Tim Linghaus: « Venus Years »

16 mars 2021

Tout d’abord, il faut tirer un coup de chapeau à Tim Linghaus. Pendant toutes ces années, il a réussi à trouver sa propre voie musicale et à la suivre avec constance. Vous vous souvenez peut-être de l’EP Vhoir, qui avait une touche néoclassique. Eh bien, il y a encore un peu de cela dans les œuvres actuelles, mais Tim Linghaus a trouvé sa place dans un style atmosphérique dans les eaux de la musique alternative. La mi-décembre voit la sortie de son deuxième effort Venus Years, un tome d’histoire émotionnelle sur les années difficiles d’un enfant présenté avec son prédécesseur We Were Young When You Left Home. Venus Years ne fait pas que poursuivre le son alternatif, il a beaucoup plus à offrir.

Le compositeur a parlé en détail de lui-même et de sa musique. Inutile de dire que ses deux derniers albums ont été choisis dans la catégorie « référence musicale » du Gezeitenstrom Musikmagazin. Alors que Memory Sketches était encore une floraison de sons dans la musique classique moderne, le compositeur a surpris avec des influences et des approches complètement nouvelles avec sa dernière œuvre We Were Young When You Left Home. L’album offre donc une approche très expressionniste, les voix, les éléments de type jazz et les circonstances alternatives font leur chemin.

Cela continue sur Venus Years et est complété par une compréhension musicale élargie. Sur le plan thématique, l’album s’articule autour du point de vue d’un enfant confronté à un divorce. Faire face à la solitude, redécouvrir la structure, l’importance d’une nouvelle routine et retrouver la confiance en soi sont les thèmes clés sur lesquels la musique est construite. L’histoire et la référence post-apocalyptique de l’album sont le cœur palpitant de cet opus.

Ce que Tim Linghaus a excellemment maîtrisé, c’est le sens immersif de la nostalgie et de la rétrospective qui a été intégré aux structures sonores en tant que cadre sonore. Venus Years comporte beaucoup de ces moments, qui peuvent lever le voile et inonder de souvenirs d’enfance. Des sphères de sons électroniques, des voix désaccordées et émotionnelles et une corne d’abondance de la diversité des différents domaines musicaux forment une structure sonore homogène pleine d’authenticité et d’imagerie soul de l’acoustique. Entre les deux, on trouve un fil conducteur légèrement mélancolique, imprégné de l’empathie du compositeur, qui traverse presque toutes les pièces. Des paysages sonores, liés comme un point d’ancrage dans lequel l’auditeur peut se laisser tomber sans effort. Ainsi, des éléments de jazz, de rock alternatif sont fusionnés avec de l’ambient néoclassique sur Venus Years, toujours ponctués d’un sous-entendu laconique aux facettes dystopiques qui porte le concept de l’album de chapitre en chapitre. Comme son prédécesseur, le degré d’expressionnisme est un pilier, et certains morceaux brillent d’un degré d’acoustique presque intemporel grâce à cet aspect.

De ce fait,sur ce nouvel album, Tim Linghaus a collaboré avec le saxophoniste Tobias Leon Haecker, la chanson « Love and Dust » a été créée avec le pianiste Muriёl Bostdorp. La longueur des 16 pistes est très variable, ce à quoi on est habitué dans les compositions de Tim Linghaus. Quelques titres doivent être détaillés, ils sont l’âme et le cœur palpitant de l’album. Vous n’avez même pas besoin de prendre beaucoup de temps pour laisserVenus Years agir sur vous. Car l’album dégage déjà une esthétique très touchante dès la première composition « Biographical », où l’on aime laisser la musique vous prendre par la main.

Des nuances de surréalisme avec des aspects de rock émotionnel peuvent être trouvées dans le morceau « Rebuild », un excellent exemple du processus créatif qui est mis en évidence assez souvent sur l’album. Le titre accrocheur aux caractéristiques progressives « You Called It Love » peut se manifester comme un ver d’oreille permanent, où l’auditeur devrait trouver de nombreuses nuances d’auto-interprétation. Des sons de saxophone et de piano peignent une aura nostalgique dans le morceau « Home For The Kids », oui il y a beaucoup à découvrir sur ce nouvel opus. Le contexte de nombreux morceaux a des vibrations émotionnelles et atmosphériques, très prononcées dans des morceaux comme « Warhorses » ou le rêveur et gracieux « Ghost » sans compter le morceau sphérique qu’est « K In A Wafting Cape ».

Vous pouvez déjà plonger dans un monde de nostalgie et d’expressionnisme. Des veines mélancoliques et des artères surréalistes, qui laissent vivre le cœur de Venus Years en acoustique. Ceux qui ont déjà trouvé l’album précédent We Were Young When You Left Home bouleversant trouveront occasion d’être heureux avec Venus Years.

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nothing,nowhere.: « Trauma Factory »

14 mars 2021

Apparemment, dans sa quête permanente de continuer à avancer, et de ne jamais s’arrêter, nothing,nowhere. inspire les autres autant qu’il apprécie l’inspiration qu’il peut tirer des personnes avec lesquelles il parle.

