James: « All the Colours of You »

11 juin 2021

James l’a encore fait ! Comme ils y sont parvenus tant de fois au cours de leur carrière, ces francs-tireurs du rock alternatif britannique ont rafraîchi et élargi leur son déjà séduisant. Il ne s’agit peut-être pas d’une réinvention, mais d’une nouvelle transformation. Ce n’est pas surprenant, car James a toujours cherché à repousser les limites et à explorer de nouvelles directions, quel que soit le genre, tant que le résultat est de la bonne musique. Et All the Colours of You, leur seizième album, répond certainement à ces critères.

Musicalement, l’ambiance du disque est résolument plus optimiste que le rock intimidant et percutant de Living in Extraordinary Times en 2018, mais les paroles contiennent tout autant de venin. Pontifiant sur le changement climatique, COVID et la politique, le frontman Tim Booth fournit son habituel commentaire cinglant, mais cette fois-ci, il est enveloppé dans l’amalgame majestueux du groupe de rock de stade hymnique et de crochets de pop alternative. L’inclusion de lignes de basse syncopées, de rythmes électroniques et d’effets sonores tourbillonnants crée un son à la fois rafraîchissant et peu familier, mais aussi fabuleusement James.

Qu’il s’agisse d’un boom de basse glissant et groovy ajouté au bon moment, d’une modulation de cadence astucieuse qui fait le pont avec une accroche pop envolée, ou d’une consonance de guitare réverbérante, James atteint l’équilibre parfait entre le dynamique et l’éthéré. En plus de la chanson titre, les chansons phares telles que « Recover », « Wherever It Takes Us » et « Isabella » sont conçues pour épater le public et encourager les chants comme « Many Faces » l’a fait lors de leur dernière tournée. L’album n’est pas exempt de défauts, cependant, car le deuxième « single » « Beautiful Beaches » ressemble à une parodie de Coldplay de seconde zone et la lenteur de  « Miss America » rate complètement la cible.

Dans l’ensemble, All the Colours of You est une expérience musicale super satisfaisante qui consolide une carrière illustre de 35 ans, prouvant que James a surmonté un nom ennuyeux et impossible à trouver sur Google en étant imprévisible, audacieux et téméraire et en créant une marque distinctive de musique rock créative aux textures riches et aux mélodies astucieuses.

***1/2


Sleater-Kinney: « Path of Wellness »

10 juin 2021

Lorsque Sleater-Kinney s’est associé à St. Vincent pour créer leur album, The Center Won’t Hold, aux lignes épurées et très stylisées, des plumes se sont rapidement hérissées dans le monde du rock indépendant. Les fans de longue date ont exprimé leur déception quant à la nouvelle orientation du groupe, la batteuse de longue date Janet Weiss a quitté le groupe en réaction, et l’album s’est avéré nettement moins populaire que No Cities to Love en 2015 (selon les classements Billboard et les services de streaming). Mais les critiques ont eu un point de vue complètement différent sur le disque de 2019, reconnaissant les chansons bien conçues et vivement écrites trouvées au cœur du LP.

Path of Wellness, leur première sortie en duo en 26 ans de carrière (et la première sans Weiss depuis Call the Doctor en 1996), semble avoir été conçu pour permettre à tous les camps de se retrouver au milieu. Le dernier album de Sleater-Kinney est la version la plus amicale et bon enfant du groupe, mélangeant généreusement des claviers superposés et des rythmes entraînants (comme le montre le titre Tune-Yards-esque) avec des voix hymniques et des guitares croustillantes (que l’on retrouve surtout sur le toujours très construit « Favorite Neighbor »).

Après quelques écoutes, il devient clair que Path of Wellness fonctionne mieux lorsqu’on le considère comme l’inverse de son prédécesseur. The Center Won’t Hold présentait un ensemble de chansons fortes, entravées par une production amidonnée, tandis que les structures diverses, aventureuses et solides de ce nouvel album contribuent à mettre en valeur une collection de chansons qui auraient pu autrement sonner molles et discrètes.

En tant que premier album entièrement autoproduit de Sleater-Kinney, des titres musclés comme « High in the Grass » et « Method » auraient bénéficié de l’aide d’un tiers en studio pour resserrer leurs mélodies légèrement sinueuses. Mais, enregistré avec un certain nombre de musiciens de Portland (ainsi qu’avec la puissante batteuse de Freezing Cold, Angie Boylan), Path of Wellness est vraiment une question de savoir où le duo emmène ses chansons plutôt que de savoir où elles commencent : « Worry with You » est incroyablement funky, ce qui en fait la chanson la plus dansante de Sleater-Kinney à ce jour ; « Shadow Town » présente une excellente ligne de guitare pulsée qui va parfaitement de pair avec les couplets tranchants du duo ; et « Down the Line » est un véritable banger classic-rock, mêlant des circonvolutions façon Deep Purple à un refrain jubilatoire qui emprunte légèrement au tube « Dancing Days » de Led Zeppelin en 1973.

