Spector: « Now or Whenever »

11 janvier 2022

Now or Whenever est le premier album studio de Spector en six ans, et il valait vraiment la peine d’attendre. Sorti sur le propre label du groupe, Moth Noise, les réflexions et les moments instantanés de l’album créenten effet un désir de nostalgie du passé. Mais n’ayez crainte, l’obscurité de cet album est compensée par des éclats ensoleillés de guitare électrique et des paroles infectieuses que les fans toujours fidèles de Spector chantent sans doute mieux lors d’un concert.

L’ouverture du disque, « When Saturday Comes », s’enfoncera dans la réverbération et les cordes traînantes, imitant le sentiment d’anticipation dans une foule lorsque les lumières s’éteignent. Jusqu’à ce qu’éclate le premier « single » du LP ,  « Catch You On The Way Back In », une explosion de guitare électrique hurlante rapidement rejointe par une batterie head-banger. La voix caractéristique du frontman Fred MacPherson est chaleureuse à côté de la sonorité agressive du morceau, malgré la juxtaposition de ses paroles mélancoliques et accrocheuses. La quintessence du combo.

« No One Know Better » et « Bad Summer » seront d’autres titres classiques des géants de l’indie, avec une instrumentation live convaincante et des détails étrangement méticuleux. Il en ira de même pour « Funny Way Of Showing It », qui s’en prend à un amant peu performant refusant de se contenter d’un entre-deux – « est-ce une plaisanterie ou as-tu pris ta décision ? » (is this a wind up, or have you made your mind up ?). Un solo de guitare insolent sur le pont attire l’attention ; choisissez-moi ! soupire la chanson, et nous sommes plus qu’heureux de nous y plier.

Un côté plus doux sur le plan sonore, « Norwegian Air » offre un délice au synthé qui ressemble à la scène new-yorkaise ( le projet Black Marble), mais les paroles émotives caractéristiques de Spector restent inébranlables. Des nouvelles vagues plus électroniques arrivent avec « I’m Not Crying You’re Crying » – une réflexion au clavier, avec de l’argot Internet et les rimes parfaites du groupe. L’intérêt réside ici, un ajout frais à la discographie de Spector qui gagne en nuance.

Les auditeurs prendront une grande inspiration devant la beauté de « An American Warehouse in London » ; gardant le meilleur pour la fin, les synthés éparpillés sur le LP se cristallisent pour produire ce qui ressemble au générique de fin poignant d’un très bon film, et la conclusion parfaite pour un concert. Alors que le protagoniste réfléchit sur cette dernière piste, les auditeurs font de même, avec une guitare réverbérante et un goût merveilleusement doux dans la bouche.

Spector nous montre le côté plus doux de l’indie, tout en conservant la guitare claquante que nous avons appris à connaître et à aimer. C’est le genre d’album dans lequel il vaut mieux se glisser comme dans un bain chaud – guitare électrique pétillante, bulles d’air, et contemplation de vieilles flammes. Now or Whenever est plus un album de croissance qu’un album de spectacle, mais il a beaucoup à montrer.

***1/2


Self Esteem: « Prioritise Pleasure »

30 décembre 2021

Rebecca Lucy Taylor s’occupe de sentiments. Dans Self Esteem, elle s’accroche à une émotion – un grondement au creux de l’estomac, un sentiment de malaise persistant, une proclamation d’amour de soi pleine d’espoir – et la libère comme un meneur de jeu qui fait claquer son fouet : délibérément, avec force, et fort comme l’enfer. Taylor n’a pas de temps à perdre avec les sentiments ou même les métaphores ; sa musique est directe et va droit au but, et elle n’a jamais été aussi franche et directe que sur son nouvel album Prioritise Pleasure.

Taylor travaille depuis longtemps dans l’industrie musicale, et a notamment acquis une notoriété et une expérience en tant que moitié du groupe Slow Club. Le duo s’est dissous en 2017, mais à ce moment-là, Taylor était déjà passée à autre chose, écrivant ses propres chansons en privé et les envoyant à son ami musicien Jamie T pour obtenir des commentaires. Lorsque le premier album de Self Esteem, Compliments Please, a été dévoilé au monde en 2019, il a été ressenti comme un énorme soupir de soulagement, Taylor travaillant loin du son indie rock amical de son ancien concert et s’occupant plutôt d’approches plus abstraites, charnelles et grandiloquentes de la musique.

Si l’album Compliments Please présentait des lacunes, c’est parce que Taylor avait l’impression de ne pas encore trouver sa voix. Sur son nouvel opus, ce problème a complètement disparu ; ici, Taylor semble entièrement contrôler son environnement, sa voix et chaque mot qu’elle utilise.

