Dana Gavanski: « When It Comes »

3 mai 2022

Deux ans après son premier album, le sous-estimé, Yesterday Is Gone, Dana Gavanski évite le difficile bourbier du deuxième album en publiant ce qui ressemble à une autre première. When It Comes est un renouveau rêveur, tourné vers l’avenir, du côté plus excentrique et fougueux de Gavanski, qui saisit l’occasion de réinitialiser les attentes, y compris les siennes.

Après une période frustrante de récupération vocale, Gavanski a dû non seulement se reconnecter à sa propre voix, mais aussi faire face à des questions existentielles plus importantes. Pour une musicienne qui était sur le point de faire une tournée décisive avant la pandémie, ce hiatus est arrivé au pire moment.  Travailler sur ces changements  » ressemblait parfois à une bataille, que j’ai souvent perdue « , dit-elle. Le titre de l’album reflète à la fois le poids du désir d’aller de l’avant et le soulagement de laisser les choses venir à soi en temps voulu, ou de se retirer de son propre chemin. S’il est clair que Gavanski a retrouvé sa passion pour l’écriture de chansons sur When it Comes, sa nouvelle direction est moins une tentative d’innovation qu’un retour à quelque chose d’authentique et d’utile.

Après quelques écoutes, ce but se cristallise lentement comme un appel à cœur ouvert à être gentil avec soi-même et à être présent avec tout ce qui se passe pour vous en ce moment. Inspiré par la solitude de l’hiver, le morceau d’ouverture,  » I Kiss The Night « , résume parfaitement cette idée. Son riff de piano descendant doucement se penche sur la solitude, établissant un rythme calme et prudent qui se répercute sur les morceaux suivants. À partir de là, nous sommes amenés à faire une promenade plutôt qu’une course à travers l’album. Nous avons l’espace et le temps de ressentir son mélange de textures acoustiques organiques et électroniques, découvrant de nouvelles choses à chaque promenade. Si le processus créatif de Gavanski a pu sembler urgent en raison des limites qui lui étaient imposées, cela ne se répercute pas sur l’auditeur. C’est un album vraiment facile à vivre, à emporter lors de promenades dans des endroits naturels et magnifiques, tant il est aérien et donne une impression d’espace.

Gavanski est parfois comparée à Cate Le Bon en raison de ses tonalités plus mélancoliques. Pourtant, dans cet album, sa voix se déplace et s’agite de manière plus optimiste, incarnant une multitude de personnages issus de souvenirs d’enfance, du folklore et des mythes. On peut entendre d’autres points de référence, par exemple les nuances veloutées de Trish Keenan sur  » Bend Away and Fall  » et  » Under the Sky  » (aidées en partie par les polyrythmes et arpèges du Moog et du clavecin). Ailleurs, il y a un petit clin d’œil à Aldous Harding sur « Letting Go ».  La prééminence des sons Moog se retrouve dans les subtiles touches de soutien de « The Day Unfolds » et « Lisa », et de manière plus insistante dans la ponctuation à la Stereolab de « Indigo Highway ».  Gavanski et son groupe au complet, dont son partenaire et coproducteur James Howard, évoquent l’esprit synthétisé de la pop européenne avant-gardiste des années 80 et de la cold wave, en le mariant à un noyau solide de chansons et d’instruments d’inspiration folk. Le résultat est une collection diversifiée d’idées et de mélodies qui se tient de manière cohérente et rassurante, même lorsqu’elle s’aventure dans des nouilles plus expérimentales et des idiosyncrasies glauques.

Alors que la majorité de l’album finit par s’installer et trouver son niveau après quelques écoutes, les deux dernières chansons se sentent encore assez à part. Beaucoup plus sombre et avec un humour curieux,  » The Reaper  » a un rythme inflexible, clairsemé et lancinant et des couches d’appels vocaux, de gazouillis et de soupirs qui le rendent constamment intéressant. Sur la dernière chanson  » Knowing To Trust « , des embellissements inhabituels, des pads sourds et des synthés bouillonnants forment une toile de fond à la voix haletante et lasse de Gavanski.  Pris ensemble, ils terminent When It Comes sur une humeur soudainement profonde et irrésolue. Entre les houles ascendantes béates et les synthés désaccordés maladifs, il y a une dualité dans ses derniers mots qui résonnent : « Je connais ton visage, je connais ton visage »( I know your face, I know your face).  Dans le silence qui suit, on se demande si c’est un avertissement ou un réconfort.  Peut-être que c’est les deux et aucun des deux. Nous entendons ce dont nous avons besoin. Comme le dit Gavanski, « les mots… pour moi, la plupart du temps, ce sont des pivots. Ils pointent dans une direction mais n’y restent pas nécessairement. » 

***1/2


Love Fame Tragedy: « Wherever I go, I Want To Leave »

9 juillet 2020

Évasion moderne, anxiété et fragilité de l’amour, telle est la problématique de Love Fame Tragedy. En 2018 – 45 ans depuis la tmort de Pablo Picasso -lLa Tate Modern de Londres a organisé sa toute première exposition individuelle de son œuvre intitulée Love, Fame, Tragedy.

