Squirrel: « Flower Planet (i) »

10 juillet 2021

Le titre du premier album de Squirrel Flower, I Was Born Swimming, fait référence à sa naissance difficile, sortant de l’utérus en flottant dans le liquide amniotique. Alors que ce premier opus représentait une naissance, une auteure-compositrice en mouvement constant pour trouver sa place dans le monde, le deuxième effort de la chanteuse et auteure-compositrice Ella Williams est plutôt une renaissance dans le feu. En portant sa vision à l’échelle planétaire, Williams a écrit une « lettre d’amour au désastre » avec Planet (i).

Le titre fait soi-disant référence à la prochaine planète que l’humanité va revendiquer et, très probablement, détruire à nouveau. Comme il se doit, la destruction est omniprésente sur l’album. Dans « Deluge In The South », Williams est « coincé » dans une mousseline de soie brillante » (stuck in chiffon shining), regardant un paysage inondé, tandis que « Big Beast » envoie l’auditeur directement dans la trajectoire de la tempête avec son point culminant apocalyptique et sauvage. Pourtant, les désastres de Williams ne sont pas toujours d’une ampleur aussi biblique. Dans « Hurt a Fly », Williams se place dans la peau d’un narcissique qui s’en prend à ceux qui l’entourent, puis insiste : « Tu sais que je ne pourrais jamais faire de mal à une mouche, à moins que cela ne me fasse perdre mon temps » (You know I could never hurt a fly/Unless it wasted my time).

Williams ne fait pas que constater la destruction, elle la célèbre et l’accueille. Elle se tient sur le toit et accueille les vents arides d’une tornade sur « Desert Wildflowers » et elle supplie de vivre seule et invisible sur « To Be Forgotten ». Mais surtout, l’ouverture elle-même accueille la destruction. « I’ll Go Running » commence dans un élan de colère, mais ne se termine pas dans le désespoir, mais dans le triomphe. Williams trouve sa renaissance dans les feux du désastre alors qu’elle insiste : « Je serai plus neuve qu’avant/Je serai quelque chose que vous n’avez jamais vu » (’ll be newer than before/I’ll be something you’ve never seen).

Comme il se doit, Williams semble plus neuve qu’avant sur son deuxième album. Dès le début, les « singles » de l’album semblent avoir ouvert la voie à un son légèrement plus défini pour Williams sur Planet (i). La construction flottante et céleste de ses débuts fait place à des moments plus poussiéreux et terreux, alors que le rock indépendant dense et distordu peuple les pièces maîtresses de l’album. Des guitares bruyantes mènent à un point culminant explosif sur « I’ll Go Running », tandis que des solos de guitare nerveux sur « Hurt a Fly » et « Flames and Flat Tires » ponctuent l’album de moments dramatiques.

Pourtant, comme dans I Was Born Swimming, la musique de Williams excelle une fois de plus dans les petits détails. La texture et l’atmosphère régissent son monde plus que les accroches qui chatouilleraient l’oreille. En dehors des moments de solos noueux et des distorsions occasionnelles, Williams invite votre attention plus qu’elle ne l’exige. Mais lorsque cette attention est accordée, de nouvelles profondeurs dans son écriture se révèlent. La poésie gracieuse de Williams porte des morceaux denses et verbeux comme « Pass » ou le plaintif et clairsemé « Desert Wildflowers », offrant un répit aux paysages sonores arides et apocalyptiques de l’album avec une intimité accueillante.

C’est surtout dans ces moments austères que les forces de Williams en tant qu’interprète s’avèrent être la pièce maîtresse indéniable de l’album. Sa voix puissante atteint des sommets sur le morceau central grunge « Roadkill » et explore un territoire feutré et éthéré sur le morceau final « Starshine ». Invariablement, Williams est magnétique des premiers instants jusqu’à la fin. Quand elle chante sur « Iowa 146″ » quand elle joue de la guitare, tout s’écroule. Elle vous plonge dans des histoires de désastre, des rêveries nostalgiques, des moments de joie volés et la douleur ardente de la renaissance. Jusqu’à la fin du disque, vous êtes maintenant sur la planète d’Ella William.

***1/2


Lou Barlow: « Reason To Live »

13 juin 2021

Au milieu des années 90, Lou Barlow avait raconté à Vox, un magazine musical aujourd’hui disparu, ses débuts d’enfant en tant qu’auteur-compositeur. En fustigeant les choix culinaires d’un membre de sa famille son l’hymne de protestation ne figure peut-être pas parmi ses œuvres enregistrées, mais le récit de son existence nous en dit suffisamment sur son honnêteté crue et sa volonté de lutter contre l’inconfort de l’auditeur.

Heureusement, ces qualités restent intactes sur Reason To Live, son premier album solo en six ans. C’est aussi le dernier en date d’une série d’albums de Barlow, qui fait suite à une série d’abonnements commandés par les fans, au récent Sweep It Into Space de Dinosaur Jr et à l’excellent Act Surprised de Sebadoh en 2019. Cela peut sembler être un emploi du temps chargé par rapport aux normes de la plupart des artistes, mais qui ne semble pas avoir entamé ses capacités. En fait, il s’agit d’un autre effort solide de la part d’un homme qui semble avoir atteint sa meilleure forme ces derniers temps, comme le prouve l’ouverture  « In My Arms » – un hymne reconnaissant à la redécouverte de son mojo («  this outrageous gift ») qui flotte sur un nuage de strumming délicat et folklorique et de mélodie sans effort. Lou Barlow fait ce que Lou Barlow fait le mieux, en gros.

