Arooj Aftab: « Vulture Prince »

26 août 2021

Arooj Aftab est née au Pakistan et réside actuellement à Brooklyn aux États-Unis. Il est clair que ses racines ne sont jamais loin de son esprit. Avec son troisième album, Vulture Prince, elle nous offre un aperçu de ses réflexions acoustiques sur la perte. Chaque morceau vous touche d’une manière différente et vous éclaire d’une manière romantique et festive. Faire son deuil, c’est se languir, c’est se rappeler de sourire, quel que soit le chagrin que l’on ressent maintenant.

Aftab a perdu son jeune frère pendant l’écriture de son nouvel album et si la perte est omniprésente, elle est dépeinte dans un état calme et réfléchi. Cela pourrait être les guitares à combustion lente de « Saans Lo » qui évoquent une vibration gentille de Cocteau Twins croisée avec une prière au coucher du soleil. La voix feutrée mélangée à un scintillement lointain d’harmoniques de guitare et de souffle de vent constitue une expérience discrète mais profonde. Il pourrait s’agir de la voix dynamique d’Aftab, qui oscille entre harpes et violons sur « Baghon Main ». « Diya Hai » donnera l’impression que les sables mystérieux du temps changent les points de vue et les perspectives. Le riff est simple, mais la liberté de ce qui l’entoure est à nouveau cathartique et réconfortante.

D’autres morceaux s’éloignent de la formule acoustique simple. « Last Nigh » » mêle des éléments urbains et Arooj Aftab chante l’un des rares morceaux en anglais de l’album. Ici, le rythme a un swing reggae et le groupe est jazzy. Cet élément jazzy revient pour le morceau le plus proche, « Suroo », où une basse droite, une harpe, un synthé et une voix créent un morceau uptempo. Au fur et à mesure que le morceau progresse, il se rapproche d’un écho psychédélique, comme si tout devenait un mirage. L’une des caractéristiques de l’album d’Ajoor est que chaque chanson est une visite de lieux ou d’états d’esprit antérieurs. Le fait qu’elle les laisse dans une brume est assez révélateur du caractère temporaire de tout et de tous ceux qui nous entourent.

Les deux morceaux les plus longs sont le glorieux « Inayaat » qui fusionne harpe, piano, violon et voix dans une célébration éthérée. Signifiant « soin » ou « protectio » », le morceau a un aspect maternel, aidé par un magnifique travail de bugle. Le bugle revient pour le raj de « Mohabbat »qui est à la fois dévotionnel et plein d’amour. Ajoutez quelques percussions légères et des gazouillis d’oiseaux matinaux et vous obtenez une délicate illumination sur huit minutes de musique joyeuse.

Vulture Prince » est un album magique. Arooj Aftab a le don d’ajouter des tas de petites couches de musique qui donnent une impression de légèreté et de fluidité. Sa voix est absolument divine, elle calme votre âme sans effort tout en transmettant l’émotion. Elle parvient à faire sonner tant de choses comme si c’était si peu, tout en créant un impact colossal avec chaque bruit. Époustouflant.

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Trapist: « Ballroom »

19 juillet 2021

Quelle belle surprise que celle-ci ! Comme beaucoup de ces productions, celle-ci a été écoutée une fois puis oubliée depuis. L’album ne plaisait pas vraiment, mais la raison nous en échappait. Après l’avoir réécoutée, jon peut comprendre pourquoi. C’est très lent, ça prend du temps pour se développer, ça demande une écoute complète et surtout, ça demande à l’auditeur d’être en accord avec l’idée qu’il ne s’agit pas de la destination mais du voyage. On peut supposer que ce n’était pas notre cas lorsque on l’a entendu pour la première fois.

Trapist est (était ?) un trio viennois composé de guitares et d’électronique (Martin Stiewart), de percussions et d’électronique (Martin Brandlmayr), et de contrebasse (Joe Williamson).  Ces trois musiciens jouent avec retenue et finesse tout au long du disque.

