Lucidvox: « We Are »

27 octobre 2020

Après une série de maxis, le premier album du groupe russe Lucidvox marque une étape importante. Lucidvox est, en effet, porteur d’une proposition intrigante. À première vue, il s’agit de quatre femmes vivant à Moscou, qui ont un jour créé un groupe à partir de rien, pour rire. Et maintenant, après quelques EPs fougueux et turbulents, elles se retrouvent à sortir leur premier album, We Are,une sortie qui n’est cependant pas une histoire de calcul préconçu, ni de mœurs commerciales de la musique. Il s’agit plutôt d’un témoignage de la façon dont la vie se déroule souvent, des éléments fortuits qui se mettent soudainement en place alors que même les acteurs eux-mêmes n’étaient pas conscients de ce qui se passait. Et We Are est littéralement cela, un disque de quatre jeunes rockeuses vivant dans la Russie moderne et essayant de donner un sens à tout cela.

Il ne s’agit pas de présenter le groupe comme des ingénues ; en tant que Moscovites, elles sont inévitablement, et de manière compréhensible, des débrouillardes. Certains membres du groupe font partie de la foule qui est devenue la caractéristique de la branche moscovite de la « Pain Generation », des fêtards nostalgiques et des fans de musique toujours à la recherche du prochain frisson culturel. Mais ce sont bien plus que des têtes de scène. Comme beaucoup de jeunes Russes, ils sont à la fois très hospitaliers et fêtards et pourtant très réservés, ou timides, peu enclins à cracher le morceau. Comme beaucoup de leurs pairs musiciens, leurs chansons traitent de sujets difficiles auxquels ils se sont habitués depuis leur plus jeune âge, des drames individuels qui éclairent les zones de transition entre la société et l’État. Comme tant d’autres groupes russes (Shortparis, Inturist, Electroforez, Mirrored Lips, Glintshake), les chansons de Lucidvox abordent ce qui est considéré comme acceptable dans la société russe moderne, que ce soit en privé ou en public. Ce faisant, ils jettent un trapèze musical glorieusement multicolore entre les états opposés (personnels) de décision et d’incertitude. Le « single » « Knife », une sombre histoire de violence domestique, est le meilleur exemple de ce type de musique, qui est animée par une étrange colle sonore faite de lignes de guitare raga et de quelques motifs de batterie insistants et légèrement jazzy. Leur musique est également construite de la manière dont vous imaginez beaucoup de choses construites en Russie ; directe, voire brutalement émoussée, mais investie d’un arrière-pays émotionnel considérable.

Bien que We Are soit reconnaissable, inéluctablement, Lucidvox pour ceux qui les ont suivies, ce disque marque un grand pas en avant pour le groupe. On l’entend dans le magnifique morceau d’ouverture, « My Little Star », une pagode luxueuse sous forme d’un morceau qui ne pourrait être personne d’autre et qui est pourtant le son d’un groupe se débarrassant de sa vieille peau créative. L’auditeur aguerri reconnaîtra un nouveau sens de la créativité et de la compréhension, de la façon dont la dynamique musicale peut mieux refléter les émotions que les groupes veulent faire passer. On peut en dire autant du « single » « Runaway », un morceau hypnotique qui évoque un problème familial que l’un des membres du groupe a eu avec l’État. « Runaway » fait montre d’une patience et une force émotionnelle jamais remarquées auparavant dans leur musique. Et c’est toujours un morceau qui s’obstrue, avec des chants et des lignes de guitare sinueuses. Le groupe semble s’être ouvert, être devenu plus heavy et pourtant plus accessible dans sa musique.

De temps en temps, la tête de fête Lucidvox, celle qui est alimentée à la vodka et qu’on peut dans un sous-sol de la vieille ville de Tallinn, fait surface. Les rockers vertigineux, « Body » et « Knife » sont de glorieux tourbillons de claquettes ; le son d’Amon Düül II rencontrant Souxsie Sioux pour une petite clope entre deux sets. Mais ils sont beaucoup plus durs, plus concentrés, et font sortir le drame pour ce qu’il vaut. Toutefois, avec We Are – et contrairement à leurs précédents EP, qui donnaient l’impression d’avoir été enregistrés sous l’effet de l’adrénaline – Lucidvox semble essayer de mettre la main sur un son qui peut faire bien plus que se faire remarquer dans les clubs de Moscou comme l’Agglomerat.

