Suuns: « The Witness »

4 septembre 2021

Comme son titre le suggère, le thème de la vision est au cœur du nouvel album de Suuns, The Witness. La pochette présente une photographie en noir et blanc du reflet d’un homme nu allongé sur un lit, au-dessus duquel sont accrochées des images encadrées de femmes nues. C’est une image grinçante, candide et légèrement inconfortable à regarder ; en y regardant de plus près, on commence à découvrir des détails que l’on regrette d’avoir remarqués. Comme pour accompagner cette sensation, Ben Shemie répète la phrase « I’ve seen too much » (j’en ai trop vu) sur le premier morceau de sept minutes, « Third Stream ». Ce sentiment d’être dépassé par ce que l’on voit imprègne l’album comme une maladie, à l’image de l’effet de vacillement de la voix à travers lequel Shemie chante en permanence.

Alors que le EP Fiction de l’année dernière mettait en avant la distorsion et un lourd sentiment de pressentiment, The Witness est une bête beaucoup plus douce. Bien qu’il y ait beaucoup de rythmes krautrock robustes qui percent périodiquement le brouillard nauséeux des synthés, de la basse et des guitares, on sent que le groupe se retient volontairement, laissant de l’espace pour que les instruments puissent respirer et évoluer, permettant aux changements subtils de capter l’oreille plutôt que d’attirer l’auditeur avec des accroches faciles ou des jeux de sons qui attirent l’attention. À cet égard, The Witness est définitivement un album en devenir, une écoute insaisissable dont les charmes discrets définissent sa mystique – et aussi ses défauts.

Le premier « single » « Witness Protection » est facilement le moment le plus accessible de l’album, ses rythmes qui font hocher la tête sont la clé de l’attrait de la chanson, qui fait appel à une boîte à rythmes et à des percussions manuelles avant de laisser place à un beat complet. Le groupe opère une magie similaire sur le morceau de clôture de six minutes « The Trilogy », juxtaposant des arpèges de synthétiseurs kosmiques à un rythme serré, presque disco. Les grosses basses synthétiques et les coups de batterie métalliques de « C-Thru » sont remplacés par un changement de vitesse synthé-rock épique, avant que le morceau ne s’évanouisse dans un flot de sons droniques, semblables à ceux des sirènes. L’élan malveillant de « The Fix » attire également l’attention, mais le morceau s’arrête cruellement à deux minutes et demie, juste au moment où il commence à devenir plus intéressant et plus substantiel. 

Lorsque l’évolution musicale des chansons est plus subtile, il faut se pencher sur l’expérience d’écoute, ce qui peut s’avérer frustrant, surtout lorsque le résultat est faible. Sur « Timebender », l’intérêt rythmique est relégué au second plan, au profit de la guitare trémolo et de nombreux espaces chatoyants dans lesquels quelque chose d’intéressant menace de se produire, mais ne se produit jamais. « Clarity » refuse d’être à la hauteur de son titre, tissant un saxophone louche tandis que le rythme et l’orgue s’enfoncent dans la tristesse alors que « Go To My Head » sera affligé d’une lenteur qui est accentuée par les guitares incertaines et sinueuses et la voix désespérée de Shemie. 

Plus vous écoutez The Witness, plus il est difficile à saisir. On ne peut nier que son caractère insaisissable fait partie de son charme, mais il y a des moments où il semble plus évasif que fuyant, refusant obstinément de s’engager plus directement.

***1/2


Indigo De Souza: « Any Shape You Take »

2 septembre 2021

Any Shape You Take commence par une fausse piste ; « 17 » est un morceau d’indie pop d’une simplicité trompeuse, avec une voix décalée chantant innocemment des lignes aux sous-entendus troublants comme « this is the way I’m going to bend now that the baby’s gone » (C’est la façon dont je vais me plier maintenant que le bébé est parti), qui pourrait presque être un extrait du superbe « Jubilee » de Japanese Breakfast. Mais ce n’est pas seulement de la pop indé magnifique et proprement produite. Après quelques écoutes, Any Shape You Take reste énigmatiquement, délicieusement difficile à cerner.

Il est vaisemblable que c’est exactement ce que voulait Indigo De Souza. De l’essence de son écriture au titre de l’album, le disque est largement concerné par le changement et la métamorphose. L’album oscille entre le slacker rock sardonique à la Alvvays, le grunge bruyant à rétroaction et l’indie pop sucrée, s’en tirant avec aplomb mais ne semblant jamais vraiment à l’aise dans aucune. Ce sont 40 minutes de musique remarquablement agitées et affamées, peut-être à la limite de l’éparpillement, s’il n’y avait pas une chose qui maintient le tout ensemble.

