Tony Malaby: « The Cave Of Winds »

27 novembre 2021

À première vue, cette sortie en quartet avec les vétérans Tony Malaby au saxophone, Ben Monder à la guitare, Michael Formanek à la basse et Tom Rainey à la batterie pourrait passer pour un énième album de jazz créatif new-yorkais. C’est le cas, mais une représentation aussi brève manque nécessairement la cible.

L’enregistrement comprend du matériel présentant de larges gammes sur les axes intérieur/extérieur et structuré/déstructuré. Il commence par une mélodie sautillante de Malaby, rapidement rejointe par un solo rugueux de Monder. Cela devient un thème pour The Cave Of Winds – Malaby maintient un sens de la direction tandis que Monder repousse les limites. En effet, le ton brut de ce dernier, qui est lourd dans les médiums et souvent bas dans le mixage, contraste exquisément avec le jeu des trois autres, formant une sorte de yin à leur yang collectif.

D’autre part, dans « Recrudescence », les quatre membres se livrent à des improvisations libres éparses et atmosphériques qui gagnent lentement en tempo et en densité, Malaby adoptant une approche plus expérimentale. La pièce maîtresse de l’album est le morceau titre de 18 minutes, qui offre un jeu poignant d’alto et de ténor de Malaby et des lignes angulaires simultanées de Monder. Formanek et Rainey sont activement engagés dans des leads co-extensifs plutôt que de simples rôles rythmiques. La deuxième moitié du morceau est particulièrement fascinante, le groupe passant d’une spontanéité chaotique et ouverte à des accords bourdonnants et fortement distordus de Monder, sur lesquels Malaby passe de techniques étendues à un thème subtil mais planant.

***1/2


Jessica Moss: « Phosphenes »

23 novembre 2021

Que ce soit de jour ou de nuit, Phosphenes nous offre une musique obsédante. Un phosphène est décrit comme « le phénomène qui consiste à voir la lumière sans que celle-ci ne pénètre dans l’œil », et le violon est au cœur de sa musique. Le violon – déformé, amplifié, fantomatique, altéré dans sa forme et sa texture – est au centre de l’univers musical de Jessica Moss. Tout le reste découle de sa forme sombre.

Moss est une musicienne expérimentée, tant dans ses collaborations passées que dans sa musique solo, et le troisième album solo de la compositrice et violoniste sous Constellation navigue sur le terrain du deuil et de l’apparition d’un bouclier lumineux, évoluant entre une dissonance longue et enracinée et quelque chose qui ressemble à un confort harmonique. Une atmosphère intense et inquiétante règne tout au long du disque, et elle ne fait que s’assombrir davantage, mais il y a des possibilités d’espoir dans les sonorités du violon. Les cordes se réverbèrent dans l’air, créant des puits profonds de sons en écho, sa musique semblant à la fois raffinée et assombrie par la tragédie ou le désespoir. Mais le violon est également capable de produire une lueur de lumière – un phosphène qui illumine l’obscurité.

En ce qui concerne les ramifications de la pandémie en cours et de la vie en vase clos, qui a vu les musiciens perdre leur public, la possibilité de se produire en concert et la privation d’une grande partie de leurs revenus, Moss mentionne que c’était « comme quand on appuie fort ses poings sur ses yeux et qu’on finit par voir un feu d’artifice ». Une partie de cette frustration apparaît dans sa musique, et les faisceaux de lumière soutenue, qui clignotent devant les yeux, sont visibles dans les notes allongées du violon, qui défilent l’une après l’autre. Les fines lignes de lumière apparaissent comme des formes fantomatiques et temporaires. En réalité, la lumière est absente, mais les champignons de l’imagination créent leur propre imagerie. Alors que la plupart des gens sont repliés sur eux-mêmes, 24 heures sur 24 et sept jours sur sept, et que l’isolement social et la solitude ont des effets néfastes à court et à long terme sur la santé mentale et physique, l’imagination est un port d’attache pour des millions de personnes, un feu d’artifice dans l’obscurité.