Il y a plusieurs points forts dans cet album.  Tout d’abord, ils sont brillants pour synthétiser l’acoustique (batterie, guitare à cordes de nylon, contrebasse) avec l’électronique. C’est fait si naturellement que cela devient un non-événement dans le champ sonore global.  En écoutant cet album, je n’ai jamais pensé à séparer ces deux éléments.  Les deux sont si étroitement liés par la hanche que les textures et les ambiances globales donnent l’impression d’un jeu d’ensemble symbiotique, et pas seulement d’instruments acoustiques sur l’électronique.  Le tout est-il plus grand que la somme de ses parties ?  Pas complètement, parce que, pris isolément, chacun joue très bien, mais vu sous un angle plus large… c’est un paysage sonore substantiel et tout à fait charmant.

Deuxièmement, troisièmement et quatrièmement, il s’agit des instruments et des musiciens eux-mêmes. On dirait qu’il y a ici des guitares à cordes de nylon et des guitares électriques, mais les guitares à cordes de nylon sont très en avant et au centre. Cet amalgame fonctionne, et c’est un beau mariage lorsqu’il interagit avec l’électronique subtile (et parfois pas si subtile).

Les tambours et les percussions sont également merveilleux. Il y a beaucoup de travail au pinceau ainsi qu’un arsenal d’objets percussifs divers et variés… le tout joué de manière très libre et sans effort. C’était fascinant de se concentrer sur cet aspect.

Enfin, la basse acoustique, jouée à la fois de manière arco et pincée, est de très bon goût, même si elle est un peu discrète. Pendant les sections arco, elle prend un son de bourdon électronique où j’ai dû faire une double prise sonore pour déterminer qu’il s’agissait bien d’une basse acoustique.

Ces raisons et d’autres encore m’ont suffi pour dire que Ballroom est en effet une belle déclaration. On ne peut qu’être heureux de l’avoir dépoussiérée et de vous la recommander vivement.

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Origamibiro: « Miscellany »

12 juillet 2021

Cette saison particulière accueille Origamibiro de retour après un hiatus qui a duré près de six ans et qui se manifeste sous la forme d’un album comprenant un ensemble de travaux amassés depuis la sortie de l’album Odham’s Standard de 2014, chaleureusement accueilli. Il marque également le retour du projet à ses origines en tant qu’entreprise essentiellement solo du compositeur et producteur Thomas William Hill, basé à Nottingham, bien que ce dernier n’hésite pas à souligner que le contrebassiste et multi-instrumentaliste Andy Tytherleigh, qui faisait partie de son incarnation en tant que trio audiovisuel, reste un collaborateur important.

La nouvelle collection s’appelle Miscellany, un titre qui s’avère approprié non pas parce qu’il sonne comme un album cousu ensemble à partir de travaux disparates sur une longue période de temps – bien au contraire – mais parce que c’est un mot qui capture l’essence du modus operandi éclectique d’Origamibiro, à savoir une « exploration de la nature tangible des objets quotidiens et des textures à la fois dans et hors de la maison ». Les ronces de la forêt, les jouets en plastique et les débris de pièces de piano démolies ne sont que quelques-uns des objets dont on nous dit qu’ils sont réutilisés pour tout le potentiel sonore qu’ils offrent, aux côtés d’une palette instrumentale variée comprenant la viole de gambe, le piano, la cithare, le bol chantant, le glockenspiel, les boîtes à rythmes et les gongs.

Ce qui fait que l’album fonctionne si bien, c’est que Hill ne se contente pas d’explorer les propriétés sonores de divers objets et instruments pour la nouveauté, mais semble surtout découvrir toute la gamme de leur musicalité. Il est vrai que l’on peut se surprendre à essayer de comprendre l’origine de tel ou tel son ou à s’amuser de l’ingéniosité dont font preuve des morceaux ludiques comme « Zoo », mais la vision musicale de Hill et ses compétences de compositeur font que le tout s’assemble de manière cohérente et convaincante. Les divers sons et textures sont étroitement tissés dans des structures rythmiques agiles et fusionnés avec une instrumentation luxuriante, des mélodies engageantes et une chaleur pastorale amicale qui en font un véritable plaisir à écouter. Si Miscellany englobe des travaux compilés dans le passé d’Origamibiro, il semble également ouvrir un nouveau chapitre pour le projet, ce qui est une perspective séduisante.