Il est question également de la voix de De Souza. Pour faire simple, elle donne la meilleure performance de l’année sur cet album, sa voix puissante jaillissant des coutures de chaque chanson comme si elle ne pouvait être contenue. À un moment donné, pendant le pont de « Bad Dream », elle passe d’un grognement guttural à un falsetto ondulant et à un cri digne d’Adrienne Lenker en l’espace de 30 secondes. Un autre pont offre le meilleur moment de l’album en allant dans la direction opposée. L’exquis « Real Pain » se transforme soudainement en un bourdon au rythme lent, tandis que De Souza entonne un mot à plusieurs reprises, avant de s’effacer progressivement pour être remplacé par le son de, eh bien, de cris. Il ne s’agit pas d’une coda hurlante du style « I Know the End » qui fait un clin d’œil au public tout au long du morceau, mais de véritables sons de douleur angoissés provenant d’une multitude de voix, superposés en un refrain obsédant qui en dit plus sur ce que nous avons tous vécu ces jours-ci que n’importe quel texte. Puis, d’un coup sec, c’est fini, et la chanson reprend son rythme entraînant sans une once d’autosatisfaction.

Any Shape You Take est rempli de moments comme celui-ci, où les chansons semblent s’étirer comme un élastique pour s’adapter à la présence vocale gargantuesque de l’artiste. L’inclusion de quelques chansons moins mémorables basées sur des accroches répétitives comme « Die/Cry » et « Pretty Picture » handicapent légèrement la première moitié de l’album, avant que « Real Pain » ne donne le coup d’envoi de ce qui est probablement la meilleure série de rock indépendant de cette année. Vous pouvez quitter Indigo De Souza avec un certain nombre d’impressions – les rockeurs grunge pince-sans-rire jouant de leurs influences, le potentiel indie pop habilement accrocheur de « 17 » et « Hold U », les climax du cœur dans le duo final « Way Out » et « Kill Me », qui peuvent tous deux rivaliser avec n’importe quel album de Big Thief , par exemple Two Hands, en termes de pureté des chansons. Une chose dont vous vous souviendrez certainement, c’est l’énergie de l’album : nerveuse mais très excitée, elle ne se dévoile jamais complètement mais est brutalement ouverte, et quel que soit le genre, elle est tout à fait unique.

***1/2


Halsey: « If I Can’t Have Love, I Want Power »

1 septembre 2021

Halsey fait preuve de retenue avec son vaste puits de pouvoir retrouvé sur son tout nouvel album, If I Can’t Have Love, I Want Power. Une production polie et audacieuse rencontre un esprit rebelle pour un voyage de 13 titres à travers des thèmes et des inspirations plus sombres. 

Les touches mélancoliques de l’ouverture « The Tradition » se combinent à une mélodie de chansonnette médiévale pour plonger l’auditeur dans le monde de la pochette : un monde dans lequel les femmes et les personnes non-binaires bouillonnent de fureur et de pouvoir inexploité.

« Bells in Santa Fe » commencera alors à libérer une partie de cette colère avec une belle maîtrise, avant de se répandre complètement dans la troisième piste. « Easier than Lying , quant à lui, est un morceau qui se démarque par son côté alternatif teinté d’emo, aidé par les tâches de production de Trent Reznor et une batterie féroce. C’est un baume que cette rupture qui alimente quelque peu le titre de l’album : vous ne pouvez pas avoir l’amour ? Prenez le pouvoir.

Il est intéressant qu’Halsey ne poursuive pas ce déchaînement d’émotions dans une veine similaire sur le reste de l’album. Leur choix de reprendre le contrôle représente après tout le pouvoir bien plus que la fureur aveugle… surtout lorsque les paroles ne perdent rien de leur mordant.

« Lilith » (personnage évocateur et mythique) donne des conseils sur un paysage sonore inquiétant et glitching avant que « Girl is a Gun » ne fasse feu de tout bois, se frayant un chemin à coups de Drum and Bass pendant un peu plus de deux minutes de clichés qui parviennent encore à paraître frais dans la bouche d’Halsey (les clichés appartiennent-ils à Halsey ?). Si If I Can’t Have Love, I Want Power avait eu des « singles », celui-ci en aurait été un sans aucun doute.