Elle est effrontément directe, et dans Prioritise Pleasure, elle ne se soucie absolument pas de se conformer aux attentes. Elle dénonce les doubles standards du patriarcat sur « Hobbies 2 », qui tente de lui faire honte parce qu’elle aime le sexe : « Je ne suis qu’une humaine, et toi ? (’m only human – what are you ?) Dans « How Can I Help You », elle transforme une remarque négative (« I don’t know shit » en un appel aux armes sardonique. Avec son rythme claquant inspiré de Yeezus, le morceau éclate dans un sentiment d’alarme, comme si la phrase répétée déclenchait des cloches d’alarme et agitait des drapeaux rouges dans son visage.

Et Taylor sait comment faire fonctionner un rythme. C’est d’ailleurs ce qui vient en premier dans sa musique : « J’étais batteuse avant d’être chanteuse, donc c’est d’abord le rythme qui compte », expliquait-elle en 2019, et ici, on a toujours l’impression que la même approche est utilisée. La chanson titre utilise un rythme de club battant entre des cris de rétroaction de guitare et des affirmations d’amour de soi soutenues par le gospel. Sur « Still Reigning » et « It’s Been A While », elle plonge dans les styles R&B et même dubstep, tandis que le titre d’ouverture « I’m Fine », austère et dévastateur, utilise des grincements industriels métalliques contre un grondement de basse.

Après les rythmes, il y a les balayages constants de cordes (« J’adore les cordes », a clairement dit Taylor dans des interviews), qui accentuent la montée en puissance de la férocité mordante ou soulignent les bords plus doux de l’album (« John Elton », « The 345 », « Just Kids »).

Cependant, ce qui domine et retient votre attention presque tout le temps, c’est Taylor elle-même. Ses paroles sont honnêtes et palpables, mais aussi très directes. Lassée qu’on lui dise d’être moins elle-même et d’arrêter d’en faire trop, elle s’en prend à tous ses détracteurs en pleine figure. Elle laisse partir les ex-partenaires qui veulent s’accrocher (« I leave you unread / I don’t care how you feel about it » – Je te laisse sans lecture / Je ne me soucie pas de ce que tu ressens à ce sujet), revendique son humeur changeante et rejette toute catégorisation (« This has got nothing to do with you » – ela n’a rien à voir avec toi), et se permet de se sentir vulnérable et de faire des erreurs (« I ignored the warnings / but from that I’m learning » -J’ai ignoré les avertissements / Mais j’ai appris à partir de ça). Si Prioritise Pleasure est un album aussi percutant, c’est précisément parce qu’il manie ce pouvoir d’être trop – Taylor étant entièrement elle-même.

Prioritise Pleasure est fait de mantras, d’hymnes et de déclarations, mais au cœur de chaque chanson se trouve une leçon apprise et une histoire vécue. Quand on se concentre entièrement sur ses paroles, on se rend compte à quel point la vie d’une femme est écrasante et épuisante, mais aussi à quel point elle peut encore briser un cou avec une simple remarque désinvolte (« I’ve got more on my mind / than you have in your lifetime »). Chaque morceau contient une ligne gratifiante qui attend de vous frapper par sa puissance.

L’album peut donner l’impression d’être un peu trop long, mais c’est sans doute uniquement en raison du contraste entre la première moitié de l’album, plus brutale, et la deuxième moitié, plus vulnérable et pleine d’espoir. « The 345 », en particulier, ressemble à un hymne d’encouragement aux jeunes femmes : « Nous sommes arrivées jusqu’ici / autant continuer / il n’est pas nécessaire de suivre un plan / il suffit de vivre » (We made it this far / might as well carry on / don’t have to stick to a plan / just living).

Au centre de tout cela se trouve « I Do This All The Time », mi-hommage à Baz Luhrmann, mi-manifeste semi-directif à la Jenny Hval, où Taylor nous fait part de ses réflexions sur les pressions sociales, la culpabilité et les attentes dévalorisantes placées en elle tout au long de sa vie. Il est à la fois dévastateur et édifiant, et rassemble tous les fils des histoires de l’album en quelque chose qui n’est pas seulement le meilleur morceau de l’album, mais probablement l’un des meilleurs morceaux de l’année. Au milieu de la chanson, elle prononce le titre de l’album clairement et avec une insistance directe, ce qui est peut-être le conseil le plus simple et le plus facile à retenir : donner la priorité au plaisir. La première étape est sûrement d’écouter Self Esteem à plusieurs reprises.

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Saint Syzygy: « All of My Friends Are Sick »

27 décembre 2021

En grande partie une méditation sur la santé mentale et la stigmatisation de la maladie, All of My Friends Are Sick expérimente la représentation de la gamme et de la complexité des émotions qui jalonnent le chemin de la guérison. Créé à l’origine en tant qu’entreprise solo par Ian Hemerlein de Kwazymoto, Saint Syzygy – qui s’est transformé en un groupe complet avec Jake Cooper, Alex Nicholson et Tyler Ryan – offre un espace pour essayer différents styles. Le premier titre de l’album commence par des chuchotements qui se transforment progressivement en beuglements mélodiques, ce qui peut être interprété comme une réponse émotionnelle différée ou une acceptation progressive de la souffrance d’un être cher.

