Dear Laika: « Pluperfect Mind »

31 octobre 2021

L’expérience d’Isabelle Thorn en tant que choriste est évidente non seulement dans sa voix principale qui se cherche, mais aussi dans la façon dont ses compositions insinuent l’espace. Dans son premier album sous le nom de Dear Laika, Pluperfect Mind le bruit électronique l’emporte sur les réverbérations acoustiques, le genre d’espace sonore que l’on rencontre habituellement dans les cathédrales. Au lieu de fermer ses cordes et le piano préparé, elle laisse ses mouvements synthétiques résonner avec son organique, flottant dans un espace creux et vide. Les synthétiseurs Roland, les glitchs de bandes magnétiques et les échantillons distordus sont tous libérés ici, jamais contraires à leurs homologues acoustiques, mais vivants dans une symbiose qui s’amplifie mutuellement ; ils grandissent ensemble jusqu’à ce que la différence de leur origine s’estompe, sans importance. Chaque méthode d’instrumentation en ouvre une autre jusqu’à ce que l’ensemble du champ sonore soit un vaste paysage où la voix de Thorn peut se promener.

À travers cet espace illimité, Pluperfect Mind trace la manière dont la luxure hante son objet, le soi changeant de Thorn. Comme d’autres efforts encombrés pour devenir, la transition de genre fixe le désir dans un cadre étrange : Ce que vous voulez, c’est vous-même, mais plus encore. Comment mesure-t-on la distance entre le soi que l’on veut et le soi qui fait ce que l’on veut ? Que faut-il pour qu’ils se tendent la main et se serrent les coudes ? Avec des mélodies vocales élégantes et ondulantes, Thorne triangule le soi, le moi et le toi de la chanson narrative dans une danse complexe. L’un se précipite en avant et l’autre lutte pour le rattraper. L’un perd l’autre et se lamente jusqu’à ce que les deux puissent être réunis. Il y a des aperçus d’horreur et de désolation qui laissent place à des étendues de soulagement langoureux. « Je suis prête », répète Thorne sur « Asleep in Wildland Fire », accentuant à chaque fois les mots contre leur point de rupture. Sa voix atteint son apogée et s’effondre. L’espace se dilate, la voix s’enroule autour d’elle-même, s’accroche et s’épanouit au-delà de ses limites.

***1/2


Sylvie Courvoisier and Mary Halvorson: « Searching for the Disappeared Hour »

19 octobre 2021

Nous connaissons tous aujourd’hui la notion de « temps pandémique » – lorsque votre routine normale a été perturbée au point qu’il est difficile de se rappeler le jour de la semaine et encore moins l’heure de la journée. Deux compositrices/improvisatrices expérimentées basées à New York, la pianiste Sylvie Courvoisier et la guitariste Mary Halvorson, ont tenté de saisir ce phénomène dans 12 pièces en duo.

Bien que toutes deux soient bien connues dans les cercles du jazz créatif moderne, leur approche sur Searching for the Disappeared Hour est plus orientée vers le classique, ou du moins mieux décrite comme du jazz de chambre. À cet égard, chaque composition comprend une série de structures mélodiques et harmoniques que Courvoisier et Halvorson traversent avec fluidité. Il y a peu de répétitions ou de développement thématique traditionnel – ils disent leur morceau et passent à autre chose. Mais en plus et entre les aspects écrits, il y a beaucoup de place pour l’improvisation.

À première vue, le ton est pastoral et calme, avec des thèmes contrapuntiques colorés et enjoués, allant du dépouillement à la densité des arrangements. Mais après une écoute plus approfondie, l’expérimentalisme de ce duo apparaît au grand jour. L’utilisation par Halvorson de techniques étendues et de note-bending à l’électrique dissipe toute idée de facilité d’écoute, tout comme les moments anguleux et percussifs de Courvoisier. Mais le plus remarquable est sans doute la façon dont ils ont su capturer les montagnes russes émotionnelles des 18 derniers mois. Même au sein d’un morceau, l’humeur peut passer plusieurs fois entre des interludes joyeux et des expressions plus sombres. Le bonheur peut se transformer en un instant en morosité ou en mélancolie, et vice versa.

Par conséquent, Searching for the Disappeared Hour fonctionne à plusieurs niveaux. Il peut être écouté comme un témoignage des prouesses techniques de deux musiciens. Mais c’est aussi une exploration étrangement émouvante de la désorientation que nous avons tous ressentie ces dernières années.