En combinant les muscles non contaminés de The Woods (2004) avec les sensibilités indie branchées de leurs premiers albums, Sleater-Kinney a finalement réussi à faire de Path of Wellness un album qui plaît à tout le monde.

***1/2


Garbage: « No Gods No Masters »

10 juin 2021

Plus d’un quart de siècle après la sortie de leur premier album éponyme, Garbage continue de maintenir son identité musicale distincte tout en apportant de subtiles déviations à son modèle de rock électronique réputé. Ainsi, si quelques chansons du septième album du groupe, No Gods No Masters, reprennent le noir industriel tentaculaire du Strange Little Birds de 2016, elles remplacent en grande partie ce son par une approche plus lisse et plus animée, illustrée par le morceau d’ouverture accrocheur et politiquement chargé, « The Men Who Rule the World ».

La chanteuse Shirley Manson a cité Roxy Music comme la muse du groupe pour No Gods No Masters, mais Depeche Mode est un analogue plus évident, en particulier sur « Godhead », qui comporte un riff de guitare sinueux, façon Martin Gore et évoque également la courte période glam de Marilyn Manson, tout comme « Anonymous XXX », un pastiche de percussions d’inspiration latine, de brefs éclats de guitare acoustique, et de synthés criards. La chanson titre et « Flipping the Bird » démontrent le talent de Garbage pour la pop, cette dernière évoquant la fusion post-punk et synth-pop de New Order avec un refrain propulsif qui leur est propre.

Les comparaisons avec Beautiful Garbage, sorti en 2001, sont également inévitables, mais les chansons de No Gods No Masters sont plus âpres, plus furieuses, et exploitent spécifiquement le tumulte personnel et social de ces dernières années. Le capitalisme, la misogynie et la suprématie blanche sont autant de sujets de mépris pour Manson, même si ses évaluations sont parfois trop littérales ou reposent sur des dichotomies faciles entre le bien et le mal. « Elle sourit aux feux d’artifice qui illuminent le ciel tandis que des garçons noirs se font tirer dans le dos, ont-ils été pris en train de faire du vélo ou sont-ils coupables d’avoir marché seuls ? » (Smiling at fireworks that light all the skies up/While black boys get shot in the back/Were they caught riding their bike?/Or guilty of walking alone?) se demande-t-elle dans « Waiting for God », et elle semble croire aux divisions entre les sexes simplifiées à l’extrême dans « The Men Who Rule the World », alors que les démagogues détruisent l’idée que la bigoterie et la corruption sont l’apanage de la gent masculine.

Pourtant, les observations sociopolitiques de Manson résonnent lorsqu’elles sont formulées en termes plus opaques ou plus ambigus, comme sur l’inquiétante « A Woman Destroyed ». Et la musique du groupe semble plus fraîche lorsqu’elle s’aventure dans les recoins étranges et sombres de la pop industrielle qu’il a explorée de manière plus approfondie sur Strange Little Birds. « This City Will Kill You » est une ballade orchestrale pesante, un thème de James Bond qui met en valeur le côté plus doux et la gamme supérieure de la voix polyvalente de Manson, tandis que le sujet plutôt direct de « Waiting for God » se voit conférer un contexte d’un autre monde grâce à des claviers fantomatiques et une batterie régulière et méthodique qui ponctue les récits familiers d’injustice raciale de la chanson.

Des chansons comme celles-ci ainsi que « The Creeps », un rocker frénétique dans lequel Manson se souvient d’avoir trouvé un poster de Garbage dans une boîte à rabais le jour même où elle a appris qu’Interscope Records l’avait abandonnée en tant qu’artiste solo, montrent clairement que le groupe a encore quelque chose à dire sur l’état du monde. No Gods No Masters souffre d’un peu trop d’idées et d’excursions stylistiques, mais dans un secteur où l’immobilisme est synonyme de mort certaine, son approche éclectique témoigne du refus de Garbage de simplement exploiter le même terrain sonore encore et encore pour un profit facile.