Même pendant la pandémie mondiale actuelle, l’artiste du Vermont a maintenu son engagement avec ses fans du monde entier, et l’artiste, auteur-compositeur et conteur à multiples facettes a cherché à renforcer la communauté dont il fait partie, en s’assurant que tout le monde y participe. – À une époque où l’isolement est presque la norme, et où certains artistes, de manière assez compréhensible, se sont retirés, les méthodes de Joe Mulherin semblent être exactement le contraire, il a continué à parler aux fans, et cela semble porter ses fruits.

Ainsi,il utilise les médias sociaux de manière innovante, en leur offrant des gâteries uniques. L’année dernière, le tournage à l’intérieur de sa maison dans le Vermont a permis de voir les chambres, le jardin et le studio HOMECOMING – At Home With… nothing,nowhere.

Au début de ce mois, il a allumé un feu, fait bouillir de l’eau de neige pour faire du thé à la menthe poivrée au milieu des bois, tout en partageant des messages intimes et personnels de ses fans. Une idée d’originalité et de pureté à coup sûr, qui restera sans doute inégalée. De même, la réunion d’isolement de mai de l’année dernière, où il a réalisé un spectacle dans la nature, en est un exemple frappant. – Décrivant le titre de son nouvel album Trauma Factory, il a déclaré : « C’est une pièce de théâtre sur le bouddhisme, qui fait partie de la vie, et il y a une sorte de beauté dans tout cela ». Une collection de chansons écrites à une époque déconcertante, le disque aborde l’idée d’accepter le présent et de suivre votre « véritable nord à travers la souffrance de la vie humaine ».

L’intention de nothing,nowhere. de créer un album sans restriction de genre transparaît dans ce projet, puisqu’il incorpore des éléments de post-punk, de new wave, de hard rock, d’électro-pop, de folk et plus encore. Alors que quinze pistes pourraient sembler riches, chaque chanson ne dure en moyenne pas plus de deux à trois minutes.

Les plaisirs sont nombreux, allant du moment électropop de «  lights «  à l’ambiance alt-rock de « buck  » et  » upside down « . Comprenant les paroles « I needed a place for the pain, the grieving, the loving », « pain place » est un moment mémorable. Avec l’artiste londonien MISOGI, des harmonies hypnotiques et émotionnelles rencontrent des rythmes électro poignants.

La nature hymne de l’emo, l’énergie de l’alt-rock de « fake friend » donnent un coup de fouet, tandis que « death », aux allures de Rage Against the Machine, est un morceau aussi furieux que possible. « Blood » sera est un instant hypnotique. Inspiré par Joy Division et The Cure, il met en scène le chanteur et rappeur KennyHoopla, qui représente un moment particulier. Apparemment, l’écriture de la composition n’a pris que vingt minutes.

Si la souffrance ou la douleur humaine n’est pas joyeuse, l’artisanat spécial de nothing,nowhere. l’est très certainement, et Trauma Factory est une splendide occasion de célébration de ce que peut être une expérience émotionnelle.

***1/2


The Anchoress: « The Art Of Losing »

12 mars 2021

Peu d’artistes modernes ont autant de franc-parler et d’érudition que Catherine Anne Davis. Au cours des cinq dernières années, elle est devenue une présence familière sur la scène alternative britannique, apparaissant dans des endroits inattendus pour animer des émissions de radio, publier des podcasts, rédiger des articles réfléchis sur les problèmes de santé mentale et de sexisme endémiques à l’industrie musicale, et collaborer avec des groupes bien établis comme Bernard Butler, Manic Street Preachers et Simple Minds. Elle est membre de la Music Producers Guild, enseigne l’écriture de chansons et la production musicale à l’ICMP et, à l’occasion, sort de la musique sous le nom de The Anchoress. En d’autres termes, elle est très occupée.

Tout ce préambule inutile ne sert qu’à démontrer à quel point il est étrange que ce ne soit que maintenant, en 2021, que nous ayons enfin une suite digne de ce nom à Confessions Of A Romance Novelisten 2016, un album qui, pour des raisons bien indépendantes de la volonté de Davies, semble être sorti il y a des milliers d’années. Il est vrai que The Art of Losing devait initialement arriver en mars dernier, devenant ainsi l’une des premières victimes du calendrier de sortie d’une crise que personne ne prévoyait aussi longue ; mais à l’écoute de ce disque, il est impossible de ne pas sentir que Davies a beaucoup vécu dans les années qui ont suivi la sortie de son premier album.

Alors que Confessions Of A Romance Novelist n’était en aucun cas un disque superficiel, ses odes aux chagrins d’amour et aux difficultés étaient livrées avec un flair théâtral, presque campagnard, qui complétait sa façon romanesque de manier les mots et son amour du drame. De son côté, The Art of Losing n’a pas vu The Anchoress perdre son goût pour ces grandes fioritures à la Kate Bush pour augmenter les enjeux émotionnels de ses chansons, il y a un sens comparatif de poids et de sérieux donné au sujet abordé ici.

