Anna Burch: « If You’re Dreaming »

Le premier album d’Anna Burch, Quit the Curse, sorti en 2018, l’a fait découvrir au monde entier avec des mélodies pop à la guitare. Malgré des paroles douces-amères, le rock indie de Burch éclate avec une énergie satisfaisante et brillante. If You’re Dreaming est différent de la première chanson. Les compositions ici sont aériennes, oniriques et beaucoup moins directes que les premières de Burch. Bien que l’exécution discrète donne un album moins immédiat que le précédent, ces méditations sur l’isolement et l’anxiété affichent une douce beauté.

La voix aérienne de Burch est le point culminant de If You’re Dreaming. Elle flotte au-dessus des instruments, donnant aux chansons un air tranquille. Elles s’intègrent parfaitement au son pop et spatial de chansons telles que « So I Can See »ou « Every Feeling ». D’autres titres créent un soft rock ensoleillé, comme l’ouverture “Can’t Sleep” ou le chaud solo de guitare sur « Go It Alone ». Ces morceaux se rapprochent de ce que les auditeurs ont trouvé sur Quit the Curse mais avec une approche langoureuse qui laisse ressortir la voix immaculée et les beaux arrangements de Burch.

If You’re Dreaming est coloré par des sentiments d’isolement, de fugacité et de désir de connexion. Burch a écrit l’album après une longue période de tournée intense. « Party’s Over » reflète cet état d’esprit quelques minutes après le début de l’album, alors que Burch entonne « I’m so tired/I’m so tired/I’m so tired ». L’espace incertain et transitoire dans lequel l’album a été écrit capture l’anxiété de cette époque de façon presque prévisible. À l’ère de la distanciation sociale, le désir de lignes telles que « Tu me demandes quand tu vas revenir/Mais je dois rester à l’écart pour pouvoir voir clairement » (You’re asking when will you come back to me/But I gotta stay away so I can clearly see), expression qui nous parlera plus que jamais.

Alors que la mélancolie et l’introspection caractéristiques de Burch constituent la majeure partie de la première moitié de l’album, la seconde moitié trouve des points lumineux d’espoir et de joie intérieure. « Not So Bad » apporte une note d’optimisme dans les moments sombres où Burch trouve le bonheur dans ses souvenirs avec un partenaire. Elle chante : « Ça résonne dans ma tête toute seule/Notre amour est un spectacle de photos » (It plays in my head alone/Our love is a picture show). Le titre ajoute également une variété instrumentale bienvenue avec ses léchés de guitare, son groove de basse, et ses saxophones jazzy. Mais elle conserve aussi l’énergie facile de l’album dans son ensemble. Le LP se termine également sur une note ensoleillée et romantique avec « Here With You », car Burch trouve du réconfort dans le simple fait d’être avec son partenaire.

If You’re Dreaming est sans aucun doute un album différent de son prédécesseur. L’approche douce et rêveuse apporte moins de l’énergie indie rock instantanément accrocheuse de son premier album. Pourtant, la lente combustion de l’album lui confère une grande longévité. Entre-temps, l’exploration par Burch des hauts et des bas de son monde intérieur reste plus convaincante que jamais. Elle donne une voix à l’incertitude et à l’isolement tout en pointant vers l’espoir et la paix intérieure. Combiné à un son béat et à une instrumentation luxuriante, l’album joue comme un simple réconfort pour ces temps turbulents et agités.

***1/2

Jennah Barry: « Holiday »

Sur le nouvel album de Jennah Barry, Holiday, l’auteure-compositice canadienne présente à qui veut l’écouter sa maison, son cœur et ses rapports avec une foutitude d’émotions. Huit ans après sa première sortie, Young Men, Holiday arrive comme un effort apaisant de deuxième année qui a les qualités douces et effarouchées d’une première impression. Bien qu’il y ait un air timide dans la façon dont ces chansons font tourner l’auditeur dans les mondes intérieur et extérieur de Barry, la musique elle-même est partagée avec une confiance gracieuse et croissante. Pourtant, avec tout cela, Barry ne nous dit pas tout. Entre les descriptions des eaux lunatiques de l’océan Atlantique, les solos de bois chantants et les réflexions bucoliques sur soi-même, il est clair que Barry retient une certaine profondeur qui existe en elle et dans sa musique potentielle.

Holiday a été écrit et enregistré sur la côte sud de la Nouvelle-Écosse, dans une maison que Barry a aidé à construire et certaines parties de ce paysage côtier, au nord de l’Atlantique, apparaissent souvent sur l’album, à travers une représentation à la fois tonale et lyrique. Sur « Roller Disco » » l’un des « singles » de l’album, la description du cadre commence au cœur d’un continent, du mauvais côté du Canada. Trouvée au début de Holiday, cette caractérisation isolante de la région d’origine de Barry établit une dichotomie de solitude et d’intimité qui persiste tout au long de l’histoire. La gamme émotionnelle de Holiday dépeint la maison de Barry comme un lieu éloigné, distant selon certains critères, mais riche d’un sentiment intime d’appartenance. Cette dichotomie est simplifiée sur le morceau « I See Morning », comme Barry le chante : « En regardant le monde, tout peut arriver / En regardant le monde, rien n’arrive jamais » (Looking at the world, anything can happen / Looking at the world, nothing ever happens).