Sur la chanson titre, il soupire sur la cruauté du monde tout en trouvant du réconfort dans la force de son couple – une dichotomie qui se retrouve tout au long de « All You People Suck » est l’expression la plus explicite de cette dichotomie. Elle est à la fois pleine de colère et de lassitude, d’une manière qui peut être assimilée par tous ceux qui se sentent épuisés par ces dernières années. Sur « Love Intervene », cependant, il s’adresse directement à une émotion, l’invoquant pour nous montrer le chemin et nous guider hors des sentiers les plus sombres. Oui, sur le papier, cela semble un peu hippie, mais la voix mielleuse et sans âge de l’homme de 54 ans lui donne un air essentiel ; un appel existentiel à des forces qui échappent à notre contrôle, le tout sur une mélodie irrésistiblement fredonnable.

De tous les thèmes récurrents de Reason To Live, le poison semble le plus austère et le plus cryptique. Dès la première ligne de l’album, on lui reproche d’être un « roi », alors qu’ailleurs, il « enlève la douleur » mais ne parvient pas à satisfaire une soif. Il est facile de soupçonner que tout cela mène à la fin brutale de « Tempted » : « Be honest with yourself / You’re a drunk » (sois honnête avec toi-même, tu n’es qu’un ivrogne)), mais on peut aussi se demander s’il ne s’agit pas d’une métaphore à plusieurs niveaux, faisant allusion à quelque chose de potentiellement plus dommageable. Comme toujours, cette dernière fenêtre sur sa psyché suscite autant de questions qu’elle n’apporte de réponses – bien qu’il offre sa chaleur et son intimité habituelles, il tient habilement l’auditeur à distance en conservant un certain degré de mystère. Mais bien sûr, ce n’est là qu’un des nombreux facteurs qui vous inciteront à revenir pour en savoir plus ; une toile enchevêtrée qui n’est jamais moins que fascinante.

***1/2


Damien Jurado: « The Monster Who Hated Pennsylvania »

6 juin 2021

Pour son quatrième album en trois ans, Damien Jurado revient faire exactement ce qu’on attend de lui : créer des portraits douloureux de personnes désespérées qui luttent contre un monde sans espoir qui ne s’arrête pas pour elles.

Cette approche remonte au moins à 1995, lorsque, encouragé par Jeremy Enigk, un compatriote de Seattle et ancien leader de Sunny Day Real Estate, Jurado a vu son EP Motorbike sortir sur Sub Pop. Ses premiers efforts sur le label ont abouti à la création de Waters Ave S. en 1997, son premier LP, qui lui a valu une certaine attention de la part de la critique, en présentant sa voix feutrée et son approche dépouillée sur la scène musicale indépendante de la décennie.

Waters Ave S. sera suivi de plusieurs autres sorties Sub Pop, dont le mystifiant Rehearsals for Departure en 1999 et le chef-d’œuvre hanté qu’est The Ghost of David en 2000. Les textes de chaque album présentent des observations et des souvenirs d’hommes et de femmes vivant dans l’ombre de l’amour, de la perte et du danger potentiel, que ce soit de la part d’eux-mêmes ou d’autres personnes, tous entièrement propres à Jurado dans leurs livraisons franches et quelque peu désengagées.

Vingt-cinq ans plus tard, Jurado revient avec son douloureux The Monster Who Hated Pennsylvania, un LP éclectique de 10 titres qui poursuit son défilé de chambres froides et de longues nuits. Il s’ouvre sur la légèreté trompeuse de « Helena », qui commence par « Hello from the room where I’m selling my clothes » (Bonjour depuis la chambre où je vends mes vêtements).

« Helena » est un titre d’ouverture fort, comme on peut s’y attendre d’un disque de Damien Jurado, car le premier de ses 10 narrateurs rumine des sentiments d’inadéquation et d’identité perdue. Brouillant la géographie et la personne, comme il le fait souvent, sur des cordes guillerettes et de douces maracas, Jurado y déclare en effet que The world is a liar/The stars are a must » (le monde est un menteur/les étoiles sont un must).

Ici, l’auditeur trouvera également quelques-uns des plus beaux vers du disque, comme seul Damien Jurado est capable de les écrire, dans des lignes frissonnantes telles que « Il a été pris dans le rire des lunes et nous n’avons jamais été aussi grands que le monde » (He was caught up in the laughter of moons/And we were never as big as the world » et « Se voir à travers les vagues de l’adieu/Une fois tu étais eux mais maintenant tu ne peux pas le dire » (Seeing yourself through the waves of farewell/Once you were them but now cannot tell).