Et – contrairement à leurs précédentes incarnations, plus désordonnées – ils ont porté le rock à onze. « Amok » est une chanson si simple à bien des égards, du rythme standard à la répétition des voix en passant par les plectres de guitare Sabbath-lite. Il est intéressant de mentionner les Sabs, car vous commencez à être agacé par la combinaison de ces coups de guitare en staccato et du rythme sans cesse métallique. C’est aussi audible sur des morceaux comme « Around » et « Sirin », les guitares de milieu de gamme conduisent souvent une mélodie que les vagues incantations vocales prennent ailleurs. Même si je sens le souffle chaud et déclamatoire d’un Osbourne, je pense que certaines coupures sur ce morceau trahissent un lourd culte de C21st Sabbath. La flûte de la chanteuse Alina ajoute un peu de punch des années 70 pour faire bonne mesure.

Cette nouvelle approche, cependant, donne toujours l’impression d’être transmise par un ensemble de messages et de gestes codifiés et spécifiquement russes. D’une manière ou d’une autre, le flirt ouvert du groupe avec l’imagerie s’infiltre également dans la conscience de l’auditeur. Lucidvox prend plaisir à se déguiser, à créer et à confondre les tropes et les traditions visuelles russes. Des morceaux tels que « You Are » et « Around » évoquent brillamment cet état ; des intrigues délibérément lentes et secrètes qui fonctionnent également comme des images. La musique fonctionne comme un cinéma pour l’œil intérieur. Ce disque pourrait (si vous le souhaitez) sonoriser les photographies de danseurs prenant la pose pour les représentations d’ouverture des Rites du printemps, ou de femmes soviétiques des années 1930 peintes par Alexandre Deyneka. Ou encore les glorieux dessins de Bilibin sur le folklore slave, Kikimoras et Russalki gravés à l’encre à jamais sur le papier, vous menaçant de toutes sortes d’ennuis si seulement ils pouvaient sauter de la page. Faites votre choix. Ce ne serait pas vraiment un disque Lucidvox si ces éléments ne jouaient pas un rôle.

Lucidvox sonne comme une nouvelle venue de nulle part, un juste avertissement de choses horribles à venir. Mais comme ils enrobent le message avec douceur. Qu’ils l’aient construit ou non à ce degré, leur musique a un caractère apocalyptique, comme une sirène. Des morceaux comme « Body » et « Sever » semblent saisir le sentiment que d’énormes pans de Sibérie s’enfoncent et brûlent. Qu’ils l’aient voulu ou non n’a aucune importance, c’est un simple fait que leur son reflète l’époque. Ils sont un curieux exemple de groupe qui n’existent que comme amis et qui parviennent néanmoins à filtrer un ensemble disparate de sentiments plus larges à travers le maelström de leur musique.

****1/2


Magik Markers: « 2020 »

27 octobre 2020

The Magik Markers sont un anachronisme. Ils ne se sentent redevables à aucune tendance musicale actuelle ; on ne retrouve aucune trace du revival alt-rock des années 90 ou du pastiche des années 80 sur 2020 sur leur premier nouvel album en sept ans. Les vétérans du noise-rock de la Nouvelle-Angleterre font des gribouillis spontanés et tentaculaires aussi indéfinissables que vivifiants. On a plutôt l’impression de tomber sur le genre de choses que l’on peut trouver dans un magasin de disques, de la musique punk bricolée d’un groupe qui fait cela depuis une époque où l’on pouvait sérieusement tomber sur eux dans un magasin de disques. C’est délicieusement décalé, mais la musique de Magik Markers est intemporelle.

Appeler leur album 2020 et contextualiser leur musique dans une année extrêmement chaotique ressemble presque à une blague – un clin d’œil à l’idée que dans cette ligne temporelle, il n’y a pas de place logique pour que cette musique existe, mais elle continuera d’exister de toute façon. Le fait que les Magik Markers soient toujours là et aient un débouché pour faire leur truc en 2020 est peut-être l’une des rares bonnes choses de cette année.

Les Magik Markers ont commencé à sortir de la musique à un rythme alarmant. Ils ont commencé dans un sous-sol de Hartford en 2001 et ont sorti une longue série de disques d’improvisation difficiles à saisir qui avaient la fureur d’une fête dans un entrepôt d’art, avec un spectacle en direct rauque et interactif à la clé. Avec BOSS en 2007 et BalfQuarry deux ans plus tard, ils ont maîtrisé certains de leurs éléments les plus frénétiques. Et au fil du temps, leur production s’est considérablement ralentie. Au cours de la dernière décennie, ils n’ont sorti que deux opus : Surrender To The Fantasy en 2013 et, maintenant, 2020.

Les membres du groupe sont partis mener une vie relativement normale. Elisa Ambrogio s’est installée sur la côte ouest ; Pete Nolan est retourné à l’école pour sa maîtrise et a appris à faire de la pizza ; John Shaw s’est lancé dans l’apiculture. Leurs vies ne sont plus centrées sur la musique comme elles l’étaient autrefois. Le fait qu’ils aient une existence plus tangible semble faire partie de l’attrait des Magik Markers. Enregistrée de façon sporadique ces deux dernières années, 2020 sonne comme un événement vécu et luxueusement urgent – la musique ressemble plus à une évasion de la vie quotidienne qu’à quelque chose qui s’y définit.