Le titre « honey » », plus pop, est un classique d’Halsey, qui s’écarte quelque peu de la dynamique de l’album, bien que la production le maintienne sur la bonne voie. Le titre intermédiaire folklorique qu’est « Darling » sera une interruption bizarre qui fait perdre le fil. Peut-être, comme la dernière chanson «  Ya’aburnee » , s’agit-il d’une pause délibérée pour se prélasser sur le pouvoir de la maternité. Malgré tout, elle pourra sembler déplacée, contrairement à la dernière piste.  

« Whispers «  est particulièrement efficace dans ses objectifs : ce morceau sobre regorge de paroles qui donnent la chair de poule (exemple :  » »C’est la voix dans ta tête qui dit ‘tu ne veux pas ça » (This is the voice in your head that says ‘you do not want this) et qui seront sans aucun doute efficaces pour donner du pouvoir aux jeunes qui l’écouteront partout. 

La puissance de If I Can’t Have Love, I Want Power est quelque peu atténuée par un morceau central égaré, et bien que la production soit léchée à l’excès, certains des moments les plus vulnérables de l’album auraient peut-être pu bénéficier de moments plus crus. Ceci étant dit, c’est quand même un album puissant. Il témoigne à la fois d’une évolution significative du son et d’un cœur battant qui transmet les valeurs d’Halsey avec une facilité et une puissance impressionnantes.

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The Joy Formidable: « Into the Blue »

25 août 2021

Près de 15 ans; c’est une longue période pour être dans un groupe. Comment faites-vous pour que le jus créatif coule à flot ? Certains ensembles trouvent une chose dans laquelle ils sont bons, et continuent à la faire, à l’infini. (Voir : Bad Religion, la plupart des groupes pop.) D’autres réinventent audacieusement leur son, rejetant les styles abrutissants du passé dans l’espoir de réussir à capturer quelque chose de nouveau et de vital. (Radiohead, Tegan And Sara, n’importe quel nombre de groupes bruitistes qui se lassent de leurs pédales de distorsion). Mais dans l’ensemble, la majorité des groupes continuent simplement à élargir lentement leur palette sonore, tout en s’accrochant au concept fondamental qui les a fait naître en premier lieu. Dans le cas de The Joy Formidable, une confrontation constante avec le passé est devenue une partie intégrante de la discographie tumultueuse du groupe. Cette tension est mise en évidence sur Into The Blue, un disque qui s’efforce de redécouvrir la magie du mixage du groupe, tout en essayant de concilier ce qui a été fait auparavant avec le désir de voir tout cela avec un regard neuf.

Tout au long des années 2010, la production du groupe a ressemblé à une lutte constante pour transcender le succès arena-rock instantané du premier album The Big Roar, une fusion quasi parfaite de riffs de guitare massifs et de refrains encore plus massifs, le tout ancré par le chant joyeux et triomphaliste du chanteur Ritzy Bryan, éloquent et abstrait à parts égales. Wolf’s Law, sorti en 2013, reprend la même formule et tente de recréer la magie qui a prouvé que les débuts du groupe n’étaient pas un hasard.

Mais Hitch s’est éloigné musicalement sans apporter grand-chose en retour, un cas évident de douleurs de croissance qui n’ont jamais trouvé d’exutoire solide. En 2018, cependant, il semblait qu’une renaissance créative était en train de se produire, Aaarth incorporant un mélange capiteux de nouvelles influences et techniques à la bombarde riff-rock du groupe, ce qui a donné lieu à un album qui possédait moins de catharsis légère, mais une transition admirable vers un type de groupe légèrement différent, tout aussi à l’aise avec les grooves décalés qu’avec les hymnes à quatre sur le plancher.

C’est ce qui fait de Into The Blue un disque si étrange. Bien que l’on y trouve quelques fioritures diverses – et deux chansons basées sur une profonde ballade à la guitare acoustique – c’est un retour indéniable à la forme initiale, bien qu’avec la sensibilité évidente d’un groupe qui s’efforce de trouver à nouveau la magie dans la formule. « Je ne retournerai pas à rien » (I won’t go back to nothing), chante Bryan sur « Back To Nothing », une épopée shoegaze magistrale qui donne néanmoins une voix à l’incertitude musicale capturée par l’album : « Que ça se termine… il n’y a pas de rencontre au milieu, maintenant. » (Let this end… there’s no meeting in the middle, now) se répète en leitmotiv cette phrase, et on a l’impression qu’elle s’adresse au groupe qui rejette tout ce qui est trop aventureux, et qu’elle se concentre sur les rythmes et les riffs hard-rock pulsés sur lesquels The Joy Formidable a fait ses preuves.