Comme son titre l’indique, il s’agit d’un album conceptuel sur la sensation de perte – le fait d’atteindre quelque chose pour s’apercevoir qu’il a soudainement et irrévocablement disparu. Pendant les 20 premières minutes environ, Davies incarne largement ces sentiments dans des bangers radio-friendly, vaguement gothiques. « Show Your Face » raconte la mort d’une amitié avec quelqu’un qui refuse de croire les victimes d’agressions sexuelles, « The Exchange » fait la chronique d’une perte d’identité dans une relation toxique, tandis que la chanson titre affronte le tabou sociétal qui entoure la discussion des fausses couches, un sujet lourd et très personnel pour Davis, qu’elle empêche néanmoins de devenir trop tranchant en employant une mélodie entraînante et le refrain de « Shake The Disease » de Depeche Mode.

À partir de « Paris », cependant, les gants sont enlevés. La production est réduite à un piano et à des cordes (ce qui est un soulagement, car son talon d’Achille lorsqu’elle produit elle-même est sa propension à utiliser tous les instruments sympas de son studio sur chaque morceau), et Davies permet à sa voix puissante d’occuper le devant de la scène. « 5am » est un véritable coup d’éclat, une chanson qui revisite calmement trois de ses souvenirs les plus horribles, que Davies dépeint avec une honnêteté à couper au couteau : la fin creuse d’une histoire d’amour, la perte traumatisante et non consensuelle de sa virginité, le voyage à l’hôpital qui se termine par une fausse couche.

Cette combinaison d’émotion et de rage sourde persiste jusqu’à la fin de l’album, sur une incroyable série de morceaux qui se termine par « With The Boys », une condamnation sauvage de son expérience de femme compétente travaillant dans le monde condescendant et testostéroné de la production musicale (« Got to be good, got to be certain if she wants to play with the boys », ricane le refrain).

Comme son prédécesseur, Art Of Losing est empreint d’un air de grandeur grâce à la pléthore d’auteurs auxquels Catherine Anne Davies (docteur en littérature et en théorie des homosexuels) fait référence : Carson McCullers, Lord Byron, Julian of Norwich, etc. Cette fois-ci, cependant, sa voix d’auteur et sa capacité à raconter sa propre histoire, avec toutes les tragédies et les triomphes qu’elle contient, ne font aucun doute.

***1/2


Anna B Savage: « A Common Turn »

16 février 2021

Avec le succès inattendu de son premier EP d’Anna B Savage a été frappée par des accusations syndrome d’imposture qui ont étouffé sa créativité. Il a fallu cinq ans à la musicienne londonienne pour reprendre confiance en elle et enregistrer un suivi qui examine franchement sa vie.

Pendant cette période, elle a suivi une thérapie, s’est échappée d’une relation toxique, a fait divers petits boulots et a déménagé deux fois à l’autre bout du monde. Ces expériences se traduisent à maintes reprises par une réflexion brutale sur soi-même qui navigue de manière diverse sur la sexualité féminine, le doute de soi et les propriétés curatives de la nature.

Les sujets sont si importants qu’elle décrit comment elle a « imprimé toutes les paroles, les a collées sur mon mur et a tracé des lignes entre chaque idée correspondante », pour s’assurer qu’elle avait couvert tous les thèmes qu’elle aspirait à aborder. Il serait erroné d’appeler A Common Turn un album conceptuel mais les morceaux montrent un sens du développement personnel.

Le disques’ouvre sur « A Steady Warmth », un demi-piste expérimental qui semble être fortement influencé par la production de William Doyle. Elle a pris contact avec l’artiste, qui avait auparavant enregistré sous le nom de East India Youth, après qu’il ait publié un post sur les médias sociaux demandant aux gens de le contacter s’ils voulaient enregistrer ensemble.

Sa touche habile introduit des éléments électroniques dans un album qui, autrement, aurait été un auteur-compositeur-interprète supérieur. La plupart des dix morceaux pourraient facilement être réalisés avec seulement la voix et la guitare acoustique, mais ici, on leur donne des synthés chatoyants et des beats industriels subtils. À la fois austère et mélodique, cette production apporte des textures et des tournures sonores inattendues. « Two » et « BedStuy » sont les points forts de cet amalgame, de tristes beats de club se faufilant par intermittence dans le mix.

Cette production moderne est le parfait contrepoids à son arrière-plan. Ses deux parents sont chanteurs classiques et elle a passé les anniversaires de son enfance au Royal Albert Hall, où ils étaient toujours programmés pour le bal de Bach. Son contralto très contrôlé aurait pu être tourné vers l’opéra, mais avec son sens inné du mélodrame, elle ressemble plutôt au style vocal d’Anohni.

Les arrangements sûrs et confiants sont également l’équilibre idéal au doute lyrique de soi. Ils sont encadrés par d’innombrables références à la culture pop. Pendant 50 minutes, elle écoute « Spice, then Funera » », écrit »une ligne sur le mug de la chouette Edwyn Collins et se masturbe en pensant à Tim Curry en lingerie du Rocky Horror Picture Show.