Des chansons comme « Tom », avec ses images cryptiques de carnaval, et « Hiding Ghosts », sonnent comme si Jurado était devenu tout à fait à l’aise dans les vieilles maisons qu’il a construites sur ces premiers LP chez Sub Pop. « Hiding Ghosts », en particulier, aurait pu être extrait directement de Rehearsals for Departure ou de The Ghost of David. Cela peut rapidement devenir un trait négatif pour de nombreux artistes, mais un auteur-compositeur de la capacité de Jurado est capable de rénover au lieu de simplement revisiter. Les deux chansons en question sont d’une certaine manière plus fortes que tout ce qu’il faisait il y a 20 ans, et Damien Jurado, à 50 ans, s’est forgé une nouvelle perspective perdue pour le Damien Jurado à 30 ans.

L’intelligence émotionnelle qui peut se développer chez un artiste à l’âge mûr crée la couche de maturité nécessaire pour éviter que l’on ne devienne une parodie, une interprétation de soi en bande dessinée. C’est pourquoi la noirceur de Jurado perdure, son punch émotionnel restant aussi puissant que jamais. Les morceaux les plus remarquables de The Monster Who Hated Pennsylvania sont parmi les plus dévastateurs, car Jurado utilise les pouvoirs de l’âge et de l’expérience pour façonner ses personnages.

« Johnny Caravella », un morceau qui semble suspicieusement autobiographique, montre Jurado équilibrant les sensations de doute et le désir de persévérer – « I know I should leave/But I don’t have the shoes or the courage » (Je sais que je devrais partir/Mais je n’ai pas les chaussures ou le courage).

Ce morceau est l’un des plus impressionnants du disque, un slow éthéré qui porte le nom du même personnage de WKRP à Cincinnati. À la fin du morceau, Jurado y avoue : « Et oui, je pourrais dire que j’ai abandonné toute ma vie/Erasement de mon nom en haut de la page/Déplacement de mon stylo lorsque le public est devenu trop familier » (And yes, I could say that I quit my whole life/Erasing my name at the top of the page/Moving my pen when the audience got too acquainted). C’est un moment frais d’honnêteté directe de la part d’un auteur-compositeur qui passe autant de temps à parler dans d’autres voix qu’à se métamorphoser dans le son.

La dépouillée « Minnesota » est appelée à devenir la préférée des fans du chanteur, tandis que le sentiment de nostalgie de la charmante « Song for Langston Birch » sonne parfois dylanesque, et « Joan » – aussi brève soit-elle – mérite d’être considérée à part entière. Les souvenirs fragmentaires de « Jennifer » forment un autre portrait de la dévastation du point de vue expérimenté de Juradio, conduit par sa cueillette hivernale et se terminant par la conclusion glaciale : « Je me connaissais autrefois/Mais plus maintenant » (I knew myself once/But not anymore).

Servant de bref répit à toute cette obscurité – et de loin la chanson la plus unique de Jurado de mémoire récente – « Dawn Pretend » arrive soudainement sous la forme d’un hommage fébrile et chaleureux aux mêmes tubes dorés de la radio pop les plus en vue autour de l’année de naissance de Jurado. Bien sûr, le morceau reste unique à son compositeur maussade, servant de surprise inattendue, se classant facilement parmi les plus remarquables des 10 morceaux de l’album.

Le titre de clôture « Male Customer #1 » est peut-être le sommet de The Monster Who Hated Pennsylvania. C’est la quintessence de la chanson de Damien Jurado, avec des paroles typiques de Damien Jurado telles que « L’endroit le plus solitaire où j’ai jamais été, c’est dans tes bras. » (The loneliest place I’ve ever been/Is in your arms). Hanter est une façon de le décrire. Voici une conclusion appropriée pour un homme qui a parlé à la fois pour les hanteurs et les hantés tout au long de sa carrière, ne semblant jamais avoir besoin de matériel nouveau… le chagrin semble en quelque sorte lui venir naturellement.

The Monster Who Hated Pennsylvania n’est peut-être pas aussi dense ou complet que ses classiques, mais il n’en reste pas moins un ensemble habilement conçu de croquis de personnages et de chansons d’histoires, dans lequel Jurado se sent bien, peut-être même à l’aise, et qui ne montre aucune intention de s’essouffler de sitôt. Comme la plupart de ses productions, il faudra peut-être quelques écoutes pour s’y habituer complètement, mais une fois que vous l’aurez fait, cela en vaudra la peine.

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Rostam: « Changephobia »

5 juin 2021

On dit que le changement est la seule constante de la vie. Si c’est vrai, on oublie souvent la myriade d’émotions qui l’accompagne. Doute, regret, excitation. Ces choses sont souvent entremêlées et dans son nouvel album, Changephobia, Rostam Batmanglij explore toutes les textures émotionnelles que le changement peut apporter. Le talentueux producteur, multi instrumentiste et auteur-compositeur est passé par un monde de changements ces dernières années.

Après avoir quitté Vampire Weekend à l’apogée du groupe, Batmangli a déployé ses ailes créatives en travaillant avec une tonne d’artistes talentueux, ainsi qu’avec son propre matériel solo, et sur ce dernier album, son travail acharné porte définitivement ses fruits. Tout d’abord, la production de l’album est absolument sublime. On y trouve certes des traces de son travail de production avec Vampire Weekend, mais Rostam reprend ce qu’il a fait sur ces disques et le fait exploser en technicolor vivant. La batterie pulse et les synthés s’écrasent comme des vagues, tandis que les guitares vont et viennent. Même si tout cela sonne bien, les chansons sont vraiment la star du spectacle.

