Honey Harper Honey: « Harper and the Infinite Sky »

29 octobre 2022

Starmaker, le premier album d’Honey Harper en 2020, est l’un de ces rares albums qui semblent capables de révolutionner un genre. Sa fusion de country traditionnelle et de dream-pop envoûtante s’est avérée être le genre de mouvement tectonique qui pourrait modifier le paysage musical de la scène… si seulement il pouvait atteindre suffisamment d’oreilles. Malheureusement, comme c’est le cas pour la plupart des artistes les plus talentueux de l’industrie, Will Fussell et Alana Pagnutti n’ont pas réussi à se faire entendre. InfiniteSkyStarmaker est sorti le 6 mars 2020, et l’Organisation mondiale de la santé a déclaré la COVID-19 pandémie le 11 mars. En conséquence, Honey Harper n’a jamais pu partir en tournée avec ce lot de joyaux de rêve, et sur le plan promotionnel – malgré sa beauté indéniable et son invention intelligente – Starmaker a connu des ratés. C’est une histoire bien trop familière pour les artistes du monde entier qui ont atteint l’apogée de leur créativité au mauvais moment de l’histoire. Bien qu’un tel échec soit naturellement décourageant, Will et Alana ont choisi de garder les yeux fixés sur l’avenir, et en novembre de la même année, l’album qui allait devenir Honey Harper & The Infinite Sky était né.

Dans sa forme finale, l’album représente un changement notable par rapport à Starmaker. Il est comparativement dépouillé, libre et insouciant. Il y a un son de groupe complet car Fussell/Pagnutti ont été rejoints par le claviériste de Spoon Alex Fischel et John Carroll Kirby (Solange, Steve Lacy) en studio. En conséquence, le disque ressemble moins à sa propre galaxie isolée et éthérée qu’à un groupe jouant sous les étoiles. Il a toujours cette qualité spacieuse et chatoyante, mais ses bottes sont fermement plantées dans la terre. Si Starmaker était de la country cosmique de rêve, Infinite Sky ressemble davantage à un voyage dans l’Americana, chargé de groove et d’écran large.

La principale idiosyncrasie d’Honey Harper – cette voix soyeuse et toujours douce – est toujours le moteur de l’album, mais l’atmosphère environnante est plus organique que céleste : les pianos scintillent à la surface, les guitares électriques gémissent comme si elles sortaient tout droit d’une scène d’un vieux western, et la batterie a un son terrien et organique.

On pourrait en déduire que Honey Harper & The Infinite Sky est le fruit du travail de Fussell et Pagnutti, qui ont rattrapé le temps perdu sur la route, en créant quelque chose qui se traduirait bien sur scène tout en sonnant bien sur disque. Cette transformation esthétique est particulièrement évidente sur des titres tels que  » Ain’t No Cowboys in Georgia  » et  » Broken Token « , qui confèrent à Infinite Sky ce sens très précoce de la country brute et non filtrée. Il y a encore beaucoup de ballades poignantes, qui se balancent doucement, comme la gracieuse « Lake Song » ou la touchante « The World Moves », enveloppée de piano, donc si vous êtes trop inquiets que Honey Harper ait perdu toutes ses qualités magiques, ne le soyez pas.

À l’instar de Starmaker, les meilleures caractéristiques de cet album sont celles qui ne sont pas immédiatement perceptibles. Il y a la flûte de pan subtile et enfouie dans « Reflections », la façon dont ce solo de guitare prend vraiment son envol et devient une accroche mémorable sur « Georgia », la façon dont la batterie passe à un tempo enjoué vers la fin de « Tired of Feeling Good », les touches et les cordes qui jouent à danser sous la surface de l’acoustique à couper le souffle de « Crystal Heart », les versets d’auto-réflexion d’une honnêteté brutale (« sometimes I’m so tired of making music / I just want to live »), les chœurs impeccables d’Alana qui lévitent au-dessus de chaque harmonie comme l’ange gardien du disque. … il se dévoile, dans toutes ses couches étonnantes, si vous le permettez. Si l’on compare cet album à son prédécesseur, il semble souvent un peu plus sale, nonchalant et honky tonk – et il est vrai qu’il n’est pas aussi constamment accrocheur – mais Honey Harper a prouvé une fois de plus qu’il était suffisamment complet et complexe en tant qu’auteur-compositeur pour transcender ce qui serait, pour tout autre artiste, des faiblesses inhérentes. En conséquence, Honey Harper & The Infinite Sky best un opus étincelant.