Ce changement d’attitude s’accélère avec le morceau suivant, « She Wants to Lose Motor Function », un morceau abrasif, à la pédale, qui s’effondre brusquement en une gueule de bois mélancolique ancrée par une ligne de basse sombre. « Frown in Every Frame » s’intéresse à la relation délicate entre la productivité et la santé d’un artiste, en expliquant que les humeurs, les thèmes et les récits communiqués par la musique et l’art sont souvent des signes précurseurs de problèmes de santé mentale. Se terminant sur une note d’espoir, le dernier morceau « Okay Now What » est une mélodie douce qui transmet une acceptation radicale de la nécessité de se reconstruire.

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Desperat Journalist: « Maximum Sorrow ! »

19 décembre 2021

Si Desperate Journalist a évolué au cours de sa presque décennie d’existence, il n’a jamais sacrifié la catharsis et l’écriture de chansons saisissantes qui sont élevées sur leur stupéfiant quatrième album, Maximum Sorrow !.

Depuis leur formation en 2012 sous le nom de Desperate Journalist, Jo Bevan, Rob Hardy, Simon Drowner et Caroline Helbert ont créé une musique cathartique impressionnante. Tant sur leur premier album éponyme de 2014 que sur leur deuxième album, Grow Up, ils n’ont rien retenu de leur post-punk infusé de gothique. Leur élan vers l’avant s’est poursuivi alors qu’ils se dirigeaient vers la trentaine. In Search of the Miraculous les a vus intégrer des éléments shoegaze qui ont infusé de la luminosité dans leurs tonalités plus sombres. Cependant, ils n’ont jamais sacrifié l’essence de ce qui rend leur musique unique : la catharsis et l’écriture de chansons captivantes. Ces deux éléments sont mis en valeur sur leur nouvel opus, l’époustouflant, Maximum Sorrow !

Le quatrième album du groupe londonien est un témoignage du courage des femmes, raconté à travers un prisme qui passe de la mélancolie gothique au post-punk fiévreux. Le premier morceau, « Formaldehyde », surprend par son ton langoureux, la voix de Bevan devenant angélique sur une progression de tonalités sombres. « Quand tu seras parti, qui se souviendra de toi ? » (When you are gone, who will remember you?) demande-t-elle au protagoniste de la chanson. Une douleur persistante se fait entendre dans sa voix, comme si elle avait été laissée seule à souffrir.

Des endroits où elle a vécu aux personnes qui ont fait partie de sa vie, la misère entoure l’héroïne. Sur la dissonance sombre mais rugissante de « Fault », qui fait écho à un jeune U2 affamé, Bevan raconte un appartement crasseux qu’elle a occupé. Sa résidence et son quartier étaient remplis d’un désespoir qu’elle respirait chaque jour :

« Et ces complexes d’adolescents sont difficiles à battre/ Quand votre placard est rempli de défaites, de défaites, de défaites, de défaites ! / Ce n’est la faute de personne / Alors c’est la faute de tout le monde » (And those teenage hangups are hard to beat/ When your closet is piled up with defeat, defeat, defeat, defeat! / It’s no one’s fault / Then it’s everyone’s fault).

Sur le saisissant « Personality Girlfriend », le groupe adopte une approche grand écran qui fait écho à Pat Benatar à ses débuts. C’est un morceau austère mais passionnant, avec des rythmes lourds qui contrastent avec la guitare brûlante. Pendant tout ce temps, l’approche de Bevan passe de l’attrait à l’urgence. Si la chanson peut sembler être un appel à l’amour, notamment lorsqu’elle répète « Please will you love me », elle est bien plus que cela. Lorsque sa voix devient impassible, elle livre une critique mordante de la société et de la façon dont elle traite les femmes. Ce monde a condamné notre héroïne à une vie de solitude.

Même parmi ses proches, l’angoisse existe. « Fine in the Family » est porté par la guitare électrisante de Hardy et présente des variations dynamiques allant du shoegaze au power rock explosif. Ces changements capturent la déception de ne pas être à la hauteur des attentes des parents. Ou est-ce l’hymne du mouton noir de la famille ? Sur le morceau gothique-pop « The Victim », Bevan chante une personne qui a toujours joué le rôle de victime. Guidée par la basse tendue de Drowner, elle demande : « Un autre appel à propos d’un casting, qui laisserez-vous entrer ? » (Another casting call, who will you let inside?) . Pendant ce temps, l’étourdissant « What You’re Scared Of ? » est une ode à l’innocence perdue à jamais. C’est le coucher de soleil final livré de manière écrasante alors que ses tonalités évoluent de la tranquillité au tonnerre.