« Big Universe » ajoute également au sentiment de lieu nuancé créé pendant les vacances. La combinaison musicale d’une pedal steel guitar et de la répétition de « oom sha la las » dans les chansons a longtemps été associée au bord de l’océan. Ici, nous avons ces deux éléments essentiels d’une ode à la mer. Malgré ces éléments de plage, « Big Universe » n’évoque pas les images des côtes chaudes et sablonneuses de la Californie. Au contraire, la piste existe dans un autre type d’humeur maritime. La voix de Barry ressemble aux eaux plus froides de l’Atlantique, comme une corne de brume soufflant dans une tempête. Ce sont les voix d’une sirène introspective, qui accueille les navires à terre tout en explorant ses émotions.

Parfois, il semble que les paroles apaisantes et rassurantes de Barry s’adressent à elle-même. Sur « Pink Grey Blue », un autre « single », elle chante : « Pas de surprise / Tu as mal à l’intérieur / Tu es rose, gris et bleu. » (o surprise / You ache inside / You’re pink and grey and blue.) C’est comme si nous regardions Barry et sa guitare pendant un moment d’intimité. Elle reconnaît la complexité de ressentir plusieurs choses à la fois, et lorsqu’elle parle à haute voix, sa propre voix est l’antidote à ce problème universel. Une sorte de refrain se répète : « Ça pourrait être pire / Une malédiction est juste cet amour que j’ai pour toi. (Could be worse / A curse is just this love I have for you Un léger vibrato se marie à merveille avec le genre de jeu de guitare qui consiste à faire glisser les doigts le long des cordes dans différentes positions. « Pink Grey Blue » est une berceuse qui traite d’amour-propre.

« Lullab » serait une description appropriée pour de nombreux morceaux composant Holiday. Avec sa courte durée et son sujet somnolent, « Are You Dreaming ? » est un nouveau joyau du genre berceuse. Il a l’effet intemporel d’une couverture épaisse et d’une tasse de thé aux herbes, et est tellement dépourvu de paroles trop contemporaines que le résultat final donne l’impression qu’il aurait pu être écrit par des trappeurs de fourrure en 1650. Encore une fois, la voix de Barry se combine si merveilleusement avec l’accompagnement à la guitare dans ce titre dont Mary Travers serait fière.

Alors que Holiday ne s’éloigne jamais trop de son folklore acoustique discret, le troisième morceau, « The Real Moon », est une aberration bienvenue. Une fois que cette chanson se met en marche avec ses cornes et ses tambours, on se sent presque prêt à faire la bande sonore d’un thriller d’espionnage et de romance à la James Bond. « The Real Moon » contient également l’un des nombreux exemples de la vision du monde pleine d’esprit et d’observation que Barry tisse dans ses chansons : « Vers 12 heures, je vois un cerf sur la pelouse de devant / Il a l’air très perdu, me fixant avec les mêmes pensées. » (Around 12 o’clock, I see a deer standing on a front lawn / He’s looking very lost, staring back at me with the same thoughts.)

Ce disque traite des sujets qui tiennent à cœur à Barry : l’amour de soi, des autres, de la maison et du lieu. Bien qu’il s’en tienne à cette conception traditionnelle voire conservatrice, Holiday parvient tout de même à offrir une grande polyvalence à ses auditeurs. L’album est à la fois une force apaisante et un exercice stimulant de considération intérieure. Il s’agit de l’auto-présentation réussie de Barry en tant que superbe auteur-compositeur capable de chanter des beautés originales sur des thèmes intemporels. Tout en admirant la chaleur et la beauté berçante de Holiday, il est possible de s’interroger sur la profondeur supplémentaire qui existe sans aucun doute au-delà de la surface de l’amour et des berceuses. Il est rassurant de savoir que toute retenue qui se produit ici laisse simplement la porte ouverte à d’autres musiques venues de Barry à l’avenir.

***1/2

Pete Astor: « You Made Me »

Lorsqu’un auteur-compositeur aussi adroit et légendaire que Pete Astor enregistre un album de reprises destiné à être une sorte de panégyrique des chansons qui ont façonné sa propre sensibilité, chaque morceau devient ainsi un hommage – et même un honneur – à l’auteur et/ou à l’interprète responsable de l’original. C’est aussi une source de plaisir et, souvent, de surprise pour le fan passionné, comme tous ceux qui ont un peu de bon sens l’ont été pour Astor depuis la sortie de The Loft.

Appelez cela un palimpseste d’inspiration s’il le faut, un album comme celui-ci offre à l’auditeur un aperçu de ce qui se cache sous le talent qui l’a attiré chez l’artiste en premier lieu, une version audio de la vision aux rayons X, en un sens. Il peut s’avérer particulièrement précieux – et éclairant – lorsqu’il s’agit de quelqu’un du genre d’Astor dont le matériel a montré, tout au long de sa carrière, une tendance à se fondre dans l’autobiographique en termes de ton et de nuances (même l’ésotérisme chamber-pop d’Ellis Island Sound ne peut pas souvent échapper à un son quelque peu personnel, comme si les paysages sonores qu’il contient étaient offerts comme des instantanés intuitifs d’un album photo à oreilles de chien caché dans le subconscient agité du type).