Les meilleurs artistes sont ceux qui se réinventent constamment, et c’est exactement ce que fait Honey Harper ici. Ils sont sans doute toujours à leur meilleur lorsqu’ils reviennent aux styles qui nous ont charmés et envoûtés sur Starmaker, mais il y a aussi des voies entièrement nouvelles pour le succès qui se déploient directement devant nos oreilles. Sur l’avant-dernier morceau « Heaven Knows I Won’t Be There », nous avons droit à un contraste magnifique entre la voix grave de Harper et un refrain de fond à couper le souffle. Alors que les styles contradictoires s’entremêlent et se gonflent d’une émotion croissante à chaque tournant, nous avons l’impression d’être transportés dans un endroit plus époustouflant et plus profond que ce que nous pouvons comprendre ou même voir. Honey Harper & The Infinite Sky est en phase avec ce moment ; il n’est peut-être pas en soi le classique instantané qu’était Starmaker, mais il est magnifiquement suspendu entre les mondes – en route vers le prochain moment parfait. En ce moment, l’avenir de ce groupe semble illimité, et The Infinite Sky est un titre on ne peut plus approprié.

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The Big Moon: « Here Is Everything »

20 octobre 2022

The Big Moon a toujours été l’un des groupes les plus vivifiants de la planète ; leurs deux derniers albums étaient remplis de mélodies joyeuses, et leurs concerts vous donnaient l’impression de faire partie de la bande du quatuor londonien. Sur leur troisième album,  ils jettent des sorts similaires. 

Comme le prouve la pochette, l’album est principalement consacré aux expériences de la frontwoman Jules Jackson en tant que nouvelle mère : Je sais que je chante ton hymne dans mon souffle « , chante-t-elle à son enfant sur le morceau d’introduction  » 2 Lines « , tandis que le single principal  » Wide Eyes  » est une montée d’endorphines sous forme musicale, une ode à l’amour inconditionnel. L’album rebondit avec la même énergie pop contagieuse que leur précédent album, Walking Like We Do, avec  » Daydreaming  » et  » Ladye Bay  » qui sonnent comme des hymnes prêts pour l’arène malgré des paroles profondément personnelles.

« I’m scared for everyone I hold dear » ( J’ai peur pour tous ceux qui me sont chers)chante Jackson sur « Trouble », équilibrant les hauts et les bas de la parentalité d’une manière rarement vue dans la musique. The Big Moon n’a pas peur de l’obscurité, et le dernier album,  » Satellites « , est le meilleur texte de l’album, un triomphe magnifiquement vulnérable. Pourtant, le sentiment pour lequel nous connaissons et aimons The Big Moon ne s’estompe jamais :  » This Love  » brille par sa chaleur intime, et  » Magic  » est une disco optimiste et lumineuse.

Here Is Everything est aussi un témoignage de la camaraderie du groupe, leur lien durable produisant une œuvre d’art aussi bien pendant une grossesse que pendant une pandémie. C’est un album qui est impossible de ne pas être enchanté. Un autre triomphe dans la discographie de The Big Moon.

***1/2


The Arctic Monkeys: « The Car »

20 octobre 2022

Avec la sortie de The Car, les Arctic Monkeys ont sorti sept albums et remplissent des stades sans même essayer. À un moment de leur carrière où la plupart des groupes jouent les plus grands succès et vendent des vinyles pour célébrer des anniversaires, ils n’ont, en effet, plus grand-chose à prouver.