***1/2


Marina Rosenfeld: « Teenage Lontano »

17 octobre 2021

Avant-garde R&B et merveilles orchestrales spectrales pour voix d’adolescents ddont au programme de cette artiste de musique concrète de New York qui franchit sans effort les limites entre Ligeti et Klein avec la sortie pour la première fois de deux œuvres hypnotiques datant de 2008/2014.

Il y a près d’une décennie que nous avons découvert la facette P.A. / Hard Love de Marina Rosenfeld ; elle nous dévoile aujourd’hui deux œuvres importantes, d’une ampleur typiquement grisante et d’une simplicité intuitive et élémentaire, respectivement interprétées par des groupes d’adolescents à New York et à Londres. Alors que les deux œuvres peuvent être facilement résumées par une description sèche de leur concept et de leurs résultats, elles transcendent pratiquement ce que l’on pourrait appeler des descripteurs de genre arbitraires et encouragent les auditeurs à se délecter de la réalité magique de leur moment, renvoyant l’utilisateur à l’expérience rare d’une conceptualisation astucieuse avec peu de cascades ou d’astuces, au service d’un attrait instantané et durable. 

Enregistré dans le caverneux manège de Park Avenue à New York, Teenage Lontano est essentiellement une « reprise » de l’œuvre de Gyorgy Ligeti des années 1960, structurée autour de polychords dissonants pour la voix. Après avoir mariné pendant plus de dix ans dans ses archives depuis 2008, avec seulement de maigres aperçus sur son CD Plastic Materials (2009), le résultat est l’un des enregistrements les plus obsédants de Marina, reflétant l’échelle et le mouvement vertigineux de ce que nous avons aimé dans P.A./Hard Love, mais avec une sensation plus illusoire et obsédante découlant de sa masse oscillante et de ses électrocutions éparses, qui font sauter l’air. Nous ne pouvons qu’imaginer que ce son aurait été incroyable dans l’espace de l’Armory, mais il est juste de dire que cet enregistrement transmet cette expérience aussi bien que possible. 

La publication imprimée roygbiv&b  qui l’accompagne ne fait que renforcer l’attrait de ce disque. Créé au MoMA en 2011 et enregistré en 2014 à la South London Gallery par des habitants du sud de Londres, il s’agit d’une transposition stupéfiante et pleine de jeux de mots des disciplines de l’avant-garde conceptuelle et du R&B en quelque chose qui ressemble à du Klein chantant des psaumes gaéliques ; toutes les harmonies multipartites en stéréo sont laissées pour la plupart non traitées, non pressées et spacieuses pour que les esprits puissent vagabonder. Nous sommes complètement suspendus à un fil, le cuir chevelu frissonnant et la mâchoire abasourdie. 

A ne pas manquer !

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Alex Cunningham: « As Slow as the Stream »

12 octobre 2021

C’est une année exceptionnelle pour la musique expérimentale interprétée au violon. L’une des sorties mémorables jusqu’à présent – Threshold de gabby fluke-mogul – emmène l’instrument dans des territoires inexplorés, mais ce nouveau projet d’Alex Cunningham prend un chemin totalement différent tout en laissant une impression tout aussi lourde. As Slow as the Stream est une excursion improvisée de 33 minutes qui se déplace à une telle vitesse et avec une telle présence qu’elle finit par devenir une caverne claustrophobe incrustée de diamants, sans espace pour bouger.

Cunningham est adroit, courant sur la touche comme un colibri trouvant un jardin secret et intact. L’urgence et l’excitation brûlent à travers le morceau, éclairant la pièce d’une force sonore. C’est une musique qui demande de l’attention, Cunningham changeant de vitesse avec aisance et s’amusant à enrouler le morceau sur lui-même comme un ouroboros qui joue des tours. Des séquences répétitives deviennent supernova, brillent d’une harmonie surprenante et d’une ferveur sans limite.

De nombreux passages ont un fond mélodique anguleux qui est hypnotisant. Cela nous rappellera Moving My Body Through Space de Ted Byrnes dans le sens où la folie rapide et ininterrompue devient paradoxalement méditative. La nature écrasante et maximale dece que nous livre ici Cunningham, qui avait pour seule contrainte de « ne pas utiliser l’espace », est enveloppante. Une résonance hurlante s’échappe de l’archet de Cunningham. Elle devient effervescente comme si Henry Flynt martelait ce violon avec des sacs de sable remplis de poussière d’étoiles. As Slow as the Stream est un sacré voyage.

