David Cross & Andrew Keeling: « October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 »

5 mai 2022

Si vous aimez le rock progressif rapide, vous pouvez arrêter de lire cette critique car il s’agit cette fois de musique douce. October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 est le dernier album de David Cross et Andrew Keeling. David Cross a été actif au sein de King Crimson dans les années 70, et a régulièrement fourni plusieurs albums, seul ou avec d’autres musiciens. Andrew Keeling est un compositeur, producteur et arrangeur, chargé de cours à l’Université de Liverpool et au Royal Northern College of Music de Manchester. Il est un grand fan de King Crimson et un ami de longue date de Robert Fripp. Il est, avec Mark Graham, le co-auteur de la série de livres A Musical Guide to King Crimson. Ils ont déjà collaboré en 2009, lorsqu’ils ont sorti leur premier album commun English Sun, qu’ils ont interprété en live à plusieurs reprises.

La série de CD Electric Chamber Music a probablement débuté en 2006 avec Unbounded de David Cross et Naomi Maki (piano et voix). Il a été suivi en 2009 par English Sun-Electric Chamber Music-Vol.2 de Cross et Keeling. Les enregistrements pour October Is Marigold – Electric Chamber Music Vol.3 ont commencé en 2009. L’album n’a été achevé qu’en 2020 et est finalement sorti en 2021. Sur l’album, Cross joue aux violons et Keeling joue aux flûtes, à la guitare et aux claviers.

On dit que la musique du duo est basée sur l’improvisation, et pourtant les deux semblent trouver régulièrement ce qu’ils cherchent dans leur recherche spontanée de sujets et d’inspiration. Cross et Keeling échangent constamment les rôles d’accompagnateur et de soliste, ou font des solos ensemble, jouant autour et se complétant l’un l’autre. Les paysages sonores qu’ils créent ensemble ne relèvent pas exclusivement de la musique de chambre, de l’harmonie et de la beauté. Parfois, la tendance aux expériences sombres s’impose. Dans le cadre, cependant, une certaine diversité dans les arrangements s’impose. Par moments, le violon sonne très profond, rappelant davantage un violoncelle. Keeling aime passer de la flûte, du piano et de la guitare pour jouer en duo avec le violoniste. D’autres fois, il ressemble à Eric Satie lorsqu’il joue sur son piano.

La musique de ce disque est principalement dédiée aux ambiances automnales, tandis que English Sun se voulait le reflet des sensations estivales. En plus des instruments conventionnels utilisés, on trouve parfois des enregistrements dits de terrain, qui contiennent les sons purs de la nature. En plus des ambiances romantiques et sombres, l’album offre une certaine mélancolie automnale.

En général, cet album est presque une heure de sons inhabituels, assez difficiles à classer. Il s’agit d’une musique instrumentale pour un auditeur exigeant, mais elle fait vibrer les cordes de la sensibilité et, à sa manière, peut évoquer les attributs d’un paysage d’automne. Mais je pense certainement que le jeu de ces musiciens très expérimentés trouvera son chemin vers certains auditeurs. Surtout ceux qui ont un esprit ouvert, et surtout des oreilles grandes ouvertes pour des solutions sonores ambiguës et loin d’être simples, combinant des éléments de différents styles.

L’album est assez sombre, lugubre et dépressif, ancré dans les structures du jazz moderne et de la musique contemporaine, du rock cross-over, avec même des influences orientales, avec de nombreuses marques de musique de chambre et un peu de folk romantique avec des rythmes répétitifs, souvent assez monotones. On trouve ici et là des éléments de rock progressif ou des traces de jazz-rock.

***1/2


Christopher Trapani: « Horizontal Drift »

21 avril 2022

Pour les six œuvres de son album Horizontal Drift, le compositeur Christopher Trapani a choisi un éventail inhabituel d’instruments capables de produire un monde sonore fait de micro-tons et de timbres étendus.