« These Kids We Knew » démarre avec un groove légèrement sous-marin qui se révèle avec les paroles de la chanson. S’inspirant d’un rêve fiévreux qu’il a fait, Rostam chante une jeune génération qui se lève pour prendre tout le pouvoir qu’elle peut sur une génération plus âgée, indifférente et insensible à un monde en crise. Ces enfants que nous connaissons depuis si longtemps ne parlent pas comme on leur a parlé, par les gouvernements ou les empereurs, ils vont vous aligner sur le trottoir. C’est un sentiment courageux qui lance un cycle de chansons sur le changement, d’où il vient et comment il nous affecte tous. « From The Back Of A Cab » est une belle prise sur la nature fugace des relations modernes. Sur un groove très Odd Blood-période Yeasayer, Rostam chante dans son ténor tranquille, « Et à l’arrière d’un taxi, on s’assoit plus près/et je pose ma tête sur ton épaule/de l’arrière du taxi jusqu’à l’aéroport/je suis heureux que toi et moi ayons cette heure-ci » (And in the back of a cab we sit closer/And I rest my head down on your shoulder/From the back of the cab to the airport/I am happy you and I got this hour) et c’est magnifiquement doux-amer. Ailleurs sur Changephobia, Rostam peindra sur une toile plus large. « 4Runner » est ainsi grande et audacieuse, remplie à ras bord d’une guitare hymne et d’un groove percussif, Rostam explore le nouvel amour et combien tout cela est frais et excitant. Avec pour toile de fond un voyage en voiture avec cette autre personne,le musicien saisit parfaitement à quel point il peut être merveilleux de se lancer dans ce genre de changement.

Comme les autres projets auxquels Rostam a participé au fil du temps, Changephobia est frais, spontané et rempli d’une quantité vertigineuse de couches, tant sur le plan musical que sur le plan des paroles. Rostam fait preuve de beaucoup de profondeur et de croissance tout au long de l’album et prouve sa thèse selon laquelle le changement est constant et, même avec toutes les émotions plus sombres qui l’accompagnent, il ne faut pas en avoir peur.

***1/2


Tim Linghaus: « Venus Years »

16 mars 2021

Tout d’abord, il faut tirer un coup de chapeau à Tim Linghaus. Pendant toutes ces années, il a réussi à trouver sa propre voie musicale et à la suivre avec constance. Vous vous souvenez peut-être de l’EP Vhoir, qui avait une touche néoclassique. Eh bien, il y a encore un peu de cela dans les œuvres actuelles, mais Tim Linghaus a trouvé sa place dans un style atmosphérique dans les eaux de la musique alternative. La mi-décembre voit la sortie de son deuxième effort Venus Years, un tome d’histoire émotionnelle sur les années difficiles d’un enfant présenté avec son prédécesseur We Were Young When You Left Home. Venus Years ne fait pas que poursuivre le son alternatif, il a beaucoup plus à offrir.

Le compositeur a parlé en détail de lui-même et de sa musique. Inutile de dire que ses deux derniers albums ont été choisis dans la catégorie « référence musicale » du Gezeitenstrom Musikmagazin. Alors que Memory Sketches était encore une floraison de sons dans la musique classique moderne, le compositeur a surpris avec des influences et des approches complètement nouvelles avec sa dernière œuvre We Were Young When You Left Home. L’album offre donc une approche très expressionniste, les voix, les éléments de type jazz et les circonstances alternatives font leur chemin.

Cela continue sur Venus Years et est complété par une compréhension musicale élargie. Sur le plan thématique, l’album s’articule autour du point de vue d’un enfant confronté à un divorce. Faire face à la solitude, redécouvrir la structure, l’importance d’une nouvelle routine et retrouver la confiance en soi sont les thèmes clés sur lesquels la musique est construite. L’histoire et la référence post-apocalyptique de l’album sont le cœur palpitant de cet opus.

Ce que Tim Linghaus a excellemment maîtrisé, c’est le sens immersif de la nostalgie et de la rétrospective qui a été intégré aux structures sonores en tant que cadre sonore. Venus Years comporte beaucoup de ces moments, qui peuvent lever le voile et inonder de souvenirs d’enfance. Des sphères de sons électroniques, des voix désaccordées et émotionnelles et une corne d’abondance de la diversité des différents domaines musicaux forment une structure sonore homogène pleine d’authenticité et d’imagerie soul de l’acoustique. Entre les deux, on trouve un fil conducteur légèrement mélancolique, imprégné de l’empathie du compositeur, qui traverse presque toutes les pièces. Des paysages sonores, liés comme un point d’ancrage dans lequel l’auditeur peut se laisser tomber sans effort. Ainsi, des éléments de jazz, de rock alternatif sont fusionnés avec de l’ambient néoclassique sur Venus Years, toujours ponctués d’un sous-entendu laconique aux facettes dystopiques qui porte le concept de l’album de chapitre en chapitre. Comme son prédécesseur, le degré d’expressionnisme est un pilier, et certains morceaux brillent d’un degré d’acoustique presque intemporel grâce à cet aspect.