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Josefin Rusteen: « Hana – Three Bodies »

11 octobre 2021

L’année dernière, Josefin Runsteen a collaboré avec Charles Spearin sur Thank God the Plague Is Over.  Cette année, elle dévoile une partition composée pour la chorégraphie de la danseuse de Butoh Caroline Lundblad.  Rien qu’avec ces deux œuvres, elle démontre sa diversité, mais il y a aussi une grande diversité dans les cinq mouvements de Hana.  Le titre fait référence au mot japonais pour « fleur », et l’album célèbre la nature, les éléments et la capacité de renouvellement de la terre.

Cet album a une forte connotation religieuse, comme le montre l’image de la couverture (Edwin Landseer, 1851) qui fait référence à des histoires magiques et spirituelles.  Les titres des scènes ~ vide, eau, feu, terre, air ~ sont à peu près analogues aux contes de la création.  La musique est réfléchie, la chorégraphie est à la limite du divin.  Le traitement multigenre suggère différents chemins de croissance, chacun convergeant vers un plan supérieur.

Au commencement, Dieu créa le ciel et la terre.  Et la terre était sans forme et vide.  Dans la scène d’ouverture, on entend le vent souffler sur le vaste inconnu ; le rush est interrompu par un carillon et des oiseaux.  La nature commence à abonder, se développant sur la musique abstraite de la création, chacune sans forme, cherchant l’ordre.  La harpe semble appropriée, les notes augmentant en volume et en confiance.  Maintenant la voix, maintenant les cuivres, maintenant la forme qui se fond dans le glissando.

Une pluie fine commence à tomber, nettoyant l’air des notes de piano.  Une éclaboussure soudaine ramène « Water » dans l’obscurité, avec des textures électroniques et des bruits de protoplasme.  Des basses profondes invitent les danseurs.  Un chanteur chante sur des gouttes et des tambours, puis se retire pour respirer.  L’arrière-plan bouge et se transforme ; il n’y a pas de terre ferme.  La musique s’arrête, le tonnerre gronde.

« Fire » éclaire son chemin par le biais d’une guitare et des cordes définies.  Des drones de guitare épais descendent comme la fumée d’incendies pas trop lointains.  Un gémissement sans paroles s’élève du maelström comme une supplication.  Dans la scène IV (« Earth »), nous pouvons enfin voir une partie de la chorégraphie en action, la terre elle-même est lancée comme une balle, moulée, façonnée, lissée sur une pulsation cardiaque. La balle est maltraitée, malmenée, lâchée, couchée, aplatie.  La caméra s’enfonce pour révéler la vraie terre en dessous.  Des vrilles descendent comme des toiles d’araignée.  La musique est d’abord tribale, puis se transforme en syllabes.  Sa-ku-ra.  D’autres vrilles sortent de l’argile et s’élèvent vers le haut.  Une fille regarde les scènes d’un train de voyageurs.  Nous ne sommes pas sûrs du lapin (bien qu’il y ait des lapins sur la couverture), mais à la fin, la boule d’argile a pris une vie propre, n’ayant pas besoin de mains pour flotter, accompagnée d’un chœur.

La vidéo du final, « Air », comprend des fragments de la chorégraphie de l’ensemble du spectacle, tandis que la musique contient un extrait de la poésie de Krishnamurti.  Les cordes sont sereines, les éléments intégrés.  Il y a de la place pour tous ici ~ les rythmes de danse reviennent avec un fragment de chanson.  À la sixième minute, nous pouvons ressentir la joie du danseur de Butoh.  Un segment visuel de tourbillon (comme un derviche) est suivi d’un segment musical de chœur, se terminant par une cascade de cordes. Le son final : une inspiration, l’aboutissement de la vie.  Nous avons été restaurés par la nature, en tant que nature.  Les


Mariana Semkina: « Disillusioned »

9 octobre 2021

Cela fait un an que Mariana Semkina, de Iamthemorning (duo de rock progressif / pop de chambre russe), a sorti son premier album solo Sleepwalking sur le label Kscope, ainsi que l’EP autoédité du duo qu’elle forme intitulé Counting the Ghosts. Nous pouvons imaginer dès maintenant qu’ils travaillent sur une suite à The Bell.Entretemps, Semkina sort ici son nouvel EP intitulé Disillusioned.