L’album s’ouvre sur une pièce pour cor-violon roumain (joué par Maximilian Haft), un violon doté d’un résonateur métallique et d’un cor utilisé pour l’amplification. Le son est étroit et mince, comme un enregistrement de violon du début du XXe siècle. L’écriture de Trapani pour cet instrument consiste en des gestes contemporains, mais même avec l’électronique qui augmente la voix naturellement peu naturelle de l’instrument, la pièce conserve un écho du milieu folklorique dans lequel le cor-violon est habituellement rencontré. L’album se termine par une deuxième pièce pour instrument à cordes frottées, Tesserae, écrite pour la viole d’amour, un alto de l’époque baroque remarquable par son éventail de cordes sympathiques. Trapani évite un son évident, quasi baroque, pour une mélodie qui incorpore des ornements glissants rappelant la musique vocale hindoustani. Elle est jouée avec sensibilité par Marco Fusi.

Trois passages ont été composées pour des instruments accordés de manière non conventionnelle. « Linear A », qui tire son nom de l’ancienne écriture minoenne encore non déchiffrée et qui est interprétée par Amy Advocat, est pour clarinette accordée sur la gamme de Bohlen-Pierce à 13 degrés, avec des boucles en direct, un mécanisme qui met en branle un contrepoint sinueux de mélodie auto-répliquée. Le tryptique « Lost Time, » pour piano scordatura (joué par Marilyn Nonken), est une sorte de dialogue entre Bob Dylan, dont les paroles fournissent les sous-titres des mouvements et donc les connotations émotionnelles, et le compositeur spectraliste Gerard Grisey, dont l’idée des diverses manières subjectives d’expérimenter le temps en musique établit le programme de la charge texturale de chaque mouvement individuel. « Forty-Nine, Forty-Nine », pour orgue de barbarie accordé sur une gamme à 31 degrés, se tient juste à côté du chaos harmonique total. Pour le morceau titre, avec le guitariste Daniel Lippel à la guitare à quarts de ton, Trapani crée une atmosphère sonore électroniquement augmentée et spatialisée de façon complexe, faite de notes uniques et de fragments harmoniques retardés et superposés, qui donnent à la pièce une qualité ondulante et magnifiquement troublante, semblable celle qui viendrait d’une harpe.

***1/2


Gifts From Crows: « Stories in Slow Light »

18 avril 2022

Il est fascinant de voir un compositeur s’emparer d’une idée ou d’un concept et l’exploiter dans différentes directions. Gifts From Crows, le surnom de Richard Laurence, travaille depuis un certain temps à la réalisation de Stories in Slow Light. Ce projet audiovisuel, qui s’inspire des photographies d’Helen Whitten pour chaque morceau, est une excellente idée. Musicalement, tout se tient également sur ses deux pieds.

Les images obsédantes de Whitten sont souvent fantomatiques et d’un autre monde, et ce sentiment imprègne chaque morceau de cet album. Qu’il s’agisse des rêveries classiques teintées de post-rock de « Beyond the Frame » ou des arrangements de cordes émotifs et sombres de « The Empty Mirror », chaque morceau a son poids. « Beyond the Frame » a un côté figé dans le temps, avec le piano qui s’écoule, la batterie qui fait tic-tac comme des éclats de verre et la guitare électrique qui résonne au loin. A l’inverse, « The Empty Mirror » est un débordement d’émotions tendues qui jaillissent de voix chuchotées et de cordes pincées en un flot d’accords déferlants. Ces deux styles concentrent le style de Gifts From Crows et canalisent une grande partie des chansons dans deux catégories. Certains morceaux comme « All That Is Concealed » utilisent leurs percussions électriques et leur combinaison de cordes pour évoquer une présence fantomatique plus froide. Ces morceaux contiennent en grande partie des éléments plus électroniques. Ils s’opposent à des morceaux plus organiques comme le très beau morceau de piano et de marimba « Traces ». Ici, au lieu d’une teinte d’humeur, ces morceaux donnent l’impression que des émotions se jouent en temps réel.