***1/2


Bachelor: « Doomin’ Sun »

29 mai 2021

Bachelor est la nouvelle collaboration de deux des auteurs-compositeurs indie les plus expressifs et les plus acclamés de ces dernières années : Melina Duterte de Jay Som et Ellen Kempner de Palehound. Les fans ont sans doute déjà compris qu’il s’agissait d’un mariage parfait. Après tout, les projets de collaboration ont quelque chose de spécial. La rencontre de divers instincts créatifs peut faire apparaître de nouveaux angles dans la musique d’un artiste et repousser les limites stylistiques dans des directions inattendues. Mais même parmi les partenariats d’écriture de chansons, Duterte et Kempner ont quelque chose d’unique : une amitié florissante qui porte leur alchimie créative. Ensemble, cette amitié fait de Bachelor et de leur premier album, Doomin’ Sun, non seulement le nouveau projet des poids lourds de l’indie, mais aussi quelque chose de vraiment spécial.

Bachelor s’inscrit, à certains égards, dans la lignée d’autres collaborations indé de haut niveau, comme BUMPER (Michelle Zauner de Japanese Breakfast et Ryan Galloway de Crying) et Better Oblivion Community Center (Phoebe Bridgers et Conor Oberst). Duterte elle-même a également contribué à la tendance, en rejoignant son ami Justus Proffit pour un EP en 2018 et sa partenaire, la bassiste de Chastity Belt Annie Truscott, pour un EP plus tôt cette année sous le nom de Routine.

Pourtant, alors que dans une collaboration comme Better Oblivion Community Center une partie de l’attraction est de voir comment deux artistes différents s’accordent, Bachelor retient moins la surprise. Kempner et Duterte agissent presque comme des miroirs stylistiques, mêlant leurs styles de manière instantanée et transparente. C’est comme si les deux artistes écrivaient ensemble depuis des années. Les guitares sinueuses et les voix de fausset de Palehound prennent le dessus sur « Sand Angel » et la touche country de « Sick of Spiraling ». En même temps, « Went Out Without You » et « Moon » portent les traces du style de production brumeux de Jay Som et des mélodies en écho dès les premières notes. Ensemble, les deux artistes réalisent une synthèse de styles sans effort, soutenue par une chimie mutuelle sans effort.

D’une certaine manière, le disque semble moins lourd et moins réfléchi que le travail solo du duo, peut-être en raison des sessions d’enregistrement spontanées. Après tout, le disque a été écrit et enregistré à la volée en moins de deux semaines, alors que le duo partageait une location à Topanga, en Californie. Des petits moments comme le badinage en studio qui ouvre « Anything At All » (« Today is vocal day, not horny day ») ont la même énergie qu’un projet de groupe à l’école primaire où vous et votre meilleur ami traînez toute la journée sans rien faire.

Mais pour Bachelor, c’est clairement le contraire. En fait, le groupe semble désinhibé, prêt à se lancer dans du rock indé explosif et noueux, des ballades austères, des passages ambiants inquiétants et des morceaux acoustiques dépouillés. Cette approche insouciante donne lieu à des moments d’une réelle intensité cathartique lorsque le duo se lâche vraiment. Le pastiche des Pixies que le duo déploie sur « Stay in the Car » atteint un sommet de théâtralité avec des guitares distordues, mais le groupe ne fait que surpasser l’instrumentation sauvage du morceau quelques chansons plus tard avec l’apogée viscérale de « Anything At All ». Au moins en termes d’indie rock décomplexé, la synthèse des styles du duo n’a jamais sonné aussi fort.

Mais cette ouverture d’esprit qui est à la base de l’album permet également de déterrer des moments de douleur honnête. « Spin » et « Doomin’ Sun » pointent vers l’anxiété climatique avec un esprit sombre et mordant : « Nous avons donné nos corps aux oiseaux et aux abeilles / Et maintenant ils tombent du ciel / Par trois » (We gave our bodies to the birds and bees/And now they’re falling from the sky/In threes). Ailleurs, le duo raconte des histoires éminemment pertinentes sur l’introversion anxieuse des gays dans « Went Out Without You » : «  Je suis sortie sans toi… J’ai essayé de me faire de nouveaux amis mais j’étais trop embarrassé/Quand j’y suis allée seule. » (I went out without you…Tried to make new friends but/I was too embarrassed/When I showed up there alonee) et sur les problèmes de santé mentale dans « Sick of Spiraling ». Mais ces moments plus sombres ne font qu’ajouter à l’écrasante sensation de catharsis qui se cache derrière ce disque, un épanchement presque thérapeutique réalisé avec le soutien étroit d’amis.