Si quelqu’un se demandait s’ils en étaient conscients, Alex Turner chantonnant la phrase « freaky keypaaad » sur un instrumental ridiculement funky sur « I Ain’t Quite Where I Think I Am » devrait dissiper tous les doutes.

C’est vrai, les Arctic Monkeys sont devenus funky. Enfin, en quelque sorte. Alors que le dernier album, Tranquility Base Hotel & Casino, s’inspirait du futurisme des années 60, des voyages dans l’espace et des martinis sur la lune, The Car se tourne plutôt vers le début des années 70. Il s’agit plus d’un filtre collé sur le dessus que d’un hommage total, mais sur des chansons comme  » Jet Skis on the Moat  » et la chanson titre  » The Car « , on peut presque sentir la fumée de cigarette.

Les nouvelles influences sont entremêlées de beaucoup d’anciennes. L’album dans son ensemble s’inspire très clairement de  » Tranquility Base « , en mettant en avant les pianos et les chansons douces et sinueuses au lieu des bangers à guitares qui ont propulsé le groupe vers la gloire. Des traces de l’ancien temps subsistent cependant, avec  » Sculptures of Anything Goes  » qui ressemble à un clin d’œil à  » AM  » par son son, mais aussi par son rythme.

La principale nouveauté de The Car par rapport aux autres albums des Arctic Monkeys est l’omniprésence de la section de cordes. L’ensemble de l’album est conduit et approfondi par un orchestre qui n’aurait pas sa place sur un thème de James Bond. Le premier single « There’d Better Be a Mirrorball » en est le meilleur exemple, mais il n’y a pratiquement aucune chanson de l’album qui ne s’appuie pas sur cet orchestre de manière importante.

Le revers de la médaille est que les fans des bangers classiques des Arctic Monkeys dans la veine de « Arabella » vont être cruellement déçus. Ce qui se rapproche le plus de The Car est  » Hello You « , un morceau de fin d’album qui donne un coup de fouet à l’énergie. C’est aussi le morceau qui se rapproche le plus d’un refrain traditionnel et dont la ligne de synthétiseur est destinée à rester dans la tête de tout le monde pour toujours.

Arctic Monkeys n’est plus le groupe qui a écrit  » Brianstorm  » depuis des années. Si c’était le cas, il est peu probable qu’ils auraient maintenu leur position dans le peloton de tête de la musique britannique sur sept albums et plus de 15 ans. The Car est un autre exemple de l’évolution du groupe entre chaque sortie, sans pour autant abandonner tout ce qui l’a précédé.

Il est peu probable qu’il séduise ceux qui n’étaient pas fans du virage à gauche pris par le groupe sur le dernier album, mais si vous rencontrez The Car selon ses propres termes, avec ses grosses cols et ses lunettes de soleil, vous passerez un bon moment. Pourtant, il n’y aurait pas de mal à rajouter quelques refrains sur le prochain album, n’est-ce pas les gars ?

***1/2


Sorry: « Anywhere But Here »

9 octobre 2022

Sorry, un groupe du nord de Londres expert à mélanger les genres et styles, a sorti son premier album en 2020, 925. Ce disque faisait suite à une série de mixtapes et de singles qui avaient valu au quintet un public dévoué, ainsi qu’un vaste catalogue de critiques élogieuses.

Aujourd’hui, Sorry est de retour avec son deuxième LP, Anywhere But Here. Comme indiqué, le combo se cantonne rarement à une seule voie. Bien que leur son soit distinctif, ils ne se contentent jamais d’un style ou d’un genre, mais s’inspirent d’une myriade de sons qui aboutissent à une palette musicale incroyablement diversifiée. Anywhere But Here est, ainsi, un disque qui voyage à travers l’indie, le noise rock, le post punk, le lo-fi et même l’electronica, dans le but de nous donner un deuxième opus se voulant.