Bien que, comme tout disque de cette nature, il puisse dans une certaine mesure se révéler parfois discordant lorsqu’on essaie de concilier son point de vue préconçu – et souvent compliqué – sur le travail de l’artiste avec la réaction « Hmm, c’est un peu inattendu » à tel ou tel morceau, ce qui est peut-être le plus remarquable dans You Made Me est l’ « Astorisation » à laquelle chacune de ces pochettes est soumise, un processus qui est en quelque sorte capable à la fois d’aplanir et d’exacerber cette dislocation initiale. Avec ce chant que nous connaissons si bien – chaleureux, d’une force discrète qui peut suggérer qu’il vient de quelqu’un qui est autant cynique que croyant – la démarche la plus facile des arrangements – tranchante, Un album de Pete Astor, sans aucun doute, mais dont la qualité païenne est toujours aussi évidente, Astor portant sur sa pochette son cœur généreux et empathique.

Nulle part ailleurs, la distillation n’est aussi rigoureuse que sur le tout premier morceau de You Made Me, une version légèrement tapageuse et bourdonnante de « Dancing With Myself ». D’une subtilité étonnante, avec des coups de caisse claire et une ligne de basse qui perfectionne le concept d’implacabilité, la version souligne non seulement la chaleur de la vulnérabilité de la chanson, mais sert aussi à mettre en valeur l’axe subtil/ecstatique qui est au cœur de l’œuvre d’Astor depuis sa première apparition dans Up the Hill and Down the Slope en 1985. Ensuite, les choses deviennent vraiment intéressantes alors que le disque oscille entre pilier et poste stylistique, touchant des bases suffisamment variées pour assurer une prise de conscience de cet artiste au goût richement éclectique qui ne peut choquer absolument personne.

La « Black Star » de Presley, la pop de Morricone des Midlands, cède la vedette (après un nouveau titre inédit intitulé « Chained to an Idiot » – laissez à Pete le soin de reprendre un des siens qui n’est jamais sorti auparavant et de le faire de manière très discrète) à « Manhattan » de Cat Power, avec une touche continentale qui, à son tour, donne les rênes à « Nitcomb » des Mescaleros, il ne peut s’empêcher de mettre à nu ce qu’un auteur-compositeur doué et naturaliste, Strummer, a été au-delà de l’éclat et de la renommée de London Calling. C’est en voyant dans la liste des titres que le « Vincent Black Lightning » » de Richard Thompson est devenu intime, ronronnant et vaguement pop, que l’on peut comprendre ce que ce genre d’album pouvait vraiment faire.

Oui, la raison première de leur existence est telle qu’elle a été énoncée – donner une forme et une ombre à la qualité autrement évasive qui définit le travail d’un artiste, et en tracer les contours elliptiques ; le contexte, en bref – mais derrière cette noble prétention, qu’elle soit destinée à être exposée ou non, se cache le fait bien plus primaire que l’art de créer des chansons a en son cœur une universalité pulsante, un besoin et en fait une contrainte de faire sortir ce geste éphémère avant qu’il ne retombe dans l’éther du déjà formé. Ainsi, chaque chanson est malléable, sous réserve de la compréhension fondamentale et innée que tous les auteurs de chansons, où qu’ils soient, puisent dans le même réservoir, au risque de paraître trop banal.

D’où l’extrapolation qui revient plus ou moins à la déclaration trop simple « Ta chanson est ma chanson, ma chanson est la tienne ». Ici, sur You Made Me, Astor a choisi une certaine sélection de chansons – on imagine que le processus d’élimination est au moins légèrement atroce – qui reflète une suggestion de son propre élan et les projette dans son propre langage musical. Un album de ce genre semble dire « à prendre ou à laisser », mais c’est le plus proche que l’on peut faire pour nous expliquer pourquoi il fait ce qu’il fait . Cela dit, YMM, en même temps qu’elle traverse des territoires aussi divers que ceux occupés par John Martyn, Silver Jews et The Remplaçants, reconnaît et ennoblit l’esprit pur qui se cache derrière ces efforts (« Solid Air », « Suffering Jukebox » et « Can’t Hardly Wait » respectivement) et déclare avec une modestie à la fois impertinente et respectueuse « Je vois votre génie et je vous remercie ».

***1/2

Gordian Stimm: « Your Body In On Itself »

Les six chansons de ce premier disque, enregistrées entre 2013 et 2020, couvrent plusieurs genres et abordent toutes sortes de sujets vitaux. Gordian Stimm (Maeve de itoldyouiwouldeatyou) tente de donner un sens à la physicalité et aux émotions tangibles et imaginaires.