***1/2


Sebastian Plano: « Save Me Not »

2 juillet 2021

Le dernier album de Sebastian Plano, Save Me Not, se situe à un niveau profondément personnel. Sebastian y va plus loin que jamais, faisant corps avec la musique. Avec le temps, écrire de la musique est devenu un besoin ; il me serait impossible de vivre sans pouvoir m’exprimer par des sons. Save Me Not est sa musique, un album intime dans lequel il peut cultiver et nourrir son propre style, la musique qui l’a toujours appelé. Une musique qu’il était destiné à absorber et à diffuser dans le monde entier.

Le violoncelliste, compositeur et producteur argentin a enregistrécet opus au cours de plusieurs longues nuits, toutes passées dans son studio de Berlin. Il a laissé ses propres empreintes sur la musique qui en résulte. Utilisant des fonds électroniques frais et discrets et mettant l’accent sur les trois éléments différents que sont la voix, le violoncelle et le piano, Save Me Not est un disque d’une qualité raffinée et d’une lumière tamisée, qui scintille faiblement d’apricité.

En grandissant, nous passons notre vie à devoir nous fondre dans la masse, alors, à mesure que notre personnalité se développe, il est inévitable que nous commencions à cultiver notre propre réalité. « Mais pour moi, cela a grandi jusqu’à ce que je réalise que je n’appartenais pas au monde de l’interprétation, jouant la musique de Beethoven – ou de n’importe qui d’autre. Nous sommes nombreux à entretenir notre propre espace où nous pouvons être l’essence de nous-mêmes, et les personnes créatives vont sans doute encore plus loin, en construisant une réalité où leur imagination peut se déployer, en toute liberté ».

Un contraste profond se niche dans la musique de Sebastian. Seuls trois instruments sont utilisés, mais la musique ne semble jamais restreinte. Au contraire, Save Me Not est pleine de perspectives toujours plus vastes. Plano renverse les choses, car la concentration supposée étroite sur le piano, le violoncelle et la voix l’aide à créer un monde plus vaste. En se concentrant sur ces trois sons particuliers, des niveaux de développement plus profonds peuvent se produire, rendant la pièce plus large.

Save Me Not est une musique patiente et élégiaque. Sebastian a affiné ses talents de compositeur, et chaque note est jouée au maximum, ce qui lui donne une durée de vie saine et imprègne la musique d’un amour profond, qui doit être l’élément le plus important de la musique ; s’il n’y avait pas d’amour, pourquoi la faire ? Les notes hantent les brumes de son air, et les compositions prennent leur temps pour se développer. Des cordes arquées et des harmonies fortes et balayées créent des arrangements étonnants et poétiques. Le choc d’une main contre le corps du violoncelle, un pied qui tape sur le sol, et même le grincement de la chaise du studio sont autant d’éléments essentiels à la musique, qui ajoutent à sa personnalité et à son âme. Tout s’assemble joliment, suspendu dans un espace délicat. Save Me Not est une musique pour et de l’âme.

***1/2


Floating Points, Pharoah Sanders & the London Symphony Orchestra: « Promises »

17 juin 2021

Considérez l’attrait de l’album de collaboration transgénérationnelle. Quand c’est mauvais, c’est très mauvais – pensez à Lou Reed et Metallica qui respirent les vapeurs du théâtre allemand du XIXe siècle sur Lulu (2011), ou à Miley Cyrus qui se balade en cosplay psycho-rock sur Her Dead Petz (2015), produit par les Flaming Lips. Mais lorsque cela fonctionne, les résultats peuvent être agréablement étranges (Wise Up Ghost d’Elvis Costello et The Roots) ou carrément révélateurs (The Moon and the Melodies de Cocteau Twins et Harold Budd, Mirror Ball de Neil Young avec Pearl Jam).

Le couple improbable formé par le génie électronique britannique Sam Shepherd, alias Floating Points, et le titan du saxophone free-jazz Pharoah Sanders est l’une des associations les plus révélatrices de l’histoire récente. Sur leur album Promises, qui a longtemps mijoté et sur lequel on retrouve également les houles cinématiques de l’Orchestre symphonique de Londres, l’énergie de la collaboration des musiciens s’avère aussi remarquablement puissante qu’improbable. Se déroulant en une seule composition continue, sans paroles, divisée en neuf mouvements, Promises sonne comme un saut de la foi créative, une communion cosmique qui traverse les générations, les genres et les barrières musicales pour construire quelque chose de beau.