Il y a quelques mois, le groupe a annoncé son retour sans prétention avec un EP bref mais gratifiant intitulé Isolated From Exterior Time : 2020, une sorte de suite à leur cassette Isolated From Exterior Time datant de 2011. Le titre ne semble que trop approprié pour un groupe qui ne se préoccupe pas de se sentir nouveau. Et en étant si éloigné des machinations générales de l’industrie, ils ont réussi à faire un album qui se sent frais et excitant. Si un groupe peut sonner comme un fanzine, alors Magik Markers est le groupe qu’il faut – tout ce qu’ils font est amoureusement cousu, coupé et collé comme un collage et ne comprend que ce qui les intéresse. Rien sur le disque n’est surchargé ou pointilleux ; il s’agit juste de trois personnes qui jouent du rock ensemble depuis deux décennies et qui font ce qu’elles font le mieux. C’est une musique très naturaliste et résolument old school.

2020 est un fouillis d’idées qui s’égarent surtout du côté du scuzzy et de l’indistinct. Ce qui lui manque en termes de cohésion, il le compense en étant constamment captivant. Il s’ouvre sur « Surf’s Up », un beach-pop langoureux qui donne l’impression que lorsqu’il commence à pleuvoir sur la plage, il faut vite remballer toutes ses affaires et partir. La chanson est livrée dans des vagues nauséesuses, s’étirant sur huit minutes alors que le groupe improvise et réclame pour trouver de nouveaux grooves dans lesquels se glisser. C’est un microcosme de l’album dans son ensemble – frémissant et se tordant à la fois, un bourdonnement prolongé qui est généralement ennuyeux mais qui a des éclats de lumière qui semblent rendre l’obscurité digne d’intérêt.

Et comme pour « Surf’s Up », le groupe ne reste jamais trop longtemps au même endroit. Chaque chanson est indépendante. « Born Dead » est un autre point fort, un magnifique balancement mélancolique et l’un des morceaux les plus calmes de l’album. C’est une vitrine pour la prestation empathique d’Ambrogio, une lettre d’amour à ses camarades du groupe et un argument en faveur du pouvoir réparateur de la musique. « Je suis née morte/ Pendant 15 minutes, je n’ai pas respiré » (I was born dead/ For 15 minutes, I didn’t breathe), chante-t-elle. « J’étais bleue/ Je suis née morte/ Jusqu’à ce que je te rencontre » (I was blue/ I was born dead/ ‘Til I met you). Ce simple sentiment est suivi de « You Can Find Me », un joyau noise-pop parfaitement décalé qui se dirige vers une raclée furieuse et semble justifier leur précédent témoignage du pouvoir de la musique. C’est le groupe qui tourne à plein régime, avec des paroles artistiques d’Ambrogio. « Marcher jusqu’au centre commercial sur Benadryl/ Regarder à travers les rideaux, pas de frissons de sommeil » (Walk down to the mall on Benadryl/ Peeping through the curtains, no sleep thrills), sont les premières paroles du groupe. « Je me tue dans une loge de Sears/ Je veux juste dormir près d’un miroir/ Je veux juste m’allonger là où tu peux me trouver » (“Kill myself in a Sears dressing room/ Just want to sleep near a mirror/ Just want to lie where you can find me).

Ce genre de poésie évocatrice se retrouve tout au long de l’album. Sur « CDROM », Ambrogio se met en mode yeux nus ou morts, où elle fait peut-être allusion à la seule collègue du groupe, sa compagne Erika M. Anderson. Au fil de la chanson, Ambrogio raconte un trip hallicinogène qui mène à de lourdes prises de conscience sur la vacuité potentielle de la vie avec des avertissements de type « Ne les laissez pas vous dire que la faim est une vertu » (Don’t let them tell you hunger is a virtue) et « Ne passez pas votre vie à tourner dans votre tombe . (Don’t spend your life spinning in your grave .

C‘est ce qui se rapproche le plus de l’éloquence de Magik Markers. La plupart du temps, ils se contentent de laisser leur musique délirante et droguée créer une ambiance avec laquelle vous vibrerez ou non. Ainsi, leur « Hymn For 2020 », qui est de toute évidence le moment décisif du disque, est le morceau le plus laconique et le plus épars de l’album. Le groupe n’a pas l’intention de faire de grandes généralisations sur l’état du monde. « Hymn » n’est pas un résumé cinglant, mais plutôt une déflation du bruit, de l’aridité du plein air et des chants de chorale lointains qui sont tous de la texture, sans signification.