Enregistré chez elle en isolement, dans son local de répétition et aux studios Hotel2Tango à Montréal lorsque les restrictions ont été levées, Phosphenes est un opus gorgé de sensibilité, conscient de ses expériences et de celles des autres, qui s’illumine et offre de douces lueurs d’espoir dans un monde meurtri.

***1/2


Mary Lattimore & Growing: « Gainer »

12 novembre 2021

À lire la raison pour laquelle le ciel apparaît de certaines couleurs à différents moments de la journée et à penser à la façon dont le ciel devient rose et rouge au crépuscule parce que la lumière bleue ne peut pas voyager très loin et se disperse dans l’invisibilité laissant la lumière rouge prendre le dessus. On trouve une certaine poésie à ce que la lumière ait ses limites et doive laisser transparaître une autre longueur d’onde du spectre. C’est aussi comme ça que fonctionnent beaucoup de nos artistes préférés. Ainsi, Ils ont leur voie et il y a un moment où elle est le point de mire et d’autres où le moment est venu de prendre du recul, de se disperser dans la vallée spectrale et de laisser les autres sons ouvrir la voie.

Mary Lattimore et Growing sont des poids lourds. On s’attend à ce qu’un trio comme celui-ci se réunisse, mais Gainer se situe dans des eaux expressives où la patience est sa propre récompense et où l’étendue est en apesanteur. Les attentes ne comptent pas, c’est le sentiment du moment qui compte. Sur Gainer, il y a une compréhension profonde et un respect mutuel qui transparaissent avec une ferveur discrète.

Deux excursions tentaculaires sont encadrées par des cieux de plus en plus sombres. « Flowers in the Center Lane Sway » » se dirige vers un endroit où des figures illuminées poussent dans toutes les directions, errant avec crainte parmi ces souvenirs de fantômes. Les drones de Growing respirent l’air frais comme des prières génératives revenant d’un aller-retour vers la sphère céleste. Les timbres se déplacent de manière subtile, presque imperceptible mais se tordant avec une grâce puissante.

Avec une affection rayonnante pour le voyage, Lattimore ajoute de la légèreté avec une cascade de fleurs. Le courant de fond devient plus fort, les tons étirés deviennent radieux tandis que les harmonies se transforment en monuments, solides et inébranlables. La dichotomie de cette densité avec la légèreté du jeu de harpe de Lattimore est magique, comme des scintillements de néon sous une mer de minuit. Augmentez le volume et « Flowers in the Center Lane » devient un cocon tactile. 

C’est une belle ouverture sur un album qui s’épanouit pleinement avec de la concentration et une écoute profonde. En se concentrant sur les timbres spectraux et les arrangements émotifs, on libère notre esprit pour qu’il dérive et voyage au-delà. Sur « Tagada, Night Rises », la harpe de Lattimore est située au clair de lune, hypnotique dans son effervescence contenue. Elle tisse ces toiles sonores brillantes qui sont en filigrane au toucher, mais pleines d’émotion, regardant la tempête à venir. Soutenu par les murmures statiques de Growing, il y a une liberté de mouvement dans l’arrangement qui mélange les sons disparates, donnant aux nouvelles textures un moment au soleil. 

Lorsque le morceau entre dans sa deuxième et dernière phase, les guitares se mettent à chanter et les échos d’hier s’estompent dans l’obscurité. Les huit dernières minutes de Gainer regardent vers l’avant sans craindre les possibilités infinies. Des structures résonantes construisent des montagnes. Des cordes réverbérantes veillent sur les souvenirs qui n’ont jamais atteint les banques de données. Les paysages brillants brillent comme des balises pour les retardataires qui se dirigent vers l’horizon, Lattimore et Growing entrelaçant les réflexions mélodiques dans un prisme sonore enchanté où chaque direction a une destination.

