Joanna Brouk: « Hearing Music »

11 mai 2022

Si, par pure magie, les chansons de Joanna Brouk étaient transformées en peintures, elles ressembleraient probablement à des toiles préraphaélites. À la fois sensibles et brutes, légères et pourtant d’une profondeur si touchante, ses chansons peuvent transporter l’auditeur sur les hauts et les bas, juste à la bonne distance entre la terre et le ciel : pas trop près de l’un d’eux, mais quelque part dans un espace sûr où les deux mondes se rencontrent.

Dans l’anthologie à double disque Hearing Music, parue en 2016, Joanna Brouk mêle piano, flûte, synthétiseurs, drone, sons sans paroles et même des sons d’orque dans un magnifique entrelacement d’états transcendantaux. Cette musique a été créée dans les années 70 et 90 et explore les territoires ambiants de la musique new age.

Néanmoins, Brouk ne s’est jamais considérée comme une compositrice. Pour elle, la musique était une forme d’expérimentation des sons, une progression naturelle à partir des mots (elle était étudiante en littérature à Berkeley et aspirait à devenir poète). Son intérêt a été stimulé par la métamorphose des mots en sons et par les cérémonies de guérison traditionnelles asiatiques, concepts qui lui ont été présentés pendant ses études.

Dans une interview, elle a déclaré qu’elle trouvait le processus de création musicale thérapeutique, tant pour elle-même que pour les autres. « Je regarde les gens écouter une de mes créations et je les vois entrer dans une sorte de transe tranquille, comme dans un espace élevé, et cela me donne un sentiment de… ce n’est pas exactement du pouvoir, parce que ce n’est pas du pouvoir utilisé dans un sens pour contrôler les gens, mais les emmener dans un endroit où il n’y a qu’eux et leur âme, et personne d’autre. C’est comme un voyage, et pendant un moment, nous y sommes tous ensemble et nous ne sommes pas si seuls. Parce que c’est très isolant d’avoir quelque chose que personne d’autre ne peut entendre, que vous devez exprimer pour que d’autres personnes puissent l’avoir, pour avoir cette reconnaissance. C’est un besoin très fondamental, je pense. Cela vous fait croire que vous existez, que j’existe ».

Alors que le premier disque se compose de piano et de flûte sur un fond de bourdonnement synthétisé, le second disque ajoute une atmosphère plus non conventionnelle avec des sons d’orques et des voix humaines masculines et féminines fredonnées comme dans un rituel intemporel. Une façon de « parler à l’âme des gens à partir de mon âme », comme dirait Joanna Brouk.

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Deine Lakaien: « Dual + »

24 avril 2022

S’il y a quelqu’un qui peut faire des reprises et les transformer en art, c’est bien Deine Lakaien, un duo qui pourrait faire de la consommation de cornflakes un exercice de philosophie et qui a écrit un album conceptuel sur l’expérience à midi. Très respecté et très singulier, l’idée d’un album de reprises, et de nouvelles chansons influencées par celles-ci, était sûre entre les mains de Veljanov et Horn. C’est ainsi qu’est né le récent album Dual, applaudi par la critique, et que « Dual + » en est la suite, plus compacte et plus diversifiée.

Difficile d’imaginer un morceau d’ouverture plus beau que « Cradle Song », la voix chaude et luxuriante glissant sans effort autour d’une mélodie simple, une berceuse d’espoir et de protection et soudainement appropriée compte tenu des événements choquants actuels. Nightfall  » ne pourrait pas sonner plus Deine Lakaien si sa vie en dépendait – simple mais complexe, magnifique mais sinistre, sombre mais traversé d’éblouissantes lueurs de lumière. Self-Seeker  » s’égare dans un territoire glorieusement bizarre, cette niche presque unique de l’avant-garde que le groupe habite chaque fois que l’envie lui en prend. C’est infiniment satisfaisant d’entendre ces excursions dans l’expérimental, si loin dans la carrière de ce qui a essentiellement commencé comme un projet d’art-musique à l’époque – Deine Lakaien sait qu’il peut écrire une chanson à succès, mais la soif de rester en marge parfois est admirable. Si seulement plus d’artistes privilégiaient l’intérêt plutôt que le commercial.