Melina Duterte et Ellen Kempner ne manquaient déjà pas d’éloges avant la création de Bachelor. Ce qu’elles ont accompli avec Doomin’ Sun est donc d’autant plus impressionnant, offrant un travail à la hauteur des meilleurs efforts séparés du duo et mariant aisément leurs différentes approches du rock indépendant. Parfois, les duos d’auteurs-compositeurs sont célèbres autant pour leur conflit que pour leur collaboration. Ce n’est pas le cas de Bachelor, car l’amitié et l’alchimie créative palpable entre Duterte et Kempner sont à la base de certaines de leurs meilleures productions à ce jour.

****


Death From Above 1979: « Is 4 Lovers »

29 avril 2021

Cela fait dix-sept ans que Death From Above 1979 a sorti son premier album, You’re A Woman, I’m A Machine. Cependant, étant donné l’état du monde aujourd’hui par rapport à 2004, cela pourrait aussi bien faire un opus marquant le millénaire duo torontois a toujours existé hors du temps, créant un dance-punk matraqué qui ne ressemblait en rien au rock garage et au revival post-punk qui dominaient la culture à l’époque de leur création. Ils ont toujours été plus modernes, plus conflictuels et étrangement plus sexy que leurs pairs en vestes en jean et cravates fines, maniant une palette sonore plus redevable à Lightning Bolt et à la musique house française qu’à Gang Of Four et Joy Division.

Des divergences créatives ont conduit le duo à s’épuiser avant de s’éteindre, se séparant un an seulement après la sortie de leur premier album. Depuis leur réunion en 2011, cependant, Death From Above 1979 est en pleine forme. The Physical World, sorti en 2014, a élargi leur champ d’action tout en conservant le plaisir de la fête, et avec Outrage ! Is Now (2017), ils ont réduit leur son à sa plus simple expression, créant quelque chose de plus sombre, plus lourd et plus cynique qu’ils n’avaient jamais réussi auparavant.

Is 4 Lovers barque ce début d ‘année 2021, dans un monde grouillant d’angoisses et de contradictions. Death From Above 1979 parvient à exploiter cet étrange état de fait avec un enthousiasme impressionnant, basant une grande partie des paroles du disque sur les complexités foisonnantes de l’existence contemporaine. « Glass Homes » contrecarre les accusations de cynisme en scandant que « il y a de la magie dans le monde, crois en quelque chose ou ça ne tourne pas » (but there’s some magic in the world, believe in something or it doesn’t turn), tandis que « Mean Streets » s’en prend à la masculinité et aux « jeunes egos fragiles » ( fragile young egos).

Le commentaire social de « Outrage ! Is Now » a fait sourciller quelques personnes, tout comme l’amitié supposée du bassiste Jesse Keeler avec le fondateur des Proud Boys, Gavin McInnes (Keeler a depuis clarifié qu’il s’oppose avec véhémence à l’idéologie des Proud Boys, et n’est plus ami avec McInnes), et en général la perspective de Death From Above 1979 est celle de la vraie neutralité, jetant des regards provocateurs, sinon particulièrement profonds, sur notre paysage social sauvage. L’absence de prise de parti ne manquera pas d’en agacer plus d’un, de la dénonciation des élites de la ville dans « N.Y.C. Power Elite Parts 1 + 2′ »( ou »‘Glass Homes ».

La quantité de contenu politique n’est qu’une distraction mineure. On peut se demander si Death From Above 1979 n’avait pas besoin d’y aller aussi fort, étant donné qu’à leur meilleur, comme sur le classique des débuts « Romantic Rights » et sur les titres plus récents « White Is Red’ et ‘All I C Is U & Me », les cœurs romantiques battants du duo offrent des perspectives plus intemporelles et poignantes que leurs coups de gueule satiriques sur la culture moderne. Il y a aussi une touche de contradiction en jeu ; le duo semble vouloir se présenter comme des observateurs neutres qui regardent le chaos se dérouler, mais ils ont aussi beaucoup de choses à dire.

Is 4 Lovers n’est pas le meilleur album de Death From Above 1979. En fait, c’est probablement leur plus faible. Cependant, il possède toujours une grande partie du charme fougueux qui a fait de Jesse Keeler et Sébastien Grainger des héros cultes à l’origine, avec ses riffs fuzzy, ses grooves dansants et sa joie de vivre contagieuse, même si elle a été compliquée par les innombrables complexités de ce nouveau monde étrange.