Une grande partie du disque tourne, à cet égard, autour de progressions d’accords délicates et de guitares déchiquetées. Le morceau d’ouverture ‘Let the Lights On’ est un morceau d’indie rock bruyant, à la limite du son de guitare américain des années 90, juxtaposé à la voix étonnante et douce d’Asha Lorenz. Les touches d’harmonies et les remplissages de tom des années 80 créent un paysage sonore en constante évolution au-dessus des guitares et de la batterie. Key To The City  » est un morceau intime sur l’amour. Les paroles sont remplies d’amertume et de bile, tout en réfléchissant à la façon dont une personne peut être le chemin de la vie – une clé pour votre ville. Les guitares atonales et chargées de larsens entrent et sortent, et la voix de Lorenz devient de plus en plus frénétique, baignée de distorsion et de réverbération. La phrase « I know you’re somewhere out there, getting fucked in someone else’s bed » (Je sais que tu es quelque part dehors, en train de te faire baiser dans le lit de quelqu’un d’autre) est comme un choc pour le système, la franchise et la nature directe de la phrase pouvant certainement faire resurgir des expériences négatives pour l’auditeur.

« Hem Of The Fray  » atteint son apogée avec des percussions industrielles agressives, mélangées à des guitares croustillantes et imprégnées de refrains. En un peu plus de deux minutes, Sorry met en avant tout ce qui fait d’eux des Sorry. Une batterie et une basse qui poussent doucement, avec une électronique surprenante mais bienvenue ; c’est vraiment un mariage sonore parfait. Closer  » sonne presque comme une inspiration Midwest-emo avec ses riffs de guitare scintillants et ses voix lo-fi, avec des paroles comme  » closer to being empty, closer to being used  » (plus près d’être vide, plus près d’être utilisé) qui abordent les thèmes des relations et de la santé mentale. Le morceau est essentiellement un long crescendo. Les guitares distordues s’insinuent lentement tout au long du morceau, et  » Closer  » se termine par une outro de type jam bruyant.

« Anywhere But Here  » est le deuxième album idéal. C’est un pas en avant par rapport au premier album et il développe et construit sur les sons que Sorry a donné dans le passé. Une grande partie de « Anywhere But Here » pourrait être la bande originale d’un film indé des années 90, mais les morceaux restent dans leur propre monde ; il n’y a pas de noyade dans l’influence ici. Alimenté par un travail de guitare ravageur et disjoint et un lyrisme doux-amer, ce disque sera facilement dans la course pour l’un des meilleurs disques du Royaume-Uni cette année.

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The Snuts: « Burn the Empire »

30 septembre 2022

Le groupe indé écossais The Snuts a parcouru un long chemin en peu de temps, passant de débuts modestes à la participation à certains des principaux festivals du pays, et ce à un rythme rapide.

Le groupe de Whitburn, basé à Glasgow, est prolifique. Plaçant l’écriture de chansons et de textes au cœur de leur activité, les quatre membres n’ont pas peur d’expérimenter et sont déterminés à continuer à se dépasser à travers leur musique.

Il n’est pas surprenant que ce travail acharné porte ses fruits. Produite par les collaborateurs Detonate et Clarence Coffee Jr, la suite de ‘W.L.’ est un travail superbement varié, très cohérent et dont la qualité des chansons est parfaitement adaptée.

Le titre d’ouverture de l’album,  » Burn The Empire « , est une véritable fusillade, un scénario politiquement chargé qui fait écho aux Arctic Monkeys, une explosion d’une chanson qui est là pour planter le décor avant que l’infectieuse et éclectique  » Zuckerpunch  » ne définisse la prochaine étape du processus, et que  » The Rodeo  » ne facilite les choses avec une belle accroche pour vous attirer.

L’ordre des chansons bien pensé prépare le gros morceau qu’est  » Knuckles « , et c’est un moment immense. Enlevante, suprêmement mélodique, elle offre la qualité d’un classique instantané, et c’est le type de chanson que vous ne pouvez pas vous sortir de la tête, peu importe comment vous essayez, tandis que la dimension sociale de « 13 » traite du manque de soutien pour la santé mentale, comment la pauvreté affecte la Grande-Bretagne et l’impact sociétal plus large.