En regardant l’imagerie d’Helen Whitten, elle utilise beaucoup d’effets de vitesse d’obturation lente pour créer des couches de mouvement et des chuchotements visuels dans son travail. C’est une idée que Gifts From Crows exploite de manière fantastique. Un thème récurrent est la voix humaine ou une toile de fond déformée par l’écho. C’est ce que fait « Traces » avec des voix canalisées comme une chanson chorale bouillonnante jouée dans une autre pièce. « Now Winter Has Come » associe des enregistrements de terrain à un piano pour créer un vaste espace. « The Unimaginable Brightness of Summer » utilise des bribes de voix pour ouvrir un arrangement de piano et de cordes magnifiquement chaud, dans l’un des rares moments de légèreté gracieuse. Les arrangements de cordes sont souvent élégants et sobres, mais les deux dernières pistes enregistrées en studio sont pleines d’agitation. The Day Before Tomorrow » et, en particulier, « Childhood (Dance of Unknowing) » dégagent une énergie viscérale. Cette dernière s’amuse à sautiller avec une confiance et une curiosité qui fonctionnent. Gifts From Crows ne se défait jamais de ce poids susmentionné. La musique est généreuse et bondissante mais les motifs et la production ont un aspect oppressant.  Bien que difficile à décrire on trouve aussi une inflexion gothique dans chaque mesure. « The Mesmerist » est un duo de piano et de corde délicatement équilibré qui explique le mieux ce que l’on ressent alors. La progression des accords et le jeu rythmique oscillant sont gothiques et macabres, mais le piano est enregistré si intimement que l’on peut entendre ses entrailles battre doucement. Les cordes soutiennent et enveloppent sans effort le piano d’une manière qui ressemble à un câlin serré né d’un bouleversement émotionnel. On adore également la façon dont il est enregistré.

En plus des pistes enregistrées en studio, certains morceaux ont des versions « récital » alternatives. Il s’agit des versions pour piano solo de « The Empty Mirror » et « A Resolution ». Le fait d’entendre les deux morceaux dans des éditions pour cordes et piano est une touche agréable et les deux versions sont excellemment composées.

Si on recommande absolument Stories in Slow Light en tant qu’album néoclassique bien au-dessus de son poids, on le recommande également en tant qu’album conceptuel. Si vous le pouvez, ayez les images qui ont inspiré chaque morceau à portée de main lorsque vous écoutez l’album, car vous pouvez entendre le flou de l’appareil photo à vitesse lente dans les haut-parleurs. C’est exactement comme ça que ’on peut imaginer la photographie fantomatique à vitesse d’obturation pour sonner comme un son. C’est le meilleur travail de Gifts From Crows à ce jour et tout fan de néoclassique devrait y jeter un coup d’œil. Mais d’abord, il faut baisser les lumières…

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Laura Cannell: « Antiphony of the Trees »

24 mars 2022

Sur son septième album solo, la Britannique Laura Cannell crée un miroir paysager à l’aide d’un ensemble de flûtes à bec et d’un traitement minimal des effets. Antiphony of the Trees est accordé à la fréquence de la nature, canalisant les modèles de vol et les chants des oiseaux aussi profondément que les esprits tissés dans les arbres. Elle raconte des histoires sonores tirées du bavardage des oiseaux. La musique de Cannell prend vie dans des moments fugaces, comme si elle avait cette capacité innée de relier les gens et les lieux par le son, comme si elle était un canal pour quelque chose de plus grand que nous. 

Antiphony of the Trees semble impossible ; la façon dont Cannell imite non seulement le chant des oiseaux, mais l’intégralité de chaque environnement différent. Bien que l’album soit enveloppé de la mousse humide de la forêt et du parfum du sol trempé par la pluie, il vise bien au-dessus des branches. Le titre de l’album est empreint d’anxiété et s’élève de plus en plus haut jusqu’à ce que le sol devienne un lointain souvenir. Des harmonies fantaisistes jettent un regard sur des mélodies entrelacées et sautillantes, légères et sans entraves. Là où « Antiphony of the Trees » s’élève, « Awake From Your Feathered Slumber » est niché dans un creux chaud avec des berceuses matinales tranquilles.

Alors que chaque chanson d’Antiphony of the Trees possède sa propre orthodoxie agréable, la façon dont chacune s’intègre dans le récit plus large est la véritable rêverie. « We Borrowed Feathers » saute dans des motifs répétitifs, comme l’écho perpétuel laissé par la résonance fauve de « For the Hoarders ». Cannell passe directement des lamentations cérémonielles de ce dernier aux essaims tonals soyeux de ce dernier, le charme des bois les reliant par des gestes secrets. Les contemplations n’ont de poids que s’il y a des moments pour les laisser aller et ces liens envoûtants sont parsemés dans l’album. Même les passages les plus pensifs de « The Girl Who Became an Owl »» qui clôt l’album, ne peuvent s’éloigner dans un royaume lointain que parce que les tons doux et sanguins de « Hidden in the Marsh Thistle » leur ont dit au revoir. Chaque beau moment est porté par des courants différents et plus profonds.