***1/2


The Pink Noise: « Economy of Love »

21 avril 2021

Mark Sauner, de Pink Noise, a toujours eu l’air à la fois totalement branché et mortellement ennuyé. Depuis les premières sorties du projet sur Sacred Bones, ses enregistrements de boombox ont continuellement évolué en termes d’ambition et de fidélité. Sur leur huitième album, Economy of Love, publié par Celluloid Lunch, Sauner est rejoint par une équipe d’accompagnateurs hyper-talents, dont Gabby Smith aux cuivres, Tara Desmond (The Submissives) au violon et la très demandée batteuse Simone T.B. (Partner, U.S. Girls, The Highest Order).

Chaque musicien apporte sa touche personnelle aux enregistrements, mais aucun collaborateur n’a été plus crucial pour la phase actuelle de The Pink Noise que Graeme Langdon. Comme il l’explique, Economy of Love a été « écrit par moi, principalement au clavier, après que je me sois cassé le bras et que je n’aie pas pu jouer de la guitare pendant un an environ. Par conséquent, les chansons sont toutes très directes et simples. Mark était super déprimé après notre tournée canadienne ratée, alors j’ai continué à écrire ces chansons ridiculement joyeuses en clé majeure pour compenser le désespoir croissant dans ses paroles. Donc, une grande tension, comme Television Personalities + Happy Mondays + The Fall (comme d’habitude) ».

Comme annoncé, le premier « single » de l’album, « Out of Step », est un morceau de fête pince-sans-rire qui glisse sur le dancefloor avec des synthés bruyants et des houles de distorsion à la Link-Wray. Sa vidéo, réalisée par l’artiste Emily Pelstring, met en scène Sauner et Langdon dans des mèches de couleur néon qui se transforment en images animées ondulantes, à la manière de Keith Haring et des Edison Twins. Ils ont rarement été aussi élégants, se contorsionnant devant la caméra en tenue de travail. Quand les choses deviennent bizarres, les bizarres deviennent des pros.

***1/2


New Pagans: « The Seed, The Vessel, The Roots And All »

20 avril 2021

Salué comme l’un des meilleurs groupes de guitare du pays, de nombreux scribes ont aidé à répandre la bonne parole délivrée par New Pagans in HP depuis leur « single » de 2016 « I Could Die », qui affirme la vie. Au cours des cinq dernières années, le quintet basé à Belfast a confirmé cette affirmation et bien plus encore, prenant régulièrement de l’assurance tout en amassant de nouveaux convertis à chaque sortie du groupe. Cette semaine, le nombre de leurs adeptes va certainement se multiplier comme un mogwai imbibé d’eau grâce à l’arrivée de leur très attendu nouvel album, The Seed, The Vessel, The Roots And All.

Porté par un pedigree impressionnant (des membres de Jetplane Landing, Girls Names et le groupe fondateur les méconnus Fighting With Wiredans leurs rangs), leur premier album regorge d’assez de sang et de tonnerre pour se montrer aussi exaltant que nous l’avions espéré. Le mariage du chant et de l’imagerie lugubre de Lyndsey McDougall avec l’incomparable et totalement explosive magie des tablatures de Cahir O’Doherty n’est rien de moins que magnétique et un mariage fait dans n’importe quel pays céleste auquel vous adhérez.

Racontant des histoires de maternité et de monstres de la vie réelle tout en s’inspirant de Lily Yeats (« Lily Yeats ») et de Charlotte Perkins Gilman (« Yellow Room »), leur premier album est un bâtard gothique, indie et rock qui ne manque pas de mordant. Parmi les titres les plus marquants, citons l’envoûtante ballade alternative « Admire «  et le titre «  Could Die », qui permet aux New Pagans de canaliser ce qu’on pourrait décrire comme un house-band en représentation sur le Titanic.

Des critiques ? Eh bien, six chansons de leur premier album de 11 titres figuraient déjà sur l’EP 2020 Glacial Erratic « et nous aurions préféré avoir quelques morceaux plus frais sur cet opus. Heureusement, New Pagans a encore quelques surprises dans sa manche. « Ode To None », qui s’ouvre sur un riff aux accents country avant de revenir à un territoire plus familier, voit Lyndsay montrer un style vocal plus tendre, tandis que l’effervescente « Natural Beauty’ »est presque pop punk (pensez à « Loose’ »de Therapy) plutôt qu’à des excréments auditifs comme New Found Glory).

The Seed, The Vessel, The Roots And All est un disque magnifique du début à la fin et pourrait bien contribuer à élever New Pagans au rang d’icônes dans le monde d’un rock dur assumé tel qu’il est au cours des mois à venir.