Il est difficile de comprendre comment les autres chansons peuvent être aussi bonnes, mais « End Of the Road », où la chanteuse alt-pop londonienne Rachel Chinouriri s’associe au groupe et partage le chant avec Jack Cochrane, est convaincante.

Et Cochrane est en pleine forme. S’inspirer de quelques-uns des plus grands de la soul a beaucoup de sens, surtout pour la rencontre de cet album. Les voix polyvalentes et bien placées persistent tout au long de l’album, alors que le chanteur délivre ce qui est nécessaire, répondant à la spécificité et à l’ambiance de chaque morceau, l’avant-dernier « Yesterday » étant un exemple à couper le souffle. The Snuts ont créé un disque moderne et distinct qui mérite l’attention et les éloges, un travail honnête et pertinent qui emporte le morceau.

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The Pixies: « Doggerel »

28 septembre 2022

L’influence des Pixies sur de nombreux autres artistes de la sphère du rock alternatif ne peut jamais être sous-estimée. Nirvana, Pearl Jam, Smashing Pumpkins, Weezer, The Strokes et Modest Mouse ne sont que quelques-uns des artistes qui ont reconnu l’impact des Pixies sur l’ensemble de la scène rock. Formés en 1986 à Boston, dans le Massachusetts, les Pixies ont sorti quatre albums studio pendant leur période de gloire – de Surfer Rosa en 1988 à Trompe Le Monde en 1991. Reformés en 2004, ils en ont sorti trois autres – de Indie Cindy, en 2014, à Beneath the Eyrie, en 2019.

Aujourd’hui, trois ans plus tard, les Pixies – actuellement composés des membres originaux Black Francis (chant principal, guitare rythmique/acoustique), Joey Santiago (guitare principale, chœurs), ainsi que David Lovering (batterie, percussions, chœurs) et Paz Lenchantin (basse, violon, chant) – sont prêts à libérer leur dernier effort complet. Sorti le 30 septembre 2022, via BMG Records, le nouveau disque des Pixies, Doggerel, s’éloigne des Pixies punky d’autrefois. Cet album de 12 titres est une incursion dans des expressions sonores plus expansives, introspectives et ornées.

Doggerel commence par le simple morceau de rock « Nomatterday », qui fait écho à « I’m an Adult Now » de The Pursuit of Happiness et à « Heart-Shaped Box » de Nirvana. Vient ensuite « Vault of Heaven », un morceau moins grunge et moins désertique. Puis, ramenant l’auditeur aux jours gigantesques du groupe, il y a le tour lent-rapide-lent de « Dregs of the Wine ». Et enfin, il y a le fuzz mélodique de « Haunted House », avec l’appel-réponse guitare-basse et l’interaction vocale homme-femme qui caractérisent le combio.

Un léger ralentissement du rythme, tout en restant nerveux et entraînant, « Get Simulated » montre encore une fois que les Pixies s’essaient à une approche plus texturée et stratifiée de la musique. « Lord Has Come Back Today », par contre, peut être considéré comme le point culminant de l’album – mémorable, suintant de mélodies, et plus progressif que d’habitude. « Thunder and Lightning » est le titre suivant, d’abord sinistre et inquiétant, il devient ensuite poignant et nostalgique.

Pixies se lance ensuite dans le sombre et psychédélique « There’s a Moon On », un autre single de Doggerel. L’ambiance rock du Heartland se poursuit avec « Pagan Man », qui évoque « Heart of Gold » de Neil Young, « A Horse with No Name » d’America et « Brilliant Disguise » de Bruce Springsteen. Le morceau suivant, « Who’s More Sorry Now », ne fait que reprendre l’orientation stylistique du morceau précédent. Après le retour à la forme originale de  » You’re Such a Sadducee « , Francis, Santiago, Lovering et Lenchantin terminent finalement leur nouvelle offre bien ficelée avec la chanson-titre trippante et subtilement funky.