La fiabilité et l’humour de ces confessionnaux de chambre à coucher rendent le contenu explicite plus vulnérable que choquant. Le « single » « Chelsea Hotel #3″ » une réponse à la chanson « Chelsea Hotel #2 » de Leonard Cohen, aligne la croissance personnelle sur la libération sexuelle. Après avoir avoué qu’elle ne « sait pas comment me faire plaisir » (now how to please myself), elle achète une balle – une sorte de vibromasseur – et se promet qu’elle « apprendra à prendre soin de moi » (will learn to take care of myself).

Cette promesse est un moment important dans le parcours émotionnel de l’album. Elle commence avec une telle déconnexion et un tel engourdissement qu’elle admet sur « Corncrakes » qu’elle ne « ressent plus les choses aussi vivement qu’avant » (feel things as keenly as I used to). La profondeur de son désespoir est telle qu’elle est prête à « essayer n’importe quoi, j’achèterai n’importe quoi » pour se sentir mieux. A la fin de l’album, sur « One », elle n’est pas tout à fait guérie mais on reconnaît qu’elle a le contrôle. « Je veux être forte » (I want to be strong), répète-t-elle, sa guitare gonflant et gagnant la force personnelle qu’elle désire tant.

En luttant pour le contrôle de sa vie émotionnelle et physique, Savage crée un paysage aussi distinctif que celui d’Aldous Harding. Sur cette base, elle peut être assurée que ses craintes de créer un album médiocre – comme elle l’avoue sur « Dead Pursuits » – ne sont pas fondées. On peut seulement espérer que son succès mérité ne déclenche pas une autre période d’écriture réduite à une page blanche.

***1/2


Clara Engel: « A New Skin »

31 décembre 2020

La fin de l’année étant enfin en vue, il semble que ce soit le moment idéal pour faire une pause et prendre une respiration. 2020 a été le genre d’année dont la plupart d’entre nous seront heureux de voir le retour, en regardant avec espoir la lueur accueillante de la nouvelle année et en espérant que ce ne soit pas la lumière d’un train qui arrive. L’envie d’un nouveau départ se fait particulièrement sentir. Dans cette brèche, la chanteuse et compositrice torontoise Clara Engel s’engage avec la beauté subtile et transformatrice de A New Skin.

Engel a déjà eu un impact énorme sur mon année, puisqu’elle a sorti l’époustouflant Hatching Under The Stars au début du mois d’avril. Une merveille aux grands yeux à travers le cosmos, parsemée de harpe, de clarinette, de glockenspiel, de lap steel et de violon. C’est, sans l’ombre d’un doute, l’un des plus bel album de toute l’année. Dans A New Skin, Engel dépouille les musiciens invités et les extra-instrumentistes pour créer un enregistrement domestique fantastiquement intime. Huit chansons profondément atmosphériques construites autour de la guitare à boîte de cigares, de la guitare électrique, du mélodica et de l’harmonica. La voix sublime d’Engel et sa poésie évocatrice nous guident dans l’obscurité.

Nous sommes progressivement plongés dans le monde nocturne d’Engel avec la mélancolie gracieuse de « A Starry Eyed Goat ». Une guitare doucement grattée et un mélodica étrange et éthéré ponctuent l’obscurité tandis qu’Engel chante une chèvre rayonnante, « grignotant l’herbe du ciel » (munching on heavenly grass). Nombre des thèmes explorés dans Hatching Under The Stars refont surface ici avec la nature, la nuit, le feu et la transformation qui suintent à travers les pores de A New Skin. La différence est que les chansons, dans des arrangements clairsemés, mettent l’accent sur un sentiment de contemplation tranquille et d’isolement. Des thèmes que nous avons tous appris à connaître cette année.

« The Garden Is Sleeping « agit comme une berceuse médiatique, un hymne hanté situé quelque part entre « la poussière d’étoile et la chair » (stardust and flesh). Les images sont abstraites mais profondes ; un blues existentiel qui brûle lentement. L’ambiance hypnotique se poursuit avec le folk céleste de « Little Alien Lost ». Faisant référence à William Blake et Jim Jarmusch (deux des premières influences d’Engel), le morceau est empreint d’un espoir incertain, « laimer est un pari/ un miracle surmûri/ c’est un petit alien perdu dans les bois » (loving’s a gamble/ an overripe miracle/ it’s a little alien lost in the woods) . Remarquant, comme le grand Mark Linkous l’a fait un jour, que c’est un monde triste et beau.

« Gossamer Knives » crée des textures oniriques et ambiantes ; une composition étourdissante, apaisante et heureuse. L’idée même d’un album dépouillé peut évoquer des images d’un enregistrement de style MTV Unplugged, mais Engel crée quelque chose de bien plus subtil, texturé et d’un autre monde. L’étonnante « Night Tide » nous a presque fait pleurer, alors qu’Engel se languissait de la tendre mélodie « Est-ce que tu rentres à la maison ? La reine du monde souterrain veut savoir » (Are you coming home? The queen of the underworld wants to know ). C’est une chanson qui parvient à capturer l’isolement que beaucoup d’entre nous ont ressenti cette année ; livrée avec beauté, sincérité et espoir.