***1/2


Alex Bleeker: « Heaven On The Faultline »

7 avril 2021

Quand on est le bassiste de Real Estate, l’un des groupes d’indie-rock les plus sympathiques de ces derniers temps, que fait-on en tant qu’artiste solo ? Vous faites quelque chose de tout aussi agréable, à en juger par le premier album solo d’Alex Bleeker en six ans. Ce n’est pas rendre service à Heaven on a Faultline, car il s’agit d’une collection de sons artisanaux qui témoignent de l’intention de Bleeker de se souvenir de la musique qui l’a fait tomber amoureux de cette forme de musique. On a donc droit à un indie-rock sautillant qui rappelle Yo La Tengo, un autre groupe du New Jersey, et à un country folk qui rend hommage à Neil Young.

Et le terme « homespun » n’est pas utilisé comme un simple descripteur ici : Bleeker a initialement réalisé l’album dans sa chambre, le terminant en janvier 2020 avant que le monde ne s’embrase. Après avoir vu le cinquième album de Real Estate sortir en février dernier et avoir été avalé par la pandémie de COVID-19, il a passé le reste de l’année à essayer de communiquer avec ses fans par tous les moyens possibles, et son effort solo a enfin vu la lumière du jour.

Étant donné qu’il s’agissait essentiellement d’un disque destiné à permettre à Bleeker lui-même d’explorer ses racines musicales, le fait que les chansons se connectent à un autre auditeur témoigne de leur qualité. Il s’agit d’une promenade douce et chaleureuse à travers son histoire musicale, pleine de basse qui groove et de guitare qui tord. Des morceaux agréables sur le plan sonore, comme l’instrumental jangly « AB Ripoff » et les méandres de « Swang », abondent. Les mélodies, simples mais mémorables, viennent à Bleeker avec une apparente facilité, comme sur le vintage « Mashed Potatoes » ou le swinguant « La La La La » seule exception en sera le morceau psychédélique sale et groovy « Heavy Tupper ».

Heaven on a Faultline est un album de transitions. Sur le plan lyrique, Bleeker traite des angoisses d’un monde en mutation : « D Plus » a beau contenir des guitares carillonnantes, elle a été écrite le jour de l’investiture de Donald Trump à la présidence ; le jovial « Felty Feel » le voit réfléchir au changement climatique et à son sentiment d’impuissance face à celui-ci, marquant la juxtaposition de mots sombres et de rythmes enjoués d’une certaine passivité : » »N’en parlons pas/ A quoi bon sérieusement/ Je ne veux pas être déprimant/ Mais je ne peux rien faire » (Let’s just not talk about it/ Seriously what’s the use/ Don’t mean to be a downer/ But there’s nothing I can do).

Bleeker utilise également l’album comme un moyen de traiter ses racines géographiques. Le double succès de « Tamalpai » » (lui-même un sommet en Californie) et « Twang » sont ses réflexions sur le fait de quitter la côte Est pour la Californie ; « Je n’arrive pas à trouver le rythme » (I can’t find the rhythm), soupire-t-il sur ce dernier. Il termine l’album avec « Lonesome Call », un cri comme issu du dust bowl, un doux morceau de folk acoustique. Bleeker semble être un homme coincé entre des lieux et des sentiments : »Vous aviez un style du 20ème siècle, mais nous sommes au 21ème siècle maintenant », dit-il à un personnage dans « Mashed Potatoes » (You had a 20th century style but it’s the 21st century now), mais cela pourrait facilement être une remarque lancée à sa propre manière. Pourtant, il ne devrait pas en être autrement : alors que la musique évolue de plus en plus vers un chaos post-générique, un doux rappel des qualités des meilleurs styles musicaux du siècle dernier est le bienvenu. Bleeker ne fera peut-être jamais un disque qui soit accablant, mais ce que cette petite collection d’extraits de guitare fait, c’est vous donner envie de vous retirer dans votre propre chambre et d’enregistrer immédiatement avec cet instrument.

***1/2


Sibille Attar: « A History of Silence »

2 avril 2021

Il y a déjà eu quelques sorties d’album impressionnantes en 2021, et bien que les comparaisons soient quelque peu vulgaires, il est juste de dire que A History of Silence de Sibille Attar est à la hauteur des meilleurse d’entre eux, avec un opus qui se situe joyeusement entre le rock alternatif (presque psych) et l’électro pop, sans même vous faire considérer un instant que cela pourrait être une chose assez difficile à réaliser.