De ce fait,sur ce nouvel album, Tim Linghaus a collaboré avec le saxophoniste Tobias Leon Haecker, la chanson « Love and Dust » a été créée avec le pianiste Muriёl Bostdorp. La longueur des 16 pistes est très variable, ce à quoi on est habitué dans les compositions de Tim Linghaus. Quelques titres doivent être détaillés, ils sont l’âme et le cœur palpitant de l’album. Vous n’avez même pas besoin de prendre beaucoup de temps pour laisserVenus Years agir sur vous. Car l’album dégage déjà une esthétique très touchante dès la première composition « Biographical », où l’on aime laisser la musique vous prendre par la main.

Des nuances de surréalisme avec des aspects de rock émotionnel peuvent être trouvées dans le morceau « Rebuild », un excellent exemple du processus créatif qui est mis en évidence assez souvent sur l’album. Le titre accrocheur aux caractéristiques progressives « You Called It Love » peut se manifester comme un ver d’oreille permanent, où l’auditeur devrait trouver de nombreuses nuances d’auto-interprétation. Des sons de saxophone et de piano peignent une aura nostalgique dans le morceau « Home For The Kids », oui il y a beaucoup à découvrir sur ce nouvel opus. Le contexte de nombreux morceaux a des vibrations émotionnelles et atmosphériques, très prononcées dans des morceaux comme « Warhorses » ou le rêveur et gracieux « Ghost » sans compter le morceau sphérique qu’est « K In A Wafting Cape ».

Vous pouvez déjà plonger dans un monde de nostalgie et d’expressionnisme. Des veines mélancoliques et des artères surréalistes, qui laissent vivre le cœur de Venus Years en acoustique. Ceux qui ont déjà trouvé l’album précédent We Were Young When You Left Home bouleversant trouveront occasion d’être heureux avec Venus Years.

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nothing,nowhere.: « Trauma Factory »

14 mars 2021

Apparemment, dans sa quête permanente de continuer à avancer, et de ne jamais s’arrêter, nothing,nowhere. inspire les autres autant qu’il apprécie l’inspiration qu’il peut tirer des personnes avec lesquelles il parle.

Même pendant la pandémie mondiale actuelle, l’artiste du Vermont a maintenu son engagement avec ses fans du monde entier, et l’artiste, auteur-compositeur et conteur à multiples facettes a cherché à renforcer la communauté dont il fait partie, en s’assurant que tout le monde y participe. – À une époque où l’isolement est presque la norme, et où certains artistes, de manière assez compréhensible, se sont retirés, les méthodes de Joe Mulherin semblent être exactement le contraire, il a continué à parler aux fans, et cela semble porter ses fruits.

Ainsi,il utilise les médias sociaux de manière innovante, en leur offrant des gâteries uniques. L’année dernière, le tournage à l’intérieur de sa maison dans le Vermont a permis de voir les chambres, le jardin et le studio HOMECOMING – At Home With… nothing,nowhere.

Au début de ce mois, il a allumé un feu, fait bouillir de l’eau de neige pour faire du thé à la menthe poivrée au milieu des bois, tout en partageant des messages intimes et personnels de ses fans. Une idée d’originalité et de pureté à coup sûr, qui restera sans doute inégalée. De même, la réunion d’isolement de mai de l’année dernière, où il a réalisé un spectacle dans la nature, en est un exemple frappant. – Décrivant le titre de son nouvel album Trauma Factory, il a déclaré : « C’est une pièce de théâtre sur le bouddhisme, qui fait partie de la vie, et il y a une sorte de beauté dans tout cela ». Une collection de chansons écrites à une époque déconcertante, le disque aborde l’idée d’accepter le présent et de suivre votre « véritable nord à travers la souffrance de la vie humaine ».

L’intention de nothing,nowhere. de créer un album sans restriction de genre transparaît dans ce projet, puisqu’il incorpore des éléments de post-punk, de new wave, de hard rock, d’électro-pop, de folk et plus encore. Alors que quinze pistes pourraient sembler riches, chaque chanson ne dure en moyenne pas plus de deux à trois minutes.

Les plaisirs sont nombreux, allant du moment électropop de «  lights «  à l’ambiance alt-rock de « buck  » et  » upside down « . Comprenant les paroles « I needed a place for the pain, the grieving, the loving », « pain place » est un moment mémorable. Avec l’artiste londonien MISOGI, des harmonies hypnotiques et émotionnelles rencontrent des rythmes électro poignants.

La nature hymne de l’emo, l’énergie de l’alt-rock de « fake friend » donnent un coup de fouet, tandis que « death », aux allures de Rage Against the Machine, est un morceau aussi furieux que possible. « Blood » sera est un instant hypnotique. Inspiré par Joy Division et The Cure, il met en scène le chanteur et rappeur KennyHoopla, qui représente un moment particulier. Apparemment, l’écriture de la composition n’a pris que vingt minutes.

Si la souffrance ou la douleur humaine n’est pas joyeuse, l’artisanat spécial de nothing,nowhere. l’est très certainement, et Trauma Factory est une splendide occasion de célébration de ce que peut être une expérience émotionnelle.