Le LP s’ouvre sur le titre de 7 minutes « Bleeding Out in a Septic Tank » », un morceau plein de imprévus, de notes de piano et de samples, où Gordian Stimm évoque la « merde pour le cerveau » (shit for brains) et examine le pouvoir de la psychiatrie. Le son pop fracturé se situe quelque part entre Times New Viking, Thom Yorke et Sophie alors que son chant synthétisé flotte sur un gros son de basse : « J’ai été validé bien au-delà de ma date de péremption » (I’ve been validated well and truly past my sell-by date). Elle se termine par des cris d’émotion : « Je tourne les talons mais je suis toujours là » ( click my heels but I’m still here). « ia Mater (Sorry Mate) » suit rapidement et cette chanson s’oriente davantage vers l’électronique moderne de style Baths avec des paroles poignantes : « Une autre pensée à miner, un autre sentiment coincé à l’intérieur » (Another thought to undermine, another feeling stuck inside) ; « La vérité fait mal bien que je ne comprenne pas le but, mes dents vont mâcher les souvenirs in situ » (Truth hurts though I don’t get the point, my teeth will chew through the memories in situ).

Avec des phrases comme « Garder la fantaisie vivante, comme un puritain qui s’agite, je te vénère car je vis pour tes petits soupirs » (keeping the fantasy alive, like a puritan flailing, I will worship you for I live for your little sighs), « Miscellaneous Body Parts » est une sorte de chanson d’amour. Elle s’ouvre dans un style plus traditionnellement accessible, mais aborde des sujets importants et vitaux en se tournant vers un son qui ravira les fans de Wind in the Wires – l’ère Patrick Wolf : « Déployez vos, nos, mes diverses parties du corps » (Fold out your, our, my miscellaneous body parts). Ces vibrations de conte de fées gothique se poursuivent jusqu’à « The Very Best of Friends » – en particulier dans ses premières lignes qui ne manqueront pas de vous « démanger » : « Poux ! Des poux ! ont trouvé le moyen de s’introduire dans mon crâne. Maintenant que je suis une mère pour eux, je peux me sentir comblée » (Lice! Lice! Have found a way to scurry into my skull. Now that I’m a mother to them I can feel fulfilled ).

Gordian Stimm parle ensuite des ténias, des parasites et du shopping à un supermarché Waitrose et explique comment le fait de vivre dans cet environnement toxique lui a donné l’impression d’avoir enfin trouvé un foyer, bel examen de la façon dont les relations toxiques peuvent affecter les actions, les mentalités et les personnalités – et pas toujours pour le mieux…

« Song for Self Help » est une autre pcomposition très personnelle où Maeve s’ouvre vraiment ; une de ces chansons aignées dans l’électronique qui aborde des sujets tels que la dysmorphie corporelle, l’importance de la santé mentale et l’impact de l’automutilation : « Mon corps est trop bousillé et bizarre. Rien de ce que je fais ne le changera » (My body is too fucked and weird. Nothing that I do will change it’) ; « Je n’arrive pas à comprendre ce que je suis, alors maintenant je laisse des bleus sur mon visage » (I can’t seem to work it out what the fuck I am so now I’m leaving bruises on my face). Le dernier morceau, « Synthetic Retinas », est une autre pièce puissante qui offre un aperçu des pensées les plus intimes de Maeve, alors que sa voix douloureuse exprime comment « je peux ressentir quelque chose que je n’ai peut-être jamais ressenti auparavant » (I can feel something that maybe I haven’t felt before) avant de passer à une fin convenablement paroxistique comme se doit d’être la conclusion des albums habités et néo-gothiques..

***1/2

Margaret Glaspy: « Devotion »

Le premier album de Margaret Glaspy, Emotions And Math, a exploré l’idée polarisante des pulsions destructrices teintées également d’empathie et decompassion brutes. Son second LP, Devotion, déplace sa perspective vers un sujet plus évolué : la signification ardente de l’amour, de l’attraction et de l’assurance. « Il s’agit de laisser entrer l’amour, même si vous ne savez pas ce qui se passera quand vous le saurez » (It’s about letting love in even when you don’t know what will happen when you do), explique Glaspy. « Il s’agit de consacrer son cœur à quelqu’un ou quelque chose, contre toute attente » (It’s about devoting your heart to someone or something, against all odds ). Dans Devotion, Glaspy invite de nouveaux instruments sonores : des sons enchanteurs, une voix riche, des synthétiseurs qui swaggent et des beats électroniques en pleine dimension pour aider à fabriquer une collection de chansons d’amour altérées dans une période de chaos.

Ce nouveau projet débute avec le morceau d’ouverture, « Killing What Keeps Us Alive », qui n’a pas été écrit pour l’apocalypse mais qui symbolise ironiquement ce fait. Les quinze premières secondes mettent en avant l’évolution de son son – avec un synthé gonflé et un vocodeur surutilisé – pour dépeindre une pensée à la fois néfaste et romantique. Notre temps sur terre est peut-être bref, mais notre amour ne l’est pas forcément. Alors que sa voix métallique et pourtant saine chante : « Nous continuons à vivre comme nous ne mourrons jamais / Et nous continuons à tuer ce qui nous maintient en vie » (We keep living as we’ll never die / And we keep killing what keeps us alive). Le morceau devient la pensée consciente de Glaspy entre l’état critique de notre foyer et la capacité de tomber amoureux au milieu de tout cela. Il donne parfaitement le ton de la dévotion : ne pas s’attarder sur la destruction mais plutôt forger quelque chose de nouveau à partir des cendres.