L’exposition visait à documenter l’année la plus créative de l’artiste, 1932, et à montrer toute l’étendue de sa complexité et de sa richesse. S’inscrivant dans une trajectoire similaire, Love Fame Tragedy – l’aventure en solo de Matthew « Murph » Murphy des Wombats – nous offre des réverbérations de sentiments personnels et confessionnels intenses sur une collection de dix-sept titres.

Le projet a débuté par un ensemble de chansons que Murph a écrites en 2016 et qui ne correspondaient pas tout à fait au ton du quatrième album des Wombats, Beautiful People Will Ruin Your Life. Son nouvel album sous le nom de Love Fame Tragedy – intitulé Wherever I Go, I Want To Leave – est un recueil de chansons sans fioritures, réunissant une foule de collaborateurs du monde de l’indie, du rock et de la pop, offrant une accumulation introspective de réflexions intimes, de pétarades ndés et de sons de synthé-pop.

Le titre d’ouverture, « 5150 », est une réflexion sur l’évasion moderne. Le morceau fait référence à la loi californienne sur les « individus qui présentent un danger pour eux-mêmes ou pour autrui en raison de signes de maladie mentale ». Parlant de ce morceau, Murph a déclaré : eDans ce cas, il s’agit plutôt de la façon dont je ressens parfois le besoin de m’évader, quelles que soient les répercussions ». Lorsque le désir d’être impulsif est élevé, la satisfaction instantanée peut vous pousser à faire quelque chose de différent : « Désolé, mais certains jours ne sont pas si jolis / Je veux freiner, mais j’ai appuyé sur l’accélérateur » (Sorry, but some days aren’t so pretty / I wanna hit the brakes but I hit the gas).

L’album comprend également le populaire et accrocheur « Pills », avec le chant de l’auteure-compositrice Lauren Aquilina qui s’harmonise avec celui de Murph, et des paysages sonores électroniques, un rythme de batterie et le genre d’accroche qui vous restera en tête pendant des semaines.  « Everything Affects Me Now » est également un titre qui se démarque, avec Joey Santiago des Pixies, Mark Stoermer des Killers et le batteur Matt Chamberlain. C’est un récit optimiste et réfléchi de la lutte contre les événements marquants de la vie adulte.

Ayant volé sans entrave dans le monde depuis son annonce il y a un an, Love Fame Tragedy et Wherever I Go, I Want To Leave sont un récit inébranlable des relations interpersonnelles, du chaos émotionnel et de la complexité de l’amour, le tout en un.

***1/2


Eve Owen: « Don’t Let The Ink Dry »

30 mai 2020

Peu de nouveaux artistes peuvent dire qu’ils ont fait des tournées et chanté en soutien d’un groupe de rock important à la fin de leur adolescence, mais Eve Owen n’est pas n’importe quel musicien en devenir. Owen a collaboré et prêté sa voix alto obsédante à des chansons de The National comme « Where Is Her Head », ce qui a donné lieu à un fil rouge faisant l’éloge de l’artiste et soulevant la question suivante : qui est Eve Owen et pourquoi n’a-t-elle pas de musique solo ? C’est alors que son disque cathartique Don’t Let The Ink Dry a été lancé.

Ne se cachant plus en arrière-plan en tant que chanteuse invitée, le talent musical d’Owen est mis en lumière par des guitares acoustiques apaisantes et de douces ballades au piano. Ses paroles sont crues et introspectives, et sa musique joue sur la dichotomie entre la délicatesse et la puissance. 

Explorant des thèmes comme l’anxiété, l’amour non partagé et l’aliénation, l’album d’Owen est un regard intime sur la vie de la jeune femme de 20 ans à travers une tapisserie d’émotions tissées dans des airs de folk électronique. Enregistré sur trois ans et produit par Aaron Dessner de The National, Don’t Let The Ink Dry est une ode à la jeunesse et à toutes ses complexités. Accompagné de rythmes énergiques et d’harmonies douces-amères, Owen s’impose comme un artiste solo.