Sibille Attar a été décrite comme la e Reine de l’Indie suédois e, ce qui semble quelque peu grandiose, mais son premier album de 2013, Sleepyhead, édéployait une telle aurorité mature qu’il a été mis en exergue par tout le monde et qu’il l’a tout simplement catapultée pour qu’on lui donne ce titre – ainsi que, plus formellement, pour qu’elle soit nominée pour un Grammy suédois dans la catégorie ‘Best Newcomer ».

Mais il n’est pas facile d’être un membre de la royauté indé, tant l’attention et la clameur autour des musiciens annoncés sont grandes que beaucoup de gens dans l’industrie veulent une part iu gâteau. Il aura donc fallu attendre 5 ans avant que Sibille Attar puisse sortir une suite, sous la forme d’un EP 6 titres intitulé Paloma’s Hand, et ce n’est qu’aujourd’hui, qu’elle est à mêmem de sortir un album dans lequel elle montre qu’elle a clairement pris conscience de ce qu’elle a traversé.

Comme elle l’explique elle-même, « Pendant longtemps dans ma vie, j’ai essayé de m’asseoir dans certaines constellations pour plaire aux autres. Et ça ne marchait pas, parce que je ne pouvais le faire que pendant un petit moment avant d’être frustrée et de vouloir faire les choses à ma façon. À un moment donné, j’avais l’impression de ne pas pouvoir faire confiance à l’industrie, et cela me vidait de mon amour pour la musique. Finalement, j’ai compris que l’on ne peut pas vivre sa vie en essayant de rentrer dans le moule de quelqu’un d’autre tout le temps. »

En ce qui concerne le processus d’écriture, d’enregistrement et de mixage, elle a clairement compris qu’il y a sa façon ou pas de façon :  « Je me suis dit : merde, je n’ai pas envie de m’occuper des autres et de leurs opinions ».

Tout cela est important pour le contexte, ainsi que pour l’introduction, parce que ce sont ces chaînes du passé et cette pensée unique qui ont conduit à A History of Silence, un album qui semble si dynamique, si plein d’objectifs et si individuel, qu’on a presque du mal à trouver des comparaisons, ou alors quon ne voudrait certainement pas essayer.

Prenez le morceau d’ouverture « Hurt Me », avec un rythme de batterie explosif, des cordes entraînantes, des voix qui font écho, des phases qui s’enchaînent sans effort et un contenu lyrique qui passe du français à l’anglais, il y a certainement beaucoup de choses à se mettre sous la dent. Et si tout cela vous semble un peu étrange, ce n’est pas le cas, et la fin nous rappell d’ailleurs le premier album de Divine Comedy,  » »Promenade « , qui était également influencé par le français – écoutez « When The Lights Go Out «  et vous en aurez preuve et démonstration.

Sibille Attar a posé un cadre dans lequel elle peut faire ce qu’elle veut, mais dans « Somebody’s Watching », bien que la mélodie soit attrayante, c’est en fait le contenu du texte qui est assez clair : « Someone’s watching me… fall from the sky, face down on the pavement, fumble around in the dark, BANG my head against the wall… » (Quelqu’un me regarde… tomber du ciel, face contre terre sur le trottoir, tâtonner dans le noir, me cogner la tête contre le mur…) avec une grande emphase musicale sur le mot « bang »

Les deux points culminants de l’album viennent ensuite, car « Hard 2 Love » s’ouvre au milieu du morceau où la phrase presque monotone « maybe I’m hard 2 love » se développe soudainement avec le thème musical le plus inspiré, d’abord vocalement et ensuite instrumentalement, et prropre ainsi à rester dans la tête. « Dream State » » est encore plus mémorable, une chanson atmosphérique envoûtante qui se construit avec la plus belle section de cordes – principalement du violoncelle, ce qui lui donne bien sûr ce côté sombre et mélancolique. Sans aucun doute un candidat pour la chanson de l’année d’un point de vue émotionnel et sensationnel.

Pour ce qui est du reste, l’accrocheur « Why u looking » semble nous montrer une Sibille Attar qui se donne la réplique : « Why u looking at the past, it’s never coming back ? » » (Pourquoi tu regardes le passé, il ne reviendra jamais ?) avant d’évacuer toute sa frustration avec un bon vieux solo de saxophone, qui, ironiquement, pourrait venir directement du passé. Ensuite, après les bpercussions plus rock et puissants de « Go Hard or Go Home », plus une reprise de Madonna, l’album se termine par l’affirmation de la vie et le défi de la vie « Life Is Happening Now », un énorme hymne à l’orgue qui se termine par un bébé qui bavarde. Le message qu’il véhicule y est ton ne peut plus lair.