Parmi les reprises proposées ici, seule celle de REM,  » Losing My Religion « , est insignifiante. C’est une lecture assez décente, mais la chanson est si familière, et la structure si difficile à déconnecter, qu’elle passe à côté d’une sorte de « c’est bien » qui n’aide ni ne gêne. Set The Controls For The Heart Of The Sun  » devient ici une bête bien plus effrayante que l’original, palpitant d’une gracieuse obscurité et d’une intense solitude en son cœur glacé, et le choix de  » Mr DNA  » de Devo montre le sens de l’humour et de l’impertinence qui existe derrière toute cette intensité et cette conceptualisation. C’est complètement dingue, à la fois en tant qu’original et en tant que reprise, et ça marche, assez bizarrement, même si ça dépasse de cette collection comme une verrue sur un œuf.

Altruist  » se faufile inexorablement, un morceau étrange et troublant,  » Fork  » accélère le rythme et vous balance des percussions, jetant des éléments de la maquette de Deine Lakaien comme s’ils faisaient un grand ménage dans le studio. Et pour finir, la beauté digne et émouvante de « Wiegenlied », un exemple classique et élégant de la profondeur et de la qualité de ce que les chansons peuvent devenir entre les mains habiles de leurs gardiens temporaires.

C’est un album merveilleux, qui complète aisément le précédent album de cette phase créative actuelle. Impénétrable, ludique, respectueux, les choses passent facilement de mélodiques et apaisantes à dures et cruelles dans le tourbillon musical toujours changeant de Deine Lakaien, et le duo continue de montrer la voie en matière d’originalité et de portée à couper le souffle.

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Christopher Trapani: « Horizontal Drift »

21 avril 2022

Pour les six œuvres de son album Horizontal Drift, le compositeur Christopher Trapani a choisi un éventail inhabituel d’instruments capables de produire un monde sonore fait de micro-tons et de timbres étendus.

L’album s’ouvre sur une pièce pour cor-violon roumain (joué par Maximilian Haft), un violon doté d’un résonateur métallique et d’un cor utilisé pour l’amplification. Le son est étroit et mince, comme un enregistrement de violon du début du XXe siècle. L’écriture de Trapani pour cet instrument consiste en des gestes contemporains, mais même avec l’électronique qui augmente la voix naturellement peu naturelle de l’instrument, la pièce conserve un écho du milieu folklorique dans lequel le cor-violon est habituellement rencontré. L’album se termine par une deuxième pièce pour instrument à cordes frottées, Tesserae, écrite pour la viole d’amour, un alto de l’époque baroque remarquable par son éventail de cordes sympathiques. Trapani évite un son évident, quasi baroque, pour une mélodie qui incorpore des ornements glissants rappelant la musique vocale hindoustani. Elle est jouée avec sensibilité par Marco Fusi.

Trois passages ont été composées pour des instruments accordés de manière non conventionnelle. « Linear A », qui tire son nom de l’ancienne écriture minoenne encore non déchiffrée et qui est interprétée par Amy Advocat, est pour clarinette accordée sur la gamme de Bohlen-Pierce à 13 degrés, avec des boucles en direct, un mécanisme qui met en branle un contrepoint sinueux de mélodie auto-répliquée. Le tryptique « Lost Time, » pour piano scordatura (joué par Marilyn Nonken), est une sorte de dialogue entre Bob Dylan, dont les paroles fournissent les sous-titres des mouvements et donc les connotations émotionnelles, et le compositeur spectraliste Gerard Grisey, dont l’idée des diverses manières subjectives d’expérimenter le temps en musique établit le programme de la charge texturale de chaque mouvement individuel. « Forty-Nine, Forty-Nine », pour orgue de barbarie accordé sur une gamme à 31 degrés, se tient juste à côté du chaos harmonique total. Pour le morceau titre, avec le guitariste Daniel Lippel à la guitare à quarts de ton, Trapani crée une atmosphère sonore électroniquement augmentée et spatialisée de façon complexe, faite de notes uniques et de fragments harmoniques retardés et superposés, qui donnent à la pièce une qualité ondulante et magnifiquement troublante, semblable celle qui viendrait d’une harpe.

