Dana Jessen: « Winter Chapel »

1 décembre 2020

Winter Chapel, un album de performances en solo de la bassoniste de musique nouvelle Dana Jessen, s’annonce par une fluctuation sonore de type shakuahchi, dans le registre supérieur. Cette ouverture donne une idée du reste de la musique qui suivra cette étonnante rencontre entre la technique contemporaine du basson et l’architecture physique. L’album a été enregistré en janvier dernier dans la chapelle Fairchild à Oberlin, où Jessen enseigne la musique contemporaine et l’improvisation. Le précédent album solo de Jessen, Carve, a démontré la polyvalence du basson solo ; Winter Chapel continue dans cette veine en poussant l’instrument plus loin aux limites de ses possibilités, aidé et augmenté par l’environnement profondément résonnant de l’espace de représentation.

L’espace devient en fait une sorte de partenaire de duo, en particulier lors de la deuxième partie, où ses réverbérations doublent les nappes sonores en cascade de Jessen ; la salle ne donne pas seulement l’impression qu’un deuxième instrument joue, mais confère également au son du basson le côté acerbe d’un saxophone baryton joué à la dure.

La quatrième partie, plus réfléchie, est un essai de phrasé et de dynamique, dont les lignes langoureuses et non écrites ont permis de faire écho et de s’éteindre dans un silence épais. La longue improvisation de la cinquième partie, qui comprend des passages délicats de technique conventionnelle ainsi que des incursions agressives et denses dans une technique étendue, capture en miniature l’esprit de l’ensemble de l’album. Un album remarquable d’une beauté dérangeante.

***1/2


Matthew De Gennaro: « Laughing Lost In The Underground »

19 novembre 2020

La musique de Matthew De Gennaro a toujours évoqué un sentiment d’indépendance. Il l’a fait en grande partie seul ou avec l’aide de personnages tels que Scott Tuma et Alastair Galbraith, des musiciens aux vues similaires qui se distinguent également. Mais il a réalisé la plupart de ces enregistrements à distance de Detroit, ou dans des musées situés dans les principaux centres de population de Nouvelle-Zélande. Laughing Lost In The Underground a été enregistré à Flint Hills, dans le Kansas, ce qui est un peu plus loin de tout public ou accompagnateur éventuel.

Peut-être que l’endroit où il se trouve n’a pas d’importance. « Nous sommes notre propre public », note le poème inclus dans ce LP. C’est une musique faite pour plaire à son créateur, et s’il est probablement heureux si vous l’aimez aussi, ce n’est pas pour cela qu’il l’a faite. Tant les outils qu’il a utilisés – outre la guitare, le piano et l’harmonica, il privilégie la viole de gambe et la clavioline – que les influences disparates qu’il a révélées – la musique à cordes de la Renaissance, le doigté kenyan et le travail de ses proches – montrent que c’est la recherche de la satisfaction personnelle, et non le besoin de plaire, qui est à l’œuvre ici. 

Mais cet éloignement est peut-être lié à son choix, sur un certain nombre de titres du disque, de créer des spectacles d’ensemble virtuels. Mais il est facile d’imaginer que « Will and Wishes », avec son rythme automatisé de type castagnettes, son sifflement aigu et ses harmonies de guitare et de piano patiemment exécutées, a été conçu pour que De Gennaro puisse danser comme il le souhaite à sa propre fête. Les couches de cordes et de claviers de «  Thoughts in Exile » créent un fac-similé de compagnie qui pourrait apaiser la solitude d’un réfugié. « Invitation to Hiding », qui met en scène l’orgue de pompe de De Gennaro relayant son message par un chœur d’insectes nocturnes et quelques sons de jungle extraterrestre produits par le manipulateur de bandes Jameson Sweiger, est la seule performance à incorporer les sons d’autres êtres vivants.  

D’autres morceaux se sentent suffisamment à l’aise dans la solitude pour renoncer à l’accompagnement. L’air calme du violon, « New Dance », et la chanson titre, une brève étude au piano, n’ont besoin d’aucune compagnie au-delà des murs qui font rebondir la musique de De Gennaro sur son chemin. S’il est perdu, il n’a pas l’air particulièrement inquiet.