***1/2


Nightshift: « Zoë »

31 mars 2021

Les supergroupes ne sont pas toujours la meilleure idée. En parcourant les listes des « meilleurs supergroupes de tous les temps », seuls un ou deux nous semblent être de véritables réussites (Nick Cave and The Bad Seeds, Crosby, Stills, Nash & Young). Il y a tellement d’accidents de voiture prétentieux et de combinaisons grand public qu’il est rafraîchissant de voir arriver un groupe qui fonctionne vraiment. Nightshift, originaire de Glasgow, est composé d’un casting brillant issu de la scène underground britannique : Andrew Doig (Robert Sotelo, Order Of The Toad), David Campbell (anciennement de I’m Being Good), Chris White (Spinning Coin), Eothen Stern (2 Ply) et Georgia Harris. Compte tenu de l’exode massif de ces dernières années de Londres vers Glasgow, la ville est un creuset croissant de créatifs exceptionnels.

Formé en 2019, nous avons complètement manqué leur premier opus autoproduit l’année dernière et nous le visiterons certainement rétrospectivement.

Nightshift a assemblé Zöe pendant le confinement de 2020, enregistrant séparément dans des home studios, se passant des boucles et superposant des idées folles par-dessus. D’une certaine manière, cela semble incroyablement cohérent et très bien produit.

Le premier morceau, « Piece Together », est délicat et presque méditatif. Il tourne autour d’un simple groove de basse semblable à celui de DEUS et nous trompe quelque peu sur ce à quoi nous devons nous attendre. « Spray Paint the Bridge » est fabuleusement tordu. La séquence d’accords simple et bancale et la voix rythmée proviennent de l’école de pop de Terry. Les touches de clarinette jazzy sont fantastiques. Cela rappelle Kaputt, un autre groupe de Glasgow, mais sans le strut.

Les premiers sons de style dEUS (bien sûr, c’est juste notre cadre de référence) reviennent sur « Outta Space ». Les légères courbes et harmoniques bizarres rappellent des morceaux comme « A Shocking Lack Thereof » et « Great American Nude ».

Mais la comparaison s’arrêtera là. En effet, les voix spatiales et les grandioseseffets en pâmoison des synthés créent une sensation presque trip-hop. Et elle est subtilement ludique.

« Make Kin » est plus optimiste. Le son sale de la basse crée une texture satisfaisante dans une sorte de groove no-wave « Need New Body ». C’est le morceau le plus « in your face » jusqu’à présent et Nightshift prend alors un virage légèrement plus pop avec le morceau « Fences » de Doig. Le son y est glorieux presque baîllantet offre oujours un plaisir à entendre, surtout avec des mélodies qui rappeleront Harry Nilsson. Musicalement, il approndira alors tune sensation de jam ouverte qui se marie bien avec le reste de l’album.

« Power Cut » est une composition absolument magnifique. Le drone du synthétiseur et la section rythmique des Talking Heads s’étendent jusqu’à un merveilleux point culminant optimiste et euphorique qui comprend des mélodies feel good à la Sacred Paws, le mur de son de My Bloody Valentine et une ligne de synthétiseur triomphante des années 80 de Springsteen. La voix du refrain nous rappellera étrangement le « Prince Charming » d’Adam Ant ( !).

Il est suivi par le scintillement sinistre d’ « Infinity Winner » arboranr un soupçon de The Sea et de Cake. Les touches staccato et la superbe ligne de guitare soutiennent la voix de Doig, qui semble presque endeuillée. « Romantic Mud » est éparpillé et fusionné, à l’image de Tortoise, avec un chant presque culte et un son de synthétiseur bizarre et guêpier dans le refrain. Cette approche hachée se poursuit dans la chanson titre « Zöe ». Le rythme 5/4 devient lentement méditatif, tandis que la guitare en sourdine et le rythme de la batterie s’installent comme un hamster qui tourne constamment sur une roue.

Le chant se situe quelque part entre la beauté de Bas Jan et le plaisir chantant de Sacred Paws, déjà mentionné. Comme toutes les bonnes choses, cela doit avoir une fin, et Nightshift va, ici, ermr boutique avec le sobre et rêveur « »Receipts ».

Savoir que tout cela a été réalisé en vase clos est remarquable. Tout au long de Zöe, le groupe semble complètement en phase les uns avec les autres. Chaque chanson se développe d’une manière tellement organique qu’on a l’impression qu’elle est le produit de plusieurs sessions de jam en groupe. C’est un album vraiment spécial réalisé par un e réunion de musiciens fantastiques qui, à chaque écoute, nous immergentdavantage dans leur monde cyclique. Un must absolu !

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