Comprenant trois chansons originales et deux reprises chantées en islandais et en hongrois, les voix de Mariana remplissent les salles de la cathédrale pour apporter un aperçu chaleureux et éclairé par le soleil d’un chœur éternel d’apporter la joie et le bonheur à travers la pandémie. Inspiré de l’époque victorienne des poètes enragés de William Rossetti, Elizabeth Siddal et Christina Rossetti, Disillusioned est comme une extension de l’histoire des personnages principaux du joyau conceptuel opératique de Iamthemorning, Lighthouse.

Enregistré à distance au Canada, en Russie et au Royaume-Uni, Semkina est une véritable conteuse du début à la fin. Ainsi, avec son introduction inquiétante, « Friend » comporte ces séquences ambiantes de Grigoriy Losenkov qui canalisent l’époque Irrlicht de Klaus Schulze.

Avec ces sons orchestraux d’orgue, on a l’impression de recevoir une lettre perdue d’un ami que l’on aurait reçue bien des années plus tard. Et pour elle, on peut presque l’imaginer en train de lire la note perdue. Nous avons cette vision d’elle repoussant ses larmes grâce aux textures acoustiques tièdes et apaisantes de Vlad Avy et aux sections de cordes intenses qui ajoutent de l’huile sur le feu.

La composition de Bela Bartok, « Ne hagyl itt ! », qui se traduit par « Ne me laisse pas seule ! », arbore une mise en scène lyrique dans une atmosphère de deuil, avec des voix à double sens pour Mariana qui dit au revoir à ses proches, tandis que la chanson-titre est un coup de chapeau à l’époque d’Insurgentes de Steven Wilson et de Lateralus de Tool. Mais c’est la berceuse fantastique de la poésie de Jóhannes úr Kötlum, «  Land Míns Föður (My Father’s Land) », qui est un appel de la mer.

Semkina se tient sur les montagnes et chante dans le style de « I Came Before the Water » pendant un orage violent, avec ses doux arrangements, alors que le rideau se baisse pour la composition finale de « An End ». Nous voyons Avy canaliser les textures de David Gilmour et son organisation de chambre futuriste sont des passages du temps pour voir où le 22ème siècle se dirigera ensuite.

Il s’agit d’aller de l’avant sans jamais regarder en arrière, alors que la dernière moitié du morceau se dirige vers une porte ouverte, sans savoir ce qu’il y a au-delà de la lumière au bout du tunnel. Disillusioned est son film imaginatif de qui prendrait vie sur le grand écran.

Comme c’est le cas sur cet EP, on a toujours imaginé ces chansons et ces poèmes sous la forme de courts métrages d’animation qui dépassent le cadre de Disney et abordent des sujets tels que la perte de l’innocence et la façon dont nous pouvons faire face à la perte d’un être cher. Pour Semkina, les histoires ne font, en tout cas, que commencer.

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Christopher Otto: « Rag’sma »

3 octobre 2021

Rag’sma peut être apprécié de deux manières différentes. À première vue, l’album est un ensemble irrésistible de drones fournis par le JACK Quartet. Mais en creusant un peu plus, on s’aperçoit que la structure de ces sons soutenus et sinistres suit des règles mathématiques précises.

Otto est violoniste et membre fondateur de JACK, une formation surtout connue pour ses interprétations de morceaux de musique difficiles et exigeants. Ici, Otto demande à son groupe d’utiliser l’intonation juste afin d’obtenir des variations de tonalité si infimes qu’il est peu probable qu’elles soient perçues consciemment. De plus, la base de la pièce est constituée de deux enregistrements combinés de JACK qui se rapprochent et s’éloignent très légèrement l’un de l’autre.

Là encore, il faudrait une oreille remarquable pour s’en rendre compte, et la plupart d’entre nous (y compris cet auditeur) doivent se contenter du sentiment d’inquiétude que procurent les bourdons de cordes qui en résultent. Mais une deuxième variation de Rag’sma est également incluse, ajoutant un troisième enregistrement de JACK aux autres. Ce nouveau motif va et vient entre les deux originaux, les unifiant dans une certaine mesure.

Selon Otto, la variation du double quatuor peut se suffire à elle-même ou servir de piste de fond à un troisième quatuor qui improvise en fonction de ses contraintes. Rag’sma se prêterait certainement à une interprétation en direct de cette manière, mais pourrait aussi fonctionner comme une installation sonore. Indépendamment des détails techniques, cet album est vivement recommandé à tous ceux qui s’intéressent aux drones à cordes à 8 ou 12 voix.