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Jessica Pavone: « Lull »

20 octobre 2021

Jessica Pavone continue de produire une musique qui est à la fois satisfaisante et stimulante. Nous avons déjà parlé de ses efforts en tant que leader et, sur ce nouvel opus, Pavone explore une forme plus orchestrale avec un octuor à cordes (deux violons, deux altos, deux violoncelles et deux contrebasses) accompagné des solistes Nate Wooley à la trompette et Brian Chase aux percussions.

Son approche fait appel à des dronessuperposés, les divers instruments à cordes créant des sons superposés avec des sons murés et des motifs d’écho qui ont un aspect cinématographique distinctif. Mais les partitions de Pavone laissent également place à l’improvisation, qui s’aventure parfois dans des méandres agréablement discordants. Les conseils qu’elle donne aux instrumentistes ne sont pas sans rappeler ceux de Riley – des cadres de base et des timings pour l’interprétation.

Chase dirige la deuxième piste (« Holt »), se limitant à des frappes délibérées de tambours de médium et de basse, tandis que les instruments à cordes se contentent de grappes de sons contrôlés. Wooley se joint à la fin du morceau avec un ensemble de techniques étendues expressives et angulaires. Sur le troisième morceau (« Ingot »), Wooley et l’octuor créent des atmosphères lentes. Celles-ci changent de caractère et se transforment en un motif de pulsations avec des statiques et la trompette de Wooley qui maintient un drone ondulant, avant de se transformer à nouveau en atmosphères.

Pour dire les choses simplement, Jessica Pavone ne cesse de s’améliore et, à ce titre, Lull est probablement l’album le plus fort dans sa carrière.

***1/2


Sarah Davachi: « Antiphonals »

19 octobre 2021

Tout ce qui concerne l’étonnant et tentaculaire Antiphonals est baigné dans une mer de merveilles ; intemporel, doux et captivant. Sarah Davachi a une capacité exceptionnelle à créer des enceintes sonores immersives où l’on peut se sentir en sécurité pour réfléchir aux émotions les plus lourdes et vagabonder librement dans notre propre esprit. Mais sa musique n’est pas sûre, c’est même tout le contraire. En créant ces cocons sonores enveloppants, Davachi nous envoie dans les zones les plus sombres sans nous méfier.

Antiphonals se déplace avec aisance, un large éventail d’instruments fondus ensemble en synchronisation. Des plumes solennelles dans des accords surprenants sont des portes ouvertes sur « Chorus Scene », un signe de bienvenue, estompé mais toujours présent. Il crée l’ambiance comme un rideau qui se lève pour révéler le vaste dôme sourd de « Magdalena ». Des braises montantes éclairent un chemin introspectif, la touche retenue de Davachi déverrouille la chaleur affective d’Antiphonals. Peu d’artistes communiquent autant avec quelques notes étirées et enroulées autour d’elles comme des puzzles complexes, où se concentrer trop sur le son éloigne de l’émotion qui imprègne la musique de Davachi. « Magdalena » est un chef-d’œuvre de raffinement, qui laisse respirer chaque accord.

Même si c’est dans les morceaux les plus longs que notre esprit vagabonde le plus, les morceaux courts sont tout aussi évocateurs. « Gradual of Image » est une danse sombre et fantaisiste de guitare acoustique et d’orgue, valsant à travers des paysages en décomposition comme un rappel de notre perte collective. Dans les plis indulgents entre le doux fingerpicking et les drones en expansion, les souvenirs deviennent définitivement gravés dans le verre, un sanctuaire de la solitude. « Border of Mind » se trouve au bord du précipice de la libération et de la folie, l’isolement devenant une béquille vicieuse. La dissonance s’infiltre dans les changements d’accords répétitifs pour perturber l’équilibre méditatif, un sonnet pour le chemin qui s’assombrit ; une question posée au vide alors que quelques secondes supplémentaires de silence pèsent lourd à la fin.