Toutes les chansons de Maximum Sorrow ! gravitent autour de sa pièce maîtresse, « Everything You Wanted ».  Ce chef-d’œuvre épique est l’élévation de Desperate Journalist à la perfection. C’est un mélange de l’éclat gothique de The Cure, du disco-punk exaltant de Blondie et des crochets hyméniques de Wolf Alice, enveloppé dans un linceul de noirceur inéluctable. Chaque mot prononcé par Bevan est dévorant, car elle chante notre quête collective de sens et de but. Au cœur de son récit se trouve l’artiste et interprète Kevin Bewersdorf, qui est passé de la promotion de sa marque Maximum Sorrow à l’effacement de sa présence en ligne. Mais il n’est pas le seul à réaliser que « vous ne serez jamais tout ce que vous vouliez » (you’ll never be everything you wanted) tout en essayant de combler « le vide où vous êtes né » (the emptiness you were born).

Cette quête sans fin de sens est juxtaposée dans et entre « Armageddon » et « Utopia ». La percussion d’Helbert crée l’urgence saisissante dans le premier moment du morceau. « Armageddon » s’ouvre ensuite sur la guitare d’Hardy, qui se mêle à un synthé scintillant. Un optimisme inattendu se dégage du morceau, y compris de la voix de Bevan qui chante « Armageddon is coming / So near ». Elle compte les jours comme l’héroïne qui anticipe le début de sa seconde vie. Ou peut-être se réjouit-elle de la fin des temps, telle qu’elle est décrite dans les derniers instants de la chanson ?

« Utopia » possède un caractère austère et hymnique qui tient à la fois de la renaissance et des derniers sacrements. « Bourré comme d’habitude / As-tu trouvé quelque chose de beau ? / Is this utopia ? » (Drunk as usual / Did you find something beautiful? / Is this utopia ?), chante Bevan dans une atmosphère de synthétiseur. La souffrance a pris fin, mais un nouveau voyage a commencé. Que ce soit ici ou dans une autre vie reste un mystère, mais l’esprit de notre héroïne vit toujours.

Il vit au sein de Jo Bevan (voix), Rob Hardy (guitare), Simon Drowner (basse) et Caroline Helbert (batterie). À l’instar des femmes auxquelles il rend hommage, Maximum Sorrow ! est un témoignage de la force du groupe et de sa quête sans fin de pertinence. Desperate Journalist a créé un autre album remarquable qui captive du début à la fin.

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Hen House: « Equaliser »

29 novembre 2021

Pour ceux d’entre vous qui n’y ont pas prêté attention, Hen Hoose est un collectif composé de quelques-unes des meilleures musiciennes que l’Écosse a à offrir et Equaliser est leur premier album. Le disque s’ouvre sur le récent « single », « Monochrome », une collaboration entre Emma Pollock et Pippa Murphy, qui a un joli son indie nous faisant penser aux Long Blondes, aux Raincoats et à Lush. Dans « Just Be Real », Pippa Murphy fait équipe avec Rachael Swinton pour un titre plus feutré et sulfureux, aussi honnête que somptueux. 

La charge de ce collectif a été menée par Tamara Schlesinger, que vous connaissez peut-être mieux sous le nom de Malka, et ‘ »These Are The Nights » la voit s’associer à Karine Polwart pour une rompue alt-pop typiquement tropicale mais sombre. La basse 80s de « The Best Is Yet To Come » fait, elle, appel à Amandah Wilkinson et Carla J. Easton pour travailler avec Schlesinger sur un morceau qui serait parfait dans un film de John Hughes sur l’émancipation des femmes face à la misogynie capitaliste – pensez à Working Girl mais avec plus de néon.

Le ton baissera sur « Revolution Retribution », où Wilkinson s’associe à Jay Puren pour une mélodie plus sombre et des paroles rappées qui vous entraînent instantanément dans leur univers. Elisabeth Elektra et Susan Bear font équipe sur « Hush Hush », une mélodie glaciale avec des notes de basse lunatiques et une ambiance à la Sia et Goldfrapp, tandis que « Go Easy » ramène Polwart aux côtés de Bear pour une ode délicate et folklorique à l’attention portée à soi et à la gentillesse – c’est absolument magnifique. Un autre « single », « The Bliss », voit Schlesinger faire équipe avec Inge Thomson sur un morceau impavide et éthéré, aussi atmosphérique que captivant avec ses collections de rythmes, de sons et de mélodies fragmentées. 

La belle ballade dramatique qu’est A Change In The Light » de Sarah Hayes et Pippa Murphy est le genre de chanson déchirante propre à rendre Adele jalouse et « Make It Alright » est un morceau triste au piano de Hayes et Elektra qui tire le meilleur parti des vibrations synthétiques des années 80. L’avant-dernière chanson est « Outrun You » de Wilkinson et Thomson avec un vrai sens de la pop outsider pleine d’excentricité et de charme. Le dernier titre, «  Burn It All « , écrit et interprété par Thomson et la regrettée Beldina Odenyo, est une douce mélodie au piano qui grandit et se transforme en un morceau de musique épique. Cet album était destiné à mettre en valeur le talent féminin écossais actuel et à donner de la force et de l’espoir à celles qui suivront. Tragiquement, cet album est maintenant aussi un testament au passé et au talent perdu de Beldina Odenyo, mais il y a encore de l’espoir – il y a toujours de l’espoir.