***1/2


Ingrid Laubrock: « Dreamt Twice, Twice Dreamt »

16 novembre 2020

Le domaine étrangement instable des rêves a fasciné et inspiré les artistes probablement depuis que les humains ont commencé à rêver ou à faire de l’art. Même si nous croyons qu’ils n’ont rien à nous dire – pas de messages des dieux, de l’inconscient ou des morts – leurs images souvent étranges et leurs incongruités d’humeur peuvent être une source de matière première ou un dictionnaire de l’occultisme – comme dans les significations idiomatiques dans lesquelles on peut puiser. Le disque d’Ingrid Laubrock, intitulé à juste titre Dreamt Twice, Twice Dreamt, un ensemble de deux CD de compositions arrangées sur le premier disque pour orchestre de chambre et cinq solistes et sur le deuxième disque pour petits groupes, présente des sons contemporains inspirés du monde onirique. Laubrock a tenu un journal de rêves pendant de nombreuses années ; les compositions de Dreamt Twice, Twice Dreamt représentent sa façon de traduire en musique les humeurs ou les états d’esprit des rêves enregistrés dans son journal.

L’album contient cinq compositions, chacune étant interprétée dans deux versions différentes, une pour l’ensemble de chambre et une pour le petit groupe composé d’un trio de base de Laubrock aux saxophones ténor et soprano, Cory Smythe au clavier et au piano quart de ton, et Sam Pluta à l’électronique, augmenté à différents moments par Adam Matlock à l’accordéon, Josh Modney au violon et Zeena Parkins à la harpe électrique.

L’orchestre de chambre est un groupe de dix-huit musiciens composé de cordes, d’anches et de cuivres qui sert de cadre aux solistes Laubrock, Pluta et Smythe ainsi qu’au batteur Tom Rainey et au contrebassiste Robert Landfermann. Laubrock a d’abord écrit pour le petit groupe, puis a construit ses versions pour orchestre de chambre à partir de fragments des versions originales. Les versions pour orchestre de chambre tendent à situer les cinq solistes comme un groupe au sein du groupe ; les contrastes entre leurs improvisations et les passages orchestrés pour l’ensemble capturent quelque chose des juxtapositions saisissantes et de la volatilité émotionnelle des rêves. Dans le contexte plus restreint et plus ciblé du petit groupe, la musique est particulièrement vivante. Les sections improvisées se détachent des passages composés avec une nette clarté, tandis que l’utilisation généreuse de l’espace et les textures et dynamiques variables donnent aux solistes des ouvertures qu’ils exploitent volontiers pour créer des lignes de complexité timbrale et de profondeur émotionnelle.

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Echo Collective: « The See Within »

6 novembre 2020

Au cours des deux dernières années, Echo Collective s’est élevé dans la stratosphère, enregistrant et tournant avec A Winged Victory for the Sullen et s’éloignant de la boîte à genre post-classique pour travailler dans le black metal, la pop synthé et le rock alternatif. Ils ont été très demandés, et ce n’est pas une surprise, car leurs arrangements et compositions réfléchis et éloquents sont présentés à l’auditeur avec une force d’ouragan sur The See Within.

Basé à Bruxelles, Echo Collective est principalement composé de Margaret Hermant au violon et à la harpe, et de Neil Leiter à l’alto, bien que d’autres musiciens entrent et sortent occasionnellement du line-up. Aucun traitement ou post-production n’a eu lieu, à part l’ajout de la réverbération. Le collectif Echo a développé et nourri un son naturel et expressif, qui s’inscrit bien dans son identité musicale générale, tout en restant fidèle à son passé.

Conçu pour le violon, l’alto, le violoncelle, la harpe et le piano à résonateur magnétique (ou MRP), The See Within est un chef-d’œuvre instantané. Le MRP, construit par Andrew MacPherson, est joué par Gary De Cart, tandis que Charlotte Danhier (au violoncelle) a co-écrit la chanson titre ; les deux musiciens font également partie du collectif, entrant et sortant en cas de besoin. Il n’y a qu’un seul MRP au monde, et son inclusion élève le disque et le niveau.