Le groupe qui a entamé une révolution stylistique il y a trente ans n’est peut-être plus aussi conflictuel et frénétique qu’avant, mais sa musique évoluée reste aussi influente, innovante et intéressante, si ce n’est que ses paroles sont plus substantielles et plus pertinentes et sa musique plus harmonieuse. Comme mentionné, les Pixies sont de retour depuis un certain temps maintenant ; trois albums relativement récents sur les pochettes dépoussiérées des membres et le nouveau, tout frais, à venir. Où est votre esprit ? Qu’attendez-vous ? Le moment de piocher à nouveau dans le feu des Pixies est arrivé.

***1/2


Eerie Wanda / Marina Tadic: « Internal Radio »

26 septembre 2022

Internal Radio, le troisième album d’Eerie Wanda, est une sorte de départ pour le projet. Il ne s’agit plus d’un groupe en tant que tel, cette fois-ci, la chanteuse et auteure-compositrice Marina Tadic prend le contrôle total et s’éloigne du son clairsemé, doux et presque twee du passé, en faveur de quelque chose de plus sombre et d’humeur. En travaillant avec Adam Harding, son partenaire dans le groupe de renaissance grunge Kidbug, et le légendaire producteur Kramer, Tadic a cherché à écrire des chansons qui sondent la profondeur de ses sentiments au lieu d’écrire des paroles plus observatrices. Elle s’est également efforcée de faire en sorte que chaque chanson soit autonome sur le plan sonore, partageant un noyau de grandeur digne de Twin Peaks, mais prenant soin de donner à chacune d’elles un arrangement spécial correspondant aux thèmes des paroles. Toute l’attention qu’elle a portée aux détails et les lourdes charges émotionnelles ont donné naissance à un disque douloureusement joli, bien construit et honnête jusqu’au bout. Dès l’ouverture de « Sail to the Silver Sun » – une ballade sombrement répétitive, guidée par le piano, où les harmonies vocales de Tadic tourbillonnent comme une berceuse effrayante associée à de gros accords puissants – il est clair qu’ils cherchaient à élargir les paramètres d’Eerie Wanda, ce qu’ils font d’ailleurs assez souvent. « NOWx1000 » ajoute des lavis de synthé, « On Heaven » renverse l’influence des années 1950 des précédents albums comme si elle se reflétait dans un miroir d’ambiance, « Birds Aren’t Real » présente des nuées de guitares planantes et en écho qui vacillent et swoopent à la manière shoegaze et dub, et « Bon Voyage » termine l’album avec des boucles de guitare déformées et superposées. La majeure partie du reste de l’album dérive sur un doux nuage de pianos doucement frappés, de nuages de réverbération et de la voix lumineuse de Tadic. La chanson « Sister Take My Hand » est la meilleure du lot, avec ses harmonies d’outre-tombe sur un rythme cardiaque régulier et des synthétiseurs lointains.

S’il s’agissait d’une audition pour figurer sur un futur album de This Mortal Coil, nul doute qu’elle recevrait bientôt l’appel. Ce n’est pas que de la mélancolie sombre, cependant ; quelques chansons ont la légèreté des albums précédents. Le presque rebondissant « Long Time » sonne comme un single des Paris Sisters, mais avec les sœurs remplacées par des fantômes, et « Puzzled » est un beau moment de craquement et de pop dépouillés qui aurait été la chanson la plus triste de Pet Town. Il est agréable de voir qu’un artiste est à la hauteur de ses grandes ambitions et qu’il obtient de très bons résultats, ce que fait Tadic sur Internal Radio. Les deux premiers albums d’Eerie Wanda étaient de délicieuses distractions qui étaient agréables de la même manière que regarder des photos d’architecture mid-moderne ou de vieilles voitures : nostalgique et doux. Avec cet album, il y a une véritable base émotionnelle sous les sons rétro, des chansons qui vous arrêteront dans votre élan et, globalement, le sentiment d’avoir erré dans un endroit familier, mais étrange et digne d’être exploré.

***1/2


Courting: « Guitar Music »

25 septembre 2022

Le premier album d’un groupe est toujours un moment décisif. C’est le moment où l’on voit leur ambition se concrétiser dans un disque qui va soit les propulser dans la stratosphère, soit les faire échouer sur terre. Pour Courting, le groupe se situe dans la première catégorie.