***1/2


Mess Esque: »Mess Esque »

15 novembre 2021

Mick Turner et Helen Franzmann auraient pu choisir un nom plus approprié pour leur projet commun car la musique de Mess Esque est tout sauf « désordonnée » (messy), mais en substance, les amis de la chanson indépendante bien élevée obtiennent exactement ce qu’ils attendent du guitariste et artiste solo de Dirty Three, Mick Turner, avec un gros bonus sous la forme de contributions vocales de sa compatriote, la compositrice Helen Franzmann (qui a sorti trois albums sous le nom de Mckisko ces dernières années).

Déjà sur son dernier album solo, Don’t Tell The Driver, le musicien instrumental jusqu’alors orthodoxe a dévié de son dogme et a travaillé non seulement avec un groupe et des cuivres mais aussi avec des chanteurs. Cette fois, cependant, il a voulu aller plus loin et travailler sur les chansons en collaboration avec un autre auteur. Comme Mick vit à Melbourne et Helen à Brisbane, ils étaient censés se rencontrer pour lancer le processus, mais ils l’ont programmé pour 2020.

Ainsi, les enregistrements sont devenus un va-et-vient interactif, mais séparé dans l’espace, Turner et Franzmann façonnant ensemble le matériel selon le principe musique-chant-révision-chant-révision, etc. Cela a conduit à un résultat remarquablement organique – qui ne laisserait jamais supposer que les deux acolytes ne se sont pas rencontrés en personne avant la fin du travail.

De quoi s’agit-il ? Les accords de guitare de Mick Turner, presque tendrement caressés, au ralenti, ont servi de base à partir de laquelle Helen a cherché des équivalents vocaux – parfois sans, parfois avec des mots – que Mick a ensuite pris en compte en conséquence lors de la révision et a adapté la musique pour sa partie. Le fait que l’ensemble ne sonne pas comme un disque de Dirty Three sans violon mais avec des voix est dû au fait quele duo a trouvé le chemin de structures de chansons étonnamment mélodiques et harmoniquement intéressantes malgré le point de départ improvisé (même si elles ne sont pas toujours résolues ou conclues de manière cohérente). Avec des protagonistes aussi empathiques, il n’est pas nécessaire de s’inquiéter du contenu émotionnel de l’ensemble de l’histoire.

***1/2


The War On Drugs: « I Don’t Live Here Anymore »

26 octobre 2021

Sur leur cinquième album, I Don’t Live Here Anymore, The War on Drugs s’appuient sur la grandeur qu’ils ont conservée sur Lost in the Dream en 2014 et A Deeper Understanding en 2017. L’album affiche la fascination du groupe pour le rock des années 80, mais là où leurs dernières sorties brouillaient les refrains springsteeniens sous des couches de guitares et de synthétiseurs psychédéliques et, à cet égard, ce nouvel opus place ses accroches vibrantes au premier plan.

« I Don’t Wanna Wait », l’un des titres phares de l’album, est une véritable « power ballad », avec la voix du frontman Adam Granduciel qui émerge d’une mare de distorsion pour se briser en une clarté exaltante sur des claviers sans artifice. La chanson titre n’est pas moins éblouissante, sur laquelle Granduciel est rejoint par les membres du groupe indie-pop de Brooklyn Lucius pendant le refrain de la chanson : « Nous marchons tous seuls dans une obscurité qui nous appartient » (We’re all just walkin’ through the darkness on our own).

Sur « Wasted », un synthétiseur aigu et une guitare électrique grattée de façon spectaculaire viennent renforcer la voix de Granduciel, lourdement réverbérée. The War on Drugs a enregistré de nombreuses chansons longues et ambitieuses, parfaitement adaptées à un long road trip, mais « Wasted », qui bénéficie d’un rythme vif et agile, semble plus audacieux et plus excitant que tout ce que le groupe a produit jusqu’à présent.

De même, le dense et luxuriant « Harmonia’s Dream » ressemblera à l’apogée de tout ce que War on Drugs fait si bien, empilant toujours plus de guitares, d’orgues et de synthétiseurs perçants, en revanche,« Victim » se traîne sur une ligne de basse basse et tendue, tandis que la voix haletante de Granduciel se perd dans un brouillard de guitares caustiques. La myriade de pièces mobiles de ce dernier morceau, qui virevoltent et bourdonnent dans un synchronisme saisissant, est particulièrement impressionnante à voir.

« Living Proof »,à l’inverse, est dépouillé jusqu’à l’essentiel. Les mélodies de Granduciel sont prononcées comme s’il commençait une phrase qu’il n’avait pas l’intention de terminer, ce qui conduit à un solo de guitare intermittent qui s’interrompt également. Bien que lThe War on Drugs adoptent une approche un peu plus directe sur I Don’t Live Here Anymore que par le passé, ils trouvent toujours de nouvelles façons de s’engager dans des arrangements complexes. Le résultat est un savant dosage d’hymnes pop-rock accessibles et de paysages sonores expérimentaux.

