No BS: Just Rock & Roll!

Joe Talbot va devoir prendre du temps sur le dernier album du groupe, Ultra Mono, pour viser ses détracteurs. Avec quelques références à des paroles classées et en faisant fi de ceux qui l’ont accusé de faire des slogans, on peut se demander pourquoi il y a eu tant d’agitation au départ. En travaillant sur ses propres problèmes, Joe Talbot, le leader d’IDLES, a fait preuve d’une positivité à toute épreuve que tout le monde ferait bien de soutenir. Ici, Talbot ajoute à sa liste de plaintes le consentement sexuel et l’escroquerie au prix des médicaments sur ordonnance. Se plaindre de la politique de bon sens d’IDLES, c’est un peu comme s’aligner contre des chatons et des arcs-en-ciel.

Et pour dissiper un autre point de discorde au pays des griefs mineurs, s’il y avait la moindre crainte de voir le groupe se ramollir de Brutalism à Joy As An Act of Resistance, le premier morceau s’en débarrasse habilement. En guise de déclaration d’intention, « War » est le morceau d’ouverture le plus efficace et le plus percutant que vous entendrez probablement cette année. Le travail de guitare de Mark Bowen, ici et tout au long de l’album, est au premier plan. Sur « War », les guitares sont tordues et torturées comme le soufflet de Talbot sur les victimes de « waaaaaaaaarrrrrrrrr !!!!!! » C’est une guerre contre la guerre comme le disait subtilement Jeff Tweedy de Wilco, mais, sur Ultra Mono, c’est un appel clair aux armes et un message à tous ceux qui doutaient de la sincérité du groupe.

C’est toujours une joie de découvrir des albums où le groupe n’a pas sorti ses meilleurs titres au début du processus de sortie. « War », ainsi que le duo de Jehnny Beth (Savages), « Ne Touche Pas Moi », se tiennent debout sur un album globalement très solide. Traduit par « ne me touchez pas », Talbot et Beth nous livrent un hymne particulièrement féroce, « gardez vos mains pour vous » (keep your hands to yourself) ). Pour un groupe qui donne le meilleur de lui-mêmes en live, vous pouvez imaginer la quatrième rupture de sonique métamorphosée ainsi par Talbot : « C’est mon espace de danse. C’est votre espace de danse » (This is my dance space. This is your dance space) suivie de rappels répétés au consentement », cela ramènera un véritable regain d’énergie en milieu d’album.

Musicalement plus varié que les précédents, « Grounds » jette dans le mix des synthés dégradés à la Gary Numan, tandis que « Kill Them With Kindness » a une fausse façade qui laisse place à une pédale plus ouvertement espacée, rappelant les premiers Wire. Mais la subtilité est toujours aussi rare, de la frustration pure et simple d’« Anxiety » au coup de feu direct de Talbot à la presse musicale sur « The Lover ». Il n’y a pas de griefs ici, car les IDLES nous livrent leur album le plus cohérent à ce jour, avec une poignée de leurs diamants les plus bruts qui brillent à travers. Le fait qu’Ultra Mono n’ait pas de « single » devrait convenir parfaitement à leurs fans sur le terrain.

***1/2

Un peu plus de deux ans après le succès de leur dernier album, Alien Human Emotions, le suivi d’Asylums se poursuit au son caractéristique du groupe Art Punk. Mais, contrairement à de nombreux groupes à l’heure actuelle, Asylums est bien conscient de la pire pandémie de l’histoire de l’humanité et ne maudit pas la malchance de la date de sortie. Genetic Cabaret est à cet égard, l’album de ces jours cloisonnés.

En ouvrant avec « Catalogue Kids », un allegro rapide au tempo simultané de la guitare et de la batterie, nous avons droit à un morceau nerveux, énergique, mais pas chaotique. Dominé par le combo guitare/batterie susmentionné, l’harmonie et l’arrangement sont optimistes et en contraste direct avec les paroles qui sont… bien pas fâchées. Plus exaspéré dans le monde moderne, espérant que les gens l’abandonneront, métaphoriquement du moins.