Ce groupe de quatre musiciens de Liverpool, composé de Sean Murphy O’Neill, Sean Thomas, Josh Cope et Connor McCann, est l’un des groupes les plus excitants de ces dernières années dans le Nord-Ouest. En évitant le chemin sonore traditionnel que la plupart des groupes empruntent, Courting s’affiche fièrement comme un étudiant de l’ère du streaming. Avec des influences qui s’entrechoquent comme jamais vous ne l’auriez cru possible. De David Byrne à Kanye West en passant par Blur, Busted et Charli XCX.

Cela n’est nulle part plus apparent que sur le disque lui-même. Un assortiment d’influences musicales qui, pour la plupart, s’harmonisent bien. L’ouverture ‘Twin Cities’ se délecte du chaos hyper-pop et place la déclaration du groupe en avant et au centre. Tennis  » se rapproche davantage du post-punk tout en étant naturellement ironique. Avec des lignes comme « You’re a night in a Holiday Inn, I’m a breakfast bar with an unusual toasting conveyor belt » (Tu es une nuit dans un Holiday Inn, je suis un bar à petit-déjeuner avec un toast inhabituel.), vous savez que ces gars-là ont quelque chose de spécial. Loaded  » mélange post-punk et hyper-pop dans un morceau chaotique sur la façon dont l’embourgeoisement rend les villes sans âme et sur la nostalgie d’une époque où il était plus libre et insouciant.

« Famous » ressemble à l’attraction la plus démente du monde mais se transforme en un banger indie-punk digne de LCD Soundsystem. Il est suivi par le morceau  » Crass « , qui est le premier album de Courting. Jumper  » est un morceau qui sonne comme si Busted avait brièvement possédé le groupe, avec des guitares jangly et l’histoire d’un couple qui se rencontre et tombe amoureux, il marche en terrain connu, c’est sans aucun doute un ver d’oreille et une chanson qui ne demande qu’à être jouée en live. 

L’album – qui ne compte que huit titres – passe plus vite qu’un train à grande vitesse et ne laisse que peu de répit. Le groupe semble avoir distillé toutes ses idées et ses influences dans ces huit titres, sans aucun remplissage. En termes de critique, il n’y a pas grand-chose à dire. Le dernier morceau,  » PDA « , est un adieu aux fans, avec O’Neill qui chante : « J’ai dit que je ne pleurerai pas, car pleurer signifierait que c’est fini. » Mis à part la rupture intelligente du quatrième mur, l’instrumentation de la chanson se construit lentement et vous laisse sur votre faim.

Courting a prouvé qu’il était capable de changer selon l’humeur du moment, et Guitar Music montre ses forces dans l’un des débuts les plus excitants de cette année. Une chose est sûre. Ces gars-là sont des pop stars.

***1/2


Urge Overkill: « Oui »

15 septembre 2022

La dernière fois que nous avons pris des nouvelles d’Urge Overkill, ils surfaient sur le succès fulgurant de Saturation. C’était en 1993, il y a presque trois décennies. Oui, ils ont sorti Exit the Dragon en 1995, mais nous ne nous souvenons pas que l’un de ses morceaux soit passé sur une radio « alternative » (commerciale) à l’époque, et une succession de critiques tièdes nous a empêchés d’aller plus loin. Et le Rock & Roll Submarine de 2011, eh bien, nous l’avons découvert il y a seulement trente secondes.

Nous voici donc en 2022, accueillis par Oui. Et c’est comme si Urge Overkill n’était jamais parti. La même vibe bouillonnante, hargneuse (et légèrement crade) qui caractérisait Saturation est largement intacte. Une reprise de « Freedom ! » de George Michael ouvre le disque, et c’est plutôt bon, bien que l’arrangement semble avoir été fait à la dernière minute du studio.

Le titre « A Necessary Evil » est bien meilleure. C’est un morceau original qui rassemble tous les atouts d’UO en quelques minutes. « Follow My Shadow  » ressemble beaucoup à l’ancien Urge, avec des guitares rugissantes et serrées, et une sensibilité pop  saturée de riffs appliquée à des arrangements énergiques et attrayants.