L’intérêt et l’expérience de Laura Cannell pour le folklore font partie intégrante des fondements émotionnels d’Antiphony of the Trees. Ses contes sonores sont intemporels, gravés dans le bois à partir du tissu des rivières et du sol. C’est un exploit incroyable et un disque incroyable. Si l’on s’arrête et que l’on écoute attentivement le silence, les battements d’ailes et les bruits de becs, on peut entendre ces esprits anciens chanter et danser avec le vent. 

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Svarte Greiner: « Devolving Trust »

20 mars 2022

Svarte Greiner – le personnage peu reluisant d’Erik K Skodvin – nous offre un nouvel enregistrement sombre avec Devolving Trust, le dernier épisode de sa série bien nommée « musique zen pour âmes dérangées ». Dans Devolving Trust (Miasmah Recordings), il entraîne les auditeurs dans l’obscurité, où les sons grinçants et humides commencent lentement à prendre une forme irrégulière et froissée de leur propre fabrication, et sont en quelque sorte amplifiés avec une toute nouvelle importance.

La musique voyage le long de la colonne vertébrale de la détresse, et un fléau d’incertitude est toujours là, émanant des cavernes de ses notes, soulignant les tons uniformes et les lignes allongées du violoncelle, et fournissant une pointe de tension qui se répercute sur les cordes, mais Devolving Trust est aussi une écoute réfléchie. Le fait qu’il s’agisse d’un enregistrement live, provenant des bunkers de la brasserie Schneider à Berlin, autrefois bombardés, renforce son atmosphère humide.

Son histoire sombre et lourde continue de résonner dans le présent. Erik décrit les vieilles caves comme étant  » »umides et creuses, avec un passé sombre et une longue réverbération », et le violoncelle et les improvisations électroacoustiques minimales sont laissés à l’abandon dans l’obscurité, tendant de longues vrilles et cherchant à envahir ses ombres. Le violoncelle convient parfaitement à la pénombre oppressante de la cave ; il est fortement influencé par son emplacement physique.

L’instrument semble presque vouloir s’enfoncer dans le sol, vivre sous la terre au lieu de succomber à la douleur de vivre à sa surface, au niveau de la rue. Le traumatisme des bombes et l’obscurité de l’époque de la guerre ont laissé une empreinte, un résidu, dans l’atmosphère du lieu, l’endommageant plus que la destruction physique de ses briques et de ses barils ; il fait partie de la réverbération du bâtiment. Une toux ou un petit écart rend le disque encore plus personnel et unique à ce moment précis, tout en lui donnant une allure particulière.

Parfois, l’atmosphère et l’électricité d’un enregistrement en direct ne peuvent être transférées – il faut les vivre sur place, et les choses peuvent se perdre dans la traduction. Cependant, il y a suffisamment de profondeur atmosphérique ici pour recréer l’expérience live. Elle vous submerge et elle vous traverse .

Tellement de facteurs se perdent ainsi dans la traduction entre le fait d’être présent et de l’écouter dans un autre espace. Les yeux, les oreilles et le corps peuvent souvent voir au-delà des petites erreurs lorsqu’une performance en direct se déroule devant vous. Les détails sont généralement perdus lors de la transposition sur un enregistrement pur : « J’ai fait une exception pour cet enregistrement, car j’ai l’impression qu’il traduit la sensation du live d’une manière qui me plaît. Très personnel et plein de petites erreurs… il crée sa propre vie ».