***1/2


Kee Avil: « Crease »

30 mars 2022

Kee Avil n’est pas un individu, ni un groupe, mais plutôt un concept, un collectif, un projet, la création de la productrice et guitariste montréalaise Vicky Mettler. Son premier album, Crease, est présenté comme « l’expression singulière d’une logique onirique fracturée, concrétisée par une guitare postpunk ciselée, une électronique sinueuse de bas de gamme, une panoplie de micro-échantillons organiques et numériques créant un rythme tour à tour saccadé et propulsif, et l’intimité anxieuse de son lyrisme et de sa voix finement ouvragés ».

Tout cela semble assez grandiose et suscite de grandes attentes. Heureusement, Crease ne déçoit pas. Pour gérer ces attentes élevées, il faut établir ici et maintenant qu’il ne s’agit pas d’un album conventionnel, avec des chansons faciles aux structures couplet/refrain évidentes ou accessibles.

« See, my shadow » commence par des relents de la première PJ Harvey, mais se transforme rapidement en post-punk industriel avec des rythmes électro/hip-hop, plus proche de Lydia Lunch aux commandes de Coil remixé par Portishead. Il se passe beaucoup de choses en l’espace de quatre minutes, mais c’est tout à fait normal ici : Crease est aussi riche en idées qu’en étrangetés sonores. Ce n’est pas un album facile à appréhender, et Mettler s’y montre tout à fait différente. Certains pourraient dire folle, déséquilibrée, mais ce n’est pas ça. Il est juste évident qu’elle existe sur un autre plan, et , ainsi, l’album évite les structures conventionnelles pour explorer des voies d’écriture qui reflètent plus étroitement une vision et un concept alternatifs des « chansons ».

 

On ne veut certainement pas dire que c’est une critique, mais, en disant que c’est de l’art, c’est fondalement supérieur. Si c’est supérieur, ça ne l’est pas pour cette raison ; Crease est clairement le produit d’un état d’esprit assez spécifique, et d’une détermination à trouver un moyen de s’exprimer. Et parfois, pour articuler, il faut aller au-delà du langage et des structures musicales conventionnelles. Ainsi, ce que le disqueexprime, c’est une séparation du reste du monde, l’agitation de l’esprit, la dualité du monologue interne.

« Drying » est clairsemé, buggé ; un cliquetis et un pop de percussions fournissant un cadre erratique pour l’instrumentation accessoire et le chant ralenti, opiacé, à la fois sulfureux et menaçant.

« And I » se veut dépouillée, à base de guitare acoustique grattée ; le picking tendu rappelle parfois les débuts de Leonard Cohen, et l’atmosphère est tendue à l’extrême. Il s’agit d’un cours magistral sur la façon dont le moins est tellement plus, et comme la voix haletante de Mettler s’arque sur les frettes, une sorte de magie se produit dans la façon dont il vous attire avec une sensation hypnotique. « Devil’s Sweet Tooth «  s’élance et se balance, les violons vacillent au bord de la rupture.

Il est souvent difficile de comprendre les paroles, alors vous vous penchez plus près pour essayer d’y mettre votre tête et vos mains. Vous échouez, mais vous êtes attiré par l’étrangeté dissonante qui est plus que de la musique : c’est un monde de déconnexion et de dislocation. C’est troublant, étranger, mais probablement meilleur que ce que l’on écoute en ce moment.

***1/2


Natasha Barrett: « Heterotopia »

21 janvier 2022

Le monde de « acousmatique » entre en 2022 avec une autre merveilleuse sortie de Natasha Barrett, cette fois avec un album sur le label Persistence of Sound.  Heterotopia nous présente trois pièces d’art sonore enchanteresses, toutes dotées des qualités typiques d’écoute répétée que l’on attend d’une telle sa musique.