« How Sweet the Light  » va exploser à en griller nos enceintes ; comme la plupart des morceaux de Oui, la chanson d’ailleurs semble très pressée de commencer. King Roeser et Nash Kato n’ont pas l’habitude de faire des fondus enchaînés ou de faire de la figuration ; leur approche de l’art de la chanson a un point commun avec les Raspberries (entre autres).

Si vous pensez que le début des années 1990 était une époque formidable pour le rock alternatif mélodique et dur, Oui vous donne l’occasion de découvrir une nouvelle musique qui vous y ramènera. L’ère du rock est peut-être – comme nous le disent les experts – derrière nous, mais Urge Overkill n’a manifestement pas reçu ce mémo. Ne le leur disons pas. Et espérons qu’ils sont de retour pour de bon cette fois-ci.

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Shaylee: « Short-Sighted Security »

14 septembre 2022

Sous le nom de Shaylee, l’auteur-compositeur-interprète Elle Archer, de Portland (Oregon), rend un véritable hommage  » Do-it-yourself  » à la musique qui l’a inspirée au départ, à savoir les œuvres du début du siècle de groupes de rock alternatif comme Flaming Lips, Wilco et Radiohead. Bien sûr, la plupart des groupes de rock alternatif qui l’ont inspirée font des clins d’œil évidents aux influences mélodiques du rock classique qui les ont inspirées, la power-pop jangly et le rock classique qui continuent de toucher les fans à ce jour. Profitant pleinement de la fermeture de la pandémie, Archer a concentré ses considérables talents sur la création d’une musique qui honore ce passé, tout en livrant une déclaration personnelle conçue pour passer l’épreuve du temps. Multi-instrumentiste, elle joue de tous les instruments, sauf quelques-uns, présentés dans cette collection de chansons – du moins toutes les guitares, la basse, la batterie et les synthétiseurs, mais elle remercie un ami, Matt, qui a fourni un peu d’orgue, de violoncelle et de violon sur quelques morceaux.

Comme la plupart des grandes œuvres d’art, les chansons de Shaylee racontent une histoire personnelle de lutte, le désir d’amour et ses échecs, et ses tentatives de vivre, de grandir et de développer des relations significatives en tant que femme transgenre, étant donné que « le monde change autour de nous ». Le fait que son histoire soit liée aux questions intérieures et à l’inquiétude de tous ceux qui se demandent quelle est leur place dans le monde rend ses chansons d’autant plus universelles ; elle raconte une histoire fondamentalement humaine. Et comme dans la musique pop, ce sont ses sensibilités mélodiques accrocheuses qui attirent l’auditeur dans son expérience, et c’est l’impressionnante collection de sons qu’elle réunit qui fournit le tissu conjonctif sur lequel repose toute grande musique.

Le fait de savoir qu’Archer a dû assembler ces hymnes power-pop longs et parfois très élaborés, une couche à la fois, ne vous empêchera pas d’imaginer un groupe complet en train de jammer sur des morceaux comme « Stranded Living Room », « Audrey » et « Oblivion », qui ont tendance à se construire pour permettre des solos de guitare majestueux, un domaine dans lequel elle excelle. Dans « Ophelia », elle inclut un breakdown noise classique pour exprimer le chaos qui peut survenir lorsqu’une attraction brève et rapide s’épanouit rapidement avant d’imploser.

Sur ce troisième album, Shaylee capitalise sur des années d’étude des chansons qui ont représenté le monde pour elle et apporte tout ce savoir à ce beau projet de bricolage, qui la place en bonne compagnie des efforts d’enregistrement solo de Paul McCartney et Todd Rundgren. Tout au long de Short-Sighted Security, les chansons d’Archer semblent demander s’il y a de la place dans le monde pour elle et sa musique, alors même qu’elle se taille un espace unique enraciné dans la démonstration de ses nombreux talents.

***1/2