La deuxième piste, « Devolve », a été créée à partir de fragments tirés de la performance en direct et étend encore sa portée dans l’obscurité, mais elle s’inverse aussi sur elle-même. La pièce offre une étrange forme de sédation, un calme dans le vide, comme si elle avait abandonné le combat, comme une proie qui se rend finalement aux crocs venimeux. L’humeur plus calme est rendue possible par le vide. C’est une évasion de tout. C’est peut-être pour cela que le violoncelle s’est enfoncé dans des profondeurs aussi littérales – pour fuir les véritables horreurs du monde, qu’il connaît déjà trop bien. Ses drones sombres et aveugles s’enfoncent de plus en plus dans les profondeurs de la cave, et ils n’en reviendront jamais.

***1/2


Crush String Collective: « Aeriform »

17 mars 2022

Avec cette première sortie du Crush String Collective, vous pourriez penser un instant que les douces teintes rosées de la couverture, combinées au nom des artistes bordé de roses et à la date de sortie, feront un parfait cadeau de Saint-Valentin. Mais attendez ! Car il s’agit bien d’un scénario de main de fer dans un gant de velours. Il ne s’agit pas d’un coup de foudre amoureux, mais d’une utilisation plus énergique du mot, où la tradition et les attentes sont écrasées par le collectif. Aeriform est un album qui prend son temps pour révéler ses profondeurs ; ce n’est certainement pas une musique qui peut être reléguée au second plan pendant que vous préparez ce dîner romantique pour deux.

Les douze titres d’Aeriform sont nés d’improvisations et ont été enregistrés à la mi-2020. Le collectif semble être la première fois que tous les musiciens travaillent ensemble bien que, vu l’entente entre les joueurs, il est clair qu’ils ont joué dans des orchestres et des ensembles en binôme au fil des ans. Aeriform a offert la liberté de créer quelque chose de nouveau, quelque chose qui leur appartient en propre, sans dépendre des compositeurs, mais en permettant à leur expérience combinée de s’épanouir. Une note alimente une autre, une structure prend progressivement forme. Parfois, leurs instruments (violon, alto et violoncelle) sont utilisés comme des percussions, des textures ou un son grattant qui crée un sentiment de malaise.

La formation du collectif et la brièveté de nombreuses pièces rappellent les quatuors à cordes d’Anton Webern. Ils partagent une approche audacieuse de la tonalité et de la tradition. « Waves » est une impression tourbillonnante et hargneuse de la mer dans son tumulte impressionnant. Cependant, les morceaux les plus séduisants sont ceux où les musiciens s’étirent, prennent leur temps et produisent une musique étonnante et sublime. Les œuvres les plus longues, « Isbre » et « Solhjul », se trouvent côte à côte sur l’album, la première étant remplie de chirrups et de scratchs insistants qui laissent place à de longues et gracieuses notes jouées à l’archet, qui se poursuivent dans la seconde, les musiciens s’élançant et se faufilant comme des oiseaux en vol.

L’enchaînement du bourdonnement de « Intermezzo II – Fetus » de la chanson-titre et de « Choral II – Aurora », qui clôt l’album, termine Aeriform de la meilleure façon qui soit, en ouvrant les fenêtres et en laissant entrer la lumière, une façon magnifique et exaltante de conclure. Crush String Collective fait preuve d’une compréhension quasi télépathique entre les musiciens, et le résultat est un premier album brillant et confiant. L’emballage peut suggérer une approche légère et romantique, mais il s’agit d’une musique réfléchie, lourde et impressionnante. Peut-être ont-ils choisi la meilleure date de sortie : ce pourrait être le début d’une belle relation.

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Eli Wallace: « Precepts »

21 février 2022

La relation souvent citée et rarement expliquée entre la composition et l’improvisation refait surface dans cet enregistrement studio en quatre parties. Le pianiste Eli Wallace qualifie son énigmatique Precepts de composition. Dans certains cas, c’est une bénédiction pour un érudit de jeter un coup d’œil aux écrous et boulons éparpillés sur la table de l’atelier d’un compositeur, comme dans le cas du système musical Ghost Trance d’Anthony Braxton. Et puis, à d’autres moments, il est presque préférable de saisir la monnaie sonore et de s’enfuir. Precepts se situe fermement dans ce dernier camp.