En guiqee de conclusion, que sire si ce n’est que la façon dont le groupe aborde son art et sa vie échappe une fois de plus à toute catégorisation facile. Bien que l’on ait l’impression qu’il aurait pu venir de n’importe quand, 2020 sonne particulièrement bien en 2020. Peut-être qu’ils ne font que rencontrer le moment présent. Comme les gens sont plus réceptifs à la musique qui ressemble à un coup de pied au cul quand on est coincé dans un endroit sans fin apparente, Magik Markers n’a jamais sonné aussi éblouissant.

****1/2


Pine Barons: « Mirage On The Meadow »

26 octobre 2020

Certaines musiques ne peuvent être écoutées correctement que la nuit. On peut penser à Frank Oceon et Blonde. Celle de Portishead aussi, et les disques précédents du xx. On n’est jamais suis pas tout à fait sûr de ce que c’est – ces œuvres n’ont pas grand chose en commun, musicalement ou thématiquement – mais elles ne peuvent être vraiment appréciées qu’après le coucher du soleil. Il semble qu’après la tombée de la nuit, tous nos désirs secrets et nos pulsions intimes sortent pour jouer, sans être gênés par le fléau de la lumière.

Le dernier opus du groupe de rock indépendant Pine Barons, Mirage On The Meadow, vit lui aussi dans cet espace. Bien que cet album, dirigé par le chanteur-guitariste et auteur-compositeur Keith Abrams, soit peut-être un peu plus optimiste que les œuvres des artistes susmentionnés, il possède une certaine vibration qui transmet la malice nocturne et le désir émotionnel, avec une forte dose de misanthropie. Les premières lignes de l’album, tirées de l’ouverture « Fearest the Night », résument cette perspective sombre : « tester une leçon que je n’apprendrai jamais / être aveugle au mur pendant que ma tête dirige un corbillard » testing a lesson I’ll never learn / blind by the wall while my head steers a hearse). La description de leur musique comme du rock indépendant « de cimetière » (graveyard indie-rock) ne pourrait pas être plus appropriée. Sans vouloir dire que c’est bouleversant ou trop lunatique, elle porte juste un sentiment qui ne peut être compris qu’en regardant les étoiles.

Mirage On The Meadow est une lettre d’amour au rock indépendant des années 90 et 2000, un amalgame des thèmes fumants et sensuels des Arctic Monkeys, de l’instrumentation théâtrale et du chant des The Killers et de la psychédélie tourbillonnante des Flaming Lips. Sigur Rós et Tame Impala sont aussi des clin d’œil, avec des guitares qui s’envolent sur des lignes de synthétiseur pop et trippy.

En dépit (ou peut-être à cause) de ces influences très nettes, Mirage On The Meadow appartient entièrement aux Pine Barons, qui se sont forgé une identité distincte. C’est surtout grâce aux arrangements uniques d’Abrams. « Keeping Off the Road » présente une outro absolument dévastatrice, où Abrams crie «  Nous étions tous morts / Nous étions couchés dans nos lits »(We were all dead / We were lying in bed), par-dessus un mur de son massif qui se glisse derrière vous et vous frappe au visage. C’est surprenant et efficace ; avant cela, la chanson se construit lentement, avec des tambours qui martèlent vos glandes surrénales pour la pure catharsis qui vient à la fin.

Même les morceaux les plus poivrés ont un son distinctif ; « Colette » présente une contre-mélodie de guitare triste, sur fond de rythmes New Wave, tandis que le pont instrumental de « Clique Bait » est aussi dense et épais que n’importe quelle chanson Beach House. Que la chanson soit optimiste ou non, les mélodies et les voix puissantes d’Abrams sont sans vergogne, parfois joyeuses et libres, parfois tristes et déchirantes. Si vous ne ressentez pas quelque chose à la fin de « Meadowsong » (l’un des nombreux moments forts ici), alors vous êtes soit mort, soit menteur. « Quand on me trouve, je serai habillé à la mode, nu, Abrams chante sur des guitares qui tournent.

C’est un disque qui est éclaboussé de peinture phosphorescente. Il est vif et provocateur, tout en ayant des moments de beauté subtile pour souligner les énormes crochets et les raz-de-marée sonores. Mirage On The Meadow des Pine Barons est un effort phénoménal de deuxième année d’un groupe qui n’a fait que s’améliorer avec le temps, et l’un des meilleurs albums de rock à sortir de Philadelphie cette année.