L’hétérotopie, du grec héteros (autre) et tópos (lieu), est un concept philosophique développé par Michel Foucault dans les années 1960.  Comme tout champ d’étude philosophique, il peut rapidement se transformer en un terrier de lapin très profond, mais on peut subodorer que la direction prise par le compositeur est mise en évidence par cette citation décrivant la première iste de l’album, « Speaking Spaces No. 1 : Heterotopia » :

« Je ne me souviens plus du moment où j’ai réalisé : plutôt que d’entendre l’aboiement du chien, le cri de l’épervier, la circulation ou l’enfant, j’entendais plutôt la forêt, la montagne, la paroi rocheuse, la ville. C’était quelque chose de plus que les espaces qui parlaient dans leurs réflexions acoustiques. Ces rencontres ont contredit la perception normale et sont devenues des expériences transformatrices au cours de mes promenades dans le paysage. Les espaces contenaient maintenant plus de couches de signification que ce qui était immédiatement évident à l’œil et à l’oreille. « Speaking Spaces » est une série d’œuvres qui explorent ces conceptions alternatives de l’espace commun. »

« Speaking Spaces No. 1 : Heterotopia », une promenade sonore de 24 minutes, est une nouvelle exploration par Barrett de la spectromorphologie de Smalley (analyse des sons en fonction du temps) qui transporte l’auditeur vers, eh bien… un autre endroit.  Commençant de manière relativement directe, sans traitement, par un « field recording », le morceau se modifie lentement et organiquement jusqu’à ce que l’auditeur ait inévitablement l’impression de ne plus être au Kansas.  Où cela peut-il être ?  Quelle portée extraterrestre est atteinte ?  C’est à l’auditeur d’en faire l’expérience.  Pour en revenir à la qualité d’écoute répétée de sa musique, les lieux/dimensions/étendues visités seront certainement en évolution à chaque visite de ce paysage sonore. D’autres indices de ce concept hétérotopique sont révélés dans ses notes sur le deuxième morceau de l’album, « Urban Melt in Park Palais Meran ».

À partir de son blog, elle explicite à nouveau : L’été 2018 a été plutôt chaud. Les villes que j’ai visitées et dont la température estivale est normalement agréable fondaient. Est-ce le signe des étés à venir ? Expérimentant comment une chaleur excessive peut conduire à la fois à des mirages et à un état de délire, Urban Melt transporte une partie de tennis de table ordinaire, en plein air, au Park Palais Meran, à Graz, vers un monde plus fou de l’autre côté du mirage. Cette œuvre fait partie d’une série de pièces qui visitent des scènes sonores « normales » de tous les jours et qui explorent les façons dont nous pouvons évoquer et provoquer une nouvelle prise de conscience d’environnements que nous ignorons facilement. »

Nous avons utilisé le terme inventé « Dunsany-esque » dans d’autres articles sur sa musique, mais cet exemple d’un trope de musique acousmatique très utilisé, celui des balles de ping-pong qui rebondissent, porte ces sons à des extrêmes hors normes.  En fait, jon peut dire sans me tromper que les « lieux » hétérotopiques visités ici sont sûrement à proximité des « champs au-delà des champs que nous connaissons » du livre The King of Elfland’s Daughter de Lord Dunsany.

Le dernier morceau, « Growth », d’une durée de 6 minutes, est une composition récente qui, d’un point de vue dynamique, est assez agressive… osons dire à la limite de l’industriel par endroits.  Il n’y a pas beaucoup de détails discrets et tranquilles ici (ce qui ne veut pas dire qu’il n’y en a pas), mais Barrett choisit plutôt de jeter l’auditeur dans un maelström de sons violents qui s’organisent en une brillante narration mentale à tendance apocalyptique.  Mais, même dans ce chaos naturel et électronique, Barrett fait ressortir des détails subtils.  Au lieu de se sentir matraqué pour me soumettre, on en ressort en voulant plus ; aAu point de se demander si cette agression à grande échelle sera explorée dans d’autres œuvres.  Si c’est le cas,n’hésitez !

Quoi qu’il en soit, c’était une excellente façon de quitter cet album.  Comme pour Leap Seconds l’année dernière, Barrett livre une fois de plus ce qui pourrait être un de nos albums favoris de l’année.  Espérons que certains lui donneront une chance.  Ceci étant recommandation extrêmement forte !