Le pianiste et compositeur Wallace a réuni la violoniste Erica Dicker, le violoncelliste Lester St. Louis et le bassiste Sean Ali pour lire sa rubrique, ou du moins c’est le mot utilisé pour décrire la partition graphique qu’Ali a préparée pour être jouée à l’époque du COVID. Toutes les hauteurs sont autant suggérées que prescrites, aucune répétition n’est requise, et si les interprètes se voient effectivement attribuer des hauteurs, ils sont libres de jouer celles qui appartiennent à d’autres. Tout cela donne une musique qu’il vaut mieux parcourir plutôt que d’être obsédé par les détails de la composition.

Prenons l’ouverture magique du deuxième mouvement : elle s’anime pour ensuite s’arrêter presque complètement, ou du moins se diriger vers un moment de stase. Ce moment est plein des rouages d’une session, des mouvements subtils de préparation et d’exécution si importants pour la syntaxe du musicien, et c’est ce qui rend ce moment si spécial. Il s’agit d’une étendue sonore assez dépouillée dans l’ensemble, mais ce quasi-silence rend chaque instant important d’une manière qu’une partition ne peut qu’évoquer, comme ce que mon oreille appelle un accord diminué particulièrement efficace à 6:33. Plus que toute élucidation de la composition, cette relation tendue et multidimensionnelle régit l’écoute active de la progression de la musique, en particulier la première section magnifiquement harmonique du dernier mouvement, où la sonorité est dans un état constant de flux de développement, changeant d’octave et de timbre d’un moment à l’autre. D’une certaine manière, tout ce qui précède l’a préparé.

Il serait trop facile, et un peu dédaigneux, de tracer un parcours allant de la saturation relative des premier et troisième mouvements à la réflexion dépouillée des deuxième et quatrième. Chaque mouvement contient des éléments de l’autre et, qu’elle soit lancée ou non, la musique se rassemble et se disperse en masses mystiques de sons, de silence et de toutes les zones intermédiaires. Si la partition de Wallace suscite de tels amalgames, tant mieux, mais le quatuor de musiciens expérimentés et une production viscérale sont certainement la clé du succès de l’album.

***1/2


Jessica Pavone: « When No One Around You is There but Nowhere to be Found »

31 janvier 2022

Ce n’est un secret pour personne que chaque nouvel album de l’altiste Jessica Pavone est un événement à ne pas manquer dans la région. Que ce soit avec un octuor à cordes, un quatuor à cordes ou en solo, elle surprend le plus souvent l’auditeur avec une musique qui dépasse le clivage classique / improvisation tout en explorant le vocabulaire sonore de son instrument.

When No One Around You is There but Nowhere to be Found est un enregistrement solo de 30 minutes composé de quatre pistes. Pavone adopte une approche à la fois intellectuelle et ludique, qu’il s’agisse de gratter des drones durs sur ses cordes ou de pincer pour soutenir une poésie parlée. Elle utilise également différents niveaux de traitement, en particulier une forme de boucle, d’écho ou de sustain qui maintient et manipule les notes lentement dans le temps. En conséquence, certains aspects de ces morceaux sont des sons largement sculptés, où l’instrument source est à peine discernable et où Pavone expérimente la répétition.

Comme beaucoup d’albums solos de ces deux dernières années, il y a plus qu’un soupçon de désespoir et de perte dans cet album, peut-être sous la forme d’une mélancolie acceptée plutôt que d’une douleur franche. Cette expressivité, associée aux capacités techniques de Pavone, donne lieu à une nouvelle réalisation solide et convaincante de l’œuvre d’un artiste accompli et en pleine croissance.

***1/2


Natasha Barrett: « Heterotopia »

21 janvier 2022

Le monde de « acousmatique » entre en 2022 avec une autre merveilleuse sortie de Natasha Barrett, cette fois avec un album sur le label Persistence of Sound.  Heterotopia nous présente trois pièces d’art sonore enchanteresses, toutes dotées des qualités typiques d’écoute répétée que l’on attend d’une telle sa musique.