***1/2


Good Sad Happy Bad: « Shades »

20 octobre 2020

Intégrant grunge, modèles bruitistes et approches avant-pop, Good Sad Happy Bad (le nouveau nom d’une version actualisée de Micachu and the Shapes, du nom de leur album de 2015) offre des rythmes et des riffs exaltants, des mélodies inébranlables et une ambiance surréaliste. Si les points de référence du groupe sont évidents, leur éclectisme sans faille donne un son transcendant, un mélange de modernité qui peut séduire des auditeurs très divers.

Après les cacophonies instrumentales et les breaks mélodieux du morceau d’ouverture, les morceaux deux à cinq de Shades se déploient comme des joyaux pop, avec des mélodies enjouées, des lignes de guitare et de basse exaltantes et des intermèdes de bruit de cor et de synthétiseur, gracieuseté de CJ Calderwood. La voix de Raisa Khan est immédiatement et durablement convaincante, sa prestation, comme celle de Trish Keenan de Broadcast, est paradoxalement cérébrale et viscérale, détachée et vulnérable, automathique et séduisante.

« This Skin » est animé par un riff de guitare répétitif mais fascinant qui évoque la face B de Nevermind. Les fioritures ambiantes de Calderwood apparaissent et disparaissent, un hommage, peut-être, aux entreprises de free jazz de John Coltrane et Ornette Coleman. L’accouchement de Khan, un drôle de mélange de chant et de parole, peut rappeler à certains auditeurs Rakel Mjöll de Dream Wife.

Sur « Reaching », la voix de Khan s’élève d’une fourmilière de guitares, de basse et de batterie déformées qui rappelle les débuts de Sleater-Kinney. « Bubble » est un retour à la virtuosité de l’avant-pop. « Continuer à chercher sans / continuer à chercher en vous » (Keep looking without / keep looking within you), chante Khan, juxtaposant l’éthique New Age et le nihilisme satirique du néo-punk.

« Il neige en août / et il fait soleil à Noël » (t’s snowing in August / and it’s sunny at Christmas), chante Khan sur la chanson titre, un hymne pop stoner ironique sur le réchauffement climatique. « Taking » est une attaque contre la dépendance du monde occidental aux produits pharmaceutiques : « Cette pilule est pour mon sang / Cette pilule est pour mon coeur / Cette pilule est pour ma confiance / Celle-ci est pour la chance » (This pill’s for my blood / This pill’s for my heart / This pill’s for my trust / This one’s for luck) Le riff moteur de « Universal » réinterprète ra à cet égard la partie de guitare de Kurt Cobain dans « Dive » la chanson un peu plus proche, en intégrant le bruit, une mélodie impeccable, une instrumentation expérimentale et le chant de Khan, qui est à la base.

Shades met en lumière un groupe aux influences diverses et la capacité à les recontextualiser de manière cohérente et convaincante. De plus, l’album présente une mélodie infectieuse après l’autre, Raisa Khan émergeant comme l’une des voix les plus intrigantes de sa génération.

***1/2


Holy Motors: « Horse »

20 octobre 2020

Créé à Tallinn, en Estonie, en 2013, Holy Motors a reçu les éloges de Pitchfork, Stereogum et Bandcamp et a joué avec des groupes comme Low. Aujourd’hui, ils s’apprêtent à sortir Horse, la suite de Slow Sundown, acclamé par la critique, sur le label new-yorkais Wharf Cat Records, en un disque toujours aussi brillant.

Eliann Tulve se plaint de la lenteur avec laquelle l’église n’est plus accessible tous les jours de la semaine, alors qu’un doux son de basse la fait glisser vers l’avant. « Endless Night » est plus sombre et plus atmosphérique, avec un son qui se situe quelque part entre Cigarettes After Sex et Beach House pour commencer, avant de se plonger dans quelque chose de plus éthéré : « It’s another endless night ». La chanson parle de disputes et de désaccords avec une histoire captivante : deux hommes semblent se disputer. Un homme vole le bijou, tandis que l’autre joue de la guitare, « parce que c’est une star ». Le nostalgique « Midnight Cowboy » est tout aussi sombre, car Eliann se souvient qu’il était « un peu en retard à la fête, tout le monde a quelqu’un dans l’air qui est plein d’amour » (A little late to the party, everybody’s got somebody in the air that’s full of love).