Il est, en outre, nécessaire mentionner à quel point on aime et apprécie la qualité sonore de l’enregistrement de Davachi. Il y a une douce couche de sifflement sur tout l’album qui agit comme un délicat tissu conjonctif. Lorsque Antiphonals se termine par les lamentations tranquilles de la ruminative « Two Flutes », ce flou vaporeux reste inébranlable. Davachi tisse une couverture sonore complexe qui nous donne le temps de nous demander si nous voulons nous cacher un peu plus longtemps ou étouffer l’air caustique qui continue de brûler comme un millier de soleils. Antiphonals ne nous donne pas la réponse, mais ses étendues sonores séduisantes et contemplatives nous donnent le temps de trouver notre propre chemin.

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Marina Rosenfeld: « Teenage Lontano »

17 octobre 2021

Avant-garde R&B et merveilles orchestrales spectrales pour voix d’adolescents ddont au programme de cette artiste de musique concrète de New York qui franchit sans effort les limites entre Ligeti et Klein avec la sortie pour la première fois de deux œuvres hypnotiques datant de 2008/2014.

Il y a près d’une décennie que nous avons découvert la facette P.A. / Hard Love de Marina Rosenfeld ; elle nous dévoile aujourd’hui deux œuvres importantes, d’une ampleur typiquement grisante et d’une simplicité intuitive et élémentaire, respectivement interprétées par des groupes d’adolescents à New York et à Londres. Alors que les deux œuvres peuvent être facilement résumées par une description sèche de leur concept et de leurs résultats, elles transcendent pratiquement ce que l’on pourrait appeler des descripteurs de genre arbitraires et encouragent les auditeurs à se délecter de la réalité magique de leur moment, renvoyant l’utilisateur à l’expérience rare d’une conceptualisation astucieuse avec peu de cascades ou d’astuces, au service d’un attrait instantané et durable. 

Enregistré dans le caverneux manège de Park Avenue à New York, Teenage Lontano est essentiellement une « reprise » de l’œuvre de Gyorgy Ligeti des années 1960, structurée autour de polychords dissonants pour la voix. Après avoir mariné pendant plus de dix ans dans ses archives depuis 2008, avec seulement de maigres aperçus sur son CD Plastic Materials (2009), le résultat est l’un des enregistrements les plus obsédants de Marina, reflétant l’échelle et le mouvement vertigineux de ce que nous avons aimé dans P.A./Hard Love, mais avec une sensation plus illusoire et obsédante découlant de sa masse oscillante et de ses électrocutions éparses, qui font sauter l’air. Nous ne pouvons qu’imaginer que ce son aurait été incroyable dans l’espace de l’Armory, mais il est juste de dire que cet enregistrement transmet cette expérience aussi bien que possible. 

La publication imprimée roygbiv&b  qui l’accompagne ne fait que renforcer l’attrait de ce disque. Créé au MoMA en 2011 et enregistré en 2014 à la South London Gallery par des habitants du sud de Londres, il s’agit d’une transposition stupéfiante et pleine de jeux de mots des disciplines de l’avant-garde conceptuelle et du R&B en quelque chose qui ressemble à du Klein chantant des psaumes gaéliques ; toutes les harmonies multipartites en stéréo sont laissées pour la plupart non traitées, non pressées et spacieuses pour que les esprits puissent vagabonder. Nous sommes complètement suspendus à un fil, le cuir chevelu frissonnant et la mâchoire abasourdie. 

A ne pas manquer !

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Moor Mother: « Black Encyclopedia Of The Air »

23 septembre 2021

Parfois, nous devons simplement nous asseoir, fermer notre gueule et écouter (et lire). Nous ne parviendrons jamais à rendre le monde meilleur en nous battant pour attirer l’attention sur les médias sociaux avec des petits carrés noirs, à moins de nous écarter, de donner une plateforme et d’honorer l’action des autres.

Nous serons toujours dans un cycle d’impérialisme culturel qui proclame fièrement que la suprématie blanche est naturelle, à moins que nous ne reconnaissions les privilèges que nous possédons, construits sur le dos brisé des autres.

Nous reproduirons perpétuellement les conditions du pouvoir si nous n’écoutons pas les voix qui s’expriment rarement.  Dans un premier temps, nous devons prendre le temps d’écouter.