Glaspy devient une conteuse expérimentale, chaque morceau se prolongeant dans le suivant, devenant un vœu désordonné et vocalisé à un prétendant spécial. « Young Love » intègre un hybride synthétique-guitare robotisée avec des idées dramatiques : « Je veux respirer, vivre, aimer et mourir avec toi » (I wanna breathe, live, love, and die with you), nous rappelant la croyance habituelle mais fausse selon laquelle les premiers amours deviennent des amours éternels. Alors que les sous-entendus robotiques se transforment en synthés électriques et en rythmes gargouillants dans « You Got My Number », Glaspy joue au jeu sensuel du chat et de la souris. Alors qu’elle s’épanche : « Si tu as besoin d’autre chose de moi / Tu as mon numéro » (If you need anything else from me / You’ve got my number), Glaspy met en lumière la poursuite subtile qui coïncide avec les nouvelles rencontres amoureuses. Du ton séduisant de You Got My Number, elle évolue rapidement vers l’hymne rock du projet, un « So Wrong It’s Right », où Glaspy fait consciemment appel à des synthés distants et dispersés, avec une progression de batterie rebondissante et un argument vocal répétitif : « Oh, ça paraît tellement mal que ça fait bien » (Oh it feels so wrong that it feels right ). Une tentation que certains affrontent avec des relations amoureuses. Le nouveau projet de Glaspy montre une croissance dans les performances lourdes des synthés et les filtres vocaux robotisés tout en rappelant les ballades simples qui ont commencé son voyage.

Avec l’arrangement ténu de mélodies minimalistes dans « You Amaze Me », « Devotion » et « Vicious », nous sommes réconfortés de constater que Glaspy n’est pas loin d’elle-même. Les voix intimes noyées dans la douceur, associées à de simples riffs acoustiques, forment un lien que seules les chansons d’amour à succès possèdent. Alors qu’elle chante apaisement dans la chanson-titre, «  Parce que, bébé, je suis de ton côté / Quand je te donne un morceau de mon esprit / C’est un signe de mon dévouement » (Cause baby I’m on your side / When I give you a piece of my mind / It’s a sign of my devotion), on ne peut que se retrouver chacun à balancer d’un côté et de l’autre dans le contentement. Pendant des années, le travail de Glaspy a résidé dans la présence et la simplicité, et il apporte maintenant une toute nouvelle définition à la surface.

Devotion est une interprétation des contrastes : des synthés évolués sur le plan sonore contre des voix et des instruments doux. De la fluidité de « Young Love » à la juxtaposition de l’électronique en plein essor dans « What’s The Point », elle nous enseigne comment être le meilleur des deux mondes.

Ce nouveau projet ne dépouille pas Glaspy de ses vieilles habitudes sonores, mais il s’appuie sur la palette sonore chaleureuse qui a donné naissance à ce projet et l’élargit. Elle nous rappelle la beauté que peuvent apporter ces tons où le duel fait loi et comment deux opposés peuvent se fondre en un dessein cohérent.

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Ian William Craig: « Red Sun Through Smoke »

Ce nouvel album profondément personnel de Ian William Craig est une méditation stimulante sur notre planète en feu et notre perte personnelle. Il semble que l’univers entier brûle alors que notre planète se réchauffe. Le nouveau disque de Ian William Craig est basé sur son expérience directe de ce phénomène terrifiant qui menace notre existence même en tant qu’espèce.

Craig, basé à Vancouver, est revenu au piano alors qu’il enregistrait son huitième album en deux semaines dans la maison de son grand-père, alors que les feux de forêt faisaient rage autour de Kelowna en Colombie-Britannique. Le disque est d’autant plus profond et poignant que le grand-père de Craig, qui vivait était atteint de démence dans une maison de soins de l’autre côté de la route, s’accroche à la vie alors que ses poumons se remplissent de liquide à cause de la fumée causée par l’enfer.

Si cette agitation n’était pas suffisante, Craig vient de tomber amoureux….mais de quelqu’un qui vit à 5000 miles de là. Et à la moitié de l’enregistrement, son grand-père bien-aimé est mort.

Toutes ces informationssont nécessaires pour vraiment traiter un album qui a été créé au milieu d’une intense tourmente physique et émotionnelle. Craig s’assoit au piano de son grand-père pour composer, le seul autre instrument étant sa voix, plus un poste de radio à ondes courtes comme son grand-père était un passionné de radio, plusieurs de ses pupitres de cassettes brisées caractéristiques et un tas de boucles de bandes.

Cette absence de technologie de pointe correspond parfaitement à l’aspect sombre et parfois sinistre du disque, car un vieux lecteur de cassettes devient un bouclier de studio ad hoc, tandis que Craig joue avec les sons et ajoute des voix superposées et décalées basées sur les pensées de son propre journal intime. Il y a une belle phrase dans Last of the Latern Oil où il décrit sa famille assise pour « faire son deuil pendant le dîner ».