« Matador » contient des paroles sur la tristesse et le réconfort qui nous rappellent Scott Hutchison : « Je ne m’inquiète pas, je n’ai pas d’amis à qui parler sur la route où je suis sans fin » (I don’t worry I ain’t got no friends to talk to on the road that I’m on with no end) avant de devenir plus une histoire sur la façon de sortir de la banalité de la vie – machine à glace cassée et tout le reste : « Dois-je rester ou dois-je en chercher d’autres ? » «Trouble » est une autre chanson teintée de country avec juste ce qu’il faut de noirceur : « Au bord de la mer où je suis né, dans tes rêves, mais ensuite tu m’as quitté » (Down by the sea where I was born into your dreams but then you left me) ; « Maintenant, toutes mes peurs me retiennent, elles me retiennent jusqu’à l’arrivée du soleil » (Now all my fears they hold me up, they hold me till the sun comes). « Ensuite, je mets une croix sur mon cœur et j’espère, je prie, que je ne mourrai pas » ( hen put a cross on my heart and I hope, I pray, that I won’t die) avant que l’instrumental de « Life Valley », dans le style des Raconteurs, ne mette un terme à l’album, un disque que vous voudrez chevaucher malgré ses thématiques mélancoliques.

***1/2


WACO: « Hope Rituals »

15 octobre 2020

Le deuxième album de WACO arrive comme un phare de lumière après la mort tragique de leur bassiste Chris Cowley en 2018. Intitulé à juste titre Hope Rituals, c’est exactement cela : onze chansons éclectiques d’optimisme et d’honnêteté. 

WACO s’attaque avec force à son caractère expérimental, comme un festin où les sous-genres punk sont à l’honneur. Il y a des morceaux pop-punk rageurs comme « Good Days », le clash morbide et teinté de funk « Learn To Live Again », tandis que de la poésie punk floue fait son apparition sur « Dark Before The Dawn ». « Busy Livin » vous frappera, de son côté, avec des notes indie, et « Physio » est accompagné de punk hardcore déjanté.

Mais il y aura également des moments de tendresse : « Watch The Skies » s’élève magnifiquement, entrecoupé d’harmonies et de riffs émouvants, et « Great White Wall of Vodoo » sera un appel à l’action étroitement lié au post-hardcore. Dans l’ensemble, Hope Rituals est un album de positivité, d’espoir et de survie, à la recherche des points les plussolides survolant les nuages les plus sombres.

***


Andy Bell: « The View from Halfway Down »

13 octobre 2020

Après trois décennies de jeu avec Ride. Hurricane #1, Oasis, Beady Eye et Ride à nouveau, Andy Bell sort ce mois-ci son premier opus solo The View from Halfway Down.L’album a été conçu par Gem Archer, ancien membre du groupe Oasis, et masterisé par Hebra Kadry. Il est en préparation depuis que la mort de David Bowie a incité Bell à s’engager à terminer des morceaux solos dont la réputation n’est plus à faire. La raison du retard entre cette époque et aujourd’hui est l’énorme succès des retrouvailles de Ride.

Aujourd’hui, en 2020, l’artiste a eu l’occasion de terminer l’album, en reprenant le titre d’un poème figurant dans l’avant-dernier épisode du toujours excellent Bojack Horseman : « Le poème décrit quelqu’un qui se suicide en sautant vers la mort et le regret que le protagoniste éprouve lorsqu’il voit la vue de la moitié du chemin. Même si, bien sûr, il est trop tard pour changer ce qui va se passer » (The poem describes someone committing suicide by jumping to their death and the regret the protagonist experiences when he sees ‘the view from halfway down’. Although, of course, it’s too late to change what’s going to happen).

Le psychédélisme du récent « single » « Love Comes in Waves » ouvre la disque avec style avant que « Indica » ne trouveBell sautant dans un son de style Screamadelica, lourd en rythme, avec des effets vocaux. Cette chanson dure environ sept minutes et vous pouvez sentir le plaisir qu’il prend à créer ces paysages sonores. Il continue sur la lancée des vibrations expérimentales de « Ghost Tones », un morceau qui fusionne un certain nombre d’influences culturelles différentes avec une batterie incessante.

Les éblouissantsriffs façon Broken Social Scene sur « Skywalker » conviennent à la famille qui porte le titre, tandis que les claquements de mains et la basse chargée de groove soutiennent les observations de Bell sur le fait que les choses ne sont pas nécessairement plus roses dans le monde qui se trouve devant votre fenêtre. « Cherry Cola » est une autre pièce expérimentale pleine de pensées angoissantes : « J’aimerais être plus cool, j’aimerais être mort » (I wish I was cooler. I wish I was dead) et de la façon dont même les plus petites choses peuvent être mélodieuses : « Regarder les gouttes de pluie tomber pour courir sur ma fenêtre, puis le robinet couler » (Watching the raindrops fall to race down my window then the tap is dripping . Le dernier titre, « Heat Haze on Weyland Road » est une autre de ces compositions spéciales de sept minutes qui se situe quelque part entre Goldfrapp et Public Service Broadcasting, avec un son de basse puissant et des éclats d’electronica.