***1/2


The Anchoress: « The Art Of Losing »

12 mars 2021

Peu d’artistes modernes ont autant de franc-parler et d’érudition que Catherine Anne Davis. Au cours des cinq dernières années, elle est devenue une présence familière sur la scène alternative britannique, apparaissant dans des endroits inattendus pour animer des émissions de radio, publier des podcasts, rédiger des articles réfléchis sur les problèmes de santé mentale et de sexisme endémiques à l’industrie musicale, et collaborer avec des groupes bien établis comme Bernard Butler, Manic Street Preachers et Simple Minds. Elle est membre de la Music Producers Guild, enseigne l’écriture de chansons et la production musicale à l’ICMP et, à l’occasion, sort de la musique sous le nom de The Anchoress. En d’autres termes, elle est très occupée.

Tout ce préambule inutile ne sert qu’à démontrer à quel point il est étrange que ce ne soit que maintenant, en 2021, que nous ayons enfin une suite digne de ce nom à Confessions Of A Romance Novelisten 2016, un album qui, pour des raisons bien indépendantes de la volonté de Davies, semble être sorti il y a des milliers d’années. Il est vrai que The Art of Losing devait initialement arriver en mars dernier, devenant ainsi l’une des premières victimes du calendrier de sortie d’une crise que personne ne prévoyait aussi longue ; mais à l’écoute de ce disque, il est impossible de ne pas sentir que Davies a beaucoup vécu dans les années qui ont suivi la sortie de son premier album.

Alors que Confessions Of A Romance Novelist n’était en aucun cas un disque superficiel, ses odes aux chagrins d’amour et aux difficultés étaient livrées avec un flair théâtral, presque campagnard, qui complétait sa façon romanesque de manier les mots et son amour du drame. De son côté, The Art of Losing n’a pas vu The Anchoress perdre son goût pour ces grandes fioritures à la Kate Bush pour augmenter les enjeux émotionnels de ses chansons, il y a un sens comparatif de poids et de sérieux donné au sujet abordé ici.

Comme son titre l’indique, il s’agit d’un album conceptuel sur la sensation de perte – le fait d’atteindre quelque chose pour s’apercevoir qu’il a soudainement et irrévocablement disparu. Pendant les 20 premières minutes environ, Davies incarne largement ces sentiments dans des bangers radio-friendly, vaguement gothiques. « Show Your Face » raconte la mort d’une amitié avec quelqu’un qui refuse de croire les victimes d’agressions sexuelles, « The Exchange » fait la chronique d’une perte d’identité dans une relation toxique, tandis que la chanson titre affronte le tabou sociétal qui entoure la discussion des fausses couches, un sujet lourd et très personnel pour Davis, qu’elle empêche néanmoins de devenir trop tranchant en employant une mélodie entraînante et le refrain de « Shake The Disease » de Depeche Mode.

À partir de « Paris », cependant, les gants sont enlevés. La production est réduite à un piano et à des cordes (ce qui est un soulagement, car son talon d’Achille lorsqu’elle produit elle-même est sa propension à utiliser tous les instruments sympas de son studio sur chaque morceau), et Davies permet à sa voix puissante d’occuper le devant de la scène. « 5am » est un véritable coup d’éclat, une chanson qui revisite calmement trois de ses souvenirs les plus horribles, que Davies dépeint avec une honnêteté à couper au couteau : la fin creuse d’une histoire d’amour, la perte traumatisante et non consensuelle de sa virginité, le voyage à l’hôpital qui se termine par une fausse couche.

Cette combinaison d’émotion et de rage sourde persiste jusqu’à la fin de l’album, sur une incroyable série de morceaux qui se termine par « With The Boys », une condamnation sauvage de son expérience de femme compétente travaillant dans le monde condescendant et testostéroné de la production musicale (« Got to be good, got to be certain if she wants to play with the boys », ricane le refrain).

Comme son prédécesseur, Art Of Losing est empreint d’un air de grandeur grâce à la pléthore d’auteurs auxquels Catherine Anne Davies (docteur en littérature et en théorie des homosexuels) fait référence : Carson McCullers, Lord Byron, Julian of Norwich, etc. Cette fois-ci, cependant, sa voix d’auteur et sa capacité à raconter sa propre histoire, avec toutes les tragédies et les triomphes qu’elle contient, ne font aucun doute.

***1/2


Anna B Savage: « A Common Turn »

16 février 2021

Avec le succès inattendu de son premier EP d’Anna B Savage a été frappée par des accusations syndrome d’imposture qui ont étouffé sa créativité. Il a fallu cinq ans à la musicienne londonienne pour reprendre confiance en elle et enregistrer un suivi qui examine franchement sa vie.

Pendant cette période, elle a suivi une thérapie, s’est échappée d’une relation toxique, a fait divers petits boulots et a déménagé deux fois à l’autre bout du monde. Ces expériences se traduisent à maintes reprises par une réflexion brutale sur soi-même qui navigue de manière diverse sur la sexualité féminine, le doute de soi et les propriétés curatives de la nature.