Tout ce bouleversement aurait pu conduire à un album tout aussi confus et chaotique, mais ce n’est pas un hasard si Rolling Stone a décrit Craig comme le compositeur expérimental le plus excitant de 2016, car c’est un écrivain astucieux qui a créé une œuvre fascinante mêlant sous ses yeux son intérêt pour le monde naturel menacé et le sentiment de perte profonde qu’il ressentait.

D’une certaine manière, l’ouverture de Random est atypique car il ne s’agit que de la voix de Craig avant que le piano et la chorale de « The Smokefallen » ne commencent le voyage dans le feu. C’est un hommage aux talents de Craig que vous pouvez presque sentir la fumée tourbillonner autour de vous. C’est un sentiment vraiment surréaliste.

Il y a de la puissance dans la simplicité d’un morceau au piano comme Supper qui crépite avec des sons étrangers comme une radio mal accordée, ou l’album tout aussi simple closer Stories, qui est une réflexion émouvante sur ce qui arrive quand la démence vole lentement à une personne ce qu’elle est.

Ce n’est pas qu’un album que l’on peut faire jouer en arrière-plan, car il ne vaut pas que la peine de s’asseoir tranquillement dans un fauteuil ; en effet, Craig vous emmène également d’une manière ou d’une autre au cœur d’un feu de forêt qui fait rage de son côté de l’Atlantique.

***1/2

Ellis: « Born Again »

Dans le film High Fidelity, il est cette phrase : « Ai-je écouté de la musique pop parce que j’étais malheureux ? Ou étais-je malheureux parce que j’écoutais de la musique pop ? » (Did I listen to pop music because I was miserable? Or was I miserable because I listened to pop music?). Il y a quelque chose d’inquiétant dans cette affirmation. Parfois, plus la musique est mélancolique, plus elle peut nous faire sentir mieux. C’est assez universel. La catharsis qu’implique l’écoute d’autres expériences similaires peut nous faire nous sentir moins seuls et nous donner un peu d’espoir de nous en sortir à l’autre bout. L’auteur-compositeur-interprète Ellis, alias Linnea Siggelkow, basé en Ontario, écrit le genre de chansons auxquelles il est facile de s’identifier. Elles sont confessionnelles, émotionnelles et semblent si réelles et son album Born Again semble avoir été créé pour être le parfait véhicule quand l’époque est difficile.

Il y a tellement de choses à découvrir sur cet opus. La production est luxuriante et floue, un univers de guitare et de piano imprégné de réverbération tourbillonne autour des mélodies vocales prudemment cathartiques d’Ellis. Le disque démarre en beauté avec « Pringle Creek » et Ellis qui chante « Je ne vous ai pas vu depuis des jours et des jours » (Haven’t seen you in days and days on end ). Ce moment et la façon dont il est géré vous sidèreront. Alors que le groupe se construit lentement autour d’elle, tout au long du premier couplet, la tension est absolument palpable et avant que tout ne se mette en place, on entend « C’est comme acheter des fleurs juste pour les regarder mourir » ( It’s like buying flowers just to watch them die), phrase qui peut parler à beaucoup.

La chanson titre « Born Again » fait monter le tempo un peu mais elle est trompeuse avec l’intervention du groupe. La plupart des groupes s’appuieraient sur l’inverse pour essayer de capturer une sorte de résonance émotionnelle, mais cela prouve simplement que les instincts musicaux sont habiles et que les choix faits tout au long de l’album sont parfaits. « Shame » raconte l’histoire d’une mauvaise relation et, bien que le groupe s’appuie sur la résonance de ses paroles lorsqu’il chante « la vérité est que je vous ai trouvé très effrayante »  (the truth is that I found you very scary), cela nous rappelle que nous vivons tous ces expériences horribles et qu’avec le recul, nous pouvons tous trouver un moyen de guérir. Le « single » « March 13th » met en scène un irrésistible piano et un album, et cela en dit long, car ce disque est plein de moments forts. « Saturn Returns » montre Ellis dans son registre le plus confessionnal. Il‘est donc tout à son honneur que l’album est si merveilleusement vivant avec des sentiments aussi affichés et qu’il est également aussi afréable aux oreilles.

Le personnage principal de Born Again est humain et imparfait mais Ellis possède, dans son œuvre, un réel sens de la conscience de soi et de l’empathie et de la prévenance. Ces qualités contribuent grandement à nous donner plus d’espoir, quel que soit le sentiment que l’on peut éprouver à l’écoute de la belle mélancolie que sous-tend disque. « Ai-je écouté de la musique pop parce que j’étais malheureux ? Ou étais-je malheureux parce que j’écoutais de la musique pop ? » Qui sait ? Tout ce qu’on peut vraiment dire, c’est qu’on se doit d’être reconnaissant envers des artistes comme Ellis qui ont réalisé de grandes œuvres qui nous permettent de savoir que ces sentiments sont humains, universels et, en fin de compte, fondamentaux.