Comme le dit Bell : » »L’album n’a rien à voir avec l’écriture de chansons. Il n’y a pas beaucoup de couplets ou de refrains, parce que cet album parle de sons, d’une expérience d’écoute ». Mettez donc alors vos écouteurs et profitez du voyage…

***1/2


Matt Berninger: « Serpentine Prison »

4 octobre 2020

Une semaine seulement après l’enregistrement du huitième album de The National en studio, I Am Easy to Find, en décembre 2018, Matt Berninger, le chanteur du groupe de Cincinnati, a commencé à écrire pour son tout premier album solo. Après plus de 20 ans au sein de The National, où il a sorti un album exquis, on aurait pu penser que le chanteur aurait pris une pause bien méritée en sachant que « I Am Easy to Find » était dans le sac. Ce n’est manifestement pas le cas. Le premier morceau issu des séances d’écriture deviendra le titre de la première sortie de Berninger sous son propre nom « Serpentine Prison ». Pour reprendre ses propres mots, Matt a décidé qu’il était temps de tourner son exploration lyrique vers l’intérieur : « Pendant longtemps, j’ai écrit des chansons pour des films, des comédies musicales et d’autres projets où j’avais besoin d’entrer dans la tête de quelqu’un d’autre et de transmettre les sentiments d’une autre personne. J’aimais faire cela, mais j’étais prêt à retourner dans mes propres déchets et c’est la première chose qui est sortie ».

Ce n’est pas le cas de l’album Garbage. C’est un travail délicatement assemblé qui brille d’une intimité brute, quelque chose qui est porté par des éclairs de country, de jazz et de surf rock. Le disque lui-même est nuancé et l’approche « less is more », qui est une dichotomie par rapport au début de l’album, étant donné qu’il s’agissait d’une collaboration. Berninger a fait appel aux services du légendaire producteur Booker T. Jones, tandis qu’un large éventail de musiciens a contribué à la fragilité de l’album.

Tant sur le plan sonore que lyrique, « Serpentine Prison » est d’une grande fragilité émotionnelle. I Am Easy to Find » est un album enregistré principalement dans des chambres d’hôtel avec des enfants qui dorment à proximité, et le premier album de Berninger a le même ton feutré. Les guitares brillent doucement, la batterie est soit brossée, soit délicatement tapée, tandis que le moindre souffle de basse agit comme un battement de coeur lointain. L’utilisation des cuivres et des cordes provoque une tendance cinématographique, mais leur déploiement est prudent tout au long de l’album. Il en va de même pour le trille solitaire de l’harmonica, une couche de texture qui crée une évanouissement du désir solitaire. Et bien sûr, il y a la voix incomparable de The National man ; une voix à la fois douce et grossière, comme une truffe au caramel salé.

La recherche de l’âme, les thèmes de l’amour perdu et retrouvé, et la tristesse jonchent le disque ; c’est cette vulnérabilité nerveuse exposée qui donne à « Serpentine Prison » son attrait chaleureux. Oh Dearie » trouve Berninger au plus bas, alors que sa voix grossièrement taillée dit « I am near the bottom/name the blues/I got them » tandis qu’une jolie guitare acoustique vacille avec une fragile complexité. Sur « One More Secured », un rythme faible et accrocheur encadre un travail de guitare plus délicat, avant que la chanson ne se déploie au son d’un piano tremblant et d’une teinte d’orgue. On peut entendre Matt raconter l’histoire d’une relation qui tourne au vinaigre « la façon dont nous avons parlé hier soir/ça ressemblait à une autre sorte de dispute », comme le demande le chanteur « donnez-moi une seconde de plus pour me sécher les yeux/donnez-moi une minute de plus pour réaliser », sachant très bien qu’il est en sursis. Le disque d’ouverture « My Eyes Are T-Shirts » suit un chemin similaire, puisque nous trouvons la voix graveleuse de Berninger, élevée par de minuscules sons jazzy, lorsqu’il déclare : « J’entends ta voix et mon cœur s’emboîte / s’il te plaît, reviens bébé / fais-moi me sentir mieux ». All for Nothing » est l’album qui se situe entre la vulnérabilité nocturne, faiblement éclairée, et le grandiose, alors qu’une sonorité de piano solitaire et des cordes gémissantes se transforment progressivement en quelque chose d’authentiquement déchirant, certainement lorsqu’une ruée de cuivres vous coupe le souffle.

Dure, étrangement réconfortante, meurtrie et belle, « Serpentine Prison » est comme si on vous donnait accès au journal intime de Berninger, où vous pouvez voir ses pensées et ses secrets les plus intimes.

