté l’intensité d’un cran, ainsi que la qualité. 

Waterslide oscille ainsi entre l’émotion forte et les crochets indie amusants : chacun de ces morceaux fonctionne merveilleusement bien en tandem et le disque coule comme une courte histoire d’amour et de perte. Vous ne pouvez pas détourner le regard un seul instant. Birthday Party » est un moment fort, avec une rythmique entraînante et une guitare spacieuse et pleine d’écho qui accompagne le refrain de Margolin « I don’t wanna be loved ». Elle répète cette phrase tout au long du morceau, sa voix devenant de plus en plus tendue et hantée à chaque régurgitation des mots d’autodérision. D’autres points forts apparaissent sur  » I Hope She’s Ok 2 « , sur lequel Margolin est soutenue par des touches qui pourraient sortir tout droit d’un arrangement de Last Shadow Puppets et par un refrain élastique et optimiste qui juxtapose les paroles dissociatives.

« The Rip  » est la pièce maîtresse de Waterslide : le morceau est centré sur un riff énorme, avec des synthés délicats et une prestation encore plus phénoménale de Margolin. Les autres membres de Porridge Radio méritent d’être félicités pour le poids de Waterslide : les instruments permettent à Margolin de briller, mais la guitare anxieuse et le rythme souvent tonitruant sont un complément fantastique aux paroles.

Porridge Radio et Dana Margolin ont un trait exceptionnel et unique parmi leurs pairs : les sentiments et le contenu émotionnel de leur musique sont transmis avec une telle intensité et une telle facilité de compréhension. Les titres de Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky – comme ceux de Every Bad – sont complexes mais parfaitement intelligibles. Porridge Radio a le don d’écrire des chansons qui vous arrachent le cœur. Le contenu lyrique est épuré à merveille tout au long de Waterslide, Diving Board, Ladder to the Sky avec un style fort et calme digne des Pixies : Porridge Radio a repris là où il nous avait laissé sur Every Bad, mais avec plus de maturité et de vulnérabilité.

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Frog Eyes: « The Bees »

7 mai 2022

Les indie rockers de Vancouver que sont Frog Eyes, avaient cessé sleurs activités après l’album Violet Psalms en 2018 et ont fait un bref passage sous le nom de Soft Plastics. Il s’agit d’une courte période de rêve pour un groupe qui a toujours eu l’impression de filer les chansons comme de la barbe à papa. Contrairement à d’autres auteurs-compositeurs canadiens comme Dan Bejar de Destroyer ou Spencer Krug et Dan Boeckner de Wolf Parade, le chanteur et guitariste Carey Mercer semble s’accommoder de la position excentrée de son groupe dans l’industrie musicale. Il est toujours à quelques pas du succès, mais ne manque jamais de livrer les bonnes choses. L’album le plus proche de Frog Eyes a été Tears of the Valedictorian en 2007, un album épique sorti pendant la courte période où le rock indé était le plus délirant et le plus obscur, un endroit que Frog Eyes connaît très bien. Le projet a toujours fait preuve d’une grande véracité punk, mais l’a tempérée par des recueils de compositions art-rock bien burinées.

Comme il y a quelques années, la voix de Mercer est toujours la pièce maîtresse de tout bon morceau de Frog Eyes. Elle grogne, roucoule et s’enroule autour de chaque texte maniaque comme un serpent à sonnette enroulé. Sa performance inimitable sur The Bees est encore plus impressionnante après avoir survécu à un diagnostic de cancer de la gorge en 2013. Variant en longueur, en tonalité et en cadre, ces 10 titres sonnent comme une nouvelle ère, tant pour son chant que pour son trio d’accompagnement qui l’a poussé. Le propulsif « Rainbow Stew » ouvre le disque sur une note élevée alors que le groupe continue de travailler vers la crête de la vague avant d’atterrir sur le morceau titre. Le premier extrait, « When You Turn on the Light », est une chanson inspirée de la vie en appartement. Mercer, 21 ans, entre dans sa chambre en fin d’après-midi, encore sous l’emprise des vapeurs de peinture à fresque de la nuit précédente, et trouve le gérant de l’immeuble en train de regarder « le paysage d’ombre infernal qui scintille des reflets des lampadaires sur la peinture émaillée » (hellish umber landscape that glittered street light reflections from the enamel paint ).

Mercer écrit généralement des nouvelles musicales comme « Light » et « Here Is a Place to Stop », qui sont souvent un mélange enivrant de rêve fiévreux et de beuverie de week-end. Certains des meilleurs productions de Frog Eyes (The Golden River et The Bloody Hand) gèrent bien cette dichotomie, et The Bees s’en approche sacrément. La batteuse Melanie Campbell et la claviériste Shyla Seller créent l’ambiance sur « I Was an Oligarch », « A Rhyme for the Star » et « He’s a Lonely Song », tandis que Mercer fait tournoyer la mise en scène dans sa bouche comme un riche vin tannique.

« Lonely Song » en particulier est l’un des meilleurs morceaux de rock sans fioritures de Frog Eyes depuis presque une décennie. Mercer raconte l’histoire de son père, assis au bord de son lit, qui le rassure en lui disant que Dieu n’est pas mort, mais qui lui remplit aussi le cerveau d’images de pionniers américains massacrant des bisons et empilant leurs cadavres sous un soleil malade et blafard. C’est le monde naturel de Frog Eyes, où les pères parlent du coucher de soleil d’une espèce et où leurs fils luttent contre la mort de cette lumière. Profitez du voyage tant qu’il dure – comme le chante Mercer sur le dernier morceau de The Bees, « tout meurt et tout brille » (everything dies and everything glow).

***1/2