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Two Feet: « Pink »

Deux ans se sont écoulés depuis le dernier album de Two Feet, A Twenty Something F**ck, et l’attente de son nouveau, Pink. Bill Dess de Two Feet a toujours été extrêmement transparent sur sa santé mentale et sur la façon dont elle affecte son processus créatif. Bien qu’il ait pris un temps d’arrêt dans la production musicale, cela lui a permis de créer l’un de ses meilleurs albums, le plus diversifié musicalement, à ce jour.

Je pense que l’une des choses que nous avons tous en commun en tant qu’artistes, c’est que nous créons dans le but de traiter. La créativité peut aller et venir comme les saisons, tout comme le contenu lui-même évolue à nos côtés. Two Feet n’a pas fait exception à cette règle, en étant très public sur le fait de travailler sur sa santé mentale et sur le fait que la création de cet album a été pour lui un processus cathartique qu’il a volontiers partagé avec ses fans.  

La plus grande transformation que l’on peut constater sur cet album est le contenu lyrique brut de Two Feet. La plupart de ses musiques passées étaient plus lourdes du côté acoustique, et bien que des chansons comme celle-ci existent toujours sur le nouvel album, il a également ouvert un espace créatif plus important à une forme de narration très sincère.

Dès le début de l’album avec « Intr » », Two Feet nous présente un peu plus d’une minute de musique profonde, constructive et anticipative, sans paroles, qui préfigure l’ambiance qui régnera sur le reste de l’album. Il évolue vers un rythme funky, mélodique et bluesy juste avant de passer au « single », à savoir la chanson-titre.

Celle-ci nous raconte une histoire qui reflète la croissance de Bill au cours de ses vingt ans et ses luttes avec sa santé mentale qui s’achèvent avec des paroles comme « Je pense que je tombe, je trippe, et je rampe… Et je continue à vieillir, mon esprit se refroidit, les choses qui comptent toujours, je suis sûr qu’elles ne dureront pas » (think that I’m fallin, I’m trippin,  and I’m crawlin…And I keep getting older, my mind is getting colder, the things that always matter, I know for sure won’t last). Il parle de certains des combats qu’il a dû mener pour atteindre l’âge adulte à 25 ans et des dépressions et des angoisses qui entourent ces expériences. Plongeant davantage dans son contenu lyrique, Bill parle de ses luttes pour lâcher prise du temps passé en déclarant : « Toutes nos histoires ont pris le même chemin quand nous avions du temps à perdre » (All our stories went the same way when we had time to waste). Celui lui permet de donner un sens à l’idée que le temps semble de plus en plus rare à mesure que nous vieillissons est quelque chose qu’une grande partie de ses fans du milieu de la vingtaine peut comprendre, si ce n’est la totalité d’entre nous. La chanson se transforme ensuite en un refrain froid et doux avec un solo de guitare basse.

En plus du contenu lyrique, cet album montre à quel point le son de Two Feet a grandi et évolué (dans de multiples directions différentes). Il est connu pour ses riffs de guitare basse heavy profonds, sombres et contagieux, qui sont toujours très présents, mais qui sont également accompagnés de productions complexes, plus optimistes et plus énergiques. Cela est particulièrement évident sur « BBY », qui constitue un changement majeur par rapport à ce qu’il a publié auparavant. Le titre passe de « Pink »à une basse sanguine et palpitante avec des rythmes hip-hop sous-jacents entrecoupés d’un solo de guitare plus rock et elle tourne autour des paroles « I think I gotta let go », ouvrant la voie à la notion renaissance créative que cet album résume. 

Two Feet fait la transition vers de multiples espaces musicaux complètement différents tout au long de l’album et en tant qu’auditeurs, on peut presque ressentir les montagnes russes d’émotions que les dernières années de sa vie ont été, tant sur le plan créatif que personnel. 

« I Can’t Relate », vers la fin de l’album, est une surprise extrêmement agréable où Dess nous amène, avec cette chanson calme, luxuriante et acoustique, à intégrer l’idée que l’amour, aussi extatique soit-il, peut prendre fin. Il fait ainsi a transition vers la fin de l’album avec « We Will Be Alright », une composition qui aborde le thème de tomber amoureux avec des paroles comme « I want you by my side, I need you till the day I die », et une structure de guitare délicate et honnêtement réconfortante.

En plus de ce contenu lyrique lourd, Two Feet se permettra d’ajouter un morceau plus « complet » comme « I Felt Like Singing and Not Playing Guitar Pt. 2 » et nous lance ensuite « Maria », un hymne mélodique de fin de soirée dont le besoin st l’essentialité se feront sentir, subliminalement au fil de l’écoute

Dans son ensemble, Pink est opus transparent mais énergique et complexe. Frais et expérimental, il nous montre plus d’aspects de Two Feet que nous n’en avons jamais vus. Mais, en nous donnant un récit intime de son parcours créatif de ces dernières années, cet album fait surtout écho à ce que peut révéler une évolution musicale continue et témoignange de la croissance cdréative dont Two Feet est capable.