Son histoire d’origine remonte à plus d’une demi-décennie. En 2015, Sanders, alors âgé de plus de 70 ans, se trouvait dans une voiture de location lorsqu’il a entendu le premier album de Floating Points, Elaenia. Impressionné, il s’est rapidement lié d’amitié avec le compositeur électronique de plus de 40 ans son cadet ; ils se rencontraient pour déjeuner et parler de jazz, et finalement, Sanders a proposé qu’ils créent un album commun. Le résultat – enregistré principalement à Los Angeles pendant l’été 2019, avec des parties orchestrales enregistrées pendant la pandémie un an plus tard – est le premier album de Sanders en plus de 10 ans.

Sanders est connu pour ses solos frénétiques et ses « feuilles de son » furieuses, notamment pendant ses années en tant que sideman de John Coltrane, et sur ses propres chefs-d’œuvre d’avant-jazz Karma et Black Unity, mais ici il joue avec une retenue et une grâce enviables, sculptant des figures mélodiques époustouflantes dans les espaces ouverts entre les oreillers de son de Shepherd. Quant à Shepherd, il contribue au piano, au clavecin, à l’orgue et aux éléments électroniques, mais ses contributions sont si minimalistes qu’elles s’orientent vers un territoire ambiant plutôt que vers l’électronique. Il y a peu de traces de la programmation de batterie scintillante et des synthés modulaires grinçants qui ont rempli le plus récent album solo de Floating Points, Crush en 2019.

La piste est centrée sur une séquence imbriquée d’arpèges de clavecin, mutant constamment mais ne s’effaçant jamais du mélange, du moins jusqu’aux alentours de « Movement 8 ». Pendant 46 minutes oniriques, le saxophone de Sanders est engagé dans une sorte de conversation créative avec ces particules sonores légères. C’est à Sanders et à l’Orchestre symphonique de Londres qu’il incombe d’apporter une intensité sans cesse fluctuante à la pièce, et ils y parviennent, notammentsur « Movement 6 », lorsque les cordes semblent dominer le saxophone par des crescendos fulgurants et dramatiques. Dans le septième mouvement, le duo principal reprend le devant de la scène et dérive vers un psychédélisme plus abstrait. Il y a plusieurs fausses fins ; seul le neuvième et dernier mouvement, une sorte de coda planante aux cordes, semble superflu.

Lorsqu’il est écouté sans interruption et qu’on lui accorde la patience (et des enceintes de qualité) qu’il exige, Promises est le genre d’album qui peut réarranger les molécules d’une pièce. Il peut imprégner votre appartement terne d’un vaste poids cinématographique. Il peut tuer une fête (ce qui est certes spéculatif) de la meilleure façon possible. Il peut remplir l’espace pendant que vous faites la vaisselle, rangez le linge ou arrosez les plantes, insufflant à toute activité ménagère ennuyeuse une brume de désir surnaturel.

Sanders, pionnier du « jazz spirituel », n’est pas étranger à cette approche transcendante du jazz expérimental, mais c’est un plaisir de l’entendre continuer à aller de l’avant, à chercher l’inconnu, plus d’un demi-siècle après Karma. Il y a une qualité intemporelle dans Promises, un sentiment impénétrable que l’album pourrait provenir de 30 ans dans le passé ou de 30 ans dans le futur. Bien sûr, c’est ce qui en fait une véritable collaboration intergénérationnelle, cette impression que le temps s’effondre sur lui-même. C’est dans l’espace vide entre ces deux générations, époques et disciplines créatives très différentes que quelque chose de remarquable se produit.

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Susan Alcorn: « The Heart Sutra »

8 juin 2021

On n’assimile pas le jeu de pedal steel à la composition classique, mais c’est ce que Susan Alcorn a fait toute sa vie. La célèbre joueuse de pedal steel a donné l’impulsion nécessaire pour que l’instrument prenne du poids en dehors de ses motifs et modèles traditionnels. La place de l’instrument dans les compositions d’ambiance et de drone est désormais bien connue, mais The Heart Sutra le fait entrer dans un contexte de sextuor avec des résultats très vivants.