***1/2


Biffy Clyro: « The Myth of the Happily Ever After »

19 octobre 2021

Biffy Clyro a déclaré dans des interviews que leur nouvel album The Myth of the Happily Ever After est une réaction à leur précédent disque A Celebration of Endings et aux circonstances inhabituelles de sa sortie : pas de tournée mondiale victorieuse, l’album est sorti pendant une période de fermeture des événements live, avec des salles vides et des fans et artistes coincés à l’intérieur. 

Écrit et enregistré chez nous, en Écosse, au milieu de cette morosité, de cet isolement et de cet ennui, The Myth of the Happily Ever After arrive à un moment où nous sommes (en grande partie) en mesure d’avoir des perspectives beaucoup plus positives en termes de vie sociale et de voir nos groupes préférés en chair et en os. Sa sortie sera suivie d’une série retardée de concerts « underplay » à travers les îles britanniques, qui verront les Biff jouer dans des salles beaucoup plus petites que les enormo-domes qu’ils remplissent habituellement.

Avec l’imposant et changeant « Unknown Male 01 », qui passe de l’orgue et du chant choral au métal démoniaque, les attentes étaient élevées pour ce qui pourrait être considéré comme un disque bonus de Celebration of Endings de l’année dernière. Sans vouloir insister sur ce point, il semble important de contextualiser les origines de ce disque étant donné l’histoire des sorties de déclarations de Biffy (voir le tentaculaire double album Opposites en 2013). Pour faire simple, si le leader Neil et la section rythmique James et Ben Johnstone n’avaient pas été enfermés à l’intérieur, loin de la scène, nous n’aurions pas ce nouvel album entre les mains. Sur le plan lyrique, The Myth of the Happily Ever After est une capsule temporelle des étranges limbes qui ont caractérisé une grande partie des dix-huit derniers mois.

Le morceau d’ouverture « Dum Dum » nous demande de nous remémorer avec colère la réponse du gouvernement britannique à la pandémie en avril 2020, alors que les ministres et les conseillers ignoraient de manière flagrante les règles qu’ils nous imposaient à nous, les plébéiens, tandis que le nombre de morts augmentait. Le morceau ne fait pas vraiment tilt en tant qu’intro de l’album ; il est difficile de transformer la banalité froide et cruelle de la bureaucratie gouvernementale en un cri de ralliement énergisant.

Mais qu’importe le démarrage lent, le morceau suivant, « Hunger in Your Haunt », est une tempête, qui s’élance de manière urgente avec des voix de gang, des lignes de basse floues et un travail de guitare arachnéen qui donnent vie à ce disque, le trio se déchaînant contre leur confinement forcé. « C’est l’expression d’une pure frustration », déclare Neil dans un communiqué de presse. « Il y a eu des moments, l’année dernière, où j’avais envie de hurler à tue-tête. Je n’avais pas de but et je n’avais pas envie de sortir du lit pendant un certain temps, et cette chanson est un appel au réveil pour moi-même. Il faut avoir le feu au ventre, se lever et faire quelque chose, parce que personne ne va le faire pour vous. C’est comme un mantra d’auto-motivation ».

Pour l’essentiel, Neil et les frères Johnstone exploitent ce feu à travers ces onze titres. « Deniers » est un tourbillon de bruit, qui maintient le niveau d’énergie, tandis que « Separate Missions » » est une exploration du design sonore, avec une ligne principale criarde qui se réverbère, s’écoule et se replie sur elle-même. S’agit-il d’une guitare, d’un clavier, d’un violon traité, ou d’un nouvel instrument surnaturel ?

« Witch’s Cup » est un véritable point culminant, les cuivres grandiloquents et la mélodie des Beach Boys prenant le pas sur le rock, ne serait-ce que pour quelques minutes. C’est un moment de joie et de nouveauté d’un point de vue musical et c’est la pièce maîtresse de l’album. Certains morceaux ressemblent davantage à des chutes de Celebration, mais les meilleurs moments de l’album, « Witch’s Cup » » et la métamorphose de «  Unknown Male 01 » , se suffisent à eux-mêmes.