En ouvrant avec « Tudor », Owen se présente formellement à travers des chants feutrés sur le sinistre morceau. La mélodie est saisissante du début à la fin – en commençant lentement par un léger pincement de guitare, Owen commence à chanter contre des percussions qui palpitent, apportant une énergie chaotique orchestrée dans la chanson. Sa voix est infligée avec douleur, et s’enfonce et se retire comme un jeu de cache-cache. Le rythme du morceau est stressant, le battement de la batterie ressemble à un battement de coeur régulier, se heurtant aux émotions en spirale d’Owen.

Le morceau de la maturité « Mother » dégage une énergie nouvelle. La chanson s’ouvre sur des rythmes électroniques vibrants, tandis que la guitare et les rythmes rapides du synthétiseur se glissent sous la mélodie. Des voix tendres complètent la chanson, tandis qu’Owen chante l’importance d’avoir une mère intérieure et de suivre son instinct. Il y a une certaine espièglerie dans le morceau, avec Owen qui se plaint à un moment donné, rappelant à l’auditeur que l’artiste sort tout juste de sa jeunesse, bien qu’elle ait une vieille âme.

L’album est un merveilleux patchwork de chansons, cousues pour créer une narration complète. Il y a un son sinistre et effrayant qui ressemble à l’intro de l’album dans « After The Love », un sombre récit de la fin d’une relation. Des couches de sifflements et de fredonnements graves se succèdent tout au long de la chanson, jouant sur la voix enfumée d’Owen, tourbillonnant ensemble en un morceau obsédant.

Don’t Let The Ink Dry est rempli d’affection et de morceaux émouvants, avec des ballades au piano comme « For Redemption » et « She Says » »qui ne manqueront pas de vous émouvoir. Dans le premier titre, , Owen montre ses talents de chanteuse, allant de la voix apaisante des momies au riche falsetto. Sa voix est émotive et captivante, le cœur brisé par son chant frémissant alors qu’elle implore encore et encore, « ne me raccompagne pas chez moi »contre le rythme de construction du piano. En revanche, « She Says », un numéro dédié à ses parents toujours là pourelle est tendre et rempli de chaleur et de compassion.

Il est difficile de ne pas comparer Mazzy Star à « So Still For You ». Les accords de guitare sont similaires à ceux de la chanson de Star portant un nom similaire, « Fade Into You », mais la voix d’Owen est plus fugace, car elle hurle et tremble, réfléchissant à l’impact durable que les mots peuvent avoir sur une relation.

Owen met en avant son registre tout au long du disque, prouvant qu’elle est vraiment à surveiller dans l’industrie. L’album a peut-être des racines dans la musique folk, mais cela ne veut pas dire qu’il manque de couleur ou de vivacité. Des voix envoûtantes prennent la tête de « Blue Moon », un morceau plus graveleux avec des éléments de rock classique, où elle introduit la guitare électrique, tandis que des chansons comme « Lover Not Today » montrent des gazouillis et des voix brillantes de la chanteuse.

Don’t Let The Ink Dry est complexe et riche en émotions, et éblouit à chaque chanson. Le talent d’Owen était évident lorsqu’elle a chanté aux côtés de The National, mais son travail en solo est vraiment merveilleux, car elle raconte des histoires captivantes à travers la musique électro-folk. Chaque chanson est une écoute bienvenue, avec quelque chose pour chaque humeur. L’auteur-compositeur-interprète a maîtrisé des ballades déchirantes comme « For Redemption », mais a prouvé qu’elle pouvait aussi créer des morceaux folk-pop forts comme « Mother » »

Eve Owen vient juste de commencer son voyage, mais il est clair qu’un avenir brillant l’attend, car son album mature et accompli prouve qu’elle est l’étoile montante de la musique indie. 

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Katie Day: « Flood Nertwork »

15 août 2016

Malgré son association avec The Orchid Tapes, la musique de Katie Dey est difficile à situer tant, même si elle revendique une origine australienne (Melbourne). Productrice et compositrice sa musique est, en effet, un étrange amalgame de synthés broyés à tort et à travers, de guitares power pop aux fortes giclées et, pour couronner la distorsion, de vocaux éructés à tue-tête.



Nous sommes ici dans une zone crépusculaire où les idées habituelles de ce que sont la mélodie et l’harmonie n’existent pas et où règne est celui de l’expérimentation.

Day utilise un laptop au maximum de ses possibilités et, sans nous indiquer une moindre image, nous plonge dans les pièces trompeuses des sous-genres et des identités. Flood Network est un réseau où toutes les productions se réclament de l’insolite et de l’inquiétant ; le huit morceaux sont semblables à des interludes dont, fatalement, on peine à démêler l’écheveau.

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