La presque colère est un thème de plusieurs morceaux. « Platitudes » est un morceau plus froid que « Catalogu » avec son arrangement et son harmonie tout en mentionnant le même tempo. Mais elle porte une sensation passive-agressive, une angoisse suburbaine refoulée à son son qui correspond aux paroles.

Ce qui est intéressant, c’est qu’ils ont sacrifié l’ancrage de la basse profonde qui lui donnerait un son plus chaud. Au lieu de cela, il s’appuie sur un son aérien, qui vous oblige à vous concentrer sur la guitare, la batterie et les paroles.

Genetic Cabaret est un cri de ralliement contre la médiocrité et le conformisme du monde actuel. Des titres comme « Clean Money », avec un arrangement et un tempo plus rapide et plus agressif, se mélangent à la colère du droit lyrique. C’est un puissant coup de défi contre la banalité et la mesquinerie du monde moderne même si ça n’est pas un plan particulièrement original.

Ne vous méprenez pas. La musique est excellente, et les paroles ne sont pas la haine de soi de la classe moyenne qui en est venue à dominer beaucoup de musique punk. Mais il lui manque un caractère brutal qui la relie directement à la vie des auditeurs. Bien qu’elle soit ancrée dans l’air du temps et qu’elle aborde des questions telles que la responsabilité des médias, le mercantilisme et l’apathie politique, c’est quelque chose que nous avons déjà entendu à différentes époques. Cela n’enlève rien à l’album dans son ensemble. Un album qui est superbement mixé et arrangé. Mais il n’a pas le mordant qui aurait pu le faire passer à un autre niveau. S’il montrait comment ces choses affectent l’auditeur, plutôt que de se rallier simplement contre elles, son impact lui aurait laissé un sentiment plus profond.

En l’état actuel des choses, c’est un bon album, avec de bonnes chansons, qui vaut bien votre temps. Et s’il était allé un peu plus loin dans son message, il aurait pu être un grand album.

***1/2

La production de l’artiste moscovite Kate Shilonosova est très expressive. Membre du Scratch Orchestra de Moscou et du groupe post-punk Glintshake, collaboratrice d’Angel Deradoorian et de Kate NV, entre autres projets, Kate Shilonosova s’intéresse avant tout aux nuances de la pop et aux possibilités des synthétiseurs. NV s’est toujours comparée à un vaisseau dans le processus de création musicale dont elle fait partie, simplement un corps utilisé par une force musicale plus importante. Cette suggestion de non-intervention sous-représente le détail de sa production, mais elle agit comme une sorte de modestie et permet de libérer son écriture, en évitant un peu la responsabilité pour voir une expression plus large à travers. Le plus révélateur, c’est qu’elle expose sa méthode sensuelle de faire de la musique.

Binasu, le premier album solo de NV sorti sur le label Orange Milk Records de Keith Ranklin, était une pépite urbaine imprégnée de pop, avec une production brillante et des mouvements imprégnés de disco. Для = For, sorti en 2018 sur RVNG Intl., ressemblait à une expérience perdue de Nuno Canavarro avec des motifs minimaux tessellés et des percussions acoustiques sensuelles. Contrairement aux chansons pop de Binasu, NV s’est éloignée du chant sur Для = For, s’appuyant plutôt sur la voix de Buchla. Les deux albums sonnent un peu comme deux continents séparés sur la même planète avec quelques générations de dérive et de ramifications généalogiques entre eux. Loin d’être apparentés, ils sont tous deux transportables, vibrants et bouillonnants de touches personnelles.