Comparé à leurs derniers albums studio, la production peut sembler un peu boueuse, les guitares n’étant pas tout à fait tranchantes avec ce tranchant de rasoir qui fait la renommée de Biffy ; mais pour en revenir à notre vieil ami nommé « contexte », il ne faut pas s’étonner qu’une grange Ayrshire convertie ne sonne pas aussi bien que des mois passés à bricoler des cadrans dans un studio de haute sécurité de Los Angeles. Alors que les derniers rugissements de «  Unknown Male 01 » annoncent la fin de l’album, « Existed «  offre le moment de légèreté désormais obligatoire qui figure sur chaque sortie de Biffy. Ils changent la formule en troquant les cordes pour une programmation staccato, des synthés inquiétants et un refrain final aboyé, trouvant ainsi une nouvelle niche dans l’œuvre des ballades de Biffy. « Slurpy Slurpy Sleep Sleep » poursuit cette expérimentation, avec des voix multipistes et des synthétiseurs à ondes carrées pour une conclusion expansive et aventureuse de l’album, qui fait écho à la conclusion progressive de « Cop Syrup » dans A Celebration of Endings. Un chœur céleste de Simons en couches numériques nous exhorte à « Ne gaspillez pas votre vie, aimez tout le monde » (Don’t waste your life, love everybody) avant qu’une frénésie rythmique propre à Biffy ne vienne mettre un terme à l’album.

Bien que The Myth of the Happily Ever After ne représente pas un nouveau sommet créatif pour Biffy Clyro, c’est un album solide et parfois captivant, avec des arrangements merveilleux qui orientent le groupe dans de nouvelles directions. Ce qui, compte tenu du contexte de l’album et de sa raison d’être (à savoir combattre l’ennui et l’inertie), justifie amplement sa sortie. Un compagnon de A Celebration of Endings, un troisième album en trois ans et un cadeau à leurs fans impatients qui n’ont pas pu les suivre en personne pendant si longtemps, avec seulement quelques chansons inessentielles ? On peut leur pardonner ça.

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Illuminati Hotties: « Let Me Do One More »

7 octobre 2021

En 2020, Sarah Tudzin s’est libérée des chaînes de son contrat de label avec Tiny Engines. Elle souhaitait se dissocier d’un label criblé de controverses en raison d’une gestion douteuse des contrats. Bien qu’elle n’ait jamais révélé ouvertement comment ces problèmes affectaient personnellement son projet Illunimani Hotties, elle a accepté un règlement en espèces avant de s’engager dans une situation potentiellement risquée. Tudzin a réagi en publiant sa mixtape Free I.H. This is Not the One You’ve Been Waiting For – un baiser d’adieu spontané et punk pour remplir définitivement son contrat avec le label. Et bien que l’on puisse penser qu’une telle sortie s’accompagne d’un bagage indésirable, Tudzin l’a abordée de la seule manière possible – avec une franchise, une force et une spontanéité qui ont donné une profondeur peu commune.

Free I.H. était également trop bon pour être lié à des circonstances aussi malheureuses. C’est exactement ce que l’on attend de l’auteur-compositeur-interprète, du producteur et de l’ingénieur du son chevronnés, dont le vaste éventail de crédits comprend tout, des chouchous de la critique indie (Slowdive) aux mégastars de la radio (Logic). Pris entre tous ces drames, Tudzin travaillait depuis 2018 sur ce qui allait finalement devenir sa deuxième sortie à part entière. L’album Let Me Do One More, intitulé avec humour, reste fidèle à la promesse autoproclamée de Tudzin de livrer « all riprs and no more skiprs » (déchirer tout et ne pas chercher à l’éviter) – débordant d’une énergie joyeuse qui donne l’impression d’être aussi confiant que puissant. L’album est une déclaration puissante venant d’une savante pop qui améliore ses compétences en matière d’écriture derrière des chansons d’une simplicité trompeuse.

Depuis son premier opus, Kiss Yr Frenemies, Tudzin a tendance à trouver de l’humour et du cœur dans les situations les plus délicates. Elle mélange son point de vue unique avec une certaine joie de vivre qui est indéniablement amusante et contagieuse. Il n’est donc pas surprenant de l’entendre déborder d’énergie estivale sur des surf rockers ensoleillés comme Pool Hopping, sur lequel Tudzin garde ses options en passant d’un garçon à l’autre, pour ainsi dire. Mais Pool Hopping est relativement simple comparé à la dissonance atonale de « MMMOOOAAAAYAYA », qui, à la manière des Pixies, voit Tudzin chanter une phrase non séquentielle après l’autre sur un crochet mélodique doux mais déchiqueté. L’embarras des richesses est tel que, une fois que la power-pop délicieusement astucieuse de Knead et Cheap Shoes vous a frappé avec la nostalgie de l’époque de l’album bleu de Weezer, certains ont été inévitablement relégués à des coupures profondes.