Arrangé par Janel Leppin, The Heart Sutra donne vie aux recherches d’Alcorn avec l’énergie d’une musique de chambre qui s’attarde avec impact. Leppin crée non seulement pour la pédale d’acier qui soutient le travail d’Alcorn, mais aussi pour chaque instrument de l’ensemble afin de créer des réverbérations naturelles et des espaces à l’intérieur et à l’extérieur de la pédale d’acier. Les résultats se fondent dans une histoire qui n’est pas sans rappeler la musique des compositeurs russes du début du XXe siècle (Asafyev, Prokofiev). Il y a de la tension, du timbre et de la timidité alors que chaque instrument tisse délicatement ensemble. Il y a parfois des heurts, mais souvent un son s’efface au profit d’un autre.

Bien que The Heart Sutra soit une performance « live » vieille de près de dix ans, sa puissance semble plus palpable à cet instant. Une grande partie de l’enregistrement est aérienne, presque isolée de la foule et des circonstances dans lesquelles elle a été jouée. L’élégance primitive de « Mercedes Sosa » cède la place au grattage primitif de « Gilmore Blue » – un retard dans la façon dont une idée est traitée et rediffusée comme un jeu de téléphone de travers. Dans ce vide, le travail d’Alcorn et les interprétations de Leppin jouent avec le postulat de communication dynamique SMCR (Sender, Message, Channel, Receiver) alors que nous connaissons déjà des interruptions de ces modèles en raison de la politique et des pandémies. Mais il s’agit ici d’une expérience digne d’intérêt.

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All My Faith Lost: « All My Faith Lost « 

10 avril 2021

Le groupe italien néoclassique/néofolk/darkwave All My Faith Lost revient après 7 ans de silence avec un nouvel album sans titre. Le duo composé de Federico Salvador et Viola Roccagli se caractérise par un son éthéré et émotif dans lequel des tonalités classiques majestueuses, des guitares douces et des atmosphères solennelles concourent à un son personnel et passionnant. Le nouveau travail voit l’ajout d’Angelo Roccagli en tant que guitariste, une présence qui agrémente les chansons de quelques nouveaux éléments tout en conservant tous les éléments que le projet a développés au cours des années.

L’intention artistique est forte et bien construite avec un thème précis : ils s’inspirent ici des peintures de certains de leurs artistes préférés liés au mouvement surréaliste tels que João Ruas, Tara McPherson, Nicoletta Ceccoli et Ray Caesar. Les paroles et la musique nous racontent différents aspects de l’existence et même de la mort, de la mythologie, de l’amour, exprimant des sentiments et des émotions inspirés par les peintures de référence.

« Violent Dreams II » est une introduction parfaite, un morceau où l’obscurité néoclassique et les sous-entendus lugubres rencontrent des guitares délicates et la voix soulagée de Viola, qui rappelle les chansons folkloriques médiévales dans son approche lyrique. Des arches accompagnent ce mouvement sombre, guidant l’auditeur dans une expérience onirique.

« We All Die Sometimes » suit un thème similaire, ajoutant lors de son crescendo des notes de piano mélancoliques, des violons, et la voix masculine en duo avec la féminine. La musique utilise un schéma simple mais bien développé dans lequel moins est plus, tirant pleinement parti des sons acoustiques et de la puissance de la voix humaine. Dans sa deuxième moitié, le morceau connaît un point culminant émotif qui couronne le motif principal par une prise puissante mais contrôlée.

« The Inconvenience Of Spirits » commence par des synthés évocateurs et un motif de guitare placide, une ligne mélodique sur laquelle la voix de Viola pose des mots délicats d’amour et de nostalgie. Des violons mélancoliques soulignent le mouvement en enrichissant son fort pathos. La dernière partie de la chanson nous surprend avec un moment cinématographique dans lequel des boucles de guitare et des orchestrations majestueuses conquièrent le paysage sonore. « Awakening The Moon » est une affaire de piano-voix à l’âme dépouillée et minimale, qui brille grâce à la voix de Viola et aux notes obsessionnelles qui soulignent son essence. Les guitares éparses ont leur mot à dire dans un moment très intime mettant en valeur le style du groupe dans ce qu’il a de plus essentiel et de plus soul.