Quand Engel chante « a world turned upside down » sur « Thieves », elle pourrait s’inspirer d’un certain nombre d’expériences personnelles, mais les paroles semblent avoir une pertinence particulière en 2020. Comme dans la majeure partie de l’album, on trouve un étrange réconfort dans ces mélodies solitaires. L’album avance à un rythme lent et quasi glacial ; chaque chanson a la possibilité de respirer et de s’épanouir à son propre rythme. « On Nightingale Wings » dérive avec une grâce sinistre et fantomatique tandis qu’Engel chante calmement : « J’attends juste que le vent change/ que de nouveaux yeux voient/ que les chiens sauvages se régalent d’ailes de rossignol/ que tout le monde ait besoin de manger » (I’m just waiting for the wind to change/ for new eyes to see/ wild dogs feast on nightingale wings/ everybody needs to eat).Frisson dans la colonne vertébrale et magie à l’oeuvre iciassurés.

Les neuf minutes d’introspection qui composent le morceau titre semblent passer en deux fois moins de temps, un superbe slow qui me tient captif tout au long de la chanson. Le réconfort et la catharsis offerts par la musique elle-même sont honorés par les derniers mots de la composition, « Venez chanter avec moi/ à la fin, il n’y a pas de sortie plus douce » (come sing with me/ in the end there is no sweeter release). La chanson s’estompe et nous laisse ébahi s; Clara Engel a réussi à sortir deux des plus beaux albums que j’ai entendus cette année. Comme toutes ses œuvres, A New Skin requiert votre attention particulière et totale. Mettez du temps de côté et immergez-vous, vous ne serez pas déçu. Ce dernier album peut se révéler être le compagnon idéal des dernières semaines d’une année longue et étrange. Il est temps de prendre une grande respiration et de se faire une nouvelle peau.

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Jeremy Tuplin: « Violet Waves »

1 novembre 2020

Le dernier opus de Jeremy Tuplin, Violet Waves, se penche sur l’amour, la perte et les titres à se faire pâmer les femmes..

En garant sa voiture, en ouvrant les volets et en appuyant sur le bouton lecture de son appareil de musique, « Back From The Dead » commence à s’enflammer, attirant une foule de passants. L’instrument funky et joyeux entraîne la foule dans une transe, en traînant les pieds et en se trémoussant sur le rythme. Jeremy s’impose comme l’homme à surveiller, avec des voix qui correspondent à la mélodie comme le sirop correspond aux crêpes.

Avec la même constance, Jeremy nous offre un voyage de rêve imprégné de psychédélisme avec « Space Magic ». Un solo de guitare étourdissant s’insinue et clôt la chanson, faisant fondre chaque oreille qu’elle touche. De « The Idiot » à « Violets Are Blue », Tuplin est capable decaptiver tout le monde par ses douces mélodies et sa voix apaisante, tout en chantant des chansons qui sont de véritables tragédie.

En référence à l’ouverture, le dernier morceau, « When I Die, etc. », s’enchaîne à un rythme soutenu et apaisant qui donne aux spectateurs un souvenir de lui. Le morceau s’arrête et la foule rugit, applaudissant la performance de Jeremy qui oscille entre le toucher et l’excitation. Il remballe son chariot et poursuit sa route, flottant sur une mer de vagues violettes. Le travail est fait.

***1/2


Laura Veirs: « My Echo »

28 octobre 2020

Le jour de la Saint-Valentin 2020, l’auteure-compositrice-interprète Laura Veirs a sorti ce qui semblait être une démo brute, enregistrée chez elle. Il s’agissait d’une chanson brutale, composée uniquement de sa voix et de sa guitare, intitulée « I Was a Fool ». Il s’agissait essentiellement d’un compte-rendu détaillé et profondément personnel de ses récents combats dans le cadre de son divorce avec son partenaire et collaborateur de longue date, Tucker Martine. C’était une scène déchirante, sans fioritures, tirée de la vie réelle. C’est l’une des chansons les plus frappantes et les plus simples d’une auteure-compositrice qui n’a jamais hésité à inclure des détails de sa propre vie dans ses chansons. Et, en effet, lorsque Veirs a chanté des paroles comme « Plus jamais / J’étais une idiote / Et j’essaierai de vivre ma vie librement » (Never again / I was a fool / And I’ll try to live my life free), le chagrin était palpable.

Et, bien que cette chanson ne figure pas sur le 11ème album de Veirs, My Echo, le divorce sur lequel elle s’est concentrée continue à alimenter une grande partie du matériel ici. Leur divorce a été un peu un choc pour la communauté musicale, car Veirs et Martine travaillent ensemble depuis des années. Il a produit tous ses albums depuis son deuxième LP Troubled By the Fire en 2003, donnant un éclat chaleureux à la marque de chansons folk émotionnelles de Veirs. (Martine a également produit My Echo, que l’auditeur doit absorber de la manière qu’il choisit).