Sous le nom de Moor Mother, Camae Ayewa sort un hip-hop stimulant, tordu et afrofuturiste depuis Fetish Bones en 2016, le premier album qui l’a annoncée comme une artiste digne de votre attention. Ses concerts incendiaires – portez des bouchons d’oreille – élèvent eu summum dit-on, les sensations l’expérience un autre niveau, niveau que peu d’artistes étant capables d’atteindre, et encore moins de maintenir, en matière d’intensité vitriolique et affirmative de la vie. Ayewa le pense vraiment. Dans un genre étouffé par une gamme limitée de types de personnalités et de biographies que les gens veulent percevoir comme « authentiques », l’assaut sonore intellectualisé de Moor Mother n’est rien d’autre qu’un bonheur et une libération intellectuelle.

Black Encyclopedia of the Air est un enchevêtrement serré de messages politiques et spirituels qui n’oublie pas d’être divertissant en même temps. Oui, c’est toujours expérimental, mais, contrairement à la plupart des productions de Moor Mother, c’est aussi un hommage à la culture musicale avec laquelle elle est le plus souvent en phase, à savoir le hip-hop. Sa musique précédente a exposé la folie des idées de genre, d’étiquettes et de restrictions créatives, mais sur ce disque, les rythmes, les collaborations et le clin d’œil insolent à Missy Elliott sur « Rogue Waves » se combinent pour faire de cet album le plus hip-hop d’Ayewa.

Le premier titre, « Temporal Control of Light Echoes », est la composition la plus sinistre de Moor Mother, ; elle est aussi a plus bouillonnante et la plus dissonante. Plutôt que d’être un avant-goût des choses à venir sur l’album dans son ensemble, il agit comme un prologue faisant le lien entre ses précédents disques et celui-ci. Le paysage dystopique de la réalité alternative de Confederate, qui sous-tend une grande partie de la narration de l’album, est mis en évidence sur « Mangrove », une collaboration avec Elucid et Antonia Gabriela, qui place un rap agitateur sur des lignes de clavier R&B jazzy distendues et perturbées, qui vont et viennent de manière achronologique et chaotique. Il s’agit d’une narration ahistorique dans le sens où ce ne sont que des histoires de pouvoir et d’oppression, d’opposition et d’incarnation idéologique hégémonique d’une physicalité abusive, comme cela a toujours été le cas. La musique comme mémoire. La musique comme apprentissage.

Le Londonien Brother May occupe le devant de la scène sur « Race Function Limited », soulignant la nature globale du besoin d’unir et de rendre audibles les voix conscientes de la lutte contre les déséquilibres sociaux construits. Pour paraphraser Bell Hooks, les régimes terroristes utilisent l’isolement pour briser l’esprit des gens, et l’endoctrinement nationaliste du capitalisme tardif est peut-être le summum de la division innée des humains, qui cherchent des boucs émissaires qu’on leur envoie. Pink Siifu, Maasai, et BFLY, entre autres, font de ce disque une exploration complète d’un éventail de voix et de perspectives, unies par une indignation intelligente et juste face à l’état des choses. 

Bien qu’enraciné dans le hip hop, il y a encore beaucoup d’excursions sonores qui soulignent ces points de vue, en particulier dans les dernières étapes. « Zami » revisitera l’amour de Moor Mother pour le bruit, tandis que « Clock Fight » utilise des inflexions jazz avec des percussions d’Afrique de l’Ouest pour un effet délirant. « Tarot » est, de son côté, un point culminant cosmologique, Sun Ra-esque, avec des voix flottantes qui entrent et sortent du champ, racontant des histoires de « blackface democracy / Slave house Senate » avec une intonation qui frise l’ennui – ou peut-être la fatigue qui vient avec l’observation de l’inévitable.