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Open to the Sea: « Watering A Paper Flower »

2 octobre 2021

Open to the Sea est composé d’Enrico Coniglio et Matteo Uggeri. Enregistré à Venise et à Milan, Watering A Paper Flower fait jaillir la lumière dans l’obscurité. La nostalgie est une force puissante qui tire sur le cœur, quel que soit l’âge. Elle peut encore être ressentie aujourd’hui, elle est toujours pertinente et réelle, elle s’étend et influence les actions et les décisions actuelles. Elle s’infiltre dans le passé et y pénètre, comme s’il s’agissait d’un soleil retardé.

Les reliques peuvent encore être précieuses et pertinentes pour la vie moderne. Elles nous apprennent beaucoup sur qui nous sommes et d’où nous venons. Elles ne doivent pas être mises de côté ; ce sont des documents importants, qui détaillent des étapes essentielles du voyage. Sans ces moments, nous ne serions pas ce que nous sommes aujourd’hui ; un seul événement peut influencer et façonner le reste du chemin. Il en va de même pour Watering A Paper Flower, dont une note l’entraîne sur mille pas, et dont le voyage découle de ce moment singulier.

Même dans les heures les plus sombres, nous pouvons nous remémorer des moments meilleurs et y trouver du réconfort ou un semblant de consolation. Le passé est toujours présent, et comme une distillation de lumière, il s’infiltre dans le récit d’aujourd’hui. De même que la lumière s’infiltre dans les coins construits à partir d’ombres plus sombres, rendant visible le dissimulé lorsque les orbites s’alignent, de même les souvenirs peuvent refaire surface et illuminer l’esprit, lorsque le soleil éclaire les yeux et le sourire, plutôt que la pièce.

Le piano et le violoncelle sont vieux, ils ont besoin d’eau et de nourriture. Un air général de malaise s’infiltre dans la musique. Coniglio et Uggeri prennent soin d’arroser leur fleur de papier, même si, à première vue, elle semble ne pas en avoir besoin – elle semble être une création artificielle – mais, d’une manière ou d’une autre, elle risque de se flétrir, tant au niveau de son âme que de son apparence physique, le papier se plissant progressivement aux coins tandis que le temps lui inflige une mort lente.

Bien que rustique, la musique est capable de tisser lentement des lignes fines et des motifs glissants, comme si les muscles n’étaient pas encore complètement raides. Ses notes restent coincées dans un royaume englouti, mais parfois elles s’élèvent vers des sommets mélodiques, comme sur « It Comes, Ineluctable ». Piano, orgue, Yamaha TX7, enregistrements de terrain, batterie, trompette, violoncelle, bourdons et échantillons s’infiltrent dans le disque, les notes les plus brillantes versant des lueurs de lumière dans un puits de ténèbres.

Masterisé par Ian Hawgood et avec une pochette fournie par Daniel Crossley / Craig Tattersall, dans laquelle des impressions anciennes et vintage sont utilisées, avec des taches de rousseur et des fuites de lumière couvrant l’image imparfaite, comme des lignes plissant la peau vieillissante, la musique est toujours capable de rappeler des images du passé, la plaçant dans une sorte de sanctuaire, et elle est toujours capable de transmettre la luminosité.

***1/2


Arooj Aftab: « Vulture Prince »

26 août 2021

Arooj Aftab est née au Pakistan et réside actuellement à Brooklyn aux États-Unis. Il est clair que ses racines ne sont jamais loin de son esprit. Avec son troisième album, Vulture Prince, elle nous offre un aperçu de ses réflexions acoustiques sur la perte. Chaque morceau vous touche d’une manière différente et vous éclaire d’une manière romantique et festive. Faire son deuil, c’est se languir, c’est se rappeler de sourire, quel que soit le chagrin que l’on ressent maintenant.

Aftab a perdu son jeune frère pendant l’écriture de son nouvel album et si la perte est omniprésente, elle est dépeinte dans un état calme et réfléchi. Cela pourrait être les guitares à combustion lente de « Saans Lo » qui évoquent une vibration gentille de Cocteau Twins croisée avec une prière au coucher du soleil. La voix feutrée mélangée à un scintillement lointain d’harmoniques de guitare et de souffle de vent constitue une expérience discrète mais profonde. Il pourrait s’agir de la voix dynamique d’Aftab, qui oscille entre harpes et violons sur « Baghon Main ». « Diya Hai » donnera l’impression que les sables mystérieux du temps changent les points de vue et les perspectives. Le riff est simple, mais la liberté de ce qui l’entoure est à nouveau cathartique et réconfortante.