Untitled est une œuvre résumant le son et la poésie de All My Faith Lost, un épisode voulant donner une voix et une narration aux histoires cachées derrière les peintures. Un monde personnel est créé via des éléments néoclassiques, des voix lyriques et l’utilisation d’instruments acoustiques, un monde dans lequel les émotions dominent les atmosphères crépusculaires et les paysages sonores suspendus. C’est une musique pour un voyage de l’esprit et de l’âme, une expérience cathartique avec une touche très humaine.

****1/2


Quatuor Bozzini: « Alvin Lucier: Navigations »

9 avril 2021

La musique a connu de nombreuses innovations techniques et technologiques depuis 1945, mais l’une des innovations esthétiques les plus importantes réside dans les nouvelles idées axées sur l’écoute. Des innovateurs comme Pierre Schaeffer ont proposé l’idée d’une écoute réduite – une attitude dans laquelle le son est écouté pour lui-même en tant qu’objet sonore, éloigné de sa source. John Cage a invité les auditeurs à entendre tout son comme de la musique. Pauline Oliveros encourageait les auditeurs à faire activement l’expérience de tous les sons par une pratique qu’elle décrivait comme « l’écoute profonde ». Ces idées ont toutes contribué à ce que la musique contemporaine se concentre sur l’expérience du son lui-même.

Les compositions et les installations d’Alvin Lucier utilisent des sons qui sont souvent le résultat de phénomènes acoustiques. Son travail concentre notre attention et notre perception sur la présence physique du son en interaction dans un espace particulier. L’interprétation des compositions de Lucier exige des interprètes qu’ils apprennent à reconnaître, activer, jouer et interagir avec les phénomènes acoustiques. Le Quatuor Bozzini a clairement relevé le défi en enregistrant Navigations. L’album s’ouvre sur « Disappearances », une pièce qui se résume à une seule note. Cette description peut sembler minimaliste à l’extrême, mais à mes oreilles, c’est un morceau riche en développement. Vous entendez les changements de poids et de timbre lorsque chaque corde se joint à l’unisson. Les mouvements contrôlés des archets des cordes provoquent la mise en phase et le filtrage du son. Les minuscules changements subtils de hauteur provoquent des battements qui révèlent des différences de tons pulsés. Chacun de ces phénomènes disparaît l’un dans l’autre, créant une sensation de mouvement et rendant l’auditeur conscient des plus petits changements de hauteur et de timbre.

L’album contient deux réalisations de « Group Tapper », une pièce qui explore l’acoustique des salles en demandant aux instrumentistes de traiter leurs instruments comme des percussions. Les interprètes tapent sur leurs instruments à différents endroits et reflètent le son provenant de leurs instruments dans la pièce. L’ingénieur du son fait un excellent travail en rendant la pièce présente sur cet album afin que vous puissiez vraiment entendre comment la performance du groupe interagit avec la pièce. Entre les deux réalisations de « Group Tapper » se trouve pour moi la pièce la plus frappante de cet enregistrement, « Unamuno ».  Cette pièce, inspirée par l’écrivain espagnol du début du XXe siècle Miguel de Unamuno, a été écrite à l’origine pour des voix. « Unamuno » s’articule autour de quatre hauteurs qui sont continuellement arrangées en différents motifs. Il y a une sorte d’atmosphère d’interrogation et de questionnement. Les Bozzini interprètent le morceau à la fois avec des cordes et avec leurs voix. Le résultat est absolument stupéfiant. 

L’album se termine par « Navigations for Strings ». À un niveau élevé, « Navigations for Strings » et « Unamuno » partagent certains des mêmes types d’ingrédients. Les deux pièces sont basées sur quatre hauteurs et utilisent des combinaisons qui changent lentement et des tons différents. Cependant, malgré ces similitudes de haut niveau, les deux compositions sonnent très différemment.  « Navigations for Strings » est une pièce quelque peu sombre dans laquelle les changements continus de microtonalité, de dynamique et de tempo créent une masse sonore qui donne l’impression de devenir une stase, mais ses changements continus ne lui permettent jamais de se reposer. C’est une oeuvre très obsédante.