***1/2


Pom Pom Squad: « Death Of A Cheerleader »

29 juin 2021

Death Of A Cheerleader est le premier long play du groupe Pom Pom Squad basé à Brooklyn, coproduit par la chanteuse Mia Berrin et l’avant-garde des Illuminati Hotties, Sarah Tudzin. Aux côtés de ses camarades Shelby Keller à la batterie, Marie Alé Figman à la basse et Alex Mercuri à la guitare, Berrin imagine les banalités du lycée et les imprègne de fantaisie. Le résultat final est un condensé de tout, de la Riot Grrrl tardive et du Green Day de l’ère « Kerplunk » à la Motown et au Hollywood de Rita Hayworth.

Habillée de fleurs criardes et de pastels kitsch, la pochette de l’album fait un clin d’œil à l’esthétique d’un film de John Waters, tout en se rapprochant de la satire sèche de la scène d’ouverture de Heathers. Berrin pourrait bien être Heather Chandler alors qu’elle vous demande en mariage depuis une tombe peu profond ; et ce sera ainsi que Death Of A Cheerleader va commencer, avec les premières cloches gluantes de « Mr Sandman «  des Chordettes ternies par des cavalcades de parasites. Ensuite, le « single » principal « Head Cheerleader », avec Berrin affirmant « Je vais épouser la fille la plus effrayante de l’équipe de pom-pom girls » (I’m gonna marry the scariest girl on the cheerleading team) car elle est la plus désirable lui permet de remettre en question l’expérience stéréotypée de l’adolescent américain.

Dans la délicieusement complaisante « Crying », Berrin encourage ses auditeurs à se vautrer dans la misère pour son propre confort et son propre plaisir, déclarant à propos du morceau : « Le personnage de cette chanson est essentiellement mon ego : la partie de moi-même qui n’apprend pas, qui fait constamment les mêmes erreurs, qui est excentrique, qui ne peut pas admettre qu’elle a tort, qui s’apitoie sur son sort et qui emballe le tout dans un nœud de la couleur de l’autodépréciation ». 

Cette narration se poursuit avec les paroles acérées de « Lux », qui raconte l’histoire du personnage principal du film The Virgin Suicides de Sofia Coppola, qui boit du schnapps dans un « bal de lycée bondé » et meurt empoisonné au monoxyde de carbone. C’est l’un des morceaux les plus granuleux et rapides de l’album, les cris de Berrin donnent à Carrie Brownstein une poussée de pom pom pour son argent, en mordant « Je me sens nue sans enlever aucun de mes vêtements » (I feel naked without taking off any of my clothes). Des touches de shoegaze apparaissent dans des titres comme « Drunk Voicemail », tandis que des samples instrumentaux sucrés de « Be My Baby » des Ronettes sur « Foreve » » révèlent un désir ardent de connexion peau contre peau, alors que Berrin chantonne « I‘m your forever baby / tell me you are mine » (Je suis ton bébé pour toujours / dis-moi que tu es à moi).

Le style de Death Of A Cheerleader diffère de celui de leur précédent EP Ow, puisque les gémissements grunge « Live Through This » et le chant « quiet grrrl » de Berrin évoluent sur le motif chargé de l’album, alors qu’elle affronte ses histoires de passage à l’âge adulte pour se sentir bien dans sa peau.

La force de Pom Pom Squad réside dans son côté théâtral et dans le fait qu’il s’immerge joyeusement dans sa propre comédie. Il faut beaucoup d’habileté pour peaufiner un album aussi inextricablement lié à des références à la culture pop, mais Pom Pom Squad s’empare de ces influences et les bricole pour les adapter à sa propre esthétique Gen-Z. En d’autres termes, Death Of A Cheerleader est un tour de force qui porte un toast à tous nos « Dumb Bitch Selves » et, dans la plus pure tradition des Heathers », nous inciter nous lâcher de la manière la plus débridée possible.