L’objectif était de donner au piano et aux cordes une expression égale et un pied d’égalité, et sa présence a unifié les deux sons acoustiques, rationalisant ainsi l’ensemble de l’album avec une cohérence harmonieuse. Habituellement, les effets de bourdonnement au piano sont alimentés par des éléments électroniques externes, mais sur The See Within, rien n’est attaché à son corps, sauf les aimants. Les aimants du MRP sont montés sur le piano, de sorte que les soutiens atteignent un statut légendaire et que les notes puissent imiter les élongations qui conviennent normalement aux instruments à cordes.

La qualité est immédiatement évidente, dès la première note du morceau d’ouverture, « Inflection Point » ». Leurs influences musicales laissent des traces évidentes sur le disque (peut-être plus particulièrement sur From Last Night’s Rain, qui possède de fortes vibrations AWVFTS, ainsi qu’une progression d’accords inclinée), mais il est suffisamment différent pour paraître unique. Le morceau est déjà très beau, mais la dimension parallèle du son du MRP accentue tout, en étendant les notes et en les changeant par petits degrés, en réglant le volume, en approfondissant les sons. Des pistes plus courtes et plus nettes sont également incluses, ce qui donne un bel équilibre à l’ensemble du disque, et ce sont plus que des intermèdes. Elles contrastent parfaitement avec les morceaux plus longs, les notes prenant un rythme différent, sprintant au lieu de marcher, accélérant davantage que leurs pistes plus lentes et plus longues. Sur The See Within, leurs échos continuent de résonner.

***1/2


Nick Storring: « My Magic Dreams Have Lost Their Spell »

12 octobre 2020

My Magic Dreams Have Lost Their Spell, du compositeur et violoncelliste torontois Nick Storring, est son sixième album solo. Solo, mais contenant une multitude d’instruments – dont il joue lui-même – et, par conséquent, de sonorités. L’inspiration de l’album est la musique de Roberta Flack, mais toute relation entre la musique de cet album et celle de Flack est obliquement allusive et filtrée par la propre sensibilité de Storring, qui se montre ici romantique, repliée sur elle-même et richement cinématographique.

Écouter l’album, c’est comme écouter la bande-son d’un film se déroulant dans un paysage imaginaire : vif, légèrement hallucinant, et s’éloignant jusqu’à un point juste à la limite de la perception. Bien que le violoncelle de Storring soit le plus souvent la voix centrale ici, la variété même des autres instruments soigneusement stratifiés dans le mixage et la riche gamme de couleurs sonores qu’ils apportent font partie intégrante de la réalisation efficace du spectre émotionnel et de l’étrange labilité de la musique. D’une beauté inouïe.

***1/2


Hugar: « The Vasulka Effect Music for the Motion Picture »

5 octobre 2020

Les multi-instrumentistes islandais Bergur Þórisson et Pétur Jónsson sortent leur deuxième album sous leur pseudonyme de Hugar, The Vasulka Effect : Music From the Motion Picture, le duo compose la musique du film islandais du même nom, réalisé par Hrafnhildur Gunnarsdóttir.

Les deux musiciens ont une grande expérience, et cela se voit dans la partition. Berger a travaillé avec Björk et a assumé le rôle de directeur musical lors de sa tournée. Ils ont également collaboré avec d’autres légendes islandaises, Jóhann Jóhannsson et Ólafur Arnalds. Leur premier album éponyme, largement amélioré, est sorti indépendamment en 2014. Depuis lors, leur ascension a été tout simplement fulgurante. Grâce à l’utilisation de plusieurs couches, leur musique d’ambiance calme s’intègre bien dans le rôle de composition de la musique du film, qui est discrète mais ajoute un autre élément vital à l’image sur le film, non seulement en la soutenant mais en lui injectant de la vivacité et des émotions authentiques.

La musique de leur film The Vasulka Effectsera présentée en avant-première au Nordisk Panorama Film Festival. Ledit film suit les pionniers de l’art vidéo Steina & Woody Vasulka, qui sont décrits comme étant les « grands-parents de la génération YouTube » » Après avoir lutté pendant leurs années de retraite, le tandem est redécouvert par un monde de l’art qui les avait largement oubliés ; leur popularité retrouvée fait que les gens et les institutions se disputent soudain la question de savoir qui les représentera après leur départ.