On nous donne ici 10 chansons en un peu moins de 34 minutes, un des albums les plus efficaces et les plus directs de l’artiste. Veirs, ici, dépouille ses compositions de la plupart de leurs excès, en ne leur fournissant que ce dont elles ont le plus besoin. Alors qu’elle chantait autrefois des choses plus « gentilles » comme les sirènes et les pirates et les merveilles de la nature, elle nous donne maintenant des aperçus de la jalousie, du doute, de la honte et des dures vérités de la vie. 

Il convient de noter que cet album a été écrit avant et pendant la disparition du couple, et non après. Ce n’est pas un album avec l’hyper-spécificité d’une rupture, comme les récents joyaux d’écoutes attenantes que sontVulnicura de Björk, ou même Lemonade de Beyonce. Veirs a décrit les chansons de cet album comme le fait de savoir qu’elle divorçait avant de le faire, et elles parlent donc moins des conséquences brutales de la rupture que de l’espace liminal entre le fait de penser et de savoir que c’est fini.

Le disque commence avec son titre le plus sombre, « Freedom Feeling », où Veirs est à la recherche d’une bouffée de bonnes vibrations qu’elle avait peut-être avant, mais qui est maintenant perdue dans la confusion. La chanson est soutenue par de belles cordes profondément émotives, alors que l’intensité augmente lentement. Il y a ici un certain drame discret qu’il n’est pas facile de trouver ailleurs dans son catalogue. Le premier « single » « Burn Too Bright » rumine sur ce qui se passe dans le sillage d’un lien si passionné, Veirs donnant une mélodie profondément déprimée qui parvient encore à devenir une hantise à oreille alors qu’elle chante des choses comme « Je me demande si ton âme est encore dépossédée » (I wonder if your soul is still dispossessed).

Les moments les plus marquants sont généralement les plus directs, les plus honnêtes. Dans le premier « teaser » « Turquoise Walls », nous avons une scène où Veirs est allongée dans son lit, sa « pire version » d’elle-même, alors qu’elle se rend malade en pensant que son partenaire « garde l’oreiller de quelqu’un d’autre au chaud » (keeping someone else’s pillow warm). C’est la chanson la plus accrocheuse ici, avec des cordes et des synthétiseurs joyeux et un beat électronique qui fait tic-tac, mais c’est aussi l’une des plus dévastatrices. Plus tard, sur la piste centrale « End Times », dirigée par un piano, elle chante le refrain Quand je pense à la fin des temps / Tu me viens à l’esprit » (When I think of the end times / You come to mind), avec l’épuisement paisible de quelqu’un qui a fait de gros efforts pendant très longtemps. 

Certains moments ici n’atterrissent ou ne se figent pas aussi bien que d’autres. « Another Space and Time » a une sorte de mélodie bossa nova-lite qui rend la chanson un peu trop dure. De surcroît, « I Sing to the Tall Man » est la chanson la plus étrange ici, avec un effet sur le chant de Veirs qui rappelle la qualité pop d’Angel Olsen, et des paroles qui semblent plus abstraites que le reste de l’album. Heureusement, My Echo se termine par le doux et beau « Vapor Trails », qui a une palette sonore particulièrement idyllique, donnant un petit air estival de légèreté malgré la fugacité notable qui est prise en compte dans les paroles. 

Au fil de « Vapor Trails », Veirs chante « Traverser nos éphémères / Les accréditations backstage au MMJ » (Going through our ephemera / Backstage passes to MMJ), puis, un instant plus tard, comme s’il était convoqué par la seule force de sa volonté, Jim James rejoint Veirs dans un duo grinçant et chaleureux. C’est un détail approprié pour terminer l’album – un rappel que même dans nos moments les plus sombres, il est possible de trouver la paix et d’avoir des amis pour vous tenir. Alors que l’album se termine doucement et lentement, comme la queue d’un nuage, My Echo finit par se sentir à la fois profondément triste et étrangement plein d’espoir : il affirme que, malgré la douleur de la vie, il y a aussi de la joie, de la beauté et de la liberté, si vous voulez la trouver.

***1/2


Sad 13: « Haunted Painting »

27 septembre 2020

Si vous avez la chance de vivre dans un endroit où l’air se rafraîchit et où les feuilles – et non le ciel – prennent différentes teintes de rouge, alors Haunted Painting de Sad13 pourrait vous sembler approprié pour une soirée saisonnière macabre et ludique. Le titre « Ghost (of a Good Time) » en disant plus que long à cet égard.

La musique est fantaisiste, même dans sa morbidité. Ce n’est pas du slowcore ou du death metal, c’est de la pop ; pas tant pour noyer les chagrins dans du whisky bon marché que dans un bol de punch vert éclatant.

Mais ceci n’est, bien sûr, qu’une lecture superficielle de Haunted Painting. Après ses débuts dans le rôle de Sad13, et un Slugger en 2016, Sadie Dupuis – également membre fondateur de Speedy Ortiz – a connu un chagrin personnel paralysant qui lui a interdit de faire de la musique. Elle a été inspirée par la peinture de Franz Von Stuck représentant la danseuse Saharet, qui lui semblait être un fantôme. Face à la perte de ses proches et à un monde qui s’effondre, la canalisation de l’art hanté semblait appropriée.