L’hétérotopie, du grec héteros (autre) et tópos (lieu), est un concept philosophique développé par Michel Foucault dans les années 1960.  Comme tout champ d’étude philosophique, il peut rapidement se transformer en un terrier de lapin très profond, mais on peut subodorer que la direction prise par le compositeur est mise en évidence par cette citation décrivant la première iste de l’album, « Speaking Spaces No. 1 : Heterotopia » :

« Je ne me souviens plus du moment où j’ai réalisé : plutôt que d’entendre l’aboiement du chien, le cri de l’épervier, la circulation ou l’enfant, j’entendais plutôt la forêt, la montagne, la paroi rocheuse, la ville. C’était quelque chose de plus que les espaces qui parlaient dans leurs réflexions acoustiques. Ces rencontres ont contredit la perception normale et sont devenues des expériences transformatrices au cours de mes promenades dans le paysage. Les espaces contenaient maintenant plus de couches de signification que ce qui était immédiatement évident à l’œil et à l’oreille. « Speaking Spaces » est une série d’œuvres qui explorent ces conceptions alternatives de l’espace commun. »

« Speaking Spaces No. 1 : Heterotopia », une promenade sonore de 24 minutes, est une nouvelle exploration par Barrett de la spectromorphologie de Smalley (analyse des sons en fonction du temps) qui transporte l’auditeur vers, eh bien… un autre endroit.  Commençant de manière relativement directe, sans traitement, par un « field recording », le morceau se modifie lentement et organiquement jusqu’à ce que l’auditeur ait inévitablement l’impression de ne plus être au Kansas.  Où cela peut-il être ?  Quelle portée extraterrestre est atteinte ?  C’est à l’auditeur d’en faire l’expérience.  Pour en revenir à la qualité d’écoute répétée de sa musique, les lieux/dimensions/étendues visités seront certainement en évolution à chaque visite de ce paysage sonore. D’autres indices de ce concept hétérotopique sont révélés dans ses notes sur le deuxième morceau de l’album, « Urban Melt in Park Palais Meran ».

À partir de son blog, elle explicite à nouveau : L’été 2018 a été plutôt chaud. Les villes que j’ai visitées et dont la température estivale est normalement agréable fondaient. Est-ce le signe des étés à venir ? Expérimentant comment une chaleur excessive peut conduire à la fois à des mirages et à un état de délire, Urban Melt transporte une partie de tennis de table ordinaire, en plein air, au Park Palais Meran, à Graz, vers un monde plus fou de l’autre côté du mirage. Cette œuvre fait partie d’une série de pièces qui visitent des scènes sonores « normales » de tous les jours et qui explorent les façons dont nous pouvons évoquer et provoquer une nouvelle prise de conscience d’environnements que nous ignorons facilement. »

Nous avons utilisé le terme inventé « Dunsany-esque » dans d’autres articles sur sa musique, mais cet exemple d’un trope de musique acousmatique très utilisé, celui des balles de ping-pong qui rebondissent, porte ces sons à des extrêmes hors normes.  En fait, jon peut dire sans me tromper que les « lieux » hétérotopiques visités ici sont sûrement à proximité des « champs au-delà des champs que nous connaissons » du livre The King of Elfland’s Daughter de Lord Dunsany.

Le dernier morceau, « Growth », d’une durée de 6 minutes, est une composition récente qui, d’un point de vue dynamique, est assez agressive… osons dire à la limite de l’industriel par endroits.  Il n’y a pas beaucoup de détails discrets et tranquilles ici (ce qui ne veut pas dire qu’il n’y en a pas), mais Barrett choisit plutôt de jeter l’auditeur dans un maelström de sons violents qui s’organisent en une brillante narration mentale à tendance apocalyptique.  Mais, même dans ce chaos naturel et électronique, Barrett fait ressortir des détails subtils.  Au lieu de se sentir matraqué pour me soumettre, on en ressort en voulant plus ; aAu point de se demander si cette agression à grande échelle sera explorée dans d’autres œuvres.  Si c’est le cas,n’hésitez !

Quoi qu’il en soit, c’était une excellente façon de quitter cet album.  Comme pour Leap Seconds l’année dernière, Barrett livre une fois de plus ce qui pourrait être un de nos albums favoris de l’année.  Espérons que certains lui donneront une chance.  Ceci étant recommandation extrêmement forte !