Le troisième effort solo de NV, Room for the Moon, puise davantage dans les fantasmes mélodiques de Binasu et prolonge les atmosphères respiratoires de Для = For. NV revient également au chant, cette fois-ci devant un groupe complet, et la proximité de ce cadre peut se prêter à débloquer la curiosité de NV à un autre niveau. Contrairement aux chants déliés qu’elle livre pour « Glintshake », la nature mélodique de NV est ici légère et livrée avec une légère appréhension qui permet une navigation subtile dans les grooves pop. Les comparaisons avec Ann Steel et Lizzy Mercier Descloux sont faciles, une voix stoïque, simple et dynamique, mais ses affections ont une toute autre tapisserie d’inflexions.

Réparti par parties, Room for the Moon semble avoir trop d’ingrédients pour obtenir un son consolidé. NV chante en japonais, en anglais et en russe, hachant chaque langue à travers des grilles minimales d’avant pop sur un casting de synthétiseurs analogiques et une basse réservée mais efficace. La gamme de styles et d’images fait allusion aux programmes télévisés russes pour enfants et aux anime japonais, en exploitant aussi bien les idées folkloriques que les histoires pop. Il y a aussi des nuances de psychédélisme et des atmosphères du « quart monde ». NV ne fait pas fondre ou ne mélange pas tout cela au point de voler les expressions fantômes de chacun et de courir avec elles. Toute une série d’influences sont apparentes à pratiquement n’importe quel moment de l’album, mais on n’a jamais l’impression que c’est un effort fastidieux fait de parties séparées collées ensemble. Room from the Moon est impliqué et fluide, c’est le travail d’une artiste qui canalise des parties plus grandes qu’elle.

***1/2

« Hands », un des « singles » du troisième album des Lithics, commence par des rafales de basse agiles, une trame de batterie stagnante. La section rythmique, composée de Bob Desaulniers à la basse et de Wiley Hickson à la batterie, met en place une structure qui ressemble à une chanson, même s’il manque quelques lattes. Deux guitares, jouées respectivement par la chanteuse Aubrey Hornor et Mason Crumley, skitter au sommet de cette fondation en cris antiques, ont pour fonction de perturber, de choquer, de briser le déroulement régulier de cette chanson. « Hornor » déballe une éclaboussure froide de noms et de consonnes, moins un récit parlé-chanté, plus une autre forme de percussion.  « Tu te promènes, tu parles, tu marches avec moi, les mains sur le côté » (You take a walk, you talk walk with me, hands to the side), chante-t-elle, sur un ton vidé de son sens et de ses sentiments. La chanson est un jouet à enrouler qui a perdu son équilibre, ses parties se déplaçant selon des motifs minimalistes étranges et imbriqués. Par intervalles, un grand accord de guitare retentissant, une ruée de tambours sur les cymbales introduisent densité, dissonance et saturation, mais le corps principal de la chanson résonne comme un code Morse envoyant des signaux qui ne peuvent pas être déchiffrés.

Le littéral s’inscrit dans une tradition bien établie de punk sans souffle et décalé, empruntant les rythmes irréguliers de Kleenex/Liliput, la dansce mécanique brute de « Fire Engine »s, le funk apocalyptique du « Android « de Pere Ubu. Des moments de quasi-correction ponctuent ce disque. Hornor chante un peu dans « Mice in the Night » et « An Island » plutôt que de se contenter de prononcer les paroles. Mais il ne faut pas se fier au mélodisme. Il est traversé par des rafales de guitare discordantes, brisées par des tambours de polisseur de rock.  La basse gronde en jeu, faisant bouger même les morceaux les plus austères dans une sorte de danse saccadée, mais même ces soubresauts d’hédonisme projettent des ombres angoissantes. Vous ne pouvez pas vous sentir à l’aise avec cette musique, quelle que soit la façon dont vous la tournez.