Black Encyclopedia of the Air est une œuvre en constante évolution, délibérément dépourvue de structure musicale, tout en restant centrée sur le thème du pouvoir hégémonique. La voix d’Ayewa est souvent étirée, la plaçant comme un narrateur hors du corps, un signifiant voyageant dans le temps au milieu de forces divergentes d’agence et de subordination.  Voici une œuvre fremarquable et importante ; l’écouter est une nécessité

****1/2


Lingua Ignota: « Sinner Get Ready »

26 août 2021

Il n’y a absolument rien de réducteur à comparer la musique de Kristen Hayter (alias Lingua Ignota) à celle d’autres artistes. En fait, l’artiste a achevé une carrière universitaire prestigieuse en canalisant ses propres expériences à travers des figures allant de Jean-Sébastien Bach à Andrey Markov. C’est pourquoi il est logique de faire appel à des musiciens comme Diamanda Galás, Jarboe et Lydia Lunch pour expliquer comment Lingua Ignota livre un art aussi vulnérable de manière aussi brutale.

Lingua Ignota est prête à partager les méthodes des femmes susmentionnées pour exprimer des traumatismes réels en s’appropriant une imagerie représentative qui est souvent liée à la victimisation, comme sur son album datant de 2019, Caligula. Son quatrième opus, Sinner Get Ready, n’explore pas seulement sa propre éducation chrétienne, mais aussi le privilège de masse qu’elle est capable de répandre parmi ses adeptes, en particulier au sein de sa communauté actuelle dans la Pennsylvanie rurale. Mais, comme le montrent des morceaux comme le lyriquement dramaturgique « I Who Bend the Tall Grasses » et l’intime, sample en forme de de prière « The Sacred Linament of Judgment », l’art classique de Lingua Ignota n’est pas aussi efficace lorsque l’auditeur tente de disséquer ses dispositifs tactiles, mais semble plus émouvant lorsque tous les faux-semblants sont abandonnés et oubliés.

Au fil de neuf compositions, Lingua Ignota encadre son piano traité avec des cloches d’autel, des enregistrements de terrain, des chants, des cordes orchestrales et un style vocal opératique contrôlé, afin de canaliser un large éventail d’humeurs. Mais il n’y a rien de mercuriel dans son quatrième LP, car le lugubre et délicat « Pennsylvania Furnace » (qui décrit un homme traîné en enfer par ses chiens) et l’exceptionnellement sombre et larmoyant « Perpetual Flame of Centralia » font que Lingua Ignota ressemble plus à un témoin de l’exploitation décrite qu’à une fatalité.

Sur des morceaux comme « The Order of Spiritual Virgins », qui ouvre le disque en neuf minutes, et « Many Hands », qui est un chant funèbre à l’orgue, Lingua Ignota fonctionne sur la patience spatiale, Hayter construisant de manière experte la tension à travers les flux et reflux sonores. Cela donne lieu à une heure de musique incroyablement exploratoire, malgré l’ambiance sombre qu’elle crée tout au long de l’album, comme en témoignent l’accompagnement au banjo « Repent Now Confess Now »et la conclusion presque mélodique « The Solitary Brethren of Ephrata ».

Comme Hayter a commencé sa carrière musicale en tant que spécialiste de la musique et de l’art, elle s’assure que les paroles qui hantent son dernier album sont aussi cauchemardesques que sa musique. Sa description de l’iconographie religieuse, remplie du sang de Jésus et de la torture aux mains de ceux qui jugent, est aussi horrifiante que les paroles de doom metal les plus dépravées. Sinner Get Ready n’est rien de moins qu’un album d’une efficacité saisissante, qui ressemble plus à une incantation qu’à une simple collection de chansons.

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Anthony Moore / Dirk Specht / Tobias Grewenig: « The April Sessions »

3 août 2021

Ce voyage, cette méditation sonore qui dérive lentement, est un paysage sonore intérieur, un dialogue entre les sens, la conscience et le monde, intérieur/extérieur, interconnectés. Comme se réveiller d’un long rêve, et rester coincé dans son écho. The April Sessions immerge l’auditeur dans un univers proche du bourdon, rempli d’événements acousmatiques aléatoires, de monologues intérieurs et d’une vaste carte subjective non écrite à dessiner.