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Caverna Delle Rose: « Elysian Chant »

30 décembre 2021

Les Hymnes Orphiques ont déjà été évoqués à propos de de Music for Certain Rituals (AimA & The Illusion of Silence), ce recueil de poèmes datant de la fin de la période hellénistique se situant autour du culte mystérieux de l’orphisme. Un mouvement qui allait à l’encontre de la foi chrétienne. Les adeptes vivaient de manière ascétique afin d’obtenir une meilleure vie après la mort grâce à la pureté physique et spirituelle. Le noyau des « Chants élyséens » (Elysean Chants) est constitué de sept hymnes orphiques, chacun dédié à diverses divinités ou éléments naturels.

Caverna Delle Rose est le nom de la collaboration entre AimA Lichtblau (Les Jumeaux Discordants, Allerseelen), Evor Ameisie (NRTHGTE, DDeM Label, Camerata Mediolanense) et Diego Cinquegrana. Le groupe trouve son inspiration dans les rituels magiques et les pratiques de performance datant de l’Antiquité à nos jours. Ils trouvent un équilibre entre la recherche (anthropologique) et la réinterprétation (musicale). Leur intérêt commun pour les cultures anciennes ou primitives a donné naissance à Elysian Chants, le premier album du collectif.

La pochette du disque présente une image forte : le regard pénétrant d’un vieux masque noir sur un fond blanc contrastant, à moitié voilé par un voile rouge foncé. Intrigant, tout comme l’ouverture « To Dionysius ». Le personnage de Dionysos ou Bacchus est la divinité de la viticulture, de la fertilité, du théâtre et de la musique, mais aussi de la folie rituelle et de l’extase. Ce dernier aspect est clairement perceptible dans ce voyage de plus de six minutes rempli de rythmes irrésistibles et de voix mystérieuses. C’est une évocation dionysiaque prolongée et particulièrement entraînante.

« To Night » ramènea le calme en mélangeant des sons nocturnes de la nature avec un paysage sonore tranquille. Caverna Delle Rose semble attacher beaucoup d’importance à la création d’une atmosphère adéquate et avec des résultats. Le violoncelle d’Annamaria Bernadette Cristian donne à la chanson cette lueur et ce mystère supplémentaires. Ce caractère insaisissable est également exprimé par les chœurs masculins et les textes en grec ancien auxquels AimA donne une voix. C’est l’un des deux poèmes récités dans leur intégralité, avec « To the West Wind ».

Dans l’hymne suivant, il est question des némésis Erinyes ou Furies. Ces créatures des enfers étaient censées chasser et tourmenter les criminels. « To the Furies » est ainsi propulsé par un rythme de marche rapide (faisant référence à la poursuite ?) et des chants enchanteurs (« Terrific virgins, who forever dwell. Endu’d with various forms, in deepest hell » –(ierges terribles, qui demeurent à jamais. Sous des formes variées, dans l’enfer le plus profond – . ) . Le violoncelle en tant que voix supplémentaire s’avère également être une valeur ajoutée ici.

En plus des hymnes, le morceau « Hyle, The Chant of Creation » divisera l’album en deux sous la forme d’un intermezzo instrumental et sombre qui évolue sur ce que nous avons déjà entendu.

Dans la deuxième partie, on trouve « To the Fates ». Outre les Némésis, il y a aussi les Parques ou les Moira qui déterminent le destin de la vie, tant des hommes que des dieux. Whose life ’tis yours in darkness to conceal. To sense impervious, in a purple veil » (Dont la vie est à toi dans les ténèbres pour la dissimuler. Pour sentir imperméable, dans un voile violet) peut-on lire dans la traduction anglaise de Thomas Taylor de 1792. Y trouve-t-on un lien avec l’image de la couverture ? En plus de la récitation d’AimA dans la première partie du chant, le poète italien et traducteur du grec ancien Angelo Tonelli apporte également quelques vers comme une voix sage du passé lointain.

Le dernier hymne est une louange à Zephyrus, la personnification du vent d’ouest. La fin de l’hymne, intitulée  » »To the West Wind « , est quelque peu exaltée et rappelle l’idiome musical d’Ataraxia. Il constitue un point d’orgue tranquille après les atmosphères sombres des hymnes précédents.

En tant que concept et premier album de Caverna Delle Rose, Elysian Chants est certainement un succès et mérite toute l’attention lors de son écoute, de préférence à un volume élevé et dans une atmosphère crépusculaire.

***1/2