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Tony Malaby: « The Cave Of Winds »

27 novembre 2021

À première vue, cette sortie en quartet avec les vétérans Tony Malaby au saxophone, Ben Monder à la guitare, Michael Formanek à la basse et Tom Rainey à la batterie pourrait passer pour un énième album de jazz créatif new-yorkais. C’est le cas, mais une représentation aussi brève manque nécessairement la cible.

L’enregistrement comprend du matériel présentant de larges gammes sur les axes intérieur/extérieur et structuré/déstructuré. Il commence par une mélodie sautillante de Malaby, rapidement rejointe par un solo rugueux de Monder. Cela devient un thème pour The Cave Of Winds – Malaby maintient un sens de la direction tandis que Monder repousse les limites. En effet, le ton brut de ce dernier, qui est lourd dans les médiums et souvent bas dans le mixage, contraste exquisément avec le jeu des trois autres, formant une sorte de yin à leur yang collectif.

D’autre part, dans « Recrudescence », les quatre membres se livrent à des improvisations libres éparses et atmosphériques qui gagnent lentement en tempo et en densité, Malaby adoptant une approche plus expérimentale. La pièce maîtresse de l’album est le morceau titre de 18 minutes, qui offre un jeu poignant d’alto et de ténor de Malaby et des lignes angulaires simultanées de Monder. Formanek et Rainey sont activement engagés dans des leads co-extensifs plutôt que de simples rôles rythmiques. La deuxième moitié du morceau est particulièrement fascinante, le groupe passant d’une spontanéité chaotique et ouverte à des accords bourdonnants et fortement distordus de Monder, sur lesquels Malaby passe de techniques étendues à un thème subtil mais planant.

***1/2


Jessica Moss: « Phosphenes »

23 novembre 2021

Que ce soit de jour ou de nuit, Phosphenes nous offre une musique obsédante. Un phosphène est décrit comme « le phénomène qui consiste à voir la lumière sans que celle-ci ne pénètre dans l’œil », et le violon est au cœur de sa musique. Le violon – déformé, amplifié, fantomatique, altéré dans sa forme et sa texture – est au centre de l’univers musical de Jessica Moss. Tout le reste découle de sa forme sombre.

Moss est une musicienne expérimentée, tant dans ses collaborations passées que dans sa musique solo, et le troisième album solo de la compositrice et violoniste sous Constellation navigue sur le terrain du deuil et de l’apparition d’un bouclier lumineux, évoluant entre une dissonance longue et enracinée et quelque chose qui ressemble à un confort harmonique. Une atmosphère intense et inquiétante règne tout au long du disque, et elle ne fait que s’assombrir davantage, mais il y a des possibilités d’espoir dans les sonorités du violon. Les cordes se réverbèrent dans l’air, créant des puits profonds de sons en écho, sa musique semblant à la fois raffinée et assombrie par la tragédie ou le désespoir. Mais le violon est également capable de produire une lueur de lumière – un phosphène qui illumine l’obscurité.

En ce qui concerne les ramifications de la pandémie en cours et de la vie en vase clos, qui a vu les musiciens perdre leur public, la possibilité de se produire en concert et la privation d’une grande partie de leurs revenus, Moss mentionne que c’était « comme quand on appuie fort ses poings sur ses yeux et qu’on finit par voir un feu d’artifice ». Une partie de cette frustration apparaît dans sa musique, et les faisceaux de lumière soutenue, qui clignotent devant les yeux, sont visibles dans les notes allongées du violon, qui défilent l’une après l’autre. Les fines lignes de lumière apparaissent comme des formes fantomatiques et temporaires. En réalité, la lumière est absente, mais les champignons de l’imagination créent leur propre imagerie. Alors que la plupart des gens sont repliés sur eux-mêmes, 24 heures sur 24 et sept jours sur sept, et que l’isolement social et la solitude ont des effets néfastes à court et à long terme sur la santé mentale et physique, l’imagination est un port d’attache pour des millions de personnes, un feu d’artifice dans l’obscurité.

Enregistré chez elle en isolement, dans son local de répétition et aux studios Hotel2Tango à Montréal lorsque les restrictions ont été levées, Phosphenes est un opus gorgé de sensibilité, conscient de ses expériences et de celles des autres, qui s’illumine et offre de douces lueurs d’espoir dans un monde meurtri.