Mais Tudzin, auteur-compositeur et interprète polyvalent, parvient à rassembler cette palette de sons divers dans un style thématique et cohérent. Dans beaucoup de ces chansons, aussi rauques et imprévisibles qu’elles soient, elle est ouverte à l’idée de s’imprégner de nouvelles expériences en temps réel tout en naviguant dans un monde qui change rapidement. La lente ballade « Threatening Each Other » : « Capitalism » aborde cette réalité dans plusieurs directions différentes. D’un côté, Tudzin réfléchit au vide insatiable de la culture consumériste et à la façon dont elle vous enferme dans ce cycle pour le meilleur et pour le pire. D’autre part, elle construit lentement le morceau en un crescendo doux-amer, capturant la magie d’une nuit qui semble sans fin, comme ce sentiment de s’accrocher à sa jeunesse avec des amis sur le parking de votre 7-Eleven local. Certaines de ses répliques passent pour satiriques, mais comme l’atteste la tendre berceuse acoustique » Growth », elle ne pourrait être plus sincère sur les malheurs de la vie moderne et des relations «Je suppose qu’être un adulte, c’est juste être seul / Je retourne sur le canapé / Je te laisse regarder ton téléphone / On va prétendre que c’est normal… »  (I guess being an adult is just being alone / I’ll go back to the couch / Let you stare at your phone / We’ll pretend this is normal..).

Et ainsi de suite, Tudzin équilibrant des riffs de haute voltige impeccablement produits avec des rêveries mélancoliques resplendissantes dans de nouvelles directions frappantes. À une époque où la partie « rock » du terme « indie-rock » a été réduite à sa plus simple expression, voire entièrement supprimée, elle nous rappelle qu’il existe encore des moyens de créer une résonance émotionnelle sans avoir besoin d’être aussi introspectif. Let Me Do One More oscille entre la plaisanterie et la vulnérabilité du cœur. Et bien qu’elle ait déjà fait preuve de ces qualités auparavant, Tudzin porte le poids de ces émotions d’une main de maître, acceptant le changement et découvrant les choses au fur et à mesure de ses tâtonnements.

***1/2


Suuns: « The Witness »

4 septembre 2021

Comme son titre le suggère, le thème de la vision est au cœur du nouvel album de Suuns, The Witness. La pochette présente une photographie en noir et blanc du reflet d’un homme nu allongé sur un lit, au-dessus duquel sont accrochées des images encadrées de femmes nues. C’est une image grinçante, candide et légèrement inconfortable à regarder ; en y regardant de plus près, on commence à découvrir des détails que l’on regrette d’avoir remarqués. Comme pour accompagner cette sensation, Ben Shemie répète la phrase « I’ve seen too much » (j’en ai trop vu) sur le premier morceau de sept minutes, « Third Stream ». Ce sentiment d’être dépassé par ce que l’on voit imprègne l’album comme une maladie, à l’image de l’effet de vacillement de la voix à travers lequel Shemie chante en permanence.

Alors que le EP Fiction de l’année dernière mettait en avant la distorsion et un lourd sentiment de pressentiment, The Witness est une bête beaucoup plus douce. Bien qu’il y ait beaucoup de rythmes krautrock robustes qui percent périodiquement le brouillard nauséeux des synthés, de la basse et des guitares, on sent que le groupe se retient volontairement, laissant de l’espace pour que les instruments puissent respirer et évoluer, permettant aux changements subtils de capter l’oreille plutôt que d’attirer l’auditeur avec des accroches faciles ou des jeux de sons qui attirent l’attention. À cet égard, The Witness est définitivement un album en devenir, une écoute insaisissable dont les charmes discrets définissent sa mystique – et aussi ses défauts.

Le premier « single » « Witness Protection » est facilement le moment le plus accessible de l’album, ses rythmes qui font hocher la tête sont la clé de l’attrait de la chanson, qui fait appel à une boîte à rythmes et à des percussions manuelles avant de laisser place à un beat complet. Le groupe opère une magie similaire sur le morceau de clôture de six minutes « The Trilogy », juxtaposant des arpèges de synthétiseurs kosmiques à un rythme serré, presque disco. Les grosses basses synthétiques et les coups de batterie métalliques de « C-Thru » sont remplacés par un changement de vitesse synthé-rock épique, avant que le morceau ne s’évanouisse dans un flot de sons droniques, semblables à ceux des sirènes. L’élan malveillant de « The Fix » attire également l’attention, mais le morceau s’arrête cruellement à deux minutes et demie, juste au moment où il commence à devenir plus intéressant et plus substantiel. 

Lorsque l’évolution musicale des chansons est plus subtile, il faut se pencher sur l’expérience d’écoute, ce qui peut s’avérer frustrant, surtout lorsque le résultat est faible. Sur « Timebender », l’intérêt rythmique est relégué au second plan, au profit de la guitare trémolo et de nombreux espaces chatoyants dans lesquels quelque chose d’intéressant menace de se produire, mais ne se produit jamais. « Clarity » refuse d’être à la hauteur de son titre, tissant un saxophone louche tandis que le rythme et l’orgue s’enfoncent dans la tristesse alors que « Go To My Head » sera affligé d’une lenteur qui est accentuée par les guitares incertaines et sinueuses et la voix désespérée de Shemie. 

Plus vous écoutez The Witness, plus il est difficile à saisir. On ne peut nier que son caractère insaisissable fait partie de son charme, mais il y a des moments où il semble plus évasif que fuyant, refusant obstinément de s’engager plus directement.

***1/2