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Alexander: « Wonderland »

be right where they are?) Alexander (nom de famille Fatato) demande vers la fin de son deuxième album, Wonderland. C’est une question assez simple, mais comme beaucoup de questions, d’observations et d’anecdotes sur le pays des merveilles, elle est d’une profondeur étonnante. Si vous n’y prêtez pas attention, vous risquez de le manquer – Alexander, à première vue, n’a pas la même gravité que des paroliers géants comme Bob Dylan, Leonard Cohen ou David Berman. Non, Wonderland est conçu pour éviter tout soupçon de grandeur. Alexander ne cherche pas à vous convaincre, vous ou quiconque, qu’il est un « gars profond » (deep guy), et c’est exactement ce qui le rend si spécial, lui et le « Pays des Merveilles ».

Dans la lignée du Settle Down en 2018, Wonderland est un disque réduit, souvent minimal. Les chansons semblent clairement écrites avec seulement une guitare acoustique et des voix, et bien que d’autres instruments et productions soient ajoutés tout au long du disque, ce ne sont que des personnages de soutien. Bradford Krieger (du Big Nice Studio) et John Margaris (du Community College et de Horse Jumper of Love) contribuent à ces accompagnements, mais ils se tiennent poliment à l’écart de la scène lorsque la voix et les paroles d’Alexander occupent le devant de la scène. Même en le cadrant comme cela, cela semble un peu trop « grand » pour Wonderland, car l’album trouve sa beauté hors des projecteurs et dans les parties cachées et négligées de nos vies. Qu’il s’interroge à voix haute sur sa santé en se basant sur l’aspect de ses ongles (« Fingernails »), qu’il tombe dans un travail à la bibliothèque (« Bicycle »), ou qu’il réfute l’existence du Père Noël dans son enfance (« Xmas Tree »), Wonderland est rempli de ces petits fragments d’une vie qui se trouve être celle d’Alexander, mais qui pourrait aussi être la vôtre.  

Le Pays des Merveilles, si tant est qu’il y en ait un, est un dossier plus épuré que celui de Settle Down. Non seulement il y a moins de chansons, mais elles sont plus courtes et plus cohérentes, tant en elles-mêmes que sur l’ensemble du disque. Depuis Settle Down, Alexander est devenu un auteur-compositeur plus efficace et plus sûr de lui. Non seulement vous avez l’impression de le connaître à quelques mesures près, mais on dirait qu’il pourrait être assis juste à côté de vous (ce qui témoigne également du travail d’ingénierie de Bradford Krieger).  

Pour en revenir à cette question dans « Bicycle » (c’est-à-dire « Pourquoi quelqu’un ne voudrait-il pas être là où il est ? »), il est facile de voir cela comme un énoncé de thèse pour Wonderland. Oui, toutes nos vies sont nulles en ce moment ; nous sommes surmenés, stressés, constamment épuisés et menacés par le changement climatique / une économie d’exploitation / [choisissez n’importe quoi, vraiment]. Pourtant, Wonderland est écrit par quelqu’un qui a trouvé un certain réconfort dans le présent, et ces chansons représentent le schéma directeur de cette satisfaction. Chaque moment de la vie d’Alexander – chaque moment de notre vie – peut être une chanson, un tout petit monde à part entière.

***1/2

Baxter Dury: « The Night Chancers »

Il est agréable toujours d’entendre un artiste trouver l’itération définitive de sa voix. Baxter Dury a surpassé l’excellence de ses précédents disques et a trouvé un lieu de repos confortable avec The Night Chancers, qui est un kaléidoscope de personnages contemporains canalisés de manière impeccable à travers des vers intelligents et son agréable son surround d’électro-funk et de pop francophile. Baxter Dury est un Leonard Cohen de l’homme dans son versant libidineux.

« Certaines personnes aiment montrer, d’autres aiment regarder, et moi j’aime trop regarder », (Some people like to show, some people like to watch, and I like to watch too much) dit-il au sommet de l’électronique stroboscopique et des cordes tristes de « I’m Not Your Dog »,– » en épinglant – ou peut-être simplement en observant – les problèmes des médias sociaux. Pourtant, il n’y a pas de jugement. Pour Dury, il n’y a que de l’observation.

Homme aux multiples visages, Dury est capable de hausser les épaules devant les vêtements de mouton de nombreux monstres modernes. Le « Slumlord » se fraie un chemin dans la boue du monde souterrain, le « Saliva Hog »– » cherche à attirer l’attention et les » »Sleep Peopl » » parlent de la vie douce-amère d’un blogueur de mode. Qu’elle soit bonne, mauvaise ou sincère, la performance de Dury est éminemment crédible – et agréable – pour chacun d’entre eux.

Comme toujours, les voix féminines que l’on retrouve dans les chansons de Dury servent à contrecarrer sa propre voix traînante et grossière. L’effet est magnifique, faisant ressortir le paysage dans lequel Dury opère et le colorant. La basse, l’orchestre et les synthétiseurs servent également à mettre de l’ambiance, en ajoutant de la tenue de scène, de la coiffure et du maquillage, ainsi que des mises en scène à l’atelier d’art dramatique de Dury. 

The Night Chancers présente un scénarimage de méchants des temps modernes, mais ne leur adresse ni sourire ni jubilation. Il se contente d’observer et d’assimiler. En plus de son agréable bande-son de pop, d’électronique et de disco français, Baxter Dury a trouvé une formule unique qui fonctionne.

***1/2