Avec Alvin Lucier : Naviagtions, le Quatuor Bozzini est allé bien au-delà de la surface des partitions de Lucier et a totalement relevé le défi lancé aux interprètes d’être des explorateurs sonores. Cet opus est un album merveilleux avec des performances captivantes de l’un des compositeurs expérimentaux les plus originaux et innovants de notre époque.

Hautement recommandé !

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effe effe: « Tuning Scapes »

8 mars 2021

effe effe est un projet solo de Federica Furlani, une artiste prolifique – en tant qu’altiste et également en tant qu’artiste conceptuelle.  Issue d’une formation classique, elle a ensuite étudié la musique électronique au Conservatoire de Milan et à Berlin. Elle s’est produite sur scène en tant qu’altiste avec Einsturzende Neubauten et Blonde Redhead, parmi beaucoup d’autres.

Elle travaille comme concepteur/compositeur de son et interprète de musique en direct pour le théâtre et lla danse (La Biennale di Venezia, Piccolo Teatro di Milano, Teatro Stabile di Torino).

Ses recherches sont également axées sur l’étude des paysages sonores, l’éducation sonore et le potentiel social et artistique des nouvelles technologies.

Son dernier album, Tuning Scapes,prend par surprise car la voix off de son premier morceau présentait l’ensemble du concept comme s’il s’agissait d’un retour à la présentation tout à fait typique du processus artistique que l’on trouve dans le concept art américain. Toutefois, par la suite, il s’est transformé en une sorte d’écoute facile/non facile, à la fois mélodique et rythmique, où les compromis et les mélanges sont magnifiques. Et tout l’album est imprégné et rempli de cet esprit. L’électroacoustique avec une belle touche de mélodie, les expériences électroniques en filigrane ont un bon timing et une excellente texture. C’est une marque de fabrique de son travail qui ne peut que nous rendre impatient de découvrir ses nouvelles compositions. 

***1/2


Rutger Hoedemaekers: « The Age Of Oddities »

5 mars 2021

Pour son premier album solo, The Age Of Oddities, le compositeur néerlandais Rutger Hoedemaekers propose un disque cinématographique sur les mouvements glaciaires et une instrumentation glaciale et émotive. Dans certains domaines, The Age Of Oddities sonne comme une musique de film traditionnelle. Hoedemaekers a déjà composé pour le cinéma, travaillant en étroite collaboration avec Jóhann Jóhannsson et Hildur Guðnadóttir, lauréate d’un Oscar, et l’influence de la composition cinématographique s’infiltre dans la musique, qui est épurée, droite et presque balle au pied. En même temps, Rutger repousse les limites grâce à ses traitements électroniques, et The Age Of Oddities peut être considéré comme un album progressif.

Des voix traitées et indistinctes encombrent une partition instrumentale, brouillant la portée, ses voix électroniques émettant une forme de morse mutilé. C’est à ce moment que The Age Of Oddities s’éloigne du traditionnel, alors que les cordes et les cuivres s’entrecroisent avec des éléments électroniques doux.

L’ensemble de 23 cordes de l’Orchestre d’Art de Budapest, dirigé par Viktor Orri Árnason, est le moteur de la musique, tout comme les voix (Kira Kira, Else Torp et Laura Jansen), le cor (Morris Kliphuis), le trombone (Hilary Jeffery) et le violon (Una Sveinbjarnardóttir et Viktor Orri Árnason). Rutger lui-même joue de la trompette, du piano, du clavier et de l’électronique, et la musique qui en résulte est impressionnante, imposante et majestueuse.

Toujours calme et posée, l’électronique s’intègre parfaitement à l’orchestration plus classique ; l’une complète l’autre, au lieu de s’y opposer. Au milieu d’intermèdes doux et délicats, on peut trouver des bombardements et des sous-courants orageux. Dans l’ensemble, The Age Of Oddities est une merveille, qui équilibre le sensible et le pointu, et la confusion de la vie moderne avec l’épine dorsale rassurante de sa forte mélodie.

***1/2