***


James: « All the Colours of You »

11 juin 2021

James l’a encore fait ! Comme ils y sont parvenus tant de fois au cours de leur carrière, ces francs-tireurs du rock alternatif britannique ont rafraîchi et élargi leur son déjà séduisant. Il ne s’agit peut-être pas d’une réinvention, mais d’une nouvelle transformation. Ce n’est pas surprenant, car James a toujours cherché à repousser les limites et à explorer de nouvelles directions, quel que soit le genre, tant que le résultat est de la bonne musique. Et All the Colours of You, leur seizième album, répond certainement à ces critères.

Musicalement, l’ambiance du disque est résolument plus optimiste que le rock intimidant et percutant de Living in Extraordinary Times en 2018, mais les paroles contiennent tout autant de venin. Pontifiant sur le changement climatique, COVID et la politique, le frontman Tim Booth fournit son habituel commentaire cinglant, mais cette fois-ci, il est enveloppé dans l’amalgame majestueux du groupe de rock de stade hymnique et de crochets de pop alternative. L’inclusion de lignes de basse syncopées, de rythmes électroniques et d’effets sonores tourbillonnants crée un son à la fois rafraîchissant et peu familier, mais aussi fabuleusement James.

Qu’il s’agisse d’un boom de basse glissant et groovy ajouté au bon moment, d’une modulation de cadence astucieuse qui fait le pont avec une accroche pop envolée, ou d’une consonance de guitare réverbérante, James atteint l’équilibre parfait entre le dynamique et l’éthéré. En plus de la chanson titre, les chansons phares telles que « Recover », « Wherever It Takes Us » et « Isabella » sont conçues pour épater le public et encourager les chants comme « Many Faces » l’a fait lors de leur dernière tournée. L’album n’est pas exempt de défauts, cependant, car le deuxième « single » « Beautiful Beaches » ressemble à une parodie de Coldplay de seconde zone et la lenteur de  « Miss America » rate complètement la cible.

Dans l’ensemble, All the Colours of You est une expérience musicale super satisfaisante qui consolide une carrière illustre de 35 ans, prouvant que James a surmonté un nom ennuyeux et impossible à trouver sur Google en étant imprévisible, audacieux et téméraire et en créant une marque distinctive de musique rock créative aux textures riches et aux mélodies astucieuses.

***1/2


Sleater-Kinney: « Path of Wellness »

10 juin 2021

Lorsque Sleater-Kinney s’est associé à St. Vincent pour créer leur album, The Center Won’t Hold, aux lignes épurées et très stylisées, des plumes se sont rapidement hérissées dans le monde du rock indépendant. Les fans de longue date ont exprimé leur déception quant à la nouvelle orientation du groupe, la batteuse de longue date Janet Weiss a quitté le groupe en réaction, et l’album s’est avéré nettement moins populaire que No Cities to Love en 2015 (selon les classements Billboard et les services de streaming). Mais les critiques ont eu un point de vue complètement différent sur le disque de 2019, reconnaissant les chansons bien conçues et vivement écrites trouvées au cœur du LP.

Path of Wellness, leur première sortie en duo en 26 ans de carrière (et la première sans Weiss depuis Call the Doctor en 1996), semble avoir été conçu pour permettre à tous les camps de se retrouver au milieu. Le dernier album de Sleater-Kinney est la version la plus amicale et bon enfant du groupe, mélangeant généreusement des claviers superposés et des rythmes entraînants (comme le montre le titre Tune-Yards-esque) avec des voix hymniques et des guitares croustillantes (que l’on retrouve surtout sur le toujours très construit « Favorite Neighbor »).

Après quelques écoutes, il devient clair que Path of Wellness fonctionne mieux lorsqu’on le considère comme l’inverse de son prédécesseur. The Center Won’t Hold présentait un ensemble de chansons fortes, entravées par une production amidonnée, tandis que les structures diverses, aventureuses et solides de ce nouvel album contribuent à mettre en valeur une collection de chansons qui auraient pu autrement sonner molles et discrètes.

En tant que premier album entièrement autoproduit de Sleater-Kinney, des titres musclés comme « High in the Grass » et « Method » auraient bénéficié de l’aide d’un tiers en studio pour resserrer leurs mélodies légèrement sinueuses. Mais, enregistré avec un certain nombre de musiciens de Portland (ainsi qu’avec la puissante batteuse de Freezing Cold, Angie Boylan), Path of Wellness est vraiment une question de savoir où le duo emmène ses chansons plutôt que de savoir où elles commencent : « Worry with You » est incroyablement funky, ce qui en fait la chanson la plus dansante de Sleater-Kinney à ce jour ; « Shadow Town » présente une excellente ligne de guitare pulsée qui va parfaitement de pair avec les couplets tranchants du duo ; et « Down the Line » est un véritable banger classic-rock, mêlant des circonvolutions façon Deep Purple à un refrain jubilatoire qui emprunte légèrement au tube « Dancing Days » de Led Zeppelin en 1973.