The April Sessions vit depuis quelques mois dans un hôtel miteux de Bruxelles. Elle écoute le trafic clairsemé devant sa fenêtre, enfermée et verrouillée. « Tout est construit », se dit-elle, « même le son d’un avion solitaire à 25 000 pieds traverse le ciel pas plus loin que l’intérieur de mon crâne ».

D’autres phénomènes sonores étranges sillonnent le cosmos intérieur de son cerveau et traversent son ciel privé comme des comètes. Et puis, il y a la présence inébranlable de ce monologue intérieur, qu’elle appelle the Tacit Dictator, le Subvocaliser et, de façon assez cauchemardesque, la voix du Merlu Merlucide. –Anthony Moore, St Leonards, 10 mars 2021

Anthony Moore, Dirk Specht et Tobias Grewenig se connaissent et travaillent ensemble depuis le début des années 2000. Ils ont participé collectivement à de nombreux projets, notamment des performances live et des enregistrements. En 2016, dans le cadre du groupe The Missing Present Band, ils ont publié le LP live The Present Is Missing sur A-Musik. L’année suivante, ils ont publié Ore Talks, un double LP, réalisé en collaboration avec Therapeutische Hörgruppe Köln.

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Trapist: « Ballroom »

19 juillet 2021

Quelle belle surprise que celle-ci ! Comme beaucoup de ces productions, celle-ci a été écoutée une fois puis oubliée depuis. L’album ne plaisait pas vraiment, mais la raison nous en échappait. Après l’avoir réécoutée, jon peut comprendre pourquoi. C’est très lent, ça prend du temps pour se développer, ça demande une écoute complète et surtout, ça demande à l’auditeur d’être en accord avec l’idée qu’il ne s’agit pas de la destination mais du voyage. On peut supposer que ce n’était pas notre cas lorsque on l’a entendu pour la première fois.

Trapist est (était ?) un trio viennois composé de guitares et d’électronique (Martin Stiewart), de percussions et d’électronique (Martin Brandlmayr), et de contrebasse (Joe Williamson).  Ces trois musiciens jouent avec retenue et finesse tout au long du disque.

Il y a plusieurs points forts dans cet album.  Tout d’abord, ils sont brillants pour synthétiser l’acoustique (batterie, guitare à cordes de nylon, contrebasse) avec l’électronique. C’est fait si naturellement que cela devient un non-événement dans le champ sonore global.  En écoutant cet album, je n’ai jamais pensé à séparer ces deux éléments.  Les deux sont si étroitement liés par la hanche que les textures et les ambiances globales donnent l’impression d’un jeu d’ensemble symbiotique, et pas seulement d’instruments acoustiques sur l’électronique.  Le tout est-il plus grand que la somme de ses parties ?  Pas complètement, parce que, pris isolément, chacun joue très bien, mais vu sous un angle plus large… c’est un paysage sonore substantiel et tout à fait charmant.

Deuxièmement, troisièmement et quatrièmement, il s’agit des instruments et des musiciens eux-mêmes. On dirait qu’il y a ici des guitares à cordes de nylon et des guitares électriques, mais les guitares à cordes de nylon sont très en avant et au centre. Cet amalgame fonctionne, et c’est un beau mariage lorsqu’il interagit avec l’électronique subtile (et parfois pas si subtile).

Les tambours et les percussions sont également merveilleux. Il y a beaucoup de travail au pinceau ainsi qu’un arsenal d’objets percussifs divers et variés… le tout joué de manière très libre et sans effort. C’était fascinant de se concentrer sur cet aspect.

Enfin, la basse acoustique, jouée à la fois de manière arco et pincée, est de très bon goût, même si elle est un peu discrète. Pendant les sections arco, elle prend un son de bourdon électronique où j’ai dû faire une double prise sonore pour déterminer qu’il s’agissait bien d’une basse acoustique.

Ces raisons et d’autres encore m’ont suffi pour dire que Ballroom est en effet une belle déclaration. On ne peut qu’être heureux de l’avoir dépoussiérée et de vous la recommander vivement.

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