Mélangeant le drone, l’ambiance élégante, l’électronique calme et cool, et la musique classique moderne, l’effet Vasulka est étourdissant. Dès l’ouverture, où une progression d’accords lente, délavée et brouillée électroniquement s’écoule comme la pluie sur une douce mélodie, la musique engage l’esprit aussi bien que les émotions. La pointe de la pédale du piano sur « Santa Fe » permet à une mélodie de briller à travers ses intervalles de lumière inclinés, et lorsque la basse se déplace, une mélodie syncopée saute sur les notes plus graves, créant un beau rythme et insufflant à la musique un caractère ludique ainsi qu’un son doux et discret. Le piano devient un point central, mais la stratification ambiante n’est jamais loin, et le disque est atmosphérique sans être « over the top ». Tout semble équilibré, et c’est peut-être ce qui frappe le plus dans cet album. Avec l’arrivée de cette partition, Hugar démontre une fois de plus l’étendue de son talent.

***1/2


Dmitry Evgrafov: « Surrender »

4 octobre 2020

Le Moscovite Dmitri Evgrafov a un gros noyau de fans depuis ses débuts, lorsqu’il a sorti Lying on Your Shoulder dans une pochette en carton avec rabat.  De là, il est passé de force en force et Comprehension of Light est l’un des meilleurs albums de composition moderne de la décennie.  Sur Surrender, son son continue d’évoluer ; l’album présente l’un des arcs les plus inhabituels que nous ayons rencontrés dernièrement, refusant de se diriger là où on pourrait s’y attendre.

Rien de surprenant ne se produit au début.  « Splinte » » commence par le piano pur, l’instrument que nous associons à l’artiste.  Une minute plus tard, l’orchestre Opensound de Moscou, composé de huit musiciens, lance la chanson dans la stratosphère.  Le morceau marque une progression naturelle vers la densité ~ un changement bienvenu, mais dans le cône de l’attente.  Le premier « single », « Sparkle », poursuit le timbre orchestral et comprend une brève mais saisissante décomposition.  Puis un bref retour au piano à micro.  Si tout l’album était comme ça, nous serions ravis, mais pas défiés.  Les hypothèses sont établies avant d’être brisées.

Entrez dans le triptyque « Context / Anthropocène / Stymie ».  « Stymie » est un bon mot pour cette section, car « Context » jaillit de la quiétude des ivoires dans l’épaisseur des percussions électroniques.  Nous n’avons pas vu cela venir, ni les voix douces du morceau du milieu, reflétant un réseau neuronal apprenant à parler.  « Qu’est-ce que tu as fait ? »  Le morceau du milieu est chargé d’un sentiment de pressentiment, de pulsation et de cliquetis comme une sortie d’un thriller des années 80, jusqu’à ce qu’il ne le soit plus ; à la fin, le motif du piano de Heinali établit le point culminant.  C’est là que les notes de doublage deviennent importantes, car sinon nous n’aurions aucun contexte pour déchiffrer l’association du guzhen (cithare chinoise) avec quelque chose qui ressemble à Donald Duck.  Sans notes, la voix est perçue comme une intrusion.

Comme pour apaiser, Evgrafov retourne dans le champ orchestral pour le prochain segment du LP, qui comprend l’exquise « A Rural Song ».  Rappelant le canon classique, cette pièce reflète une complexité plus profonde pour le compositeur.  Evgrafov passe finalement de la complexité à l’intimité.  « Endless » met en scène Aukai sur ronroko, rappelant qu’Aukai a un album prévu pour la fin de l’été.  « Serene Air » et « Far and Close » seront comme une paire d’oreillers moelleux, qui font signe à la tête et rappellent Lying on My Shoulder.  Malgré sa plénitude, l’album se termine avec le compositeur assis à son piano, seul.  La boucle est bouclée, le retour à la solitude se fait tout en faisant l’inventaire d’une décennie.

La pochette est digne d’intérêt, car elle ressemble à Comprehension of Light et contient des débris plus petits.  L’impression est que l’étoile naine a continué à se développer : une métaphore facile à la lumière de la palette tonale.  Evgrafov a cédé à l’impulsion créative, permettant à la collaboration de se combiner avec la muse créative, produisant ainsi une autre œuvre mémorable.

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