***1/2


Mary Lattimore & Growing: « Gainer »

12 novembre 2021

À lire la raison pour laquelle le ciel apparaît de certaines couleurs à différents moments de la journée et à penser à la façon dont le ciel devient rose et rouge au crépuscule parce que la lumière bleue ne peut pas voyager très loin et se disperse dans l’invisibilité laissant la lumière rouge prendre le dessus. On trouve une certaine poésie à ce que la lumière ait ses limites et doive laisser transparaître une autre longueur d’onde du spectre. C’est aussi comme ça que fonctionnent beaucoup de nos artistes préférés. Ainsi, Ils ont leur voie et il y a un moment où elle est le point de mire et d’autres où le moment est venu de prendre du recul, de se disperser dans la vallée spectrale et de laisser les autres sons ouvrir la voie.

Mary Lattimore et Growing sont des poids lourds. On s’attend à ce qu’un trio comme celui-ci se réunisse, mais Gainer se situe dans des eaux expressives où la patience est sa propre récompense et où l’étendue est en apesanteur. Les attentes ne comptent pas, c’est le sentiment du moment qui compte. Sur Gainer, il y a une compréhension profonde et un respect mutuel qui transparaissent avec une ferveur discrète.

Deux excursions tentaculaires sont encadrées par des cieux de plus en plus sombres. « Flowers in the Center Lane Sway » » se dirige vers un endroit où des figures illuminées poussent dans toutes les directions, errant avec crainte parmi ces souvenirs de fantômes. Les drones de Growing respirent l’air frais comme des prières génératives revenant d’un aller-retour vers la sphère céleste. Les timbres se déplacent de manière subtile, presque imperceptible mais se tordant avec une grâce puissante.

Avec une affection rayonnante pour le voyage, Lattimore ajoute de la légèreté avec une cascade de fleurs. Le courant de fond devient plus fort, les tons étirés deviennent radieux tandis que les harmonies se transforment en monuments, solides et inébranlables. La dichotomie de cette densité avec la légèreté du jeu de harpe de Lattimore est magique, comme des scintillements de néon sous une mer de minuit. Augmentez le volume et « Flowers in the Center Lane » devient un cocon tactile. 

C’est une belle ouverture sur un album qui s’épanouit pleinement avec de la concentration et une écoute profonde. En se concentrant sur les timbres spectraux et les arrangements émotifs, on libère notre esprit pour qu’il dérive et voyage au-delà. Sur « Tagada, Night Rises », la harpe de Lattimore est située au clair de lune, hypnotique dans son effervescence contenue. Elle tisse ces toiles sonores brillantes qui sont en filigrane au toucher, mais pleines d’émotion, regardant la tempête à venir. Soutenu par les murmures statiques de Growing, il y a une liberté de mouvement dans l’arrangement qui mélange les sons disparates, donnant aux nouvelles textures un moment au soleil. 

Lorsque le morceau entre dans sa deuxième et dernière phase, les guitares se mettent à chanter et les échos d’hier s’estompent dans l’obscurité. Les huit dernières minutes de Gainer regardent vers l’avant sans craindre les possibilités infinies. Des structures résonantes construisent des montagnes. Des cordes réverbérantes veillent sur les souvenirs qui n’ont jamais atteint les banques de données. Les paysages brillants brillent comme des balises pour les retardataires qui se dirigent vers l’horizon, Lattimore et Growing entrelaçant les réflexions mélodiques dans un prisme sonore enchanté où chaque direction a une destination.

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Jessica Pavone: « Lull »

20 octobre 2021

Jessica Pavone continue de produire une musique qui est à la fois satisfaisante et stimulante. Nous avons déjà parlé de ses efforts en tant que leader et, sur ce nouvel opus, Pavone explore une forme plus orchestrale avec un octuor à cordes (deux violons, deux altos, deux violoncelles et deux contrebasses) accompagné des solistes Nate Wooley à la trompette et Brian Chase aux percussions.