***1/2


The Hunna: « I’d Rather Die Than Let You In »

2 octobre 2020

L’industrie de la musique est dure pour tout le monde, notamment pour The Hunna. Déchiré par son ancien management et ayant perdu un membre du groupe plus tôt cette année, le groupe a connu son lot d’épreuves et de tribulations, mais cela ne l’a pas empêché de créer une classe de maître dans le rock ‘n’ roll et de devenir finalement le phare de l’espoir pour les jeunes musiciens du monde entier. En sortant de nouveaux morceaux chaque jour pour préparer le nouvel album, The Hunna n’a cessé d’enthousiasmer ses fans, créant un véritable engouement autour de leur travail le plus ambitieux à ce jour. 

En ouverture de « One Hell Of A Gory Story… », le morceau résume tout ce que le groupe a vécu au fil des ans et rend parfaitement hommage à la façon dont ils sont sortis de l’autre côté. De même, Dark Times aborde les questions politiques et sociales actuelles qui touchent tout le monde en ce moment, ainsi que l’Horreur, en ouvrant avec un extrait audio d’un reportage sur les incendies de forêt en Australie et sur la façon dont le monde semble s’effondrer autour de nous. Ces morceaux ont tous des chœurs d’hymnes qui engagent l’auditeur et font battre le cœur de la poitrine. 

« I Wanna Know » est un excellent exemple de la manière dont The Hunna ont réussi à mûrir tout en conservant la véritable identité du groupe, car il met en avant le travail de guitare grunge et le chant sophistiqué et graveleux de Ryan Potter, familier aux fans du monde entier, dans les mosh pit et en dehors. Lost en est également un bon exemple, car il est propre à The Hunna mais ne pourrait s’intégrer dans aucun de leurs autres albums, ce qui prouve le chemin parcouru par le groupe en tant que musiciens et individus. Leur monumental « single » « Cover You » avec Travis Barker de Blink-182 a été un grand moment pour The Hunna qui a prouvé qu’ils pouvaient travailler avec les grands noms de l’industrie de la musique, se maintenir sans problème et garder leur individualité intacte.

« Young & Faded » est le dernier « single » du groupe, un hymne rock pour la jeunesse d’aujourd’hui, qui encourage à rester fidèle à ses convictions et à rester fidèle à soi-même malgré les paroles des autres. Il comporte des lignes de guitare plus douces dans les couplets, mais reste une chanson rock qui a un impact important, un peu comme « One Second Left » qui s’écoule avec une guitare acoustique et le chant passionné et angélique de Ryan Potter, tandis que la batterie fournie par Jack Metcalfe nous conduit sans faille dans le refrain. 

«  If This Is Love » est l’une des seules ballades rock du disque tout en étant l’un des morceaux de musique les plus bruts, émotionnels et honnêtes que The Hunna ait jamais créés. Le chant de phem ajoute certainement un sentiment de vulnérabilité et de douceur à la chanson. 

En conclusion de ce qui est sans aucun doute un album phare pour The Hunna, la chanson titre « I’d Rather Die Than Let You In » vous remplit d’une fierté nouvelle que The Hunna eux-mêmes devraient ressentir après avoir créé un ensemble d’œuvres progressives, rafraîchissantes et adultes. 

***1/2


Pillow Queens: « In Waiting »

2 octobre 2020

Pillow Queens a fait l’objet d’un battage médiatique considérable dès les débuts de ce quatuor irlandais, en particulier avec leur EP, Calm Girls, sorti en 2017. Le combo féminin déoile aujourd’hui son premier album, le logement attendu et nommé de manière appropriée In Waiting.

Il s’avère qu’In Waiting est un rejet pur et simple des différents labels que les critiques ont tenté d’épingler sur le groupe depuis sa création. Il s’ouvre de manière étonnamment douce avec « Holy Show » : Pillow Queens ne s’intéressent manifestement pas à un facteur de choc sonore, mais s’appuient plutôt sur leur propre message pour se définir. Le son qu’elles émettent est donc moins important ici que leur identité et ce qu’elles disent.

Les chansons observentainsi au microscopique ungroupe qui prend peu à peu vie. Il est, en effet, tour à tour critique et révérencieux. « A Dog’s Life » sert d’allégorie à la crise du logement ; sur un rauque exercice à la guitare où Pamela Connolly chante « étale-moi sur la Liffey et anvoie-moi sormir »(spread me over the Liffey and send me off to sleep).

Le disque est marqué par une poésie dure et blessante, livrée de manière impeccable alors que Pillow Queens rebondissent sans cesse de genre en genre, refusant de s’installer. On a fait des comparaisons paresseuses avec The Murder Capital et Fontaines D.C., certains des premiers critiques allant jusqu’à les qualifier de réponse « féminin » » à ces groupes.Que nenni !. Même une écoute superficielle de In Waiting fera voler en éclats ces idées préconçues : il s’agit plutôt d’un début distinctif, original et tranquillement brillant.

***1/2