Les mélodies sont accrocheuses mais avec des textures étranges, déformées et atonales. « Into the Catacombs » est un titre très approprié pour le premier morceau, qui s’ouvre sur une sinistre instrumentation à cordes. Le riff principal de « With Baby » rappelle la chanson thème de Ghostbusters.

Tout en maîtrisant de nombreux instruments, et en invitant de nombreux amis tout aussi talentueux sur l’album avec elle (dont un orchestre de huit musiciens), il y a aussi une pléthore de synthés. Dupuis décrit Haunted Painting comme « résolument non minimal » et, son propre répertoire instrumental comprend « des jouets, des déchets et des choses éphémères ».

Alors que de nombreux albums commencent par être accrocheurs puis deviennent plus introspectifs, Haunted Painting perd un peu de sa morosité pour devenir plus pop. « Market Hotel » est un titre accrocheur, avec des touches majeures, et une guitare déformée.

Dupuis, dont la carrière musicale professionnelle a débuté au sein d’une chorale itinérante au collège, a auparavant passé un temps au MIT avant de se consacrer à la musique et à la poésie. Outre son travail sous le nom de Sad13 et avec Speedy Ortiz, elle a également collaboré avec Lizzo. Il est clair qu’elle cherche constamment à élargir les possibilités de ce qu’elle peut faire, et cela s’entend dans sa musique. Morbide est, à cet égard, est une description moins pertinente que « memento mori » (Souviens-toi que tu vas mourir.) : il s’agit, au total, d »un rappel à ne pas perdre de temps.

***1/2


Sufjan Stevens: « The Ascension »

27 septembre 2020

Vingt ans après et, si on considère le catalogue de Sufjan Stevens, on ne peut toujours pas prédire ce qu’il apportera ensuite. Ses disques, bien que toujours très conceptuels, restent éparpillés dans leurs sujets, leurs genres et leur fréquence. La dernière d’une série d’expériences, The Ascension, n’est pas différente. Mais quelque chose a changé de manière significative dans son approche. Bien qu’il partage des points communs avec l’épopée électronique de 2010, Age of Adz, et l’autobiographie de 2015, Carrie & Lowell, The Ascension se présente comme quelque chose qui dépasse la comparaison sonore du premier et a pris un énorme recul par rapport aux intimités de la seconde.

À l’inverse, Stevens se tourne activement vers le chaos du monde et notre expérience collective en temps réel. Il ne s’intéresse plus aux concepts abstraits et fantaisistes comme les planètes, les 50 états ou le zodiaque chinois. The Ascension fait appel à quelque chose de tout à fait différent : les politiques, les conventions et les plans émotionnels qui nous lient au sein de notre humanité et dans le monde – et les problèmes qui y sont inhérents. Ici, il agit en tant que messager pour des sujets plus larges et existentiels. S’étant retiré de l’équation dans ce nouveau projet énorme, Stevens s’adresse à l’ensemble, à une génération et à une civilisation au bord de la destruction économique, environnementale et politique pour demander : « Où allons-nous à partir de là ? »

C’est une question qui donne lieu à des théories révolutionnaires. En l’état actuel des choses, il n’y a pas grand-chose que même une critique étudiée et valable puisse faire dans la voie d’un changement tangible ; il ne suffit plus de simplement pointer nos problèmes et de dire « cela suffit ». Nous devons – il le faut – tracer une voie pour aller de l’avant si nous voulons survivre.

C’est exactement ce que fait The Ascension avec ses 15 titres et sa durée d’exécution gargantuesque. Se débarrassant de sa sensibilité plus ésotérique, Stevens fait appel à une base plus large, utilisant son intellect pour faire avancer les idéaux universels par le biais de dispositifs nouvellement employés. En rassemblant des segments de l’esprit du temps et de l’inconscient collectif, des références à la culture pop low-art, ainsi qu’une éthique de piste de danse hardcore, il arme le statu quo pour une pensée radicale et provocatrice. 

Mais ce n’est pas une agression. En tant que collection équilibrée de critique (« Sugar » » », « Ativan », « Video Game », « America ») et de compassion (« Run Away with Me », « Tell Me You Love Me, « The Ascension »), le disque se trouve à donner la priorité à la valeur dans l’intersection entre la prise en charge de soi et le progrès. C’est une entreprise polarisante qui est à la fois apocalyptique et optimiste, et à la fois extrême et urgente. La résolution est claire. Nous avons tous – y compris Stevens – beaucoup de travail à faire sur nous-mêmes et entre nous. Nous devons réévaluer nos systèmes et structures actuels. Comment servent-ils à nous protéger, à élever notre culture et à préserver notre avenir ? Comment la compassion mutuelle est-elle prise en compte dans le capitalisme ? Le fait-elle ?

En l’absence d’une véritable réponse, la seule façon d’avancer est l’amour. Selon les mots essentiels de RuPaul, « Si vous ne pouvez pas vous aimer vous-même, comment diable allez-vous aimer quelqu’un d’autre ? » C’est cette déclaration de mission qui se glisse dans le travail de Stevens depuis des années. Il en a assez d’être silencieux. Il en a fini avec la subtilité. Il est grincheux comme l’enfer avec l’état de tout ça et il ne va pas se taire à ce sujet. 