D’autres morceaux s’éloignent de la formule acoustique simple. « Last Nigh » » mêle des éléments urbains et Arooj Aftab chante l’un des rares morceaux en anglais de l’album. Ici, le rythme a un swing reggae et le groupe est jazzy. Cet élément jazzy revient pour le morceau le plus proche, « Suroo », où une basse droite, une harpe, un synthé et une voix créent un morceau uptempo. Au fur et à mesure que le morceau progresse, il se rapproche d’un écho psychédélique, comme si tout devenait un mirage. L’une des caractéristiques de l’album d’Ajoor est que chaque chanson est une visite de lieux ou d’états d’esprit antérieurs. Le fait qu’elle les laisse dans une brume est assez révélateur du caractère temporaire de tout et de tous ceux qui nous entourent.

Les deux morceaux les plus longs sont le glorieux « Inayaat » qui fusionne harpe, piano, violon et voix dans une célébration éthérée. Signifiant « soin » ou « protectio » », le morceau a un aspect maternel, aidé par un magnifique travail de bugle. Le bugle revient pour le raj de « Mohabbat »qui est à la fois dévotionnel et plein d’amour. Ajoutez quelques percussions légères et des gazouillis d’oiseaux matinaux et vous obtenez une délicate illumination sur huit minutes de musique joyeuse.

Vulture Prince » est un album magique. Arooj Aftab a le don d’ajouter des tas de petites couches de musique qui donnent une impression de légèreté et de fluidité. Sa voix est absolument divine, elle calme votre âme sans effort tout en transmettant l’émotion. Elle parvient à faire sonner tant de choses comme si c’était si peu, tout en créant un impact colossal avec chaque bruit. Époustouflant.

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Trapist: « Ballroom »

19 juillet 2021

Quelle belle surprise que celle-ci ! Comme beaucoup de ces productions, celle-ci a été écoutée une fois puis oubliée depuis. L’album ne plaisait pas vraiment, mais la raison nous en échappait. Après l’avoir réécoutée, jon peut comprendre pourquoi. C’est très lent, ça prend du temps pour se développer, ça demande une écoute complète et surtout, ça demande à l’auditeur d’être en accord avec l’idée qu’il ne s’agit pas de la destination mais du voyage. On peut supposer que ce n’était pas notre cas lorsque on l’a entendu pour la première fois.

Trapist est (était ?) un trio viennois composé de guitares et d’électronique (Martin Stiewart), de percussions et d’électronique (Martin Brandlmayr), et de contrebasse (Joe Williamson).  Ces trois musiciens jouent avec retenue et finesse tout au long du disque.

Il y a plusieurs points forts dans cet album.  Tout d’abord, ils sont brillants pour synthétiser l’acoustique (batterie, guitare à cordes de nylon, contrebasse) avec l’électronique. C’est fait si naturellement que cela devient un non-événement dans le champ sonore global.  En écoutant cet album, je n’ai jamais pensé à séparer ces deux éléments.  Les deux sont si étroitement liés par la hanche que les textures et les ambiances globales donnent l’impression d’un jeu d’ensemble symbiotique, et pas seulement d’instruments acoustiques sur l’électronique.  Le tout est-il plus grand que la somme de ses parties ?  Pas complètement, parce que, pris isolément, chacun joue très bien, mais vu sous un angle plus large… c’est un paysage sonore substantiel et tout à fait charmant.

Deuxièmement, troisièmement et quatrièmement, il s’agit des instruments et des musiciens eux-mêmes. On dirait qu’il y a ici des guitares à cordes de nylon et des guitares électriques, mais les guitares à cordes de nylon sont très en avant et au centre. Cet amalgame fonctionne, et c’est un beau mariage lorsqu’il interagit avec l’électronique subtile (et parfois pas si subtile).

Les tambours et les percussions sont également merveilleux. Il y a beaucoup de travail au pinceau ainsi qu’un arsenal d’objets percussifs divers et variés… le tout joué de manière très libre et sans effort. C’était fascinant de se concentrer sur cet aspect.

Enfin, la basse acoustique, jouée à la fois de manière arco et pincée, est de très bon goût, même si elle est un peu discrète. Pendant les sections arco, elle prend un son de bourdon électronique où j’ai dû faire une double prise sonore pour déterminer qu’il s’agissait bien d’une basse acoustique.

Ces raisons et d’autres encore m’ont suffi pour dire que Ballroom est en effet une belle déclaration. On ne peut qu’être heureux de l’avoir dépoussiérée et de vous la recommander vivement.

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