En combinant les muscles non contaminés de The Woods (2004) avec les sensibilités indie branchées de leurs premiers albums, Sleater-Kinney a finalement réussi à faire de Path of Wellness un album qui plaît à tout le monde.

***1/2


Garbage: « No Gods No Masters »

10 juin 2021

Plus d’un quart de siècle après la sortie de leur premier album éponyme, Garbage continue de maintenir son identité musicale distincte tout en apportant de subtiles déviations à son modèle de rock électronique réputé. Ainsi, si quelques chansons du septième album du groupe, No Gods No Masters, reprennent le noir industriel tentaculaire du Strange Little Birds de 2016, elles remplacent en grande partie ce son par une approche plus lisse et plus animée, illustrée par le morceau d’ouverture accrocheur et politiquement chargé, « The Men Who Rule the World ».

La chanteuse Shirley Manson a cité Roxy Music comme la muse du groupe pour No Gods No Masters, mais Depeche Mode est un analogue plus évident, en particulier sur « Godhead », qui comporte un riff de guitare sinueux, façon Martin Gore et évoque également la courte période glam de Marilyn Manson, tout comme « Anonymous XXX », un pastiche de percussions d’inspiration latine, de brefs éclats de guitare acoustique, et de synthés criards. La chanson titre et « Flipping the Bird » démontrent le talent de Garbage pour la pop, cette dernière évoquant la fusion post-punk et synth-pop de New Order avec un refrain propulsif qui leur est propre.

Les comparaisons avec Beautiful Garbage, sorti en 2001, sont également inévitables, mais les chansons de No Gods No Masters sont plus âpres, plus furieuses, et exploitent spécifiquement le tumulte personnel et social de ces dernières années. Le capitalisme, la misogynie et la suprématie blanche sont autant de sujets de mépris pour Manson, même si ses évaluations sont parfois trop littérales ou reposent sur des dichotomies faciles entre le bien et le mal. « Elle sourit aux feux d’artifice qui illuminent le ciel tandis que des garçons noirs se font tirer dans le dos, ont-ils été pris en train de faire du vélo ou sont-ils coupables d’avoir marché seuls ? » (Smiling at fireworks that light all the skies up/While black boys get shot in the back/Were they caught riding their bike?/Or guilty of walking alone?) se demande-t-elle dans « Waiting for God », et elle semble croire aux divisions entre les sexes simplifiées à l’extrême dans « The Men Who Rule the World », alors que les démagogues détruisent l’idée que la bigoterie et la corruption sont l’apanage de la gent masculine.

Pourtant, les observations sociopolitiques de Manson résonnent lorsqu’elles sont formulées en termes plus opaques ou plus ambigus, comme sur l’inquiétante « A Woman Destroyed ». Et la musique du groupe semble plus fraîche lorsqu’elle s’aventure dans les recoins étranges et sombres de la pop industrielle qu’il a explorée de manière plus approfondie sur Strange Little Birds. « This City Will Kill You » est une ballade orchestrale pesante, un thème de James Bond qui met en valeur le côté plus doux et la gamme supérieure de la voix polyvalente de Manson, tandis que le sujet plutôt direct de « Waiting for God » se voit conférer un contexte d’un autre monde grâce à des claviers fantomatiques et une batterie régulière et méthodique qui ponctue les récits familiers d’injustice raciale de la chanson.

Des chansons comme celles-ci ainsi que « The Creeps », un rocker frénétique dans lequel Manson se souvient d’avoir trouvé un poster de Garbage dans une boîte à rabais le jour même où elle a appris qu’Interscope Records l’avait abandonnée en tant qu’artiste solo, montrent clairement que le groupe a encore quelque chose à dire sur l’état du monde. No Gods No Masters souffre d’un peu trop d’idées et d’excursions stylistiques, mais dans un secteur où l’immobilisme est synonyme de mort certaine, son approche éclectique témoigne du refus de Garbage de simplement exploiter le même terrain sonore encore et encore pour un profit facile.