L’antithèse de la corruption omniprésente – l’amour radical – est à l’avant-plan du dossier, et le plus apparent dans « Tell Me You Love Me ». Dans ses premières lignes, Stevens chante : « Mon amour, j’ai perdu ma foi en tout / Dis-moi quand même que tu m’aimes » (My love, I’ve lost my faith in everything / Tell me you love me anyway . La chanson s’achève sur le refrain écrasant, « Je vais t’aimer / Je vais t’aimer à chaque jour » (I’m gonna love you / I’m gonna love you every day). Même en émergeant de l’obscurité de l’anxiété de l' »Ativan », il chante « Je fais de mon mieux (avec ce que je suis) ». Ce sont deux des nombreux cas où ses plans d’ascension collective se révèlent. Rencontrer l’obscurité avec la lumière.

Sur le plan sonore, The Ascension est très lourd  à digérer, mais sa sévérité intentionnelle joue en sa faveur. Elle est remplie de sons bruyants et inconnus et sa cohésion vocale varie. Il est rempli à ras bord de contradictions et de dualités. Doux et agressif, déroutant et réconfortant, l’album est à la fois un exorcisme et un exercice. C’est d’ailleurs à la fois une distillation de ses nombreuses sonorités de marque et une rupture massive avec ses précédents travaux.

The Ascension exige une écoute multiple et active, mais il en vaut la peine. Sous ses couches complexes se cache un puits sans fin de nouvelles modalités, d’interprétations critiques et d’idées puissantes. Le dernier album de Stevens ne se contente pas de demander un amour inconditionnel et un changement parmi nous tous, mais il représente également une métamorphose dramatique pour l’artiste. Ce n’est pas un album que l’on aurait pu espérer en 2020, mais c’est celui que nous méritons. Ce pourrait bien être son entreprise la plus difficile et la plus ambitieuse à ce jour, ainsi qu’un signe de la nouvelle ère de Stevens à venir.

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Fenne Lily: « Breach »

18 septembre 2020

Lanération Z entr maintenant dans la vingtaine ; c’est’ene période où l’on s’attend à ce que l’on soit enfin adulte, ce qui implique de quitter la maison de ses parents en ayant décidé exactement ce que l’on veut faire de sa vie et de ses activités futures. Comme Fenne Lily le sait, le saut dans la vingtaine n’est pas aussi important que prévu.

Dans Breach, elle a entrepris un voyage, celui de trouver enfin du réconfort en elle-même et de rester seule. C’est ce qu’explore directement « Berlin », une chanson écrite après une expérience formatrice dans la ville, où elle a passé un mois seule. Guidée par les harmonies vocales de Lucy Dacus et Ali Chant, la chanson est une étreinte chaleureuse qui rappelle le succès de ne pas avoir peur d’être seule en sa propre compagnie tout en soulignant l’aliénation de l’expérience.

Dans ce voyage pour trouver du réconfort en elle-même, Fenne regarde le positif tout en acceptant les différentes mises en garde. Chacun a son propre chemin vers la guérison, le titre « Alapathie », mélange d’apathie et d’allopathie, montrant ainsi un certain scepticisme quant à savoir si les drogues guérissent la cause première des problèmes. Il y a le fait d’oublier ses ex et de brûler les ponts, mais d’accepter le peu de positif qu’on peut en tirer : « Je te vois toujours comme une sorte de réconfort qui me permet de croire qu’un jour je serai comprise » (I still see you as some kind of reassurance that someday I’ll be understood).

Pour diverses raisons, la Génération Z souffre de problèmes de santé mentale plus importants que les générations précédentes. Tout au long de Breach, il y a de nombreuses références à sa santé mentale, « se concentrer sur un sentiment d’étranger, sans peur et sans attrait » (focus on a foreign feeling, unafraid and unappealing). On nous donne un aperçu d’un parcours très personnel et il est parfaitement retracé par l’acoustique, les introductions capricieuses de la guitare électrique et les cascades de touches du piano qui semblent en quelque sorte vous rappeler une époque où vous êtes tombé. Il est à la fois réconfortant et enveloppant, une couche supplémentaire dans le froid, mais il a la capacité de vous faire chavirer et de vous arracher le souffle. Il envisage la libération de la solitude mais aussi les tendances claustrophobes de la solitude, se repliant sur soi-même, vous écrasant comme si vous étiez un petit paquet fragile et croustillant.

L’écriture de Fenne Lily est illuminée par des moments de sarcasme, d’esprit dissocié et de confessions d’une honnêteté rafraîchissante. « Je n’ai pas peur de mourir, encore moins d’être en vie. Savoir cela et plus encore, je sais que je ne suis pas seule » (I’m not afraid to die, more so to be alive. Knowing this and more I know I’m not alone) est peut-être le meilleur résumé. Breach est l’acceptation des cicatrices, des leçons qui en découlent et l’effort pour s’échapper d’une prison psychiatrique que beaucoup de gens peuvent avoir vécu, même fugitivement.

***1/2