Lithics expérimente des thèmes étendus dans Tower of Age. « The Symptom » » d’une durée d’un peu moins de six minutes, est presque deux fois plus longue que n’importe quelle coupure des Surfaces d’accouplement de 2018. Cette durée plus longue permet au groupe de trouver le bourdon dans son jitter, les éclaboussures sauvages de bruit de guitare scintillant sur un hochement de tête, fredonnant le calme. La voix de Hornor, s’entrecroisant dans des nappes de mots abstraits, devient une pulsation apaisante et hypnotique, une voie à travers la violence et la confusion. D’autre part, la brièveté s’arrête aussi ; « Snake Tattoo » »lance des blips de guitare désaccordés à intervalles irréguliers alors que Hornor répète la phrase titre à plusieurs reprises. Il est troublant et abstrait et difficile à saisir, malgré sa très courte durée

Tower of Age n’est pas radicalement différent de Mating Surfaces, mais il semble à la fois plus aiguisé et plus souple, comme si les musiciens de Lithics étaient devenus si précis et si habiles dans leur forme d’art rasoir qu’ils pouvaient se permettre de prendre des risques. Il y a beaucoup de post-punk, mais très peu de choses aussi bonnes que ça.

***

Après avoir débuté comme groupe post-punk, XTR HUMAN s’étend un peu plus loin vers la Dreampop, la Cold Wave et la Shoegaze sur leur nouvel album Interior. Tous les ingrédients musicaux qui, en principe, vont bien ensemble, mais quand on les mélange, il faut faire attention à l’équilibre et à une certaine qualité. XTR HUMAN a acquis une certaine expérience au cours des huit dernières années et ne peut donc pas se permettre de faire des erreurs.

Retour aux années 80 donc, mais avec style. L’introduction « With A Smile », qui sort de la mise en page avec légèreté, illustre l’approche de base du groupe. Des guitares qui glissent dans le moelleux et une base sonore amplifiée par des synthés – dansables mais sombres – maintiennent le facteur pop aussi petit que nécessaire. Le chant stable de Johannes Stabel assure le niveau et ne nous rappelle pas rarement les grands. Il n’y a que dans le chatoyant « On Miracles » quelque peu lugubre, que l’on aurait souhaité plus de drame, dans le sens d’un Tom Smith des Editors. Mais la faction instrumentale donne tout à cet égard, ce qui donne aussi à cette chanson une certaine classe.

Au fond, vous pouvez attester que le choc des arcs mélodiques de la morosité, de la froideur et de l’espoir fonctionne très bien comme contraste. XTR HUMAN n’interprète la pop qu’avec son côté accrocheur et ne fait aucun compromis en termes de niveau. Même si les paroles semblent être réduites à l’essentiel, le corset musical soutient avec la profondeur nécessaire. L’utilisation un peu plus importante des synthés, qui donne à XTR HUMAN une touche de charme des années 80, est toujours faite de manière ciblée et jamais à bon marché (« Dream », « Hearst », « Giants »).

La beauté est morte en effet, et Interior de XTR HUMAN est extrèmement bien dentelé. La basse dominante dans « New Dawn », qui oblige les auditeurs à danser, et le chœur qui se déverse, qui se dirige ensuite avec véhémence vers un final. « Mask Of Faith », qui suit, utilise la même dynamique avec succès, les guitares se découplent complètement entre les deux et semblent s’aérer une fois. Et « Giants » réveille le souvenir du grand XTC, en raison de son concept alambiqué et de son imprévisibilité. XTR HUMAN n’a vraiment rien à voir avec le charabia gothique mené par UffzUffz, le ton mélancolique seul l’empêche.

XTR HUMAN s’oriente certainement sur des groupes connus et malheureusement majoritairement silencieux du mariage du son. Cependant, en raison de la nécessaire contribution personnelle, le groupe ne sonne pas comme un hommage bien fait, mais comme des musiciens qui ressentent réellement le son. Pour s’en tenir au titre de l’album, la maison est a essuya une entrée frauduleuse, mais le design intérieur, lui, est intime et singulier.

***1/2