Son approche fait appel à des dronessuperposés, les divers instruments à cordes créant des sons superposés avec des sons murés et des motifs d’écho qui ont un aspect cinématographique distinctif. Mais les partitions de Pavone laissent également place à l’improvisation, qui s’aventure parfois dans des méandres agréablement discordants. Les conseils qu’elle donne aux instrumentistes ne sont pas sans rappeler ceux de Riley – des cadres de base et des timings pour l’interprétation.

Chase dirige la deuxième piste (« Holt »), se limitant à des frappes délibérées de tambours de médium et de basse, tandis que les instruments à cordes se contentent de grappes de sons contrôlés. Wooley se joint à la fin du morceau avec un ensemble de techniques étendues expressives et angulaires. Sur le troisième morceau (« Ingot »), Wooley et l’octuor créent des atmosphères lentes. Celles-ci changent de caractère et se transforment en un motif de pulsations avec des statiques et la trompette de Wooley qui maintient un drone ondulant, avant de se transformer à nouveau en atmosphères.

Pour dire les choses simplement, Jessica Pavone ne cesse de s’améliore et, à ce titre, Lull est probablement l’album le plus fort dans sa carrière.

***1/2


Sarah Davachi: « Antiphonals »

19 octobre 2021

Tout ce qui concerne l’étonnant et tentaculaire Antiphonals est baigné dans une mer de merveilles ; intemporel, doux et captivant. Sarah Davachi a une capacité exceptionnelle à créer des enceintes sonores immersives où l’on peut se sentir en sécurité pour réfléchir aux émotions les plus lourdes et vagabonder librement dans notre propre esprit. Mais sa musique n’est pas sûre, c’est même tout le contraire. En créant ces cocons sonores enveloppants, Davachi nous envoie dans les zones les plus sombres sans nous méfier.

Antiphonals se déplace avec aisance, un large éventail d’instruments fondus ensemble en synchronisation. Des plumes solennelles dans des accords surprenants sont des portes ouvertes sur « Chorus Scene », un signe de bienvenue, estompé mais toujours présent. Il crée l’ambiance comme un rideau qui se lève pour révéler le vaste dôme sourd de « Magdalena ». Des braises montantes éclairent un chemin introspectif, la touche retenue de Davachi déverrouille la chaleur affective d’Antiphonals. Peu d’artistes communiquent autant avec quelques notes étirées et enroulées autour d’elles comme des puzzles complexes, où se concentrer trop sur le son éloigne de l’émotion qui imprègne la musique de Davachi. « Magdalena » est un chef-d’œuvre de raffinement, qui laisse respirer chaque accord.

Même si c’est dans les morceaux les plus longs que notre esprit vagabonde le plus, les morceaux courts sont tout aussi évocateurs. « Gradual of Image » est une danse sombre et fantaisiste de guitare acoustique et d’orgue, valsant à travers des paysages en décomposition comme un rappel de notre perte collective. Dans les plis indulgents entre le doux fingerpicking et les drones en expansion, les souvenirs deviennent définitivement gravés dans le verre, un sanctuaire de la solitude. « Border of Mind » se trouve au bord du précipice de la libération et de la folie, l’isolement devenant une béquille vicieuse. La dissonance s’infiltre dans les changements d’accords répétitifs pour perturber l’équilibre méditatif, un sonnet pour le chemin qui s’assombrit ; une question posée au vide alors que quelques secondes supplémentaires de silence pèsent lourd à la fin.

Il est, en outre, nécessaire mentionner à quel point on aime et apprécie la qualité sonore de l’enregistrement de Davachi. Il y a une douce couche de sifflement sur tout l’album qui agit comme un délicat tissu conjonctif. Lorsque Antiphonals se termine par les lamentations tranquilles de la ruminative « Two Flutes », ce flou vaporeux reste inébranlable. Davachi tisse une couverture sonore complexe qui nous donne le temps de nous demander si nous voulons nous cacher un peu plus longtemps ou étouffer l’air caustique qui continue de brûler comme un millier de soleils. Antiphonals ne nous donne pas la réponse, mais ses étendues sonores séduisantes et contemplatives nous donnent le temps de trouver notre propre chemin.

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