***1/2


Bachelor: « Doomin’ Sun »

29 mai 2021

Bachelor est la nouvelle collaboration de deux des auteurs-compositeurs indie les plus expressifs et les plus acclamés de ces dernières années : Melina Duterte de Jay Som et Ellen Kempner de Palehound. Les fans ont sans doute déjà compris qu’il s’agissait d’un mariage parfait. Après tout, les projets de collaboration ont quelque chose de spécial. La rencontre de divers instincts créatifs peut faire apparaître de nouveaux angles dans la musique d’un artiste et repousser les limites stylistiques dans des directions inattendues. Mais même parmi les partenariats d’écriture de chansons, Duterte et Kempner ont quelque chose d’unique : une amitié florissante qui porte leur alchimie créative. Ensemble, cette amitié fait de Bachelor et de leur premier album, Doomin’ Sun, non seulement le nouveau projet des poids lourds de l’indie, mais aussi quelque chose de vraiment spécial.

Bachelor s’inscrit, à certains égards, dans la lignée d’autres collaborations indé de haut niveau, comme BUMPER (Michelle Zauner de Japanese Breakfast et Ryan Galloway de Crying) et Better Oblivion Community Center (Phoebe Bridgers et Conor Oberst). Duterte elle-même a également contribué à la tendance, en rejoignant son ami Justus Proffit pour un EP en 2018 et sa partenaire, la bassiste de Chastity Belt Annie Truscott, pour un EP plus tôt cette année sous le nom de Routine.

Pourtant, alors que dans une collaboration comme Better Oblivion Community Center une partie de l’attraction est de voir comment deux artistes différents s’accordent, Bachelor retient moins la surprise. Kempner et Duterte agissent presque comme des miroirs stylistiques, mêlant leurs styles de manière instantanée et transparente. C’est comme si les deux artistes écrivaient ensemble depuis des années. Les guitares sinueuses et les voix de fausset de Palehound prennent le dessus sur « Sand Angel » et la touche country de « Sick of Spiraling ». En même temps, « Went Out Without You » et « Moon » portent les traces du style de production brumeux de Jay Som et des mélodies en écho dès les premières notes. Ensemble, les deux artistes réalisent une synthèse de styles sans effort, soutenue par une chimie mutuelle sans effort.

D’une certaine manière, le disque semble moins lourd et moins réfléchi que le travail solo du duo, peut-être en raison des sessions d’enregistrement spontanées. Après tout, le disque a été écrit et enregistré à la volée en moins de deux semaines, alors que le duo partageait une location à Topanga, en Californie. Des petits moments comme le badinage en studio qui ouvre « Anything At All » (« Today is vocal day, not horny day ») ont la même énergie qu’un projet de groupe à l’école primaire où vous et votre meilleur ami traînez toute la journée sans rien faire.

Mais pour Bachelor, c’est clairement le contraire. En fait, le groupe semble désinhibé, prêt à se lancer dans du rock indé explosif et noueux, des ballades austères, des passages ambiants inquiétants et des morceaux acoustiques dépouillés. Cette approche insouciante donne lieu à des moments d’une réelle intensité cathartique lorsque le duo se lâche vraiment. Le pastiche des Pixies que le duo déploie sur « Stay in the Car » atteint un sommet de théâtralité avec des guitares distordues, mais le groupe ne fait que surpasser l’instrumentation sauvage du morceau quelques chansons plus tard avec l’apogée viscérale de « Anything At All ». Au moins en termes d’indie rock décomplexé, la synthèse des styles du duo n’a jamais sonné aussi fort.

Mais cette ouverture d’esprit qui est à la base de l’album permet également de déterrer des moments de douleur honnête. « Spin » et « Doomin’ Sun » pointent vers l’anxiété climatique avec un esprit sombre et mordant : « Nous avons donné nos corps aux oiseaux et aux abeilles / Et maintenant ils tombent du ciel / Par trois » (We gave our bodies to the birds and bees/And now they’re falling from the sky/In threes). Ailleurs, le duo raconte des histoires éminemment pertinentes sur l’introversion anxieuse des gays dans « Went Out Without You » : «  Je suis sortie sans toi… J’ai essayé de me faire de nouveaux amis mais j’étais trop embarrassé/Quand j’y suis allée seule. » (I went out without you…Tried to make new friends but/I was too embarrassed/When I showed up there alonee) et sur les problèmes de santé mentale dans « Sick of Spiraling ». Mais ces moments plus sombres ne font qu’ajouter à l’écrasante sensation de catharsis qui se cache derrière ce disque, un épanchement presque thérapeutique réalisé avec le soutien étroit d’amis.