Les sujets sont si importants qu’elle décrit comment elle a « imprimé toutes les paroles, les a collées sur mon mur et a tracé des lignes entre chaque idée correspondante », pour s’assurer qu’elle avait couvert tous les thèmes qu’elle aspirait à aborder. Il serait erroné d’appeler A Common Turn un album conceptuel mais les morceaux montrent un sens du développement personnel.

Le disques’ouvre sur « A Steady Warmth », un demi-piste expérimental qui semble être fortement influencé par la production de William Doyle. Elle a pris contact avec l’artiste, qui avait auparavant enregistré sous le nom de East India Youth, après qu’il ait publié un post sur les médias sociaux demandant aux gens de le contacter s’ils voulaient enregistrer ensemble.

Sa touche habile introduit des éléments électroniques dans un album qui, autrement, aurait été un auteur-compositeur-interprète supérieur. La plupart des dix morceaux pourraient facilement être réalisés avec seulement la voix et la guitare acoustique, mais ici, on leur donne des synthés chatoyants et des beats industriels subtils. À la fois austère et mélodique, cette production apporte des textures et des tournures sonores inattendues. « Two » et « BedStuy » sont les points forts de cet amalgame, de tristes beats de club se faufilant par intermittence dans le mix.

Cette production moderne est le parfait contrepoids à son arrière-plan. Ses deux parents sont chanteurs classiques et elle a passé les anniversaires de son enfance au Royal Albert Hall, où ils étaient toujours programmés pour le bal de Bach. Son contralto très contrôlé aurait pu être tourné vers l’opéra, mais avec son sens inné du mélodrame, elle ressemble plutôt au style vocal d’Anohni.

Les arrangements sûrs et confiants sont également l’équilibre idéal au doute lyrique de soi. Ils sont encadrés par d’innombrables références à la culture pop. Pendant 50 minutes, elle écoute « Spice, then Funera » », écrit »une ligne sur le mug de la chouette Edwyn Collins et se masturbe en pensant à Tim Curry en lingerie du Rocky Horror Picture Show.

La fiabilité et l’humour de ces confessionnaux de chambre à coucher rendent le contenu explicite plus vulnérable que choquant. Le « single » « Chelsea Hotel #3″ » une réponse à la chanson « Chelsea Hotel #2 » de Leonard Cohen, aligne la croissance personnelle sur la libération sexuelle. Après avoir avoué qu’elle ne « sait pas comment me faire plaisir » (now how to please myself), elle achète une balle – une sorte de vibromasseur – et se promet qu’elle « apprendra à prendre soin de moi » (will learn to take care of myself).

Cette promesse est un moment important dans le parcours émotionnel de l’album. Elle commence avec une telle déconnexion et un tel engourdissement qu’elle admet sur « Corncrakes » qu’elle ne « ressent plus les choses aussi vivement qu’avant » (feel things as keenly as I used to). La profondeur de son désespoir est telle qu’elle est prête à « essayer n’importe quoi, j’achèterai n’importe quoi » pour se sentir mieux. A la fin de l’album, sur « One », elle n’est pas tout à fait guérie mais on reconnaît qu’elle a le contrôle. « Je veux être forte » (I want to be strong), répète-t-elle, sa guitare gonflant et gagnant la force personnelle qu’elle désire tant.

En luttant pour le contrôle de sa vie émotionnelle et physique, Savage crée un paysage aussi distinctif que celui d’Aldous Harding. Sur cette base, elle peut être assurée que ses craintes de créer un album médiocre – comme elle l’avoue sur « Dead Pursuits » – ne sont pas fondées. On peut seulement espérer que son succès mérité ne déclenche pas une autre période d’écriture réduite à une page blanche.

***1/2


Clara Engel: « A New Skin »

31 décembre 2020

La fin de l’année étant enfin en vue, il semble que ce soit le moment idéal pour faire une pause et prendre une respiration. 2020 a été le genre d’année dont la plupart d’entre nous seront heureux de voir le retour, en regardant avec espoir la lueur accueillante de la nouvelle année et en espérant que ce ne soit pas la lumière d’un train qui arrive. L’envie d’un nouveau départ se fait particulièrement sentir. Dans cette brèche, la chanteuse et compositrice torontoise Clara Engel s’engage avec la beauté subtile et transformatrice de A New Skin.

Engel a déjà eu un impact énorme sur mon année, puisqu’elle a sorti l’époustouflant Hatching Under The Stars au début du mois d’avril. Une merveille aux grands yeux à travers le cosmos, parsemée de harpe, de clarinette, de glockenspiel, de lap steel et de violon. C’est, sans l’ombre d’un doute, l’un des plus bel album de toute l’année. Dans A New Skin, Engel dépouille les musiciens invités et les extra-instrumentistes pour créer un enregistrement domestique fantastiquement intime. Huit chansons profondément atmosphériques construites autour de la guitare à boîte de cigares, de la guitare électrique, du mélodica et de l’harmonica. La voix sublime d’Engel et sa poésie évocatrice nous guident dans l’obscurité.