Melina Duterte et Ellen Kempner ne manquaient déjà pas d’éloges avant la création de Bachelor. Ce qu’elles ont accompli avec Doomin’ Sun est donc d’autant plus impressionnant, offrant un travail à la hauteur des meilleurs efforts séparés du duo et mariant aisément leurs différentes approches du rock indépendant. Parfois, les duos d’auteurs-compositeurs sont célèbres autant pour leur conflit que pour leur collaboration. Ce n’est pas le cas de Bachelor, car l’amitié et l’alchimie créative palpable entre Duterte et Kempner sont à la base de certaines de leurs meilleures productions à ce jour.

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Death From Above 1979: « Is 4 Lovers »

29 avril 2021

Cela fait dix-sept ans que Death From Above 1979 a sorti son premier album, You’re A Woman, I’m A Machine. Cependant, étant donné l’état du monde aujourd’hui par rapport à 2004, cela pourrait aussi bien faire un opus marquant le millénaire duo torontois a toujours existé hors du temps, créant un dance-punk matraqué qui ne ressemblait en rien au rock garage et au revival post-punk qui dominaient la culture à l’époque de leur création. Ils ont toujours été plus modernes, plus conflictuels et étrangement plus sexy que leurs pairs en vestes en jean et cravates fines, maniant une palette sonore plus redevable à Lightning Bolt et à la musique house française qu’à Gang Of Four et Joy Division.

Des divergences créatives ont conduit le duo à s’épuiser avant de s’éteindre, se séparant un an seulement après la sortie de leur premier album. Depuis leur réunion en 2011, cependant, Death From Above 1979 est en pleine forme. The Physical World, sorti en 2014, a élargi leur champ d’action tout en conservant le plaisir de la fête, et avec Outrage ! Is Now (2017), ils ont réduit leur son à sa plus simple expression, créant quelque chose de plus sombre, plus lourd et plus cynique qu’ils n’avaient jamais réussi auparavant.

Is 4 Lovers barque ce début d ‘année 2021, dans un monde grouillant d’angoisses et de contradictions. Death From Above 1979 parvient à exploiter cet étrange état de fait avec un enthousiasme impressionnant, basant une grande partie des paroles du disque sur les complexités foisonnantes de l’existence contemporaine. « Glass Homes » contrecarre les accusations de cynisme en scandant que « il y a de la magie dans le monde, crois en quelque chose ou ça ne tourne pas » (but there’s some magic in the world, believe in something or it doesn’t turn), tandis que « Mean Streets » s’en prend à la masculinité et aux « jeunes egos fragiles » ( fragile young egos).

Le commentaire social de « Outrage ! Is Now » a fait sourciller quelques personnes, tout comme l’amitié supposée du bassiste Jesse Keeler avec le fondateur des Proud Boys, Gavin McInnes (Keeler a depuis clarifié qu’il s’oppose avec véhémence à l’idéologie des Proud Boys, et n’est plus ami avec McInnes), et en général la perspective de Death From Above 1979 est celle de la vraie neutralité, jetant des regards provocateurs, sinon particulièrement profonds, sur notre paysage social sauvage. L’absence de prise de parti ne manquera pas d’en agacer plus d’un, de la dénonciation des élites de la ville dans « N.Y.C. Power Elite Parts 1 + 2′ »( ou »‘Glass Homes ».

La quantité de contenu politique n’est qu’une distraction mineure. On peut se demander si Death From Above 1979 n’avait pas besoin d’y aller aussi fort, étant donné qu’à leur meilleur, comme sur le classique des débuts « Romantic Rights » et sur les titres plus récents « White Is Red’ et ‘All I C Is U & Me », les cœurs romantiques battants du duo offrent des perspectives plus intemporelles et poignantes que leurs coups de gueule satiriques sur la culture moderne. Il y a aussi une touche de contradiction en jeu ; le duo semble vouloir se présenter comme des observateurs neutres qui regardent le chaos se dérouler, mais ils ont aussi beaucoup de choses à dire.

Is 4 Lovers n’est pas le meilleur album de Death From Above 1979. En fait, c’est probablement leur plus faible. Cependant, il possède toujours une grande partie du charme fougueux qui a fait de Jesse Keeler et Sébastien Grainger des héros cultes à l’origine, avec ses riffs fuzzy, ses grooves dansants et sa joie de vivre contagieuse, même si elle a été compliquée par les innombrables complexités de ce nouveau monde étrange.

***1/2