Nous sommes progressivement plongés dans le monde nocturne d’Engel avec la mélancolie gracieuse de « A Starry Eyed Goat ». Une guitare doucement grattée et un mélodica étrange et éthéré ponctuent l’obscurité tandis qu’Engel chante une chèvre rayonnante, « grignotant l’herbe du ciel » (munching on heavenly grass). Nombre des thèmes explorés dans Hatching Under The Stars refont surface ici avec la nature, la nuit, le feu et la transformation qui suintent à travers les pores de A New Skin. La différence est que les chansons, dans des arrangements clairsemés, mettent l’accent sur un sentiment de contemplation tranquille et d’isolement. Des thèmes que nous avons tous appris à connaître cette année.

« The Garden Is Sleeping « agit comme une berceuse médiatique, un hymne hanté situé quelque part entre « la poussière d’étoile et la chair » (stardust and flesh). Les images sont abstraites mais profondes ; un blues existentiel qui brûle lentement. L’ambiance hypnotique se poursuit avec le folk céleste de « Little Alien Lost ». Faisant référence à William Blake et Jim Jarmusch (deux des premières influences d’Engel), le morceau est empreint d’un espoir incertain, « laimer est un pari/ un miracle surmûri/ c’est un petit alien perdu dans les bois » (loving’s a gamble/ an overripe miracle/ it’s a little alien lost in the woods) . Remarquant, comme le grand Mark Linkous l’a fait un jour, que c’est un monde triste et beau.

« Gossamer Knives » crée des textures oniriques et ambiantes ; une composition étourdissante, apaisante et heureuse. L’idée même d’un album dépouillé peut évoquer des images d’un enregistrement de style MTV Unplugged, mais Engel crée quelque chose de bien plus subtil, texturé et d’un autre monde. L’étonnante « Night Tide » nous a presque fait pleurer, alors qu’Engel se languissait de la tendre mélodie « Est-ce que tu rentres à la maison ? La reine du monde souterrain veut savoir » (Are you coming home? The queen of the underworld wants to know ). C’est une chanson qui parvient à capturer l’isolement que beaucoup d’entre nous ont ressenti cette année ; livrée avec beauté, sincérité et espoir.

Quand Engel chante « a world turned upside down » sur « Thieves », elle pourrait s’inspirer d’un certain nombre d’expériences personnelles, mais les paroles semblent avoir une pertinence particulière en 2020. Comme dans la majeure partie de l’album, on trouve un étrange réconfort dans ces mélodies solitaires. L’album avance à un rythme lent et quasi glacial ; chaque chanson a la possibilité de respirer et de s’épanouir à son propre rythme. « On Nightingale Wings » dérive avec une grâce sinistre et fantomatique tandis qu’Engel chante calmement : « J’attends juste que le vent change/ que de nouveaux yeux voient/ que les chiens sauvages se régalent d’ailes de rossignol/ que tout le monde ait besoin de manger » (I’m just waiting for the wind to change/ for new eyes to see/ wild dogs feast on nightingale wings/ everybody needs to eat).Frisson dans la colonne vertébrale et magie à l’oeuvre iciassurés.

Les neuf minutes d’introspection qui composent le morceau titre semblent passer en deux fois moins de temps, un superbe slow qui me tient captif tout au long de la chanson. Le réconfort et la catharsis offerts par la musique elle-même sont honorés par les derniers mots de la composition, « Venez chanter avec moi/ à la fin, il n’y a pas de sortie plus douce » (come sing with me/ in the end there is no sweeter release). La chanson s’estompe et nous laisse ébahi s; Clara Engel a réussi à sortir deux des plus beaux albums que j’ai entendus cette année. Comme toutes ses œuvres, A New Skin requiert votre attention particulière et totale. Mettez du temps de côté et immergez-vous, vous ne serez pas déçu. Ce dernier album peut se révéler être le compagnon idéal des dernières semaines d’une année longue et étrange. Il est temps de prendre une grande respiration et de se faire une nouvelle peau.

****


Jeremy Tuplin: « Violet Waves »

1 novembre 2020

Le dernier opus de Jeremy Tuplin, Violet Waves, se penche sur l’amour, la perte et les titres à se faire pâmer les femmes..

En garant sa voiture, en ouvrant les volets et en appuyant sur le bouton lecture de son appareil de musique, « Back From The Dead » commence à s’enflammer, attirant une foule de passants. L’instrument funky et joyeux entraîne la foule dans une transe, en traînant les pieds et en se trémoussant sur le rythme. Jeremy s’impose comme l’homme à surveiller, avec des voix qui correspondent à la mélodie comme le sirop correspond aux crêpes.

Avec la même constance, Jeremy nous offre un voyage de rêve imprégné de psychédélisme avec « Space Magic ». Un solo de guitare étourdissant s’insinue et clôt la chanson, faisant fondre chaque oreille qu’elle touche. De « The Idiot » à « Violets Are Blue », Tuplin est capable decaptiver tout le monde par ses douces mélodies et sa voix apaisante, tout en chantant des chansons qui sont de véritables tragédie.

En référence à l’ouverture, le dernier morceau, « When I Die, etc. », s’enchaîne à un rythme soutenu et apaisant qui donne aux spectateurs un souvenir de lui. Le morceau s’arrête et la foule rugit, applaudissant la performance de Jeremy qui oscille entre le toucher et l’excitation. Il remballe son chariot et poursuit sa route, flottant sur une mer de vagues violettes. Le travail est fait.

***1/2